7月25日（金）、26日（土）、27日（日）の3日間にわたり開催された＜FUJI ROCK FESTIVAL’25＞（以下、フジロック）。Qeticでは、＜フジロック＞現地にて、出演したアーティストのインタビューを実施。今回は、26日のFIELD OF HEAVENに出演したアフリカン・ヘッド・チャージ（AFRICAN HEAD CHARGE）のインタビューをライブフォトとともにお届けする。

2023年に12年ぶりの新作『A Trip To Bolgatanga』を発表し、フジロックには2011年ぶりの登場となったアフリカン・ヘッド・チャージ。40年以上にわたり唯一無二の音を紡いできたフロントマン、ボンジョ・アイヤビンギ・ノアに創作の源泉、フジロックへの思い、そして人生を導く座右の銘を聞いた。

──40年を超える活動になりますが、最も創造力が刺激されている瞬間とはどんなときですか？

私は常にクリエイティブであると感じている。11歳で学校を辞めてからというもの、ほとんど学校には通わず、ずっとドラムに打ち込んできた。だから、創造力というのは、私の中で常に流れているものなんだ。また、裕福な家庭ではなかったので、子どもの頃はおもちゃも買ってもらえず、自分で工夫して作っていたよ。そうした経験も、創造力を育んでくれたと思うね。

──新作ではインプロヴィゼーションの比重がより高まっている印象を受けましたが、その“流れ”をどう設計し、導いているのでしょうか？

もちろんリハーサルもやるが、それ以上にドラムは「言語」であり、「コミュニケーションの手段」なんだよ。アフリカでは、ドラムを叩くこと自体が会話なんだ。ドラム同士で対話するように演奏をするし、昔からドラムには「何かを伝える」意味が込められてきた。たとえば「あっちは危険だ」とか「あっちは安全だ」とか、そういったメッセージを伝えるための手段だった。私自身も、リズムだけでなく、”会話”としてのドラムを大切にしている。アフリカにはたくさんの言語があるように、それぞれの言語に対応するようなドラムの“話し方”もまた異なるんだよ。なので、特にその”会話”の要素を演奏に取り入れているね。

──2011年以来のフジロック出演。こうした自然の中でのライブは、アフリカン・ヘッド・チャージにとってどんな意味を持ちますか？

フジロックに出演できると決まったときは本当にうれしかったよ。フジロックだけでなく、日本が大好きなので来られること自体がとても嬉しい。というのも、日本人は、互いを尊重し合う文化があり、本当に素晴らしく感じているからね。

──あなたの座右の銘（一番好きな言葉）は？その理由も教えてください。

すべての人が幸せに暮らし、良い人生を送れるようにすること。それが一番大切なことだと思っている。たとえば、自分が何かを持っていて、他の人がそれを欲しがっているときに、いきなり奪うのではなく、まずは話し合うことが重要だ。そうすれば、分け合ったり、物々交換をする方法が見つかるかもしれない。暴力や力で奪うのではなく、きちんと向き合う姿勢こそが大切だと思っている。 以前、西アフリカにある「ブルキナファソ」という国を訪れたことがあるんだ。当時は軍事政権下でクーデターが起きていて、貧困も深刻だった。まだ小さな子どもたちが、食べ残しを袋に入れて家に持ち帰る姿を目の当たりにして、とても悲惨な状況だった。その後、政府の体制が変わり状況は大きく改善されて、国の資源が人々のために使われるようになり、医療が無料になるなど、人々が安心して暮らせるようになったんだ。もちろん、地方ではいまだに水不足や衛生面の問題もあるが、それでも軍事政権時代に比べて、国が「人のために資源を使う」ようになったことで、国民の暮らしは豊かになり、希望が生まれた。 人々が幸せに暮らせるようにすること。そのために、話し合い、分かち合う。そんな考え方を大切にしている。

2023年9月、UKダブ界のレジェンド・プロデューサー、エイドリアン・シャーウッド（Adrian Sherwood）と共に来日し、国内ツアーを開催したアフリカン・ヘッド・チャージ（African Head Charge）。ツアーでは国内からはGEZANも登場し、それぞれのダブを披露して観客を熱狂の渦に巻き込んだ──あの灼熱と興奮の9月は、本当に一ヶ月前のことなのだろうか？ ツアー直前、アフリカン・ヘッド・チャージのフロントマン、ボンジョ・アイヤビンギ・ノアに話を訊くため、渋谷へ向かった。トピックは最新作『A Trip To Bolgatanga』について。「ボルガタンガへの旅」の話は、ボンジョが人生をかけて探求してきたドラミングと、それにまつわる歴史や思想についてまで、掘り下げられていった。 話の聞き手は日本のレゲエ・クイーンPUSHIMの最新作『Dialogue』や新鋭レゲエバンドASOUND、レゲエディージェイのホープZENDAMANの作品プロデュースでも知られ、ジャマイカと東京を拠点に置くプロデューサーレーベル〈MEDZ MUSIC〉のプロデューサー／ベーシストのCHALLIS、A&RのMaasa Sano。2人が自己紹介すると、ボンジョは「君はレゲエ・ミュージックを作っているのかい？ヤーマン！」と応え、流暢に話をはじめた。

──取材の直前までアルバムを聴いていて、タイトル通りアフリカにトリップしていたような気持ちです。そして、何より音楽から生活が見えました。実際、どういう生活を送っていたんですか？

アフリカにはとても多くの言語やドラムのスタイル、ダンス、生活が溢れているんだ。アフリカに降り立った時、私は赤ん坊のような気持ちでそのすべてを熱心に吸収していった。ガーナのアクラに住んでいた時は、そこにいた人たちからドラミングとダンスの様式を学んだ。アシャンティの中心的な都市、クマシに行けば、また別の表現がある。そういった多種多様な文化を見て学んでいった。そしてボルガタンガへと渡り、フラフラ族とコロゴと呼ばれる2弦ギターに出会うことになる。これらの文化や技術をパンデミックの間に習得して、作品にまとめたんだ。100歳になろうと、学ぶことに年齢は関係ないよ。私のコロゴの技術はまだ作品で披露できるレベルではないけど、このアルバムではキング・アイソバが2曲弾いてる。アルバムのオープニングナンバーもそうだ。

──旅で印象に残っていることは？

ボルガタンガの後、ブルキナファソに向かった。ボルガタンガは大変暑い。街にはプールがあって、どこでも泳ぐことができた。暑さを感じてプールに飛び込んでも、プールから上がるとすぐに乾いてしまう。その感覚が大好きで、ジャマイカのフィーリングに近いものを感じた。ボルガタンガは人々がとても楽しそうで、多くの人がモーターバイクを乗りこなしていた。ムスリムをはじめ色んな人がいるけど、その違いはどうでもいい。ラスタである私にとって、最も重要なのは清廉に生きること。ボルガタンガに住めば、たちまち楽しく暮らすことができる。

──ラスタのマインドと通じる部分があるんですか？

そうだね。西アフリカから多くの奴隷が運ばれる中で、ボルガタンガの人々も多く連れて行かれた。なぜなら彼らは体が大きく、体が強かったから。そしてボルガタンガの人々は厳しい労働を課せられた。彼らはタフだったんだ。

──そのタフな感じはアフリカンビートに表現されているのでしょうか？

そう。彼らのダンスに表現されていると思う。特に肩を使うダンスはとてもアグレッシブだ。アシャンティの人々は優美に踊るが、ボルガタンガの人々はタフでエネルギッシュに踊る。

──そういった部分から影響を受けて完成した作品なんですね。

そう。それはボルガタンガに限らず、アクラをはじめとしたガーナのあらゆる場所から影響を受けた。私は多くの部族と出会い、点在する多くの部族から学びたい。コンゴ奏者もガーナ出身で、彼らはアクロバティックで、エンターテイメント精神に長けていた。特にドラムはアフリカから影響を受けていて、それは奴隷主が「プレイを止めるな」と奏者に指示をしていたことに由来する。

幼い頃はジャマイカにあるポコ（ポコメニア｜アフロ・クリスチャン教会）に行くと、伝統的なドラムを学ばせてもらえた。そこで学んだことが多いね。ただジャマイカはカトリックの力も強いから、ポコで学ぶようなドラミングは悪魔的なものだから叩くべきじゃないと非難されることも多かった。だが、集会をまとめていたマザー・ヒバートという人物は理解があって、私はそのドラムを学ぶことができた。

その後、私がロンドンに行ってアフリカのバンドとプレイをしていた時、アフリカ出身のプレイヤーばかりの中で、ジャマイカ出身だった私のプレイはファンキーだったと気づく。そして私はフェラ・クティと出会い、彼から多くのことを学んだ。それは「演奏する時は、ひたすらリピートしろ」ということさ。リズムを構成するパートの一つとして、ドラムは機能し続ける。そうして私の今の音楽の土台ができたのさ。

──僕もナイヤビンギの集会でベースを弾いた経験があります。ドラミングは神様に捧げるような意味も持っていますよね。

その通り。ポコのドラミングはとても速い。1930年にハイレ・セラシエがやってきた時、ラスタマンたちはポコのフレーズはスローに演奏した。ナイヤビンギのドラムはクミナというポコのドラミングに由来しているんだ。

ただジャマイカ人はその音楽を望んできたわけではない。あまりに黒く、アフリカらしすぎるからあまり好まれなかったが、私はそれが全てだとは思わない。なぜなら、私はそのドラミングが好きだから。カトリックや他の教会に行くとドラムは聞こえてこないが、ナイヤビンギやポコではドラムを聞くことができる。私はドラムに導かれてきたといっても過言ではない。キングストンではカトリックの方面にも興味を持ったが、好みではなくやめた。魂がそれを欲していなかったから。私の魂が欲していたのはドラムだったんだ。だから、11歳で学校に行くこともやめた。

生まれ故郷のクラレンドンとは違い、キングストンには家族がいなかった。だから学校を出た後、私は誰かの家やどこかの墓地で寝たりしていた。若い頃の私は恐れ知らずだった。1960年代初頭で11歳か12歳の頃、私はバッグと短刀を持ってとある丘に向かい、そこでアキーの実を摘んで、それを女性に渡してお金をもらったりもしていた。他の人はその丘へ行くことを恐れていたが、アキーの実を4ペンスで売って、私は生活していた。ジャマイカが1962年に独立したことに似ていて、私もインディペンデントな活動をしていたんだ。その時にはポコが大好きで、カリンダ（*黒人の労働歌）に共感したり、キャンプに参加したりもしていた。私はラスタの第一世代で、そこにはレナード・ハウエルなどのラスタファリアニズムのオリジナルメンバーもいた。それに、ラスタを導いてきたクラウディアス・ヘンリーたちは私の祖父母のような存在で、彼らに色んなことを質問して、多くのことを学んだ。それこそ真に学んだことのひとつは「私たちは神である」ということ。神を見たければ鏡を見ろ。創造する力こそ神の力で、創造する力は太陽であり、月であり、水であり、風であり、地球でもある。万物は創造する力より生ずる。そして同時に、それは特別な人間を養成する。ラスタ・ムーブメントは痛みからの救済を目的としていて、それはあらゆる意味において、心身の隷属からの救済でもある。

痛みを治癒する前に、救済をされるべき。もしあなたの祖父母に何か悪いことが起きれば、それは次の世代に影響が及ぶ。ラスタはその救済を行うために必要なんだ。私はそういう教えのもとに育った。ラスタやポコの人々とずっと一緒にいた時、私は悪い子供だったかもしれないが、ラスタの考えが大好きだった。教会に通うのは7歳で辞めてしまった。行きたくないし、歌いたくもなかった。なぜなら、私はポコの教会に行きたかったから。私にとってそこは天国のような場所だった。

──ありがとうございます。ボンジョさんにとって、自分のルーツであるアフリカン・ミュージックを辿って表現した音楽をダブにするのはどういう意味があるのでしょうか？

私はレゲエ・ミュージックの中でアフリカン・ドラムをやりたかった。多くの人々にとってはそれが受け入れられなかったが、私は納得していなかった。けれども、ダブがその融合を成し遂げたんだ。ダブを本当に愛しているよ。そうして私がやるべきことを成し遂げた。エイドリアンのような人と出会えたのは本当に幸運だったよ。彼は実験が好きなんだ。ほとんどのプロデューサーはやらない、レゲエの中にアフリカン・パーカッションを入れるという普通じゃないことを、私はやりたかった。

──ボンジョさんの話を聞いて、日本でレゲエをプレイしている私たちにも本質的に通じる部分があると思いました。

音楽は精神的であり、身体的でもある。人々は音楽を、アートとしてプレイしない時もある。つまり、音楽を音楽として演奏すると言ってもいい。でも、音楽を演奏する時、精神と魂、身体がそこに存在している。音楽を聴いてリラックスする時、それは治癒でもある。ダンスを踊ることにはまた別の効用がある。そしてドラムには、それら全てがある。

私は自分の音楽的なキャリアについて計画を立ててきたわけではなくて、偶然でしかない。私は学校ではなく、偉人の模倣をしながら、演奏する中で全てを学んできた。11歳で学校を辞めてからは、ドラムが私の人生になった。ある時にはオーディションに行くこともあったし、新聞で募集していたコンゴ奏者の求人に行くこともあった。仕事はまちまちだったが、ジャズの現場で演奏する仕事をもらった時もあった。ジャズには即興のソロがあって、他の人が私にその時間を振ると思って、一日中勉強したこともあった。その日の夜、ステージに立ってソロを演奏したことは40年経った今でも忘れられない。そんなに稼ぎは良くなかったけどね。私は今でも学び、練習を続けている。レゲエをプレイすることは私の一部だが、人々がすでに成し遂げたことではなく、何か別のことをやりたいと思っているよ。

──ボンジョさんの人生はドラムに導かれていますね。これから向かう未来はどういった道になると思いますか？

異なる民族について学び続ける。今度はアフリカに行ってエウェ族について学ぶ。次のアルバムはエウェ族やまた別の場所への旅になると思う。他のドラミングについて学びたい。そしてそこでの出来事を人々にシェアする。それがやりたいこと。

──ドラムの旅はこれからも尽きることはなさそうですね。

ナイヤビンギやフンデ、サンダードラム、ケテドラムも、幼い頃に教わった。そしてポコのドラミングを習ったが、まだまだ多くのドラミングが存在している。年齢なんて関係なく、何歳になっても学びを続ければ、それが生活の助けになる。もっと学ぶ。学び続けるよ。日本にも色々なドラミングがあるから、ぜひ学びたいと思っているよ。ドラミングにおいて一番大切なことは先祖の存在を感じられることなんだ。自分がドラムを叩いていると、周りに先祖が集まって、一緒にドラムを叩いているような気持ちになるから。

▼来日公演のイベントレポートが公開中 ADRIAN SHERWOOD presents DUB SESSIONS 2023 / ダブってこういうことか!!!思わずそう叫んでしまいそうな、そんな一夜だった。Dub Sessions 2023のイベントレポートが公開!

2023年9月にツアーで日本国内を回ったUKダブ界のレジェンド・プロデューサー、エイドリアン・シャーウッド（Adrian Sherwood）。彼の活動は止まることを知らず、共に国内ツアーを回ったアフリカン・ヘッド・チャージ（African Head Charge）の最新作『A Trip To Bolgatanga』のみならず、スプーン（Spoon）やパンダ・ベア＆ソニック・ブーム（Panda Bear & Sonic Boom）といったUSオルタナティヴシーンの大御所の作品を丸ごとダブワイズした作品を発表し続けている。

そんな彼が制作を進めているという自身の次作は、ドルビーアトモス（Dolby Atmos）を活用したサラウンド・サウンドの作品になると語る。彼が来日したその前週には、イギリスでドルビーアトモスを使ったサラウンドシステムで行う世界初のダブ・ショーを開催し、大盛況で幕を閉じた。そしてここ東京でも、ドルビーアトモスを使用したまったく新しい体験を届けるダブ・ショーの開催を予定しているという。

Qeticでは、絶やすことなくダブの研究を続けるエイドリアンにインタービューを実施。聞き手は日本のレゲエ・クイーンPUSHIMの最新作『Dialogue』や新鋭のレゲエバンドASOUND、レゲエディージェイのホープZENDAMANの作品プロデュースでも知られ、ジャマイカと東京を拠点に置くプロデューサーレーベル〈MEDZ MUSIC〉のプロデューサー／ベーシストのCHALLIS、A&RのMaasa Sanoが担当した。

──〈On-U Sound〉は1979年に設立されていますよね。僕（CHALLIS）が生まれた年でした。

本当に？（笑）実は80年の終わりに始まってるんだけどね。

──40年間以上ダブに携わっているエイドリアンさんは、ダブの何に惹きつけられたのでしょう？

ダブのことを“シーン”だと思ってない。ジャマイカのラブソングやヴァージョンがすごく好きで、とにかくレゲエのファンなんだ。ジャマイカのユニークなところは、良いリズムが何百個もあって、そのうちの1〜2個はダブ・ヴァージョンだったりする。俺がすごく好きなのは、そうしてヴァージョンが進化していくこと。「ダブ・ミュージック」って言う人がよくいるけども、自分にとってはジミ・ヘンドリックスだってダブだ。それをリバーブやディレイを使って工夫する過程が、とにかく好きなんだ。すごく楽しいよ。最近はあまりやる人がいないけど、ライブミックスは計算されていないからこそ、毎回フレーバーも変わる。

──僕のレーベルの音楽のステムデータがいっぱいあるんですよ。それで最近僕もダブを作ることをしていて。

卓は何を使ってるの？

──色々あるんですけど、ALESISを使ってます。

ALESIS！　イギリスに大きい卓を持ってるよ。明日はMIDAS VENICEの小さいのを使ってやるよ。イギリスだと1,000ポンドで買えるけど、日本だとそこまで高くないかも。昔のRoland SDE-1000とSDE-3000D、あとYAMAHAのSPX990、それにEVENTIDE。それで新しいスプリングリバーブを加えると、7,000ドルくらいですごくアナログな良い音のセットアップが作れるよ。全部書いてあげようか（笑）？

──最近のスプリングってなんですか？

イギリスで買ったんだ、それも1,000ポンドくらいだよ。名前を忘れちゃったけど、メールで連絡をくれれば教えるよ。これからイギリスのエンジニアを起こすのは可哀想だからね（笑）。明日のライブで使うEVENTIDE H9とEVENTIDE SPACEは最高だよ。

──これをiPhoneで操作できるんですか？

そう。iPadでもいい。H9とSPACEは小さいからね。Bluetoothをオンにして、H9の電源を入れてから自分のプリセットを入れてプレイするんだ。次のページにいったらデジタル／アナログ・ディレイとかスプリング・リバーブが入っていて......もうクソ最高だよ。それしか必要ないんだ。アドバイスをするならばH9とSPACEを買って、日本だとすごく安いSDE-1000とかをディレイ用に1万くらいで買う。スペースエコーのペダルだけでも良いね。明日はEVENTIDEのディレイ、SDE-3000、SPX990、H9、SPACEそれと、最近一番のお気に入りでErica SynthsのZEN DELAYを使う。機材は日本から安く買って全部揃えたんだ、最高に良い音を作るよ。観にくるでしょ？明日はいま言った機材しか使わないし、それしかいらないんだ。

──わかりました。ちなみにいまALLEN&HEATHっていう卓を使っています。

いいね。それで十分だよ。チャンネル数は？

──24チャンネルです。

32の方がいいよ。リターンするときに2つは必要だからね。さっきのセットだとエフェクトだけで10個はチャンネルを使う。それでステムだと22個は必要になるからね。もっと研究したかったら……内田直之さんって知ってる？日本で一番良いエンジニアで、あの人はアナログをすごく理解してるんだ。

──ありがとうございます。ダブを作る時っていうのは、基本的に感覚でやってるんですか？

音楽はどうであれ音楽でしかない。ドラムやベース、ピアノにボーカルが重なって......それで結局はフィーリングだ。何度も練習するしかない。

──それがライブでは毎回違ってくるわけですよね。

そう。3つのパスに4つのミックス、それをパソコンに読み込ませて、最初の16小節をクロスフェイドさせたりして、その中で一番良いミックスを作る。それを数個作って、例えばシンプルなミックスとクレイジーなミックスを作ったら刻んでブレンドして、最終的に形にしていくよ。たまに1つのミックスで完璧な時もあるけどね。ミュージシャンの仕事が終わって曲がすでにできているから、それからは自分の時間だね。

──エイドリアンさんはプロデューサーとしても活躍されています。プロデュースにおいて、最も大事にしてることってなんですか？

バンドのレコーディングをしているとして、“誰のためにやっているのか”で変わってくる。バンドのためにやっていたとしたら、まずバンドを満足させなくちゃならない。

──エイドリアンさんが満足するのはどういう時ですか？

まず、良いレコーディングになってる時はやっぱり嬉しいよ。演奏もそうだし、あとはトーンが合っていること。そしてパフォーマーが満足していることかな。今はレコーディングもデジタルになってるけど、バンドのために良いスタジオを取ってレコーディングをすると、結果的には後から手を加えずに済んで予算が抑えられる。デジタル・レコーディングであっても、そこにライブパフォーマンスの要素を入れるんだ。君はベーシストだよね？打ち込みじゃなくて自分で弾いた方が好きだし大事だと思うよ。ちなみに君はジャマイカに行っているようだけど、どんなアーティストと演奏をしているの？

──アール・チナ・スミス（Earl "Chinna" Smith）と一緒に演奏していて、彼に全てのベースラインを教えてもらいました。

チナ！　最高の友達だよ。チナの“Fade Away”は人生で聴いたなかでも最高のレコードだ。よく彼のジャマイカの家に行くよ。

──彼が僕のメンターなんです。　

彼はダイアモンドみたいな存在だよね。君はどんな曲を作るの？

──これが最近作った作品です。（PUSHIM“いつも君を観てる太陽”をプレイ）

いいね。しかも日本語で歌っている。グレゴリー・アイサック（Gregory Isaacs）の“Slave Master”のリディムだね。素晴らしいよ。グレゴリーがロンドンで初めてショーをやったのは1973年で、その時俺は15歳だった。それから彼の音楽を聴き始めたんだ。グレゴリーはその時給料をもらえなかった。それでツアーの最中に“Thief A Man”って曲を作って《Thief a man, you're just a part of Babylon's plan》《Give mi my gun, say, mi waan my gun》と歌っているよ（笑）。

──ロッカーズですね（笑）。あとはスライ（・ダンバー｜Sly Dunbar）とも交流がありました。

そうだね。彼は俺の最初のアルバムでもプレイをしているよ。君がスライとベースを弾いたこともあるのかい？

──そうです。その時のキーボードはフランクリン・バブラー・ウォウル（Franklyn "Bubbler" Waul）でした。

フランクリン？　次に会った時に、俺からの愛を伝えておいてね（笑）。CHALLISが作る曲はすごく良いよ。ちゃんとしている音楽を作るんだね。俺にとっての最上の褒め言葉は「ちゃんとしてるよ」だよ。

──ありがとうございます。近年、スプーンやパンダ・ベアなど、オルタナティヴなロックなどレゲエ以外のジャンルをダブにする仕事を手がけてらっしゃいますよね。

レゲエはずっと好きだけど、もちろん他の音楽も好きだ。スプーンは複雑なコード進行だったり、骨の折れるような構成のレコードを作るかなりハイレベルなミュージシャンのバンドだよね。俺はミュージシャンじゃないけど、周りに素晴らしいミュージシャンたちがいて、あのダブレコードを一緒に作ってくれた。パンダ・ベア＆ソニック・ブームもそうさ。これらの作品は、例えばアフリカン・ヘッド・チャージのレコードとも全く同じようなものだよ。同じテクニックが使われているし、音の温かみやアプローチは一緒。違いはダブ作品を作るために雇われているという部分。そこでお金ももらえるから、自分のレコードに全て費やすのさ（笑）。

──レゲエ以外のジャンルをダブにするにあたって一番の楽しみを感じる瞬間は？

音をマジで最高にする瞬間だよ！（笑）スプーンの作品を最初に聴いた時はやっぱりロックのレコードだと思った。作品はものすごく良い。それから、音の配置を少しづつ変えていって、鮮やかで暖かい音にしていく。俺はレゲエが好きだから、レゲエのテクニックを使って魔法をかけていくんだ。

──これから新しい自分のアルバムを作っていくと思うのですが、どのような作品になりそうですか？

最近、俺はドルビーアトモスを使っているんだ。すごく楽しいよ。とても複雑だからエンジニアにやってもらっているけど、アナログのステムを大胆に聴かせることができる。スピーカーを10個くらい配置して聴くと信じられないくらいサイケデリックになるよ。

作品はドルビーアトモスで作ってる。その作品は「エイドリアン・シャーウッドとリー・ペリーがイカれたサラウンド・サウンドで出会う」といったものになるだろうね。〈On-U Sound〉からは来月、Creation Rebelの新譜が出る。その次はきっと俺の作品になるだろう。ただ、別に急いでいるわけじゃないんだ。最高にクールな作品を作りたいから。今はストリーミングで採算を取るのが難しいから、気軽にリリースできないよね。

──エイドリアンさんが映画館などの空間でプレイするライブが観れるかもしれないと。

先週の木曜日、ロンドン・ハックニーにあるEartH Theatreで初めてアトモスを使ったショーをやったんだ。とても美しい場所だったよ。世界初のサラウンド・サウンドのダブショーになったよ。凄まじかった。音に360°囲まれながら、ヴィジュアルも蠢いている。お客さんも盛り上がったね。それと、スピーカーが12個あるからめちゃくちゃ熱かった（笑）。今はそのショーをドイツやパリ、東京でも実現させたいね。

──とても楽しみです。ドルビーアトモスを使った音楽イベントを思いついても、ダブをやろうという発想にならないと思うんですよ。でも、ダブこそドルビーアトモスと相性が良いと思います。

そうだね。でも、俺は音をバンバン回すよ。音をもっと強く、原始的にしていくのさ。ドルビーアトモスのことを聞いたとき、このシステムは俺のために存在していると思ったよ。40年前にも似たような環境のスタジオで、より空間的なダブをプレイすることを試みたけど、それは広まらなかった。だけど今はドルビーアトモスがある。サイケデリアには最高な環境だよ。

──新しいダブの可能性を感じます。

ダブを作る作業はチェスと同じようなもので、何手も先まで先を考えなくちゃいけないんだ。それに作ったミックスを6時間ぶっ通しで聴き直すような作業もする。ダブを作るのはシンプルなプロセスじゃない。ドルビーアトモスのための音を作るのには何週間もかかったよ。その結果として、観客だけじゃなくて、Appleのボスみたいな人たちからも最高の反響を得られたわけだ。19歳の時からダブを作り続けてきて、こうして歳を重ねてきた。でも俺はまだ年老いたとは思わないし、今が俺のピークさ。

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