──今作『ALL HAZE』はどんな作品にしようと考えていたのでしょうか。

砂原　最初から明確なテーマを決めていたわけではないですね。EP、ファースト、さらにもう1本EPを出す中でライブも重ね、メンバーそれぞれに変化があった。その延長線上で自然と制作に入ったという感じです。

今井　前作と比べると、音数を減らそうという意図はありました。オーバーダブなど“余分なもの”をもっと排除して、それぞれのパートをよりくっきり見せる。結果としてバンドとしての一体感がより強く伝わるようになったと思います。

──タイトルの『ALL HAZE』は、どんなイメージから名付けられたのですか？

今井　4人それぞれの要素が霧のように溶け合い、混じり合っていく──そんなイメージを込めました。音はシンプルに整理されていても、個々のパーソナリティがにじむように存在している。それが“HAZE＝霞”という言葉に象徴されていますし、アルバムのアートワークともつながっています。

──音数は整理されているけど、制作面では4人のパーソナリティが滲み合うような……。

今井　そうです。今回は曲作りの過程でも、お互いの出す曲にもっと踏み込んだり、新しい組み合わせで取り組んだりと、より複雑に絡み合った感じがありますね。

砂原　当初は僕とLEOくんが中心メンバーで、他の2人はサポート的なスタンスに見える場面はあったかもしれません。でも実際には最初から4人で「バンド」としてやっていますし、今作では完全にイーブンな立場でやれている気がしますね。

──以前のインタビューで砂原さんは、「ロックとテクノを融合させる上でファンクが機能した」とおっしゃっていました。そうした感覚は今作でもありましたか？

砂原　うーん、確かにバンドを結成した当初は「ロックとテクノの融合」や「ファンク」みたいなワードを出して方向性を確認していました。でも今は、そういうふうに言葉で共有する必要はほとんどないですね。「4人でやればこういう音になる」という感覚が、言語化以前に共有できているというか。そういう意味では極端に「違う」曲が出てくることもないし、ジャンルで確認する段階はもう過ぎたと思います。結果的に「ロックとテクノの融合」や「ファンク」をやっていたとしても。

白根　さっきLEOくんが言ったように、今回は最初に出した曲のアイデアにみんながどんどんコミットして混ざっていく感じが強かったんです。たとえば「Dry Action Pump」は、僕が最初にアイデアを持ち込んだのですが、そこからどんどん変化して熟成・発酵し、最終的には大豆が納豆や味噌になるように（笑）、全く別の形に変化していった。そういう変化は以前より多くなりましたね。

永井　ただ、曲自体は前からあったものも多く、「Rabbit Hole」や「Dry Action Pump」あたりは去年の時点で存在していました。制作を進めるうちにアルバムのコンセプトが見えてきて、それに合うなら既存のデモも採用する。そういう形だったのでストックはあるし、「なけなしの9曲を詰め込んだ」という感じではなかったんですよ。プロセス自体は今後もこのやり方で進むんじゃないかと思います。あと、僕は歌う曲が増えました（笑）。

──確かに、声の多層性が増して、バンドらしさがより強まった印象です。

砂原　僕以外の3人が歌ってますからね。

今井　曲によっては、以前は私が9割くらい歌っていたものが、今回は7:3くらいに分散されていて。コーラスも増えましたし、その分立体感が自然に出ていると思います。白根さんも今回は歌っていますし。

白根　メインじゃないですけどね。それに、砂原さんも歌えることがわかったから次は……。

砂原　いやいや、僕は歌わないですよ、歌えないし（笑）。

白根　でも電気グルーヴのときに「歌えるんだな」と思いましたよ。「ママケーキ」で。

砂原　あれは歌じゃなくてセリフです（笑）。

──シングルカットされた2曲目の「Vapour Cream」は、中でも特にミクスチャー要素が強い曲ですよね。

砂原　これはアルバムの中では最後にできた曲です。僕はどんなプロジェクトでも基本的に“後出し派”で、後から出すことで全体を調整したいという意図があるのですが、今回なかなかいいモチーフが出てこなくて。後になればなるほど“アルバム全体の中の一曲”としての的がどんどん狭まっていくじゃないですか。

プロセスとしては、僕がまず土台を作り、それをLEOくんに渡したり、永井くんにギターをお願いしたりして仕上げていきました。ドラムはこの曲のために新録したわけではなく、もともとバラで録ってあった素材や使っていなかった音源を再構築して組み合わせてます。永井くんのギターはこの曲では割とミニマルで、シンセ的なアプローチですよね。“ギターっぽくない音をギターで出す”という機会はこれまでなかったので、新鮮でした。

永井　あれはミッシング・パーソンズですね。オクターバーやワーミーを使うアプローチは昔から自分の中にあって、ある意味“遺伝子”のようなものなんです。最初にインストのデモトラックを聴いた時点でそのアイデアがすぐ浮かんだし、やることもすぐ決まったぶん手離れも良かった曲ですね。

──今井さんのスキャットも、ちょっと“ケチャ”みたいで強く印象に残りました。

今井　おっしゃる通り、あれはケチャがモチーフです。歌詞を書こうと思ってこの曲のイメージについて砂原さんに聞いたところ、「積乱雲」というキーワードが出てきた。そこからイメージを広げていきました。積乱雲って、生クリームのようにも見えるじゃないですか。蒸気がクリーム状になって、空に広がっていくようなイメージ……それが私の中でなぜか“ケチャともリンクして（笑）。バリの空、特にモンスーンの時期の空気感とも重なっていったのかもしれない。つまりこの曲は“天気の移ろい”を歌っているんです。この世のすべてはアップダウンでできている──そういう感覚を表現しています。

──「無常」といいますか。

砂原　そう。アルバムを作っているときに「無常」というキーワードも出ましたね。タイトルとして「ヘイズ（霞）」が最初に決まって、それに関連するテーマを探していたときに「無常」に行き着いた。何を考えても結局は無常に帰結する……という感覚ですね。

──そういえばCorneliusにも「無常の世界」という曲があります。形あるものはいつか消えてなくなる……そんな「無常感」を、歳を重ねていく中でより強く感じますか？

砂原　もちろん、人生経験の中でそう感じる部分もありますが、それだけではなく物理的なレベルでも「無常」は避けて通れない。小学生のときに宇宙の始まり、ビッグバンで空間が生まれた……みたいなことを考えていて。その時点では 「無常」という言葉を知らなかったとしても、それと同じことを考えていたわけです。人間は、生きていれば自然とそういうことに向き合わざるを得ないのかなと思いますね。

──「Neuromancer」はどのように作られた曲ですか？

永井　“Neuromancer”という響きがまず浮かび、そこから肉付けしていった感じです。ちょっと80年代寄りのポップロック的なアイデアが。自然発生的に出てきたのも大きかったと思います。

今井　確か、アルバムの中に鋭いギターで始まる曲があるといいねみたいな話を4人でしていて。永井くんが最後に出してきたデモがこれでした。

永井　僕自身クイーンが好きで。彼らって4人とも曲を書くじゃないですか。で、それぞれの曲の始まりが、そのメンバーのパートになっていることが多いんですよ。

砂原　え、そうなの？

永井　そう。たとえばギターで始まる曲はブライアン・メイ、ドラムで始まる曲はロジャー・テイラー、ボーカルで始まる曲はもちろんフレディ、みたいに。今回、自分の中でそれを少し意識して持ち込もうとしたんです。結果的にシンセ始まりにはなったのですが（笑）。

──そしてタイトル曲の「ALL HAZE」。とてもメランコリックで、美しいメロディラインが印象的でした。

白根　これは僕が出したデモがもとになっていて、これまであまりなかったタイプの曲になりました。歌もの寄りで、ハーモニーもあって、二声、三声で歌う部分もある。バンドのカラーからは一番遠い楽曲だったんですけど、「こういうのを投げてみたらどうなるかな？」と。結果的にこの位置に収まったのがちょうどよかったと思います。

今井　デザートみたいな存在の曲ですね。ちゃんとしたコースメニューの最後にデザートが出て……でもその後にちょっとしょっぱいものが来る、みたいな。ディナーの締めとしてのバランスです。

白根　アルバムはディナーと同じ、ということですね。

今井　そういうことです。

──そういえば、ファーストでは「夜から朝にかけて」という時間の流れが意識されていました。

砂原　今回は具体的なテーマがあったわけではないのですが、それでもアルバム全体に流れるストーリーのようなものは自然と浮かび上がりましたね。

永井　僕は90年代にCDで育った世代なので、「頭3曲で掴まれるかどうか？」みたいな感覚が強いんですよ。バイト代を貯めて買ったCDを、最初の3曲で「これは当たりだ」と思えると本当に嬉しかった。今回のアルバムもそういう作品になっていたらいいなと思います。

──確かに、序盤で引き込み中盤はディープに、そして終盤はメランコリックに……という流れがありますよね。

永井　そうそう。そして最後に「Initiation」で締めることで、また「Dry Action Pump」に戻るような循環を意識しました。

──アンビエント寄りのインスト「Initiation」で終わることによって、循環性を持たせると同時に次作への“予告編”のようにも感じます。

永井　まさにそうです。この曲に副題をつけるとすれば「to be continued…」という感覚ですね。

──歌詞についてはいかがでしょう。今井さんは前作と比べて、社会への懐疑や風刺のような視点が強まった印象があります。例えば「Dry Action Pump」は、SNS社会や匿名性、現代的なアイデンティティの希薄化といったテーマを連想しました。

今井　確かにそういう解釈もできますね。この曲は、デモを聴いたときにジャーマン系のアンダーグラウンドなボンデージクラブの映像が浮かんだんですよ。たとえばインダストリアルなビートの感じとか。実際にそういう場所に行ったわけではなく、映画とかで観たイメージですけどね（笑）。歌詞のモチーフは、そんなふうに特定の映像──そのとき観ていたニュースやドラマから来ることも多いです。ちなみに「Deleter」は、死神が近づいてくるようなイメージで書きました。終わりは必ずやってくるけれど、それにどうしても抗いたい。そういう感覚を歌った曲です。

──今井さんと永井さんが歌詞を書いた「Rabbit Hole」は？

今井　これも、ある意味「Dry Action Pump」と似ているかもしれません。「俺を助けてくれ！」という叫びですね。

永井　え？そうなの？（笑）。この曲は最初に僕が書いて、途中からLEOくんにパスして二人で組み立てたんですよ。僕の場合、どうしてもSFか内省か、その二択から始まることが多いのですが、「Rabbit Hole」は完全に内省寄り。自分の心の奥を書いたものです。「本来はこういう人間です」っていう。

今井　「ラビットホールにハマる」って、本来はネガティブな意味合いが強いですよね。思考が堂々巡りしてダウナーに依存していくような。

永井　そうそう。でも僕の場合は、実際に飼っているウサギとも重なっているんです。家にフレミッシュ・ジャイアントっていう大型のウサギがいて、体重5キロ以上、中型犬みたいなんですよ（と言って、写真を見せる）。

砂原　え、前に見せてもらったより大きくなってない？

白根　ほんとだ、ちょっと羊みたい。

永井　そうなんですよ、なので最近ラム肉が食べられなくなっちゃって（笑）。「Rabbit Hole」って言葉は、スラング的には悪循環やバッドトリップを意味するけど、僕にとっては「ウサギとの生活」という日常ともリンクしてるんです。ずっと前からあった曲なんですが、今回ようやく形にできました。

──全体的に、今回特にチャレンジした部分や、新しく試みたことはありましたか？

砂原　そもそも「存在しなかった曲を作る」という時点で、新しいことをやっているわけですからね（笑）。手法そのものは特別変えていないんですが、意識としては、音数を整理して減らすというのはありました。それは変化でもあり、自分たちにとっては新しい試みとも言えると思います。とにかく「変化してきている」という実感はあります。

永井　僕は「今の機材じゃ物足りない」と思うとすぐ新しい機材を買ってしまう。なので毎回赤字なんですよ（笑）。だいたいミュージシャンってそういうものかもしれないですけど。「新しい音が欲しい」と思ったら機材を変える。その瞬間にインスピレーションが変わって、アプローチそのものが変わるんです。

砂原　細かいところで言うと、以前はコンピューターで音を作って「どれだけクリーンにするか」を重視していました。でもここ数年で「やっと理想のクリーンな音が出せる」と思ったら、今度は逆に「汚したい」という気持ちになってきて。そこで今回は、カセットテープに録音したような質感をシミュレートするプラグインをけっこう使ったんです。今まで「汚す」方向にはほとんど行っていなかったので、自分にとっても新鮮でした。

今井　なるほど、だから中域が特にサチュレーションされて心地よく飽和しているように聴こえるんですね。ライブで鳴っているTESTSETの音に、より寄り添った感覚があります。

永井　俺のギターも、そのテープシミュレーターに突っ込んでるんですか？

砂原　一部の曲ではやってますね。でもむしろ多いのは歌とシンセです。高音域の出方も変わったし、中域の飽和感も違う。ちょっと“破損している”ような質感も出せるんですよ。最近のシンセって、プラグインを立ち上げるとすごく綺麗で真っ直ぐな音が出ますよね。でもそれだと面白くない。なのであえてテープに突っ込んでレベルを変えたり、消して録り直したりして質感を作るんです。テープの種類もメタル、ノーマルなど選べるし、回転数なんかも変えられる。今回は特にシンセと歌をそういう処理で仕上げました。

──今回のアルバムが完成して、TESTSETとしては次にどんな方向に向かっていきたいと考えていますか？

永井　まだライブでやっていない曲が大半なので、どうなるかは僕ら自身もすごく楽しみですね。

砂原　さっきLEOくんが言ったように、ある意味「ライブで演奏するために作った」という側面もあるんです。まずは今回の曲をレパートリーに入れてみて、そうするとコース料理の出し方というか、演奏のバリエーションが広がる。その中で何本かライブを重ねていくうちに、また自然と次の作品が生まれていくと思います。

今井　ファーストからセカンドへの流れを考えると、今回はジャンルで言語化するよりも「自分たちの曲をリファレンスにする」感覚が強かったと思います。「これはTESTSETらしい」とか「あの曲っぽい」とか。だから次は、この新作も含めて過去の作品をデータベースにして、「もっとこういう曲が欲しい」とか「ここの要素はいらない」とか、そういう取捨選択をしていくんじゃないかなと思いますね。

白根　ライブでどう受け取ってもらえるのか、どんな人たちが足を運んでくれるのか。顔が見えるのはやはりライブですし、そこで初めてエネルギーの交換が起きる。今は時代的にも不安やモヤモヤした空気が漂っていると思うんですが、だからこそ一緒に時間を共有することが大事なんじゃないかと感じています。

──今回、3人で歌うパートも増えたので、ライブでの見え方もまた変わりそうですよね。

白根　そうですね。歌の分散が進んでいるので、そこはバンドの新しい一面になると思います。さらに今後は、砂原さんも歌うしね。

砂原　じゃあ新曲では僕がリードボーカルを（笑）。

──前回の来日では熊野古道をはじめ様々な場所を訪れたとお聞きしましたが、今回はいかがですか？

アシュニコ　正直、まだそんなに遊べてない。この前の熊野古道は本当に楽しかったな……とにかく綺麗だった。温泉でサツマイモを茹でたりして、私の人生で最高の日だったかも（笑）。

──昨日のTikTokライブでは『こびとづかん』を持っていましたね。

アシュニコ　あの子たち大好き！　超ファニーだよね、最高。

──どこで手に入れたんですか？

アシュニコ　「Trinkets」のMVのムードボードに『こびとづかん』が入ってたんだよね。あのMVを見たことあるなら、すぐにピンと来るはず。それで日本に来たタイミングでキデイランドに行って……マジでテンション上がっちゃって（笑）。そこで実際に『こびとづかん』も買ったし、ガチャガチャを探して「Trinkets」のキャラにそっくりなのもゲットした。

──そもそも、「Trinkets」のMVはどのようなストーリーなんですか？

アシュニコ　そもそも「Trinkets」がちょっとフザけてるんだよね。ボーイフレンドを小物（Trinkets）やチョーカーみたいに集めて、それをバッグチャームとして扱うっていう曲。「ラブブ」って知ってる？

──はい、小さいぬいぐるみみたいな……。

アシュニコ　そうそう。「ラブブ」みたいな。そんな小さくてかわいい存在として描写したのが「Trinkets」なんだよね。まぁ、要は楽しい音楽を作りたかったってこと。『Smoochies』全体がそういうノリだね。

──前作『Weedkiller』（2023）リリース時のインタビューでは、プロデューサーのスリンガーと共に「映画『DUNE』のサウンドトラックから影響を受けた」と仰っていましたよね。『Smoochies』ではどのような作品から影響を受けたのでしょうか？

アシュニコ　『Weedkiller』はハンズ・ジマーのサウンドトラックみたいだったね。刺激的だし、シネマティックな風景が特徴だったと思う。その上で、『Smoochies』のインスピレーションは、自分が音楽を作るきっかけになったポップスターたちへのオマージュなのかも。もっと言えば、若い頃の自分へのオマージュだね。

『Smoochies』はアシュニコとして最初に発表した『Demidevil』（2021）っていうミックステープにも近いフィーリングで、ある意味ではお姉さんのような存在。思えば『Weedkiller』は私から派生した枝みたいな作品で、新しいことに挑戦できたから楽しかったんだけど、今は元々住んでいた星に戻りたい気分なんだよね。

──先行シングルの「Trinker」や「ITTY BITTY」のように、洗練されたダンストラックが『Smoochies』には並んでるような印象なのですが、それもポップスターや若い頃の自分へのオマージュなのでしょうか？

アシュニコ　うん。そもそも、私が「音楽で生活ができる！」って確信を得ることが出来たのは、自分がフィーチャリングされたダンストラックだったんだよね。以降も私はダンスのための音楽を作り続けてきた。

──「Liquid」や「Chichinya」のようなトラックからは、以前よりルーツとして公言しているM.I.Aのようなアグレッシブさも表現されているんじゃないかと。

アシュニコ　M.I.A.と、あとはグウェン・ステファニーだね。二人の音楽は間違いなく私に影響を与えたし、『Smoochies』までのキャリアも支えてくれた。

──なるほど。

アシュニコ　同時に、『Smoochies』にはエスケーピズムの要素もある。ナイトライフ・コミュニティの提供する、現実からの逃避だね。もちろん、欧米がファシスト的かつディストピア的な地獄に向かいつつあるという事実を忘れてはいけない。でも、コミュニティの内部で自分たちを鼓舞して、お互いに団結する可能性も探るべきだと思うんだよね。クィア・コミュニティが私の人生の大きなパートを占めているからこそ、『Smoochies』では象徴としてダンス・ミュージックを掲げたかった。

──あなたは頻繁に日本のアニメからの影響を口にしていますよね。現実を遠ざけるためのエスケーピズムという点では、アニメを観るという体験も近いのではないかと個人的には思います。

アシュニコ　マジでそう。ノンフィクションを読むようになったのってほんのここ数年で、それまでの人生はファンタジーとか漫画に費やしてきたんだよね。今住んでるイギリスには多くのフォークロアがあるし、小さな魔女の町とかドルイドのストーンヘンジ、あとはレイラインみたいなものもとにかく沢山ある。アニメと同じくらい、そういうファンタジーにインスパイアされてるね。

──最近観たアニメで『Smoochies』の世界観と共通するものを感じた作品はありますか？

アシュニコ　うーん、色々観たからなぁ。『リゼロ（注：Re:ゼロから始める異世界生活）』に『セーラームーン』、『PSYCHO-PASS』とかはずっと大好き。あとはジブリとか『エヴァンゲリオン』も観たし……ム、ムシ……。

──『蟲師』？

アシュニコ　そうそれ、あれはヤバい。あとは『薬屋のひとりごと』とかね。それと、『Smoochies』のファッションで参考にしたのは『NANA』なんだよね。『NANA』の世界観がとにかく好きで、『Smoochies』のムードボードにも入れた。ビジュアル面での一番大きなリファレンスかも。

──アーティストとしてのモード・チェンジですよね。他にも『Smoochies』ではシャウトが抑えられ、リリックを一つ一つ重ねるような場面が増えている印象です。

アシュニコ　なんだかんだ、シャウトしちゃうんだけどね（笑）。確かに今回はラップの比重が増したと思う。ファッションと同じで、常に変化していくことが私たちにとっては自然なんだよね。自分の中のトレンドとか服の着方、メイク、髪型とかもね。音楽もそれに合わせて進化していくと思ってるし、『Smoochies』の次もそういう変化を反映した作品になるはず。

──ちなみに、今日のファッションはどういうモードですか？

アシュニコ　今日はスタイリストが選んでくれたの、マジで「Smoochie Girl Fashion Bible」って感じ。

──おぉ。

アシュニコ：カラフルで、パターンもミックスされまくってて……ベッドから滑り落ちたまま来ちゃった、みたいな（笑)。それこそ「Trinkets」みたいなノリで、ヒールにチャームとかリボンが付いてて、あちこちにぶら下がってる。ちょっと雑に見えるかもしれないけど、計算された乱雑さを狙ってるんだよね。とにかくラウド、日本で階段とか上ってるとめちゃくちゃ目立つ（笑）。

──最後に、『Smoochies』のムードを最も象徴している曲はなんだと思いますか？

アシュニコ　今回は友達とゲラゲラ笑いながら書いてたんだよね、だから天才的なラインは沢山ある（笑）。でも、実際に詞として誇りに思えるのはラストの「It Girl」かな。自分と両親、そしてその先祖とのつながりに関する内容で、この曲を書くこと自体がセラピーみたいだった。いつもは1〜3日くらいで曲を書くんだけど、「It Girl」だけは7回くらいセッションを重ねたんだ。結果的に素晴らしいものになったと思う。

──ありがとうございます、また日本に来てください！

アシュニコ　うん、『Smoochies』のアジアツアーで絶対に行きたい！　本当はビリー（・アイリッシュ）とのツアーみたいに、一つの場所に何日も留まってツアーするのが理想なんだよね。彼女みたいに日本をじっくり回りたいよ……オーケー、じゃあまたね！

RELEASE INFORMATION

Smoochies / スムーチーズ

Ashnikko 2025.10.17 ＜Track list＞ 1.Smoochie Girl 2.Liquid 3.Trinkets 4.Chichinya 5.Skin Cleared 6.Microplastics 7.Full Frontal 8.She’s So Pretty 9.Wet Like (feat. COBRAH) 10.I Want My Boyfriends to Kiss 11.Sticky Fingers 12.Lip Smacker 13.Itty Bitty 14.Baby Teeth 15.It Girl 詳細はこちら

© Qetic Inc.

https://qetic.jp/music/terakado-jimon-kenmochi-hidefumi-chateaubriand-interview/467859/ https://qetic.jp/music/terakado-jimon-kenmochi-hidefumi-chateaubriand-interview/467859/ https://qetic.jp/music/terakado-jimon-kenmochi-hidefumi-chateaubriand-interview/467859/#respond Mon, 16 Jun 2025 09:00:56 +0900 6 https://qetic.jp/?p=467859

5月29日、“肉の日”にリリースされた水曜日のカンパネラの最新曲『シャトーブリアン』。 これまで『桃太郎』『エジソン』『一休さん』など、ユニークな切り口と中毒性のある楽曲で話題を集めてきた彼らの新作テーマは、19世紀フラ […]

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5月29日、“肉の日”にリリースされた水曜日のカンパネラの最新曲『シャトーブリアン』。 これまで『桃太郎』『エジソン』『一休さん』など、ユニークな切り口と中毒性のある楽曲で話題を集めてきた彼らの新作テーマは、19世紀フランスの美食家フランソワ・ルネ・ド・シャトーブリアンが愛した、牛肉の希少な最高級部位。 ゲットーハウス特有のユニークなノリと、耳に残る印象的なフレーズが交錯するパーティーチューンである本作を、さらに深掘りするため、水曜日のカンパネラのサウンドを手掛けるケンモチヒデフミと、お肉の真のプロフェッショナル・寺門ジモンによる特別な対談をセッティング。 ジモンさんおすすめの焼肉店で実際に肉を焼きながら、その極上の知見を学びつつ、「シャトーブリアン」の真髄を肉と音楽、両方の側面から探っていく。 寺門ジモンが語る「肉の極意」とケンモチヒデフミが追求する「音の美学」。お肉好きも音楽好きも唸らせる、最高にジューシーな対談をお届けする。

INTERVIEW ケンモチヒデフミ×寺門ジモン

「シャトーブリアンっていう曲って何だろう？」 異色の対談は“肉”が繋いだ縁

━━本日は水曜日のカンパネラの新曲『シャトーブリアン』のリリースを記念したインタビューということで、よろしくお願いします。

寺門ジモン（以下、ジモン）　普段は僕、こういう取材は断るんですよ。

━━そうなんですね！ 今回お受けいただけたのは？

ジモン　お肉だからです（笑）。『シャトーブリアン』っていう曲って何だろうって興味が湧いた。興味が湧いたことは仕事じゃなくてもやるんですよ。逆に興味がないことはやらない。水曜日のカンパネラさんがなんでシャトーブリアンなの？ っていうのが、ちょっと引っかかりましたね。もしそのタイトルじゃなかったら、この対談はなかったです（笑）。

ケンモチヒデフミ（以下、ケンモチ）　そうですよね（笑）。いや、まさかいきなりお肉界のトップの方と対談できるとは……。

ジモン　いやいや、僕はお肉界のトップじゃないですよ。ただの食いしん坊で。お肉を勉強していると、食の流通みたいな他のことも全部わかってきちゃうんです。でも、お肉はみんなが食べるから、そっちのイメージで「肉の寺門」になっていってるだけ。本当はお寿司とかの方がもっと詳しかったりするんだけど、みんなが焼肉を食べるから、「教えて」って言われて肉の話をすることが多いんです。

ケンモチ　不思議ですね。

ジモン　そうなんです。勉強していくと肉が寄ってくるんですよ、肉の方から。だから、『シャトーブリアン』なんて曲を書いたからには、これから肉が寄ってきますよ。焼肉系の仕事が増えると思います。喋ってることは言霊になって広がっていくから、黒毛和牛ちゃんが寄ってくる（笑）。

ケンモチ　じゃあ今度から積極的に、欲しいものを曲のタイトルにしていこうかな（笑）。マグロのトロとか。

楽曲のテーマは「憧れ」。 食べたことのないファンタジーを歌に

━━そもそも、なぜ『シャトーブリアン』を楽曲のテーマにしようと？

ケンモチ　いつも水曜日のカンパネラでやりたいこととして、「人がまだ歌にしていないことを歌いたい」というのがあって。何かいい題材はないかなと探していた時に、このシャトーブリアンという言葉が浮かびました。……いや、実は僕、まだ食べたことないんですよ。

ジモン　まさか！ そのレベルが俺んとこ来たか（笑）。

ケンモチ　そうなんです（笑）。だからこそ、その「憧れ」を歌にしたいなと。

ジモン　それはすっごい曲に出てました。「憧れの〜」って歌ってたけど、あれは若者がこれから頑張るぞ！っていう気持ちが出ている気がした。夢があるじゃないですか。俺はその現実を知っちゃった後のおっちゃんだから、具体的に説明したくなるんだけど（笑）。なるほど、そういうところからだったんだね。

ケンモチ　はい（笑）。ファンタジーの世界のラスボスみたいなイメージで。

ジモン　まさにもろ、曲にそういう感じで出来てますよ。「伝説のシャトーブリアン」っていう。キラキラキラって光ってるイメージが湧きましたもん。

ケンモチ　他のアーティストがやらないような、シャトーブリアンへの幻想とファンタジーを題材にしてみようと思いました。

━━ジモンさんから見て、シャトーブリアンとはどういう存在なのでしょうか。

ジモン　シャトーブリアンって聞くと、肉というより先に人名が浮かぶんですよ。食通だったフランスの政治家、フランソワ＝ルネ・ド・シャトーブリアン。彼が好んで食べたヒレ肉の部位だから、そう呼ばれるようになった。諸説ありますけどね。だから、日本で言えば「佐藤さん」って曲と同じようなものですよ（笑）。ヒレの中でもテンダーロインとかなら部位だけど、『シャトーブリアン』って言っちゃうとその人の名前なんです。

ケンモチ　今回、曲にするにあたって初めて調べて知りました。人の名前だったんだと。

ジモン　死んじゃってるからロイヤリティはかかんないですけどね（笑）。

歌詞に散りばめられた肉の部位。 正しさよりも「語感」の面白さ

━━歌詞には様々な肉の部位が登場しますが、ジモンさんから見ていかがでしたか。

ジモン　正直、疑問点は多かったですね（笑）。精肉とホルモンを一緒にしないで！とか。ただ、焼肉目線で見ると矛盾は多いけど、語感で聞くとすごく耳に残りやすい言葉が選ばれているなと。

ケンモチ　そうなんです。牛の部位の中でも、日常であまり聞き慣れない言葉を多めに取り入れたいなと思って。あとは3文字から始まって最後は6文字で終わる、みたいな言葉遊びも入れつつ。最初は頭から順番にツラミ、ネック……と考えていたんですが、だんだん部位がなくなってきて（笑）。ミノとハチノスとヤンは胃袋で繋げたりして、色々組み合わせていくうちにあの形になりました。

ジモン　なるほど。関西名と関東名でも呼び方が違うし、海外から入った名前もあるから、リアルな正しさを追求すると矛盾は出てくる。でも、あくまで語感の面白さで選んでるんだなと。音が面白いんですよ。

ケンモチ　今回調べてみて、こんなに部位があるんだって自分も勉強になりました。

ジモン　ホルモンなんて、実は豚も入ってるんですよ。焼肉屋で出てくるホルモンの4〜5割は豚です。それに、豚タンの方が牛タンより味がうまかったりする。繊細で。

ケンモチ　え、食べたことないです。

ジモン　いや、本当はどこかで食べてる可能性ありますよ。「タン」としか書いてなかったりするから（笑）。まあ、そういう業界の色々があるんですけど、この曲はそういう矛盾とか全部ひっくるめて、「憧れのシャトーブリアン」に着地しているのが面白かったですね。

いざ、実食。 「ちぎり焼き」で味わう人生初のシャトーブリアン

━━では、いよいよその「憧れ」を現実にする時が来ました。ケンモチさん、人生初のシャトーブリアンです。

ジモン　本当にシャトーブリアン、食べたことないんだ。

ケンモチ　ないんです。

ジモン　一番好きなものを一番贅沢な食べ方でいきましょうか。「ちぎり焼き」です。

ケンモチ　ちぎり焼き？

ジモン　箸でちぎっちゃうんです。ナイフもフォークもいらない。それがシャトーブリアンだから。 （ジモンが巧みな手つきで肉を焼き、箸で肉をちぎって見せる）

ケンモチ　うわ、本当に切れちゃいますね！

ジモン　これが人生初のシャトーブリアン。ちぎり食い、どうぞ。

ケンモチ　（一口食べて）……美味しいです！

ジモン　やばいよね？うまいやろ。塩で食べると味がわかるし、柔らかいし、香りがいい。これがシャトーブリアンの特徴です。

ケンモチ　お肉が甘い……。雑味がないです。

ジモン　この上品な感じ、楽曲の「タン、タン、タン」っていう軽快なテンポじゃなくて、バイオリンで弾きたくなるような感じですよ。ケンモチさんがシャトーブリアンを食べたことがなくて、「憧れ」のまま曲を作ってくれてよかった。そうじゃなきゃ、この曲は生まれなかった。

ケンモチ　美味しいです。こんなにお肉の味が鮮明に感じられるとは。

ジモン　ヒレを焼いて、ちぎって食べる。しかも雌牛ですよ、これ。……さあ、次はこっち。畑さん（畑敬四郎さん）の特産、松阪牛です。 （再びジモンが肉を焼き始める）

ジモン　ほら、煙の量が違うでしょ。脂が全然強い。これは長期飼育された松阪牛の雌牛だから、ものが違います。でも、脂っぽいわけじゃないんですよ。特産っていうのは、余分な脂が落ちていってるから。昔から美味しいと思われている、本当の肉の味がするはずです。

ケンモチ　（一口食べて）……うまいです。

ジモン　咀嚼して、飲み込んだ時に鼻に香りが咲くでしょう。ふぁーっと余韻が。

ケンモチ　はい。

ジモン　良い声が出るんですよ。シャトーブリアンを食べると、良い声が出ます。

━━ジモンさんは、焼肉では好きなものから食べるとおっしゃっていましたね。

ケンモチ　お寿司の通は白身から、みたいなセオリーとは違うんですね。

ジモン　それもアリだけど、いきなりメインのマグロから入るのもいい。今の音楽と一緒ですよ。いきなりサビから入って、また戻ってくるみたいな。

ケンモチ　まさに。その「好きなものから行く」っていうのが、すごく腑に落ちました。

ジモン　人生、お金も土地も地位も、何も持ってけないんですよ。生きてる間、自分の身になるのは食べ物だけ。だから、色んなものを体験して、食べていった方がいい。

ケンモチ　僕も音楽を作る上で、「ジェネラリストよりスペシャリスト」でありたいと思っていて。広く浅くよりも、ニッチな知識や趣味を深めていった方が、今の時代は面白いものが作れる気がします。

ジモン　そう。ニッチなところを極めると、全部繋がってくるんですよ。逆に広がりがある。この対談だってそう。シャトーブリアンっていうニッチなテーマだからこそ、実現したわけだから。

━━最後に、この対談を経て、改めて『シャトーブリアン』という楽曲についてどう感じますか？

ジモン　この曲を聴いて、みんなにシャトーブリアンを食べに行ってほしいですね。憧れのファンタジーが、食べた瞬間に現実になる。その体験をしてほしい。

ケンモチ　はい。まさに今日、僕のファンタジーが現実になりました。この経験で、また新しい音楽が作れそうです。ありがとうございました！

マスクを被った正体不明のアーティスト、GeTOを知っているだろうか？　2020年代的なアーティストとしてSNSを中心にネット上で話題になり、音楽好きの間で知られる存在となっている。当初は存在が一切伏せられていたが、2月にリリースした楽曲「化ケル」を契機に、マスクアーティストとして登場。4月にも「風来人」を発表し、自身が持つ音楽性の幅広さを表現している。現在、発表されている楽曲を聴けばわかるが、GeTOは、この2025年に一気に活躍していくはず。突如、音楽シーンに現れた変異体、GeTO。

一体、何者だ。そのルーツは何だ。何を歌い、どういう思いで音楽を表現しているのか。そんなストレートインタビューをぶつけてみた。

──いつ頃から本格的な音楽活動をスタートされたんですか？

GeTO：2023年ですね。1曲制作してネットにアップして、2024年からアーティストとしてどう活動していくかを具体的に考えるようになっていきました。

──そもそも、なぜ音楽を制作してみようと思ったんですか？

GeTO：理由は多々あるんですけど家族の影響は大きいですね。両親ともに音楽好きだったので身近な存在でした。幼少期はずっと歌っているような子供でしたね。もの作りがもともと好きで、絵を描いたりとか、自己表現して形にするというプロセスが好きだったんです。

──小さい頃は何を歌っていたんですか？

GeTO：父親がTUBEが大好きでよく流れていたので、それを歌っていました。そんな父親が小さい頃に無料版のDTMアプリを探してダウンロードしてくれて、それで遊んだりもしていたんです。自分が歌いたいと思う音楽を作りたいという思いが根底にあって、それが今に繋がっているんだと思います。

──ということは、小学生の頃から作曲をして遊んだりしていたんですか？

GeTO：いえ、「かえるのうた」とか、童謡を自分なりに編曲したりアレンジして遊んでいました。そんな風に音楽を分解して聴くクセが小さい頃からあって、どの音がどの楽器なのかを意識して、その組み合わせを変えたら、こんな音楽になるんじゃないかな、なんてことを考えながら音楽を楽しんでいたんです。

──音楽を分解して聴くというのは具体的にどういう感じなんですか？

GeTO：例えば、僕はGReeeeN（現・GRe4N BOYZ）が好きなんですけど、4人の声を聴き分けて、歌い分けてみたりとか。そういう感じで遊んでいたんです。

──そこから、実際にアーティストとして活動していくことを決心するに至ったのは、どういう経緯があったんですか？

GeTO：小さい頃からずっと音楽はライフワークだと思っていましたし、歳を重ねてからも1人で楽器を触ったりしていたんです。その頃から、これを仕事にできたらいいだろうなってことはぼんやり思っていました。その後、imaseさんなどをはじめ、TikTokやSNSから活動をスタートさせるアーティストの方が出てきて、彼らは自室で1人で音楽を作って世界に発信していたんですよね。その境遇が自分にも似ているような気がして、やれる可能性があるのであれば、やらない手はないと思って、活動していくことを決心したんです。

──imaseさんなど、SNSやネットで音楽を発信しながら活動していくアーティストに背中を押された部分があったわけですね？

GeTO：そうですね。デモの段階でも気楽に自分の音楽を発信している感じに衝撃を受けたんです。すごく自由に音楽を表現しているなと感じて、自分の創作意欲をかき立てられましたね。

──GeTOさんのSNSを見ると、自室で音楽を歌ったり演奏しているショート動画がアップされていますが、その辺りにも影響が感じられますね。ちなみに、音楽的ルーツでいうとどんなアーティストがいますか？

GeTO：J-POPは自分の大きなルーツの1つです。コブクロさんやスキマスイッチさんが入り口で、バンドだとRADWIMPSやMrs. GREEN APPLE、サカナクション、THE ORAL CIGARETTESとか。YouTubeでボカロもよく聴いていました。DECO*27さんだとか。あとは、そこから派生してEveさんや、ずっと真夜中でいいのに。さんからも影響を受けていますね。今ではヒップホップやジャズも聴きますし、GeTOの音楽にはいろんな要素がミックスされていると思います。1つのジャンルに特化することをなく、いろんなものを掛け合わせて面白いものを表現するというのが好きなんです。

──GeTOさんにとって、音楽を表現するというのはどういう行為だと思いますか？

GeTO：僕の中で音楽を作るという行為は、心の中にある鬱々とした暗部を描くようなものでもあるんです。音楽だからこそ、自分の内側から出てくる暗い部分をはっきりと表現したいと考えていて、そうなると日常生活における自分とはちょっと乖離している感覚があるんですよ。そんな差がある状態で音楽を表現するうえで、マスクが重要だと考えています。これがあることで非現実的な感じがするし、自分がやりたいことをしっかりと表現できるんじゃないかと思っていますね。

──仰る通り、マスクは非常にアイコニックですね。デザインされたのは新鋭アーティストのYou2さんといういことですが、どういうマスクにするかなど話し合われたんですか？

GeTO：そうした暗い部分を曝け出すということがGeTOのアーティスト性だと考えていたので、怪獣や化け物っぽい感じを表現したいと思ったんです。それで、モチーフでもある角をつけて、口の部分が笑っているような形状にデザインしてもらいました。

ちなみに、口も目も部分にはギターのピックガードやノブを使用しているんですよ。あとは配色も白、青、黒の3色をベースにしたいということもお伝えしたうえで、こういう配色になっています。自分のリクエストを踏まえたうえで、You2さん的にはヒーローっぽいものが連想されたようで、ヒロアカ（漫画・アニメ『僕のヒーローアカデミア』）のデクくんがしているマスクっぽい感じがデザインの端々に現れているんですよ。

──たしかに！　では、GeTOとして活動するうえでマスクは欠かせないものなわけですね。

GeTO：そうですね。あと、これは間接的な話なんですけど、もともと剣道をやっていて面の中から見る景色が馴染み深いので、僕としてはマスクをすると落ち着く感覚もあるんです。

──剣道をやってきたことから、音楽表現に影響を与えられる部分はありますか？

GeTO：めちゃくちゃあると思います。昔から日本ならではの文化が好きですし、日本の強みやルーツは何だろうってことを考えたりするので、その辺りが自然と音楽にも影響を与えているんじゃないかなと。

──そういった意味で、2月26日に発表された「化ケル」は、日本っぽさがありますね。

GeTO：そうですね。これは「化ケル」以外の楽曲にも共通することですが、日本の歌い方という部分は自分の中でも大事にしていて、面白い語呂合わせや駄洒落っぽい言葉遣いをうまく取り入れていくことを意識的に考えているんです。そういう意味で、歌い方やリズム感などに僕の中の日本っぽさを落とし込んで歌っています。

──「化ケル」は最後一気に盛り上がるような展開が特徴的ですね。どんな曲にしようと考えて制作されたんですか？

GeTO：当初、日本版Boon Bapを表現したかったんです。前半のドラムはそのイメージでグルーヴを重視しながら作っています。あと、聴こえにくいですが、サンプラーも多用していて細かい音を詰め込んでいます。後半で展開が変わる部分に関しては、曲の中で劇的な変化を生み出したかったのと、一聴して耳に残るパートを作りたかったからです。それで、前半と後半に分かれているような内容になったんです。

──リリックに関しては、〈怪物〉という言葉も出てきますが、どんな内容だと言えますか？

GeTO：けっこう個人的な内容ですね。思春期の頃、僕はどこにも属していないという疎外感を抱えて生きていて、周囲から〈何をしているのかわからないヤツ〉だと思われていたように感じるんです。音楽を作るにしても1人でパソコンに向き合ってやっているのでバンドメンバーがいるわけでもなくて。そういう感情が溜まったとき、急に帰り道に寂しさを覚えることもあったんです。そんな夕方の匂いが記憶に残っていて、最近では、そんな感情や思い出もだんだんと薄らいできていますが、忘れてしまうのも寂しく感じるんです。当時の記憶を辿って、あの頃の思いを歌にしたかったんです。前半の歌詞は昔の自分がずっと思っていたようなことで、後半は最近の僕が昔の自分に言ってあげたいことだったり、心境の変化を今の言葉で表現しているような内容ですね。

──対して4月23日にリリースされた「風来人」は軽やかなリズムとメロディが心地よい楽曲です。

GeTO：これは、歌い出しが〈去ったのなら追いかけない〉で、この部分がテーマになった曲です。この一節は僕の中でのすごく重要な戒め的な言葉なんですよ。これまでの人生経験で、この言葉が重要だと思ったことは多々ありました。人間関係にしろSNSにおいても感じることで、それを曲にしたいとずっと思っていて、ようやく形になりました。

──ある意味、人間関係への諦めの含まれているような感じですか？

GeTO：そこでいくと、サビの頭では〈シナリオ通り〉と謳っているんですが、ある種の運命論的な解釈をすることで、諦めるにしても少しは気分が楽になるような内容で表現しています。

──人間関係の希薄さを楽観的に表現する感覚ですね。そうした意味もあってか、曲の方は軽快でリズミカルで聴きやすいと思いましたが、いかがでしょう？

GeTO：どうしてもGeTOの特性上、暗い楽曲が多くなっちゃいますが、そもそも僕が目指したいのは、みんなで歌える音楽を表現したいということで、そのやり方を「風来人」では模索したんです。曲調も明るくして、バランス感にこだわりながらアレンジしていきましたね。だから、これまでの自分の曲を知っている人からしたら、「どうしたの？」ってくらい明るい曲に聴こえると思います（笑）。

──ある意味、チャレンジした楽曲にもなったと思います。さて、GeTOさんは、今後どういう活動をやっていきたいですか？

GeTO：大きく分けて2つあるかなと思います。1つ目は、身体的な表現をもっと増やすことですね。今年からMVに自分が出演しているんですが、そういった機会を増やしてライブに繋げていきたいと思いますし、その場でオーディエンスが熱狂している空間を提供できるようになりたいと思っています。どのようなライブができるアーティストなのか、そこに向かってどう舵を切るのかってことを色々と考えている最中です。

──仰る通り、ライブは非常に楽しみですね！

GeTO：ありがとうございます。2つ目はポピュラーミュージックとはどういうものなのかってことを追究して、それをどう自分が表現できるのかっていう出力の仕方を模索していきたいと思います。その先に、「GeTOってこうだよね」っていうジャンルを構築していきたいです。

HIPHOPアーティストとして史上最年少の日本武道館ライブを成功させたアーティスト、LANA（ラナ）が〈アディダス オリジナルス〉のグローバルキャンペーン＜The Original＞における音楽イベント＜THE ORIGINAL LIVE TOUR TOKYO 2025＞に出演する。

〈アディダス オリジナルス〉は今シーズン、揺るぎないアイコンであり続ける「SUPERSTAR（スーパースター）」、「FIREBIRD（ファイヤーバード）」にフォーカスしたグローバルキャンペーン＜The Original＞を展開。カルチャーに受け入れられた歴史を物語ることから一転、これからの世代にインスピレーションを与えることへシフトした。

「1000の可能性を生み出すには、根幹を揺さぶる存在がひとつあればそれでいい」という〈アディダス オリジナルス〉からの力強いメッセージ。時代の代弁者であるLANAは、まさに根幹を揺さぶるひとつの存在にふさわしい。

若者から絶大な支持を集めるLANAは〈アディダス オリジナルス〉が主催の音楽ライブ＜THE ORIGINAL LIVE TOUR TOKYO 2025＞のトップバッターに抜擢。

アーティストとしての第2章に足を踏み入れたストリートプリンセスに、＜The Original＞キャンペーンへの共感やライブツアーへの意気込みを尋ねた。

──HIPHOP史上、最年少での武道館ライブは大成功となりましたね。

LANA：ありがとうございます。ずっと、どのようなアーティストキャリアを進むべきかと不安だったけど、迷いが払拭される感慨深いステージになりました。

──勢いそのままに〈アディダス オリジナルス〉の音楽ライブ＜THE ORIGINAL LIVE TOUR TOKYO 2025＞でのパフォーマンスが発表されました。その表情からもワクワクとした様子が伺えますが、今のお気持ちはいかがですか？

LANA：スーパースターになった気分です！〈アディダス オリジナルス〉はダンスともすごく繋がりの深いブランドですし、小学生の頃はバッグも愛用していました。昔から今まで、自分のワードローブにあるブランドからこのような大役をいただいて、本当に光栄です。

──ダンスのお話もありましたが、〈アディダス オリジナルス〉にはどんなイメージをお持ちですか？

LANA：ジャンルを問わず、どのスポーツや文化でも、常に中心にいる存在だと思います。それこそ、地元の友達や先輩たちも皆、〈アディダス オリジナルス〉のトラックスーツを着ていましたね。誰もが一着、一足は持っている普遍性がありながら、その時代におけるキーパーソンたちから愛されてきたブランドという認識です。

──今シーズンの〈アディダス オリジナルス〉は「The Original」と題したグローバルキャンペーンを展開しています。LANAさんはご自身のどこに“The Originalな一面”を感じますか？

LANA：完璧主義者と思われがちなんですけど、そんなことはなくて。毎日言っていることも違う気がするし（笑）。自分の感覚を大切に生きているので、「自分を信じる力」と「自由を追い求める姿勢」が私の“The Originalな一面”だと思います。いつも「今よりも、もっと自由になるためにはどうしたらいいだろう」と考えて、行動に移していますし、皆はそんなLANAのことを好きでいてくれていると感じます。

──最新アルバム『20 +』の収録曲“直線”も、批判に晒される社会で力強くまっすぐ生きるLANAさんらしさを感じました。

LANA：あの曲は、＜LANA’s PARTY＞の千秋楽のライブ終わりから車に乗車するまでの間に書いたんです。HIPHOPはリアルを歌うはずなのに、時折、発言の自由が奪われそうになる瞬間に直面します。SNSに何かを書けば、揚げ足を取るように反応されたり。だから、その苛立ちを音楽に昇華すると同時に、私はずっと謙虚で誠実にいようという思いをリリックにしました。

──一方で、自分らしくいることが苦手だったり、勇気を持てない人も少なくないと思います。LANAさんはそんな人たちにどのようなアドバイスを送りたいですか？

LANA：皆、得意不得意があると思うので、自分が生きる上で何が楽で、どうしたら等身大でいれるかを見つけてほしいですね。周りに合わせる瞬間もあるけど、1人の時間で好きなことをできれば満足なのであれば、それでいい。でも、皆といる時でさえ苦しいと思うなら「自分自身と素直に会話して、居心地の良い場所を探してみてね」と伝えたいですね。

──周りにもたくさんの“The Original”な存在がいると思いますが、彼ら・彼女たちに共通点はありますか？

LANA：オリジナルでいたり、自由だと思われている人ほど、めっちゃ葛藤したり、苦しい経験を乗り越えているように思います。周囲の声を違う意味で捉えてしまったり、ちょっとの勘違いが現実になってしまったり、コンプレックスに悩まされたり。皆が憧れているあの人も、皆と同じなんです。でも、同時に彼らは前に進んでいますね。

──武道館ライブを境にキャリアの第1章に幕を閉じられましたが、活動をスタートしてからの3年間を振り返っていただけますか？

LANA：想像以上に幸せでしたね。帰りの車内で彼氏から「凄いことを成し遂げたんだよ、幸せなことだね」と言ってもらえて、その時に初めて、私が恵まれていることに気がついたし、本当にわずかですけど、自分を許せました。

──第2章ではLANAとして、どのようなThe Originalを築いていきたいですか？

LANA：ハングリーなところから始めた精神性は変わらず歌っていきたいと思っていますが、HIPHOPは日本において、まだまだマイノリティなので、より裾野を広げていきたいです。今はまだHIPHOPに親和性を感じていない人もいると思うんですけど、そういう人たちにも関心を持ってもらったり、私自身も今までは声のかからなかったようなステージで、リアルな声をあげていきたいです。シーンにいるみんなで作り上げていく中で、私自身は今まで交流のなかったようなフィールドを繋ぐ架け橋のような存在になっていきたいと考えています。

──その第2章の幕開けとして＜THE ORIGINAL LIVE TOUR TOKYO 2025＞の参加も発表されました。当日はどんなライブパフォーマンスを予定していますか？

LANA：私らしいピカピカのライブにしようと思っています！　ただ、いつものライブではなく、“The Original”を体現するアーティストとしてマイクを握るので、感謝とドキドキが共存した気持ちで準備しています。私にとって、ライブは自分を最も表現できる場所なんです。ライブを迎える手前では悩んだり、苦しんだりもするけど、ライブ当日はそれが晴れる日。パフォーマンスそのものは、今までの自分のオリジナルを大切にしながら、新たに挑戦する気持ちと共にダイブしたいです！

──〈アディダス オリジナルス〉との新章開幕は、ステップアップしたLANAさんが見られそうです。

LANA：これまでのキャピキャピ、キラキラした雰囲気をキープしながら、新しい姿をお見せできればと思います。去年から今年にかけてはアルバムをリリースしたり、初めてのことに挑戦する過程で、アーティストとしての体力をつけることができました。最近は楽曲制作のスピードも上がってきてるんです。それこそ、目標としている“DIVA”の立ち振る舞いも磨いていきたい。そして何より、みんなに寄り添ったり、辛い時の励みになるような曲をこれからもっと発表していきたいです。

──LANAさんの次のライブを楽しみにしている人がたくさんいると思います。＜THE ORIGINAL LIVE TOUR TOKYO 2025＞に参加してくれる方にメッセージを。

LANA：ライブまで仕事も、学校も目一杯頑張って、今度会った時に一緒に発散しましょう！

奇想天外な音楽ユニットというのはこういうことだろう。

DJ・プロデューサーの大沢伸一によるソロプロジェクト、MONDOGROSSOと、ラッパーの森、プロデューサーのチョモからなる2人組、どんぐりずがフュージョンし、DONGROSSOなるプロジェクトがスタート。1stアルバム『ANTI SOCIAL SOUNDSYSTEM』が完成し、4月23日（水）に配信スタート。5月21日（水）にはCDがリリースされる。

MONDOGROSSOとどんぐりずが兼ねてより繋がりがあり、過去に共作を発表してきた経緯があり、その活動がきっかけとなって今回の取り組みに繋がっている。彼らが表現したのは、現代に対するアンチの心。世の中に言いたいことを言わんとする強烈なメッセージが、DONGROSSOらしいウィットに富んだ表現で落とし込まれている。今作について、どのように制作を進めたのかたっぷりと話を訊いた。

──まず、DONGROSSOがスタートした経緯を教えてください。

大沢伸一：どんぐりずの2人と出会ったのは、2022年にMONDO GROSSOでリリースしたアルバム『BIG WORLD』に参加してもらったときでした。知人に紹介してもらって、自分からお誘いしたんですよ。そこで「B.S.M.F」を作ったんですけど、その制作がすごく楽しかったんですよね。数か月後には「RAVE (HUNGRY DRIVER)」を作ったり、僕のステージに飛び入りで参加してくれたりと、みんなでわちゃわちゃして面白い時間を過ごしたんです。そういうのもあって、1つのまとまった作品を作れればもっと面白いんじゃないかという考えになったんです。それが発端ですね。

──コラボ作が増えていく段階で、何か決定打になるような出来事があったんですか？

大沢：以前、森と僕が〈Red Bull 64 Bars〉に出演して「YAZAWA」という曲を披露したんですけど、そのときにうちのスタジオで擬似パーティーみたいなことをやって、それを映像にしたんですよ。その曲もそうですし、その前に作った「RAVE (HUNGRY DRIVER)」の時点で、リリックに「DONGROSSO」というワードが入っていたので、思えばその頃からDONGROSSOが始まっていたのかもしれないですね。でも、僕としてはわりと自然に3人での制作がスタートしたように感じています。

チョモ：そうですね。最初に「B.S.M.F」を制作したときは緊張しながらスタジオにいきましたし、大沢さんの制作や機材も含め、すべてに衝撃を受けたんですよ。そこから始まって、今ではファミリーとして、一体感を持って制作できるようになって、すごく嬉しいし楽しいです。

大沢：最初はお互いに緊張感があったけど、夜遊んだり、現場で出会うことが多かったからね。そうなるとお互いに酔って破茶滅茶にやっている姿を見せることになるわけなんで、一気に距離が近くなった感じがあると思う。

森：自分としては、そのレッドブルの撮影が大きかったです。あの後にライオン（渋谷のクラブ、不眠遊戯ライオン）でパーティーをやって、そこで飛び入りで「YAZAWA」を歌ったんですよね。まだ曲が世に出る前に。

──3人でいくつもの夜を乗り越えてきたわけですね。

森：そうですね。特に、大沢さんには自分が酔っ払っている姿を見られてきたと思います（笑）。

──そのような関係の中で、アルバムの制作はどう進んでいったんでしょうか？

大沢：これねぇ（笑）。本当に自由な感じなんですよ。3人でお昼ご飯を食べにいって、冗談を言ったことがそのまま曲になったりするケースが意外とあったりとか。

チョモ&森：あるある！

大沢：タイトルが『ANTI SOCIAL SOUNDSYSTEM』なんですけど、DONGROSSOは、みんなが言い出せないようなことを代弁して発信するというパンキッシュな側面を持ったプロジェクトでもあるんです。そこで思い立った「これを言いたい」っていう言葉を起点に制作がスタートすることがけっこうありますね。

森：けっこう日本人感を大事にしているところもありますよね。

大沢：そうだね！　3人とも、自分たち日本人のアイデンティティって何だ？　という感覚が良くも悪くもあって、「日本人、しっかりしろ！」という内容の曲もあれば、「俺ら日本人だぜ」っていう内容の曲もありますね。

──そうしたアンチの思想や怒りを作品に落とし込んでいこうというのは、何か3人で話し合ったことだったりするんですか？

大沢：そこは僕の中にけっこうあったんですよ。もともとポストパンクやニューウェーブを聞いて育ってきて、時代に対して自分の考え方を表現する方法を探し続けてきたんですけど、DJをやりながら歌うってことはなかなか想像がつかないじゃないですか。そうなると、誰かと一緒にやりたくなるわけなんですけど、どんぐりずと「B.S.M.F」を作ったときに、自分が発言したかったことを形にできるなって思って。みんなが世の中に対して言いたいことを代わりに言っちゃおうよって。DONGROSSOなら、このモヤモヤした世界に対して中指を立てることをシリアスになり過ぎずに発信できるんじゃないかって思うんです。

──そのアンチの表現について、リリックを書くにあたって意識していることはありますか？

森：いや、俺は歌っていたら自然とアンチになっていることが多いので、あんまり意識していないですね。多分、根っこの部分にアンチがあると思うんです。意識していたら出てこなくなるタイプなので。

──それこそアルバムラストの楽曲「MTHRFCKR」なんて、〈ふざけるなよ〉という歌詞をリピートするわけなので、すごくDONGROSSOらしい怒りを感じたのですが……。

大沢：そうですね（笑）。2人に説明した曲の方向性としては、令和のヘッドバンキングができる、めっちゃ遅い曲をやろうっていう感じだったんです。そこにはっきりとしたメッセージ性のあるアイコニックな叫びを入れたいよねって話をして、3人で各々フックを書いたのが曲になってるんですよ。なんか作っているうちに笑けてきちゃって（笑）。特にチョモのパートはリアルで面白いので聴いてほしいですね。なかなかこの曲みたいに言いたいことを自由に言ってるのもないと思うので、1日の終わりにどこかで聴いてスッとしてくれたらいいなって思いますけどね。

森：それ、めっちゃいいっすね。

──それでもただふざけているわけでも言いたいことを叫んでいるだけでもないところにDONGROSSOならではのユーモアを感じます。

大沢：チョモも森も、僕が知っている若者の中で1番知的でコンテクストの中で生きていると思うし、それぞれに違った発想から生まれる言葉があるので、インテリジェンスを感じるんですよ。すごくレベルが高いと思いますね。ここは声を大にして言いたいです。

森：バレちゃいましたか。もうバカなふりするのも疲れてきましたからね。

一同：（笑）。

──一方で「BOUROU」も途中でビートダウンするというか、これも頭を振れるポストパンクなアプローチがカッコいいと思いました。

森：ビートダウンするところは自分のパートですね。あそこはエナジー×3って感じで解放するイメージです。もともと俺もチョモもハードコアだったりロックがルーツにあるので、その側面が出ている感じだと思います。

──そこでいくと「SUKIYAKI」もロックしていますよね。

大沢：そうですね。チョモにも手伝ってもらってトラックを作ったんですけど、あの曲はDONGROSSOを始めようって話をして最初に入ったスタジオでサクッと出来ちゃったんですよ。

──「SUKIYAKI」のタイトルは、坂本九さんの名曲とも関係があるんですか？

森：俺、知らなくて。

大沢：知らんかったんかい（笑）。またそれがいいんですよ。何度聴いていくうちに「SUKIYAKI」でしかないと思うようになってきたので。

森：この曲は最後にチョモが叫んでいるんですよ。

チョモ：ラストの〈くそったれ Japanese〉は自分が叫んでいるんですけど、その後に〈日本 I like you〉って歌っちゃっているところが、まさにDONGROSSOらしいんじゃないかなと。

大沢：本当にそうだよね！

チョモ：そんな反抗期というか、矛盾があるところがDONGROSSOの面白いところなんじゃないかと思います。

大沢：そんな風に言葉から始まる曲が詰まったアルバムでもあります。重要なのは瞬発性ですね。その日に思ったことを歌っているような曲が多いです。

──全体を通して遊び心も伝わってくるしすごくエネルギッシュなアルバムですね。

大沢：そうですね。僕ももういい歳なんで、彼らと一緒のときぐらいしかふざけらんないので助かってます（笑）。10代のときにやれなかったことをDONGROSSOに乗っけているような部分があります。

──ちなみに、DONGROSSOとしてのアートワークはAI生成によるものなのだとか。その辺りにはどんなこだわりがあるんですか？

大沢：これは僕がそうやろうと判断したんですけど、アートワークやアー写にしても普通じゃないことをやりたいと思ったんですよね。そうなったときにAIが1番手っ取り早かったというのがあります。あと、僕自身がAIに対して警鐘を鳴らす部分はありつつも、AIで作られたものを叩く風習に対してはアンチなんです。つまり、アンチ・AIではなくてアンチ・プロヒューマン（人間主義、AIと共存）として人間を肯定しているんです。そんな立ち位置でAIを使っています。

──そういったアートワーク制作は大沢さんが1人で行われているんですか？

大沢：いえ、アレックス・ミッチェルというプロンプトデザインに詳しいアーティストと一緒にやっています。彼は自分が手を施すものとAIのハイブリッドで、どこまで非現実的で面白い作品を作れるか、ということをやっているんですけど、彼が深くDONGROSSOのことを理解してくれていて、クオリティの高いものを出してくれるんですよ。そこから選んだものをどんぐりずの2人に見せて判断してもらうことが多いですね。

森：選ばせてもらっていますけど、結局みんなの判断は大体一緒になるというか。不思議と行き着く先は大体一緒ですね。

──どんぐりずのお2人は大沢さんとの制作を経て、何か新たに得たものや表現できたことはありますか？

チョモ：システムが違うというのは当然あったんですけど、大沢さんの、ぶっ込む力みたいなものをすごく勉強させてもらいました。今までぶっ込みたいけどできないみたいなことが多かったんですよ。特に衝撃を受けたのが「SUKIYAKI」もそうだと思うんですけど、最初のノイズかシンセっぽい音を、全然関係ない歌謡曲みたいなところから持ってきていませんでしたっけ？

大沢：そうね。ネタを使うときも人と被りたくないから、みんなが絶対に使わないソースを持ってきたりとか。

チョモ：そのソースの持ってき方が衝撃だったんですよ。歌謡曲の間奏部分を短くループさせて音を作ったり、それを鍵盤にあてて弾き直して音階をつけたり。そうやって独自の音を曲にぶっ込むんですよね。ここまで大胆に音を足していっていいんだっていう発見があったし、そうじゃないとこういう音になんないんだなって気づきがありました。

大沢：いや、そう言ってくれると嬉しいです。僕もチョモくんから勉強させられる部分は多いし、一緒にやることでDNAの交換が行われていると思うから、本当に吸収させてもらっています。

──DONGROSSOは実際にやっていて、3人に良い作用をもたらすシステムとも言えますか？

大沢：ええ、楽しいことしかないですね。制作についても、森はたまに寝坊して来なかったりするんですけど、それでよかったりするんですよ（笑）。3人揃っていないとできないことではなくて、その場にいなくとも森が発した言葉が曲のテーマになったりするので。本当に不思議ですし、楽しいですね。

──ちなみに、冒頭に話していただいた「お昼ご飯を食べにいって」できた曲というのは、どの曲なんですか？

大沢：「MY HARDCORE VALENTINE」など何曲かあるんですけど、今作に入れられなかった「ANTI SOCIAL SOUNDSYSTEM」という曲もそうです。そして、この曲こそ、僕らにとって渾身の1曲で、これぞDONGROSSOって感じの曲なんです。諸事情でアルバム収録は叶わなかったですけど、ある意味それも面白いというか。ライブでは披露すると思うので、この曲を是非聴いてほしいんです。

森：俺も1番好きな曲です。みんなで歌えるし、みんなが知っているワードですし。なんとかして出せないかって最後まで言ってました。

大沢：まだ諦めてないですからね。この曲が話題になって夏にシングルでリリースできたらカッコいいんじゃないかと。

──そうなると、「ANTI SOCIAL SOUNDSYSTEM」を現場で聴くしかないですね！　リリパの予定はいかがでしょう？

大沢：むしろリリパをやりたいので、このインタビューを以て募集したいです。1年間やろうと思っているので、DONGROSSOを呼びたいという方、ご連絡ください！

オルタナティブフォークバンド・SIS（シス）が前作「死生」をリリースしてから4年。その間、メンバーそれぞれの人生には大きな変化があり、バンドは5人体制へ進化を遂げて再始動。そして2024年9月から続く、連続デジタルシングルリリースを経て、ついに完成したのが最初にして最新のフルアルバム『MEMENTOPIA』だ。

タイトルに込められた想い、楽曲に刻まれた経験、そして新たなメンバーとともに広がる音楽の可能性。SISが歩んできたこの4年間を、中目黒にあるメキシコ料理店Baja（バハ）にて、アルバムの発売を記念して展開中のクラフトビール「MEMENTOBEER」を飲みながら、バンドのフロントマンであるTxBONEと沢庵にじっくりと語ってもらった。

──いよいよアルバムリリースが4月16日（水）に迫りました。僕は昨年から、連続デジタルシングルリリースのプレスリリース用の文章を書かせてもらっていましたが、まずあらためてここに至るまでの過程や思いを聞かせてください。

沢庵：4年前というと、ちょうどコロナ禍に慣れた時期。世の中が一度暗いムードになって、夜明けを感じ始めている頃合いで、その期間は生きることと死ぬことについて、深く考えていました。

TxBONE：個人的な話だと、結婚も離婚も経験して、子供も誕生して、EPをリリースしてから目まぐるしい4年間だったよ。

沢庵：バンドや音楽関係以外の、クリエイティブな異業種の人たちと新しい出会いもたくさんありました。

TxBONE：新体制になり、自分たちで1からやっていく中で、いろんな人たちから力を貸してもらいました。バンドはメンバーが2人増えたね。 バンドとしてのコアはありつつ、いろんな人と関わることで得た、新しいエッセンスがバンドにもアルバムにも入ったなと思う。

──世界情勢や国内に目を向けると時代感として「死」がより身近に感じられるようになった気がしますが、いかがでしょうか？

沢庵：そう思います。同時に、新しい命の誕生もまたリアルに感じました。今までこの世に誕生してなかった命に出会ったり、一方でお別れもありました。 生き死にだけのお別れじゃなくて、自分たちの人生で疎遠になってしまうという意味でのお別れ。そして音楽を作ることも、一つの「命を生む」ような感覚があります。今回のアルバムは、そんな生と死の間で生まれた作品です。

──ライブで歌われていた楽曲たちが、新しいアルバムに多数収録されてます。曲自体は前作をリリースした4年前から徐々に作っていったんでしょうか？

沢庵：種はあったんですけど、結局この4年がないと完成しなかったんだと思います。最初から出来上がっていて、出すのに時間かかったっていうよりは、納得のいく出来に仕上がるまでに時間がかかりました。

TxBONE：インスト曲も含め、内容は最後まで悩み抜いたね。

──制作自体はいつ頃から、動き出したんですか？

沢庵：アルバムのレコーディングとして、最初に楽曲のドラムを録ったのは一昨年（2023年）の9月頃。その年の年末にかけて数曲、ボーカルも録っていったけど、拓歩（TxBONEの本名）と2人で喉をやられちゃって。めっちゃカルボシステイン*を飲みまくっていた記憶があります（笑）。

*＝気道粘液を調整して痰や鼻汁を出しやすくする薬

TxBONE：カルボシステインが欠かせなくなってた（笑）。声がガラガラで、気に入らなくて結局全部録り直したもん。

──アルバムタイトル『MEMENTOPIA』についても聞かせてください。

沢庵：もともとバンドの新しいプロジェクト名の候補として考えていたものなんです。“MEMENT”（＝過去を思い起こさせるもの）と“TOPIA”（＝場所）を組み合わせた造語で、気に入ってくれた拓歩が、足の指にガッツリ彫っていて。

TxBONE：バンドの名前とは別に、プロジェクト名を設けるべきじゃないかと模索してた候補の1つ。めっちゃいいじゃん！　かっけーって。ちょうど10文字だから、10本に収まってさ。ほら（足の指を見せてくれる）。このタトゥーと共に地に足つけて人生歩んでいくみたいな思いで足の指に入れたんだよね。

沢庵：SIS（死生）を言い変えて、スケールアップしたイメージ。前回のEPが「死生」だったんで、次の作品としてちょうど良いフレーズが見つかった。 “生きる”ことを、よりシリアスに考えさせられる今の時代にもぴったりかなと思います。

──制作にあたって、ターニングポイントになった楽曲はありますか？

TxBONE：まず、スペースシャワーさんのディストリビューションが決まって、最初に「腐る」をリリースしたこと。そこから制作が本格的に動き出した感じ。

「アメンボ」という曲は実は最も歴史が古くて、 SISの初期からやってる曲。俺が小学生の時に作ったピースがベースになっている曲なんですけど、作った当時「Don’t Forget Love」ってタイトルを付けていて、SISで活動してからもその曲名で演奏してた。まだ3人だった頃の時代に、TAKAYAとも相談しながら、もう少し大人っぽくブラッシュアップして再構築した楽曲だから、思い入れは強い曲だね。

沢庵：EP「死生」からの大きな違いとして、拓歩がアイデアやフレーズをたくさん出してくれています。今までは、コード感も自分が持っているものから作り上げることが多かったですね。

TxBONE：前作だと俺は「ケレモ」しかギター弾いてないもんな。沢庵と俺はチューニングが違うんですよ。

沢庵：拓歩はザ・オーソドックスなレギュラーのチューニングなんです。それでしか作れない曲の雰囲気があって、「青赤」のようなストレートなフォークソングは、自分のアウトプットだけでは作れなかったと思う。曲の出だしとかを聴いても、自分からは出てこない新鮮さがあるし、拓歩にしか出せない雰囲気があるというか。

TxBONE：病んでることも多かったからなー。

沢庵：拓歩は病んでない時はない（笑）。でも、あの曲がすごく好きで、結構励まされています。

TxBONE：闇多き人間ですから（笑）。

──連続デジタルリリースの最後を飾った「エントロピー」も重要な楽曲だとお聞きしてます。

TxBONE：当初は漢字読みのバンド名「死生」ってそのまま曲名に付けていたんだよね。

沢庵：まさにバンドを象徴する曲で、出会いと別れ、死と生について歌った曲だから。

TxBONE：「今日は君が 生まれてくれた日だよね」っていうフレーズが浮かんだ時、ベロベロに酔っていたけど、すぐボイスメモに録って膨らませた曲。

沢庵：そのワンフレーズが全て。そこからメロディも歌詞も全部作っていったよね。

TxBONE：そしたらある時「エントロピー増大の法則」って知ってる？　って沢庵が言い出して、説明を聞いたら、まさにそれってこの曲じゃん！　ってことでタイトルが「エントロピー」になって。

沢庵：俺も全部理解できているわけではないけどね（笑）。曲に通じる部分があったので話してみたら、気に入ってもらって採用されました。

<──メンバーが5人になったことはバンドにどのような影響を与えましたか？　制作面での変化についても教えてください。

沢庵：5人体制になったことで、できることが格段に増えました。以前はデータを送り合いながら制作することが多かったんですが、今はスタジオで直接音を合わせる機会が増えました。

TxBONE：人と人、生身のやりとりが増えたよね。サンプラーを使って、その場でビートの抜き差しをしたりとか、音と表現の幅が広がったのが大きな変化かな。やり取りが増えて調整が大変という面もあるけど、以前は「これじゃなきゃいけない」という固定観念が強かった。でも今は「これもアリなんだ」と思えることが多くなったね。

沢庵：正解が一つではなく、完成に至るまでの選択肢が増えたことでバンドの可能性が広がった気がします。以前よりも柔軟に、いろんなアイデアを試せる環境になっていますね。

──あらためて5人体制になった経緯を教えてください。

TxBONE：大体いつも俺が突っ走っちゃうんだけど（笑）。今回は自然な流れで。前作「死生」を制作した際、アレンジの面白さを知ってから、当時は“ネオフォーク”と自分たちの音楽を呼んでいたんだけどーー。新しい音を取り入れるために、試行錯誤を重ねていった結果かな。

最近ライブでは同期演奏してるんだけど、5人の方がよりダイナミックで多面的な表現ができると感じたし、バンドとしての一体感も増すだろうと、信頼できる2人を誘ったのが経緯だね。あと、単純に人が増えた方が賑やかでいいなって。

──新たに加わったメンバーについて紹介していただけますか？

TxBONE：UJI（E.Gt.）の明るさはバンドの雰囲気を変えてくれたよね。初めて会った時「海賊みたいな奴だ」と思ったけど（笑）。実際にその存在感やエネルギーが大きなプラスになっているし。

匠（Perc.）はもともと一緒にスリーピースバンドをやっていた仲間で、テクニックもあるし、建設的な考え方ができる。3人体制の終盤、バンドが少し停滞していると感じたときに、「このメンバーが加われば、もっと良くなるんじゃないか」と思って声をかけて。5人になったことは結果的にバンドにとってすごくいい変化になったと思う。

──『MEMENTOPIA』には、フォークを軸にさまざまなジャンルを横断する楽曲が収録されています。その中で時間の経過や作品を通じたドラマ性を感じました。アルバムのコンセプトや、特にこだわった部分を教えてください。

沢庵：曲順についてはかなり、拓歩がこだわって最後まで考えてくれました。

TxBONE：何パターンも考えながら調整して、最終的に今の形になって。アルバムを通して聴くことで、一つのストーリーのようになってるんです。

沢庵：最初はポジティブな雰囲気の曲から始まり、次第に内省的になり、最後は深く沈み込むような展開になっています。この流れが、自分たちの心の動きをそのまま表しているように感じてもらえれば。朝から夜という時間経過や、もっと長いスパンでの人生の変化、年齢を重ねて心境も成熟していくそのありよう。いろいろなシーンで聴いてもらえる作品に仕上がったかと思います。

──では、リスナーにはぜひ曲順通りに聴いてほしいですね。

沢庵：アルバムを通して聴くことで、より深く世界観に没入してもらえると思います。

TxBONE：密かなこだわりをバラすと、実はアルバム一枚通した秒数が43:21になってる。カウントみたいで面白いかなと。

──収録されている楽曲については、みなさんのライフストーリーが主に反映されていると思います。それ以外で何か制作において意識したこと、影響されたものはありますか？

TxBONE： ライブを大事にしているバンドなので、ステージを意識した部分は大きいかもしれない。例えば「疾走」はクラブでも盛り上がってもらえるような、エレクトロサウンドの曲調を取り入れたかったんだよね。

沢庵：アンセムだね。サッカーのチャントのような、みんなで合唱できるような雰囲気の曲を作りたくて。

TxBONE： 初めてスタジオで演奏した時から超楽しかった。ギターのストロークが最初から最後まで続くので、手が攣（つ）るかどうかだけが問題（笑）。「夢喰（ばく）」も結構昔からあった曲だよね。

沢庵：4年前くらいかな。レゲエを取り入れた楽曲で、SISは割と綺麗な曲ばっかりだったんで、少し怪しい感じの曲も作りたいなってずっと思っていました。

FF7（FINAL FANTASY VII）のスラム街のBGMがあるんですよ（「虐げられた民衆」・植松伸夫）。それが結構レゲエっぽいリズムで、ちょっと危ない感じがするんですけど 子供の頃に強烈に印象に残っていたんです。大人になった今良い感じに楽曲にブレンドできないかを考えました。ライブでも体が揺れて、オーディエンスも反応してくれるようなイメージです。

僕があと10歳年齢が若かったら、影響を受けたアーティストとしてマニアックな名前をカッコつけて挙げていたかもしれません。今は割と幼少期の体験に影響を受けていると感じています。

──僕がSISの2人と同年代だからか、作品を通じてどこかノスタルジーを感じるのは当時のポップカルチャーの影響があるかもしれないと思いました。世代的に刺さるというか。

TxBONE：あの頃は、みんなが同じものに夢中になっていたよね。ゲーム、ドラマ、漫画、映画、話題が共有できて、それはそれで面白かった。

沢庵：「木曜の怪談」とか、「銀狼怪奇ファイル」とか今でも記憶に残ってますもん（笑）。そういった記憶や体験から抽出されたエッセンスが自然と音楽に落とし込まれているのかなと思います。

──アルバム制作中の出来事で、特に印象残っていることはありますか？

TxBONE：個人的には最後に収録された「真夜中の海」は、初めてピアノでの作曲に挑戦した曲。大田区にある城南島海浜公園という海沿いの公園でインスピレーションを得たんだよね。バンドをサポートしてくれている大夢（ひろむ）に、作業合間の息抜きで連れて行ってもらったとき「なんて素敵な場所なんだ」と思った。それで、海の音や周囲の環境音をボイスメモに録音してその音を楽曲でも使ってる。ちょうどその頃、私生活でも大きな変化があり、頭の整理をするために何度もその公園へ足を運んだことを思い出すよ。

──この曲にはいろいろとSEも入っていますね？

TxBONE：この曲の中で鳴っている心臓の音は、娘がまだお腹の中にいたときのエコー音。「この瞬間を残しておきたい」って思いでiPhoneのボイスメモで録音して曲に入れました。

曲の最後には一瞬だけ赤ちゃんの泣き声のような音が聞こえるんだけど、それは娘が生まれたときに最初の泣き声を録音したもの。新しい命が飛び出してくるイメージを持たせたかったんだよね。そういう細かいところまで聴いてもらえたら嬉しいな。

沢庵：僕は制作中にお別れを経験しました。面識はないんだけど今使っているギターを作っていた職人さんが亡くなってしまったんです。

TxBONE：弾き語りの「愛した愛した」もそのギターで弾いているんだよね？

沢庵：『MEMENTOPIA』の制作は全部そのギターを使っています。SISでの僕のチューニングってダウンチューニング（レギュラーチューニングから半音、一音半など下げたチューニング）なので、普通のギターだとネックの長さが足りなくてなかなか音がまとまらないんです。普通のギターだとEが一番低い音。だけど、SISの場合B♭（Bフラット）まで下げる。だからずっとSIS用のギターが欲しいと思っていたんですが、なかなかコストや条件が見合うものが見つからなくて。

──どうやって巡り合ったんですか？

沢庵：長くなりますが。そもそもアコギをB♭まで下げる人いるのか？って思って調べたら、ニック・ドレイク（NICK DRAKE）というフォークシンガーソングライターが、ダウンチューニングで曲を弾いていたんです。うつ病の中で完成させた「PINK MOON」というアルバムがとにかく素晴らしい。

さらに調べると彼は「GUILD（ギルド）」というブランドのギターを使っていた。同じようにアイルランドの「Lowden（ローデン）」とかダウンチューニング用のギターはとにかく高いんです。そんな中で「KNIGHTON MUSIC CENTRE」という海外ギター販売サイトで「ニック・ドレイクが愛したチューニングにも最適」という説明文を見つけました。Lakestone（レイクストーン）という、イギリスのウエストミッドランズ・ダドリーにあるギター工房が作っているものだったんです。

そこは有名店ではなく、リペアとかも行う街の小さなギター工房。ローカルに根ざしている背景も含めて信頼できると思い、購入しました。値段的にも今の円安だと買うことはできなかっただろうし、職人の方が亡くなってしまったことで、ギターの製造はやめてしまったみたいです。僕はスピリチュアルな人間ではないんですが、縁というか不思議な巡り合わせを感じましたね。

TxBONE：海を越えて届いたとき、沢庵が嬉しそうにギターの動画を送ってくれてさ。名前も付けてんだよね？

沢庵：ギターの色が、大地、土っぽい色をしているから「イオルテ」という地球を表す昔の言葉を基に名前を付けています。

──今回アルバムリリースに関連してクラフトビールを作成したと聞きました。すごくユニークでありながら、SISらしいとも思ったんですがきっかけや経緯を教えてください。

TxBONE：今回『MEMENTOPIA』をリリースするにあたって、新しくチームに裏方として入ってくれた親友の望月悠登と、プロモーションの案を出し合っていく中で決まりました。クラフトビールを作っているバンドって他に聞かないし、「新しいよね」って。

沢庵：拓歩と悠登くんが福岡県糸島市のCamosi Brewingさんと強い繋がりがあって、Camosiさんのご厚意により、今回リリースするアルバムに合わせて、インラインのビールにSISデザインのラベルを貼って販売させていただくことになりました。

TxBONE：悠登や俺の先輩でもあるCamosi Brewingのコウさんという方が、一肌脱いでくれたんですけども、本当に感謝です！ その名も「MEMENTOBEER」！ いいっしょ？（笑）。

──「MEMENTOBEER」はどんな場所で飲めるんですか？ また、どんな風に楽しんでもらいたいですか？

TxBONE：コウさんが長く住んだ横浜からこのビールのためだけにミネラル豊富な水のある地元・福岡県の糸島に移住し丹精込めて作っているおいしいクラフトビール。俺たちSISと縁があるお店でしか飲めないので、そこに足を運んで味わってもらえたら。飲み終わったら、空き缶を持って帰って、花を挿してくれたりしたら嬉しいな。

※本インタビューの撮影が行われたBAJAでも提供中！ そのほかの取り扱い店舗はSISのInstagramをチェック

沢庵：「音楽」と「食」もそうですが、一見別々のものに見えるものが、こうしたプロジェクトを通じて重なり合い、独自の体験を生む——ということを伝えたいです。人生がより豊かになるきっかけのひとつになれば嬉しく思います。

TxBONE：音楽とお酒って切れない関係にあると思う。やっぱり、ほろ酔いで聴く音楽って最高だし、ワイングラスとかに注いでアルバムを通して聴きながら、ゆったり味わってほしいです。さっきも話したけどアルバム通した再生時間が43:21のカウントダウンになっているので、飲み終えて「また明日から頑張ろう」とか、気持ちをリセットするような楽しみ方をしてくれたら本望です！

沢庵：人がお酒を飲む時、何かを忘れたくて飲むということは往々にしてあるかと思います。でもこのビールは、そういった時に飲むビールではありません。丁寧に一口ずつ味わって飲むようなビールです。リリースするアルバムも同様で「すべて忘れて楽しもう」という時ではなく、ゆっくり、自分が辿ってきた道を思い出さなければならない時こそ聴いてほしい作品です。手に取ってくださる一人一人のかけがえない記憶に、そっと寄り添うように。このビールとアルバムが存在できれば、とても嬉しく思います。

TxBONE：最近はビール以外にもいろいろと新しい企画にチャレンジしていて、4月からYouTubeで「FOLK-US」というカバー企画をスタートしたんだよね。時代を超えて愛される名曲をSIS流のフォークサウンドで再構築するカバーシリーズで、随時更新していくのでチェックお願いします。