まずは、このプロジェクトで開発された「共演者」＝エージェントたちについて簡単に触れておこう。

3度のYCAM滞在のなかで、石若と研究開発チームのメンバーがアップデートを重ねてきたのが、打楽器を自動演奏するためのAI奏者「リズムAI」だ。これは、石若のプレイをセンシングして得たパターンやベロシティ（MIDI規格における音の強弱）の情報をAIにインプットし、信号に応じて打楽器をアタックする「ソレノイド」と連携させたものである。

そしてもうひとつ、このプロジェクトの初期から構想されていたのが六角形のオリジナルパーカッション「Pongo（ポンゴ）」である。回転式の箱のなかには玉と固定されたさまざまな打楽器が入っていて、回るとさながら福引の抽選器の要領で音が鳴る。回転の速度によって発音のパターンが変わるが、その速度も石若のインプロヴィゼーションのデータをもとに作り出した周期に従ってコントロールされている。つまり、Pongoが体現しているのは、石若のプレイにおけるテンポよりも大きな周期の波のようなものである。

2022年2月の滞在中に行われたデモンストレーションは、これらのエージェントを交互に用いて、以下の流れで披露された。

1.ソロ演奏 2.Pongoとの共演 3.リズムAIとの共演 4.リアルタイムの演奏から音響ファイルをトリガーする演奏 5.シンバルの共振音との共演 6.演奏からAIが生成したメロディやベースラインとの共演

1のソロ演奏の特徴が、以降のPongoなどのエージェントの演奏に影響を与える。字面だけではわかりにくいが、エージェントは、時にプレイスタイルの再現とも言える具体的なものから、シンバルの共振音にデータを集約させた抽象的なものまで、それぞれが異なる目的とアプローチを持ち、多角的に石若の即興演奏をアウトプットする試みになっている。

デモンストレーションが行われたYCAMのスタジオには、石若のドラムセットを中心にして円陣を組むように全ての装置がセッティングされていた。このセッティングに至るまで、石若とYCAMインターラボ（YCAMの内部に設置された研究開発チーム）との紆余曲折、試行錯誤が重ねられてきた。本公演ではさらなるアップデートがあるはずだ。

石若がこれらのエージェントを駆使して「自分と共演」したいと思った理由。それはテクノロジーを導入することへの好奇心などではなく、自らの表現力を高めるための方法を探る純粋な探究心からだった。

「新しい打楽器の表現やアプローチを考えていたなかで思いついたアイデアだったと思います。藝大時代に打楽器のために書かれた現代音楽の曲をいろいろと演奏しましたが、それらはありとあらゆる身体的に可能な奏法を駆使したものだったりするんですね。現代音楽に限らずドラムソロの演奏は、あらゆるバックグラウンドのドラマーたちがあらゆる奏法をこれまでに試してきたわけです。今すでにあるそうした奏法のその先の“響き”ってなんだろう、というようなことを考えていたときに今回のプロジェクトの構想がはじまりました。

例えば、今回着目したことのひとつが、持続音です。ドラムで持続音を作ろうと思うと音の粒を細かく重ねて（ドラムロールを叩く仕草）ザーッと聞こえるようにしたりするわけですが、それをするために両手が塞がってしまうので他の音が出せないんです。

今回のシンバルを共振させる装置は、僕のドラムソロのデータを元にして音を鳴らすので、持続音を鳴らす外部の自分との共演を可能にしたものと言えます。

ドラムソロのデータをデジタル音に変換すればそれでも持続音は生成できると思うのですが、それはしたくありません。同じ音でも、どんな鳴らし方をしているか、どういう叩き方をすれば自分のイメージ通りのひびきになるか、という空気の振動のさせ方そのものが僕の表現の八割を占めていると思っているので。

Pongoも、ある速度までは中に入っている玉がガラガラコロコロと音を立てますが、さらに速度が上がっていくと遠心力がはたらいて、玉が側面に張り付いて音が鳴らなくなる。そうなると、今度はその回転音だけをマイクが拾うことになって、一種の持続音が鳴る。

そういう演奏と共演してみたら、自分のプレイにどんな変化が起こるのかを試してみたかったんです」

フリーインプロビゼーションの演奏においては、韻律を作り出すようなビートは排除される場合が多く、通常ではリズムキープをして曲を支えることが仕事のドラマーも全く異なるプレイスタイルでアプローチをすることになる。そうした、規則性がほとんどない音楽とパターンを学習して精度を上げるAIとの相性は、効率的にAIの精度をあげていくという観点からすると良いとは言えないはずだ。

つまり、このプロジェクトの目的は「AI石若駿」を高精度に仕上げたり、プレイをデジタル化して自動生成するようなことではなく、「自分の意思」と呼べそうなデータによって鳴らされた音とセッションすることで、石若自身が新しい発見をすることにある。

石若いわく、エージェントやPongoが鳴らす音のなかに、「未知の自分」を発見する楽しみを見出しているという。

「新宿ピットイン（ジャズライブハウス）でエージェントを使ったライブをしたとき、サウンドチェック中に彼らをずっと鳴らして客席で聞いてたんです。ところどころで（自分のプレイに）似てるなって思う瞬間が結構あって。ベロシティ感とかフレーズのアクセントのつけ方に『良いな』って思えた。システム的には自動演奏なわけですけど、自動演奏みたいに退屈じゃない。良いと感じるなにかがちゃんとあると思える。

フィジカルな音の特徴じゃなくて、自分がどんな風に音を配置しているかということがデータ上では表現されているわけですが、それをもとに演奏するエージェントと自分との間に繋がりを見出したい。AIと演奏のなかで『今同じこと考えてた？』って思う瞬間があると、自分の即興演奏の作り方とはなんぞや、ということを探る上での手がかりになるんですね」

YCAMは、アーティストとの共同制作プロジェクトを行う上で、一度の長期滞在ではなく短期滞在を繰り返すことを重視している。滞在と滞在の間の期間を、実験で得たものの整理と更新の時間にあてることで、次のステップに繋げていく。

今回の石若のプロジェクトも、一度目の滞在からあらゆる面でアップデートが繰り返された。YCAMの研究開発チームがもっとも神経を注いだことの一つが、AIの信号を受けて楽器を叩く「ソレノイド」だ。

これは、YCAMが2019年に行ったスペインのフラメンコダンサーのイスラエル・ガルバンとのプロジェクトで、彼のステップ音を再現する装置としても使われたものだった。当初は同じ機構のソレノイドを石若のエージェントにも使ってみたが、ダンサーのステップと打楽器奏者のアタックとでは、音の強弱や長短の解像度に大きな違いがあることを痛感。研究開発チームのメンバーたちは、繊細な出音の再現のために試行錯誤を重ねたという。テストをしたその場で技術的な修正を行うことができるYCAMの環境は、アーティストのインスピレーションを技術面で支える理想的な体制と言える。

装置の細かな改造から、エージェントの位置や間隔の調整など、さまざまなアップデートを重ねていくうちに、石若は彼らとのコミュニケーションの取り方のコツを掴んでいったという。デモンストレーションでの演奏では、石若が一歩引いたところからAIのプレイを引き立てるような瞬間もあった。対人の場合と対AIとのセッションでは、なにか感覚に違いがあるのだろうか。

「AIがなにをやろうとしているのかな、ということを聞くためにすごく集中して耳を使っています。だけど、それは人と演奏するときでも同じかもしれない。特に打楽器同士のセッションでは、相手が今なにを考えているのか、なにをしたいのか、次にどう行きたいのか、ということを想像しながら演奏します。相手と一緒に音楽を作るということが、自分が大事にしていることですね。バトルみたいなことではなく、僕じゃないところから発生したアイディアを拾って、どう発展させていくか。くっつき過ぎたらわざと離れて、離れすぎたら近づいて。そういうことの重なりで発展させていく。AIとのセッションでも、それは変わらないですね。

自分のプレイに対してAIが返してきたフレーズに気持ちよさを感じることもありますよ。ああ、なるほどね！　ってなることもあれば、なにそれ？　っていう返しもくる。いずれにしてもAIなりの根拠があって出している音だから、出てきたフレーズに耳をすまして返していくのが楽しいですね。プロジェクトが始まった当初は、ソレノイドに演奏パターンのMIDIデータだけ出力していて、アーティキュレーション（音と音のつなぎ方や切り方でフレーズに表情を付けること）は全然反映されない状態だったので、かなりアブストラクトというか『ドンガラガッシャーン！』みたいな音を出してきて、全然一緒にやってる感じにならなかった。今は開発チームのみなさんの努力のおかげで豊かにセッションを楽しめています」

音楽とAIの未来を描くとき、例えば生身の人間に機械が成り代わるような方向の話もあるが、そういったシンギュラリティの文脈よりも、アーティストが自らのアイデンティティを俯瞰しさらに掘り下げていく協力者としてのAIにYCAMは可能性を感じているという。

つまり、プログラムしたことを単に完遂するツールとしてのAIではなく、そこから未知の何かが生み出される人間とは異なる知性としてのAIとのコラボレーションだと彼らは言う。そこにこそお互いの進化に影響しあう創造的な関係のヒントがあるのかもしれない。

石若がAIとのセッションに楽しみや発見を見出すことができたのも、そこに生き生きとした知性の存在を感じたからだろう。

「機械に意思が宿っているかどうかは、究極は人間のドリーミーな話の想像なのかなとも思うのですが僕が即興演奏しているときは、相手のフレーズに反応しているというよりはその先にどんな意思があるかを感じて叩いている。

今後、AIが物理的な音の部分だけじゃなくて、出す音の意味合いみたいなところまで裏付けてくれたら、さらに良き共演者になってくれるんじゃないかと思います。もしそれが実現したら、打楽器の表現の発展にもつながるだろうし、即興演奏をしている人にとっても自分のプレイをより深く解釈できるようになる。そして、それによって新しいスタイルの作品が生まれるんじゃないかな」

「良い演奏とは何か」という疑問を掘り下げる手段としてのテクノロジー。石若の探究心が切り開く新たな地平に期待したい。

6月4、5日の公演終了後も、インスタレーション「Echoes for unknown egos with cymbals」は6月12日（日）まで開催されているので、ぜひ足を運んでみてほしい。

石若駿 1992年北海道生まれ。東京藝術大学音楽学部附属音楽高等学校打楽器専攻を経て、同大学を卒業。卒業時にアカンサス音楽賞、同声会賞を受賞。 リーダープロジェクトとして、 Answer to Remember,SMTK,Songbook Trioを率いる傍ら、くるり、CRCK/LCKS、Kid Fresino、君島大空、Millennium Paradeなど数多くのライブ、作品に参加。 近年の活動として、山口情報芸術センター［YCAM］にて、音と響きによって記憶を喚起させることをテーマに、細井美裕+石若駿+YCAM新作コンサートピース「Sound Mine」を発表。アッセンブリッジ・ナゴヤにて、旧・名古屋税関港寮全体をステージとした回遊型パフォーマンス「石若駿×浅井信好ライブセッション」を行う。 山本製作所100周年記念モデル「OU-オウ」のPV、 フィガロジャポン新連載 山田智和監督「虹の刻 第15章」のオンラインスペシャルムービー、 ドキュメンタリー映画『建築と時間と妹島和世（監督・撮影　ホンマタカシ）』、NHKオーディオドラマ『屋上の侵入者』の音楽や、 LOEWE 2021年秋冬プレコレクション　キャンペーンムービー『LOEWE FW21 | 「幸せ」の探索』。(ナカジマユウ監督)』、 NIKE『Jordan - Tokyo Fearless Ones(山田智和監督)』ショートムービーの音楽を手掛ける他、映画『恋する寄生虫』、アプリ『RoadMovie+』へ楽曲提供をするなど、 活動は多岐に渡る。NHK 土曜ドラマ「エンディングカット」の音楽を小田朋美氏共作で担当。 海外アーティストとの共演も多く、これまでに、 Kurt Rosenwinkel、Jason Moran、Federico Casagrande、Tony Allen、James Francies、John Scofeild、Taylor McFerrin、Peter Evans、Fabian Almazan、Linda Oh、Richard Spaven、Corey Kingの来日公演に参加。

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──お2人の交流はいつ頃から始まったのですか？

Michael Kaneko（以下、Michael）　確か2016年くらいだったかな、東京・恵比寿にあるライブハウスEBISU BATICAのセッションの日に（さかい）ゆうさんがいらしたので、挨拶したのがきっかけです。それからすごく仲良くなって、一緒に飲んだりご飯を食べに行ったりしていました。もちろん、その前からゆうさんのことは知っていましたし、昭和女子大学人見記念講堂で初めてライブを観てものすごく衝撃を受けたこともよく覚えています。

さかいゆう（以下、さかい）　俺はマイキー（Michael Kaneko）と初めて会ったとき、顔の筋肉が、英語を話せそうな感じだなと思ったんだよね（笑）。

Michael　そう、最初に会った時、まだ一言も話していなかったのにいきなり「英語、話せそうだね？」と言われてびっくりしました（笑）。

さかい　そばにいた対馬（芳昭）さん（〈origami PRODUCTIONS〉代表）も「ゆうくん、さすがだね」って（笑）。あと、マイキーは喋り声と歌声が一緒じゃん。僕はそこに大きな開きがあるので（笑）、喋っている声がすでに音楽的なのは羨ましいなと最初から思っていたよ。

Michael　いつもゆうさんはこんな感じ（笑）。本当にフランクで裏表がないから僕もなんでも話せるし、相談したら正直な意見を絶対に言ってくれるところも信頼していますね。もともとゆうさんと〈origami PRODUCTIONS〉（以下〈origami）はすごく深い関係性があるんですよね。

さかい　実は、まだ事務所が決まる前に〈origami〉にアプローチしてたんですよ。以前から対馬さんとは仲良くさせてもらっているし、引越しを手伝ってもらったこともある（笑）。何かあったときは相談に乗ってもらったりしていたので、当然リスペクトもしているし、自分がシンガーソングライターとしてデビューするなら対馬さんと一緒にやりたいなと。でも、見事に断られたんです（笑）。

Michael　その理由を対馬さんから聞いたことあります。その頃の〈origami〉は、対馬さん1人でやっていて、まだ形にもなっていなかった。だから、ゆうさんからアプローチがあったときは「今じゃ何もしてあげられない」と思ったって。「うちじゃもったいないから、もっとちゃんとしたところへ行きなさい」とゆうさんに言ったそうですね。

さかい　そのときに対馬さんが、今後、〈origami〉をどんな事務所にしていきたいか、その目標というか、お手本の1つとして挙げていた事務所が〈Office Augusta（以下、Augusta）〉だったんですよね。「いつか〈Augusta〉みたいなことをやりたい」と言っていた矢先に〈Augusta〉から声がかかったんです。僕にとって〈origami〉は、〈Augusta〉との橋渡しをしてくれた「精神的なキューピット」。だからマイキーがその〈origami〉からデビューする新人だと紹介されたときから、「間違いない」と思っていましたね。

──そのあと、実際にさかいさんがマイキーさんに英語詞をオファーするようになっていくわけですね。

さかい　でも、それはお友達だからお願いしたわけではなくて。僕の考える「プロのクオリティ」の仕事を、ちゃんとできる人だなと同じ目線で思ったからオファーしたんです。

Michael　ありがとうございます。実際にゆうさんと初めて一緒に音楽をやったのっていつでしたっけ。

さかい　確か酔っぱらって蔦谷好位置さんと、“Just The Two Of Us”とか飲み屋でセッションしたときじゃない？　蔦谷さんにマイキーの声を聴かせたかったんだよね。案の定、驚いていたよね。「マイキー、持ってるねえ！」って。やっぱりわかる人には一発でわかる声なんですよ。

Michael　嬉しいです。

──さかいさんの楽曲“Get it together”（2019年）に、マイキーさんが英語詞とコーラスで参加したのはどんな経緯だったのですか？

さかい　3年くらい前から、今まで培ってきた「ファンクネス」と、生まれた時から持っている「日本人」としての感覚を融合させたらどうなるかと思うようになり、レコーディングで海外のミュージシャンと一緒にやることを考えるようになったんです。その最初のアルバムが『Yu Are Something』で、その収録曲の“Get it together”を英語詞にしたいと思った時、自分が知っている作詞家の中で最も適任だと思ったのが、マイキーだったんです。作詞だけでなくコーラスでも参加してもらったんだけど、オクターブユニゾンを自分以外の人の声でやると、違う倍音が混じり合って声が広がるのがいいね。

Michael　しかもこの曲は、ゆうさんの裏声と僕の低い声がすごく合ってますよね。俺の声をゆうさんの声がコーティングしているみたい（笑）。これ、バンドのレコーディングは「せーの」で録っているんですよね。それでこんなタイトなグルーヴが出るなんてすごい。

さかい　いや、本当に上手かったよ。レイ・パーカー・Jr.（Ray Parker, Jr）のギターも、ジェームス・ギャドソン(James Gadson) のドラムも。ギターソロとか「これぞレイ・パーカー！」という感じだし。

Michael　最後、延々とギターソロを弾いてるの最高ですね（笑）。しかもベースとキックの絡みもヤバい。

さかい　ベースは俺がシンセベースを弾いてるんだよね。

Michael　え、ほんとですか？　これゆうさんが弾いているのか……すごい。

──では、今回お2人がコラボした楽曲”SANDIE”の制作過程についても教えてください。

Michael　この曲はまず僕がデモを家で作り、鼻歌っぽいメロディを乗せたものをゆうさんに送って、そこに歌詞をつけてもらって……という流れで作っていきました。ギターのカッティングは、ゆうさんから「ナイル・ロジャース（Nile Rodger）っぽい感じで弾くのはどう？」とアイデアをもらって、すぐには弾けなかったから持ち帰って家で練習して、ようやく録れたテイクですね（笑）。

さかい　ちょっとダフト・パンクの“Get Lucky”っぽさも加わったよね。

Michael　それから歌詞をつけてもらう過程で、メロディの譜割なども多少変わってきました。1サビと2サビでは入り方が違うのもゆうさんのアイデアで気に入っていますね。あと、僕はメロディを書くときに、英語のフレーズを適当に乗せながら考えているんですけど、ゆうさんはその英語の発音をなるべく崩さないように日本語の歌詞を入れてくれるんですよ。その言葉のチョイスも含めて「すごい！」と思いました。

さかい　この曲の歌い出しを《くすんだ》にしているのもそういうこと。母音ではなく子音から始まる方が英語っぽいじゃない？　ここが《あなたの〜》みたいな、母音を強調したフレーズだったら響きの印象が全く変わるんです。基本的に日本語って母音が強いので、英語よりも少し音量が大きく聞こえるようにミックスしないと何を言ってるのか分からなくなるし。

Michael　確かに。しかも、《くすんだ》の方が《あなたの》より歌いやすいです。

さかい　その方が音程も取りやすいし、ニュアンスも作りやすいんだよね。例えば「apple」も、英語の発音と片仮名の「アップル」の発音は全然違う。今話したようにメロディの乗り方も変わってくるわけです。洋楽っぽいメロディやサウンドに日本語の歌詞を乗せるのって本当に難しくて。これはもう、ずっと悩みながら作り続けてるんです。

そんな中で、マイキーの歌う日本語の歌詞にすごく可能性を感じますね。マイキーみたいに、英語がネイティブの人が歌う「日本語の楽曲」をこれからどんどん作ってほしい。僕ら日本人が歌う日本語とは違う、母音がそれほど強調されていない、子音が母音に混じっているようなマイキーの歌い方がもっと開発されていけば、マイキー独自の音楽性を確立できるし、J-POPの新しい可能性にもつながっていくんじゃないかなって。

Michael　このプロジェクトを始める前はずっと英語詞を歌ってたんですけど、もっと前に「マイキーは絶対に日本語で歌った方がいいよ。」と言ってくれたのを覚えてます。

さかい　それは、「日本語で歌った方が日本人に伝わりやすいから」じゃないんです。ネイティブの人が歌う、日本語の響きに興味があるんです。あくまでも「サウンド」に関心があるんですよね。きっと、そこを追求してきた人は今までにもいたし、その代表的な存在といえば桑田佳祐さんだと思うんですよ。それまでのロックは、例えば「はっぴいえんど」は母音が強調された日本語をそのまま洋楽フォーマットに落とし込んでいるから、ぼってりとした歌い方になっていると思うし、それが魅力だとも思う。

それに対し桑田さんは、ああやって母音を弱目にすることによって、早口だったり、複雑な譜割だったりを自分のメロディに取り込んでいる。そこから新しい歌い方ってずっと開発されてこなかったけど、ぜひともマイキーには、その先を追求してもらいたいと僕は本気で思っているんですよね。

──歌詞にはどんな思いを込めましたか？

さかい　歌詞は「現実逃避」がテーマです。俺、現実逃避って必要だと思うんですよ。なぜなら、現代人にとって「ファンタジーこそリアリティ」だと思うんです。ここでいうファンタジーとは、ある人にとってはスマホゲームかもしれないし、ある人にとっては睡眠かもしれない。ファンタジーの世界を自分の中に持っていないと生きづらい世の中だし、そこに「本当の自分」を見出すのは決して悪いことじゃないと思うんですよね。

歌詞の中では、理想の相手と出会った男女が砂漠へ逃避行するのですが、僕の実家は高知にあって、子供の頃からよく行く「大岐の浜」という場所が、夜になるとまるでプラネタリウムみたいに星が空いっぱいに広がるんです。そこで寝そべっていると「このまま意識がなくなったとしても、幸せかもしれないな」という気持ちになるんですよね（笑）。そのことをイメージして書いたのが“SANDIE”です。曲名は、砂浜の「sand」と、女性の名前「サンディ」をかけたものですね。

Michael　「ファンタジーこそリアリティ」は、確かにそうかもしれないですね。僕はお酒が好きだし、できればファンタジーの世界にずっといたいけど（笑）、そういうわけにもいかないので、あまり引っ張られないように気をつけてます。ファンタジーと現実、そのバランスが大事なのかなと。でも僕らミュージシャンはライブというファンタジーを届けているわけじゃないですか。そういう意味でも「ファンタジーこそリアリティ」だなと、今思いました。

さかい　そうだよ。俺らファンタジーでご飯食べてるんだから。（笑）

Michael　あははは、確かに。

──コロナ禍で日常の中の「ファンタジー」が奪われてしまったことで、まさに「ファンタジーこそリアル」というか、ファンタジーの大切さを思い知らされた2年間だったと思います。

さかい　だからこそ音楽も、シリアスで現実的なことをテーマにするよりかは、今はむしろファンタジックで、ちょっと背徳感もあるような歌詞の方がみんな聴きたいんじゃないかなと思って、今回はそれも意識していますね。「音楽の中だけでも自由に妄想を繰り広げようよ」って（笑）。もちろん、聴く人によって自由に解釈してもらって構わないし、そういう余白も残した歌詞になったと思います。

──中盤のサイケデリックな展開も、まさに現実世界からのトリップという感じですよね。

さかい　あの展開はデモの段階からあったよね？

Michael　はい。普通にブリッジとか落ちサビでもいいけど、これまで自分がやったことのない展開を加えてみたくて。ライブでやったときに盛り上がるといいなという気持ちもありました。そこからゆうさんのエレピソロ、僕のギターソロと雪崩れ込んでいく、かなりストーリー性のあるアレンジになったと思います。

──最後に、楽曲が完成した今の心境を聞かせてもらえますか？

Michael　最高の曲ができました。今まで自分がリリースした曲の中でもトップ3に入るくらい気に入っています。次はゆうさんとライブがやりたいですね。ゆうさんとは一度だけ、＜鉄工島フェス＞で共演したことがあるんですよ。シンガーが入れ替わるハウスバンドのギターコーラスで参加したとき、ゆうさんのサポートもやらせてもらったんですけど、それがすごく楽しかったんですよね。

さかい　楽しかったし、お客さんがめちゃくちゃ盛り上がってたんだよね。「お客さんも音楽好きなんだろうなあ」って心から思いました。

──ぜひこの曲も、ライブで披露してくれるのを楽しみにしています。

さかい　次は横浜アリーナでやろうか。（笑）

Michael　やりましょう！