ダースレイダーが“病気”をテーマにした半生記『イル・コミュニケーション　− 余命5年のラッパーが病気を哲学する−』を出版した。本書は脳梗塞、糖尿病、慢性腎不全、代謝性アシドーシスを患い、左目を失明したダースレイダーが、ネガティヴな認識が付きまとう“病気”を、ヒップホップの思想から再定義しようと試みた一冊だ。

彼はあとがきで「脳梗塞で入院した時の4人部屋でいっしょになった患者の皆さんのおかげで病院をフッドとして、病人をホーミーと考え、病気をレペゼンするラッパーとしての立ち位置を見つけることができました」と述べている。今回はそんなダースレイダーに著書の話題を中心に広く話してもらった。

──“病気”をテーマにした半生記を執筆しようと思ったきっかけを教えてください。

出版社（ライフサイエンス出版）さんから「医療業界じゃない人の病気体験を書いてほしい」というオファーをいただいたからですね。編集の方が僕の音楽やバックグラウンドを追ってくれていて、おおまかな骨組みも考えてくださったので、「それなら書けそう」と書き下ろした感じです。

──それは心強いですね。

そうですね。僕はすぐに脱線しちゃうタイプだから、最初に考えていただいたおおまかなストーリーからどんどん逸脱してしまうんですよ。でもその度に「じゃあこういう形にしましょう」と新しい方向性を提示してくれて。何度かやり取りしてこの形になりました。

──ヨーロッパで生まれ育ったダースさんが、ヒップホップを知り、ご両親の死を経験し、自身も病人になり、その目線から最終的に日本社会論に帰結していく構成はすごく刺激的でした。

僕にとって父の死と、その際に生まれた病院への不信感は、自分が病気と向き合っていく上で触れないわけにはいかなかったんです。それに世の中的にもなんとなく「病院に行くのやだな」って共通認識があるじゃないですか。けど自分が当事者として病院に行かざるを得ない身になって見えてきたものがあったんですよ。この経験はいろんな人に当てはまるし、僕の成長譚としても読んでもらえるかなと思いました。

──「病院に行くのやだな」って感覚はめちゃわかります。あと自分は鬱病＆不眠症で10年近く投薬治療しています。だからたまに「睡眠薬を飲むやつは心が弱い」みたいな発言を聞くと「うっ……」ってなります（笑）。

病人あるあるですよね。ただヒップホップを通過すると薬は“ドープ”なんですよ。ヒップホップが好きだと「お前、ドープだな」って言われたら嬉しいじゃないですか（笑）。

──それは嬉しいっすね（笑）。

でしょ？　僕も結構なギャングスターがビビる量の薬を毎回処方されてて。薬が入ったビニール袋は“パケ”じゃないですか。つねにすごい量のパケを持ち歩いてるので、その意味だと僕は“ハスラー”なんです。しかもこっちは合法で、全部自分に使ってるっていう（笑）。

──それはくそドープっす。

あと僕は病院が地元なんで「どこよりもドープが流通してるんだよね」ってマウントが取れるとか（笑）。大量の薬を持って病院から出てきたり、毎日薬を飲まなきゃいけなかったりっていうのは世間的にはマイナスかもしれないけど、ギャングスタラップの語り口にすれば全部イケてることにできる。

──見方／語り方を変えることで病人自身のマインドセットも変わっていくる。

そうそう。僕がいつも派手な服を着てるのも同じことなんです。

──毎日薬を飲むことへの葛藤って、ほとんどの人には伝わらないだろうなと思って普段はあまりしないんですよね。

それって「ここで病気や薬の話をすると変な空気になっちゃうな」って判断だと思うんです。つまり日本では病人ってそういう扱いなんですよ。でも僕は天気の話みたいに自分の状況を気軽に話せるようにならないとダメだと思う。だって潜在的には誰もが病気になる可能性があるから。病人なんて当たり前なんですよ。なのに、なぜかマイノリティ的な状況に置かれてるっていう。

──満員電車で優先席を譲ってもらえなかった話はびっくりしました。

おそらくみんな病気や、その先にある死を見ないようにしてる。そのほうが心の秩序が保たれるから。ごく稀に悪意を持って席を譲らない人もいるけど、基本的にはシャットアウトしてる感じがする。そういう人も知り合いが体調悪そうだったら席を譲ると思う。つまり問題は知識不足、情報不足、コミュニケーション不足なんです。僕がこの本を書くことによって、そこのコミュニケーションを促す架け橋になりたいという気持ちはありましたね。

──本書には、ダースさんが幼少期を過ごしたヨーロッパは社会全体で病人をケアしていたと書かれていましたね。

そうですね。やはりヨーロッパ社会で生活したという経験は自分の人格形成にものすごく大きな影響を与えていると思います。まずは自分が何者であるかをそれぞれが主張して、そこからみんなが「じゃあどうしようか」と議論してバランスを取っていくという順番なんです。日本の場合は、「みんながこう思ってる」「なのになんでお前は従わないんだ」「なんでお前だけできないんだ」という感じじゃないですか。もしくは「ここはお前が主張する場ではない」とかね。

──ヨーロッパではいろんな人種、宗教、思想が混在しているから、日本的スタンスだと社会が成立しないのかもしれませんね。

そうですね。生活のスタイルはもちろん、食べ物とかも全然違いますし。そういった人たちがみんなで暮らしていくためにはどうしたらいいんでしょう？っていう感じなんですよ。同時に僕の中には「和を以て貴しと為す」的な視点もある。「じゃあどっちが良いの？」と聞かれても、それは時と場合によりますよね。ただ順番としては、個があって全体があるというのが基本的な僕の考え方ですね。

──「時と場合による」っていうのはむちゃ大事だと思います。最近は性急に「0か100か」と立場の表明を求められることが多いけど世の中そんな単純じゃないよって。

そうですよね。だから僕みたいな人は日本社会だとすごく浮くんですよね。それでも僕は「こう思います」と主張すべきだと思っています。そのスタンスとヒップホップは相性が良いんですよね。ヒップホップはアメリカのマイノリティが「俺たちはここにいるぜ！」「俺たちはこうやって生活してるんだ」っていうのを声高に主張したのがそもそもの発端だし。ちなみに同調圧力（Peer Pressure）って言葉はアメリカにもあるんです。

──意外です。ヒップホップばっかり聴いてると同調圧力とは無縁の社会に思えてしまう（笑）。

自分の名前の由来だけで何曲を作っちゃうようなカルチャーですからね（笑）。でも実はアメリカにも同調圧力を強いてくる場面は当たり前にたくさんあって。その背景を知った上でヒップホップを聴くと勇気がもらえるんですよ。

──あと印象的だったのは、ダースさんが入院中のさまざまなことをゲーム的に捉えていることでした。

本にも書きましたけど、子供の頃からいろんなルールを作って、学校帰りに脳内でゲームしてましたね。「ポケモンGO」が出てきた時、ついに自分の想像が現実になっちゃったと思いましたし（笑）。受験勉強もゲームを攻略する感覚でやってました。想像力で現実を塗り替えちゃうんです。

──これもある種のマインドセットですよね。

あー、そうかもしれないです。

──さらに僕にとってすごく重要だと思ったのは「僕は病人に成った後に元に戻れるとは考えていない。あくまで、病気に成った後の自分に成るのだ」という一文です。

軽い病気でも重い病気でも体験した事実が重要だと考えています。苦しんだり、考えたりするじゃないですか。退院するとよく「帰ってきたね」と言われるんです。もちろん善意で言ってくれてるのはわかるけど、「帰ってきたね」「戻ってきたね」は「病気をする前のあなたに戻ったね」というニュアンスなんです。でもそうじゃない。僕らは病気という体験を経ている。前の自分に戻ったのではない。

──苦しんだり、考えたりすることで、それまでにない視点を持つことができますからね。

そう。僕は体験が人生を豊かにすると考えているので、病気の期間と、その次の期間を立体的にちゃんと説明すべきだと思いました。

──これは取材ですけど、こういう話ってSNSやメッセージのやり取りではできないじゃないですか。最近改めてリアルなコミュニケーション、対話の重要性を痛感しているんですよね。

ファミレスでの数時間にわたる他愛もない会話とかね（笑）。建設的な要素が一個もなかったり、人によっては酔っ払って何を言ってるかわかんない状況だったり。でもそこにも価値があった。あと直接会って話すと、一緒にいる時の表情や所作、ちょっとした機微、周りの会話、ノイズを共有することも体験ですからね。

──本書にあった「ふわっと」したコミュニケーションですよね。弱ってる時はこの「ふわっと」が本当に重要なんです。

そこに反応していただけたのは嬉しいです。ひとくちに友達と言っても、いろんな温度感のやつがいるじゃないですか。親身になって「ぐいっと」関わってくれる人もありがたいけど、「まじでなんも考えてないな」ってやつの「ふわっと」した感じがすごく助けになることがあるんですよね。

──ほんとそうなんですよ。現実の関係性からじゃないと生まれ得ない安心感というか。

実はこの「ふわっと」と「ぐいっと」はわかりづらいと編集さんから一回削除されたんですよ。それもわかるけど、僕としてはすごく重要な表現だったので粘りました。

──今日お話ししてどんな状況でもユーモアは大事だなと感じました。

病気って笑えないとされてることが多いじゃないですか。実際、「生き死に」が関わってくるので、真面目に捉えることは一切否定しません。ただ水木しげる先生の画のような感覚というのかな。シリアスだけどちょっと笑っちゃう感じ。僕はそんな視点もありなのかなと思う。

だから本の最後に落語のオチとしてうなぎの話を入れました。ちなみにうなぎってeel（イール）じゃないですか。本のタイトルの「イル・コミュニケーション」とライミングしてるんですよ（笑）。病人に気を使う人たちの張り詰めた感じを病人の側から少し解きほぐしたい。「そんな真顔にならずに」って。真面目で優しい人ほどそういう顔になりがちなので。この本が良いコミュニケーションを生むきっかけになったら嬉しいですね。

「エクスペリメンタル・ソウルバンド」を標榜する4人組音楽集団WONKが、ビートミュージック・シーンを牽引するレーベル〈Stones Throw〉に所属し、ジャズとヒップホップを融合したサウンドを奏でるピアノ奏者 / プロデューサーのKieferとのコラボシングル“Fleeting Fantasy feat.Kiefer”をリリース。

幼い頃からクラシッックピアノを習い、その後ジャズに目覚めてビートミュージックへとアプローチしていったKieferの経歴は、幼少期からピアノを弾いていた江﨑文武（Key）や、学生時代にジャズサークルで出会い結成されたWONKの歩みと重なる部分も多い。コロナ禍のリモートワークで制作されたこの楽曲も、そんな両者の個性が絶妙に融合した心地よくも刺激的なトラックに仕上がっている。

今回Qeticでは、プロモーションのために来日したKieferとWONKの対談インタビューを実施。取材前にはジャムセッションで盛り上がったという5人に、楽曲制作のエピソードなど語り合ってもらった。

──今回のコラボはどのような経緯で実現したのでしょうか。

江﨑文武（以下、江﨑）　僕がまずKieferさんのことを想像しながら曲を書き始めていたんです。ただ、そこから「一緒にやりたい」って言ったら実現しました（笑）。本当にそんな感じだったんですよ。

──Kieferさんの、どんなところに魅力を感じますか？

江﨑　同じピアノ弾きだし、すごく素敵な演奏をされる方だなと思っていました。ジャズを基調としつつもヒップホップのグルーヴを持っているところなどは、WONKとの親和性もすごくあるなと。メンバーの中でも「Kiefer、いいよね」という話は以前からしていたので、僕の提案もすぐに「いいじゃん！」と言ってくれて。それで合宿の時にみんなで曲を仕上げ、仮歌も（長塚に）入れてもらって。すぐに形になりました。

井上幹（以下、井上）　僕は、今回のコラボレーションが決まる前、KieferさんとMoonchildのツーマンライブ（2022年）を観に行ったことがあって。ドラムとベースとピアノだけの、WONKを始めた頃のようなものすごくシンプルな編成で、とてもかっこいいことをやっていたんです。「こういうの、やっぱいいよな」って思ったところに文武からの提案があったから、個人的にもすごくいいタイミングでした。

荒田洸（以下、荒田）　僕も1stアルバム『Kickinit Alone』（2017年）の頃からKieferの音楽を聴いていて。例えば〈Jazzy Sport〉などで活躍しているような、日本のビートメイカーにも通じるバイブスがあって最高だなと思っていました。なので、今回一緒にやれてとても光栄ですね。（Kieferに）Thank you for coming！

Kiefer　Oh, thank you.　なんだか褒められっぱなしで照れるね（笑）。

長塚健斗（以下、長塚）　僕は、2019年にリリースされた2ndアルバム『Superbloom』をよく聴いていました。ヒップホップにも通じるようなピアノのスタイルや、サウンドのチルな感じ、可愛らしいアートワークなど好きな要素がたくさんあって。文武が作ったデモを聴いた時も、「ああ、なるほどね！」と思ったけど、まさかこうやって実現するとは思っていなかったので嬉しいです。

──Kieferさんは、WONKからデモが送られてきてどう思いました？

Kiefer　彼らと共通の友人から音を聴かせてもらって、「いいじゃん、やろう」と即答したんだ。コードチェンジのスタイルもすごく好きだし、おそらくいろんな音楽を聴いて、それらを取り入れて独自のスタイルに昇華しようとしている。そんな彼らのミュージシャンシップにも共感する。

──もともとクラシックからスタートして、その後ジャズに目覚めてビートミュージックへとアプローチしていった経歴は、江﨑さんのバックグラウンドとも通じるものがありますよね。

Kiefer　そうかもね。WONKのメンバーと会ったのは昨日がはじめてだったけど、今日ジャムセッションをしたらすぐにいい感じになったからね。例えばコードチェンジの仕方などに何かしら共通点を感じるんだ。

荒田　ジャムセッションはめちゃくちゃ楽しかったし、気がついたら1曲できちゃったもんね。

江﨑　荒田はKieferさんに「スネアドラムの音がグッド！」って言われてたよね（笑）。

Kiefer　そうそう。スネアドラムの音作りってすごく難しいんだけど、とても良かったんだ。

──では今回の楽曲“Fleeting Fantasy”は、実際にどのように制作されたのでしょうか。

江﨑　まず僕の大まかなデモトラックをKieferさんに送りました。ピアノを弾いてほしかったし、最初僕は作曲だけ担当して鍵盤は弾かなくてもいいかなと思ってましたね。他にもシンセベースやパッドシンセ、ピアノのアドリブソロも録ってもらっています。Kieferさんはキャッチーなリフを作るのも得意で、そこも僕が彼のことを大好きな理由の一つだったんです。なので、「もし、そういうリフみたいなものを思いついた時は、とにかく自由に盛り込んでください」とメールでお伝えしました。

Keifer　文武から送られてきたデモの時点で大まかなアレンジはすでに出来上がっていたので、後は全体のダイナミクスを整えたりしている。

江﨑　2番のバース部分をリハモナイズしてもらったのですが、そこが「Kiefer節」全開だったんですよ。そこから、返ってきたデータの打ち込み部分をバンド演奏に差し替えていきました。

荒田　最近ハマっているのは、ハイハットとほぼ同じタイミングでシェイカーを重ねる手法。今回もやっていますし、スナップはいつも通り付けて叩いています。ネオソウルやヒップホップに対する、自分なりの正解を出そうと頑張って音作りをしました。

それと最近、録ったドラム素材は僕の方で大まかにミックスしてから幹さんに渡すようにしているんですよ。最終的にどの素材を使うかは幹さんにお任せするけど、「この曲の自分のイメージはこんな感じです」というのを前もって伝えていこうと。おかげで以前よりも、幹さんとイメージを共有しやすくなりましたね。

Keifer　ドラムを組み立てている時って、サンプルは使ってる？

荒田　使っています。クラップとかシェイカーとかをトリガーで。Kieferさんは？

Kiefer　1stアルバムでは、サンプルをMPCで打ってたね。2ndアルバムからはAbletonのソフトを使ってPC上で組んでいて、最近のアルバムでは生のドラムを使っているよ。

井上　この曲のベースはKieferさんが弾いてくれていたので、僕はどちらかというとミックスに専念しました。今回も実施したドルビーアトモスミックスに関しては、いつもこのスタジオでやっているのですが、今までステレオで聴いてきたものを、その良さを損なわずにどう広げるか？　というところが一番のこだわりポイントでしたね。

江﨑　今回、鍵盤のフレーズをパンで飛ばしたりしてますよね。あれはディレイ？

井上　そう。アレンジがシンプルゆえに、小さなディレイが空間をぐるぐると回るようにしたことなど、すごく細かい仕掛けを随所にちりばめていますね。

Kiefer　僕は今回、初めてドルビーアトモスを体験したんだけど、ストリングスが天から降ってくるようなその立体的な音像に感動したよ。

──この曲のメロディをKieferさんはどう感じましたか？

Kiefer　Beautiful! というか、すごく興味深かったね。コード進行がすごく凝っているからこそ、メロディラインが楽曲のナビゲーターとしての役割を担っているなと。

──歌詞は、どんなことを歌おうと思いましたか？

長塚　デモを聴いた時に、いい感じの浮遊感があって。ちょっと内容に若干の色気を持たせたくて。「会えない時も、せめて夢の中で会おう」という恋愛の歌になりました。

──日本語の響きって、Kieferさんにはどう聞こえるのでしょう？

Keifer　楽曲そのものは、いわゆる西洋のスタイルで全て作られているのに、そこに日本語の歌詞が載っているのはすごくユニークだなと思うよ。しかもすごくスムースでセクシーな響きがあるというか。以前、スペイン人のアーティストに歌詞を書いてもらったことがあるんだけど、英語が母国語ではないアーティストは独特の言い回しやイントネーションがあって、とても興味深いよ。

荒田　ちなみに健斗が書く英語の歌詞と、ネイティブが書く英語の歌詞って、どういう違いがあるのだろう。やっぱりちょっと変（weird）だなと感じます？

Kiefer　不思議だとは感じなかったかな。昨日も英語でいろいろ話したけど、アメリカ人と喋っているみたいだったから。

長塚　あははは。

Kiefer　確かに、英語圏の人が使わないような言葉を使ったりする時もあって、それはすごく面白いなと思うけど、決して奇妙だとか不思議だとか思ったことはないかな。アメリカ人の方がよっぽどクレイジーな喋り方する場合もあるから（笑）。

──最後に、今後みなさんでやってみたいことを聞かせてもらえますか？

Kiefer　やっぱり、一緒にライブがやりたいよね。

荒田　僕ら、LAでライブがやりたいです。

Keifer　いいね、WONKにLAは合いそうな気がする。

江﨑　ほんと、日本でもアメリカでもどこでもいいので、いつか一緒にライブができることを願っています。

ラッパー・KingoがBE:FIRSTやSIRUPらの楽曲を手がけたA.G.Oとともに新曲“Always Around”をリリースした。バイリンガルで、しかもバンドカルチャーにいる彼のスタンスはあらゆる面で日本のラッパーと異なる。今回はカンボジア、アメリカ、日本で過ごした彼の半生を綴った“Always Around”の話題を中心に、Kingoの繊細でインテリジェンスあふれる人物像にも迫った。

──Kingoさんはどちらにお住まいなんですか？

神奈川県です。

──プロフィールを拝見するとアメリカとカンボジアにルーツがあるバイリンガルラッパーで、しかも今回リモート取材なので海外在住なのかな、と思って。

確かに（笑）。今は大学院生で、カンボジアのヒップホップについて研究しているんです。

──“Always Around”にはカンボジアのことも出てきますね。Kingoさんはこれまでどんな人生を歩まれてきたのでしょうか？

生まれたのは東京なんですが、父の仕事の関係でいろんなところを転々としてたんですよ。2歳頃にプノンペンに行きました。当時は内戦が終わったばかりでまだ政情が不安定でした。近所でよく銃撃戦があったりして。

──“Always Around”の《Grew up in neighborhoods where bullets rained on our roofs（雨のように銃弾が屋根に降る中で育った）》というリリックはその時期のことなんですね。

はい。誰かが空に向かって自動小銃を威嚇射撃するんです。そうすると力を失った弾が雨のようにバラバラと屋根に降ってくる。あと流れ弾が当たる可能性があるから窓のそばに近寄らないようにするとか。そんなプノンペンに4〜5歳まで住んだあと、アメリカのボストンに引っ越しました。でも英語が全然話せなくて、一時的に不登校になりました。出席日数が足りなくて、小学1年生をアメリカで2回やってるんです（笑）。

──《英語が喋れずバカにされた》というラインですね。

そうですね。ほんとに馴染めませんでした。アメリカも2年くらいいて、日本に帰ってきました。実は物心ついてから日本に住むのがこの時が初めてだったんです。文化も全然違うし。小学生時代は日本で過ごしましたが全然ダメでしたね。そのあと小5から中3の秋までまたカンボジアで過ごして、そこからはずっと日本で暮らしています。

──《どこにも居場所がなかった過去が／強みになるなんて思わなかった》というリリックが非常に印象的だったんですが、想像以上にいろんな国での暮らしを経験されてるんですね。

同じところに2回住んだりとかはあるんですけどね。いつも慣れた頃に父が転勤になるんです。今でこそ良い経験と思えますが、当時は本当に嫌でしたね。新しい場所に行くと前の場所が恋しくなって。10代の前半まではずっとそんな感じでした。

──そんなKingoさんがラップと出会ったのはいつごろですか？

小学生の頃です。2回目のカンボジアの時で、エミネム（Eminem）がすごい流行ってたんですよ。リアーナ（Rihanna）とやった“Love The Way You Lie”をコピーしたのがきっかけです。それを好きな子に送ったりしてました（笑）。当時だとB.o.Bとかがすごい流行ってて。僕は早口のラッパーが好きだったんですよ。ロジック（Logic）とかホプシン（Hopsin）とか。あとマシンガン・ケリー（Machine Gun Kelly）の『Lace Up』ってアルバムをよく聴いてコピーしてました。

──カンボジアだとそのへんがいわゆるポップソングとしてポピュラーだったんですか？

インターナショナルスクールに通っていたので、アメリカのヒットを聴いてる人が周りに多かったんですよ。それに僕自身がネット大好き人間なので、自分でも好きなラッパーをいろいろ探しまくってたっていうのもあります。

──では本格的に音楽をやるきっかけは？

高校三年の時に友達と卒業ソングを作ったことです。初めて自分でラップを書いて、みんなでMVも撮って。僕はラップを作って、MVには別の友達に出てもらいました。自分の曲を覚えてもらって、めっちゃかっこよく口パクしてくれたんですよ。その歌詞を書いたり、コンセプトを固めたりっていうクリエイティブワークがすっごい楽しくて。しかも発表したら結構評判が良かったんですよ。そこから自分でラップを書くことにどんどんハマっていきました。

──“Always Around”をプロデュースしたA.G.Oさんとはどのように繋がったんですか？

マネージャーと一緒に曲のアイデアを練っていた時に名前が挙がったんです。まったく面識はなかったけどダメ元でオファーしてみたら快諾してくださったので、今回ご一緒させていただくことになりました。まずA.G.Oさんのスタジオでミーティングをしました。ブラスが鳴っててほしいとか、トラックの雰囲気を伝えて。その段階ではリリックのイメージはなかったんです。そのあと一緒に何曲かデモを作ってから、一回帰宅してその音源を聴いてみたんですよ。そしたらなんか違うなと思って。改めて僕のイメージをA.G.Oさんにお伝えしたら、“Always Around”のトラックが送られてきたんです。自分的には「まさにこれ！」という音だったので、一気にリリックを書き上げた感じですね。

──“Always Around”のリリックは「Dear Mama」というヒップホップの定番テーマをベースに、Kingoさんの半生を振り返ったかなりヘビーな内容なので、リリックのテーマが先にあったのかと思いました。

リリックは完全にトラックから引き出されました。一気に書けたんですよ。A.G.Oさんは昔ダンサーをされてて。ファンカデリック（Funkadelic）、スライ（&ザ・ファミリー・ストーン）（Sly & The Family Stone）、ジェームズ・ブラウン（James Brown）のようなソウルやファンクで踊られてた時期があるらしくて。僕も大好きだったから、ミーティングの時にそのへんの話でも盛り上がったんです。それを踏まえてのこのトラックだったのかも。ブラスは華やかだけどあたたかさがあって、同時にセンチメンタルさもある。あとこのトラックからはポジティブさも感じたんです。そしたらあのリリックのエピソードが出てきたんです。

──リリックを書く時、最初に出てくるのは英語ですか？

今は日本語です。ダブル・リミテッドだった時期もありました。日本語も英語も語彙が足りないっていう。でもこっちに帰ってきて、今は大学院で研究できるレベルくらいには日本語を読み書きできるようになりました。でもフリースタイルをするときは英語が多めですね。ただ英語の語彙力が全然足りないので、今はロジックとか好きなラッパーのリリックを勉強してます。

──Kingoさんはどのようにラップを練習したんですか？

僕は好きなアーティストをひたすらコピーしましたね。ケンドリック・ラマー（Kendrick Lamar）とか。大学にはフリースタイルバトルのサークルとかあるんですけど、自分はフリースタイルだと英語が多くなっちゃうこともあって、そっちはそんなにいかなかったんです。

──ラッパーの友達はいますか？

僕の周りにはバンドで演奏する人のほうが多いですね。大学の時に、ファンクやソウルのサークルに入っていたので、そこから広がった友人関係も今も続いてる感じです。でも最近他のラッパーとご一緒することが増えてきたので、少しずつラッパーの知り合いも増えてきました。

──最初にKingoさんを聴いた時、Shing02さんを思い出しました。バイリンガルで、リリックにインテリジェンスがあって。

19歳の時、友達にShing02さんに似てるって言われて初めて知りました（笑）。だからそこまで影響を受けてるというわけではないんです。

──なるほど。Kingoさんはどちらかというと、ラッパーではなくバンドのコミュニティに属しているタイプなんですね。

そうかもしれないです。クラブよりもライブハウスに出ることが多いですし、アイデアをくれるのもサポートしてくれるバンドのメンバーが多いんですよ。「あの曲やったらライブで映えそう」とか。だから自然とファンカデリックの『Maggot Brain』の話題が出てきて、それが曲に反映されたりするのかもしれません。あと僕自身もライブでいかにメンバーを活かすかは常に考えてますね。普通のラッパーの方だとそういうのはバックDJとそういう会話をするのかも。

──そこはKingoさんの特徴だと思います。僕がこれまで話を聞いたラッパーたちは、良し悪しではなくもっとエゴイストなんですよ。ますラップありきというか。

僕はバンドも自分も面白いと思ってもらいたい。いろんな良さを感じて楽しんでほしい気持ちがあります。でも“Always Around”こそトラックに引き出されて書きましたけど、最近は先に歌詞を書いてフロウをあとからはめていくアプローチが多いです。

── 一般的には逆ですよね。先にフロウを作ってリリックをはめる。Kingoさんはリリックをしっかり聴かせたい？

それもありますし、ラップだけでも成立するように。トラックに引っ張られすぎないように、フロウを作ることもあります。

──それはバックDJよりも即興性が高いバンドを一緒にパフォーマンスすることが多いからですか？

バンドと一緒に演奏しているからというよりも、面白いフロウを作りたいからという理由が大きいですね。トラックがブーンバップだといつも自分が使っているブーンバップのフロウに寄ってしまう気が最近はしていて。

それよりも一度ビートを聞いたら止めて、歌詞をバーっと書いて、それを強引にビートの上でラップすることで、ビートに囚われない面白いかつ自然なフローを模索する、という制作方法を最近は取っています。

──《自分にある絶対的自信／それはみんなが作ってくれたもの》というラインが印象的でした。

これはだいぶ自分に言い聞かせてるリリックです（笑）。自信はあるんです。でも例えばバンドでフロントマンをやることって、バンドを背負うことでもあるんですね。自分が不安な表情を一瞬でも見せると観客に伝わってしまうんですよ。それがステージに立ってるとわかるんです。不安が観客にどんどん広まっていくというか。

──へぇー！

あと歌詞の中では理想を歌いたいんですよね。じゃあ自分に言い聞かせたい“絶対的自信”はどこから生まれたものかと考えると、それは両親が応援しくれたことであり、一緒にステージに立つバンドメンバーであり、友人たちであるんですよね。

──Kingoさんにとってカンボジアはどんな土地なのでしょうか？

育った土地なので、日本と同じくらいホームだと思っています。今となっては、ですけど。昔はどっちもホームだと思えなかった。変わったのは音楽を作るようになってからです。リリックを書きながら自分と向き合う中で徐々にそう思えるようになってきました。でも“地元”とは違うんですよね。ニュアンスなんですけど。なんか“地元”って言葉には生まれ育った場所っていう意味合いが込められる感じがしてて。カンボジアも日本も帰ってこられる場所という意味で自分にとってホームだと思っています。

──先ほど大学院でカンボジアのヒップホップの研究をしてるとおっしゃってましたが、差し支えない範囲で内容を教えていただけないでしょうか？

カンボジアで子供たちにヒップホップを教えている団体（＊Tiny Toones）があるんですよ。そこに来てるのは、不登校になってしまったり、メンタルになんらかの問題を抱えている子、貧しい子たちで。学校や社会に戻るために、ヒップホップを通じて読み書きとかを教えていくっていう。あと、嬉しい時、悲しい時、日常の些細な瞬間、自分の気持ちを楽しくアウトプットする手段としてラップも教えています。

＊Tiny Toones：http://www.tinytoones.org

──完全にセラピーですね。

まさに。あとこれは自分が勉強した範囲での知識なんですが、カンボジアの人たちはあまり自分の抱えてる問題とかを外に言わないっていうところがあるんです。だからこそ自分のことを音楽で表現するヒップホップがカンボジアではすごく貴重なんです。子供たちがヒップホップに接することで心をほぐす糸口になっているというか。カンボジアって、2012年くらいまで内戦の影響でオリジナルの楽曲を作るという文化があまりなかったんです。ブラック・アイド・ピーズ（The Black Eyed Peas）とかヒット曲をカンボジアの歌手がカバーするみたいのしかなくて。

──そうなんだ！

はい。オリジナル曲を作る文化自体がまだ浅いんです。だから子供たちもいきなり自分でラップするはさすがにハードルが高いみたい（笑）。結構シャイな子が多くて。僕が見た範囲では、ブレイクダンスとかのほうがすんなり入れてる感じでした。この研究を通じて、向こうのラッパーとたくさん知り合うことができたんですよ。去年の9月に向こうに行って、一緒にサイファーしたり。その経験があったからこそ、今カンボジアをよりホームと思えるようになったんです。“Always Around”のリリックで言ったように、幼少期の経験は衝撃的でもあるので、カンボジアに対して複雑な感情はあったんですが、それって誰かの責任ではないんですよね。カンボジアのラッパーたちと交流することで、ヒップホップという次元でもカンボジアという土地と繋がれたので、自分の居場所としての意識がより強くなりました。

──なるほど。Kingoさんにとってカンボジアでの生活は想像を絶するほど恐ろしい経験だったんですね。

はい。自分と家族に取って、恐ろしい経験もありました。実際、この歌詞は泣きながら書きました。書きあがったあと母にも聴かせたんですよ。そしたら母も号泣してくれました。この曲は自分とカンボジアの距離をもっと近づけてくれたように思います。

──実際、このリリックはすごく重厚だと思いました。

そう言っていただけるととても嬉しいです。リリース後アメリカで今頑張ってる友達やお母さんが病気の同期に聴いてもらったら「すごく良かった」と言ってもらえたんです。でも日本にはカンボジアに住んだことがある人なんてほぼいないと思うから、この曲がどういうふうに受け止められるか想像がつかなくて不安もありましたね。

──今お話にも出ましたが、この曲はKingoさんのお母様に向けた曲でもありますよね。

はい。母は自分が生まれた時から今まで、あまり体調が良くなくて。そんな中で政情不安定なカンボジアで僕を守ってくれました。そんな母に今の自分の気持ちを伝えたい気持ちがありましたし、同時に病気の人に寄り添う人の気持ちも描きたいと思いました。それがどこまで表現できてるか自分ではわかりませんけど、同じような境遇の人たちが困難な時間を乗り越える一助になれたら嬉しいなと思って。

自分のInstagramにもこの曲の簡単な紹介文を書いたので、このインタビューを読んで興味もってもらえたらそちらも読んでいただける嬉しいですね。

──では最後に今後の活動予定を教えてください。

とりあえず今EPを制作中です。バンドとライブハウスとか、バックDJとクラブとか、いろんな形態でライブできるようになっていきたいです。

──目標はありますか？

フジロックに出たいです。将来的にはコーチェラに。今は神奈川県の端っこでそんな夢を見てます（笑）。