東京・品川出身、全員が97年生まれのクルー・Flat Line Classicsが2023年1月11日にリリースした1stアルバム『THROW BACK LP』の表題曲で、BIG FAFがラップするリリックはクルーの活動指針を端的に示す。

Sart（サルト）、Daz（ダズ）、BIG FAF（ビッグ・ファフ）、Weird the art（ウィルド・ザ・アート）、現在活動休止中のSoloBright（ソロブライト）。彼らは10代でヒップホップの世界に惹かれ、自ら音楽を作り初め、それを武器にステージに立っている。その週末の一瞬が生活の糧になり、世界を輝かせていく。その純粋な喜びを結晶化したようなクルーがFlat Line Classicsだ。

『THROW BACK LP』は、東京・青山蜂で初ライブを行い、その後は恵比寿BATICAを拠点にあらゆる現場で切磋琢磨してきた彼らの名刺代わりの一枚になる。その一枚に込められた想いをここでご紹介する。

──2020年頃から1st EP『AUTHENTIC』、2nd EP『Take Roots』、シングルの“GOLDEN AGE”と“Do Ya”をリリースしてきて、今回ついにアルバム『THROW BACK LP』のリリースを迎えました。それからWeirdとBIG FAFを筆頭にメンバーのソロリリースを重ねてきましたが、いつからアルバムの構想はあったんですか？

Sart　2年くらい前にDazの家でホワイトボードにアイデアをまとめてた記憶がある。既に何曲かあったけど、進まなくなった。それからみんなソロを出し始めた。

BIG FAF　1人ずつやってみようってね。

──BIG FAFはソロで東京の名門レーベル〈WDsounds〉のイベント＜NEW DECADE＞に出演していますよね。ハードコアな音楽が好きな人であれば誰もが注目する、登竜門のようなイベントだと思いますけど、出演してみてどうでしたか？

BIG FAF　＜NEW DECADE＞を経験したおかげでパフォーマンスの感触は上がった気がします。一皮剥けて、自分を魅せる力がついた。でもライブをした後、とにかく悔しかったんだよね。

──歴戦の猛者たちに揉まれたということですよね。そうして各々レベルアップしていって、今回のアルバムに挑む流れになったかと思います。このアルバム制作のタイミングで現バックDJのRyoさんが参加する流れになったんですよね。Ryoさんはなぜ加入することになったんですか？

Ryo Ishikawa　最初はイベントで泥酔していたDazさんに会ったんですよ。その時、何回も話をしたのにDazさんはまったく覚えてなくて。その後、家が近いことが分かって一緒にご飯行ったりして仲良くなりました。それで下北沢でBIG FAFさんのライブがある時、Dazさんの予定が空いてないから代わりにバックDJをやりました。そこでSartさんにも会ってたんですけど、その後に中目黒Solfaで会ったら関係がリセットされてて、バーカウンターで友達と話してたら「酒買わないならどいて」って怖い顔で言われたんですよ。そんな感じで様々な出来事を通してみんなと繋がって、11月2日のハーレムのイベント後、正式にバックDJとなりました。

一同　（笑）

──そうなんですね。それで、当初は全てSartのビートでアルバムを作る予定だったと聞きました。

BIG FAF　そう。アルバムの前にWeirdとのジョイントEP『Party Joint』を出して。グループでも最初は全てSartのビートでEPを作りたかったんだけど、進めていくうちに色々やりたくなってアルバムを作る流れになって。2022年10月頭にアルバム制作に入る。

Daz　当初はそういう構想だったけど、Sartも忙しくなって。

Sart　あまり集中できなかったのと、自分がラップする時、いただくビートに乗せるとリリックの角度が変わることを実感できたりしたから今回は色々な方にお願いをして。今回のアルバムはプロデューサーがとにかく豪華だし、特に縛りを設けないで作っていく話になった。

Daz　アルバムにはみんなが共通して理想だと思うプロデューサーの方々に入っていただきました。思い出深いのはTimeOut Café & Dinerで開催された＜GRADIS Night TOKYO＞（2022年2月6日）。みんなGRADIS NICEさんにコンタクトを取りにいった。

Sart　プロデューサーの方々にダメ元で声をかけていた最中で、ちょうどGRADIS NICEさんが東京でビートライブをやっていたから、まさにタイミングだと思った。それからDJ SCRATCH NICEさんに“FLAT LINE CLASSICS”のビートを送ってもらって、この曲がアルバムの核になると確信した。ただ全部ゴリゴリのヒップホップの音ではなく、アルバムを通して聴ける作品にすることを意識して。

──収録曲の中でもdhrmaさんの曲“BACK FRONT DOOR”がすごく特徴的でした。ビートシーンの最新鋭ならではの音で、奇妙なベースの質感が気持ち良くて。

Daz　BIG FAFがイベントで一緒になったところからdhrmaくんとの交友が始まってるんだけど、あの曲だけ何度も作り直してもらったよね。ラップを入れてからまた鉄を擦り合わせるような音が足されてたりして、感動したね。

Sart　あの曲と、俺とWeirdでやったDJ GQさんの“CORTEZ”は、それぞれ分かれてプロデュースしようって流れでできた曲。内緒にしながら作ってね（笑）。

Daz　結果的に面白いバランスになったよね。

Sart　アルバムの全体図としていろんな作品のリファレンスを出したりしたけど、奇跡的にまとまった。

──リリックに関して、素直に出てくる言葉もあれば、深く考えて書くリリックもありますよね。それにリリックを書くのは自分を掘り下げることでもあると思いますけど、その中で自分のアイデンティティを再確認したり、思い出したことはありますか？

Sart　がっつり影響を受けたわけじゃないけど、去年アルバムを出したJoey Bada$$がショーでマイクスタンドを立てて歌ってた。そこでラッパーが歌う、ちょっと荒い歌がすごく良いなと思って。それで自分がちょっと歌ってる曲がある。GRADIS NICEさんプロデュースの“UNTITLED 24/7”ではみんなが幼少期に親が聴いてたアーティストの名前を出してたりする。野球しに行く時、BIG FAFの親父が流していたサザンオールスターズの“希望の轍”だったりね。ちなみに、“UNTITLED 24/7”はGRADIS NICEさんからビートをいただいた時に付いてたタイトルをそのまま使ってるんだよね。

Weird　むかし、洗足池公園でリリックを書いて、誰もいないところでラップしてた記憶が蘇った。それと最近、自分はLord Apexのような私生活と社会的側面を擦り合わせるようなリリックに惹かれていて。

Daz　俺は今回のアルバムの曲でメシアTHEフライさんのリリックを入れようと思ってた（“UNTITLED 24/7”）。MEGA-GさんやJUSWANNAも大好きなんですよ。JUSWANNAの城南エリアは俺らが住んでいた品川区も含まれいて、ずっと身近にいるような気がしていて。それと生でライブを観たことがないから観たい。それと初めて聴いた日本語のヒップホップを思い返したら、SWANKY SWIPEの“Feel My Mind”だった。その曲には漢さんとメシアさんが客演していたり、自分の中で結びつくところがあった。

──“UNTITLED 24/7”では「武蔵小山」という地名がラインに入ってますよね。

Daz　ある品川区出身の人が品川のことを「THREE BLOCK, THREE LINE」と呼んでいたと。その話を聞いた時に、自分たちなりにレペゼンする方法を考えなきゃなって思った。それで同じP-VINEさんからリリースされているメシアさんの作品のラインに絡めて、自分は生まれて育った「武蔵小山」の名前を入れた。

──なるほど。

BIG FAF　俺は新しいものに挑戦してみたかったから、“FLAT LINE CLASSICS”では少しタイトに言葉を詰めてみたり、他の曲では日常的なものを落とし込むことを意識した。その日のマインドをそのまま反映させた。“ONE”を書いた日はYouTubeで中華料理屋の動画を見ていて。あの人たち超すごいんですよ。20品くらい一気に作っていて、マルチタスクの鬼。俺もマルチタスク決めてぇなって思った（笑）。野球をやっていたから、“BACK FRONT DOOR”ではヤンキースで活躍してた黒田博樹選手の名前を入れたりして。

──“ONE”の《俺の頭まるで中華料理屋》って最初のラインが最高ですよね。それと、今回はSartのビートがかなり進化しているように思いました。例えば“ZI PANG”はファンキーなギターが鳴っていて、ベース・ミュージックのような質感がある。

Sart　去年、いろんなラッパーやシンガーが家に来て録音していたんだけど、各々がリファレンスを持ってきていたから、こなしていくうちに自分の表現の幅が広がった。でも、自分がビートを量産していく中でも、やっぱり印象に残るものってほとんどないんですよ。“ZI PANG”は「普段作らないようなものを作って」ってDazに言われて、ちょっとファンクな仕上がりになったんだよね。

──このアルバムにはdhrmaさんプロデュース曲や“ZI PANG”然り、色々なブーンバップが入ってると思います。ブーンバップにこだわりがあるなかで、それぞれどんなブーンバップ観があるのかを知りたいです。

Sart　俺の入口はUSのヒップホップだけど、仙人掌さんのラップを聴いた時には言葉の質が違うと思った。それから自分が日本語のラップに求めるのは言葉。ブーンバップは言葉だと思う。各メンバーはソロとクルーの作品で住み分けてると思うけど、俺が思うクルーにとってブーンバップは決して“いなたさ”だけではなくて、なるべくポジティブなものが作りたい。

Weird　〈DOGEAR RECORDS〉やFla$hBackS。Fla$hBackSは俺らの世代を作ったと思う。色々聴いて、どういうブーンバップを作るか悩んでいた時に、Solfaで酔っ払いに「FLCはFLCじゃん！」って言われて腑に落ちたことがあった。ジャンルとかじゃなくて、俺らの音楽だなって。

Daz　青山蜂に初めて遊びに行ってDJを始めようと思ったんだけど、初めて買ったのがKRS-ONEの『I Got Next』だった。あれが一番ブーンバップじゃない？（笑）高円寺のレアグルーブスってレコード屋さんを通りかかって、お店のショーウィンドーにKRS-ONEが掌をかざしてるジャケットがバァーンと飾ってあって、目が合っちゃってたまたま買っただけなんだけど。とにかく声がヤバくて、キックが爆発してる。

BIG FAF　同い年にブーンバップをめちゃくちゃ聴いてるやつがいて、そいつが色々教えてくれた。それでSmoke DZAとかを教えてくれた。Smoke DZAが渋谷のAbemaでライブしてた時があって、それを観に行った時に火がついた。それからSmoke DZAや周辺人物、Joey Bada$$のスタイルを自分なりに落とし込んでみたりしてる。俺はクルーとソロの区別は特にないから、これからやりたいことが出てくると思うな。

Ryo　自分は地元が藤沢で、ずっとスケボーをやっていました。地元の方とずっと滑ってたんですよ。でもその人たちの名前は知らなかった。土日にセガ前というスポットに行くと、絶対に同じ人達がいて、「この人たちは何を生業として生きてる人なんだろう？」ってずっと思っていて、高校2年生の時に初めてその人たちがDINARY DELTA FORCEとして活動していることを知ったんですよ。それからDINARY DELTA FORCEが拠点とする〈DLiP RECORDS〉はずっと好きです。だからブーンバップといえば〈DLiP〉で、初めてDINARY DELTA FORCEを聴いたときはこんなにカッコいい音楽があるんだと思いました。ブーンバップではないですが、同い年だとシンガーのさらさ。高校からの友達で、一緒にイベントを打ったりしてました。藤沢には音楽性の高い人がたくさんいると思います。

──活動していく中でそれぞれのコミュニティーで色々な出会いがあったわけですね。印象的な出会いについて教えてもらえますか？

BIG FAF　俺の最初の型を作ってくれたのはGROW AROUND（セレクトショップ）の方々で、特にお世話になったのは上司のYumaさん。右も左も分からない時からめちゃくちゃクラブに連れて行ってくれて、今HARLEM（渋谷・円山町にある老舗クラブ）でライブをできているのはYumaさんのおかげだと思う。恵比寿BATICA以外でライブができるようになったのは、Yumaさんに所作を教えてもらったから。もちろんBATICAは駆け出しの俺らをたくさん出してくれて感謝しかない。経験を今も積ませてもらっている。スタッフの皆さんが最高なんです。

Daz　大きく活動を変えるきっかけになったのは、当時LIQUIDROOMで働いていた山田佳緒里さん。お金に困ってた時に「うちで働きなよ！」と言ってくれて、その現場で色々なアーティストのステージを直近で見れたりした。そこで意識がすごく変わった。音的な面だと、PAの盛田さん。職場でも教わることが多いし、自分が主催のイベントでもPAをお願いしていて、音楽のインプットの幅が広がりました。BATICAで働いていた鈴木健さんにも、音楽活動を続けていく上での人生設計の仕方を教わりました。それと同じく元BATICAのスタッフの田中光くん。彼も主催イベント＜DEEP DRUNKER＞でサポートしてくれていて、ずっとわがままを聞いてくれてます。BATICAには本当にお世話になって、当時のPAの杉山さん、今も一緒に働いている齊藤ディスコさん、みなさんのおかげで今がありますね。

Weird　自分も元BATICAの福井さんにお世話になりました。イベントでは自分たちのライブを必ず見てくれたし、的確にアドバイスをくれた。

Sart　俺も名前をあげたらキリがないけど、BATICAの存在は本当に大きい。現店長のシルバさんが音楽的にも認めてくれたのは嬉しかった。スタッフさんから初めて認めてもらえたから。それと＜MELLOW DOWN MARKET＞のカイトもそう。俺は独学でビートを作り始めてから周りの友達の意見が全てだったから、カイトに良いって言ってもらった時に「人が聴いて良いと言ってもらえるものなんだ」って思った。

──“MELLOW DOWN MARKET”というインストの曲がありますけど、Flat Line Classicsはよく＜MELLOW DOWN MARKET＞に出演していましたよね。

Sart　“MELLOW DOWN MARKET”は個人的に一番好きな曲で、ラップを乗せたくなかった。＜MELLOW DOWN MARKET＞は今活動していなくて、彼らの背中を押したい気持ちもある。曲名を決めたのはBIG FAFなんだよね。

BIG FAF　同い年の仲で、活動の初期からイベントに呼んでもらっていたり、切磋琢磨してた仲間たちがみんな仕事で手一杯になってしまって。そんな彼らへのシャウトです。

──Flat Line Classicsと同年代で親しい仲のグループにSound’s Deliがいるじゃないですか。メンバーのKaleidoさんのリリックで《トラップとかブーンバップもないね》（“Platinum Chain”）っていうリリックがあって、90世代後半に生まれたヒップホップアーティストを代表する視点だと思いました。すごくカッコイイし、Sound’s Deliは作品もライブも最高で突出した存在になりましたよね。

BIG FAF　Sound’s Deliの勢いを見て、俺らも頑張らなくちゃなって思いましたね。正直悔しかった。もちろん応援しているけど、同時に漠然とした焦りがあったんですよ。俺らも追いつきたい。『THROW BACK LP』はそんな一枚でもあります。

Sart　今回は名刺代わりの一枚で、正直詰めきれていない部分がある。リリックもそうで、とにかく中身を煮詰めていきたい。現場でインプットしてきたものを表現したけど、これからはもっと色々な視点で見つめ直しながらインプットして、作品の輪郭を作っていきたい。

Daz　今年はこの名刺を持って色々な経験をして、レベルアップしていきます。

このインタビューが行われた後、そのまま本作のリリースパーティーについての打ち合わせに入った。そして “HOT MAGIC”のMV撮影についても話し合う。インタビューでもその想いを語っていた恵比寿BATICAと、“HOT MAGIC”をプロデュースしたMASS-HOLEが長野・松本にオープンしたショップ「da point 117」で映像を撮る。さらにそのタイミングで、MASS-HOLEがイベントに誘ってくれたらしい。出演したのは2月25日、SONIC Matsumotoで開催された＜HOME PARTY＞。EL moncherie（弗猫建物）とFlat Line Classicsがゲストとして登場した（MASS-HOLEいわく「いいライブをかましてたよ！」）。“HOT MAGIC”のMVでは、その時の様子をクルーの友人・あんが撮影した写真で振り返ることができる。

リリースパーティーは、作品に参加しているプロデューサーや同世代で切磋琢磨するプレイヤーたちとともに一夜を作り上げたい──そうして、イベントはTimeOut Café & Dinerで行われることになる。

約1年前に同じ場所で出会ったGRADIS NICEやDJ SCRATCH NICEがビートライブを披露、MASS-HOLEやDaz主催イベントなどに度々出演し、彼らのパーティーに欠かせない存在でもある原島“ど真ん中”宙芳、クルーのバックDJを務めていたこともあるHARU、またともに切磋琢磨してきたRILLやTENOHILLA、FIVE as J5T、me2らが登場。春夏秋冬、平日休日問わず乾杯を交わし続けてきた仲間たちが集い、その晴れ舞台を祝うなんとも美しい瞬間だった（そのアフターパーティーは混沌そのものだった）。

3月末に発表された収録曲の“BACK FRONT DOOR”のリミックスには、クルーが敬愛するMC・仙人掌（MONJU）がジョイン。インタビュー実施前に届きたてほやほやの仙人掌のヴァースをメンバーと聴いたが、その場の興奮は尋常じゃなかった。冗談じゃなく、人の目はこんなに輝くのか、というくらい。もちろんその仕上がりは“完璧”だった。

これからもFlat Line Classicsは素晴らしい瞬間を幾度となく体験していくのだろう。その一瞬を見逃さず、彼らの物語を追っていく。私たちも彼らとともに次のステップに上がっていく。すぐとなりの世界にいる彼らとともに喜びを噛み締めていく。そうやって楽しんでいく音楽が、彼らのブーンバップなのだと思う。

来日してから約15年。東京・江古田を拠点に、ジャズやヒップホップ、現代音楽などを横断しながらシーンに新しい風を吹かせてきたピアニスト／ビートメイカーのアーロン・チューライ（Aaron Choulai）が、2023年1月からオーストラリアのメルボルンに拠点を移し、活動していく。メルボルンでは、アーロンは、オーストラリアの代表的なアンサンブルの一つ、オーストラリアン・アート・オーケストラ（Australian Art Orchestra）のアーティスティック・ディレクターに就任。日本で培ってきた音楽性やコミュニティ、主催レーベル〈Namboku Records〉とも連動させながら、オーケストラで新しい音楽を生み出していく予定とのことだ。

アーロンのあらゆる活動の中でも、近年のプロジェクトではMONJUのMC・仙人掌を迎えた編成で、ジャズとヒップホップを見事に融合させたAARON CHOULAI RAW DENSHI SEXTETが話題となった。恵比寿BATICAや小岩BUSH BASHなどのヴェニューをはじめ、新宿PITINNや丸の内のCOTTON CLUBといった場所に極上のジャズと東京を代表するヒップホップのヴァイブスを届けた。

メルボルンへと発つ直前、アーロンは11月19日（土）にアーロンが主催するイベント＜LOFI IMPROV＞が恵比寿BATICAで開催される。アーロンが今回クインテットに迎えるMCは、湘南・藤沢を拠点に活動するヒップホップレーベル〈DLiP RECORDS〉から、BLAHRMYのMiles Word。アーロンに大きな影響を与えたOILVE OILが繋げたという国内随一のMC、また吉本章紘（Sax.）、オオツカマナミ（Ba.）、治田七海（Tb.）らクインテットのリハーサルを行う日、この取材を実施した。

リハーサルで繰り広げられるセッションと試行錯誤に立ち合い、メンバー間のディスカッションを目の前にし、音楽を次のステージに昇華しようとするプレイヤーたちの気迫をひしひしと感じた。アーロンはインタビュー中、「音楽は人間と人間の関係」からしか生まれないと言っていたが、まさしくその言葉の通りだったと思い出す。RAW DENSHIとは即ち生の素粒子。互いに音で振動しあって、結びついていくというものだ。リハーサル後、代々木の磯丸水産で強行したインタビューの一部をこの記事で紹介しよう。

──アーロンさんが来年の頭にオーストラリアへ帰られると伺いました。

Aaron Choulai（以下、Aaron）　しばらくメルボルンを拠点に活動します。理由はオーストラリアン・アート・オーケストラという現代音楽のアンサンブルのアーティスティック・ディレクターの仕事が始まるから。

──アーティスティック・ディレクターでは詳しくどういうことをやっていく予定なんですか？

Aaron　オーケストラのこれからの活動を決めます。アートとはどういう意味なのか。将来のことを考える。僕の場合はヒップホップの世界や日本にも繋がってるから、そのオーケストラでは日本について表現したいなって思っていて。だから、日本とは離れるけど、ここの音楽とは離れない。

──2009年に日本に来られて、15年間ほど日本で生活されていますよね。その期間で、自分の表現の移ろいなどをどう感じていますか？　最近では写真や映像もやっていますよね。

Aaron　写真や映像に興味を持ったのは、一年半くらい手を怪我してピアノが弾けなくなったから。手術もしたけど、ピアノを弾けなかったのがやっぱりつらくて。そのときに芸術がやりたいと思った。僕、目があまり見えないんですよ。法律的には不自由な扱いになる。真っ黒とかじゃなくて、光ると何も見えなくなる、みたいな。その目でどう見えているのか、カメラで表現できるんじゃないかと思った。

日本に来てそういう経験もあったし、一番大きいのはヒップホップと繋がったこと。日本に来た時はジャズを探してた。もちろん日本にもジャズはあったけど、ニューヨークと違ってコンテクストがよく分からなかったから、自分が参加できる音楽じゃないと思った。そこでOLIVE（OIL）さんやK-BOMBのヒップホップを聴いたら、これがニューヨークのジャズと一番近い音楽だと。それは、コピーではなくて自分の表現をしているから。自分の表現でヒップホップの世界に参加してる。ジャンルとか関係なく、それがジャズだと思います。

──アーロンさんの最近の作品の中で、これまでの活動成果が顕著に表れたのが『Raw Denshi』だったと思います。ジャズやヒップホップ、現代音楽的でもあるアーロンさんらしい作品でした。これまでリリースしてきた作品を振り返ってみていかがでしょうか？

Aaron　『Raw Denshi』はレコードで一番明瞭に自分を表現できた作品でした。時間とお金がかかっててすごい難しかった（笑）。その前のジャズピアノの作品は友達とやって自然にできたもので......毎回そうやればいいんですけどね。

──『Raw Denshi』の名前を取ったRAW DENSHI SEXTETは、アルバムにも参加している仙人掌さんを迎えた編成でしたよね。これまでもMCを迎えた編成でライブをされていて。

Aaron　そうですね。KOJOEとやったり、OLIVEさんとクインテットをやったりした。MCとやると違う可能性が見えてくるし、やりたい方向性が分かってくるし、したいこともできる。今回、マイルスと組む編成もすごく難しいのに、練習すればするほどみんな分かってくれる。

『Raw Denshi』は日本でしかできない音楽だと思います。音楽の部分はジャズメンなら誰でもできるパーツかもしれないけど、ジャズとヒップホップの関係を理解してるという点では日本のラッパーが一番強いと思う。

日本には戦争の歴史があるじゃないですか。明治時代以前にも色々文化があって、戦争後に文化が作り直された。俺はそんなに歴史に詳しくないけど、ジャズはアメリカの音楽で、世界の文化になってる。俺が日本に来てから思ったのは、ジャズをそれっぽくやってる人がいること。一番難しいのは、俺たちがアメリカ人じゃないということなんですよ。音楽や文化が好きなのはもちろん良いけど、参加することだけでは足りないんです。文化を本当に分かってるなら、音楽が好きという以上にやらなきゃいけないことがある。個人的に、それをやることがミュージシャンとしての責任だと思う。特にヒップホップの文化に入るのはすごく難しいと思う。だからそういう矜持やオリジナリティを探求して持って文化に参加してるマイルスやKOJOEが一番ジャズだと思ってる。

日本の音楽と言ったら武満徹とか小澤征爾とかのイメージが強いと思うけど、OLIVE OIL、黛敏郎、MILES WORD、KOJOE、石若駿、吉本章紘......これからみんなが代表していくと思う。

──仙人掌さんの曲をアレンジするのと、マイルスさんの曲をアレンジするのでどう違いを感じましたか？

Aaron　マイルスの場合は……難しいですね。小節が難しい。16小節じゃなくて23小節とかなんですよ。フック入りの曲も少ない。サックスのソロみたいにフレーズが入ってくる。仙人掌はオーセンティックで、8小節と16小節、みたいな。作曲家としてはそういう違いがあるかな。どちらも難しいけどカッコいい。

──マイルスさん、今日はリハーサルをして、どうでしたか？

Miles Word（以下、Miles）　例えば「俺、やりづらいな」と思う箇所もあった。でもそれはアーロンが考えてやってくれてるから、それはそれで成り立ってるはずだし、俺が茶々入れていいかわからないのもあったりしたかな。それはヒップホップは基本的にワンループだから。俺からしたらズレに聞こえるけど、他の人たちからしたらズレてない、みたいなこともあったり。でも、それを擦り合わせる作業がセッションというかさ。ビートは機械で作って、それを流すだけで成り立つんだけど、バンドはそれぞれの楽器のプレイヤーが集まって演奏してグルーヴが生まれるっていう難しさと大変さを感じたね。

Aaron　うん。簡単かもしれないけど、こういう音楽を作るよりも難しいと思う。それは捉え方かもしれない。ビートを作るのはマジで難しい。ジャズのアレンジをするのはテレビを見ながらでもできるけど、ビートは集中して作らなくちゃいけない。自分たちがやってるのは何もないところから作る音楽だから、経験と知識があればとりあえずできる。ビートは、例えば冷蔵庫開けたらにんじん、オクラ、ご飯しかないけどそれでパスタを作るみたいな。そういうもの。そこにあるものでどう自分を表現できるか。簡単に説明するとね（笑）。

Miles　確かに、感覚が違うかもね。例えばビートだったら自分でドラムをズラしたり、合わせたりもできるわけじゃん。人とやってるとき、それが気になるわけだからすごい大変だよね。

Aaron　大変。だからこういう音楽をやってると、人間と人間の関係が大事になってくる。ちなみにマイルスと繋がったのはOLIVEさんのおかげですね。

──なるほどです。SEXTETを最初にやったのはいわゆるジャズの箱ではない恵比寿のBATICAでしたよね。そして小岩BUSH BASHやヒップホップの箱ではない新宿PITINNや丸ののCOTTON CLUBでもSEXTETをプレイしてました。その感覚もすごく面白かったです。

Aaron　僕はここ2年間くらいほぼPITINNとBATICAでしかやってないんですよ。理由はすごいお世話になってる店というのもあるけど、音楽のコミュニティをサポートしてくれてるから。誰も僕のことを知らない時でも声をかけてくれた。あれからステージも増えた。そういうこともあって、『Raw Denshi』みたいな特別なプロジェクトは自分が育てられた店でやりたかった。

──11月19日にBATICAで開催されるアーロンさんの主催イベント＜LOFI IMPROV＞には今回OLIVE OILさんやFKDさん、吉本さんらが出演されます。アーロンさんにとって、彼らはどんな存在でしょう？

Aaron　＜LOFI IMPROV＞はもちろん最後とは言えないですけど、しばらくやる予定はないです。ミュージシャンでも先輩でも、僕は友達のような人間関係を大事にしてます。今回のイベントが最後だからではなくて、仲の良い友達がいないと音楽が生まれないんです。音楽って人間と人間の関係だと思うんで。

DJ Mitsu the Beatsが完成させた新作『MAGNETAR』は、2010年にリリースしたアルバム『Universal Force』の系譜を辿る、全編に渡ってラッパーをフィーチャリングした作品だ。BIMをはじめ、仙人掌やISSUGI、NORIKIYO、BASIといった国内勢から、フランク・ン・ダンク（Frank-N-Dank）やタブリーク（Tableek）、アイヴァン・アヴ（Ivan Ave）などゆかりの深い海外勢まで網羅し、鉄壁の布陣でリリースの日を迎えた。 「制作に着手したのは2018年」と口火を切ったDJ Mitsu the Beatsだったが、なぜ4年もの時間を要することとなったのか。そこには世界的評価をほしいままにしてきたクリエイターの葛藤と、素直な思いが隠されていた。

──2018年から制作を開始し、どのような過程で進行していったのでしょうか？ 今回収録した楽曲の半数近くのトラックは2018年の段階で出来上がっていて、翌年からそれ以外のビートを作り続けていった形です。 ──今作は『Universal Force』の系譜にあるアルバムだと思いますが、制作の過程で見えてきた全体のイメージはどのようなものでしたか？ 最初からラップ・アルバムを作ろうと思っていて、フィーチャリングするアーティストに関しても、日本と海外で半々という意識は持っていました。こんなこと言ってしまうと語弊があるかもしれないんですが、『MAGNETAR』で新しいファンを獲得しようとは思っていなくって、これまで僕の作品を聴いてきてくれた人たちに向けて、最良の作品を聴かせたい意識が強かった。なので、ビートに関しても、そのときの自分が最高だと思えるものばかり選んだし……って、もう4年経っちゃったんですけど（笑）、それでもいま聴いても問題ないビートになっていると思います。

──リリースまでにそれだけの時間を要してしまったのは、コロナ禍に突入した影響が大きかったのでしょうか？ 本来であれば2018年にリリースしたかったし、それが無理でも2019年。実際にコロナの影響はあったけど、それよりも前に1年間くらい何もできない時期があったんです。365日、常に毎日ビートを作っているんだけど、まったく集中できない期間があって。それが2019年の後半くらいだったんですけど、うつ状態とまでは行かないものの、何もする気が起きないというか。 ──当時をいま振り返ってみて、何が原因だったと考えられますか？ それが本当によくわからなくて（笑）。録り終わってる曲があるのに進めることもできず。参加してもらったアーティストやレーベル、マネジメントに申し訳ない気持ちがありつつ、ジャジスポ（JAZZY SPORT）のスタッフも最初のほうは催促してきたけど、僕がそんな状態だったからか急かすこともなくなってきて、そこからはもう自己責任で進行していくしかなくて。 ──それでもビートは作っていたわけですが、その状態で作る当時のビートの質感というのは、若干感触が違ったりするんですか？ 特に変化はないんですよ。ビートを作ることはいつも通りこなせるのに、そのほかの作業に対して動こうとするきっかけを見つけられなくなってしまったんです。そんなときに友達の精神科医から「Mistuくんは極度のADHDだから、その悪い部分が露呈してしまっている」と言われました。 ──そこから脱却できたきっかけというのは？ 「早くしてください」という各所からの催促でした。そこで改めて締切の設定や催促してくれる人の存在がないと僕はダメなんだなと気づかされて。言われないと自分の世界に没頭してしまい、やるべきことの優先順位を無視してしまって、完全後回しにしてしまう。その無駄な空白期間によっていろんな方々に迷惑をかけてしまったし、正直怒っている人もたくさんいたと思うので、申し訳ない気持ちを背負いながら完成させることに集中しました。 ──その作業はコロナ禍真っ只中だったと思いますが、精神的な感覚とは別で変化したものはありましたか？ 物理的に（家に）閉じこもる率は高くなりましたよね。自らやるべきことを見つける作業、というのは無意識でやっていたと思う。コロナ禍は自己を見つめ直すいい時間になった、というアーティストの話をよく聞くけど、僕の場合はアルバムを早く完成させることが重要で、結果的にジャジスポは途中から制作の進行管理に関与しなくなり、アルバムに参加した全15組とのやりとりは僕自身が担当することになったんです。「リリックを送ってください」「最終のデータを送るので確認お願いします」「発売日が決定しました」といったメールを日本語と英語で。この事務作業が大変でした。まあ、自分で招いたものなので不満を言える立場でもないんですけどね。 ──アルバムのタイトル『MAGNETAR』には「DJ Mitsu the Beatsという強力な磁場が才能あるアーティストを引き込み、耳の肥えたリスナーを引き寄せる作品」という裏テーマがあるように感じていますが、ポジティブではなく、ネガティブなものもすべて含めてのマグネターになったわけですね。 当初はポジティブな意味で考えていて、アルバム全部が完成した段階で付けたタイトルだったんですけど、結果的にそうなりましたね。

──例えば、仙人掌を起用した“Deadly Combo”を聴いたときに顕著に感じたのですが、「その人のためにビートを作ったのか」「作り溜めておいたビートに合うラッパーを選んでいったのか」など、人選はどのように決めていったのでしょうか？ もともと作っていたビートに合うラッパーを考えていきました。そこから多いときは10曲くらいデモを送って選んでもらい、アーティストによっては決めイチでトラックを送ることもありましたね。 ──仮に10曲のデモを送った場合、「これを選んだら、それはそれで面白いな」という振れ幅のあるトラックを送ることもあったんでしょうか？ 幅広く送ったつもりだったんですけど、意外なトラックを選ぶ人はいなくて、「これを選んでくれたらうれしいな」と思い描いていたトラックを選んでくれることがほとんどでした。ただ今回の制作で、ラッパー15組フィーチャーするとか、しばらくはもうラップ・アルバムは作らないだろうなとも感じましたね。 ──端的にその理由というのは？ 昔はダメ元でオファーして「OK出たの！？」という勢いで曲を作ったこともありましたけど、リスペクトのない人とは仕事をしたくない気持ちが強まったというか。今回『MAGNETAR』に参加してもらったアーティストは互いにそういう気持ちで曲を作ることができたけど、リスペクトがない状態で無理をして曲を作る必要はないと痛感しました。

──コロナ禍はそうした取捨選択のきっかけを作る期間としても機能しましたからね。 今後はまったく知らない人とは曲を作ることはないと思います。無理をしてまで曲を作るのは、なんか違うなと。 ──紛れもなく日本のヒップホップ・シーンを代表するプロデューサー／DJであるDJ Mitsu the Beatsですが、以前他メディアのインタビューで「気がついたら日本語ラップ・シーンと離れたところを歩いているような気がする。特にアングラのシーンとは乖離してしまったというか、現在進行形の日本語ラップが好きなリスナーは、僕の存在を認識してない可能性すらある」と話していました。そう感じるようになったきっかけはなんだったのでしょうか？ 嫌味な意味ではなく、僕が作る音源に近い作品がなく、どこにも属しづらいというのが大きいんですかね。それはDJ Mitsu the Beatsというソロだけではなく、GAGLEというグループでも同じような感覚があって。極論を言ってしまうと、一般にもサブカルにも存在していないというか。 ──世界的な評価を得ているのに存在していない、というのは矛盾しているように聞こえますが、この数年は神格化された〈DJ Mitsu the Beats〉という偶像を自ら破壊しているような印象も受けます。 そういった評価自体をストレスに感じていた時期がありました。素晴らしいと評価されているのに、作品をリリースしてもたいして話題にならない。『Universal Force』のときも手ごたえを感じていたのに、そこまで大きなリアクションを感じることもなかった。本来だったらそこで悔しがればいいのに……かっこつけていたんでしょうね、ずっと。なので、年齢を重ねると同時にあきらめというか、踏ん切りがついたんだと思います。

──「45歳になって、いろいろ見えてくる景色が変わってきたことも大きい」とも話されていましたが、いまどんな景色が見えていて、これまでの景色とは何が一番変わりましたか？ ひとりぼっちの景色かな。殺風景で誰もいない。もちろん支えてくれる仲間はいるし、これまでは孤独感に対して寂しさを覚えることもあったけど、殺風景で誰もいない景色であってもネガティブな気持ちではないんですよ。 ──精神的支柱となるGAGLEがあり、今年4月には「90年代ヒップホップ専門レーベル」を謳う〈C.r.e.a.m. Team Records〉のエグゼクティブ・プロデューサーに就任するなど、ソロ以外の活動から還元されるものもたくさんあるからでしょうね。 〈C.r.e.a.m. Team〉と仕事をすることで原点回帰できたことは大きかったです。サンプリング・ミュージックと出会った頃の初期衝動というか、自分が持つ音楽的な芯の部分を強固にすることができた。GAGLEに関しては、『MAGNETAR』の進行もあってなかなか進められなかったんですけど、HUNGERが率先して動いてくれたこともあって、火が付きました。“Krossfader”がリリースされたばかりですけど、今は完全にGAGLEモードにスイッチングしてますね。

──そのモードに入ると、具体的に気持ちはどう変わりますか？ いろんなところに気を配ることができる（笑）。ソロのときもそうあるべきなんですけどね。それと、GAGLEの曲を作るときにはDJ Mu-Rという壁、HUNGERという砦を越えなくてはいけないので、「これでいっか」という感覚じゃ臨めないんですよね。活動して20年以上、HUNGERは実の弟でもあるけど、いまだにデモを送るときは緊張するし、すぐにリアクションがなかったり、1日経っても返事が来なかったりすると、自分から連絡しちゃいますから。そういった緊張感を常にGAGLEで保てているのは、すごくいいことだなって感じています。 ──自身の『MAGNETAR』、GAGLEの“Krossfader”と続き、次作はGAGLEのアルバムになる流れですかね。 そうなると思います。『MAGNETAR』が完成する頃にようやく目が覚めたというか、周囲にいる仲間やレーベルのスタッフともいい関係を築けているので、その感覚をGAGLEの作品に落とし込んでいきたいですね。