━━向井さんは2016年に実施した初ワンマンライブ＜POOL＞で、RUNG HYANGさんをゲストに迎えていましたよね。もともとお二人はいつからお知り合いだったんですか？

向井太一（以下、向井）　10年くらい前です。確かclub asiaに＜DRAMATIC SOUL＞を観に行って、そこでSIRUPに紹介してもらったんだよね。

RUNG HYANG　そうそう。そのあとSIRUP含めた3人でカフェに行って。最近聞いた話だと、そのカフェで当時TENDREも働いていたらしいから不思議だよね（笑）。ちょうどムカタイ（向井）は音楽活動に悩んでた時期だった気がする。

向井　いろんなレーベルから声がかかっていたんですけど、自分の中で考えている時期でした。ルンさん（RUNG HYANG）は、最初出会う前にSIRUPから「泣ける曲だよ！」って“ギターを抱いて”を教えてもらったんですよ。YouTubeで聴いて泣きました。だから第一印象は「キレイなルンさん」だったんですよ。

RUNG HYANG　キレイなって（笑）。確かにあの頃はもっと丁重に扱われていた気がする……。

向井　まだ“先輩”だったから（笑）。でもヒリヒリしていて人間臭い歌詞を書けるスゴイ人、っていう印象は当時から今も変わらないです。

━━RUNG HYANGさんは向井さんの第一印象は？

RUNG HYANG　洗練されていて、何事においても知的でセンスがある人。特に音楽に関しては「その時代の音楽を聴いていたか！」みたいな驚きがあったんです。彼が初めてカバーした曲がHI-Dと聞いていて。引き出しが多く、聴く音楽の幅が当時から広かった。日本のR&Bの話とかしてたよね？

向井　した。自分は日本のR&Bがルーツにあるんですけど、同世代で日本のR&Bを通っている人って意外といなかったからね。ルンさんとコミュニケーションをとるなかで、＜DRAMATIC SOUL＞のゲストに出させてもらったり、自分の自主制作EPのリリースワンマンに出てもらったり、という交流がありました。

当時はアクティブに「自分のことを知ってほしい」と強く思っていたので、＜DRAMATIC SOUL＞に呼んでもらったときは好きなシーンと絡めてありがたかった。嬉しかったです。先輩としてプライベートの相談に乗ってもらうことも多々ありましたよ。

━━どういうことを相談していたんですか？

向井　自分が音楽性や対人関係にすごく悩んでいた時期だったんです。頼りにしている先輩だった。いまだに相談することは多い。ルンさんのことはリスペクトしているから、自分にはない意見でも「確かに」って腑に落ちちゃう説得力があるんです。同じ音楽業界というフィールドで活動していて、キャリアも経験も重ねていて、僕の気持ちを分かってくれるうえで意見をくれる。

━━RUNG HYANGさんは当時の向井さんの悩みをどう捉えていましたか？

RUNG HYANG　当時から可能性に溢れていて、オーラに満ちていたんですよ。だからこそ、自分が一番ときめく、理想とする場所に最短距離で行ってほしいと思っていました。ムカタイはすごくバランスが悪いんです（笑）。持っている才能の大きさと、本人の見積もりが合っていない。音楽のセンスも愛され方も美的感覚も、持つべきもの全て持っていて最高なんです。なのに、何も心配しなくていいシーンで、急に自信喪失してすごい深い所まで沈む。

でも、そういうバランスの悪さがあるからこそ、この人はずっとハングリーでいられるんです。「まだ自分は足りていない」っていう自分に対する欲求不満が原動力になっているんだと思います。

━━当時、RUNG HYANGさんに言われて印象に残っている言葉はありますか？

向井　僕が自信をなくしたときに「ムカタイはすごくたくさんのモノを持っているよ」って一つずつ説明してくれます。自信が一気になくなる瞬間、ルンさんが返してくれるパワーに助けられることが多々あります。

言われたことに対し自分が変わるというより、ルンさんに言われることで自分が持っているモノを再確認することが多いかもしれない。ちゃんとその人自身が持っているモノを見出して尊重してくれるのは嬉しいです。ルンヒャンゼミ（RUNG HYANGが主宰する音楽塾）でも、一人一人の弟子の持つ色を大切にしている。きっと他のアーティストにとってもルンさんの存在が救いになっていると思います。

━━その後、お二人にclaquepot氏を加えた3人によるEP『PARK』を、昨年2021年6月にリリースしましたよね。あのコラボは何がきっかけで実現したんですか？

向井　実は、先輩・後輩の垣根を超えたのはここ数年の話なんです。ファッションの趣味などをきっかけに、3人で一気に仲良くなって。「何か曲を作りたいね」と、スローペースながらもトラック制作を進めるようになりました。急展開を迎えたのはコロナ禍に入ってから。それぞれの生活がストップした時に、ルンさんから「この曲を作り切ろうよ！」って提案があったんです。

RUNG HYANG　緊急事態宣言でライブができない中、原宿のキャットストリートを歩いていたんです。日曜の昼下がりなのに、人が一人もいない。音楽を聴きながら歩いていたら、たまたま3人で作りかけていた“PARK”のデモが再生されたんですよね。

その時めちゃくちゃ切なくなりました。「なんでこんなに悲しいことが起きているんだろう」って思いながら、2人にすぐ「一緒に作ってる曲、完成させるなら今じゃない？」ってLINEしました。

向井　緊急事態宣言が明けてからすぐに入れ替わり立ち替わりスタジオに入ってレコーディングしました。気持ちが高ぶっていたのでスピードはすごく早かった。完成したらYouTubeにパッとアップして。周りの人だけじゃなく、自分自身のためにも曲を作りたいっていう一心でした。

━━“PARK”の歌詞にも当時の想いは反映されているように感じました。でも、結果的に翌年2021年6月にEPがリリースされた経緯は？

RUNG HYANG　もともとリリースするつもりがなかった、というのもあります。でも事務所もレコード会社も違うので、すぐリリースするのが難しかった……というのが大きかったかもしれないです。

向井　制作途中で「リリースしたい！」という気持ちにもなっていたんだけど、勝手に自分たちが動いて進めていたぶん提案が難しくて。曲をとりあえず増やすことを考えていました。リリースの打ち合わせをする頃には、全曲揃っているような状態だった。

RUNG HYANG　レコード会社やスタッフの方たちも、私たちの関係性を理解してくれていたのが良かった。イレギュラーながらも、会社の垣根を超えてリリースできるよう力を貸してくださった。いろんな方々のおかげで形になった気がします。

━━“So Good”のMVも3人の関係性が表れた仕上がりになっていました。MVはどのように制作されたんですか？

向井　プロジェクトの中身はほとんど事務所も関与してなくてほぼ全部DIYで作りました。自分たちで衣装を決め、ヘアメイクやフォトグラファーも自分たちの人脈から「この人がいい！」と思ったクリエイター達に直接オファーするという。

RUNG HYANG　リアルだったよね。いつものふざけた空気感がそのまま出ていて。“Flow”のMVと一緒に撮影していたんですけど、一発録りを繰り返した後の撮影になったから、スタッフ含めて全員ナチュラルハイで（笑）。ソロではできなかったことをやっていたと思う。

━━そして、今年はビルボードでのライブも実現しましたね。改めて、その時のお互いのライブで印象に残ったことを教えていただきたいです。

向井　とにかく刺激的でしたね。もはやバトルみたいな感じ（笑）。もともと個々がソロ活動をしていて、粒を立たせたいからという背景で「PARK」のプロジェクトもユニットではなく連名でのリリースにしていたんです。いざライブになると、改めて各々から「ユニットでありたくない」という気持ちが伝わってきて。びっくりするくらいステージもバラバラでした。

RUNG HYANG　他の二人には残せない爪痕を残すぞ！ って勢いでした（笑）。各々のソロライブの合間に『PARK』の楽曲を挟むような形式でしたね。

━━通常の対バンとはまた違った意味合いをもつイベントになったのではと思います。向井さんから見て、RUNG HYANGさんのライブのどういったところが面白かったですか？

向井　聞かせる力が強い。僕にはできないステージでした。ルンさんの曲って、お客さんを引っ張るというよりも、寄り添ってくれる曲なんですよね。自分の弱っている部分を肯定してくれる。相談している時の感覚がそのまま音楽に現れていて、すごく空気が変わりました。

RUNG HYANG　私から見たムカタイのライブは「とりあえず存在がでかいな」って印象。ステージに立った時の支配力が前方3〜4列目どころじゃないんです。奥まで絶対に届けにいく。普段からライブはよく見ていますが、改めてその存在感を感じ取りました。

向井　claquepotはやっぱり洗練されていました。細かいところまで計算し、自分の演出や全体の動きを一番正確に見ているんですよね。三者三様で面白かったし、お客さんもそれを楽しんでいたように思います。

お互いをリスペクトしているからこそプロとして戦うし、自己満な集まりにはなりたくなかった。制作中もいい意味でピリピリしてたしね。

RUNG HYANG　ちゃんとお客さんに披露する作品としてのエンタメ性は、3人とも常に意識していました。だからこそすごく信頼できると感じましたね。

━━今回、新たにRUNG HYANGさんと向井さん、お二人のコラボレーションによる新曲“Puzzle”が9月21日にリリースされますが、この楽曲はどういう流れで生まれたのでしょうか？

向井　3人でのEPをリリースし終わった頃に「2人でやろう」と話をしていたんですよね。

RUNG HYANG　決してclaquepotを外したいとかじゃなくて（笑）。もともと前から「一緒に作ろうよ」という話はしていたんです。それが今年に入って動き始めた感じ。

向井　結構制作期間は長かったです。一度完成したものの、メロディをごっそり一から変えたんですよ。ソロ活動でいろんなことを吸収していた時期だったから「もっといけそう」と感じていて。

RUNG HYANG　作り直しを決めてからの制作は早かったね。

━━実際に楽曲が完成して、感触はどうですか？

向井　お互いになかった要素が含まれていて新しいです。僕らの関係値を周囲も知っているからこそ、人が想像できるものは作りたくなかったんです。自分たちが思い描いた姿になったんじゃないかなって思っています。

RUNG HYANG　ムカタイのインプットが常に新しいので、メロディもより洗練された感じがします。一人ではあまりやらない遊び方も出来たし。歌い心地の良いものだけではなく、リズムやリリックで遊び、あえて声音も変えてみたりして。自分のルーティンや方程式を一度壊して臨めたと思います。「音楽で遊ぶって最高」って気持ちでしたね。

━━向井さん自身は、楽曲のどういった要素で「トレンド」を意識しますか？

向井　アクセントとリズムが一番じゃないですかね、今は。流行りはあまり気にせず自分たちの中にある新しい要素を引き出していく感じ。最近あるR&Bのプロデューサーとお話ししたんですけど、昔は流行りのビートやサンプリングをベースに作っていればよかったらしい。でも、今はジャンルの垣根がないからこそ、いろんな要素を引っ張ってきては組み合わせて壊して、という作業を延々と繰り返すらしくて。その行為自体にトレンドを感じています。

RUNG HYANG　確かに、今回の制作はもはや発明している感じでした。掛け声やリズムの刻み方ひとつをとっても、国内外の音楽シーンは常に進化し続けているんですよね。その進化の過程の中で、発声やリズムを詰め込みながら「なんだこの曲は！」というアイディアを生み出す。

そしてそれを日本語でやったらどうなるんだろう……とさらに実験を重ねる感じ。インパクトを与える要素をいかに見つけられるかが鍵になっている。絵の具を混ぜるようなものだと思っています。

向井　実は、ルンさんの活動にもその「発明する」っていう姿勢が如実に出てると感じることは多いんです。どんどん新しいアーティストを巻き込むし、作品自体、新しい要素を取り込むのに筋が通っている。古いものを古いままやらず、ちゃんと今の音に調理するところにリスペクトを感じます。

━━最近お二人が音楽を聴く中で、実験のヒントにしているアーティストは？

RUNG HYANG　特に「自分の表現に取り入れよう」とは思わず、シンプルにグッとくる作品に結果影響を受けていることが多いです。いろんな国のアーティストが出す楽曲を聴いて、声質やニュアンス、発声の仕方などを意識的に聴くことは多いかもしれません。

最近はロンドンを拠点とするシンガーソングライターのホープ・タラ（Hope Tala）や、スイスで活動するタミリアン（南インドやスリランカ北部のタミル民族）のプリヤ・ラグー（Priya Ragu）をチェックしています。プリヤ・ラグーは映像も素敵で、独自の民族性やオリジナリティーがうまくR&Bに浄化されていて面白い。あとナイジェリアのアシャ（Asa）も最近また聴き直しています。詩吟をルーツに持つ新人アーティストのバネ （bane）も好きですね。YouTubeで夜な夜な漁ったり、周りの音楽好きな仲間とプレイリストを共有したりするので常に新しい発見があります。

向井　僕は最近だとK-POPのアイドルですね。90〜00年代のR&Bが好きな人には刺さるビートなんです。でも上音やビジュアルは結びつかない。新しいことをやっているなと思います。

やっぱり、調理の仕方を間違えると滑っちゃうリスクってあるんです。ジャンルを理解したうえでどう活かすかが求められる。でも、僕自身は曲を作る時、それを飛び越えて自分から出てくる「J-POP観」にアイデンティティがあるのかな、と思います。

ロンドンのアーティストであるジェーヴォン（Jevon）の楽曲に参加した時、僕が作るメロディが「日本人が日本語で作る曲とはちょっと違うから不思議」って言われたんです。日本語の響きをコンプレックスに感じていたのですが、「それはそれで面白さになるんだ」ってやっと受け入れ始めました。

━━改めて、RUNG HYANGさんは出会った当初の向井さんと現在の姿を比べた際、どのようなところに変化を感じますか？

RUNG HYANG　元々繊細な部分はそのままに、色んなステージや経験を積んでパワーが強くなり、グルーヴも大きくなった。踊れるだけじゃなくロックテイストの強い曲も歌うようになって、骨太になった気がします。表現やお辞儀ひとつ、腕を一本伸ばすだけでも変化を感じますね。

向井　嬉しいです。自分でも強くなった実感はあるし、声帯の筋力は明らかに増えた。ステージが大きくなるにつれ自分のパフォーマンスも変わってきていて、作る曲にも影響は出ているので。

あとデビューしたての頃からレーベルの人に「ハッタリをかます」ことの大切さはずっと言われていたんです。今立つステージのサイズ以上のパフォーマンスをしろ、もっと大きなステージに立つ姿をお客さんが想像できるように動け、って。意識していたからこそ、いまルンさんに指摘されたのは嬉しかった。

━━ニ人が次に目指すステージとお互いのメッセージを。

向井　自分の中では、正直売れなければ音楽をしたくない。より多くの人に知られてほしいです。音楽的感度が高い人以外の人にも伝わればいい。そういう場所で自分の音楽ができたら世界が変わるのでは、と思っています。

RUNG HYANG　今持っている物をよりビルドアップして、目の前にある課題を粛々とクリアしていきたいですね。ステージが変わる前からお互いを知っている仲間たちがいるからこそ、ムカタイは迷った時や立ち止まりたい時に、これからもいい意味で頼ってほしいです。私も頼ると思うし。

向井　ありがたい。そして本気で戦うからこそ、良い意味でいつでもお互いを蹴落とし合おうとする関係でいたいです（笑）。

これまでに多彩な作品を生み出し、SIRUPや韻シストとのフィーチャリング楽曲も発表するほか、音楽塾「ルンヒャンゼミ」を立ち上げ若手アーティストのサポートやプロデュースも行うなど、多岐にわたり活動するシンガーソングライター・RUNG HYANG （ルンヒャン）。彼女のニューシングル“AWAKE”が2022年7月27日（水）に配信リリースされた。

プロデューサーにShin Sakiuraを迎えた今回の楽曲では、ハードボイルド映画の一場面のような描写の狭間で“Wake up!”と聴き手を煽る。2012年のメジャーデビューから10年目を迎える彼女が、今、“AWAKE”のようにパワフルな楽曲を生み出す背景とは。彼女自身のキャリアを辿っていくと、そこには受け手との“セッション”を重視する彼女自身のスタンスが深く関係していることが伺えた。

━━RUNG HYANGさんは、現在の“RUNG HYANG”名義で活動を始める前はどういった活動をされていたんですか？

＜DRAMATIC SOUL＞というイベントを2012年から2016年まで企画していました。当時のR&B、ヒップホップ好きが世代を超え集まれる、月一ペースのパーティで。竹本健一、MARU、Hiro-a-key（現:Nenashi）、MAR、KYOtaro（現：SIRUP）をレギュラーメンバーに、志や肌感覚の似ている人が集まる場でした。

毎回ゲストを大御所とニューカマーからそれぞれ1組ずつ呼んでいて、大御所ならゴスペラーズの黒沢薫さんやPUSHIMさん、椎名純平君など、ニューカマーならeill（エイル）や向井太一も出てましたね。ミュージシャンの出会いの場になっていたと思います。

━━錚々たるメンバーですね。もともとそういったR&Bの界隈と交流するきっかけとなったのは？

origami PRODUCTIONSのCEOでもあるYoshi Tsushimaさんが主催する＜JAMNUTS＞という深夜のジャムセッション・イベントがあったんですよ。いわゆるオープンマイクスタイルで様々なミュージシャンやアーティストがお客さんとして訪れるような感じの自由な遊び場で。そこで20代前半の時に、さかいゆう、 鈴木渉をはじめとする音楽仲間に出会いました。

＜JAMNUTS＞からはすごく影響を受けていて、お題をもとに各々が即興で音楽を作る「お題セッション」もその時から流行ってましたね。その企画は＜DRAMATIC SOUL＞でも踏襲されました。

━━「お題セッション」って、現在Block.fm『恋と音楽のマッチングサプリ」でもやられていますよね。

まさに！ 時々自分のライブでやるのですが、もともとは＜DRAMATIC SOUL＞の名物コーナーなんですよ。お客さんにお題を募ってそのテーマに合う曲を作るのですが。例えば「お水」というテーマだったら、それぞれが「お水」をイメージしセッションする。誰が一番整えられたか、で勝敗を決めて。

毎回ホストバンドがいて、彼らが決めたコードをもとにずっとループし続けながら、即興で作詞・作曲するんです。フリースタイルラップのシンガー&バンドバージョン、って言った方がわかりやすいかもしれません。ちなみにBlock.fmの番組内では、贅沢にも局長の☆Taku Takahashi（m-flo）さんが毎回トラックを用意してくれています。

━━当時のRUNG HYANGさんは何のパートでセッションに参加されていたんですか？

歌い手です。しかも難しいのは「お水」とストレートにテーマを汲み取るのではなく、「なにも“みず”にここまで来てしまった」のようにダジャレっぽい変化球でアプローチするのが主流で。お客さんもその変わり種を楽しんでいましたので、かなり鍛えられましたね（笑）。

━━ではルンヒャンさんの名前が世に出るきっかけとなった“さくらびより”のようなポップスの音楽に足を踏み入れたのは、その後？

A面・B面じゃないですけど、＜DRAMATIC SOUL＞と並行して作っていました。＜DRAMATIC SOUL＞とはやっていることが全然違うので、自分でも別人格のように捉えていましたね。

“さくらびより”は2010年に自主制作で出していたのですが、2012年にワーナーミュージック・ジャパンから正式にリリースされて。まさか“B面”だと思っていた方の活動が一気に動くとは思いませんでした。

━━その当時はR&Bがご自身の軸だったと思うのですが、ポップスの領域にも興味・関心はあったのですか？

“さくらびより”をきっかけに面白いと思うようになりました。もともとこの曲は友人から依頼を受けての制作だったのですが「卒園式で子供が親に向けて歌う曲がないな」という気づきから生まれました。

楽曲制作って「あるある」を集める遊びなんですよね。「嫉妬」というテーマを一つとっても、世の中に出ていない表現はまだまだある。発明みたいなもので、誰よりも早くそれを探し当てることに面白さがあるんです。世の中にありそうでないものを作る、ということの興奮はその時に学びました。

また、初めて言葉の持つ力を再認識できたのも大きかった。音楽好きじゃない人にも伝わる表現の仕方を研究する日々。それが後々自分自身のシンガーソングライティングに影響を与えたと思います。

━━RUNG HYANGさんは現在、教える立場から、アーティストをサポートしていますよね。＜DRAMATIC SOUL＞時代から講師業も行っていたんですか？

10年ほど前に先輩から「教える仕事に興味がないか？」と連絡が来て、音楽の専門学校でシンガーソングライティングの教鞭をとることになったのがきっかけでした。

当時はちょうど音楽だけで生活することが大変な時期で、「自分が何を教えられるかはわからないけれど、とりあえず仕事をしなきゃ！」と藁にもすがる思いでしたね（笑）。ちなみに当時受け持った学校では、先生の名前をそのままゼミ名にする慣習だったんです。現在の音楽塾は、当時の「ルンヒャンゼミ」という名称を受け継いでいます。

━━そのまま学校法人でゼミを受け持つのではなく、「ルンヒャンゼミ」が独立した理由というのは？

その学校が閉校することになったんですよね。でも、当時通っていた生徒も素晴らしかったし、卒業生が「これどう思います？」と音楽の相談に訪れるような場になっていて。彼らの行き場がなくなることはもったいないと思っていました。

そこで、独立して週一で人が集まるような秘密基地を作ったところ、徐々にルンヒャンゼミに人が集まるようになって。瑛人やeillや松本千夏、ビートボクサーのYAMORIもそこで出会いました。まだまだ面白い人たくさんいます（笑）。

━━当時から現在に至るまで、どういった立場で彼女・彼らの活動をサポートしているんですか？

あんまり講師の感覚がなく、むしろライバルでした。毎回テーマを与えて曲を作ってもらい、発表するのですが「すごい！なんでこんな歌詞思いついたの！」みたいな（笑）。自分にない感性が溢れているからこそ、「教える」というより「一緒にディスカッションしている」という感覚です。年や世代も関係なく、お互いが気になりあっていますね。私のことを、生徒も「先生」とは言わないんです。「ルンさん」とか「ルンヒャンさん」とか。

━━その中でも瑛人さんのように感性が光る生徒さんと出会うことが幾度もあったと思います。「この子は良いな」とRUNG HYANGさんが感じる存在に、共通点はありますか？

世の中が評価するかどうかと、いい作品かどうかはイコールではなくて。みんなそれぞれにオリジナリティや魅力があります。いい意味でバランスの悪い子は多いかもしれない。どこかが突出しているけれど、どこかが抜けている（笑）。ライブ以外の生活面が酷いけれど、人前で何かをかますときの集中力は凄まじかったり。ただ、それは周囲のプロとして活躍するプレイヤーを見ていても思います。

━━今年、2022年から大阪音楽大学の特任教授に就任しましたよね。18歳〜22歳のアーティストと関わる中でどういったことを感じますか？

一時期までは「これキャッチーですよね」「売れる要素で作ってみたんですけど」と狙う子が一定数いたんです。でも、最近の子は「かっこいい」と思うものを追求することに対し、足枷がありません。だって自分たちで自分の音楽をいつでも発信できるじゃないですか。

より自分たちが面白いと思うものに対し貪欲で、枠を意識しない。可能性を感じますね。むしろ大人たちですら彼らの動向やアイデアをチェックし、意見を聞いているくらい。

自分の頃は情報をキャッチするのにも手間がかかったし、親戚のお兄さんお姉さんが聴いている音楽やテレビ番組からやっとかっこいい物をディグれたじゃないですか。でも今の子たちはすぐ情報にアクセスできるからこそ、ジャンルで聴かない。混ざっているのが面白いです。世代ごとの面白さや魅力がある、と感じました。

━━その上で、RUNG HYANGさんの世代は次の世代に対しどうアプローチしていくべきだと考えますか？

大人は遊んでなんぼだと思うんです。チャレンジする姿は常に見せていいんだな、と思います。次の世代にとって「歳を重ねることがつまらなくなる、しんどくなる」という印象をつけないこと。むしろ彼らがもっと自由になるために、私は自分の世代をもっと面白いところに連れていきたいです。だからこそ、世代を超え、みんなが遊べる現場やシチュエーションを作り続けたい。

━━ルンヒャンさんがご自身よりも下の世代をプロデュースすることも、一つのサポートになるのでは、と感じました。アーティストの楽曲をプロデュースする際、意識することはありますか？

インタビュアーになったつもりで挑みます。アーティストの脳内にはまだ言語化されていない情景や伝えたいことがあるんですよ。その言語化されていないことを紐解くために、こっちからどんどん質問していく。

瑛人の1枚目のアルバム作りの時もそうでした。彼は言葉足らずだけど、頭の中ではっきりとした絵を持っているんですよね。仲間たちの遊んでいた場所を描くときも、そこに何があって・誰がいて・住所はどの辺で……とディテールはインプットされている。Google mapを見たりしながら会話した上で作品に落とし込んでいくんです。

その人じゃないとイメージできないことがあるからこそ、プロデュースに強制力はないと思っています。ただ、肝心なのは楽曲を届ける先にリスナーがいるということ。本人が意図している言葉や歌詞が、リスナーに理解されにくいこともあるじゃないですか。そこが独りよがりな表現にならないよう整えることを意識しますね。

それは“シンガーソングライターのRUNG HYANG”として楽曲を作るときもかなり気にします。正直、自分のことはあんまり信頼していません。「確実にこれは伝わっているだろう」と思うことはなくて、仕上がってからも普段音楽にあまり興味がない友人にまずは聴いてもらったりしますし。多分、一生信用することはないです、自分のこと。

━━逆に、今回はShin Sakiuraさんをプロデュースに迎えシングル“AWAKE”をリリースされましたよね。もともとEP『DOCUMENTARY』の収録曲“Movin’ & Groovin’”でもShinさんはプロデューサーとして参加されていましたが、再び“AWAKE”でタッグをお願いした理由は？

Shinくんの楽曲プレイリストを聴いている時、とにかくベースラインでグッとくるポイントがいくつもあったんですよ。本人にも「ベースラインがすごい」という話をしたら、実際に彼自身がベースを弾いているらしくて。最近聴く好きな音楽の話を話をしても、すごくリンクしている。かっこいいと感じることや、グッとくるポイントも同じだったので全面的にトラック制作を任せたいなと思いました。

━━制作過程でこだわった部分は？

人に話したいことを歌詞にいっぱい詰め込みたかったので、言葉が立つように“隙間” をたくさん作ってもらいました。あと彼はベースを歌うように弾くんですよね。作業工程を後ろで見ていて、本当に素晴らしかった！

━━歌詞ではどんなテーマをもって言葉を選んだのでしょうか？

「時間がない」っていうことをとにかくリスナーと話したかったんです。世界も人生も変わりゆくなかで、心の中で本当はやりたいこと・もやもやしていることがあるのに、行動を起こせない瞬間ってありません？

実際「自分の人生はこんな感じだろう」と思っていたのに想定外の出来事が起こりまくったのが、ここ2〜3年じゃないですか。何かをやれるはずだったはずの数年間が後ろ倒しになっちゃった。「そのまま一生生きていけると思うなよ！」って感じたんですよね。だから「やりたいことないの？」と友達と話すつもりで歌詞を作りました。

━━《100円ライター》《ミスタードーナツ》と固有名詞が頻出するのは、先ほど瑛人さんのアルバム作りでもおっしゃっていた「絵」に通じるのではと思いました。

“AWAKE”は映画が頭の中でどんどん進んでいくような感じだったんですよね。家の中で閉じこもってYouTube観て、「ダイエットしたいな」って思いながらドーナツを食べているような情景。それをそのまま描きました。その時に脳内で浮かんだ光もZippoじゃなくて100円ライターだったんです。日常にあって100円で買えるもの。「豊かなわけじゃないけれど、これ一個でやれることあるよね」って。

あと、今の環境でモヤモヤしていることがあれば、思い切って逃げちゃおうと。見ないふりをしていると、本人が気づかないうちに心の中で膨れ上がることもあるんです。それって全然ヘルシーじゃないし、きっかけがないと気づかない。暗闇の中、前を向いて歩かないといけない、でも100円ライターがあれば少しは前に進める。そういう絵が頭の中に広まっていき“AWAKE”の歌詞につながりました。

━━その描写の背景には、何かご自身の経験も関係しているのでしょうか？

自分の中でずっと残っているのは、貧乏でご飯が食べられなかった時期ですね。九州から上京したのですが、お金が尽きた時があったんですよ。初めて親に泣きついた時に母が「いま使っている携帯なんなん？あんたは本当の貧乏を知らん。全部解約しなさい。自分の贅沢を捨てればまだいけるはず。」って。無人島には何もないかもしれないけれど、ライターやナイフが一つでもあれば何かができるかもしれない。それを思い出しました。ある日、銀行口座を見たらそっとお小遣いが振り込まれてましたけどね（笑）。

━━そのエピソードが、コロナ禍のある意味「手も足も出ないように思える状態」とリンクしたんですね。

コロナになってしばらくみんなが家に閉じ込められていた時、伝えたいことがなくなってしまったんですよね。だから当時は心地よく家の中で過ごせることを考え、サウンド的に気持ちよかったりアンニュイだったりする方向へと変化していったんです。そして今は世の中の動きも変わり、音楽業界もアクティブになり始めているタイミング。すごく自分の中でも変化を感じます。

実は“AWAKE”でリスナーに向けた「やりたいことないの？」というメッセージは、自分にも問いかけているんです。この曲が、自分も覚醒するきっかけになるかもしれないなって思っているから。

私自身はライブでも音楽を“コミュニケーション”のツールとして捉えながら、お客さんと会話するつもりでパフォーマンスしています。それでいて音楽は予測不可能で、触れると形を変える変わるアメーバみたいなもの。シチュエーションはそれぞれ違えど、リスナーと一緒に“AWAKE”するきっかけになったら、ただただラッキーだな、と思っています。