──コーチェラの1週目にビョークさんが着用された「Bergmál」について教えてください。このマスクは「音波、生物学的スパイラル、ソニックブーム」といったものに着想を得たそうですね。過去のインタビューでは「音を視覚化する」ことこそがビョークさんの表現方法の真骨頂だとお話されていました。今回は改めてその「音の視覚化」に意欲的に臨まれたという認識でしょうか？

James　そうですね。このマスクを作る上で、頭から外側に放射していく様子が見て取れるスカルプチャーにしたいと思っていました。空気中で音波が凍っているようなイメージです。作品を3Dソフトウェアで作り上げていく際は、毎回かなりの時間をかけています。面白いと思うものができるまで、特定のフォルムや形をあれこれいじりながら考えていくんです。そうしていると、偶然発見する要素と意図的に作り上げた要素が混ざったデザインができることが多くあります。

「Bergmál」のヘッドピースは、「螺旋（スパイラル）」を深掘りしていった作品です。マスクの軸を中心に回転していき、何度も折り重なるようにぐるぐると縁が連続していくような形状を作りたいと思っていました。その形を作り上げた時に、それが音波のように見えることに気づいたんです。ビョークの音の世界観にぴったりマッチするということがわかっていたので、その方向へとさらに追求していきました。

──このマスクのタイトルでもある「Bergmál」という言葉は、ある種アイスランド特有の価値観を反映しているようにも感じています。Jamesさんは「Bergmál」という言葉や価値観にどのような考えをお持ちですか？ レイキャヴィークに住まれている中で、その価値観を実感することはあるんでしょうか？

James　「Bergmál」は、私のお気に入りのアイスランド語の言葉の一つです。 英語では文字通り「山の言葉」と訳されますが、それはまるで山々が互いに語り合っているかのように、エコーが谷を下って跳ね返る様子から来ています。その言葉から醸し出されるイメージが大好きなんです。アイスランドに移住してから約10年が経ちますが、学習する言語、読む本、聴く音楽を通じて、今でもアイスランドの文化がいろんな形で私に影響を与えてくれていますね。

──続いてコーチェラ2週目にビョークさんが着用された「Ossein」についてですが、こちらは「魚の骨、蘭の花、植物の雄しべ、軟骨」から着想を得ていますよね。「Bergmál」に比べると、実際に目に見える形のものを着想源にされていますが、そこには明確に区別する意図があったのでしょうか？

James　このマスクの形状は、3Dで彫刻する段階で数々の実験を繰り返した成果であり、結果的にこれまでに彫刻してきた作品の中でも最も複雑なものの一つとなりました。この形状が実際に3Dプリンタでプリントアウトできたことにも驚きました。リファレンスやインスピレーションの段階でとても気にしていたのが、マスクそのもののテクスチャーでした。軟骨や魚の骨のように、非常に有機的な透明感のあるものにしたかったんです。

──なるほど、では意図して区別したわけではないのですね。このマスクはインスピレーション源からもその特徴がはっきりと表れていますが、水中で生物が発光するさまを再現するために、特定の紫外線をあてることで青色に変化するのも特徴のひとつかと思います。「水中で生物が発光するさま」とはどのようなイメージだったのでしょうか？

James　当初マスクにいくつかのLEDライトを組み込んで、その光が水中の海の生き物のようにマスクの中で動き回ったり点滅したりすることを考えていました。ですが、スカルプトモデリングの早い段階で、それをするには、多くのデザイン要素を犠牲にしなければいけないと気づいたんです。なので、LEDライトを組み込む代わりに、UVライトを照射すると色が変化する素材を採用することにしました。これまでに刺繍の作品を多く作ってきましたが、初期の刺繍作品でUV糸を使った作品を作っており、その糸は特殊なステージライトの下で光るものでした。今回マスクを3Dプリントする際にも、その手法を使ってみたいと思ったんです。結果的にとても良いものができたので、この手法を採用してとても良かったなと思います。このことで、マスクがより有機的で、まるで生物が発光しているようなイメージにすることができました。LEDライトを使っていたら、もしかするともっと“ディスコ”っぽいものになっていたかもしれませんからね（笑）。

──この二つのマスクはseccaチームとともに作り上げられています。彼らが具象化した完成形のマスクを実際に手に取った際、Jamesさんはどのように感じられましたか？　seccaチームへの印象とともに教えていただけますか？

James　本当に圧倒されました！　彼らの細心の注意を払った職人技と美しいテクスチャーを生み出す能力の高さは、私の想像力を遥かに超えていましたし、予想だにしない方法で作品たちに息が吹き込まれたと思います。（ビョーク来日公演の際、）金沢にいる彼らに会いに行ったのですが、それもとても素晴らしい経験でした。友人としても職人としても、彼らと知り合うことができてとても楽しい時間を過ごせましたし、そこで彼らと一緒に作り上げたものにとても誇りを持っています。

──今回はこの二つのマスクを彫刻していく上で、3Dプリンティングを採用されていますね。こうした新しいテクノロジーをビョークとのデザインプロジェクトの中に取り入れて挑戦している背景には、どのような考えがあるのでしょうか？

James　マスクを作り始めてから、デザインを進化させたいという思いから、意図せずに常に異なる媒体を選び続けてきました。最初はすべて刺繍でしたが、ワイヤーとビーズ細工を使い始め、次にシリコン彫刻、そして金属細工に銀細工と、どんどん新しいものに挑戦していったんです。3Dでスカルプトを実践したり、自分で作り上げた現実世界のマスクをARフィルターにプログラミングしたりしていた私にとって、3Dプリンティングに行き着いたのはごく自然な流れでした。

何かを作る時、物理的な世界とデジタルの世界を切り替えながら製作するということをとても楽しんでいます。そんな中で、この二つの領域は相反するものではなく、お互いに補完し、強化し合えるということに気づいたんです。最近新たにいくつかマスクを作ったんですが、その時はリアルとデジタルの領域を行ったり来たりしながら製作していきました。非常に伝統的な銀細工師の手法を用いながら手作業でデザインしていき、それを3Dのスカルプトソフトウェアにデータを入れて手直ししてから、再びリアルな世界に戻し具象化したんです。

──「テクノロジー×アート」という文脈でいうと、今生成AIを活かしたアートが世界中で人気を集めていますが、一方でその存在意義自体に疑問を投げかける方々も多くいらっしゃいます。これまでもテクノロジーが発展する中で、ご自身のアートに影響を及ぼす機会は良し悪し問わずあったと思いますが、テクノロジーがアートと共存していく未来について、Jamesさんはどのように考えていますか？

James　私たちは最近まで必ずしも”AI”と呼ばれていなかったあらゆる種類のソフトウェアやテクノロジーの統合機能として、ここ数年AIと共に生きていると思います。だけど、それを脅威と考えるよりも、むしろチャレンジのひとつのように捉えています。もしコンセプトや美学がAIやアルゴリズムによって簡単に複製できるのであれば、私はむしろそれを進化させる推進力として利用したい。機械では決してできない、これまでにない新しいものを創り出したいと思っています。

それに、私がこれまで見てきた“AIアート”の99.99%は、誰かが工夫しているものを除けば、かなり均質化されたものばかりですし、とても醜いものに見えます。2021年に、AIモデルを使用してビョークの限定版レコードのアートワークを作成しましたが、すごく興味深いものだと感じました。とはいえ、あれからもテクノロジーは大きく進歩しています。最近は画像のサイズ変更や色付けなど、調整するためのソフトウェアとしても使用しています。

アーティストがツールやテクノロジーを駆使する際に、その人特有の使い方を見つけていきながら、時にはグリッチさえも受け入れて、媒体の性質をアートワークの一部にし、独自の世界に取り込んでいく。私はそんな瞬間にとても惹きつけられるんです。

──まずは今回のマスクの製作プロセスについてお話を伺えればと思います。コーチェラの1週目・2週目と、2種類作られています。製作に入られた際は、Jamesさんからデザインが提示されているところから始まったんでしょうか？

菅野　プロジェクト全体のアートディレクションと、マスクのデザインはJamesが担当しています。Jamesから3Dのデータでしっかりデジタル彫刻された具体的なデザインが提示されて、我々はそれをどうやって物理的な3Dプリントで実現するか、ビョークやJamesの求めるクオリティでどう実現するかを担いました。僕はテクニカルディレクターとして関わり、seccaチームがプロダクションを担当してくれて、存分にクラフトマンシップを発揮してくれました。ライブパフォーマンスの中での強度など実装としてしっかり調整しなきゃいけない部分は元々のデザインを損なわないかたちで調整して、プリントアウトして磨き上げていくというようなプロセスをたどっています。

──Jamesさんから3Dデータが送られてくる段階で、それぞれのマスクのコンセプトは決まっていたんでしょうか？

菅野　どちらかというと、最初から具体的なデザインのイメージをいただいていて、それをどうやって実現していくかというところから始まりました。コンセプトをビョークと直接話していたのはJamesですが、Jamesのデザインから十分コンセプトの大事な部分は理解出来ました。とてもデジタルデザインにはみえない、すごくオーガニックな印象を受けますよね。生命体に近いというか、自然のものに近いインスピレーションを受けたデザイン。ビョークとのこれまでのプロジェクトの経験からも、このデザインを最新のテクノロジーで実装していたとしても、それを感じさせず、極めてオーガニックに見えるように製作しなきゃいけないと感じていたので、当初からそこらへんをちゃんとseccaチームと認識をすり合わせながらスタートしたと思います。

上町　特に理解が深まったのは、Jamesさんが我々の拠点でもある金沢にわざわざ来てくれたことがきっかけです。面と向かって話を伺ったことで、僕たちもどういうクオリティに落とせばいいか、どういうことを提案したらいいかをつかめた感覚はありました。このプロジェクトに対する彼の姿勢もそうですが、僕たちに対する振る舞いも本当に丁寧に積み上げる方でした。やりとりの中で、日頃からアイスランドの自然の美しさを敏感に観察されていることがインスピレーションの源泉になっていることもわかりましたし、自然の中の美しさがそのまま自分自身を表している、ということをコスチュームで体現しようとしているんだということも伝わってきました。何かを身につけるというよりは、皮膚の一部に感じられる。そういうコスチュームをJamesさんやビョークさんは求めていたわけなんですよね。

──Jamesさんが金沢までいらっしゃったタイミングでは、3Dプリンタで試作品をプリントできていたんでしょうか？

上町　そうですね。Jamesさんが金沢に来るまでに具体的な議論を重ねて、データを調整し、サンプルとなるものをseccaチームでプリントした状態でした。事前にいただいたラフのデータを解析する中で、物理的に再現が難しい箇所が多いことに気づいたんですね。厚みが0.3mmしかなく、ライブ中に動き回ったら割れてしまうと思う箇所もありました。僕たちも日常的に3Dモデリングを活用して作品を制作していますが、画面上で美しいと思っていた箇所が、実際の空間で手にとって見てみると、そのイメージとかけ離れていて、そのギャップを埋める作業を行い、またプリントして確認するといった作業の連続です。Jamesさんが金沢に来てくれて、実際にテストプリントしたサンプルを見ながら意見を伺い、どう魅せたいかという具体的なイメージを共有しながらチューニングアップできたことで確かな調整をすることができました。例えば「そう見せたいならここの厚みはキープして、別の箇所を厚くしよう」というやりとりをしつつ、どこが譲れなくて、どこが妥協できるのかというさじ加減を議論しながら詰めていったんです。

────菅野さんはInstagramで、「Jamesから送られてくる3Dデータはどこをとっても美しく、とにかくseccaがすごかった」と書いていますが、seccaの皆さんのすごさを実感されたのはどんな場面でしょうか？

菅野　上町さんからお話もあった通り、データを見た際に素材や形状との関係から、マスクの強度について実現が難しいと感じる部分はあったんですが、それに加えてそれぞれのマスクがどうやって顔に固定されるのか工夫が必要そうな部分がいくつかあったんです。というのも、どちらのマスクも理想的な絵面から逆算されて作られたデザインだったので、このままだとそもそもマスクを顔に着けることが物理的に難しい部分もあるんじゃないかと想定されました。そんな中でも、seccaチームはあくまでも最初に得たインスピレーションと、そのデザインの良さを全く損なうことなく、むしろそれを良くする形で実装まで持ち込んでいる。その点においてseccaの創意工夫が素晴らしいなと感じていました。

また、このマスクはただ3Dプリンタでプリントアウトすれば完成というものではなくて、しっかり手触りの触感や透明度などの外観の質感を理想的なものにするためには、職人的な手作業が相当程度発生します。それは今日明日学べば出来るというものではないわけです。ビョークやJamesという世界最高峰のクリエイティヴな人が発想するデザインやコンセプトを一切損なわずに実現するというのは、熟練のエンジニアさんでもなかなかできることではありません。もっと言えば、デジタルエンジニアリングの能力と職人的な手作業の能力が両方必要になってくる。経験値や作品に対しての理解はもちろん、精神論にはなりますが極限まで諦めない力も必要になってくる。seccaチームはトータルにおいて完璧だったので、今回は上町さんたちのおかげで実現したと思っています。

────以前上町さんは、普段seccaが工芸品を製作する中で、作品としての表現と、日常の中で使われるプロダクトとしての機能性を両立することを追求しているとおっしゃられていましたね。今回のお話はそれに通ずる部分があるのではないかと思いました。

上町　その究極的なものかもしれないですよね。例えば、量産前提の日常で使う食器だと、使っていただく人やシーンが多様であるため、手に取る一人ひとりに満足いただけるように、多様な欲求に対してどうしても平均的なデザインに落とし込むことがあります。今回はビョークさんのためだけに作ったので、彼女がいかにベストの状態でパフォーマンスに集中できるかに注力し、マスクがノイズにならないことを最も意識しました。もしマスク自体が折れたり、壊れたり、パフォーマンス中に外れてしまったりするようなことが発生したら、ライブに来られている方の時間や体験価値も含めて、一度何かが崩れてしまう。それが一番恐れていたことで、ひょっとすると公演後にも影響しかねないですから。

──菅野さんは2015年の“Mouth Mantora”のMVで初めてビョークと関わって以降、“Quicksand”のストリーミングライブのVR映像を制作されたり、トークイベントや雑誌で対談されたりと、ビョーク自身のクリエイティヴや考えについて触れる機会も多くあったと思います。その中で印象に残っていることはありますか？

菅野　まずはクリエイティヴな判断に対して、非常に丁寧で、ちゃんと時間と手間をかけるということです。一番最初にお手伝いした“Mouth Mantra“のMVも口の中を映像化するという極めて難易度の高いアイデアを実現するまでに丁寧に手間をかけてちゃんと検討をして実現していた。2016年に東京で開催された＜Björk ： Digital VR＞展でお手伝いした“Quicksand”のライブ映像も、ライブカメラでストリーミングしたものはリアルタイムで配信されたんですが、その後アーカイブ作品を公開するまで、かなり丁寧に検討したり、たくさんのクリエイティヴなやりとりが発生したりしたのを覚えています。

もう一つ印象的だったのは、対談中にアートとテクノロジーとの関係性についてビョークに質問した時の話です。彼女は新しいテクノロジーを取り入れることはすごく好きだと話してくれたんですが、その例にピアノやバイオリンといった現代では当たり前となった伝統的な楽器を持ち出して話してくれたんです。「ピアノやバイオリンも誕生した時は最新テクノロジーだった」と。ピアノに関しては、その技術自体が楽曲のタイトルになるほど主題として扱われていました。けれど現代では、ピアノが使われていることが音楽の主題になることはあまりないですよね。テクノロジーは当初それを使うこと自体が喧伝されたり、一つのテーマになり得たりもしますが、いつの間にかテクノロジーは消えて、音楽とそれがもたらす感情だけが残るわけです。彼女は「感情表現をするにあたって、バイオリンをこう弾けば感情を表現できるという演奏方法や表現は、長い歴史の中で培われてきました。言ってみれば、バイオリンとは昔のコンピューターみたいなもの。アーティストがしなければいけないことは、自分たちが生きる時代ならではの、当たり前のように使っているツールをあえて使って表現すること。テクノロジーに心を入れるのがアーティストの仕事だと思う」という言い方をしていました。それが一番印象に残っています。

菅野　そういうビョークのテクノロジーに対しての姿勢は、seccaチームが得意とする3Dプリンティングのような最新の技術を使ったクリエイションでも同じことが言えます。seccaをチームに誘った理由の一つは最新テクノロジーでものづくりすることに長けていながら、あまりそれが最終的な成果物の前面に押し出されていないこと。裏側に新しい技術があることはそのデザインが成立したプロセスを読み解くと当然わかるんですが、テクノロジーの介在がデザインより前に出てくることがないんです。それがビョークとのこれまでのコミュニケーションの中で得た僕の感覚とすごく合うなと思いました。

──とても重要で興味深いお話ですが、以前上町さんにインタビューさせていただいた際も、テクノロジーを使用することが目的なのではなく、あくまでも表現するためのツールなのであって、何を実現するかが重要だ、というお話もされていましたね。

上町　はい。僕たちも意識していることは全く同じで、やっぱり心を動かすかどうか。そこが価値を生む最も重要なポイントだと思っています。なので、心を動かすために体験が必要で、体験のためにインターフェースとして物が存在しているという順序でものごとを捉えています。僕たちは過去の人がやってきたことを学んで活かしているわけですが、ただ過去の人と同じことをやったとしてもあまり価値を生めない。時代も変わっているし、受け手の感性も変容しているわけで、新しい体験や今にフィットした体験、その人だけに届けたい体験を追求すると、必然的に過去の人が選択できない手段の中にヒントがあることが多いんですね。例えば3Dプリンティングも江戸時代にあったとしたら、職人やアーティストたちに必ず使われていると思います。過去の人が選択できなかったツールが僕たちの目の前にあって、その先に過去の人が到達できなかった着地点があるのであれば、積極的に試すべき。そうした姿勢で取り組んでいます。

今回Jamesさんと共同で作業してみて感動したのは、お互い違うアイデンティティや価値観を持っていたとしても、クリエイションを通して非言語で繋がれるんだということ。僕が英語をカタコトでしか話せないので、言語でコミュニケーションを取るのは難しかったんですが、何を美しいと思うのか、何に感動するのかという点においてはすごく息が合っていたなと思います。今回の活動の裏で得た大きな気づきだったかもしれないですね。

菅野　僕は関わる仕事の9割以上でプロジェクト全体のクリエイティヴディレクターを担っていますし、seccaももちろんそうで、普段は署名が入った自分たちのアイデアとクリエイションで戦っています。ただテクニカルディレクションや3Dプリンティングだけを受託している会社というわけでは決してありません。ただ今回のプロジェクトは我々がリードするのではなく、ビョークがクリエイティヴディレクターで、Jamesがアーティストでありデザイナーなわけです。上町さんの気づきは、自分たちではなく他の誰かがリードするチームの中での取り組みならではですよね。ビョークという稀代のアーティストのクリエイションをサポートする、彼らのやりたいことをどう実現するか。普段と思考のプロセスは違いますが、ビョークとJamesのやりたいことを真摯に受け止めて、ビジョンをしっかり認識した上で我々が実装をお手伝いしていくわけです。それが新鮮でとても楽しかったです。今回僕らが共通して意識していたビジョンは、クリエイションを通して受け手にどんなエモーションを届けるかということ。僕の知っているseccaはそれを表現することに長けていて、世界に誇る才能と実績もある方々だと思っています。この事実を多くの人に知ってもらいたかったんです。

今回のような世界的なアーティストのプロジェクトに、彼らのような日本で長く受け継がれる伝統技術を熟知して最先端のテクノロジーを扱うような職人が参画していることはすごく珍しいことですよね。普段のメインワークである自分たちの仕事とは違うアプローチで、世界的なプロジェクトに参画したseccaの素晴らしさを伝えることで、普段とは違う角度から光が当たればいいなと思います。こういう仕事でも、世界から評価されるような仕事をする人たちであるということを理解してもらえれば、彼らに対する認識も広がっていく。これから彼らの製作物や仕事に興味を持つ方々も増えるはずですし、僕もそれを心から願っています。

地元であるノッティンガムで活動を開始し、今や新世代UKジャズ／ソウルシーンで最も注目を集めるシンガー・ソングライターとなったヤズミン・レイシー（Yazmin Lacey）。彼女の初となる来日公演が、5月7日（日）にビルボードライブ東京、5月9日（火）にビルボードライブ大阪で、それぞれ開催される。

ジョーダン・ラカイ（Jordan Rakei）やモーゼス・ボイド（Moses Boyd）との共演、〈Blue Note〉の名曲をUKの若手ジャズミュージシャンたちが再解釈したコンピ『Blue Note Re:imagined』への参加など、旺盛に活躍し続けるヤズミン。今年3月に発表された待望の1stアルバム『Voice Notes』は、そんな彼女のソウルフルな歌声とジャンルを跨いだセンスが存分に堪能できる一枚だ。

今回は来日公演を目前に控えた彼女にメールインタビューを実施。スモーキーでありながら甘美な『Voice Notes』の世界観に迫りつつ、ナイトライフやノッティンガムでの生活まで、様々な質問に答えてもらった。

──こんにちは！私たちはニュースメディアQeticといいます。ビルボードライブ大阪・東京での来日公演、とても楽しみです。今はどこでこのインタビューに答えていますか？

今会議に遅れてて、タクシーの後部座席から答えてます。移動時間の良い過ごし方ですよね！

──普段の生活ルーティーンを教えてください。また、ショーで様々な街を旅する時の楽しみはなんですか？

ルーティーンがあれば話したい！（笑）　毎日習慣づけようとしてますが、今の所、同じような日が続かないので、うまくやりこなせなくて。でも音楽は毎日聴いてて、きっとそれが一番長続きしてますね！

海外に旅するのは本当に大好きです。私が行きたいところに、いつも音楽が連れて行ってくれるので、とても恵まれているなと感じます。ミュージシャンとして旅をしていて、すごく特別に感じるのは、たくさんのアーティストやアートワークと出会えることです。その全てを吸収していっています。日本の音楽や文化、そして日本にいる人たちに出会える日が待ち遠しいです！

──次は最新作『Voice Notes』についてです。アルバムジャケットがGloria Scott『What Am I Gonna Do』のオマージュなのではないかと個人的には感じました。もしそうでしたらオマージュに至った理由、そしてヤスミンさんの思うGloria Scottの魅力について教えてください（見当違いだったらごめんなさい！）

いいえ、違います。彼女を尊敬していますし、アルバムカバーも彼女の歌声も大好きだけど、オマージュしているわけではありません。これまでの作品では絵を使うことが多くて、その裏に隠れてたんですが、今回写真にしたのは、この作品がとてもパーソナルなもので、自分の顔を見せることに意味があるんだと思えたから。手を使ったのは、不自然に見えないようにしたくて。私にとって、手もすごくパーソナルなものなんです。手を見れば、相手の多くのことが見えてきますよね。だから手で顔の周りにフレームを作ってる感じ。ただポーズしてるだけですよ！

──もしソングライターとして、歴史上の誰とでも共作できるとすれば、誰と一緒に仕事がしたいですか？シンガーやプロデューサー、肩書は問いません。

すごく壮大な質問ですね（笑）。選ぶのが難しい！　うーん、ボブ・マーリー（Bob Marley）ですかね。本当にインスピレーションを与えてくれる人ですし、世界を見る目がとても素晴らしいですよね。彼のリリックや楽曲は、一番のお気に入りのひとつです。

──あるインタビューで”Late Night People”について「Sometimes, people only associate nightlife with debauchery, which has its place, but it’s also much more.」と語っていたのが印象的でした。それに関連して、ヤスミンさんの感じるナイトライフにしかない魅力とはなんでしょうか？また、ナイトライフの重要性について教えてください。

えっと、そうですね。日々の生活や社会、それに西洋の諸国は、誰かと同じリズムでつながりを感じたり、自己探究できたりする環境ではないと思っているんですね。なので、その機会を取り戻すようにしないといけないと思っています。ナイトライフが本来の姿を見せられる場所だという人もいます。重要なのは、自分のための空間がないと感じた時にそれを作ること。自由を追い求めている人や眠りの浅い人、時間が足りないと思っている人や表現する場所を探している人は、みんな夜型の人ですよね！

──次は拠点としているノッティンガムについて。おすすめのベニューやショップ、芸術の集まるスポットを教えてください。

ノッティンガムは大好きです！　第二の故郷になっていますし、ミュージシャンのキャリアとしても音楽を作り始めた場所なので、大きな存在です。ピーク・ディストリクト国立公園と食品市場とCow Vintage（※イギリスのヴィンテージショップ）が近くて、気に入っています！

──ノッティンガムから離れて、もし一年間だけ世界中のあらゆる場所を拠点にできるとしたら、どこで活動してみたいですか？

実はちょうどブラジルから戻ってきたところなんですが、とても音楽が大切にされている場所で、彼らの文化の中でもすごく重要な役割を担っていました。なのでリオ（・デ・ジャネイロ）にステイして、カーニバルも体験してみたいです！

──”From A Lover”や”Tomorrow's Child”など、レゲエやラヴァーズ・ロックへの愛を感じる曲がアルバムには収録されていると感じました。またあるインタビューで「父がレゲエやラバーズロック、ソカ、カリプソなどを好んでいた」というのを読みました。あなたがそのような音楽の魅力に気づいた瞬間、そして好きな楽曲を教えてください。

私の家族はカリブ海出身なので、よくそういう音楽を聴いて育ちましたね。小さい頃から聴いていた音楽って、ずっと残っていくし、それぞれに思い出も詰まっていますよね！　大好きなのは、ボブ・マーリー、デニス・ブラウン（Dennis Brown）、キャロル・トンプソン（Carol Thompson）、ドーン・ペン（Dawn Penn）、シスター・ナンシー（Sister Nancy）ですね。

──あなたの世界観に触れるのが楽しみです！今回の来日公演のBGMで流したい曲はありますか？

BGMが何なのかよくわからないですけど、ショーの前に必ずかける曲が3曲あるんです。ディアンジェロ（D'Angelo）の“Spanish Joint”、ハイエイタス・カイヨーテ（Hiatus Kaiyote）の“The World It Softly Lulls”、ボビー・コールドウェル（Bobby Caldwell）の“What You Won’t Do For Love”の3曲です！

──2ndアルバム『Beatpia』をリリースして、どのような手応えを感じていますか？

beabadoobee　多くのファンが新しい曲を聴くことにすごく興奮してくれていますし、アルバムの評判自体も良くて嬉しく思っています。

──1stアルバム以降は今回の『Beatpia』をリリースするまでにEPやシングルもいくつかリリースされています。それまでの作品と『Beatpia』に対するファンの反応はどのような違いがありましたか？

beabadoobee　ファンのリアクションは毎回リリースするたびに違うのですが、今作はこれまで以上に私の音楽をもっと好きになってくれる人が増えた印象がありますね。特に今作はすごくいろいろな曲が入っているので、その分、いろいろな人に楽しんでもらえていると感じています。

──曲を作る時はいつもどんなプロセスで作られているのでしょうか？

beabadoobee　ほとんどの場合、まずギターでコード進行を考えてからメロディーを作り、その後に歌詞を考えるというプロセスで作っています。でも、『Beatpia』に関しては、全部がそうだったわけじゃないんです。例えば、サポートギタリストのJacobが持ってきてくれたコード進行のアイデアにあわせて、私がメロディーと歌詞をつけることもあったし、その逆で私が考えたメロディーにあわせて、彼がコード進行を考えるというパターンもあったり。あとは2人で考えることで曲のアイデアが広がっていくということもあったりと、さまざまな曲作りのプロセスを試しました。

──なるほど。今回は自分1人で作曲するのではなく、コライトも試みたということですね？

Beabadoobee　そうですね。コライトすることで自分の持っていない歌詞やトラックのアイデアをコラボレーターからもらえることは私にとってもすごく新鮮な経験だったので、リラックスして、自然な感じで曲作りを進めていくことができました。

──そんな『Beatpia』をリリースして、ツアーも始動しています。今回はサマーソニックのために来日されましたが、日本のオーディエンスに対してはどのような印象を持っていますか？

Beabadoobee　日本のオーディエンスは音楽にすごく耳を傾けてくれると聞いているので、きっとサマーソニックの私のライブでも拍手して盛り上がってくれたり、楽しんでいる姿を見せてくれると思っています。そのような光景を見られることが今から楽しみです。（※取材時は開催前）

──ちょうど先日、街を歩いていたらあなたのロゴ入りTシャツを着ている若者を見かけたくらいなので、日本にもあなたのファンは沢山いますよ。

Beabadoobee　本当ですか？ それはびっくりです！ 例えば、ロンドンの街を歩いているとたまに街中にいる私を見つけてくれたり、私のグッズを身につけているファンを見かけることがありますが、日本でもそういうことがありました。私も持っていないオフィシャルのビーニーをかぶっている男の人が歩いてて、思わず「なんで持ってるの！？」って話しかけちゃいました（笑）。それに手作りのプレゼントをくれた女の子もいて。こうして日本でも私のことを知ってくれている人がいることを実感できて、嬉しいです。

──「日本を訪れるのは全人類の夢」とも語っていました。今回は早速渋谷や新宿を訪れていましたが、実際来日してみてどのようなことを感じましたか？

beabadoobee　日本では街行く人を見ていてもみんなすごくお洒落だし、まるでファッションショーみたいで、ちょっと現実だとは思えないくらいクールな場所だという印象がありますね。周りを見渡して、自分の格好を見返すとホテルに帰って着替えたくなっちゃうほど（笑）。それと実は昨日、飲みに行って少し酔っ払ってしまったんですけど、とても治安が良くて安全だと感じました。今回はちょっと難しいんですけど、時間さえあれば、三鷹の森ジブリ美術館に行ってみたいし、レッサーパンダも見に行きたいですね。それと美味しいラーメンも食べたいです（笑）。

──2020年に1stアルバムをリリースした頃はコロナ禍真っ只中ということもあって、帯同する予定だったThe 1975との北米ライブも延期するなど、その影響は多大なものだったかと思います。ただ、2021年以降は徐々にライブも再開されており、ご自身も現在、世界を周遊するツアーに挑戦されていますが、あなたにとってライブはどんな存在なのでしょうか？

beabadoobee　やっぱり、ライブは部屋で音楽を聴くのとはまた違った環境ですし、やる側の私にとってもみんなの前でパフォーマンスすることはすごく気持ちが良いことなんです。そういう意味でライブは、私を1番ベストな状態にしてくれるものだと言えますね。

──コロナ禍をきっかけに配信ライブが以前よりも音楽シーンに定着した印象がありますが、配信ライブについてはどのようにお考えでしょうか？

beabadoobee　配信ライブの場合、リアルライブと比べて観客のエナジーを感じにくい部分がどうしてもあるので、ライブをやる側としては、少し奇妙な感じがあります。ただ、場所や時間の問題でライブに実際に足を運べない人にとって、それが見られるということは非常にポジティブなことだと思います。でも、個人的にライブを見る場合は、やっぱりリアルライブの方が好きですね。とはいえ、私としては配信、リアルに関わらず、それを見ている観客に対して同じようにライブの熱量が伝わるものを提供したいと思っています。

──2022年に入ってからは『Beatpia』のリリースツアーもスタートされていますが、その中で訪れた世界各地のオーディエンスの反応はどういったものだったのでしょうか？

beabadoobee　例えば、フェスに出演して、何万人もの観客の前でライブをするときはやっぱりすごく盛り上がりますね。でも、時には数人しか観客がいない中でライブをやることもあるし、その時はフェスの時のようにはいきません。ただ、どんな状況でも私がライブでやることは変わらないし、毎回全力でやるだけです。だからこそ、本当に全てのライブが良い経験になっていますし、そこから学ぶことも沢山あるんですよ。

──『Beatpia』をリリース後、実際にアルバムの収録曲をライブでやってみて、以前の自分の曲とでは曲の構成の変化などを実感している部分はありますか？

beabadoobee　『Beatpia』と昔のアルバムとを比べると、今は自分が大人になったように感じます。特に歌詞に関してはその感覚が強いですね。例えば、以前、自分がスイートなラブソングだと思って作っていた曲でも、今、ライブでパフォーマンスすると全然そんな感じじゃないというか......。すごくめちゃくちゃで悲しい曲だなと感じることがあるんですよ。ただ、『Beatpia』のソングライティングに関しては、前作から時間が経っているし、そこからいろいろなことを学んで新しい知識を得たこともあって、以前よりは自分でも成長できていると思っています。

──『Beatpia』を含めてこれまでリリースしてきた自分の曲の中で特にサマーソニックのようなフェスでのライブ向きだと思う曲はどの曲ですか？

beabadoobee　“Cologne”と“Last Day On Earth”ですね。それと“10:36”もフェスで盛り上がる曲だと思います。

──いつもライブのセットリストを決める時はどんな基準で演奏する曲を決めているのでしょうか？ またツアー中は1度セットリストを固定すると基本的には変えることはないのでしょうか？

beabadoobee　基本的にライブのセットリストは、スローな瞬間とスピーディーな瞬間をバランスよく織り交ぜながら、組み立てていくことを心がけています。ただ、やっぱり実際にやってみないとオーディエンスのリアクションがわからない部分もあるので、いくつかセットリストのパターンをあらかじめ用意しておいて、ツアー中に実際にライブで何回かやってみながら、その中で一番良いものを決めていくという感じです。あとツアーで何度も同じセットリストをやっていると飽きてしまうこともあるので、そのタイミングでセットリストを変えることもあります。

──今年はこれまでにコーチェラやグラストンベリーといった大規模なフェスにも出演しています。フェスサイズのライブとライブハウスなどでの単独公演ではライブセットを構成する上で違いはありますか？

beabadoobee　やっぱり自分の単独公演の場合は、フェスよりもライブの持ち時間が長くなるので、単純にセットリストに入れる曲数の違いはありますね。あと例えば、ロック色が強いフェスに出演する場合は、それにあわせて自分もロックなテイストの曲を多くすることがあります。ただ、基本的にフェスでは毎回セットリストを変えるようなことはせず、できるだけ同じセットリストにするようにしています。

──今、あなたのほかにもリナ・サワヤマやノー・ロームといったイギリスを拠点に活動するアジア系のアーティストが世界の音楽シーンの最前線で活躍しています。今後、同じようにアジアや日本のアーティストもグローバルで活躍できる可能性はあると思いますか？

beabadoobee　その可能性は十分にあると思いますね。今、アジアの音楽は才能あるアーティストたちが沢山出てきたことで世界の一部になってきていますし、特に日本のインディーロックシーンにはクールなアーティストがすごく多い。私としては彼らがもっとグローバルで活躍してくれることを期待しています。

──最後に日本のファンに向けて、何かメッセージをお願いします。

beabadoobee　ここ日本でも私の音楽にこんなにも多くの人が注目してくれていることを知らなかったので、すごく驚いています。でも、そのことは光栄でクールなことだし、日本の皆さんが大好きなので本当に嬉しいです。これからも応援よろしくお願いします！

ファンタスティック・ネグリート（Fantastic Negrito）が6月3日に4枚目のアルバム『ホワイト・ジーザス・ブラック・プロブレムス（White Jesus Black Problems）』をリリースした。

ファンタスティック・ネグリートことイグザヴィア・ディーフレッパレーズ（Xavier Dphrepaulezz）は、2016年の（ファンタスティック・ネグリート名義での）デビュー作以降、3作続けてグラミー賞の最優秀コンテンポラリー・ブルーズ・アルバムを受賞。新作も非常に革新的な内容で、彼の評価はこれからさらに高まるはずだ。ファンク、ソウル、ブルーズ、カントリー、リズム＆ブルーズ、ポップ、サイケデリック・ロックと、様々な要素がユニークな混ざり加減を見せているこの新作は、テーマにも彼の独自性・創造性が色濃く反映されている。そこには過去と現在を繫ぐ物語があり、混沌としたこの2022年を生きる人々に力を与える強力なメッセージ性もある。どのようなところからこのアルバムの着想が浮かび、彼はそこで何を伝えようとしているのか。10月にはバンドでの来日も決まっている彼に話を聞いた。

──COVID-19のパンデミックによる自宅待機で時間に余裕ができ、インターネットでご自身の祖先について調べたことから、新作のテーマが生まれたそうですね。

私の7世代前の祖父はアフリカ系アメリカ人で、1750年代に奴隷として働いていた。一方、7世代前の祖母はスコットランド人で年季奉公人。そんなふたりが禁断の愛に落ちて、子供ができた。白人女性が黒人男性の子を産むなんて逮捕案件だった時代のことだ。当時の法律を思うと、死に追いやられたって不思議じゃない。けれどもふたりは非人道的なシステムに対して愛を貫き闘った。そういったことがわかってね。社会によって課された障壁をはねのけて愛を成就させるという意味では『ロミオとジュリエット』のようでもあるけど、黒人と白人、奴隷と年季奉公人という立場の違いを思うと、ふたりが愛を貫き、人間性を保てたのがいかに凄いことかわかる。偏見やシステムに屈しなかった彼らのパワフルさに驚いたのと同時に、2022年の混乱したこの社会で、我々だってまだやれる、立ちはだかる苦難に対して愛で闘い、前に進むことができると、私はそう思ったし、それをみんなに伝えたかったんだ。

──祖先の物語をノートに書き溜め、そこから歌詞を書いたあとでメロディやサウンドを考えて曲にしていったのですか？

曲によって作り方は様々で、決まった方程式があるわけじゃない。曲というのはオーガニックに出てくるべきだと思っているからね。例えば“Venomous Dogma”という曲は10分ぐらいでできた。スコットランドがルーツの白人とアフリカがルーツの奴隷が一緒になるという物語の時点でコントラストがあるわけだけど、それを表現するには音にもコントラストが重要だと考えたんだ。そう、大事なのはコントラストだと思ったんだよ。“Highest Bidder”はコンガによるプリミティブなリズムに、ピアノを重ねて作った。それも計算してそうしたというよりは、導かれるがままにそうなったという感じなんだ。

──サウンド面で特に意識したのは、どういったことですか？

ポール・マッカートニー（Paul McCartney）も時々使うヴァイオリン・ベースをかなり使っているのはひとつのポイントだな。それを使って曲の骨組みを作り、ギターのマサ小浜と鍵盤のLJホーロマン（Lionel Holoman）に送って、それぞれの音を入れてもらった。またムーグを大胆に使っているのも今作の特徴だ。コンテンポラリー・ブルーズの部門でグラミーを受賞しているアーティストがムーグを使うの？　って言われそうだけど、かまわない、使うんだよ。例えば“Venomous Dogma”ではウォームな雰囲気を出すためにムーグを使った。また“Nibbadip”では物語を膨らませる意味でムーグを使っている。それから今作では70年代のトランジスタオルガンを使ってもいるんだ。前作はハモンドB-3オルガンを使ったんだが、今作はラブストーリーの側面もあるので、あれだと重すぎる。もう少しスウィートな雰囲気を出したかったんだよ。

──そういったサウンドのこだわりがあってか、レトロな感覚とモダンな感覚がいい塩梅に混ざってますよね。それにテーマはシリアスだけど、曲調はバラエティに富んでいて、ヘヴィな曲もあるにはあるけど、おっしゃる通りスウィートなところもあるし、楽しい気分になれたりもする。全体的に重くなりすぎないよう意識したところもあるのでは？

そうだね。確かにこのアルバムはシリアスなテーマを扱ってはいるけど、気持ちを昂揚させるところがあるし、希望も大いにある。障壁はあるけど、それを超えていこうというものなんだ。さっきも言った通り、2022年の今、世界は酷く混乱していて生きていくのが困難でもあるけど、でも絶対に乗り越えられるってことを訴えたかったんだよ。

──さきほどコントラストが重要だとおっしゃって、プリミティブなリズムとモダンなサウンドの融合の話をされていました。曲調的にもルーツ的なものとモダンなもの、あるいは普通に考えたら相容れなさそうなジャンルの要素が1曲のなかで混ざったりしているわけですが、それもつまりコントラストということですよね。

うん。そうすることで独自性のあるユニークな曲になるわけだ。たまにクラシックなソウル・アルバムを作ってほしいみたいなことを言われることがあるんだけど、それは既に誰かがやっている。誰かがやっていることを自分がやっても面白くない。スタジオってのは本当にいい場所だなと私が思うのは、アイデアが浮かんだらすぐにそれを音にして鳴らせるからだ。録った音を入れ替えたり、廊下の向こう側にマイクを置いて録ったり、いろいろと実験できるし、それは自分を楽しい気分にさせる。とにかく誰もやってないようなことを私はやっていきたいんだよ。

──オープナーの“Venomous Dogma”を聴くだけでもそれがわかります。この曲は途中までドリーミーな雰囲気だったのが、突然ヘヴィなブルーズロックに切り替わる。YouTubeに公開されたヴィジュアル・アルバムでは、この曲の映像はその瞬間カラーからモノクロに切り替わりますね。そこにもコントラストの鮮やかさが表れています。

物語を伝えたかったんでね。冒頭で7世代前の祖母は美しい生活を送っていて、それをカラーで表現している。だが、7世代前の祖父がある日突然捕らえられ、鎖で繋がれた奴隷となり、ふたりの運命は変わっていく。それをモノクロ映像とヘヴィなブルーズで表現したわけだ。ストーリーの導入として、これは1曲目に相応しいと思った。またストーリー全体の青写真は予めできていて、場面転換をスムーズにするためにインタールード的な曲も入れたんだ。それがあることで、そこから何かが起こることを聴き手に予感させることができるわけさ。

──曲毎にあなたの歌唱方も変化していきますね。例えば“They Go Low”では心の底から切実にシャウトしていますが、ブルージーな締めの曲“Virginia Soul”ではソフトに歌っている。ヴォーカルにすごく幅があります。

自分のことを歌の上手いシンガーだとはまったく思ってなくて。どの教会にもひとりかふたりいる歌のヘタクソな子供、それが私だった。でも物語の核となる感情を伝えることはできるし、それが何より重要だと思っていて、今作ではこれまでで一番それができた。ダイナミックに歌う曲とソフトに歌う曲、そのメリハリもうまく出せたし、前作までとは全然違う歌唱レベルに到達できたという自負があるんだ。

──このアルバムの話から離れた質問もします。あなたは1990年代半ばにイグザヴィア名義でR&Bを歌っていました。またマサ小浜さんとのプロジェクト、チョコレート・バタフライではネオソウル～オルタナティブR&B寄りの曲を歌っていましたし、ファンタスティック・ネグリートではブルーズに寄りながらもそれに捉われない音楽を表現しています。時代によってそのように音楽性をどんどん変化させている印象がありますが、常に変わっていきたいという思いがあるのでしょうか。

初めのアルバムをR&Bと言われることがよくあるけど、そもそもあれにしたって普通のR&Bとはずいぶん違うものだったわけで。自分としては、何々シンガーと言われたくないんだよ。ひとつのジャンルの枠に収まりたくないんだ。あるがままに自分を表現していきたい。

──では、時々で表現の仕方が変化するけど、「ここだけは変わらない」というものがあるとすれば、それはなんですか?

「変化を恐れない」という気持ちだね。それだけはずっと持ち続けているし、これからも持ち続ける。自分はドラックをやらないし、精神異常でもない。だけど、「こうしろ」と誰かに言われたり、前と同じような音楽を作れと強制されたりしたら、私だってどうなるかわからない。アーティストにとって強制ほど辛いことはないんだ。強制はアーティストの心を蝕む。レコード会社とかから「こういうものを作りなさい」と言われて、その通りにしようなんて考えたら、どんどん辛くなり、なんのための表現なのかわからなくなる。そうやって自分を見失ってしまったミュージシャンはたくさんいたよね。まあ、そもそも私は強制されて何かをするなんてことがまったくできない人間なんだけど。ビジネスマンとしてそれでいいのかって話もあるが、とにかく私は既存の方法論にのっかって表現するなんてことができないんだよ。

──最後に10月の来日公演についての話を。これはバンドでの公演になるんですか?

ベースとドラムとキーボードと私の4ピース・バンドでやる。ベースとキーボードは今作のレコーディング・ミュージシャンとは違うけど、ドラムのジェイムズ・スモールだけはレコーディング・メンバーだ。ラウドなショーになると思うよ。6月にアメリカ、7月以降にヨーロッパと南米を回ったあとで行くので、バンドとして最高の状態で日本に行けるはずだ。楽しみにしていてもらいたい。（*このインタビュー後に、ギターのマサ小浜の出演も決定しました。乞うご期待！）

──ニュープロジェクト「VooCha」のデビューアルバムリリースおめでとうございます。まず、「VooCha」について教えてください。

私たちの活動に興味を持ってくれてありがとう。「VooCha」の名前には、ブードゥー教の魔術的な魅力とシャネルのグラマラスな魅力を掛け合わせる、という由来がある。

このニュープロジェクトは、コートジボワールのアビジャンでスタートしたの。「VooCha」では、Champy Kilo、Shaggy Sharoof、Bebi Philipなどのプロデューサーとコラボレーションして、チックス・オン・スピードのエレクトロ・ポップ・スタイルを、プロデューサーたちのビートに乗せて演奏してる。いまは、トルコ・イスタンブールのアルマゲドン・ターク（Armageddon Turk）とも一緒に仕事をしていて、定期的に作品に参加してくれるわ。

──プレスリリースには「Everything Changes, so we are not stuck, nothing changes unless we change it.（全ては変化する、だから私たちは止まらない。私たち自身が変わらない限り何も変わらない）」とありますが、どこからこのインスピレーションを得たのですか？

これはアンディ・ウォーホル（Andy Warhol）の言葉。私の息子Sidneyが本を読んでるとき、私はレコーディングしていて、毎日が同じように過ぎていくように感じていたの。すべてが変わるときは変わる。私は何かが起こるのを待ちながら、8ヶ月かけて曲を制作したわ。

あと、デヴィッド・ボウイ（David Bowie）の名曲“Changes”の「いつも時間が物事を変えると言うが、実際には自分で変えなければならないんだ」という言葉にも影響を受けたの。

──アルバム制作期間や制作した場所について教えてください。

何年も前からアルバム制作はスタートしていて、2015年頃からはブレイクビーツのサンプルを切り刻んだり、アタ・カク（Ata Kak）やパワーを感じられるエレクトロニック・ミュージックを聴いたりしていたわ。ビートがあり、空気の動きやベースが体に響くのを感じるのが好きなの。

制作場所に関しては、ケルンにある自分のアパートの部屋の上にもう一つ部屋を借りていた時期もあって、人を呼んでよくレコーディングをしていたわ。それができなくなってからは、携帯電話に接続するマイクを持って、レバノンのベイルート、ニューヨーク、オレゴン、カナダ国境近くのワシントン州などを旅しながら制作に没頭していたの。まさにモバイルスタジオって感じだった。私はドイツに拠点を置いてるから、いまはベルリンかハンブルクに戻って、次の作品に備えて準備をしているわ。

──“Bottom Bot”はムーディーで、ディスコフィーリングなトラック、“Wolfsong”はヴォーカルを多用されていますが、各トラックでジャンルの違いや特徴を意識して制作されましたのでしょうか？

今作の方向性は、各トラックでコラボレーションしているアーティストによって決まったわ。“Wolfsong”は、妹のYohanna Loganと一緒に制作したもので、彼女がこの詩を書いてくれた時はスタイリストとしても働いていたから、その影響もあるかもしれない。近いうちに彼女の音楽も発表されるので期待してほしいわ。

また、DJ兼サウンドアーティストとして知られるエリック・D・クラーク（Eric D. Clark）は“Bottom Bot”のリミックスで参加してくれた。このトラックは港を見下ろせる最上階の素晴らしいスタジオでレコーディングしたの。

──自身のレーベル〈UniCAT gUG〉について教えてください。

〈UniCAT gUG〉は、University of Craft Action Thoughtの略。スマート・コントラクトやDAOを活用して、Web3で機能する新しいタイプのレーベルを作りたかったの。また、パフォーマンスやワークショップのプロデュースなど、レーベルとして文化的な活動も行っているの。

──コロナ禍でのアルバム制作となりましたが、新たな発見やスタジオセッションの規制など、難しさはありましたか。

私はいくつかのスタジオでヴォーカルを録音したけど、コロナ禍で移動することが非常に難しかった。でも、社会的な活動ができずに孤立している状況だからこそ、作曲や新しいテクニックを学ぶのに適しているなと思ったの。私自身、クリエイティブな仕事に集中することが、このコロナ禍での不安な気持ちに対する最善の治療法であることを再確認したわ。

──ベルリンのコロナ禍での音楽シーンでは、どのようなことが起こっていますか。

今は、DJや音楽シーンで活躍していた人たちが、予防接種センターで働いていることが多いと聞いてる。時々、電車の中から屋外スペースで行われているパーティーを見ることはあるけど、夏になればまたパーティーが始まると思うわ。

──個人的な活動の中にBonn (ドイツ)で展覧会の開催とありますが、どのような事をしているのでしょう。また、その活動は音楽にも影響を与えていますか。

エキシビジョンに向けた作業と音楽の制作を同時に行っているの。パフォーマンスでは、心拍を汲み取って連動させるモジュラーシンセを使用し、そこで作った音をフィルターに通して、不協和音のような揺らぎのある音楽を作り出すの。普通に考えれば、こんな音を聞きたいとは思わないでしょ？

でも、私の音楽活動はファインアートの観点から行われていて、音楽マーケットに適合しないの。むしろ、自身の世界観を構築することに力を注いでいて、その過程の中で、映像、音、言葉を通して表現し、機械やインスタレーションを構築することが自然の流れと考えているの。

──ニューヨーク出身ということですが、ニューヨークでの活動はされていますか。

1年前はニューヨークにもいたの。友人のポール・ディー・ミラーことDJスプーキー（Paul D. MILLER aka DJ Spooky）にローリー・シュピーゲル（Laurie Spiegel）を紹介してもらい、今は彼女とコラボレーションしてる。彼女の作品には深く感銘を受けていて、電子音楽の初期の発明者を描いた2021年の映画『Sisters with Transistors』で彼女を見ることができるわ。

──複数の名義で活躍されていますが、各プロジェクトに共通したコンセプトはあるのですか。それとも全く別の意識で取り組んでいますか。

コラボレーションする相手が違うことがほとんどだから、もちろんコンセプトは異なるわ。いま私はハンブルグでInfinite Jestというグループとして活動もしていて、グループ名は私の大好きなデヴィッド・フォスター・ウォレス（David Wallace Foster）の本のタイトルから取った。この本からは憂鬱な気分が滲み出ていて、SNSによって引き起こされたうつ病が第二の流行病となっている現代では、彼の作品『Infinite Jest』が再び脚光を浴びるんじゃないかしら。

──自身の活動の中で、社会貢献を意識している活動があれば教えてください。

内部告発サイト「ウィキリークス」創設者のジュリアン・アサンジをはじめとするジャーナリストが不当に扱われていることにショックを受けているわ。私は彼を支援するために、他のアーティストと音楽をリリースしようとしてる。ジュリアンをロンドンの刑務所から釈放させようと活動している反体制的な中国人アーティスト、艾未未（アイ・ウェイウェイ｜Ai Weiwei）の活動に好感を持っていて、彼の活動が成功することを祈ってる。ぜひチェックしてみて！

──今後の予定を教えてください。

Captain Moustacheとのエレクトロポップ系の作品が、ミュンヘンのレーベル〈Permant Vacation〉から2月4日（金）にリリースされる。

4月23日（土）には、にブリュッセルでジュリアン・アサンジを支援するためのライブをチックス・オン・スピードで行うわ。チックス・オン・スピードの最新ビデオもチェックしてみて。

また、ケルン現代美術センターのテンポラリー・ギャラリーがプロデュースした私の音楽と映像のコラボレーション作品『Dance Party』が、カリフォルニアのRaleigh Studios Hollywoodで開催される＜Indie Short Fest＞で上映されることになったわ。大阪のEXCUBEギャラリースペースで展示も行うのでチェックしてね。