まずは、このプロジェクトで開発された「共演者」＝エージェントたちについて簡単に触れておこう。

3度のYCAM滞在のなかで、石若と研究開発チームのメンバーがアップデートを重ねてきたのが、打楽器を自動演奏するためのAI奏者「リズムAI」だ。これは、石若のプレイをセンシングして得たパターンやベロシティ（MIDI規格における音の強弱）の情報をAIにインプットし、信号に応じて打楽器をアタックする「ソレノイド」と連携させたものである。

そしてもうひとつ、このプロジェクトの初期から構想されていたのが六角形のオリジナルパーカッション「Pongo（ポンゴ）」である。回転式の箱のなかには玉と固定されたさまざまな打楽器が入っていて、回るとさながら福引の抽選器の要領で音が鳴る。回転の速度によって発音のパターンが変わるが、その速度も石若のインプロヴィゼーションのデータをもとに作り出した周期に従ってコントロールされている。つまり、Pongoが体現しているのは、石若のプレイにおけるテンポよりも大きな周期の波のようなものである。

2022年2月の滞在中に行われたデモンストレーションは、これらのエージェントを交互に用いて、以下の流れで披露された。

1.ソロ演奏 2.Pongoとの共演 3.リズムAIとの共演 4.リアルタイムの演奏から音響ファイルをトリガーする演奏 5.シンバルの共振音との共演 6.演奏からAIが生成したメロディやベースラインとの共演

1のソロ演奏の特徴が、以降のPongoなどのエージェントの演奏に影響を与える。字面だけではわかりにくいが、エージェントは、時にプレイスタイルの再現とも言える具体的なものから、シンバルの共振音にデータを集約させた抽象的なものまで、それぞれが異なる目的とアプローチを持ち、多角的に石若の即興演奏をアウトプットする試みになっている。

デモンストレーションが行われたYCAMのスタジオには、石若のドラムセットを中心にして円陣を組むように全ての装置がセッティングされていた。このセッティングに至るまで、石若とYCAMインターラボ（YCAMの内部に設置された研究開発チーム）との紆余曲折、試行錯誤が重ねられてきた。本公演ではさらなるアップデートがあるはずだ。

石若がこれらのエージェントを駆使して「自分と共演」したいと思った理由。それはテクノロジーを導入することへの好奇心などではなく、自らの表現力を高めるための方法を探る純粋な探究心からだった。

「新しい打楽器の表現やアプローチを考えていたなかで思いついたアイデアだったと思います。藝大時代に打楽器のために書かれた現代音楽の曲をいろいろと演奏しましたが、それらはありとあらゆる身体的に可能な奏法を駆使したものだったりするんですね。現代音楽に限らずドラムソロの演奏は、あらゆるバックグラウンドのドラマーたちがあらゆる奏法をこれまでに試してきたわけです。今すでにあるそうした奏法のその先の“響き”ってなんだろう、というようなことを考えていたときに今回のプロジェクトの構想がはじまりました。

例えば、今回着目したことのひとつが、持続音です。ドラムで持続音を作ろうと思うと音の粒を細かく重ねて（ドラムロールを叩く仕草）ザーッと聞こえるようにしたりするわけですが、それをするために両手が塞がってしまうので他の音が出せないんです。

今回のシンバルを共振させる装置は、僕のドラムソロのデータを元にして音を鳴らすので、持続音を鳴らす外部の自分との共演を可能にしたものと言えます。

ドラムソロのデータをデジタル音に変換すればそれでも持続音は生成できると思うのですが、それはしたくありません。同じ音でも、どんな鳴らし方をしているか、どういう叩き方をすれば自分のイメージ通りのひびきになるか、という空気の振動のさせ方そのものが僕の表現の八割を占めていると思っているので。

Pongoも、ある速度までは中に入っている玉がガラガラコロコロと音を立てますが、さらに速度が上がっていくと遠心力がはたらいて、玉が側面に張り付いて音が鳴らなくなる。そうなると、今度はその回転音だけをマイクが拾うことになって、一種の持続音が鳴る。

そういう演奏と共演してみたら、自分のプレイにどんな変化が起こるのかを試してみたかったんです」

フリーインプロビゼーションの演奏においては、韻律を作り出すようなビートは排除される場合が多く、通常ではリズムキープをして曲を支えることが仕事のドラマーも全く異なるプレイスタイルでアプローチをすることになる。そうした、規則性がほとんどない音楽とパターンを学習して精度を上げるAIとの相性は、効率的にAIの精度をあげていくという観点からすると良いとは言えないはずだ。

つまり、このプロジェクトの目的は「AI石若駿」を高精度に仕上げたり、プレイをデジタル化して自動生成するようなことではなく、「自分の意思」と呼べそうなデータによって鳴らされた音とセッションすることで、石若自身が新しい発見をすることにある。

石若いわく、エージェントやPongoが鳴らす音のなかに、「未知の自分」を発見する楽しみを見出しているという。

「新宿ピットイン（ジャズライブハウス）でエージェントを使ったライブをしたとき、サウンドチェック中に彼らをずっと鳴らして客席で聞いてたんです。ところどころで（自分のプレイに）似てるなって思う瞬間が結構あって。ベロシティ感とかフレーズのアクセントのつけ方に『良いな』って思えた。システム的には自動演奏なわけですけど、自動演奏みたいに退屈じゃない。良いと感じるなにかがちゃんとあると思える。

フィジカルな音の特徴じゃなくて、自分がどんな風に音を配置しているかということがデータ上では表現されているわけですが、それをもとに演奏するエージェントと自分との間に繋がりを見出したい。AIと演奏のなかで『今同じこと考えてた？』って思う瞬間があると、自分の即興演奏の作り方とはなんぞや、ということを探る上での手がかりになるんですね」

YCAMは、アーティストとの共同制作プロジェクトを行う上で、一度の長期滞在ではなく短期滞在を繰り返すことを重視している。滞在と滞在の間の期間を、実験で得たものの整理と更新の時間にあてることで、次のステップに繋げていく。

今回の石若のプロジェクトも、一度目の滞在からあらゆる面でアップデートが繰り返された。YCAMの研究開発チームがもっとも神経を注いだことの一つが、AIの信号を受けて楽器を叩く「ソレノイド」だ。

これは、YCAMが2019年に行ったスペインのフラメンコダンサーのイスラエル・ガルバンとのプロジェクトで、彼のステップ音を再現する装置としても使われたものだった。当初は同じ機構のソレノイドを石若のエージェントにも使ってみたが、ダンサーのステップと打楽器奏者のアタックとでは、音の強弱や長短の解像度に大きな違いがあることを痛感。研究開発チームのメンバーたちは、繊細な出音の再現のために試行錯誤を重ねたという。テストをしたその場で技術的な修正を行うことができるYCAMの環境は、アーティストのインスピレーションを技術面で支える理想的な体制と言える。

装置の細かな改造から、エージェントの位置や間隔の調整など、さまざまなアップデートを重ねていくうちに、石若は彼らとのコミュニケーションの取り方のコツを掴んでいったという。デモンストレーションでの演奏では、石若が一歩引いたところからAIのプレイを引き立てるような瞬間もあった。対人の場合と対AIとのセッションでは、なにか感覚に違いがあるのだろうか。

「AIがなにをやろうとしているのかな、ということを聞くためにすごく集中して耳を使っています。だけど、それは人と演奏するときでも同じかもしれない。特に打楽器同士のセッションでは、相手が今なにを考えているのか、なにをしたいのか、次にどう行きたいのか、ということを想像しながら演奏します。相手と一緒に音楽を作るということが、自分が大事にしていることですね。バトルみたいなことではなく、僕じゃないところから発生したアイディアを拾って、どう発展させていくか。くっつき過ぎたらわざと離れて、離れすぎたら近づいて。そういうことの重なりで発展させていく。AIとのセッションでも、それは変わらないですね。

自分のプレイに対してAIが返してきたフレーズに気持ちよさを感じることもありますよ。ああ、なるほどね！　ってなることもあれば、なにそれ？　っていう返しもくる。いずれにしてもAIなりの根拠があって出している音だから、出てきたフレーズに耳をすまして返していくのが楽しいですね。プロジェクトが始まった当初は、ソレノイドに演奏パターンのMIDIデータだけ出力していて、アーティキュレーション（音と音のつなぎ方や切り方でフレーズに表情を付けること）は全然反映されない状態だったので、かなりアブストラクトというか『ドンガラガッシャーン！』みたいな音を出してきて、全然一緒にやってる感じにならなかった。今は開発チームのみなさんの努力のおかげで豊かにセッションを楽しめています」

音楽とAIの未来を描くとき、例えば生身の人間に機械が成り代わるような方向の話もあるが、そういったシンギュラリティの文脈よりも、アーティストが自らのアイデンティティを俯瞰しさらに掘り下げていく協力者としてのAIにYCAMは可能性を感じているという。

つまり、プログラムしたことを単に完遂するツールとしてのAIではなく、そこから未知の何かが生み出される人間とは異なる知性としてのAIとのコラボレーションだと彼らは言う。そこにこそお互いの進化に影響しあう創造的な関係のヒントがあるのかもしれない。

石若がAIとのセッションに楽しみや発見を見出すことができたのも、そこに生き生きとした知性の存在を感じたからだろう。

「機械に意思が宿っているかどうかは、究極は人間のドリーミーな話の想像なのかなとも思うのですが僕が即興演奏しているときは、相手のフレーズに反応しているというよりはその先にどんな意思があるかを感じて叩いている。

今後、AIが物理的な音の部分だけじゃなくて、出す音の意味合いみたいなところまで裏付けてくれたら、さらに良き共演者になってくれるんじゃないかと思います。もしそれが実現したら、打楽器の表現の発展にもつながるだろうし、即興演奏をしている人にとっても自分のプレイをより深く解釈できるようになる。そして、それによって新しいスタイルの作品が生まれるんじゃないかな」

「良い演奏とは何か」という疑問を掘り下げる手段としてのテクノロジー。石若の探究心が切り開く新たな地平に期待したい。

6月4、5日の公演終了後も、インスタレーション「Echoes for unknown egos with cymbals」は6月12日（日）まで開催されているので、ぜひ足を運んでみてほしい。

石若駿 1992年北海道生まれ。東京藝術大学音楽学部附属音楽高等学校打楽器専攻を経て、同大学を卒業。卒業時にアカンサス音楽賞、同声会賞を受賞。 リーダープロジェクトとして、 Answer to Remember,SMTK,Songbook Trioを率いる傍ら、くるり、CRCK/LCKS、Kid Fresino、君島大空、Millennium Paradeなど数多くのライブ、作品に参加。 近年の活動として、山口情報芸術センター［YCAM］にて、音と響きによって記憶を喚起させることをテーマに、細井美裕+石若駿+YCAM新作コンサートピース「Sound Mine」を発表。アッセンブリッジ・ナゴヤにて、旧・名古屋税関港寮全体をステージとした回遊型パフォーマンス「石若駿×浅井信好ライブセッション」を行う。 山本製作所100周年記念モデル「OU-オウ」のPV、 フィガロジャポン新連載 山田智和監督「虹の刻 第15章」のオンラインスペシャルムービー、 ドキュメンタリー映画『建築と時間と妹島和世（監督・撮影　ホンマタカシ）』、NHKオーディオドラマ『屋上の侵入者』の音楽や、 LOEWE 2021年秋冬プレコレクション　キャンペーンムービー『LOEWE FW21 | 「幸せ」の探索』。(ナカジマユウ監督)』、 NIKE『Jordan - Tokyo Fearless Ones(山田智和監督)』ショートムービーの音楽を手掛ける他、映画『恋する寄生虫』、アプリ『RoadMovie+』へ楽曲提供をするなど、 活動は多岐に渡る。NHK 土曜ドラマ「エンディングカット」の音楽を小田朋美氏共作で担当。 海外アーティストとの共演も多く、これまでに、 Kurt Rosenwinkel、Jason Moran、Federico Casagrande、Tony Allen、James Francies、John Scofeild、Taylor McFerrin、Peter Evans、Fabian Almazan、Linda Oh、Richard Spaven、Corey Kingの来日公演に参加。

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──まず小橋さんに伺いたいのですが「ART BASE ZERO」を発足された理由と、派生としてのこの「ART BASE ZERO next」の関連性を教えてください。

小橋賢児（以下、小橋）　もともと別にアートギャラリーとかアート業界に入っていきたいという思いがあったわけではないんです。しかし、自分が手掛けているプロジェクトで、例えばマーチャンダイズでデザインを頼んだアーティストが、翌年、世界的な美術家になったりしている状況を見たりしている中で、自分も結構アートに影響されていたり、周りにアーティストがいたりしていることに気づきました。

しかも既存のアート業界の文脈からきている人だけじゃなく、例えばストリートやファションからアーティストになっている人もいる。歴史からアートを掘って、「アートってなんのためにあるの？」って言ったら、自分自身が対峙して何かに気付いていくことだなと。じゃあ、別に絵画だけがアートじゃないなって。

それこそ自分がやっているエンターテインメントも含めて、100年後、200年後、何百年後には「これがアートだ」って言われる可能性もあるわけで。自分自身がそうやって動いていくと、アートって言われる垣根は業界には一見あるんですけど、でも実は垣根ってないなと思ったんです。

──なるほど。小橋さんの中でアートが再定義されたと。

小橋　アートって美術家だけがやるものじゃなくて、食もそうだし、働くこともアートだし、“人生のアート”みたいなものを、自分なりの視点で紹介していきたい。僕はエンターテインメントを主にやってますけど、エンターテインメントは翻訳言語だと思ってるんです。その翻訳言語の中で違うジャンルから違うジャンルの人たちに伝わるような橋渡しをできるような役目を、それをゼロ地点として捉えて“BASE ZERO”みたいな。

そこにアートをかけて「ART BASE ZERO」を立ち上げたという経緯ですね。それを今年の10月に発足しました。そのときは１年ぐらいかけてアーティストを自分なりの視点でプロデュースしながら、展示を作っていったんですけど、アート業界に入りながらやってくと、いろいろな見えない分断というか、決まりごとみたいなのがあって。でも、時代ってカウンターカルチャーという全然違うところからやってくる。それを常に繰り返しているなと感じたんです。

いきなり真正面から「これがアートです」っていうと、歴史的に振り返っても批判の的になるみたいな。それこそアンディ・ウォーホル（Andy Warhol）でさえも抽象画が中心だった時代に大量生産っていう、社会をそのまま切り取ってそれをアートにしたわけで、当時は相当批判されたわけですよ。でも、批判を買ってでも世に出れる人ってよっぽどの人で、誰もがそうじゃないと思う。そういう中で、世に出れない人たちや、逆に既存のマーケットに合わせて、自分のアイデンティティを社会に合わせてしまうアーティストも少なくはないと思うんですね。そうするとやっぱり新しい才能とか新しい価値とか、新しい気付きは生まれていかない。

そういうものってどこから生まれるかというと、ファッションも偉大な革命家もストリートだなと。ストリートってほんとにフラットで、地方から来た人もお金のある人もない人も、ストリートの中で出会って、次の時代のカルチャーが生まれていくと思って。そんなネクストを自分たちなりの視点で紹介できるという点で、「ART BASE ZERO next」を作ったんです。

──そこで今回はCHRISさんという存在に出会ったんですね。

小橋　まさにCHRISさんっていうのはいわゆる美大を出て美術館出身っていうアートとは違う──僕も通って来た道なんですけど、90年代のカルチャー、ここから生まれた文化ってめちゃくちゃあると思っています。A BATHING APE®のNIGOさんとかUNDER COVERのジョニオ（高橋盾）さんや藤原ヒロシさんとか、世界に羽ばたくカルチャーがいっぱいあって。で、ファッションの意味ではそうだったんだけど、アートっていう意味でいうと海外ではKAWSとかも出てきてたりするんですけど、まさにあの時代にNIGOさんと一緒にいて。でも、日本からはまだアートという文脈ではそこまで世に出てきていなかった。

ただ、最近ではグラフィックアーティストから、現代アーティストとして活動しているVERDYさんとかMADSAKIさんもいて。ちょうど彼らとはまだ世界に行く前に仕事してたんですね。CHRISさんに出会った２〜３年前から今も含めてなんですけど、そういう匂いというか、「ああ、こういうとこから世界に羽ばたく人、また出てきそうだな」と思っていたんです。で、CHRISさんのお話と、制作過程も訊きながら、この深さって既存の現代美術の人たちは気付いてないけど、ここからすごいうねりになるんじゃないか？　ということを感じて一緒にやらせていただくことになりました。

──ちなみにこの場所にスペースを作られた理由は？

小橋　元々、ここのスペース（Hi-NODE）全体をアドバイザーとして作ってたんですけど、乗船場ってただ待つだけになっちゃうのはもったいないと。人々がここで待って旅立って、いろんな人の人生の交差点になる。これ、お客さんにとってだけじゃなくてアーティストにとっても交差点になるべきなんじゃないかなと思って。ここに来る人、ここから出る人がここで展示する人のクリエイティビティに出会えたらいいなと思って。船を待っている間に景色だけじゃなくて、ここの空間の景色も変わっていったらいいなと思って、スペースを作った後から提案させていただいたんです。

──CHRISさんはこの場所をテーマとして、そこから作品のコンセプトをどう組み立てていったんですか？

CHRIS　ここを見に来たときに、待合室で船を待っていると自然とカップルたちがここで待っててっていう妄想が僕の中で始まりました。Hi-STANDARDが好きで「Hi NODE」の「Hi」って書き方が非常に似ていて（笑）。自然と曲が頭の中で流れながら、ここにいるカップルがいちゃいちゃしながらも、痴話喧嘩が始まり……みたいな妄想が膨らんでいったんです。そこで、これは愛しかないなと思いました。なので、船着き場っていうところが自然とそういうストーリー性を感じさせてくれたというか、そういうところからコンセプトが始まっていきました。

──面白いですね。時間があったらあったで揉めそう、みたいな。

CHRIS　いつの時代もカップルってめんどくさいな、というか（笑）。男女問題って一生解決しないだろうなと思いながら、もう妄想が止まらなかったですね。

──そこでハイスタの“Love is a Battlefield”が脳内再生されたと。

CHRIS　もともと大好きな曲なので、繋がってきました。

──今回の作品のポイントとしては？

CHRIS　大きい2つの作品とあと4つの作品があるのですが、作品のポイントとしては全ての作品の背景がこの船着場なんですね。そこで、ここにいるカップルたちでストーリーを組み立てました。なんかイチャイチャしてる人もいれば、大喜びしていたり、口説いていたり、さまざまな場面を想像しました。やはりここにもHi-STANDARDの“Love is a Battlefield”が収録されている4曲入りのミニアルバムそれぞれの楽曲の、場面を描いてみました。

──ハイスタを少しでも知っている人には分かりますね（笑）。

CHRIS　そうですね（笑）。僕は比較的90年代のファッション雑誌なんかを蒐集していて、アーカイブをたくさん持っているのですが、今回は、雑誌ではなく、”LOVE”という文字が書かれている辞書のページに色を着剤し、貼って破いて、自分なりの愛、を表現しました。変なことで拗れたり、好きなのに喧嘩になってしまうことも含めて全て愛だなと。愛を語りたくてこういう方法を取りました。

──この特徴的なデコラージュという手法がしっくりきたのはどんな経緯だったんですか？

CHRIS　アーティストと名乗りだして10年経ちますが、最初は油絵などを描ていましたが、アパレルからアーティストに転向して早いうちから注目してもらえる機会があって、「あ、俺はいけるな」なんてだいぶ天狗になったのが僕のスタート地点で、天狗になったままアメリカに家族ごと移住して。カリフォルニアに400軒ぐらいギャラリーがあって、自分に合いそうなギャラリーに片っ端から会いに行ったけど、どこにも受け入れてもらえず。伸び切った鼻がポキっと折れて、半年ぐらい絵が描けなくなってしまったんですね。

そのときに向こうのフリーマーケットで、70年代、80年代ぐらいのアメコミを見つけて、「あ、かっこいいな」と。なんか油絵じゃなくて、違うこともやってみようかなと。ずっと空白のキャンバスが何個か置いてあったんですけど、そこに紙をペタペタ貼ったりしてたんですね。で、絵が描けないストレスをぶつけたくて、ちょうどめくれかけてる紙をビリっと破いたらその破れ目がすごくかっこよく見えて。よく考えたら、ビンテージブームのような古着が流行った時代があって、ジーパンのヒゲや、味がすごく好きだったので、絵画的な道ではなく、素直に自分が通ってきたストリートで経験したカルチャーを作品に入れてったらいいんじゃないかなって。その破れ目を見て感じて、じゃあやってみようと始めたのがデコラージュのきっかけですね。

──自分が知ってる90年代のファッションに感じた何かと通じていたと。

CHRIS　迷ってたときには僕の場合、90年代に立ち返って、小橋さんがおっしゃっていたようなNIGOさんとかジョニオさんとか、皆さんがどうやってやってたのかなというのは思って作ったりはしますね。

──当時のストリートファッション、いわゆる裏原的なものからどんな影響を？

CHRIS　裏原からの影響はほんとに大きくて、僕の半分以上が裏原でできているんじゃないかと思うぐらい影響はたくさんあるので悩んじゃいますけど、でも一番は自信をもたせてくれたというか、裏原が僕のアイデンティティなんですよね。というのも、日本社会にいると人と顔が違うんで、入学式とか大嫌いだったんですよ。指をさされて「あ、外人がいる！」って言われてもその場を笑って繕わなくちゃいけないんですよ。

「俺、日本語喋れるよ」みたいなことが嫌で嫌で。外人って呼ばれることがコンプレックスだったんですが、裏原宿のファッションを着ると、僕の顔じゃなくて「あ、APE着てる」とか、その感覚が僕にとってはスーパーマンに変身するような感覚に近くて。ようやくそのコミュニティの人に受け入れてもらえる。だからある意味、僕にとっては裏原宿のカルチャーが僕を救ってくれたり、アイデンティティを作ってくれました。アーティストをやるときって、いろいろ取り繕ったり、かっこつけたようなものを作ろうとしたこともあったんですけど、最終的には自分がどういう人か考えたとき、素直に僕の半分以上は裏原宿からできてる、なんかそういう要素が作品にも出てきました。

──人と接する時のツールでもあるし、共通言語ができたんですね。

CHRIS　そうですね。それもあり、小橋さんも同じようなカルチャーの先輩として通ってこられたので、おそらく、タイミングや波長が合い、自然とこういう展示に繋がって行ったのかなと思います。

小橋　裏原の人たちは貪欲に──これは日本の良さだと思うんですけど、それがヨーロッパとかアメリカっていうボーダーがなくて。それこそヒロシさんなんかも、最初に＜LONDON NITE＞で優勝して、その賞金でロンドンに行って、当時のSeditionaries、マルコム・マクラーレン（Malcolm McLaren）とかあのへんのパンクの文脈を学び、帰りにニューヨークでヒップホップを学び、両方持ってきてDJやって、Seditionariesにアディダス合わせちゃうみたいな。そして、それを見たNIGOさんが衝撃受けて。世界の人たちから見て、そういうミックスしちゃうところ、調和しちゃうところが日本人の特性だと思うんですよね。裏原という場所にはそんなあらゆる人たちが集まって、「でも、俺が好きだからいいじゃん」っていうミックスが深く掘られたんだと思いますね。

──今回、作品と同じ絵がプリントされたフーディとTシャツを限定で出されるそうですが、アパレルとして出す理由は？

CHRIS　ふだん複製画を作るときって紙にシルクスクリーン刷り、エディションも100分の1ぐらいでやることが多いのですが、僕はずっと複製画はやってきてないんです。毎回、エディションナンバーとサインを手描きして、これ自体を作品、複製画として出してるんですね。結構、みんなシルクとかを買っても投資目的や、買ってもダンボールに入って暗いところに保管されて終わっちゃうことが多いみたいで、僕としてはどんどん着てもらい、ストリートに出ていって、ストリートをギャラリーとして捉えた方が面白いなと思っています。

──アートをストリートに持ち出すということですね。最後に「Hi-NODE」ではいまアプローチされていることを広げていくのか、このサイズ感でやっていくのか、この先どう考えてらっしゃいますか？

小橋　僕はあまり「アート」「アーティスト」というところに限らず、「これもアートでいいじゃん」「人に気づきを与えるものがアートじゃん」ということを独自の切り口でできればいいと思っていて。狙うのではなくて、こういうことをやっていくうちに偶発的にぜんぜん違う角度の人が拾っていく、ような出会いの方が面白いなと。僕のフィルターを通していままで関わってなかった、もしくは全然アートの文脈でなかった人が出会っていくということを実現していきたいなと思っています。