26日（土）GAN-BAN SQUAREにはAAAMYYYが登場。Tempalayのメンバーとしても知られる彼女は、DJセットでオーディエンスをリラックスさせつつ、緩やかに熱を高めていった。観客はフジロックの夜の空気に包まれながら身体を揺らし、それぞれのスタイルで彼女の選曲を楽しんでいた。

Tempalayとしての活動やソロライブを精力的に行いながら、2児の母として日々を過ごすシンガーソングライター／トラックメイカーのAAAMYYY。最新作『THANKS EP』は、妊娠・出産を経た彼女のリアルな日常と、その中で見つめ直した“創作”と“人とのつながり”が、全編を通して反映された作品だ。

子育てによる時間的制約、心身の変化、家族や周囲への感謝の気持ち──そうした感情を抱えながら、時には寺にこもって制作に向き合った経緯や、chelmicoや鎮座DOPENESSとの共作エピソード、パートナーに向けた楽曲「救世主」に込めた想いまで、本作にまつわるさまざまな背景を語ってくれた。

──今回の作品『THANKS EP』には、妊娠・出産の影響が色濃く表れています。まずは、ここ最近の心境や近況、この作品が生まれるまでの流れについて教えていただけますか？

AAAMYYY：昨年はTempalayの活動も多かったですし、自分のライブもあって、かなりライブ中心の1年でした。その合間での制作だったのですが、長女の保育園のお迎えがあったり、土日は預けられなかったり、なかなか制作に集中できる時間が取れなくて。ゼロからトラックを作るには、やはり“余白”の時間が必要でした。一人でぶらぶら歩いたり、ぼーっとしたり、ゆっくり休んだり。そういう“何もしない時間”が、実はすごく大切なんだなと改めて感じましたね。

しかも子育ては、毎日ずっと続いていくものじゃないですか。この先どうやって制作と折り合いをつけるかを家族と相談していたのですが、7月にビルボード大阪でライブがあった際、「そのまま関西に滞在しちゃえば？」と提案してもらったんです。それで、大阪在住のバンドTAMIWのメンバーが持っているお寺のスタジオに1週間こもらせてもらいました。その間、子どもは家族にお願いして、いろんな曲の原型を作ることができたんですよね。他のアーティストに提供した楽曲もいくつか生まれたし、自分でも驚くくらい久しぶりに「たくさん作れた！」と思えました。

──今回のEPは、コラボレーションの多さも印象的でした。“一人で作るのではなく、いろんな人の力を借りて作る”ことが、一つのテーマだったのかなと感じたのですが。

AAAMYYY：最初は単純に時間が足りなくて、人の力を借りざるを得なかったんですけど、そこから“全部を自分で抱え込まない”というスタイルが自然とできていって。結果的に、それが作品全体のテーマにもつながった気がします。

──歌詞にも、感謝や愛があふれている印象を受けました。それと同時に“変化”や“成長”、さらには“人生の旅”や“終わり”といった視点も感じられて。そのあたりは、お子さんを育てる中で芽生えた感覚だったのでしょうか？

AAAMYYY：それはすごくありますね。特に「拝啓生きとし愛おしきあなた」は、その気持ちが色濃く出ている曲です。たしか書き始めたのは、第一子が生まれて1年か1年半くらい経った頃。初めての出産で右も左も分からず、目の前の状況をどうにか乗り越えるような毎日で。睡眠不足もすごかったし、“この子の命を守らなきゃ”という感覚が常にあって。

自分がちゃんと見ていないと、生きていけない存在がそばにいる。その事実が、ものすごく重くて……。栄養や睡眠環境にも神経質になっていたし、悪夢もよく見ていました。そういった心の状態が、そのまま曲に出ていると思います。

──〈いつかは必ず来るさよならの時はできるなら／ありがと愛してるって笑ってたいからさ〉という一節が印象的でした。育児や日々の忙しさの中でも、人の死や人生の終わりに思いを馳せるような感覚が込められている気がします。

AAAMYYY：もちろん、今一緒に生きている子どもへの思いが一番にあります。でも同時に、これまでの時間がどんどん遠ざかっていくような感覚もあって。

──というと？

AAAMYYY：たとえば、以前は気軽に行けていた飲み会も、今はそう簡単には行けない。昔は（小原）綾斗たちと朝までどうでもいい話をして笑い合っていたけど、その時間があまりにも当たり前すぎて、「今日は行かなくてもいいか」なんて思えていたんですよね。

でも出産して育児が始まってから、ふと「ああ、またああいう時間を過ごしたいな」と思うようになりました。思い出がじわじわとよみがえるというか、「あの瞬間、すごく楽しかったな」「またみんなに会いたいな」って、気持ちの向け方が少しずつ変わってきた気がします。

──第一子と第二子で、気持ちの違いもあったのでしょうか？

AAAMYYY：まず、心の余裕がまったく違いました。1人目のときは“理想の母親像”みたいなものを自分の中に抱えていて、それに近づこうと必死で頑張っていたんです。

でも、思った通りには全然いかなくて。産後って記憶力や集中力が落ちたりすることがあるんですよ。私も実際に忘れっぽくなったりして、「なんでこんなにできないんだろう？」って自分でも信じられない状態が続いて……。

──それが産後うつを引き起こすこともあると聞きました。

AAAMYYY：まさにそうです。パートナーに強く当たってしまうようなこともありましたね。「私ばっかりやってるのに、なんであなたは？」みたいに、つい比べてしまう。その差を埋めようと無理に“対等でいよう”として、でもそれってすごく不自然なバランスじゃないですか。結果的に、相手を責めるような言い方にもなってしまうし、攻撃することで自分の“正しさ”を確認しようするのは、自分を守るための本能みたいなものだったのかなと。

──子育てをされている人たちで、AAAMYYYさんのお話に共感する人はきっと多いと思います。

AAAMYYY：あと、当時の自分は“社会的な正解”みたいなものにすごく囚われていた気がしますね。さっきも言ったように、いわゆる“古き良き母親像”、。“こうあるべき”という価値観を無意識に引きずっていたんですよ。今はもうまったくそう思わないですけど。

もちろん、理想を持つこと自体は悪いことじゃないと思います。大事なのは、自分が苦しくなるような“正しさ”からは、ちゃんと距離を取っていいんだということですね。

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──子育てを通して、他に何か気づいたことはありますか？

AAAMYYY：“人に頼ること”が自然とできるようになったことです。もちろん、ご迷惑をかけている面もあるとは思います。が、まわりの方が本当に優しく受け止めてくださっていて。ありがとうって思う瞬間が、毎日の中にたくさんあるんです。日々、感謝の連続というか。

──その感覚は、「リラックス」の歌詞にも表れていますよね。〈なんといってもこればっかりは／お陰様お互い様〉とか。

AAAMYYY：あれは鎮座DOPENESSさんが考えてくれたリリックなんですけど、本当に象徴的だなと思いました。言葉にしなくても、こっちの大変さをちゃんと汲んでくれていて、さりげなく寄り添ってくれるような。鎮座さんならではの優しさが詰まっていて、リリックを読んだとき本当に感動しましたね。

──先ほど、お寺にこもっていた時期の話をしてくれましたが、お子さんが2人になって、日々の生活の中で制作時間を作るのも大変ではないですか？

AAAMYYY：ほんとにそうですね。今回のEPのリリックがしっかり書けたのも、お寺合宿とは別に、実はお正月の5日間だけもらえた“ひとり時間”があったからなんです。12月末から年始にかけて、家族や周りの人にお願いして子どもを見てもらって、その間は家でのんびり過ごしてました。銭湯に行ったり、サウナに入ったり、サウナのテレビで箱根駅伝を観たり（笑）。「HAPPY」のリリックも、実はそのお正月のタイミングで浮かんだんですよ。実家に子どもを預けて草津温泉に1人で行って、雪景色を見ながら温泉に入ってたら、「あ〜最高！」って、やっと力が抜けて。その瞬間にリリックがどんどん湧いてきて。

世の中って「どれだけ頑張ったか？」が評価されがちだけど、「ちゃんと休むこと」「自分を緩めること」も同じくらい大事なんだなって、そのとき強く感じました。まわりを見ていても、そういうのはわかってるのに、忙しさに流されて自分を追い込んでしまう人が多いなと感じます。頑張りすぎてうつになってしまったり、自分を責めたり……。そんな人たちに向けて、「セルフケアしていいんだよ」「自分を大事にしていいんだよ」「あなたは幸せになるに値するよ」という気持ちを込めたのが「HAPPY」のリリックです。

──この曲はchelmicoさんの普段の楽曲とはまた違ったテイストで、とても新鮮でした。お二人の新しい一面も引き出されていて、異色だけど印象的な1曲だと感じました。AAAMYYYさんご自身の楽曲としても、これまでにない浮遊感や明るさがあったように思います。

AAAMYYY：この曲のトラックは、お寺での合宿の時に作りました。これまでの自分の曲は、どちらかというと暗めで単調なものが多かったので、「もっとアゲアゲな曲もあっていいよね」という気持ちがあって。そこにさらに“陽”の要素を加えてくれる存在として、「これはchelmicoしかいない！」と思ってオファーしました。

私、彼女たちの曲がすごく好きなんですけど、今回はいつもの雰囲気とは違うこともやってみたくて。たとえばメロディを一緒に歌ってもらったりして、ふだんとは少し違うアプローチで、彼女たちの“今までにない魅力“を引き出せたらいいなという、ちょっとした下心もありましたね。

──「救世主」も、メッセージ性の強い、とても印象的な曲でした。

AAAMYYY：これは、完全にパートナーに向けて書いた曲です。さっきも話したように、私は当時“社会的な正解”を信じていて、それと“自分にできる現実”とのギャップを受け入れるのに結構時間がかかりました。もしかしたら、最初に産後うつっぽくなってしまったのも、それが大きかったのかもしれません。

そんな私に対して、パートナーもその家族も、本当に誠実かつ思いやりを持って接してくれました。自分の家族以外で、あんなふうに自然に優しく受け入れてくれる人たちに出会ったのは初めてでした。だから、「救世主」だなって思ったんです。

さっきも言ったように、昔の私は社会に絶望してるような暗い曲ばかり書く人間だったんですけど、彼らとなら自分も楽しく生きていけるかも、と思えるようになった。この曲は、そんな彼らへの感謝と、そうした気づきを込めた1曲です。

──トラックはMONJOEさんとの共作ですか？

AAAMYYY：今回は、MONJOEくんにほぼ丸投げでした。一応「こんな感じで」とリファレンスを渡していて、それはNewJeansだったんですよ。とにかくこの時はポップな曲が作りたくて。

彼は今すごくアクティブで、自費で韓国のソングライティング・キャンプに毎週のように参加しているくらい、制作が楽しくて仕方ないみたいなんですよ。私のソロライブでもDJをしてくれているので、音楽性や好みもよくわかってくれていて。「こういう感じで」と伝えたら、すぐにこのトラックが返ってきました。

──「そのまさか」では、冒頭にソーシャルメディアの話が出てきますよね。以前のインタビューでも、Xなどから距離を取っているとおっしゃっていましたが、最近はSNSとの向き合い方に変化はありましたか？

AAMYYY：私はもう、自己顕示欲がほとんどなくなっちゃって。“着飾る”とか“盛る”みたいな感覚が、自分の中からすっかり消えたんです。多分それは、“自然体でいる”ことに対して、今の自分がすごく肯定的になれているから。Xを辞められたことが、大きなきっかけだったと思います。今はInstagramも、上げたいときに上げるくらいの距離感。ビジネス的にはダメかもしれないけど、私にとってはすごく健やかなバランスなんですよね。

──この曲の〈はたから見たら外れた世界だが／誰も見れない景色が俺たちを待ってると／信じながらもまぁ気楽にいこうZ〉という一節が印象的でした。

AAMYYY：ミュージシャンって、ある意味水仕事だなって思っていて。Pecoriもちょうどこの間Number_iの「BON」って曲にラップ提供で参加して、それがすごく跳ねたんです。彼にとっても、大きな手応えだったんじゃないかな。ODD Foot Worksでずっと活動してきて、急にアリーナクラスのアーティストの曲に関わることになって。桁違いの規模を目の当たりにして、「ああ、音楽って本当にギャンブルなんだな」って。だから、あの歌詞にもそんな実感が滲んでいるのだと思います。

──Pecoriさんのリアルな感覚が反映されていたのですね。

AAAMYYY：音楽をやってる人って、極端な話、音楽しかできない人が多いと思うんですよ。私もそうで、音楽以外のことを人並みに器用にできない。でもなんとかこの世界でやってきていて、でも外から見たら“売れてないミュージシャン”もしくは真逆で“有名人”って思われがちだったりして。

──誰かに「音楽をやっている」と話すと、「食べていけてるの？」と聞かれることが多いという話はよく聞きます。

AAMYYY：そうそう。この間Tempalayが武道館をやった時も、今まで音楽にまったく興味がなかった親戚のおじさんが「武道館！？」って急に盛り上がってくれて。もちろん、作品を作ってそれでちゃんとご飯を食べていけるのが一番いいと思うんですよ。とはいえ、売れたら売れたで別の大変さも出てくる。そういうのを見ていると、程よく、楽しく、健康に音楽を続けるって、何より大切なことだなって思うようになりました。

もちろん、私一人じゃなくて、支えてくれるスタッフさんもいるので、その人たちがきちんと生活できるよう、みんなが音楽で食べていける健全なチームでいたい。そういう意味での熱量は、ちゃんと持ち続けていますね。そんな温度感で、これからもやっていけたらと思っています。

──AAAMYYYさんご自身のソロ活動には、今どんなスタンスで向き合っていますか？

AAAMYYY：最初の頃は、「ガーと行くぞ！」みたいな勢いでやっていました。でも、今は自分の状況もありますし、「ちょうどいいペースで続けていけたら」と思うようになりました。音楽って常に変わっていくものですし、そのときどきの自分のスタンスが一番色濃く反映されいてると思うんですよね。トラックも、歌詞も、その時の“ベスト”がそのまま出てくるというか。

インプットに関しては、子どもができてからは童謡やアニメの曲に触れる機会も増えましたし、音楽をじっくり聴く時間がなかなか取れないので、友達に「最近いい曲ある？」と聞いて、なるべく情報を集めるようにしています。リスニング量は減ったけど、そのぶん「人づての音楽」はすごく大事にしていますね。

──お子さんができたことで、たとえば子どもが好きな音や反応する音色・リズムを意識するようになった部分はありますか？

AAAMYYY：まだ成長の途中なので、好みも時期によって変わると思うんですが、今は実験段階という感じです。たとえば今は、車の中で私の昔のアルバム『BODY』を流すと気に入ったフレーズを何度も繰り返して歌ったりして。『バーバパパ』のサウンドトラックもよく一緒に聴いていますし、車のCDプレイヤーに入れている小原綾斗とフランチャイズオーナーのCDの中に、“同じことをずっとリピートしている曲”があって、それを延々と歌ってたり（笑）。

ちゃんと流行りもキャッチしていて、「Bling-Bang-Bang-Born」や「APT.」なんかも踊りながら聴くし、もちろんアンパンマンも大好き。でもだからこそ、自分が「これはいいな」と思って育ってきた音楽や作品も、ちゃんと触れさせてあげたいなと思っていて。親の好みも、さりげなく混ぜ込むようにしています。

──このインタビューをしている時期が、ASIAN KUNG-FU GENERATIONの皆さんが夏フェス出演を終えて間もないタイミングということもあり、是非感想をお聞かせください。＜SUMMER SONIC（以下、サマソニ）＞については、17年振りの出演とのことで、かなり久々でしたね。

喜多　そうですね。＜サマソニ＞は個人的に遊びに行っていたので、長い間出演していなかったことにびっくりしました。＜RISING SUN ROCK FESTIVAL＞でのライブも、＜サマソニ＞でのライブも、現在行っているツアー（※ASIAN KUNG-FU GENERATION Tour 2022＜プラネットフォークス＞）で培ってきた今のバンドの良いところが出せたという手応えがあります。セットリストに関しても、いつものフェス向きのセトリではなく、ツアー寄りの選曲をできましたしね。＜サマソニ＞では、UKバンドに挟まれたタイムテーブルということもあったので、そういう意味でもかなり楽しんで演奏できました。

山田　セトリは大きいステージに映える選曲だったし、＜サマソニ＞東京編は特に、会場の空気感とフィットした感覚がありましたね。結構コアなセトリだったので、昔の楽曲を聴きたいというお客さん側の想いもあったと思うのですが、自分たちの新しい曲を聴いてほしかったからね。そういう意味では、ライブの良さと併せて届けられたと思っています。

伊地知　ツアーでサポートしてくれている二人（※Achico(Ropes)、George(Mop of Head)）と一緒にできたというのも良かったよね。すごく心強かったです。フェスってリハーサルができないんですけど、ツアー前半を終えてステージングも固まってきた状態だったので、ストレスを全く感じることなく本番を迎えられました。

後藤　自分たちがフェスに出られる喜びというのも勿論あったんですけど、主催側のスタッフの皆さんの笑顔を見ていると、こういうフェスにも当然存在する意味があって、誰かの切実な生活であり、仕事であるんだなと再確認できましたね。「仕事だから」と全てが守られなければいけないとは思わないけど、何年か我慢した先に、このタイミングでこうして形になって良かったなと思いました。観客の方たちにとっても「ルールを守りながら、皆で新しいフェスの在り方に向けて、音楽ファン同士考えていこう」という空気を共有しつつ、それを確認する場所になっていると思いますし。なので率直に、こういう場があるということがありがたいなと思います。

──今年のフェスは、再確認の場である一方、ASIAN KUNG-FU GENERATIONの皆さんにとっては「現在のバンド」を示す場としても大きな意味を持っていたということですね。その上で、最新作『出町柳パラレルユニバース』についてじっくりとお聞きしたいと思います。“出町柳パラレルユニバース”と“柳小路パラレルユニバース”は、メロディは共通ししつつも歌詞が異なる楽曲ということで、これは斬新なアイデアですね。

後藤　江ノ島電鉄の各駅をモチーフとした『サーフ ブンガク カマクラ』というアルバムを2008年に出した際に、全15駅中の10駅分しかリリースできなかったんですよ。そこで、残り5駅分の楽曲を作っていく過程で、今回の『四畳半タイムマシンブルース』というアニメ作品にすごく合うようなアイデアが生まれたんです。この『四畳半タイムマシンブルース』という物語は、京都という街を舞台に、タイムマシンを使いながら色々な青春が同時進行されつつ、実はそれらが繋がっている──という不思議な世界を描いているんですよね。そういう部分でも、京都の青春と、鎌倉の青春と、さらには僕たち自身が経験した横浜の青春が同時進行するというパラレルワールド感を、“出町柳パラレルユニバース”と“柳小路パラレルユニバース”の構成や歌詞の違いで表現できたら面白いんじゃないか？　というふうに考えて、制作しました。

山田　僕は、作品の京都感と鎌倉のイメージは共存できるのか？　と疑問を抱いた派だったんです。曲としてはめちゃめちゃ良かったので、なんとか合致させられたら美しいなとは思っていたんですけど、これまで『四畳半神話体系』や『夜は短し歩けよ乙女』にも関わらせて頂いていたので、作品が持つイメージも分かっていましたしね。なので、最終的に見事なまでに融合できたので、これは素晴らしいことだなと。

後藤　今回の話を進めていく上での一番の障壁は、山ちゃんでした。

全員　（笑）

伊地知　僕はアリ派でしたね。以前『四畳半神話大系』の主題歌をやったこともあって、今回のストーリーがそこと繋がっている作品じゃないですか？　曲調も近いし、これは合うんじゃないかと思いました。実は“荒野を歩け”も、『サーフ ブンガク カマクラ』の続編として採用予定の楽曲だったんですよ。

──え、そうなんですか？

後藤　そうそう。その為にストックしていた楽曲だったんですけど、『夜は短し歩けよ乙女』の話がきたので、手持ちの曲で一番良い曲だったその曲を渡したんです。今回もコンセプト的には、僕の趣味であるパワーポップを全開にすればハマるんじゃないか？　と思っていた節はありますね。

──驚きました。“荒野を歩け”然り、今回の“出町柳パラレルユニバース”と“柳小路パラレルユニバース”然り、不思議な繋がりがあるんですね。

後藤　そうなんですよ。何故か分からないけど、どんどん京都に吸い寄せられていっちゃう。何か魔力のようなものがあるんでしょうね、不思議ですけど。

──コメントでは“迷子犬と雨のビート”と“荒野を歩け”との繋がりも考えたとありましたが、ここの部分はどのように意識されていたんでしょうか？

後藤　僕はこの3曲を「ラルラルラ三部作」と呼んでいるんですが、「ラルラルラ」という歌唱部分は共通項になっていますね。ああいうポジティブなメロディを歌うというのは、生きていることを謳歌していることにも繋がると思うので、そういった“喜び”というフィーリングは共通させるように意識しました。

──“迷子犬と雨のビート”の《風のない午後を恨むような》というフレーズから、《午後からは街の風になって》という歌詞へ繋がったり、“荒野を歩け”の《「君らしくあれ」とか／千切ってどこか放す》から《君らしく踊ればいいじゃない》に繋がったりしているのでは？と考察していましたが……。

後藤　なるほど。そこまでは狙っていなかったです。でも、フィーリングとしては同じところから持ってきているので、使う言葉が似通うことはあると思います。

──なるほど。あとは「柳」「狸」「出町」「小路」「小町」といった言葉で、“出町柳パラレルユニバース”と“柳小路パラレルユニバース”との繋がりを表現されていますが、これも京都と鎌倉の美しき縁だなと思いました。

後藤　でもここで「狸」を出していることによって、最終的には“狸小路パラレルユニバース”も作らなきゃいけないんですよね。

伊地知　あはは。札幌のね。

後藤　そうそう。まぁ「狸」っていうのはふざけて入れたんですけどね。

──でも“追浜フィーリンダウン”の「追浜」は京浜急行本線の駅名ですし、スケールは着実に広がっている感はありますね。

後藤　喜多くんが作った楽曲に“八景”があるので、そことも上手く繋がっていますよね。あの辺りの駅って、駅メロがミュージシャンの楽曲になっているじゃないですか？　どこかの駅でアジカンの楽曲を使ってほしいという気持ちがないといえば嘘になるかな。

喜多　この記事が駅関係の方の目に留まればいいね。

──張り切って周知します（笑）。この楽曲は、後藤さんと喜多さんが作曲を手掛けたということですが、歌唱パートの入れ替わりや、喜多さんパート・後藤さんパートにおける歌詞のニュアンスの違いも面白いなと感じました。

喜多　これは元々、ゴッチ（後藤）から、僕が歌うカップリングを久々に入れたいんだよね、というリクエストがあって書き始めたんです。それを皆で合わせていた時に、「ここはこうした方がいいんじゃない？」という感じでゴッチが仮歌を入れていたんですけど、それを聴いた時に、そこはそのままゴッチに歌ってもらった方がいいなと思って。そこから初のツインボーカル曲として仕上げていきました。

後藤　僕は建ちゃん（喜多）の歌を“ドブ声ファルセット”って呼んでいるんですけど（笑）、僕が歌っているパートは、文字数も多いし、雰囲気的にもそこは建ちゃんじゃないな、と思ったんですよ。あと、歌詞に関しては、一日で書きました。

喜多　オケの翌日には歌録りでしたからね。

後藤　僕、歌詞を書くのがめちゃくちゃ早いんですよ。なぜならば、歌っちゃえば必然的にその歌になると思っているからなんですけど。一言一句完璧な歌詞なんて存在しないと思っていますし、こだわりがない訳ではないんだけど、歌詞に関して“間違ってはいけない”という考えはないんです。自分が書いた歌詞なんだから、録り終えた後でも変えちゃえばいいと思ってますし、歌っていて気持ち良い方を優先するというか。

──なるほど。でも確かに、歌詞の内容的にも、ナイーブになっている部分と《海へ行こう》と開き直る部分とのコントラストを鑑みると、ツインボーカルがぴったりハマっているなと思いました。

後藤　僕らが大学生の頃に初めてライブで演奏した曲がThe Beatlesの“Help!”なんですけど、《ヘルプ！》以降の歌詞は、そこから引用しているんです。なので、分かる人は笑ってくださいという気持ちもあります。

──おぉ。ここでも鎌倉＝海とのシンクロのみならず、バンドとしての過去と現在がシンクロしているんですね。引用で言えば、“柳小路パラレルユニバース”には、WEEZERの “Buddy Holly”のフレーズも出てきますし、色々と散りばめられていますね。

後藤　その《BGMはバディ・ホリー／メアリー・タイラー・ムーアはいないけど》のところは僕も気に入っているんです。リフにもWEEZERの“Surf Ｗax America”の引用も入っていたりして、『柳小路パラレルユニバース』は、そういった90年代っぽい色んな面白引用が随所にあるので、より楽しめると思います。

──今後の楽曲に対しても期待が高まります。ここで“出町柳パラレルユニバース”と“柳小路パラレルユニバース”の話に戻りますが、この2曲は、サウンド的にはどのようにして違いを出していったんですか？　分かりやすいところでいえは、アウトロの違いがありますが。

後藤　“出町柳パラレルユニバース”のアウトロは、タイムマシン＝時空が歪んでいるという雰囲気を出すために、セブンスコードを入れつつ、サイケデリックさとシュールさを共存させていきました。そこを含めて“出町柳パラレルユニバース”では、途中のエフェクトに関してもサイケデリック感を前面に出しています。他にも、演奏マナーが違いますね。“出町柳パラレルユニバース”は、エフェクトのかけ方やミキシングなどのポストプロダクションを『プラネットフォークス』＝現代風の延長線上で行っていったんです。一方“柳小路パラレルユニバース”に関しては、我々が過ごした90年代のオルタナティブ／パワーポップの音楽的手法を踏襲して行いました。なので、実は音楽的な音の処理の仕方が違うんですよ。聴いても分からないところも多いんですけど、作っている側としては、そこの部分はかなり作為的にやりました。

喜多　レコーディングをした時期とスタジオも違うんですよ。“柳小路パラレルユニバース”の方は藤沢の方のスタジオで録って、“出町柳パラレルユニバース”は都内のスタジオで録ったので、音の鳴りも異なりますね。

伊地知　場所と時期の違いにおけるドラムへの影響は結構あったと思います。“柳小路パラレルユニバース”の方はかなり大きな空間で、“出町柳パラレルユニバース”の方は、天井もそんなに高くない場所だったので、音の反響の違いは大きくありました。なので、聴き比べてもらうと面白いかもしれませんね。あと、“柳小路パラレルユニバース”は、『サーフ ブンガク カマクラ』をレコーディングした場所と同じところで録ったんですよ。

──そうなんですか！　時を超えて、同じ場所で続きが作られたというのは、『サーフ ブンガク カマクラ』好きとしてはかなりグっときます。『サーフ ブンガク カマクラ』は全曲一発撮りの作品だったと思うのですが、“柳小路パラレルユニバース”も同様ですか？

伊地知　完全に一発録りではないんですけど、ほぼ同じですね。ドラムとベースは一緒に録って、全体的にもテイクを重ねる回数は少ないです。

山田　ベースは逆に、2曲の中で同じ部分を探っていくというか、共通する要素をあえて残すように意識していました。違う部分と同じ部分が2曲間に散りばめることでパラレル感を演出していく、というところが面白かったですね。

後藤　この曲は、潔にブチ切れながら録ってましたね。なんで邪魔すんだよ！　って。まあ、それは俺の勘違いだったんですけど（笑）。

伊地知　そうそう。ブリッジの前の裏返るところね。

後藤　40歳過ぎてもそういう喧嘩はなくならないですね。だれも邪魔しようとなんていないのに、気に食わない演奏をした人の事を「邪魔してる」って言っちゃう（笑）。

──ははは！　そういう尖った部分もまた、作品の青春感に繋がるのかもしれませんね。今作にはWEEZERの“I Just Threw Out The Love Of My Dreams”のカバー楽曲が収録されていますが、なぜこのタイミングで、この楽曲を入れようと思ったんですか？

後藤　この曲は、WEEZERのシングル作品『The Good Life』のＢ面に入っていた楽曲なんです。僕は『サーフ ブンガク カマクラ』に入れられなかった5曲のことを、WEEZERの2ndアルバム『Pinkerton』と掛けて「サーフ ブンガク カマクラ 半カートン」と呼んでいるんです。WEEZERが『Pinkerton』に向かってリリースしていた“El Scorcho”や“The Good Life”などのシングルがめちゃくちゃ良かったということもあって、彼らのそうしたシングルワークを彷彿とさせる方法で。自分たちも『サーフ ブンガク カマクラ』の完成に向かっていこうという意図で、今回カバーしました。AAAMYYYについては、Tempalayで一度アジカンのツアーに参加してもらったこともあって、彼女のソロも大好きだし、以前からいつか一緒にやってみたいなと思っていたので、声をかけさせてもらいました。

──なるほど。でも、これまでお訊きしたお話を振り返ってみても、今作は『四畳半タイムマシンブルース』の物語同様、ASIAN KUNG-FU GENERATIONの現在・過去・未来を行き来する作品になっているように思います。

後藤　そうですね。まあでも、綿密な設計をした上で始めた訳ではなく、面白いことがあればそれにどんどん乗っかっていくという行き当たりばったり的な進み方があったからこそだと思いますよ。「よく練られてますね」と言われればポカンとしちゃうし、とはいえ「何も考えていないのによく出来ましたね」と言われればムっとしちゃうので、微妙なところではあると思いますけど。

──結成25周年ということもあるので、バンドとしての総括的な意味合いもあるのかな？と勘ぐってもいましたが、そういう訳ではないと。

後藤　総括感はないですね。というよりむしろ逆で、何をやってもいいよね、という空気感になっているように思います。意味を持たせるとか、何かをしなければいけないとか、そういった概念からは解き放たれているというか。さらに言うとそこに付随して、バンドに対する考え方も変わってきている感覚はあります。大学時代からの友達とやっていることなので、めちゃくちゃレアな関係だと思うんですよ。仕事とも言い切れないところもあるし、＜サマソニ＞で演奏している時も「これを仕事と呼ぶのは違うかもな、だって仕事がこんなに楽しい訳ねぇもん」と思ったんですよね。音楽っていうのは不思議なものだなと思うし、こういう出会いって人生の中で何回も起きないはずだから、もう楽しんでやることが一番いいなとは思います。なので、作曲に関しては、特に25周年という節目を意識せず、朗らかに、リラックスしながら楽しんでやれています。

山田　もちろん仕事っぽく感じることはありますけど、最近は特に、ステージに立っていて楽しいと思える瞬間が増えてきている実感がありますね。コロナ禍を経ているということもあるんでしょうけど、「仕事」という言葉の枠を超える幸せを感じますね。

喜多　うんうん。ツアーにしてもフェスにしても、大勢の人の前で演奏ができるということに対する喜びは、特に大きく感じるね。

伊地知　バンドの雰囲気はめちゃくちゃ良いよね。でも、フェスに呼ばれるバンドでいなければいけないという使命感は衰えていないですし、まだまだ若い奴らには負けてらんねぇぞ！　という気持ちは強くあります。

──そういった良い雰囲気が構築されたと実感したのは、ここ最近ですか？

後藤　ここ数年ですね。コロナ禍もあったからかな？　純粋に、バンドが続けていられてるってすげぇなと思っちゃって。でも、洗練された音楽をやる若いバンドが増えてきたこともきっかけのひとつかもしれないな。それこそ25年くらい前のロックバンドって、限られた情報の中で正解を想像しながら、デタラメのまま世に出ていったと思うんですよ。往々にして間違えているというか。その点、今のバンドってめちゃくちゃ上手い。環境が違っているだけかもしれないですけど、そんな育ち方をした僕たちがここまで続けてこれたというのは、ただただありがたいことだし、当たり前だと思っちゃいけないなと思いますね。

──なるほど。

後藤　『Wonder Future』（※2015年リリース）ぐらいまでは、新しいことをやってくれよ！　ってメンバー同士でピリピリしていましたけどね。そういう気持ちが完全になくなった訳ではないですけど、興味の向きが変わったのかもしれないです。その頃は、例えば山ちゃんが、ある日突然びっくりするような必殺技を持ってくることを期待していたんですけど、今は「何が得意なんだろう？」というベクトルで考えられるようになったというか。俺らも40歳を超えましたし、フィジカル強化で勝負するのではなく、アイデアやフィーリング勝負でいこうという考え方になりました。そうなると、バンド内の風通しが良くないとやっていけないとは思うので、今の状態はかなり良いですね。まあそれも、ターニングポイントがあったこその変化ではなく、徐々に変化していったものです。

──その柔軟な考え方に行き着くまでには、25年という年月は短すぎず長すぎず、といった感じだったんでしょうか？

後藤　バンドによるとは思いますけど、それくらいかかるんじゃないんですかね？　やっぱり、続けてみないと分からないことってあると思うのでね。