──まずは2020年3月に2nd Mini Album『:LIVING IN THE ECHO CHAMBER』をリリースして以降、どのような活動をされてきたのかをお聞かせいただけますか？

Kazma　『:LIVING IN THE ECHO CHAMBER』をリリースしたのはパンデミックが始まる直前で、奇しくも世の中がガラッと変わってしまうタイミングでした。他のアーティストの皆さんと同様、僕らBearwearもツアーなどほとんどのライブがキャンセルになってしまい、どういう形で活動をしていけばいいのかを模索する日々でした。

ひとまず出来ることはなんでもやろうと思って、無観客ライブをやったり、『CHMBR MAG』というZINEの制作を行ったりしていました。それまで僕らは配信ライブなどをやったことがなかったので、どのプラットフォームがいいのか、どこまでやっていいのかなど、本当に試行錯誤の連続でしたね。

──『CHMBR MAG』を発行したのもコロナがきっかけだったのですね。デザインからプリント、装丁まで自宅で行った完全自主制作のファンジン仕様で話題となりました。

Kou　ライブができなくなって、普段お世話になっているライブハウスのスタッフやオーガナイザー、エンジニアといった人たちが大変な思いをしているのを聞いていたので、vol.1では彼らが今どんな動きをしているのかをインタビューしたり、自分たちでコラムを執筆したりして制作しました。

──同年8月にはフジロックのオーディションステージにも出演されました。あのときは恵比寿リキッドルームでの無観客ライブだったのですよね？

Kazma　そうです。には毎年応募していたのですが、当時はフジロックの開催自体が中止となってしまったことを知って、もう完全に絶望していました。ただ、そのときに出演の連絡があったので驚いて、それで気持ちを立て直した部分は結構ありますね。

──11月には渋谷club asiaにて初の冠企画を開催しています。

Kazma　その頃は入場制限をしながら有観客ライブも少しずつできるようになってきていたので、僕らを含め11アーティストに参加してもらい、久しぶりに人前で演奏しました。無料配信も同時に行ったのですが、みんなすごく乗り気になってくれて。初めて自分たちのホームイベントが出来たのも嬉しかったです。

──新作となる『The Incomplete Circle』のレコーディングはいつ頃から始まったのですか？

Kazma　2020年の年末くらいかな。実際にプリプロに入り始めたのが1月だったと思います。

Kou　実を言うと、途中まで制作していた楽曲がアルバム1枚分くらいあったのですが、それをほとんどボツにして今の15曲を作ったんです。「ベッドルームで制作して、ベッドルームで再生するのが似合うようなサウンド」というコンセプトは最初からずっと一貫していたのですが、プロダクション面が上手くまとまらずに大半を作り直したんですよね

──そうだったのですね。「ベッドルームが似合うサウンド」を目指したのは、ステイホームを余儀なくされていたコロナ時期に作ったことも関係していますか？

Kou　もともと僕ら、ファーストミニアルバムの時からドラムは打ち込みだったり、シンセはMIDI音源をあえて使ったり、「ベッドルーム感」というキーワードはなんとなくあって。宅録でぱっと作った曲の方が、自分的にはリアルに感じているんですよね。

コロナ禍になり、部屋で1日中アンビエントミュージックを流したり、窓を開けて鳥の声と混ぜながら映画を観たり、自分の生活環境がよりそっちに近くなっていって。そのノリで作ったらよりその一面が強調された、みたいなところはありますね。

──歌詞は一貫したテーマのようなものはありましたか？

Kazma　自分では意図していなかったのですが、改めて聴き直してみると一貫したテーマみたいなものがある気がしますね。自分はこれまでの人生のどこで過ちを犯したのか、何が強みで何が欠落しているのか。そういう自分の中の未完成だったり、不完全だったりする部分にフォーカスした歌詞が並んでいると思います。

振り返ってみると、これまでもBearwearの歌詞には、アルバムごとに大きなテーマがありました。最初のミニアルバムでは「別離」や「後悔」など、恋愛のsadな面にフォーカスを当てていたのですが、これはもともと僕が聴いていたポップパンクやエモバンドの歌詞からの影響でした。

『:LIVING IN THE ECHO CHAMBER』の頃は、例えば「夢」や「妄想」といった「自分の中の異世界」をコンセプトに歌詞を書いていました。あのときは曲先行ではなく完全にテーマ先行だったんですけど、今回のアルバムでは「何を書けばいいのだろう？」とすごく悩んでしまい、一時期はスランプみたいになってしまった時もあったんです。

Kou　例えば“Mainichi”という日本語詞の曲は、僕がデモを作った段階からタイトルも決まっていて、「この曲はこういう内容で歌ってほしい」みたいな具体的な要望を早い段階から伝えていたんです。それで追い込んでしまったところもあったかもしれないね（笑）。

Kazma　これまでも曲ができた段階で、どんなイメージで作ったのか、どんな景色が思い浮かんでいるかなど、抽象的なイメージを共有しながら歌詞を書くこともあったんですけど、今回はもうちょっと具体的なワードやテーマが提示されたので、それを歌詞に落とし込んでいく作業が、今までよりも大変だったのは確かです（笑）。

今回、日本語詞に挑戦したというのも、（スランプに入ってしまった原因として）大きいですかね。日本語の歌詞はダイレクトに意味が伝わるので、相手にどう伝わるかをこれまで以上に考えながら書きました。今まで好き勝手に曲を書いていたのが、少しずつ僕らを応援してくれる人も増えてきて。それを実感できるようになったことがモチベーションにもなる一方で、プレッシャーにもなっていたのかも知れないですね。

──ちなみに、アルバムタイトル『The Incomplete Circle』にはどんな由来がありますか？

Kazma　今話したような、自分の中の「欠落した部分」に改めてフォーカスしたのがアルバム7曲目の“Paper Trail”という曲で、その中に何度も出てくる《incomplete》という、「不完全」とか「未完成」を意味するワードをタイトルに持ってこようとまず思いました。“Circle”は、アルバム収録曲にもタイトルとしてありますが、これは最初ボツになったアルバム曲の中で、唯一残った曲なんです。歌詞の内容も円や螺旋、ループといった、普段からKouと話していたBearwearのテーマ性にも通じるというか。

しかも、その円は決してキレイな形をしているのではなく、どこか歪で未完成な方が自分という人間を表しているということに気付いて（笑）。それでこの2つのワードをミックスして『The Incomplete Circle』というタイトルになりました。

──確かに“Paper Trail”は、《You know we are both incomplete all along》や、《Many faults we had enough to humanize》という、自身の不完全さや未完成さに向き合った言葉の数々が印象的です。

Kazma　この曲ができたのはレコーディングの終盤だったのですが、自分が経験してきた人生での大きな失敗などを、ちょうど思い出していた時期だったんです。それでもモチベーションを保ち続けることができたのは、この1年くらいで出会った憧れのアーティストや共感するアーティスト、後から出てきたけど明らかに自分より才能のあるアーティストたちも、話してみると実はみんな自分が不完全だと思っていることを知ったからだと思うんですよね。

誰しも自分のことを「完璧だ」なんて、おそらく一生思えないのかも知れないなと。それをネガティブな意味でなく、そのまま受け入れられたのも大きいと思います。

──アルバム中盤の楽曲“umi”は、自動音声を使って物語をしゃべらせていますよね。ファンタジックでありながらどこか不穏な空気が漂っていて、アルバムの中でとても強い存在感を放っています。

Kou　僕が散歩しながら3時間くらいで考えたストーリーを、Amazon Pollyという自動音声サービスに読み上げさせています。これはThe 1975“The Man Who Married A Robot ／ Love Theme”やレディオヘッド（Radiohead）“Fitter Happier”の影響ですね。アルバムの真ん中あたりに配置するのも含めてインスパイアされました。

内容に関しては、そのときに感じていたことを全て突っ込んだ感じです。ちょっと童話っぽい空気感というか、ジブリの一連の作品や『CLANNAD -クラナド-』っぽい世界観にしたくて、バックトラックも不思議なワルツにしてみました。ただAmazon Pollyは高機能すぎて、そのまま使うと本物の人間っぽい声になりそうだったので（笑）、ピッチシフトなどのエフェクターを使ってわざと機械っぽい感じに仕上げています。

──曲中で聞こえる自然音はフィールドレコーディング？

Kou　そうです。“Carry On”のミュージックビデオの撮影で、友達のカメラマンらと一緒にキャンプがてら山梨の本栖湖へ行ったときに「一応録っておくか」と思って。確かiPhoneのボイスメモ機能で録った湖の音をそのまま使っています。僕ら日本のシーンとか関係なく、世界のシーンから見たときに価値のあるインディーロックを作るためには、やっぱり一言で表せるくらいのシグネチャーサウンドが欲しいなと。

The 1975が、アンビエントと80’sポップを組み合わせている発想にインスパイアされつつ、僕ら自身が通ってきたオルタナティブロックに日本の環境音楽を足すというアイデアに行き着いたんです。

──アルバムの冒頭を飾る“New Day”は、アフターコロナの希望を歌っているように聞こえます。

Kazma　おっしゃる通り、あの曲はアルバムの中でもかなりポジティブな、開けた感じの歌詞になったと思っています。コロナ禍のあまりにもネガティブ過ぎる期間がひと段落して、僕が歌詞を始めた段階では少しずつ光が見えてきた頃だったと思います。

なので、その曲をアルバムの冒頭に持ってくることにしました。歌詞もほぼ1年かけて書いてきたので、その時期ごとの自分の心境や感情が表れているなと思いますね。

──そういう意味では、この1年間のドキュメンタリー的な要素もあるのかなと。

Kazma　それは確かにそうかもしれないです。

──2022年はどんな年にしたいですか？

Kou　ひとまずはツアーをやりたいです。これまで当たり前のようにやってきたことが、本来どれだけ特別で大事なものだったのかをコロナで実感できたというか。ツアーライフって貴重だったんだなと改めて強く思ったし、これからのツアーも大事にしていたいです。

Kazma　ツアーももちろん楽しみですが、僕はもう、すぐにでも次の作品作りに入りたい気持ちになっていて。アルバム完成の達成感を一度味わってしまうと、「次はもっと！」という気持ちが強くなる。だから今は、ツアーを終えて制作モードに入るのが楽しみで仕方ないです。

インディロックやシューゲイザー、ビートミュージックなど多様なジャンルのバンドが出現し、音楽の聴き方はストリーミングが主流になり、自分の趣味嗜好に合うバンドをすぐに探せるようになった近年、“エモ”というジャンルを聴いている人は今どれぐらいいるだろうか？ 2017年に結成をしたBearwearというバンドはインディロックやドリームポップのなかに“エモ”の要素を残し、“エモ”を聴かないシーンの人たちへ必然的にそれを聴かせている。 彼らは結成2年にも関わらず、MVの再生回数が1万回を超え、ASIAN KUNG-FU GENERATIONの‎後藤正文氏にもSNS上で評価をされたバンドであり、ライブの本数も結成1年目に比べると10倍増えたそうだ。また今年に入ってからは＜BAYCAMP201902＞のオーディションを勝ち抜いてA'TTICステージへ出演、渋谷 CLUB QUATTROや都市型フェス＜SYNCHRONICITY'19＞の出演も決定し、勢いを増す活動に東京インディ・シーンの中でも目が離せない存在となっている。 今回は現代の音楽性を取り入れつつもトレンドの追随ではなく、揺るぎない意志を持って自分たちの音楽を表現しているBearwearに、これまでの活動を振り返ってもらい、彼らが発信する“インディエモ”の新たな可能性を探ってみた。

――Bearwear結成の経緯を教えてもらえますか？ Kou Ishimaru（以下、Ishimaru） 僕とヴォーカルのkazmaはTwitterで知り合いました。僕がTwitterで「ポップパンクからインディエモみたいなバンドをやりたいんだけど、ヴォーカルがいない」というのをツイートしたのをkazmaが半年後ぐらいに見つけて、連絡くれたのが始まりですね。初めて話した時に根底にある部分や共通している部分が多くて、意気投合して結成に至りました。 ――2人体制でバンド活動を行なっていると思いますが、理由はありますか？ Ishimaru Bearwearとして初めて2人で集まった時に、自分たちが一緒にやりたいと思った人に声をかけようってなったんですけど、指名した人が全員他にもバンドをやっていたので、口説き文句としてサポートでお願いをすることして、それがきっかけで2人体制になりました。あとは単純にうまい人たちとやりたいからですね。 ――なるほど。 Ishimaru プラスして、バンドの方針を決めるときに2人で話す方が早くて。僕たち2人だとバンドの話とプライベートの話の境目がないんですよね。普通の話をしながらバンドの話をしたり、ミーティングも特になくて、2人でイベントに行った帰りにこの流れ考えちゃおうって、決めたりとか。 ――柔軟に動けるのはいいですね。先ほど「ポップパンクからインディエモみたいなバンドがやりたい」というツイートがきっかけで結成をしたとおっしゃっていましたが、Bearwearの根底にいるバンドやロールモデルになっているバンドはいますか？ Ishimaru Bearwearとして核となるバンドがTRANSITとTurnoverっていうバンドで。どっちもポップパンクのシーンにいるようなバンドなんですけど、2010年あたりからシューゲイザーやインディロックの要素を入れるような流れがあって。全く同じことをしている訳じゃないんですけど、自分たちもインディエモの中にそういった別のジャンルの要素を取り込むようにしています。

――だからインディエモだけじゃなく、インディロックやドリームポップの雰囲気も持ち合わせているんですね。Bearwearにとって2018年はどんな年でしたか？ Kazma Kobayashi（以下、Kazma） バンドにとって良いことしかない、プラスの1年です。結成してまだ2年ですが、昨年はBearwearを聴いてほしいと思っていた人達や、自分が憧れていた人へしっかりアプローチができたと思っています。燻ったこともなくて、2018年は駆け足で進むことができました。 ――良いことって具体的にどんなことですか？ Kazma “e.g.”という楽曲のMVを2018年の2月に出したことがまず最初の一歩ですね。自分達が足を運ばなくてもそのMVが勝手に一人歩きをしてくれたおかげで、周囲の反応が変わり始めました。そこからライブ本数がその前の年に比べて10倍は増えましたし、届けたい場所へ自分達の音楽を届けられたと感じています。 Ishimaru　でもMVは戦略的にやったというよりは、僕がプリプロで作ってできた曲をせっかくだから出そうかっていう流れで、何も考えずに出したんです。 ――MVは誰にお願いをしたんですか？ Ishimaru Pennackyという監督にお願いしています。彼はアンテナを張っているところが似ていたりして、シンパシーを感じるものがありました。だからこそ、映像と楽曲が共鳴したMVが出来たと思います。MVのお陰で色んな人にBearwearの存在を知ってもらうことができたよね。 Kazma そうだね。あとは10月にアルバムをリリースしていて。1年目にそういうアプローチができてなかった分、2018年はMVを計3本とアルバムをしっかりと発信したことで、周囲にちゃんと活動をしているバンドっていうイメージを持ってもらえたんじゃないかなって思います。

――10月にリリースをしているアルバムの『DREAMING IN.』にそのMVになっている“e.g.”が入っていますね。『DREAMING IN.』はBearwearにとって初のアルバムになると思いますが、アルバムを制作に至った経緯は？ Ishimaru アルバムとして完成度が高いものを作りたいってKazmaが言ったのがきっかけです。それまで曲単体で楽曲の制作をしていたのですが、『DREAMING IN.』はアルバムとしての完成度を意識して、アルバムの全体のイメージを自分の中で固めてから、楽曲の制作をしました。 ――『DREAMING IN.』のイメージってどんなものなのでしょうか。 Ishimaru 自分たちはエモと呼ばれるジャンルやインディロック、パンクが好きで、『DREAMING IN.』をリリースする前のBearwearはそういった楽曲がほとんどだったんですけど、今回はパンクとかエモを作っていたときにはなかったユルさとか、“2018年っぽさ”を体現したいというのがコンセプトにあって。それを軸にした結果、自分達がそれまでアンテナを張ってなかったユース・カルチャーへ自然と向かっていった感じですね。 Kazma “e.g”はそういった意味でも、アルバムの基準になっています。エモやパンクをやっていた僕たちにとって、“e.g”は未知のジャンルだったので周囲からどんな反応があるか正直わからなかったんですが、アルバムリリース前に先行配信リリースとMVを出したら思ってた以上に反響があって。だから、その反応を踏まえて“e.g”を気に入ってくれた人が求めている楽曲と、“e.g”の流れを意識しつつも、僕たちの根底にあるエモの要素を取り入れた楽曲をアルバムに詰め込みました。ドリームポップやシューゲイザー、エモにインディロックなど色んなジャンルの要素が混じり合っているのがIshimaruの言う、僕たちが体現したい“2018年っぽさ”だと思ってます。

――確かに“e.g.”の前に入っている楽曲はドリームポップやシューゲイザーよりですが、その後に入っている楽曲はエモやインディロックの要素を感じます。 Kazma その通りで、ちょうど両側にいけるモノを作りたかったんです。“e.g.”のおかげで、それまでBearwearが活動をしていた場所ではない、全くちがう場所に発信をすることができたので、自分達の根底にあるエモやパンクを聴かない人にも“e.g.”を通して、そのジャンルを聴いてもらえるチャンスだと思いました。なので“In The Wood”みたいな、その要素の強い楽曲も入れて、自分達の根底の部分もしっかり伝えられるようにしています。

――“e.g.”はバンドの軸にもなった楽曲でもあるし、バンドの可能性を広げてくれた楽曲なんですね。 Kazma そうですね。今からするとBearwearにとっては中間地点の曲ですけど、お店のBGMに使われてたり、思わぬ歩き方を見せたときに、やっと今いる場所から一歩外に出れた、次のステップにいけた曲だなと思ってます。 ――次のステップって？ Kazma “e.g.”を配信してから、だんだんとフェスや自分達がよく呼ばれて出ていたハードコアバンド以外のイベントにも出演したいという意欲が湧いてきました。それまではハードコアの人にもウケるインディロックをやりたいと思ってて、今もそれは変わってないんですけど、“e.g.”あたりから発想が逆になって、ドリームポップやシューゲイザーを聴いてる人にも、エモ要素がある音楽を聴かせたいと思うようになりました。それまでのBearwearの音楽性は流行りとは遠いいところにあったんですけど、“e.g.”を軸にした瞬間から、みんなが受け入れ始めてくれて。なので、次のステップとして、自分たちにとって新しい場所へエモを発信したいと考えています。 ――その為に何か考えていることってありますか？ Ishimaru　バンド活動をする上で、音楽以外の要素も入れていかなきゃいけないと思ってます。自分達の映像を撮ってくれた映像監督とか、自然とそういうクリエイティブな人たちとコミュニケーションを取っていく中で受けたインスピレーションがバンド自体に出ることが多くて。ここ1年で人から受けたインスピレーションがかなりプラスに働いているのを強く感じています。だから、これからも音楽以外にも広く色んな分野にアンテナ張って、たくさんの人とコミュニケーションを取って、吸収をしていきたいですね。

――確かに。人から受ける影響はありますよね。Bearwearは海外のバンドと共演やツアーを一緒にまわったりしていますが、海外のバンドから何か感じる事はありましたか？また同じステージでライブをしてみてどうでしたか？ Kazma 僕たちが意識して影響を受けているのは、そういった海外のバンドばっかりですね。 Ishimaru 海外のバンドはサウンド作りが平面的じゃなくて立体感のある空間を作っているのが印象です。そういうのを意識的に参考にしたりはしてます。 Kazma 日本に来日するバンドって現地では1000人とか10000人規模でライブしてるような人たちで、そういうバンドとライブハウスで対バンできるのは、アプローチの仕方やジャンルの違いとか、いい意味でも悪い意味でも影響を受けるっていうか。僕たちはICE GRILL$っていうエモやインディロックのバンドだけを日本に呼んでいるツアーマネージメント会社があって、そこが呼んだバンドと数回共演させてもらったですけど、その時だけ初めて正々堂々勝負ができたと思ってます。 ――そう感じる理由ってありますか？ Kazma　日本でこういったジャンルのバンドをやっている人たちが周りにいなくて、ライブする度に土俵が違うから、自分達のバンドの実力がわからなくなってくるんですよね。どのバンドと共演しても珍しがられるし、盛り上がるバンドと一緒に共演して、僕らのときは盛り上がらなくても、それがいいとも捉えられるし、聴いたことがないような音楽だから、印象に残ってるときもあって。でもICE GRILL$が呼んだバンドだと土俵が一緒だから、色眼鏡とか抜きでお客さんの反応を比べて勝負ができているなと思ってます。

――なるほど。向こうの同じジャンルのバンドと共演をする機会があるのは、日本にBearwearみたいなバンドがいないからこそ、比較もできるし、自分たちの成長にもなりますね。 Kazma　そうですね、憧れている海外のバンドと共演することで、そこに近づけている気もしますし。 ――いまの課題はありますか？ Ishimaru　課題はBearwearとしての表現がまだ確立できてないというか。今までメインで活動をしていたのがエモのシーンだったので、Turnover直系のバンドが現れたとか、ドリームポップとエモを掛け合わせたバンドっていう印象を築けたんですけど、更にもっと広いシーンでやっていくってなった時の、更に強いBearwearとしての表現がまだ確率できてないと感じています。今はそれを探しながらどんどん曲を作っていく時期で、ここからが本当に勝負だと思いますね。 Kazma　僕は大勢の人を掴める、その曲だけを聴くためにライブへ行ってみたいなって思わせるぐらいの楽曲を作りたいと思ってます。今はまだそれがたりてないって思ってて。 ――心の琴線に触れる曲みたいな？ Kazma 偶然、耳に入っていいなっていうより、ふとしたときにあの曲が聴きたいから今すぐ流そうとか、ライブへ足を運びたいなって思わせるぐらい、人を引き寄せる力がある曲ですね。