「エクスペリメンタル・ソウルバンド」を標榜する4人組音楽集団WONKが、ビートミュージック・シーンを牽引するレーベル〈Stones Throw〉に所属し、ジャズとヒップホップを融合したサウンドを奏でるピアノ奏者 / プロデューサーのKieferとのコラボシングル“Fleeting Fantasy feat.Kiefer”をリリース。

幼い頃からクラシッックピアノを習い、その後ジャズに目覚めてビートミュージックへとアプローチしていったKieferの経歴は、幼少期からピアノを弾いていた江﨑文武（Key）や、学生時代にジャズサークルで出会い結成されたWONKの歩みと重なる部分も多い。コロナ禍のリモートワークで制作されたこの楽曲も、そんな両者の個性が絶妙に融合した心地よくも刺激的なトラックに仕上がっている。

今回Qeticでは、プロモーションのために来日したKieferとWONKの対談インタビューを実施。取材前にはジャムセッションで盛り上がったという5人に、楽曲制作のエピソードなど語り合ってもらった。

──今回のコラボはどのような経緯で実現したのでしょうか。

江﨑文武（以下、江﨑）　僕がまずKieferさんのことを想像しながら曲を書き始めていたんです。ただ、そこから「一緒にやりたい」って言ったら実現しました（笑）。本当にそんな感じだったんですよ。

──Kieferさんの、どんなところに魅力を感じますか？

江﨑　同じピアノ弾きだし、すごく素敵な演奏をされる方だなと思っていました。ジャズを基調としつつもヒップホップのグルーヴを持っているところなどは、WONKとの親和性もすごくあるなと。メンバーの中でも「Kiefer、いいよね」という話は以前からしていたので、僕の提案もすぐに「いいじゃん！」と言ってくれて。それで合宿の時にみんなで曲を仕上げ、仮歌も（長塚に）入れてもらって。すぐに形になりました。

井上幹（以下、井上）　僕は、今回のコラボレーションが決まる前、KieferさんとMoonchildのツーマンライブ（2022年）を観に行ったことがあって。ドラムとベースとピアノだけの、WONKを始めた頃のようなものすごくシンプルな編成で、とてもかっこいいことをやっていたんです。「こういうの、やっぱいいよな」って思ったところに文武からの提案があったから、個人的にもすごくいいタイミングでした。

荒田洸（以下、荒田）　僕も1stアルバム『Kickinit Alone』（2017年）の頃からKieferの音楽を聴いていて。例えば〈Jazzy Sport〉などで活躍しているような、日本のビートメイカーにも通じるバイブスがあって最高だなと思っていました。なので、今回一緒にやれてとても光栄ですね。（Kieferに）Thank you for coming！

Kiefer　Oh, thank you.　なんだか褒められっぱなしで照れるね（笑）。

長塚健斗（以下、長塚）　僕は、2019年にリリースされた2ndアルバム『Superbloom』をよく聴いていました。ヒップホップにも通じるようなピアノのスタイルや、サウンドのチルな感じ、可愛らしいアートワークなど好きな要素がたくさんあって。文武が作ったデモを聴いた時も、「ああ、なるほどね！」と思ったけど、まさかこうやって実現するとは思っていなかったので嬉しいです。

──Kieferさんは、WONKからデモが送られてきてどう思いました？

Kiefer　彼らと共通の友人から音を聴かせてもらって、「いいじゃん、やろう」と即答したんだ。コードチェンジのスタイルもすごく好きだし、おそらくいろんな音楽を聴いて、それらを取り入れて独自のスタイルに昇華しようとしている。そんな彼らのミュージシャンシップにも共感する。

──もともとクラシックからスタートして、その後ジャズに目覚めてビートミュージックへとアプローチしていった経歴は、江﨑さんのバックグラウンドとも通じるものがありますよね。

Kiefer　そうかもね。WONKのメンバーと会ったのは昨日がはじめてだったけど、今日ジャムセッションをしたらすぐにいい感じになったからね。例えばコードチェンジの仕方などに何かしら共通点を感じるんだ。

荒田　ジャムセッションはめちゃくちゃ楽しかったし、気がついたら1曲できちゃったもんね。

江﨑　荒田はKieferさんに「スネアドラムの音がグッド！」って言われてたよね（笑）。

Kiefer　そうそう。スネアドラムの音作りってすごく難しいんだけど、とても良かったんだ。

──では今回の楽曲“Fleeting Fantasy”は、実際にどのように制作されたのでしょうか。

江﨑　まず僕の大まかなデモトラックをKieferさんに送りました。ピアノを弾いてほしかったし、最初僕は作曲だけ担当して鍵盤は弾かなくてもいいかなと思ってましたね。他にもシンセベースやパッドシンセ、ピアノのアドリブソロも録ってもらっています。Kieferさんはキャッチーなリフを作るのも得意で、そこも僕が彼のことを大好きな理由の一つだったんです。なので、「もし、そういうリフみたいなものを思いついた時は、とにかく自由に盛り込んでください」とメールでお伝えしました。

Keifer　文武から送られてきたデモの時点で大まかなアレンジはすでに出来上がっていたので、後は全体のダイナミクスを整えたりしている。

江﨑　2番のバース部分をリハモナイズしてもらったのですが、そこが「Kiefer節」全開だったんですよ。そこから、返ってきたデータの打ち込み部分をバンド演奏に差し替えていきました。

荒田　最近ハマっているのは、ハイハットとほぼ同じタイミングでシェイカーを重ねる手法。今回もやっていますし、スナップはいつも通り付けて叩いています。ネオソウルやヒップホップに対する、自分なりの正解を出そうと頑張って音作りをしました。

それと最近、録ったドラム素材は僕の方で大まかにミックスしてから幹さんに渡すようにしているんですよ。最終的にどの素材を使うかは幹さんにお任せするけど、「この曲の自分のイメージはこんな感じです」というのを前もって伝えていこうと。おかげで以前よりも、幹さんとイメージを共有しやすくなりましたね。

Keifer　ドラムを組み立てている時って、サンプルは使ってる？

荒田　使っています。クラップとかシェイカーとかをトリガーで。Kieferさんは？

Kiefer　1stアルバムでは、サンプルをMPCで打ってたね。2ndアルバムからはAbletonのソフトを使ってPC上で組んでいて、最近のアルバムでは生のドラムを使っているよ。

井上　この曲のベースはKieferさんが弾いてくれていたので、僕はどちらかというとミックスに専念しました。今回も実施したドルビーアトモスミックスに関しては、いつもこのスタジオでやっているのですが、今までステレオで聴いてきたものを、その良さを損なわずにどう広げるか？　というところが一番のこだわりポイントでしたね。

江﨑　今回、鍵盤のフレーズをパンで飛ばしたりしてますよね。あれはディレイ？

井上　そう。アレンジがシンプルゆえに、小さなディレイが空間をぐるぐると回るようにしたことなど、すごく細かい仕掛けを随所にちりばめていますね。

Kiefer　僕は今回、初めてドルビーアトモスを体験したんだけど、ストリングスが天から降ってくるようなその立体的な音像に感動したよ。

──この曲のメロディをKieferさんはどう感じましたか？

Kiefer　Beautiful! というか、すごく興味深かったね。コード進行がすごく凝っているからこそ、メロディラインが楽曲のナビゲーターとしての役割を担っているなと。

──歌詞は、どんなことを歌おうと思いましたか？

長塚　デモを聴いた時に、いい感じの浮遊感があって。ちょっと内容に若干の色気を持たせたくて。「会えない時も、せめて夢の中で会おう」という恋愛の歌になりました。

──日本語の響きって、Kieferさんにはどう聞こえるのでしょう？

Keifer　楽曲そのものは、いわゆる西洋のスタイルで全て作られているのに、そこに日本語の歌詞が載っているのはすごくユニークだなと思うよ。しかもすごくスムースでセクシーな響きがあるというか。以前、スペイン人のアーティストに歌詞を書いてもらったことがあるんだけど、英語が母国語ではないアーティストは独特の言い回しやイントネーションがあって、とても興味深いよ。

荒田　ちなみに健斗が書く英語の歌詞と、ネイティブが書く英語の歌詞って、どういう違いがあるのだろう。やっぱりちょっと変（weird）だなと感じます？

Kiefer　不思議だとは感じなかったかな。昨日も英語でいろいろ話したけど、アメリカ人と喋っているみたいだったから。

長塚　あははは。

Kiefer　確かに、英語圏の人が使わないような言葉を使ったりする時もあって、それはすごく面白いなと思うけど、決して奇妙だとか不思議だとか思ったことはないかな。アメリカ人の方がよっぽどクレイジーな喋り方する場合もあるから（笑）。

──最後に、今後みなさんでやってみたいことを聞かせてもらえますか？

Kiefer　やっぱり、一緒にライブがやりたいよね。

荒田　僕ら、LAでライブがやりたいです。

Keifer　いいね、WONKにLAは合いそうな気がする。

江﨑　ほんと、日本でもアメリカでもどこでもいいので、いつか一緒にライブができることを願っています。

──『When There’s Love Around』のコンセプト、タイトルの意味について教えてもらえますか？

過去のアルバムで表現していたのは、喜びや不安、恐怖、切なさ、愛情などの自分の感情で、内省的なテーマが中心だった。『When There's Love Around』はもっと外に向いているアルバムで、連帯感、一体感に焦点を当てた作品。世界や家族、仲間、コミュニティなどと自分はどうつながっていて、どのような位置付けにいるのかを考えさせられた。

──アルバムの前半と後半は違うコンセプトがあるそうですが、それについて教えてもらえますか？

アルバムの前半は自分のアイデンティティをテーマにしているから、僕の過去のアルバムに似てる。 “I remember this picture”は幼いころのノスタルジックな気持ちを題材にしていて、”lift somebody up”は人を励ますことや、自分の使命について。”earthly things”は不安や、どうでもいいことを考えすぎることについての曲だし、”crybaby”は幼いころの自分についての曲。だから、前半はとても自伝的なテーマで、これらの曲を通して自分自身を理解しようとしているんだ。アルバム後半のテーマは、家族や仲間との絆で、もっとスピリチュアルな内容。僕にとって人とのつながりは大切だし、人と経験を共有しないと、人生は特別なものにはならないと思ってる。

”a wish for you” 、”loving hands”、”Areti’s Love”、”with you where you are”は2020年初頭に亡くなった僕の祖母に捧げた4曲。祖母を思い出したときに湧き上がってくる様々な感情を表現しているんだ。祖母との絆を思い出すことで、自分がどうやって人と愛を分かち合って、どう愛を受け取っているかを理解できるようになった。そのあとのタイトル曲”when there’s love around”は、身の回りに常に愛があることを思い出させてくれる曲。”i love my friends”も同じ気持ちを表現してる。このアルバムを通して自分自身について学ぶことができたし、自分が世界の中でどういう位置にいるのか、考えさせてくれるんだ。それと同時に、仲間や家族がいることへの感謝を表現してる。

──パンデミック中ということで、人と繋がりを持ちたいという気持ちもあったのでしょうか？

そうだね。アルバムの制作はパンデミック前に始めたんだけど、パンデミック中に作った曲にはそういう気持ちが反映されてると思う。いま考えてみると、パンデミック前から、だいたいの曲は方向性が決まっていたけど......もちろん無意識に、パンデミックはアルバムに何らかの影響を及ぼしたと思う。人とのつながりを切望している気持ちが、どこかに入っていると思うんだ。でも、曲のテーマは変わらないんじゃないかな。

“i love my friends”は1月に自分の誕生日にレコーディングしたんだけど、そのときの気分を表現した曲。パンデミック中に、友達や家族がいることに深く感謝するようになったのは確かだよ。

──アルバムを実際にレコーディングした時期はいつでしょうか？

合計で3回レコーディングしたんだ。そのうちの2回はパンデミック前に行った。1回目は2020年1月で、2回目は2月。3回目のレコーディングを行ったのは2020年9月。それぞれ、レコーディングには5日間の時間を設けた。

──『When There's Love Around』は初めてバンドの生演奏で作られた作品ですが、なぜこのタイミングでバンドとレコーディングすることにしたのでしょう？

僕のバンドは2年前からザ・クルセイダーズの”When There’s Love Around”という曲を演奏してるんだ。この曲はバンドと一緒に演奏する一番好きな曲で、タイトル通り、演奏すると会場のオーディエンス、ステージ上のミュージシャンとの間に愛のオーラが漂っているのがわかるんだ。この曲のフィーリングをスタジオでとらえるには、一人ではなくバンドで演奏するしかないと思った。だから大切な仲間たちとレコーディングしたんだ。ずっと前からバンドとアルバムを制作したいと思っていたから完璧なタイミングだったし、この曲からスタートするのもぴったりだな、と。

──過去のアルバムではAbletonでビートをプログラミングしていましたが、今回は一切そういうことは行わなかったということでしょうか？

そう。このアルバムではビートのプログラミングを一切してない。自分で編集作業はしたけど、このアルバムはすべてライブ演奏で作り上げたんだ。ビートメイキングは大好きだけど、僕の主な表現方法ではない。僕は昔からバンドと演奏したり、ジャズクラブでアンサンブルと演奏してきた。それが一番得意な表現方法なんだ。それに前からバンドと生演奏のアルバムを作りたかったし、これからはこの方向性をメインにしていきたい。バンドとアルバムを作るのはお金がかかるんだけど、今回はそれを実現する予算があった。バンドと演奏する方が好きだし、素晴らしい体験だったよ。

──参加ミュージシャンについて教えてください。

幸運なことに、僕は世界でもトップクラスのミュージシャンたちと演奏させてもらってる。何年も前から一緒に演奏しているウィル・ローガン（Will Rogan）やアンディ・マコーリー（Andy McCauley）はこのアルバムでとても重要な役割を担ってる。ライブやアルバムで一緒に演奏するミュージシャンに僕が求める条件は、他の誰とも似ていない、唯一無二の演奏をしているかどうかなんだ。ウィルは、他の誰とも似ていない独自のドラミングスタイルがあるし、アンディはベースでユニークな演奏をする。2曲でドラムを叩いている、ジョナサン・ピンソン（Jonathan Pinson）についても同じことが言える。彼は大好きなドラマーの一人で、ハービー・ハンコック（Herbie Hancock）やウェイン・ショーター（Wayne Shorter）、ギラッド・ヘクセルマン（Gilad Hekselman）などの名だたるジャズミュージシャンたちと共演してきた。彼のことは前からリスペクトしているし、このアルバムに参加してくれて感謝してるよ。

サム・ウィルクス（Sam Wilkes）は最高のベーシストで、ベースプレイに革命を起こしているね。DJハリソン（DJ Harrison）は様々な楽器を演奏できるから、彼を是非呼びたいと思ったんだ。曲によって、彼はギターやシンセ、ドラムなど、そのときに必要な楽器を演奏してくれた。彼はどの楽器を演奏するときも天才的で、本当に最高のミュージシャンだよ。

ギタリストのサイモン・マルティネス（Simon Martinez）も素晴らしいし、彼のソロ作品も大好き。アンドリュー・ランダッツォ（Andrew Randazzo）はブッチャー・ブラウン（Butcher Brown）のメンバーで、素晴らしいベーシストだよ。アルトサックス奏者のジョッシュ・ジョンソン（Josh Johnson）も何曲かで参加してくれた。それに、LAの伝説的なパーカッショニスト、カルロス・ニーニョ（Carlos Niño）も。本当に、才能あるミュージシャンがたくさん参加してくれたんだ。それがどれだけ幸運なことか……本当に感謝してる。

──ジャジー・ジェフのスタジオでもレコーディングしたそうですが、そのときのことを教えてもらえますか？

ジャジー・ジェフ（Jazzy Jeff）は毎年、100人くらいのいろいろなミュージシャンを自宅に呼んで、リトリートを開催しているんだ。DJハリソンとの出会ったのは4年前、ジャジー・ジェフの自宅だった。それから仲良くなって、ジャジー・ジェフの自宅で一緒に演奏したこともあった。それに、アルバムのレコーディングでも、ジェジー・ジェフのスタジオを使わせてくれたんだ。彼のスタジオは素晴らしいんだよね。

──DJハリソンとあなたのバンドメンバーが、ジャジー・ジェフの自宅で一緒にレコーディングしたということですか？

そう。そのセッションでは、DJハリソン、アンドリュー・ランダゾ、サイモン・マルティネス、ウィル・ローガン、自分が参加した。セッションによってメンバーが少し違ったんだ。

──ジャジー・ジェフのリトリートというのは、いろいろなミュージシャンが集まってジャムセッションをする場所なのでしょうか？

そうだね。ジャジー・ジェフは本当にいい人で、音楽コミュニティの向上のために様々な活動をしてる。リトリートでは出会ったミュージシャンたちとコラボレーションしたり......とても感化される環境なんだよ。そこで僕はヒーローみたいなミュージシャンたちに何人も会ったり、DJハリソンのような同世代のミュージシャンとも出会うことができた。いまある僕のキャリアは、ジャジー・ジェフがいなければなかったと言っても過言ではない。ジャジー・ジェフを通して様々な素晴らしいミュージシャンたちと出会い、彼らからインスピレーションを得ることができたから、いまの僕があるんだ。

──一人で行うトラックメイキングと、今回の作曲プロセスの違いや制作の流れについて教えてください。他のミュージシャンに演奏内容の指示を出すことなどもあったのでしょうか？

唯一決まっていた曲は、”When There’s Love Around”のカバーだけで、スタジオに入る前は一切作曲しなかったんだ。だからスタジオに入ってから、ピアノの前に座って、アイデアが出てくるまで演奏した。曲のアイデアが決まってからウィルやアンディーたちと演奏して、彼らの演奏に対して大まかなアイデアを出したんだ。「ここはこういうフィーリングで演奏してみて」「ハイハットはもう少しこういう感じにしてみて」とか。それに沿いながらも、参加メンバーはみんな曲作りを手伝ってくれた。バンドリーダーは僕だけど、できるだけ彼らのアイデアを尊重した。

バンドリーダーとして大切にしているのは、ミュージシャンたちがそれぞれ自身のアイデアを出して演奏できるようにすること。それがミュージシャンから最高の演奏を引き出す方法なんだ。僕はプレイヤーとして他のミュージシャンのバンドに参加したときに、「ジェラルド・クレイトン（Gerald Clayton）っぽく演奏して」とか、「アーロン・パークス（Aaron Parks）っぽく演奏してみて」と言われると、「それは僕のスタイルじゃない！」って反発したくなる（笑）。そういう指示を出されると、こっちはストレスを感じたり、緊張したりして、結果的に嫌な気分になってしまう。そういう状況だと、ライブでは悪い印象しか残らない。他のバンドに参加するときに、「自由に演奏していいよ」って言われると、自分が考えて楽しんで演奏できるし、自分の演奏に誇りと自信を持てるし、ポジティブな気持ちになるから、どんどん演奏が良くなる。

だから、自分の作品を制作するにあたって、参加ミュージシャンには、僕が求めている大まかな方向性は伝えるけど、それぞれの演奏は任せることで、彼らがなるべく気持ち良くプレイできるようにしてる。肩の力を抜けると、よりクリエイティブになったり、新しいことに挑戦できたり、魂のこもった演奏ができる。緊張したり、ストレスを感じたり、気分が良くなかったりしたら、魂を込めた演奏ができるわけがない。だからミュージシャンたちに各々のパートを任せているんだ。

──以前インタビューした時は、20分で曲を作るというルールがあると言ってましたね。

今回はスタジオで素早く曲を作らないといけなかったけど、20分だとさすがに時間が足りない。でも、いまも割と早く作曲することが好き。そのときのフィーリングはどんどん変化していくものだから、瞬時に捕らえないといけない。急いではいけないんだけど、降ってきたアイデアを効率的に、素早く形にしないといけない。

──今回のアルバムの制作において、特に影響された音楽は？

今回は70年代のフュージョンを結構聴いてたかな。もちろん、タイトル曲がザ・クルセイダーズのカバーだし、ジョージ・デューク（George Duke）、ハービー・ハンコック、リターン・トゥ・フォーエバー（Return to Forever）も聴いてた。このアルバムのサウンドは、彼らの音楽に似ていないけど、楽器編成などのヒントになったりした。

──”earthly things”や”crybaby”のシンセの音色がとても印象的ですが、これらの曲ではどんな機材を使っているのでしょうか？　今作から新しく取り入れた楽器はありますか？

Prophet 600やRoland Juno、Arp 2600などを多用したよ。”crybaby”のリードシンセはArp 2600だった。あの音色は大好きだから、レコーディングはとても楽しかったね。Lucy’s Meat MarketというスタジオにあったYamaha CS80のクローンのBlack Corporation Deckard’s Dreamというシンセも使ったよ。それと、エリック・シボスキというミュージシャンが、Eurorackのモジュラーシンセをスタジオに持ってきてくれた。彼はモジュラーシンセの使い方にとても詳しくて、様々なシンセのテクスチャーをアルバムに織り交ぜてくれた。僕も彼のモジュラーシンセを少し触らせてもらって、その音もこの作品に入ってる。エリック・シボスキは元々ベーシストだったんだけど、ここ数年はモジュラーシンセを探求していて、このアルバムではパッドやシンセのテクスチャーを演奏してくれたんだ。

──“with you where you are”には珍しくボーカルが入っていますが、これは誰が歌っているのでしょうか？

この曲で歌っているエリン・ベントラージ（Erin Bentlage）は大好きなボーカリストなんだ。そしてグラミーにノミネートされている実力者で、友人の1人でもある。制作では、まず僕がピアノの高い音符を演奏した素材を彼女に渡した。エリック・シボスキが僕のピアノをレコーディングして、それをモジュラーシンセで加工して、再生スピードをすごく遅くした。僕がランダムに演奏した音符やテクスチャーを、エリックが加工したんだ。

その素材を聴いたときは、曲には聞こえなかった。意図的に演奏したものではなく、テクスチャーが主体だったからね。でも面白いサウンドだったから、エリンに送って「自由に歌ってもらっていい？」と頼んだ。すると彼女は、僕のピアノのフレーズをもとにメロディを作って、歌ってくれた。彼女が歌を重ねたバージョンを聴いて、すぐに気に入って、曲として仕上げることができた。

──これまで保守的なジャズミュージシャンはあまり他のジャンルを認めてきませんでしたが、あなたと一緒に演奏している若いミュージシャンは、ヒップホップ、エレクトロニックミュージックにも影響されています。これは特にLAのジャズシーンでは顕著な流れですが、なぜこういう流れがLAにあるのだと思いますか？

LAの音楽シーンは、とにかくオープンマインドなんだ。とても多様性のあるサウンドを受け入れるシーンで、LAのジャズミュージシャンは、ヒップホップやエレクトロニックミュージックも大好きだよ。アメリカのブラックミュージックは元々、様々なスタイルに対してオープンで、新しい手法をどんどん取り入れていた。だから、LAは僕がやっているような音楽を探求するには最適な環境なんだよ。

そういう意味で、ここの音楽コミュニティの一員になれて嬉しいし、いつもインスピレーションを受けてる。僕はLAシーンのそういう側面が大好きなんだ。LAのミュージシャンはリラックスしていて、他のミュージシャンをあまり判断したりしない。「なんでもアリ」の精神が定着してるんだ。テルミンでサーフロックを演奏しているミュージシャンがいたら、「それ、面白いね！」ってみんな平気で言えるんだ（笑）。どんな音楽に対してもオープンだからこそ、特別な音楽がここから生まれやすい。

──〈Stones Throw〉は元々ヒップホップレーベルとしての印象が強かったですが、あなたやジョン・キャロル・カービー（John Carroll Kirby）、ジャメル・ディーン（Jamael Dean）などが所属し、ジャズ色が濃くなりましたよね。この変化についてはどう思いますか？

素晴らしいことだよ。〈Stones Throw〉は、新しい音楽ムーブメントがLAで起きていることを認めてくれて、その音楽性を取り入れてくれたことは嬉しい。素晴らしいアーティストたちがレーベルに参加しているから、その一員になれたのは光栄だね。

──表紙のアートワークが、ポラロイド写真のイラストになっていますが、アートワークのコンセプトについて教えてもらえますか？

アルバムのジャケを何にしようか考えていたときに、幼いころに姉と一緒に撮ったポラロイド写真を送ってもらったんだ。この写真を見たときに、「これだ！」って思ったんだよ。母親が僕らの写真を撮って、そのときすぐにポラロイド写真を見せてくれて......それが楽しい思い出だった。その思い出について話すだけで、いろいろな感情が湧いてくる。とても普通なことだけど、そういう瞬間こそ特別だと、あとで気づかされる。だから、アートワークとしてぴったりだと思ったんだけど、ただ写真をそのまま使うのは面白くないから、マイキー・イェイツ（Mikey Yates）という素晴らしい画家にそのポラロイドを描いてもらうことにした。油絵でいろいろな表情を引き出してくれたんだ。とても気に入ってるよ。

──そのポラロイド写真は今回の音楽のインスピレーションにもなったのでしょうか？

そうかもしれない。アルバムの前半の曲は、そのころの思い出と密接に関係してる。”crybaby”という曲があるんだけど、僕が子供の頃はとても敏感で感情的で、しょっちゅう泣いてた（笑）。毎日なにかと僕は泣いて、他の子供達に”crybaby”（泣き虫）とバカにされて、さらに泣きわめいた（笑）。姉がよく幼いころの写真をメールで送ってくれるんだけど、自分のアイデンティティや、世の中における自分の位置付けとか、そういうことを考えさせられた。家族のことを考えることも多かった。そういう思いがこのアルバムに反映されてるんだ。

──パンデミック中はツアーができませんでしたが、その状況はあなたにどのような影響がありましたか？　その期間は、作曲に専念していましたか？

確かに大変な時期だったね。みんなもそうだけど、精神的にとてもつらかった。何かを創作しながら自分のメンタルヘルスもケアしないといけなかったんだけど、最初はそれが大変だった。最終的に創作活動はできたけど、もちろんストレスもあったね。毎日新しい音楽的なアイデアを出すルーティーンは止めないようにしていて、それが助けになったと思う。

──以前インタビューしたとき、あなたは若い頃は不安症などで苦しんだことがあると言ってましたが、どのようにメンタルヘルスをケアしていますか？　音楽活動と精神面のバランスはどのように保っていますか？

運動が大切だね。僕はランニングとバスケットボールが好きで、バランスが取れやすい。あと、リラックスするために時間を作ることも学んだ。昔は得意ではなかったけど、その大切さがわかった。友達や家族と時間を過ごすことも大切にしてるよ。運動は好き。

──最後に日本のファンにメッセージをお願いします。

また日本のファンに会いたくてしょうがないよ。世界中で日本は一番好きな国の一つなんだ。日本のファンの事が大好きだし、会えなくて寂しい。すぐにまたみんなに会いたいよ！

Kiefer（キーファー）

LA出身のジャズピアニスト兼ビートメーカーとして、アンダーソン・パーク（Anderson .Paak）のアルバムにもプロデュースで参加。さらに、ケイトラナダ（Kaytranada）ともコラボ楽曲をリリース、マインドデザイン（Mndsgn）のライブバンドメンバーとしても活躍する西海岸注目の次世代アーティスト。幼少からUCLAジャズ学科までに培われてきたピアノの実力と、10代初期からLAビートシーンで育まれてきたヒップホップのビートメイキングの才能が見事にクロスしたジャズビートミュージックで開花。2017年リリースのデビューアルバム『Kickinit Alone』が米A2IMのベストジャズアルバムにノミネートされ、2018年〈Stones Throw Records〉からリリースしたアルバム『Happysad』はPitchfork、Bandcampといったメディアにも称賛された。ニューアルバム『When there’s love around』は、LAビートシーンとジャズシーンを繋ぐ最重要作品だ。彼を聴かずに今のビートミュージックは語れない。

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