安田レイがアルバム『Circle』を完成させた。コラボレーションをテーマに2021年～2022年にリリースしてきた、JQ from Nulbarichとの“It’s you”、TENDREとの“blank sky”、THE CHARM PARKとの“風の中”“each day each night”に加え、Yaffle、Lucky Kilimanjaroから熊木幸丸、VivaOlaを迎えた新曲を収録。さらに“It’s you”以前のシングルでドラマ『君と世界が終わる日に』の挿入歌として話題になった“Not the End”なども合わせた全11曲が、それぞれのシナジーによって輝く。今回は安田に、新たなコラボ曲を中心に各曲を順に追いながら、その魅力を語ってもらった。

──JQさんと共作した“It’s you”収録の同タイトルEPをリリースされた際のインタビューで、さまざまなアーティストとのコラボを推し進めていきたいとおしゃっていましたが、こうしてフルアルバムが完成した感想からお聞かせいただけますか？

初のコラボEP『It's you』を制作していた頃から、この流れをフルアルバムまで繋げたいと思っていました。そして今回は、『It's you』でご一緒したJQ（Nulbarich）さん、TENDREさん、2022年に入って“風の中”、“each day each night”をプロデュースしてくださったTHE CHARM PARKさんに加えて、Yaffleさん、Lucky Kilimanjaroの熊木幸丸さん、VivaOlaさんといったバラエティ豊かなメンバーと曲作りができて、ほんとうに幸せでした。30歳、ソロデビュー10周年を迎える直前に願っていたことが形にできて、私の中で新しい表現の扉が開いたような気がします。ジャケットもそんな作品を祝福してくれているじゃないですけど、この虹、すごくないですか？

──虹は合成じゃないんですか？

撮影当日は雨が降っていて、「しょうがないよね」ってクルーのみんなと話しながら準備を進めていたら急に晴れてきて虹がかかって。

──感動的ですね。

「安田レインボー！」って、よくわからない駄洒落を叫びそうになるくらいのテンションでした（笑）。今回はいろんな方とコラボしたので、人の集まる楽しそうな場所ということで色とりどりの公園をロケ地に選んで、衣装もカラフルにしたところに、偶然虹までかかって、「ああ、これまでのことは奇跡だったんだな」って、大げさではなくそう思いました。

──円のグラフィックも素敵ですね。これはアルバムタイトルの『Circle』を表したものですか？

はい。アルバムを作るにあたってこの『Circle』というタイトルが最初に浮かんだんです。裏テーマは“ミステリーサークル”でした。あれって、上から見たら面白いですけど、中にいたら迷路みたいで自分がどこにいるかわからない。人生もそうだなって、思ったんですよね。ゴールの方向はそっちで合っているのか、ちゃんと前に進めているのか、自分なりに頑張っているのに迷ってばかりですから。そして制作の最後に、今回1曲目に収録したタイトルトラックをYaffleさんと作りました。

──“Circle”の《ここはどこLost in wonderland》という歌詞が、終盤で《この場所が It’s my wonderland》となっていますが、それが安田さんにとっての“Circle”のイメージでしょうか。

そうですね。＜wonderland＞って、そこに入る前は夢の国とか理想郷みたいなイメージがあるじゃないですか。でも実際はそうじゃない。

──少し怖いイメージもありますよね。

いざ入ってみるといろんなものが歪んでいたり、理想とは程遠かったりする。そういうことって生きていると往々にしてあると思うんです。私もそうで、何の迷いもなく音楽の世界にい続けられたわけじゃないですから。でも、そこにもハッピーな瞬間がたくさんある。思い通りにいかなくても自分の駄目なところを受け入れて自分なりに前に進んでいけば「“wonderland”も楽しいじゃん！」って、そんな曲です。

──Yaffleさんとの制作はいかがでしたか？

Yaffleさんのスタジオにお邪魔してセッションをしながら作りました。ポジティブなだけではなくて、ネガティブな部分やダークネスも強めに入れて、最終的には前を向けるような曲にしたいという気持ちを伝えたら、すべて汲み取ってくださって、ほんとうにすごかったです。私はYaffleさんがトラックを作っているプロセスを生で感じながら、湧き出た感情の鮮度を大切にしてメロディを考えました。

──まさに、“Circle / wonderland”の闇を受け入れて謳歌するようなダンサブルな曲。ゴスペルに通じる多幸感に溢れたコーラスのようなパートも印象的だったのですが、安田さんの声を重ねて録ったんですか？

ダンサブルな曲にすることはあらかじめ話し合っていたのですが、ゴスペルとおっしゃった部分は最後にできました。曲がほぼ完成に近づいたタイミングで急にYaffleさんが、「レイさん、メロディを崩してください」って言うんですよ。私も崩すのは好きで、ライブでいつもと異なる色を出したいときなどに時々やるんですけど、初回のレコーディングでやることはまずなかったから少し戸惑いつつ、後半のメインのメロディのうえに崩したメロディを重ねたり、いくつかフェイクを入れたりしました。そしてさらにハーモニーを入れることになって、だんだんコーラスっぽくなってきて、「これゴスペルじゃないですか！」って私もびっくりでした。

──そうだったんですね。

私自身が私の声に包み込まれるような感覚で、いろいろと迷いながら最後には《この場所が It’s my wonderland》と吹っ切れる歌詞のストーリーにもぴったりだと思いました。実はYaffleさん、思い付きで私にメロディを崩させたのではなくて、制作に着手した段階でこの曲をどうしていくか絵が描けていたようで、私にはあえて黙っていたらしいんです。

──安田さんにはリアルに“Circle / wonderland”の中にいるような状態を楽しんでもらいたかったとか？

そうかもしれないですね（笑）。そしてYaffleさんはすごく作業が速くて、1日の間に数トラック作ってくださったので、残りもいつか出せたらと思っています。

──2曲目の“through the dark”と3曲目の“Not the End”は、『It's you』から始まり今回のアルバムのテーマの一つにもなっているコラボレーション以前の曲ですが、なぜ収録したのですか？　特に“Not the End”は、今作をアルバムたらしめる役割を果たしていると思うので、意図が知りたいです。

コラボレーションを掲げた以降の曲だけでいくか、少し迷ったんですけど、そうおしゃっていただけるなら入れてよかったです。“Not the End”はこの数年間の活動を振り返って、もっともパンチのある曲ですし、ただハッピーなだけじゃないダークネスを表現したという意味で、ここまでに話したアルバムの方向性の鍵になっていると思ったんです。

──コロナ禍という時代の記録としても重要な、2020年から2021年に差し掛かるあの瞬間にしかできなかった曲。失礼を承知で、当時私の頭の中にもしあの歌詞が浮かんだら、その瞬間自分の言葉に潰されて歌えない。そのくらい生々しくて緊張感のあるキラーチューンだと思うんです。そして、そんな時期があったからこそ『Circle』の方向性が定まった。

確かに、コロナ禍のあの瞬間にしか生れない曲ですよね。今は考え方や世界の見え方も変わっていますし。あの頃は恐怖心が大きかったから、「自分の言葉に潰される」とおっしゃる気持ちはわかります。そこはドラマ『君と世界が終わる日に』の挿入歌だったことでペンが進んだんだと思います。人々がゾンビと化していく非現実的な物語とコロナ禍が重なった。もしドラマがなかったら自分からそういう曲は書こうと思わなかったかもしれないですね。ドラマがきっかけで私のことを知ってくださった方や、曲は知っているけど私のことは知らない方も多くいらっしゃって、「あの曲の人なんだ」と言われることもあります。ありがたい話です。

──そこからTHE CHARM PARKさんと作った“風の中”へ。80年代風のサウンドと爽快なメロディが疾走する曲で、ここで景色が一気に開けます。

“Not the End”から“風の中”は決して綺麗なグラデーションではないけど、ライブでダークな世界観からMCを挟んでアッパーなムードに持っていく、そんな光景を想像するとすごく気持ちよかったので、あえて並べてみました。今回、この部分だけではなく、曲順にはとことんこだわったんです。結果、既発曲もそれ単体で聴くのとはまた違った魅力が出ているように思うので、ぜひ流れで聴いていただきたいですね。

──続く“HOME THERAPY”はLucky Kilimanjaroの熊木幸丸さんを迎えた曲。Lucky Kilimanjaroには同じようにハウスを基調に家で遊ぶことをテーマにした“HOUSE”という曲がありますが、関連性はあるんですか？

確かに。Lucky Kilimanjaroの曲だと私は“350ml Galaxy”が好きで、それをリファレンスにしてもらったり、あとは私がLizzoが好きだという話もしていたのでオマージュしてもらったりしました。“HOME THERAPY”というタイトルは、私がホームパーティーを大切にしているという話を熊木さんにしたことがきっけかでした。

──そうだったんですね。安田さんがお友達とホームパーティーをしているところがInstagramで流れてきたことがあるのですが。

それですね（笑）。曲を作る前に熊木さんが私のことをじっくり取材してくださって、そこでホームパーティーはデトックスだって話したら、「面白いですね、それで曲を作りましょう」ということになりました。

──ホームパーティーがデトックスとは？

ホームパーティーって家で酔っぱらってバカ騒ぎとか、ちょっとチャラいとか、そういうイメージがあると思うんですけど、私たちにとっては少し違っていて、家というパーソナルなスペースで、気の合う仲間と普段溜め込んでいることや考えていることを言い合う場なんです。終盤に電気を消してキャンドルを焚いてオラクルカードっていうタロットみたいなことをすることがよくあって、そこでお互いに心の中にうごめいているものを思いっきり吐き出して、号泣して抱き合って終了みたいな（笑）。

──私もたまに友達とホームパーティーやりますけど、号泣して抱き合うことはないですね（笑）。

そんな私たちの一晩をイメージして、メロディや作詞も含めて熊木さんがほぼ仕上げてくださったうえで、「どこかではっきりとレイさんらしさも出しましょう」ということで、ブリッジの部分だけ私が歌詞を書いてトラックメイクにも関わりました。

──その作り方の話、納得です。というのも、Lucky Kilimanjaro節と言える、ラップと歌メロの間を縫うようなパートや、お二人の会話調の掛け合いがあるじゃないですか。

そうなんですよ。そういう歌い方をしたことがなかったので、ちょっと恥ずかしいしリファレンスも熊木さんしか思いつかないから、熊木さんの真似をしようとしたら「真似しなくてもいいですよ」って。だから何とか自分なりにやっていたらだんだん楽しくなってきて、新しい歌い方を体得できたような気がしました。

──新しい扉となると、続くTENDREさんとの“blank sky”もそうですよね？

この曲は私がピアノで作った曲をTENDREさんにアレンジしてもらったんですけど、「アレンジがすべてだな」って思うくらい、カッコよくしてもらえました。確かに、こういうモダンでゆったりしっとりしたR&Bって、今までになかったですね。

──“Sunday Morning”もまた、若手注目のVivaOlaさんと組むことで新しい感覚が生れているように思いました。

すっかり仲良くなってVivaちゃんって呼んでるんですけど（笑）、彼とは私がパーソナリティを務めていたラジオに出てもらったことがきっかけで知り合いました。音楽性が好きなことはもちろん、話していてすごくフィーリングが合ったので、その日のうちに「何かやりましょう」と口説いて数カ月越しに実現したんです。私はアメリカンスクール、彼はインター出身で境遇も似ていて、聴いてきた音楽なども、共通言語が多くて楽しかったですね。

──どんな音楽の話をしましたか？

R&Bを中心に、スタジオでもお互いが好きな音楽をかけ合いながらたくさん話しました。彼は私より5つくらい年下なんですけど、私が小学校低～中学くらいの時にはまっていた90年代後半や00年代初期のR&Bもオンタイムで聴いていたみたいで、温度感も近かったんです。「Usherの『Tiny Desk Concert』観た？　やっぱすごいよね」みたいな。そんなコミュニケーションの中で、お互いのルーツであるR&Bをやりたいねって話になり、できた曲が“Sunday Morning”です。

──リズムの音が生っぽくて親しみやすく、曲自体も少し懐かしいにおいがしました。

ちょっと前のR&Bみたいな感じ。その香りはあえて残しました。生っぽいビートもいいですよね。Vivaちゃんが私の声にはそのほうが合うんじゃないかって、提案してくれました。

──そしてJQさんとの“It's you”。この曲は今作の起点として大きかったのではないかと。

そうかもしれないです。コラボレーションの楽しさを知ってエンジンにブーストがかかったみたいな。“Not the End”がダークネスも見せていくというメンタルやメッセージ的な方向性の起点だったとすれば、“It's you”はコラボすることでもっと音楽的な幅を広げたいと思って始めたことの確信、決定打になったと思います。

──“us”は、THE CHARM PARKさんと作ったシングル“風の中”と“each day each night”のリリースの際のインタビューで、「実はTHE CHARM PARKさんとの曲はまだあるのでリリースしたい」とおっしゃっていたその曲ですか？

はい。私が作詞作曲してTHE CHARM PARKさんにアレンジをしてもらった曲で、これに関してはあまり自分のダークネスは出ていない、足取りの軽い曲ですね。ライブのこと、ファンの方々と同じ空間にいる時間を想像しながらシンガロングできるような曲にしました。

──次はお友達のカップルに捧げた“each day each night”。最後に安田さんの仲間への想いや慈愛に満ちた曲がきて、幸せな気持ちになりました。

この曲順もライブを想像してのことですね。最後はポジティブでストレートなラブソングを浴びて、幸せな気持ちに包まれて家に帰ってもらいたいですから。アルバムを締め括るにもぴったりだと思うので、いずれにせよ最後になっていたと思います。そしてハッピーになって、また“Circle”に戻ってもらえたら。円には終わりがないので（笑）。ずっとループしてもらえるような作品にしたかったんです。そして、コラボしてくださった方々のおかげで、安田レイ史上もっとも音楽的な幅があって飽きることなくあっという間に聴ける、だからリピートしたくなる豊かなアルバムになったと思います。

──今作はほとんどの曲で共作というスタンスを取り、シンガーとしてだけでなく、ソングライターとしてもこれまで以上に深く作品に入り込みました。そして、これから先のことについては、どうお考えですか？

今作でジャンルの幅が広がり、歌い方にもいい変化があったと思うので楽しみです。そのあとのことはまだ何も考えていないですね。どうしましょう（笑）。ライブはたくさんしたいですね。ワンマンだけでなく私のことを知らない方々の前でももっと歌いたい。フェスとかイベントとか、いろいろ出たいです。制作面では、先ほど話したYaffleさんと作った曲をはじめストックはまだあるので、それらをさらに磨き上げて出したいですし、今年もシンガーソングライターとして面白い曲をどんどん作っていけたらなって、思います。

──10周年を迎えるにあたっての今の心境は？

デビューしてからまだ10年しか経っていないのか、と最近考えていました。20代全てというのもあり、濃すぎる10年間でした。思い描いていた場所に自分がいなくて、焦ったり怖くなったりする事もたくさんあるけど、もうここまで来るとgod only knowsですね。

音楽から離れようとしても、結局何かが私を連れ戻すんですよ。本当、人生って不思議です。そして、この10年の中で、ファンのみんなと育て上げてきた絆がさらに強くなってきた気がします。今年久しぶりに開催したツアーで改めて「みんなの存在が私を動かしている」と心の底から思えたんですよね。あの瞬間の特別な感情を今年はたくさん重ねていきたいです。みんないつもありがとう！（みんなへのラブレターみたいになっちゃった笑）

──今後挑戦してみたいことは？

またツアーがしたいです！

今年久しぶりにやった東名阪ツアーの音も、気持ちも、みんなとの繋がりも、どんどん育っていくのが本当に楽しくて。もっとたくさんの場所でやったら一体どんな景色が、お客さんが、私が、待ってるんだろう！？　と考えるだけでドキドキしちゃいます。

──7/3のビルボードライブ東京でのワンマンライブはどのような内容になりそうですか？

デビュー日にアニバーサリーライブができるなんて本当に幸せです。たくさんの感謝の気持ちを込めて、スペシャルなセットリストで懐かしい曲もお届けしたいと思ってます。

私の声も、音も、見た目も、価値観も、どんどん変化していますが、この10年をゆっくりみんなと振り返りながら、その時の記憶を音を通して思い出せたら幸せです。

みんなに会えるのを本当に楽しみにしています！　最高の日にしましょう！

──安田さんが元気ロケッツに参加したのが2007年。この年は、初代iPhoneが発売された年で、Twitterは2年目。翌年にはスウェーデンでSpotifyのサービスが始まっているんです。そう考えると、インターネット／ソーシャルメディアや音楽シーンの激動期を、メジャーレーベルのアーティストとして活動してこられたんだなと。

元気ロケッツのオーディションを受けたのが13歳で、デビューしたのが14歳でした。当時はまだ子供だったから、世の中が大きく動きそうな予兆みたいなものは感じ取れていなかったですね。iPhoneやTwitterも「言われてみれば確かに」くらいの感じで、Spotifyのようなサブスク型の音楽配信サービスを知ったのも、2010年代に入ってしばらくしてからのこと。でも振り返ってみて、「けっこう激しい時代を駆け抜けてきたんだな」って思います。

──そんな時代のなかで、安田さんにとって最も大きな変化は何でしたか？

サブスクで音楽を聴くようになったことですね。おかげでその後の私の人生が豊かになりました。元気ロケッツでデビューする小中学生の頃は、まだフィジカルが強くて、私も近所のDORAMAというレンタルCDショップに行ってました。そこでCDを借りて繰り返し聴いたり、お小遣いを貯めて買ったCD1枚と毎日何時間も向き合ったりしていたんです。音源を所有することってすごく価値のあることだし、私はCDが売れなくなっていく時代の流れをアーティストとして過ごしてきたから、寂しい気持ちもありつつですけど。

──サブスクのおかげでどのように人生が豊かになったのでしょうか。

私はもともといろんな音楽を聴くことが好きで、それがアーティスト活動にも生きてくるタイプなんです。そのなかでサブスクは、好きなアーティストの関連アーティストを辿ったり、誰かの作ったプレイリストを聴いたり、いろんな楽しみ方ができる。それによって好きな音楽のジャンルや年代が広がったことが、表現に作用している部分はかなり大きくて。あとは、サブスクで安田レイの音楽に出会ってライブまで来てくださったという方もたくさんいらっしゃいますし、「人生が豊かになった」というのはそういうことですね。

──ひとつひとつの音源を購入するよりもはるかに、さまざまな音楽にアクセスしやすくなったことは大きなメリットですよね。

私は自分の好きな音楽を人におすすめすることも好きで、『CITY GIRLS MUSIC』というラジオ番組もやっているんですけど、そこでもサブスクがあることは大きいです。それまでには考えられなかったスピード感で音源を掘ることができる。そして興味が湧いたアーティストがいたら次はSNSに飛んでみると、どこでライブをやっていて、どんなファッションが好みとか、ある程度わかるじゃないですか。それですぐに直接DMを送ってゲスト出演していただくこともあります。

──SNSについてはどうお考えですか？

アーティストが普段の生活や思想をダイレクトに伝えられるツールですね。それによって変な誤解を生む可能性もあるし、「そんな話は聞きたくなかった」と思われる方もいるでしょうから一長一短ですけど、「私からあなたへ」みたいな感じでアーティストとファンとの距離感が縮まるのは、いいことだと思います。

──そういった安田さんの経験や考え方が、作品に反映されて大きな進化を遂げたのが2020年～2021年だと思うんです。音楽性の幅が大きく広がったアルバム『Re:I』（2020年３月）からシングル“through the dark”、“Not the End”の流れに、明らかなネクストフェーズを感じました。

確かに、2020年前後は変化の時期だったように思います。元気ロケッツのころはまだ右も左もわからなくて、とにかく必死に歌うことが楽しかったし、歌える環境があることがありがたかった。そこから20歳になって安田レイとしてソロデビューして今は28歳。当初と今では聴く音楽もやりたいことも、広がってくるし変わってくる。そんななかで20代前半頃の私って、ポップで明るくて希望に溢れた「太陽が暖かい朝」みたいなイメージと思うんです。

──はい。そういうイメージは強かったです。

もちろんそれは嘘ではないし、今でも明るくて元気な安田レイはちゃんと存在するので、大きなジレンマを抱えながらキャラクターを演じていたわけではないんです。けれど、その一方で私の太陽の部分ではなく、闇のなかにある月の部分を伝えたいとも思っていました。

──ではなぜ月を出さなかったのでしょうか。

ずっと太陽を中心にやってきたからアウトプットの方法がわからなかったんです。そこから精神的に大人の階段を登りながら、サブスクでいろんなジャンルの曲に触れたり、周りの人たちの話を聞いたりすることで、「こんなやり方もあるんだ」って、だんだんと見えてきました。そして私の表現に、それまでよりも大きな変化が起こり始めたのがここ2年くらい。最初はファンの方々に受け入れてもらえるかどうか、少し不安もありました。でも昔も今もどの曲も、私のなかにある真実だし、「そんな一面もあったんだね」ってポジティブな声も多くいただけたので、リリースしてよかったと思います。

──なかでも大きかったのが“Not the End”なんじゃないかと。ドラマ『君と世界が終わる日に』の挿入歌で、ドラマの内容とリンクした、安田レイ史上もっとも生々しい歌詞が響きました。これまで以上に多くの人に安田さんの音楽が届く大きなきっかけにもなりましたよね？

そうですね。本当に感謝しています。この曲はドラマのために書き下ろした楽曲で、人々がウイルスに感染しゾンビと化していくなかでの愛憎劇ですが、コロナ禍と重なる部分もあったから、私なりにコロナに対する想いを歌詞にしたというか。コロナについて言及することを避けられない状況で。事務所の部屋に缶詰め状態で悩みに悩みながら、意味がわからないくらい書き直しを繰り返しました。ドラマの放送が2021年の1月からでしたが、それより前のこの曲を作っていた時期は、もっと先が見えないきつい日々だったじゃないですか。

──私もそうとう辛かったです。

すごくデリケートな問題なので、自分が強く思っていることが正解なのかどうかという大きな自問自答のなかで書かなければいけない。だからと言って慎重になりすぎて、もはや私の言葉ではない当たり障りのない歌詞になってしまったら意味がない。

──そうですね。今になって歌詞を読み返してみてどう思いますか？

しんどかったけど向き合った甲斐はありました。世界の中心で叫んでいるような爆発力や一人ぼっちの寂しさ、どれだけ考えてもどうしていいのかわからない葛藤など、いろんな感情を生々しく描き出すことができたと思います。

──1つの時代の記録が強く刻まれた歌詞だと思います。音楽的にも、『Re:I』～“Not the End”の期間はすごく興味深く、圧倒的な歌唱力をもって、メインストリームもオルタナティブも飲み込んだポップスやR＆B、ハウスやロックなどを展開しています。この一連の流れは、シーア（SIA）やホールジー（Halsey）をロールモデルにしているかもしれないと感じたのですが、いかがですか？

シーアも、ホールジーも、すごくリスペクトしています。引き合いに出していただいただけでも嬉しいですし、恐れ多いです。さっき話したことと重なりますが、私はいろんな音楽を聴くことが好きで、世界的なアーティストや国内のアーティストから多大な影響を受けています。そういったインプットの賜物なのかどうなのかはわからないんですけど、最近自分の声が変わってきたように思うんですよね。「声変わりした？」っていうくらい、昔だったら絶対に出せない声が出ている。意識的に声を変えようとしたわけではないのに、不思議ですよね。

──表現の幅を広げた安田さんの次なるチャレンジが、今回のEP『It's you』。初の外部アーティストとのコラボレーションのみで構成されたEPですが、なぜそうしようと思ったのですか。

1曲ずつ別のアーティストとコラボさせてもらうことで、これまでとはまた違った景色を見たかったし、それを見てもらいたかったんです。そこで浮かんだのがNulbarichのJQさんとTENDREさんでした。お二人の曲はラジオでもよくかけていましたし、JQさんにはゲストでも何度か来てもらっていて。いつか一緒にやりたいと思っていたのでオファーしたら、幸運なことに受けてもらえました。

──では、まずJQさんがプロデューサーを務めたタイトル曲、“It's you”について。JQさんのどんなところに惹かれてオファーしたのですか？

音楽性やアーティストとしての存在感も含めて、さまざまな音楽／カルチャーへのリスペクトをJQさんにしかできない表現に昇華しているところですね。まさに私の理想。実際に一緒にレコーディングしてみて思ったのは、ミステリアスでいてフランクで、エッジもある、多面的な魅力を持った方だなって。我が道を貫きつつもみんなが納得できるラインを探るバランサー的な側面もあって勉強になりました。

──「プロデューサー」という言葉がぴったりの方ですね。お二人でどのようなイメージを持って制作に臨んだのでしょうか。

サウンドや曲調については、そのときの趣味や起伏が激しかった精神状態もあって、サビが「ドンッ！」とくるような壮大な感じではなく、音数が少なくパーソナルで繊細な曲にしたいとJQさんに話しました。そしたら「今っぽくていいと思う」って、私の気持ちを汲んだトラックを作ってくださったんです。歌詞は、コロナ禍で1人だけの時間が増えたことで気が沈んでいくことが多かったので、自己肯定感を高める曲にしたようと思って取り組んだんですけど……。

──「けど」どうなったのですか？

レコーディングを通して出てくる言葉が変わってきたんです。自己肯定感を高めるために、自分で自分を愛でるような言葉が削ぎ落とされていって、タイトルの“It’s you”とかは、気がついたら「これ、誰かに向かって言ってない？」みたいな言葉ばかりが浮かんでくるように。たぶんコロナという不安を抱えながら1人でいるのが寂しくて、誰かとの繋がりを求めていたんでしょうね。それを私は「自己肯定感が低い」と、ある意味では誤認していたんだと思います。

──その感覚、わかる気がします。人と会ったときに「これだったんだ」と思った瞬間、私にもありましたから。

まさにそういうことかもしれません。たぶん1人で作っていたら、どんどんパーソナルな方向に向かっていたと思うんですけど、そこに新しい風としてJQさんがいたことで、自分がコミュニケーションを求めていたことに気がついた。でも、最初に言っていたこととは違うから「これでいいんですかね？」ってJQさんに聞いたら、「それがきっとレイちゃんのほんとうに言いたいことなんだよ」って。JQさんによって導かれた優しくも強さもあるポップソングになったと思います。

──２曲目はTENDREさんをアレンジャーに迎えた“blank sky”。こういったコンテンポラリーな装いも90年代的なノスタルジーもあるスムースなR＆Bは、これまでの安田さんの作品にはなかったタイプの曲ですよね？　それによって安田さんの歌声の新たな魅力が引き出されていることが印象的でした。ソフトでナチュラルで、余韻が気持ちよくて。

ありがとうございます。この曲、実はライブでは披露したことがあるんです。その時はシンプルなフレーズをピアノで繰り返してそこにメロディを乗せただけの曲でした。ピアノはぜんぜん上手くないので、よく人前でやったなと（笑）。

──それだけお気に入りだったんですね。

そうですね。ライブを観てくださったお客さんからも「また聴きたい」という感想をいただいたので、いつか音源化したいと思っていました。すごくシンプルで柔らかくて暖かい曲。ここにもしTENDREさんの魔法がかかったら、さらに魅力的な曲になるんじゃないかと思ってアレンジを依頼したら、想像以上のめちゃくちゃかっこいいトラックが返ってきました。

──TENDREさんのコーラスも絶妙に効いています。

TENDREさんの声が大好きなんです。でも、今回はアレンジャーとしてオファーしたのでTENDREさんの声を入れる予定はなくて、そのままレコーディングを進めていたんですけど、どうしても歌ってもらいたい気持ちが抑えられなくなりました。それで、作業も終盤に差し掛かった頃にダメ元でお願いしてみたら、快く引き受けてくださって。中心にある私の声を包み込む上質な羽毛布団のようコーラス。私が求めていた曲の暖かみ以上のものが出たと思います。

──“blank sky”はライブで観るのも楽しみな曲。前半はキックの音が少ないので、そこを安田さんがどう乗りこなすのかが楽しみです。

そうですね。Aメロは頼れるリズムの音が少なくて難しい。でも、それはライブならではのアレンジができる余白が多いということなので、楽しみにしています。11月21日（月）のビルボードライブ東京で初披露するので、期待してください！　

──3曲目は既発曲から、BONNIE PINKの“A Perfect Sky”をtofubeatsのアレンジで。原曲より少しテンポが速いくらいの原曲に沿った流れにtofubeatsさんならではのサウンドが光ります。

最初はもっとテンポが速かったんですけど、口がこんがらがっちゃって（笑）。BONNIE PINKさんは10代の頃からずっと好きで、ライブもよくカバーしていました。原曲はアネッサのCMソングとしても使用されていて、私のバージョンも「#アネッサおうちで夏フォトチャレンジ」とのタイアップなんですけど、ラジオで歌ったことがきっかけで、声をかけていただきました。リスペクトするアーティストの曲をtofubeatsさんの力をお借りして音源化できて、ほんとうに嬉しかったです。

──最後はYouTubeチャンネル『THE FIRST TAKE』で披露された、2014年のシングル“Brand New Day”を、H ZETTRIOの演奏によってセルフカバーした音源です。

『THE FIRST TAKE』は本当にやり直しなしの1発録り。しかもそれぞれのブースからの歌と演奏だからアイコンタクトができないんです。私はけっこうあがり症で、自分のライブでもよく歌詞が飛んで「戻ってこい」とか思いながらごまかしたりするので、不安しかなかったんですけど、奇跡的に歌詞も間違えずにピッチもしっかり取れました。よく「ゾーンに入る」って言うじゃないですか。その感覚を始めて経験したかもしれません。H ZETTRIOはジャズの方々なので、言わばこういう状況のプロ。アイコンタクトはできないけれど心の眼を通して、私に合わせながら導いてくださったんじゃないかと思います。

──初のコラボEPは、それ自体の内容が素晴らしかったことに加えて、安田さんの未来が楽しみになる作品でもありました。なので、これからやっていきたいことについて教えていただけますか？

昔も今もこれからも、一貫してポップスであることは大事にしていきたいと思っています。そのなかで、自分のルーツであるR＆Bや、ふだん聴いているさまざまなジャンルの音楽性を打ち出していきたいですね。“It's you”のところで話しましたけど、JQさんのような、好きなカルチャーへのリスペクトに自分のフィルターを通して、新たな表現を生み出すことができるアーティストになれるように頑張ります。そして今までのファンの方々のことを大切に想うことはもちろん、もっと多くの方々にも安田レイの音楽を知ってもらいたい。私は欲張りなんだなって、つくづく思いますね（笑）。