──まずはマイキーさんが、ハナレグミの音楽に出会った経緯から教えてもらえますか？

Michael Kaneko（以下、Michael）　きっかけは当時の彼女だったんです（笑）。彼女に教えてもらって聴くようになって、大好きになったのが最初のきっかけでしたね。初めてハナレグミ のライブを観たのが2016年の＜TAICOCLUB＞。クラブミュージック系の音楽が多いなか、メインステージに永積さんがギター1本で現れたんです。そのパフォーマンスがあまりにも素晴らしくて、泣いてしまったのを覚えていますね。

僕は4歳から15歳までアメリカに住んでいたので、日本にはどんなアーティストがいて、どんなミュージックシーンがあるのか、その頃はほとんど知らなくて。例えばサザンオールスターズやユーミン（松任谷由実）、山下達郎さんのようなメジャーのアーティストは知っていても、もっとインディペンデントでオルタナティブなアーティストについて知るようになったのは、自分もライブハウスに出るようになった21歳頃からなんですよね。

──ハナレグミを知ったのも、その頃だったのですね。

Michael　はい。実は永積さんとは何度かニアミスしてるんですよ。ただのファンとして挨拶するのは嫌だったんですよね（笑）。いつか永積さんが、僕のことを認識してくださった時に挨拶をしようって決めていたんです。

──それが2018年に開催された＜Slow LIVE '18 in 池上本門寺＞だったと。

Michael　そこに僕はオープニングアクトで出演したのですが、同じ日にハナレグミのステージもあったんですよね。その時に楽屋へ行ってご挨拶をしたのが初対面でした。

永積 崇（以下、永積）　「あ、Michael Kanekoだー！」って思わず叫んだよね（笑）。もちろん、その時にはマイキーのことも知っていました。最初はYouTubeか何かでPVを観たのかな。その前の＜GREENROOM FESTIVAL'16＞でも同じ日にマイキーが出演していて。自分の本番も近かったので、ライブを観ることは出来なかったのだけど、「ああ、マイキーが今歌っているんだなあ」と思いながら準備していたのを覚えています。

──マイキーさんの音楽にはどんな印象がありましたか？

永積　一言で言えば、サウンドと声がすごく近いところにある印象。自然体というか、それが歌声にも表れていると思っていて。あの音量で、自分の声をコントロールすることってなかなか難しいと思う。でも、そこに常にトライしつつ自分のアイデンティティにしているのって、やっぱり特別な人なんだなって。きっとそれは彼の出自にもよるところが大きいと思うんですよ。日本語を「響き」で捉えている感じがするし。

──「響き」ですか。

永積　例えば僕らが洋楽を聴く時、英語の意味が分からなくても「響き」で楽しんでいるところがあると思うんです。マイキーが歌う日本語にもそういうニュアンスを感じる。しかも英語の歌詞と日本語の歌詞が、絶妙に混じり合っているじゃないですか。それがすごく新しいなと。

音楽的にもそう。フォークやカントリーのような音楽と、R&Bやヒップホップのような音楽がミックスされた独特のサウンドなんですよね。

Michael　嬉しいです。

──マイキーさんは、永積さんの弾き語りにどんな魅力を感じたのかもう少し詳しく聞かせてもらえますか？

Michael　もちろんパフォーマンスそのものも感動的だったのですが、僕が一番衝撃を受けたのは他の出演者とのギャップでした。弾き語りとしての魅力を、たった一人でステージに上がって100パーセント伝えられていることに対して「すごいな！」と感じたんです。その頃の僕は、「弾き語りだと物足りないなあ」みたいな言い訳をしたこともあったのですが、「そんなこと言ってる場合じゃない！」と思いました。

──当時Twitterにも「ハナレグミ、本当に素晴らしい、、弾き語りに自信を持たなきゃ、、と思いました」と呟いていましたよね。

Michael　シンガーソングライターとしての活動って、自由と同時に孤独も強く感じるんですよね。当時日本ではシティポップっぽいバンドがどんどん出てきていたなか、僕はアコギ1本でフォーキーな楽曲をやっていたので、「そっちにいきたいなぁ」なんて思っていた時期もありました。でも永積さんのライブを見て「あ、これだ！」って。

永積　ライブでの弾き語りに関して言えば、バンドやクラブミュージック中心のタイムテーブルだったからこそ、オーディエンスは僕の弾き語りを新鮮な耳で聴くことができたとも思うんです。みんなが弾き語りだと、そこから一つ抜きん出るのは難しいし単調に感じてしまうこともあるじゃないですか。

Michael　ああ、確かに。

永積　もともとハナレグミをやろうと思ったきっかけは、SUPER BUTTER DOGをやっている時に、自分が昔から好きだった日本のフォークソング……例えば井上陽水さんみたいな音楽を、クラブの空き時間にやったら面白いんじゃないかと思ったからなんです。

Michael　そうだったんですか、知らなかった。

永積　今はもう閉店してしまったクラブ・青山Ojasでやったのが最初だったかな。そうしたら、さっきまでハウスでガンガンに踊りまくっていた子たちが陽水さんやビリーバンバンの歌に思いっきり入り込んでくれたんですよね（笑）。

その時に思ったのは、「音楽の可能性を自分たちやる側が狭めちゃいけないんだな」ということ。弾き語りって、実はあらゆる方向に可能性を持ったコアな表現なんですよ。そこからテクノにもなれるし、ファンクやロックにもなれる。そうやってあらゆる方向へ広がっていく、ど真ん中にあるコードとメロディだけで勝負しているのが「弾き語り」なんじゃないかと。

──なるほど、確かにそうですね。

永積　しかも、弾き語りって自由なんです。曲順もその場で勝手に変えられるし、キーもアレンジも、テンポも自由に変えられる。イベントに出演したら、自分たちの前と後に出てくるバンドの「接着剤」的な役割もしてくれるとも思うんですよね。そういうことってバンドや打ち込みだとなかなかできないじゃないですか。きっと観る側も、そういう自由な姿を面白がってくれていると思うんですよね。

──ちなみにお二人は出会ってから現在まで、どんなふうに交流を深めていったのですか？

永積　僕のイングリッシュティーチャーをやってもらっているんだよね。というのも、コロナ禍になる直前にNHKホールでライブがあって（ハナレグミ ツアー 2020「THE MOMENT ～HORN NIGHT～」）。そこでポール・サイモン（Paul Simon）の“Still Crazy After All These Years”と、ナット・キング・コール（Nat King Cole）の“Smile”をカバーしようと思ったんです。

Michael　その時に「英語の発音と歌詞の意味を教えてほしい」と言われ、スタジオに一緒に入ってリハーサルをしました。それが、ちゃんとお会いした初めての機会でした。事務所からその話をもらった時には本当にびっくりしましたけど、すごく嬉しかったし光栄でしたね。

永積　そういうことを相談できる人が、なかなかいないんです。英語の先生はたくさんいても、歌詞のニュアンスやメロディの中での発音を教えるのって、実際に音楽をやっている人、歌っている人じゃないと無理だと思うんですよね。仮に音楽をやっていたとしても、自分と近しい趣味じゃないと言われたことを全部受け止められないし。それはもう、マイキーと出会う前からずっと悩みの種でもあったんです。

Michael　僕もその時のライブを観に行きました。もちろんめちゃめちゃ良かったのですが、あの2曲を永積さんが歌っている時はドキドキしたのを覚えています（笑）。

永積　あははは、そうだよね。

Michael　その時も弾き語りだったのですが、お客さんをグッと惹きつける永積さんの力に圧倒されました。永積さんの人柄が滲み出るようで「すごいな」と。

──さて、そんな二人のコラボ曲“RECIPE”は、どのように作られていったのでしょうか。

Michael　実はこのデモは、コラボアルバム『The Neighborhood』に入っている楽曲の中では最初に出来上がっていたんです。昨年春くらいだったかな。その時から「この曲は永積さんと一緒に歌いたい」と思っていました。

永積　実は僕、誰かに歌詞を書くことってあまりなくて。自分が歌うんだったら責任が持てるけど、人のために歌詞を書くのって本当に自信がなくて、これまでもかなり断ってきていたんです。でもマイキーからオファーを受けてデモを聴かせてもらった時は、なぜか分からないけど「これなら出来るかもなあ」と思ったんです。

きっと、「仕事」っぽく依頼されていたら難しかったかもね。マイキーとはすでに交流もあったし、気持ちが通い合っているからこそ引き受けようと思ったのかもしれない。そもそも『The Neighborhood』が、「気心の知れた人と作るコラボアルバム」というテーマだと知ったのも大きかったな。

──タイトルは、スヌープ・ドッグの料理本（『スヌープ・ドッグのお料理教室』）からインスパイアされたとか。

永積　そうです（笑）。歌詞を考えるにあたって、まずカメラ片手にマイキーの家へ遊びに行って、パシャパシャ撮影したり、色々な話をしたりしながらマイキーの言葉を集めていったんです。その時部屋に『スヌープ・ドッグのお料理教室』が置いてあって。「なにこれ、すごい料理本だね！」みたいな話をしたのが印象に残っていたんですよね。

「好きな色はなに？」と聞いたら、「明るい緑が好きです」って言ったので、歌詞にもそのまま入れたり。なので、この曲にはマイキーの言葉がたくさん詰まっています。声の中に様々な感情が含まれているので、言葉にはあまり感情を込めず、見えたものや思い浮かぶものをそのまま放り込んだ方が、何かそこに「ムード」が生まれるだろうなと思ったんですよね。でも、サビの《素直な気持ちのレシピ》という歌詞が思い浮かんだのは、本当にマジカルだったなと思っています。

──というのは？

永積　マイキーの楽曲が持っている「ファンタジックな要素」をうまく言葉にできたなと。身近にありながらもどこかファンタジックで、僕らが知らない「もう一つの世界」を彼は知っている。マイキーの曲を聴いていて、そんな気持ちになるのはきっと、彼のこれまでの生い立ちも関係している気がするんですよね。

羽根木公園に二人で行った時、彼が今抱えている悩みとかそういうこともチラッと話してくれたのですが、その時にマイキーの真摯な姿勢というか、迷いながらも真っ直ぐに進もうとしている意志の強さをすごく感じて。「本当に気持ちのいい奴だな」と思ってグッときた自分の思いを、《泣いたり笑ったり　隠さないよ》みたいな言葉でうまく表せたと思っていて。

──ある意味、マイキーさんを自分に憑依させながら書き上げたというか。永積さんというフィルターを通したマイキー像が、歌詞に投影されているわけですね。

永積　まさにそうです。

Michael　なんていうか……こんなに「自分」が詰まった歌詞を、永積さんに書いてもらえるなんて、「本当にいいのかな？」という気持ちです。全体的にはすごく明るくて、《チーズバーガー》とか《ベージュの四駆》とか（笑）。僕の好きなものが並んだちょっとユーモラスな内容の曲なんですけど、例えばBメロではちょっとシリアスなことを歌っていたりもして。それがすごくいいバランスなんですよね。

今回、『The Neighborhood』というアルバムを作ってみて、コラボ作品だからこそ歌うことのできた歌詞もたくさんあるなと思いました。もっと日本語にも挑戦していきたいと思わせてもらいましたし。

永積　この先マイキーには、本当にいろんな歌を歌っていってもらいたい。特に日本語に関しては、このくらい遊んじゃってもいいと思う。耳障りのいい日本語をチョイスするだけじゃなくて、例えばこの“RECIPE”の歌詞くらいデコボコした強い言葉をあえて並べたとしても、マイキーの歌声とサウンドでちゃんと形になるわけだから。恥ずかしがらずにどんどん挑戦していってほしいな。

──『The Neighborhood』は、最後にマイキーさん一人で歌う“Through The Fire”で締めくくるところもいいですよね。

永積　あの曲はマイキーの表現の「コア」というか、いわば「心臓」だよね。

Michael　はい。この“Through The Fire”も、僕にとってはちょっと照れくさい曲なんですけどね。今よりもずっと若い、24歳とか25歳のころに「日本語でダイレクトな表現がしたい」と思って書いた歌詞なので。当時は「こんなこと、歌っちゃっていいのかな」なんて思っていたんですけど、永積さんと一緒に“RECIPE”を作ったことで、かなり自信が持てるようになりました。「こういう表現もありなんだ」「こんな言葉を使ってもOKなんだな」と思えたのは、これから曲を作っていく上でもすごく指針になったなと思っていますね。

永積　もう、どこまでも行ってくれよ、マイキー！

Michael　あははは。

──お2人の交流はいつ頃から始まったのですか？

Michael Kaneko（以下、Michael）　確か2016年くらいだったかな、東京・恵比寿にあるライブハウスEBISU BATICAのセッションの日に（さかい）ゆうさんがいらしたので、挨拶したのがきっかけです。それからすごく仲良くなって、一緒に飲んだりご飯を食べに行ったりしていました。もちろん、その前からゆうさんのことは知っていましたし、昭和女子大学人見記念講堂で初めてライブを観てものすごく衝撃を受けたこともよく覚えています。

さかいゆう（以下、さかい）　俺はマイキー（Michael Kaneko）と初めて会ったとき、顔の筋肉が、英語を話せそうな感じだなと思ったんだよね（笑）。

Michael　そう、最初に会った時、まだ一言も話していなかったのにいきなり「英語、話せそうだね？」と言われてびっくりしました（笑）。

さかい　そばにいた対馬（芳昭）さん（〈origami PRODUCTIONS〉代表）も「ゆうくん、さすがだね」って（笑）。あと、マイキーは喋り声と歌声が一緒じゃん。僕はそこに大きな開きがあるので（笑）、喋っている声がすでに音楽的なのは羨ましいなと最初から思っていたよ。

Michael　いつもゆうさんはこんな感じ（笑）。本当にフランクで裏表がないから僕もなんでも話せるし、相談したら正直な意見を絶対に言ってくれるところも信頼していますね。もともとゆうさんと〈origami PRODUCTIONS〉（以下〈origami）はすごく深い関係性があるんですよね。

さかい　実は、まだ事務所が決まる前に〈origami〉にアプローチしてたんですよ。以前から対馬さんとは仲良くさせてもらっているし、引越しを手伝ってもらったこともある（笑）。何かあったときは相談に乗ってもらったりしていたので、当然リスペクトもしているし、自分がシンガーソングライターとしてデビューするなら対馬さんと一緒にやりたいなと。でも、見事に断られたんです（笑）。

Michael　その理由を対馬さんから聞いたことあります。その頃の〈origami〉は、対馬さん1人でやっていて、まだ形にもなっていなかった。だから、ゆうさんからアプローチがあったときは「今じゃ何もしてあげられない」と思ったって。「うちじゃもったいないから、もっとちゃんとしたところへ行きなさい」とゆうさんに言ったそうですね。

さかい　そのときに対馬さんが、今後、〈origami〉をどんな事務所にしていきたいか、その目標というか、お手本の1つとして挙げていた事務所が〈Office Augusta（以下、Augusta）〉だったんですよね。「いつか〈Augusta〉みたいなことをやりたい」と言っていた矢先に〈Augusta〉から声がかかったんです。僕にとって〈origami〉は、〈Augusta〉との橋渡しをしてくれた「精神的なキューピット」。だからマイキーがその〈origami〉からデビューする新人だと紹介されたときから、「間違いない」と思っていましたね。

──そのあと、実際にさかいさんがマイキーさんに英語詞をオファーするようになっていくわけですね。

さかい　でも、それはお友達だからお願いしたわけではなくて。僕の考える「プロのクオリティ」の仕事を、ちゃんとできる人だなと同じ目線で思ったからオファーしたんです。

Michael　ありがとうございます。実際にゆうさんと初めて一緒に音楽をやったのっていつでしたっけ。

さかい　確か酔っぱらって蔦谷好位置さんと、“Just The Two Of Us”とか飲み屋でセッションしたときじゃない？　蔦谷さんにマイキーの声を聴かせたかったんだよね。案の定、驚いていたよね。「マイキー、持ってるねえ！」って。やっぱりわかる人には一発でわかる声なんですよ。

Michael　嬉しいです。

──さかいさんの楽曲“Get it together”（2019年）に、マイキーさんが英語詞とコーラスで参加したのはどんな経緯だったのですか？

さかい　3年くらい前から、今まで培ってきた「ファンクネス」と、生まれた時から持っている「日本人」としての感覚を融合させたらどうなるかと思うようになり、レコーディングで海外のミュージシャンと一緒にやることを考えるようになったんです。その最初のアルバムが『Yu Are Something』で、その収録曲の“Get it together”を英語詞にしたいと思った時、自分が知っている作詞家の中で最も適任だと思ったのが、マイキーだったんです。作詞だけでなくコーラスでも参加してもらったんだけど、オクターブユニゾンを自分以外の人の声でやると、違う倍音が混じり合って声が広がるのがいいね。

Michael　しかもこの曲は、ゆうさんの裏声と僕の低い声がすごく合ってますよね。俺の声をゆうさんの声がコーティングしているみたい（笑）。これ、バンドのレコーディングは「せーの」で録っているんですよね。それでこんなタイトなグルーヴが出るなんてすごい。

さかい　いや、本当に上手かったよ。レイ・パーカー・Jr.（Ray Parker, Jr）のギターも、ジェームス・ギャドソン(James Gadson) のドラムも。ギターソロとか「これぞレイ・パーカー！」という感じだし。

Michael　最後、延々とギターソロを弾いてるの最高ですね（笑）。しかもベースとキックの絡みもヤバい。

さかい　ベースは俺がシンセベースを弾いてるんだよね。

Michael　え、ほんとですか？　これゆうさんが弾いているのか……すごい。

──では、今回お2人がコラボした楽曲”SANDIE”の制作過程についても教えてください。

Michael　この曲はまず僕がデモを家で作り、鼻歌っぽいメロディを乗せたものをゆうさんに送って、そこに歌詞をつけてもらって……という流れで作っていきました。ギターのカッティングは、ゆうさんから「ナイル・ロジャース（Nile Rodger）っぽい感じで弾くのはどう？」とアイデアをもらって、すぐには弾けなかったから持ち帰って家で練習して、ようやく録れたテイクですね（笑）。

さかい　ちょっとダフト・パンクの“Get Lucky”っぽさも加わったよね。

Michael　それから歌詞をつけてもらう過程で、メロディの譜割なども多少変わってきました。1サビと2サビでは入り方が違うのもゆうさんのアイデアで気に入っていますね。あと、僕はメロディを書くときに、英語のフレーズを適当に乗せながら考えているんですけど、ゆうさんはその英語の発音をなるべく崩さないように日本語の歌詞を入れてくれるんですよ。その言葉のチョイスも含めて「すごい！」と思いました。

さかい　この曲の歌い出しを《くすんだ》にしているのもそういうこと。母音ではなく子音から始まる方が英語っぽいじゃない？　ここが《あなたの〜》みたいな、母音を強調したフレーズだったら響きの印象が全く変わるんです。基本的に日本語って母音が強いので、英語よりも少し音量が大きく聞こえるようにミックスしないと何を言ってるのか分からなくなるし。

Michael　確かに。しかも、《くすんだ》の方が《あなたの》より歌いやすいです。

さかい　その方が音程も取りやすいし、ニュアンスも作りやすいんだよね。例えば「apple」も、英語の発音と片仮名の「アップル」の発音は全然違う。今話したようにメロディの乗り方も変わってくるわけです。洋楽っぽいメロディやサウンドに日本語の歌詞を乗せるのって本当に難しくて。これはもう、ずっと悩みながら作り続けてるんです。

そんな中で、マイキーの歌う日本語の歌詞にすごく可能性を感じますね。マイキーみたいに、英語がネイティブの人が歌う「日本語の楽曲」をこれからどんどん作ってほしい。僕ら日本人が歌う日本語とは違う、母音がそれほど強調されていない、子音が母音に混じっているようなマイキーの歌い方がもっと開発されていけば、マイキー独自の音楽性を確立できるし、J-POPの新しい可能性にもつながっていくんじゃないかなって。

Michael　このプロジェクトを始める前はずっと英語詞を歌ってたんですけど、もっと前に「マイキーは絶対に日本語で歌った方がいいよ。」と言ってくれたのを覚えてます。

さかい　それは、「日本語で歌った方が日本人に伝わりやすいから」じゃないんです。ネイティブの人が歌う、日本語の響きに興味があるんです。あくまでも「サウンド」に関心があるんですよね。きっと、そこを追求してきた人は今までにもいたし、その代表的な存在といえば桑田佳祐さんだと思うんですよ。それまでのロックは、例えば「はっぴいえんど」は母音が強調された日本語をそのまま洋楽フォーマットに落とし込んでいるから、ぼってりとした歌い方になっていると思うし、それが魅力だとも思う。

それに対し桑田さんは、ああやって母音を弱目にすることによって、早口だったり、複雑な譜割だったりを自分のメロディに取り込んでいる。そこから新しい歌い方ってずっと開発されてこなかったけど、ぜひともマイキーには、その先を追求してもらいたいと僕は本気で思っているんですよね。

──歌詞にはどんな思いを込めましたか？

さかい　歌詞は「現実逃避」がテーマです。俺、現実逃避って必要だと思うんですよ。なぜなら、現代人にとって「ファンタジーこそリアリティ」だと思うんです。ここでいうファンタジーとは、ある人にとってはスマホゲームかもしれないし、ある人にとっては睡眠かもしれない。ファンタジーの世界を自分の中に持っていないと生きづらい世の中だし、そこに「本当の自分」を見出すのは決して悪いことじゃないと思うんですよね。

歌詞の中では、理想の相手と出会った男女が砂漠へ逃避行するのですが、僕の実家は高知にあって、子供の頃からよく行く「大岐の浜」という場所が、夜になるとまるでプラネタリウムみたいに星が空いっぱいに広がるんです。そこで寝そべっていると「このまま意識がなくなったとしても、幸せかもしれないな」という気持ちになるんですよね（笑）。そのことをイメージして書いたのが“SANDIE”です。曲名は、砂浜の「sand」と、女性の名前「サンディ」をかけたものですね。

Michael　「ファンタジーこそリアリティ」は、確かにそうかもしれないですね。僕はお酒が好きだし、できればファンタジーの世界にずっといたいけど（笑）、そういうわけにもいかないので、あまり引っ張られないように気をつけてます。ファンタジーと現実、そのバランスが大事なのかなと。でも僕らミュージシャンはライブというファンタジーを届けているわけじゃないですか。そういう意味でも「ファンタジーこそリアリティ」だなと、今思いました。

さかい　そうだよ。俺らファンタジーでご飯食べてるんだから。（笑）

Michael　あははは、確かに。

──コロナ禍で日常の中の「ファンタジー」が奪われてしまったことで、まさに「ファンタジーこそリアル」というか、ファンタジーの大切さを思い知らされた2年間だったと思います。

さかい　だからこそ音楽も、シリアスで現実的なことをテーマにするよりかは、今はむしろファンタジックで、ちょっと背徳感もあるような歌詞の方がみんな聴きたいんじゃないかなと思って、今回はそれも意識していますね。「音楽の中だけでも自由に妄想を繰り広げようよ」って（笑）。もちろん、聴く人によって自由に解釈してもらって構わないし、そういう余白も残した歌詞になったと思います。

──中盤のサイケデリックな展開も、まさに現実世界からのトリップという感じですよね。

さかい　あの展開はデモの段階からあったよね？

Michael　はい。普通にブリッジとか落ちサビでもいいけど、これまで自分がやったことのない展開を加えてみたくて。ライブでやったときに盛り上がるといいなという気持ちもありました。そこからゆうさんのエレピソロ、僕のギターソロと雪崩れ込んでいく、かなりストーリー性のあるアレンジになったと思います。

──最後に、楽曲が完成した今の心境を聞かせてもらえますか？

Michael　最高の曲ができました。今まで自分がリリースした曲の中でもトップ3に入るくらい気に入っています。次はゆうさんとライブがやりたいですね。ゆうさんとは一度だけ、＜鉄工島フェス＞で共演したことがあるんですよ。シンガーが入れ替わるハウスバンドのギターコーラスで参加したとき、ゆうさんのサポートもやらせてもらったんですけど、それがすごく楽しかったんですよね。

さかい　楽しかったし、お客さんがめちゃくちゃ盛り上がってたんだよね。「お客さんも音楽好きなんだろうなあ」って心から思いました。

──ぜひこの曲も、ライブで披露してくれるのを楽しみにしています。

さかい　次は横浜アリーナでやろうか。（笑）

Michael　やりましょう！

──そもそも10年前、☆Takuさんは、どのような状況認識と理由のもと、block.fmを立ち上げられたのでしょう？

☆Taku Takahashi（以下、☆Taku）　block.fmを立ち上げる少し前ぐらいから、音楽の世界でいろいろ面白いことが起こっていて、ダンス・ミュージックがまた新しくなる時期だったんですよね。ダンス・ミュージックには呼吸みたいなものがあって、すごくイノベーティブな時期と保守的な時期が交互にくるところがあるんですけど、その頃はイノベーティブな時期で。

要は、EDM以前、エレクトロクラッシュが出てきたようなタイミングだったんですけど、そういったアーティストが世界でどんどん面白い曲を作っていて、それと同時に日本からも素晴らしいアーティストたちが続々と出てきていたのに、そういう音楽が既存のラジオ局ではあまり紹介されていなかったんです。だったら自分でやろうと思って、最初は自分の名前を伏せて、海賊ラジオみたいな形で始めたんですけど、もっと広がりが必要だなと思ってゲストを招くようになって。そこからやっぱり、みんながそれぞれ発信していく形にしていくべきだなと思い。2011年の11月11日に、block.fmが誕生しました。

──そんなblock.fmの動きを、〈origami PRODUCTIONS〉（以下、origami）の代表である対馬さんは、当時どのように見ていたのでしょう？

対馬芳昭（以下、対馬）　そもそも10年前には、そういうスタイルのメディアがなかったので、やっぱりすごく衝撃でした。あと、僕は元々ビクターエンタテインメントで洋楽の宣伝に携わっていて、クレイグ・デイヴィッド（Craig David）とかを担当していたんですね。その頃日本では、m-floさんがいち早くガラージとか2ステップみたいなものを取り入れていたので、実はクレイグと☆Takuさんの対談を企画させてもらったこともあったんです。 当時、そういう2ステップみたいなものが出てきたのは、やっぱりイギリスの海賊ラジオというか、いわゆる「パイレーツ・レディオ」からだったんです。海の上だったら電波法に引っ掛からないから、船を出してそこから発信するっていうギリギリのことをイギリスではやっていたんですけど、その頃の音楽カルチャーは、全部そこから生まれているみたいなところがあって。でも、日本ではなかなか難しいよなって思っていたらblock.fmが始まって、「なるほど、こういうやり方があったか」と。あと、☆Takuさんと一緒にblock.fmを立ち上げたTJOさん──ジョンさんは、僕らが〈origami〉をやり始めた頃から、すごく注目してくれていて、彼がやっているイベントに、よく呼ばれていたんですよね。

☆Taku　＜absolute!!＞ですね。

対馬　そうです。トラックメイカーたちが自分の曲を1曲だけ流して、バトルじゃないけど、どれが良かったのか決めるっていう面白いイベントがあって。そういうイベントをやっていたジョンさんと☆Takuさんが、block.fmをやり始めたのは、ある意味必然だったというか、これはすごいなって思って見ていました。

☆Taku　対馬さんが独立して、〈origami〉を始めたきっかけっていうのは、何だったんですか？

対馬　それが、☆Takuさんの話とちょっと似ていたんです。新しいカルチャーが出てきたときに、それをどうやって押し上げるかが、やっぱりすごく大事だと思ったことがきっかけです。アメリカのシーンでは、たとえば、ビヨンセ（Beyonce）とかジェイ・Z（JAY-Z）がメインストリームで売れている一方で、エリカ・バドゥ（Erykah Badu）とか、コンシャスな音楽も、ちゃんと押し上がっていた。

つまり、カルチャーの両輪が、ちゃんと回っているような気がしたんですよね。もちろん、そのベースには、ゴスペルとか教会っていうものがあって、さらにはアポロシアターみたいなバックグラウンドもあるんですが。メインストリームに上がっていくものもあるけど、それ以外のところもちゃんと回っているというか、その全部でひとつのシーンを作っているようなところがあると思ったんです。

☆Taku　アメリカの場合は、そういうものが、ひとつのエコシステムとして、ちゃんと回っているんですよね。

対馬　シーンを長く成立させるためには、そのベースにあるものもちゃんと見ていかないと、本当の意味で回っていかないと思うんですよね。R＆Bやヒップホップ、あとダンス・ミュージックもそうですけど、やっぱりストリート・レベルのものに、これからヒットするものがいっぱいあるわけで。

その全部がバランス良く回ると、シーンとしてちゃんと回り始める。僕にとっては、やっぱりそこがテーマであって。ビクターに所属していた当時は、個人的にも興味深いアーティストに関わらせてもらっていたんですけど、日本のシーンには何かピースが足りないなと思って、会社を辞めて、2007年に〈origami〉を立ち上げました。

──そんな〈origami〉の動きを、☆Takuさんは、どのように見ていたのでしょう？

☆Taku　僕はKan Sanoさんで初めて〈origami〉の存在を知ったんですけど、レーベル自体が独自のカラーを持っているじゃないですか。〈origami〉のアーティストって、今はSpotifyのメインストリームの中にも入っているけど、僕が知ったタイミングは、EDMとかエレクトロニックなものが結構主流になっている頃だったので。そういう中で、ある種オーガニックな手触りを残した形というか、自分たちの筋をずっと通しているのは、すごいことだなと思います。

──そういうレーベルとしてのカラーみたいなものは、対馬さんがある程度意図的に打ち出していったのか、それとも集まった人たちが、たまたまそういう人だったのか、そのどちらだったのでしょう？

対馬　その両方があったと思います。〈origami〉の場合、アーティスト自身が時代によって自分たちの音楽性を変えていっているようなところがあって。それこそmabanuaの1stアルバムでは、ジャジー・ヒップホップというか、かなりコアなヒップホップをやっていたんですけど、2ndではもう少しトロ・イ・モワ（Toro Y Moi）を思わせるような表現に変わっていたり。Kan Sanoも最初に比べるとだいぶ変わってきていて。

☆Taku　今は、自分で歌ったりしていますもんね。

対馬　そうですね。それぞれのアーティストがどんどん変化していっているんですけど、一貫して変わってないのは、プレイヤーというかミュージシャンシップみたいなところなんですよね。そこは多分最初から一貫していて、やっぱりプレイヤーがフィジカルに音を奏でるっていう。もちろん、サンプリングもしますし、そこは自由なんですけど、自分たちはプレイヤーなんだっていうところの軸は、ひとつポイントとしてあると思います。

☆Taku　あと、〈origami〉の人たちは、いろんなアーティストのサポートもやられているじゃないですか。そこが僕、すごく好きなところなんですよね。昔って、サポートの人はあくまでもサポートの人で、自己表現する人があまりいなかったけど、Kan Sanoさんも、フェスとかに出たら自分のライブをやりつつ、他の人のサポートでもステージに出たりしていて。そこにプレゼンスを感じるし、それによってシーン全体が面白くなっているような気がするんです。

対馬　僕らがやっていることは、最初に☆Takuさんが言っていたblock.fmのコンセプトに、ちょっと近いところがあるのかもしれないです。メディアとレーベルっていう違いはありますけど、いろんなアーティストをちゃんとピックアップして、それを他のアーティストと繋げていくというか。

☆Taku　シーンにとっては、そこがいちばん大事なんですよね。メジャーレーベルともいろいろ掛け算しながら、ドーンと行ってもらって、全然構わないっていう。

対馬　そうですね。でも、これから上がっていくものを、グッと押し上げてあげるのって、やっぱりblock.fmのようなメディアだと思うんですよね。

──この「コロナ禍」で、ライブも含めていろんな状況も変化しましたが、そんな中で音楽の聴き方、あるいは向き合い方みたいなものって変わりましたか？

対馬　そうですね……僕らがレーベル運営していて感じるのは、インストの音楽が、これまで以上に聴かれるようになっている点ですね。実際、インストの需要が高まっているのは、〈origami〉に所属しているアーティストの楽曲の動きとかを見ていても感じます。

〈origami〉は、基本的にはプレイヤー集団なので、フィーチャリングで誰かに歌ってもらったり、自分たちでちょっと歌ったりするときもあるんですけど、インスト曲を収録する事が多いんです。アルバム単位で聴くと、ちょっと箸休め的な感じで聴く方が多いかもしれませんが、それをサブスクに投げると、インストの方が再生回数が伸びていたりすることもある。そういう現象が、このコロナ禍の中で生まれてきているので、ここからまた音楽の嗜好性みたいなものが変わっていく可能性もなくはないのかなと思っていて。

☆Taku　それはインストの部分がしっかりできているからですよね。だからこそ聴いてもらえるというか、〈origami〉のサウンドはそこがちゃんとしているから。インストで聴いても、レーベルのフレーバーみたいなものがしっかり感じ取れるじゃないですか。そこは〈origami〉のアーティストの強みなんだと思います。

対馬　☆Takuさんにそう言っていただけるのはすごく嬉しいです。さっき言った足りないピースの話じゃないですけど、この状況の中でインストっていうものがようやくひとつハマってきたのかなと。☆Takuさんはいかがですか？

☆Taku　自分は音を作る側でもあり、リスナーでもあるんですけど、やっぱりチルな曲が増えましたよね。で、多分その反動がそろそろくるんじゃないかと思っていて。アメリカとイギリスでは、すでにその傾向が強まっているじゃないですか。日本でも、これからお客さんがまたライブ会場で声を上げられるようになっていったら、リリースされるものもきっと変わってくると思うんですよね。

──block.fmが参考にしている海外のメディアはあるんですか？

☆Taku　それはもう最初から圧倒的にBBCですね。サウンドの作り方はもちろん、編成の部分でも、すごく参考にしています。やっぱり、ライフスタイルみたいなものがちゃんと考えられて組まれているんですよね。あと、それぞれの番組にもちゃんと繋がりがあって、ゲストを招いたときのトークも、その作品だったりアーティストの話だけではなく、程よくバラエティっぽさがあるんです。それによって、そのアーティストの人柄だったり性格が見えてくるというか。なので、そういったところは、立ち上げから今に至るまで、ずっと参考にしています。

対馬　僕もやっぱり、BBCはすごいなって思っていて。トークの部分もそうなんですけど、ホームページの作り方とかも、すごく面白いんですよね。音楽だけでなく、重厚なテーマの記事やニュースが上がっていたり。あと、BBCの場合、サブミット（登録）ボタンを押すと、海外にいる僕らでも簡単に楽曲を送ることができるんです。で、ちゃんと聴いてくれるんですよね。日本でそこまでやっているラジオ局って少ないじゃないですか。だからこそ、無名のインディーズの楽曲とかもちゃんとピックアップできるんですよね。

──近年は、ラジオだけではなく、ポッドキャストであったり「しゃべり」のコンテンツが急増しているように思えます。そのような状況について、おふたりはどのように感じているのでしょう。

☆Taku　僕らが若い頃って、レコードとかCDだったじゃないですか。そこにはライナーノーツが入っていて、解説であったり、誰がどういう楽器を担当したとか全部書いてあったけど、今はサブスクが主流になって、そういうものを伝える場所が無くなってしまっている。だからみんな、セルフライナーノーツ的なことをポッドキャストとかインスタライブでやったりしているんじゃないかな。

対馬　そうですね。あとやっぱり、スマホの存在が大きいのかもしれないですよね。スマホひとつあれば、何かをやりながらでも簡単に聴くことができるっていう。それこそ、block.fmの番組は、「しゃべり」の部分もすごく面白いというか、いろいろ勉強になるんですよね。「ながら」で聴いても、そこでいろんな情報を仕入れることができる。僕はYANATAKEさんの番組（『INSIDE OUT』）が好きで、実はそこでいろんな情報を仕入れているんです。

対馬　なるほど。むしろあえて「しゃべり」の部分を入れているわけですね。

☆Taku　そうなんです。単純に、音楽だけが流れるメディアだったら、他にもたくさんあるよねっていう。そのときに思ったのが、もちろん音楽の紹介はするんだけど、そこでいちばん大事なのは、やっぱり「熱量」だなっていうことだったんです。それがいちばん伝わるのは、やっぱり「しゃべり」だなって思って。

もちろん、文字も大事だし、音声も大事だし、映像も大事なんですけど、それこそさっき対馬さんがおっしゃったように、やっぱりスマホの登場が大きいのかもしれないですよね。ユーザー側もそのときの状況というか、TPOに合わせて使い方が変わるじゃないですか。電車で移動しているときは、文字で書かれた記事をゆっくり読みたいよねとか、歩きながらや車を運転しているときは、音声で入ってくるほうがありがたいよねとか。そのどっちにも特性があって。だから記事も大事だし、音声も大事だし、そこは使い分けだと思うんですよね。

──おふたりは、「これからのメディアに求められるもの／求めるもの」って、どんなものだと思いますか？

☆Taku　僕は割と見えていて、それこそ今って、SNSを使って、個人でいくらでも発信できるような時代じゃないですか。というか、書き手としゃべり手の数は多い。だからこそ、これからのメディアに求められるものって、やっぱり「編集」だと思うんですよね。「編集」っていうのは、文字だけとかではなく、その全体の構成とか見せ方も含めて、それをどうやって味わってもらうかっていう「料理」の部分だと思うんです。素晴らしい素材をどう料理したら、たくさんの人に最後まで味わってもらえるか。

──対馬さんはいかがですか？

対馬　それこそラジオやポッドキャストを含めた音声メディアは、これからまだまだ伸びていきそうですよね。やっぱり、スマホの時代になって、「ながら」でいろんなことができるようなったからこそ、耳だけのメディアが強いっていう。

☆Taku　そうですよね。映像に勝てるポイントっていうのは、やっぱり僕も「ながら」で楽しめる部分だと思っています。

──☆Takuさんは、block.fmを運営する上で、最近何か心掛けていることってあるのでしょうか？

☆Taku　これは、テレビとかマスメディアだけでなく、ネットとかもそうなんですけど、やっぱり今は、ファン・ベースで人が移動するんですよね。実際、そのファン・ベースがどれくらいの規模なのかで、視聴率や聴取率が変わってくるという。今の時代って、「とりあえずテレビつけるか」みたいな感じではないじゃないですか。何か目的があって、テレビを観たり、ラジオを聴いたり、ウェブを見たりする。

そこは無視できないところだと思うんですけど、そこだけに頼っちゃうと、結局消費するだけで終わっちゃうと思うんです。だからメディアがやるべきことは、どうやって「繋がり」を作るかっていうことだと思っていて。アーティストとアーティストの繋がりだったり……たとえば、今回こうやって、対馬さんとガッツリお話する機会を作っていただいたのも、ひとつの「繋がり」ではあるわけで。

しかも、それがちゃんと、親和性のあるような繋がりであるという。ひょっとしたら〈origami〉のファンが見てくれて、「☆Takuって、こういうことを考えているんだ」って思ってくれるかもしれないし、逆にblock.fmをチェックしている人たちが、「やっぱり〈origami〉って、面白いことをやろうとしているんだな」って思ってくれるかもしれない。それは、アーティストにとっても、メディアにとっても、ユーザーにとっても、いいことだと思うんですよね。ファンとアーティストの「繋がり」とはまた別のところで、そういうことをしっかり見せていくっていう。基本中の基本かもしれないけど、やっぱり大事なことなんじゃないかなって思っています。

──なるほど。実際に「繋がり」を作るためにblock.fmで行っていることはあるんですか？

☆Taku　block.fmでは、この11月のリニューアルで、実はタイムテーブルをあらためて見直しました。以前は、生放送よりもアーカイブで聴いてくれるほうが多いよねって思いながら編成していたところがあったんですけど、今回改めてベーシックなところに戻って。月曜日はヒップホップ、火曜日はシンガーソングライターと、曜日によって色があるような編成にしたんです。

あと、番組と番組のあいだのクロストークみたいなもの入れ始めました。今はまだ、番組と番組の繋がりだけど、その次は月曜日と火曜日、水曜日と木曜日のチームが繋がれるようになったら、もっと面白いんじゃないかと思っていて。そういう化学反応を起こせるような「繋がり」を、もっと作っていけたらいいなって思っています。

──では、最後に、今後block.fmが目指すもの、〈origami PRODUCTIONS〉が目指すものについて、それぞれ教えていただけますか。

☆Taku　今後のことよりも、やっぱり今やっていることを、どうやって効果的にできるかっていうことのほうが、すごく大事ですね。ただ、その中でひとつ、やっぱりリアルなフェスをやりたいなと。オンラインフェスはこれからもやっていこうと思っているんですけど、やっぱりリアルな会場でフェスをやりたい。そこはひとつ、本格的に目指していきたいところではありますよね。

──対馬さんは、いかがですか？

対馬　僕も☆Takuさんと同じで、今やっていることを、いかに続けていくかっていうことを大事にしています。だから、何かを変えていこうとはあんまり思ってなくて、その場その場で、何か起きたら、そこに対応していくというか。そういうスタイルで今までもやってきたし、うちのアーティストたちもそういう感じなんですよね。なので、そのときそのときの状況に合わせて、臨機応変にやっていけたらいいなって思っています。

──そういう意味では、お二方とも一足飛びに大きな夢を追うのではなく、一歩一歩着実に歩んでいるような印象を受けます。

☆Taku　まあ、基本的には音楽が好きというか、今、自分たちがやっていることが好きなので、それを少しでも長くやっていきたいですよね。そういう意味で、サステイナブルに続けていくという考え方は、すごく大事なことだと思います。

対馬　そうですね。もちろん、いろんなタイプの人がいていいと思うんですけど、自分たちの場合は、何かヒット曲を作って、それでドーンと跳ねるというより、今できることを、ひとつひとつ積み上げていくような感じで、これまでやってきたところがあるので。

☆Taku　ちなみに、「積み上げていく」と言えば、block.fmって、もともと「tsumiki.fm」になるはずだったんですよ。

対馬　ブロック・パーティの「ブロック」から取ったのかと思っていました。

☆Taku　それもあるというか、それは完全に後付けで（笑）。そもそものところで言うと、いろんな人たちが集まって、つみきのようにピースを重ねていって、それでお城が作れたら面白いよねっていう。それで、「tsumiki fmにしたいんだけど、どう思う？」ってVERBALに相談したら、「響きはいいけど、英語のほうがいいんじゃない？」って言われて。で、つみきならブロックか、だったらブロック・パーティの意味もあるし、ちょうどいいと思って、block.fmにしたんです。

──そうだったんですね。というか、「つみき」と「折り紙」……いずれも、シンプルだけど、自由度が高くて、遊び甲斐があるという。そういう共通点もあったんですね。

☆Taku　今日こうやって、ちゃんとお話しすることができて……やっぱりいろんなところで、シンパシーを感じるところがあるなって思いました。

対馬　僕も同じです。実は僕、☆Takuさんと、ほとんど世代が一緒なんですよね。だからこそ、見てきたものや、感じてきたことが近いのかなって思って。今日は本当にありがとうございました。

──そもそもお二人の交流はどのように始まったのですか？

Michael Kaneko（以下、Michael）　初めて会ったのは、確か2016年くらいだったと思います。僕のレーベルメイトのOvallが（藤原）さくらちゃんのサポートをしていて、恵比寿ガーデンプレイスでのライブを観に遊びに行った時に初めて挨拶したのが最初でしたね。もちろん、会う前からさくらちゃんのことはよく知っていました。セッキー（関口シンゴ）さんも参加していた1stアルバム『good morning』を聴いたときに、「日本人女性シンガーソングライターで、こんな声の持ち主がいるんだ」と驚いたし、きっと音楽的にも自分とルーツがすごく似ているんだろうなと思ったんですよね。自分と同じくらいの世代で、1960年代〜1970年代の音楽を好んで聴いている人自体なかなかいないし、実際にお会いするようになってからは音楽の話が色々できるのも嬉しくて。

藤原さくら（以下、藤原）　私もお会いする前からマイキー（Michael Kaneko）さんの曲は聴いていたし、ずっと一緒にやりたいと思っていました。「マイキーさんみたいなシンガーソングライターになりたい」って、ライブを観たときに強く思ったんですよ。ギター1本持って、どこにでも行ってライブをするフットワークの軽さとか、すごくかっこいい。声も曲も大好きだし、一緒に歌ったらきっと気持ちいいだろうなって。実際、セッションなど何かを一緒にする機会があるたびに「いつか一緒に何か作りたいね」みたいな話はしていました。

Michael　マバ（mabanua）さんがプロデュースした2枚のEP（『green』と『red』）が最初だったっけ？　去年のアルバム『SUPERMARKET』も、“Right and light”や“Super good”、“spell on me”、“Monster”の英語詞を手伝いました。

藤原　『green』と『red』以降は、私の英語詞は全てマイキーさんに添削してもらうようになりました。レコーディングの時は、スタジオまで来て発音チェックをしてくれるし、そのついでにコーラスを歌わされることもありましたよね？（笑）

Michael　そうだね、ハンドクラップで参加したりね（笑）。

──昨年は二人でリモートセッションの動画を投稿していましたよね？

藤原　ちょうどコロナ禍のステイホーム期間が始まったくらいの頃、いろいろなアーティストが様々な挑戦をしてて。Twitterに短い動画を上げる人もいたり、インスタライブをしている人もいたり。私もマイキーさんもソロアーティストだし、ずっと家にこもっている中で「何か一緒にできたらいいね」みたいな連絡をもらって。それでカバーする曲を3曲くらい候補に挙げて、今にぴったりな曲ということでルイ・アームストロング（Louis Armstrong）の“What a Wonderful World”をやりました。すごくたくさんの反響をもらいましたよね。

Michael　そうそう、ハナレグミの永積（タカシ）さんも絶賛してくれて。

藤原　ラジオに来てくださったときも、「音楽が全然聴けなくなったときに、あればっかり聴いてた」と言ってくださって本当に嬉しかった。私たちハナレグミさんを崇拝してますもんね（笑）。

Michael　ギター1本で活動している僕らにとっては「神」のような存在だからね。

──「シンガーソングライター」として、お互いどんなところに共感しますか？

Michael　この間の“mother”を聴いたときにも思ったんですけど、さくらちゃんはすごい勢いで進化していますよね。今、「ギター1本で活動している」と言ったけど、さくらちゃんもギターを軸としているシンガーソングライターだからこそ、そこからちょっと離れたこともやってみたいという気持ちもあるんじゃないかなと思っていて。

実際に『SUPERMARKET』でも、最近のライブでも、新しい楽器や音楽スタイルにトライしながら、自分の可能性をどんどん広げていこうとしているなって。そういうところにすごく共感する。話が変わるんですけど、自分は「歌が上手くない」と思っていて……。

藤原　え、うそでしょ？

Michael　ほんとに（笑）。みんなに「いい」と思ってもらえる声を持っているだけで、歌のテクニックとかスキルはないと思ってる。前も話したけどさ、歌がうまい人ってどんな歌でも歌いこなせちゃうでしょ。

藤原　ああ、確かにフェイクとか自在に入れたり、どんな歌でもハモったりとか、そういうスキルは私にはないかも。

Michael　俺もさくらちゃんも、いわゆる「シンガー」ではないと思うんだよね。自分で作った曲に、一番似合う声の持ち主というか。例えばレッチリ（Red Hot Chili Peppers）のアンソニー・キーディスとか、決して歌が上手いわけじゃないじゃないですか。でも、あの音楽にめちゃめちゃ合ってる。僕が好きになるアーティストは結構、そういう人が多いかもしれない。

──さて、今回リリースされるマイキーさんのコラボシリーズ第一弾が、さくらさんをフィーチャーした新曲“DRIVEAWAY”です。このシリーズはマイキーさんの活動の中で、どんな位置付けにあるのでしょうか。

Michael　昨年、アルバム『ESTERO』をリリースして、すぐにまた次のアルバムに取り掛かるのではなく、こうやってちょっと実験的なことをやってみたり、誰かとコラボしてみたりしたくなっているのは、そこで学んだことを次のアルバムにフィードバックさせたいという気持ちがあるからなんですよね。日本語の歌詞を歌っているのも、自分にとってはチャレンジングなことでしたし。

藤原　確かに、最初に曲を聴かせてもらったときに「今までのマイキーさんと違う、新しいサウンドだ！」と思いました。マイキーさんと私のコラボというと、きっと多くの人はアコースティックなサウンドを想像されると思うんですけど、今回ギターは1本も入っていないし、ビートも強めでデモの段階ではもっと打ち込みっぽい感じだったので、すごくびっくりしました。

Michael　ちょうど曲作りの時期が、『SUPERMARKET』に関わっている時期と重なっていたんですよね。さくらちゃんがラップに挑戦している曲もあったり、“Monster”みたいな、今までと全く違う雰囲気の曲もあったりしたから、「きっとこういう曲を一緒にやったら面白いんじゃないかな」と思ったんです。さっき言ったように、自分自身もいろいろなことに挑戦したくて。それで、あえて僕らが弾かなそうな曲調をあえて選んでみました（笑）。

──リリックもかなりメッセージ性が強く打ち出されていて、これまでのさくらさんのイメージを一新するような内容でしたね。

藤原　マイキーさんとZoomで打ち合わせをしているときには、どういう歌詞にするか、いろいろと話していく中で「ラップっぽいところがあってもいいね」とか、「ちょっとフックになるような、ドキッとする言葉が入ってもいいかも」みたいなアイデアが出てきて。それを念頭に置きながら、とにかくテーマが浮かんでくるまでデモを何度も繰り返し聴きました。英語の箇所は、マイキーさんが書いているんですよね。

Michael　そうそう。歌詞の“Drive away”というフレーズは、《伸びた蕎麦でも食ってのんびりいこうぜ》という、さくらちゃんが書いたリリックを読んだときに思い浮かんだ。

藤原　そんなふうに、今までやったことのない曲の作り方で生まれた曲です。マイキーさんからデモが送られてきて、そこについてたメロディを私が勝手にラップに変えて送り返したり（笑）、私が書いたリリックをマイキーさんに託したら、本当に2人で半分ずつ作った感じで面白かったなあ。

──結構、ドキッとするようなワードも散りばめられていますよね。

藤原　自分の今までの楽曲の中では、使ってこなかったような言葉がいろいろ出てきますね。自分だけの名義じゃないからこそ、ちょっと遊べる部分があってすごく楽しかったです。

Michael　ああいう歌詞は、自分のソロ作品だったら書かない？

藤原　きっと、「蕎麦」なんてワードを歌詞に入れないかも。ちょっと違和感のあるような言葉にしたかったんですよね。あのカッコいいビートに「蕎麦」ってなんだ？　みたいな。

Michael　あははは。でも、そういう違和感のある言葉が一番残るんだよね。「ちょっとこれ、合わないんじゃないかな」って思うくらいの方がインパクトもあるし、「そこがいい」と言ってくれる人も多い気がする。だから、すごくいいワードだと思ったよ。

藤原　嬉しい。ちなみにこの曲、お父さんに聴かせたら『「蕎麦」なんて歌詞に入れて、許してくれるのはマイキーさんだけだと思う』って言ってました（笑）。あと、私が歌うところが「のんびりいこうぜ」みたいに男性っぽい言い回しになっていて、マイキーさんが歌うところが「嫌だわ」みたいに、女性っぽい言い回しになっているけど、歌割りはマイキーさんが考えてくれました。

──では、ボーカルレコーディングでこだわった部分というと？

藤原　マイキーさん、コーラスめっちゃ重ねてましたよね。12,3本くらい？

Michael　場所によってはそのくらい重ねていたかも。サビの部分に薄く裏声を混ぜたりするのが好きなんですよ。

藤原　ちなみに私のラップ部分、例えば《人間ってゲームのモンスターじゃない》のところは、家で録ったデモテイクがそのまま本番で使われています。しかもデモよりキーを半音上げているので、ちょっとロボットみたいな声になっていて。それがまた歌詞の内容にも合って「いい味」を出している気がします。

Michael　ちなみにドラムやボーカルを気づかない程度に歪ませて、打ち込みトラックとの馴染みをよくしたりもしています。

──ワードチョイスだけでなく歌詞そのものも、今の情報社会に対して警鐘を鳴らすような内容ですよね。

藤原　最近、スマホをめぐるあれこれに疲れてきてしまって。例えばSNSでも、誰かが誰かを貶していたり、面識もない人に対して軽い気持ちでひどい暴言を投げつけたり。今時の中高生の話を聞くと、SNSを使って私たちの頃になかったようなことをしていて。グループLINEで誰かを仲間外れにするとか、そういったことは私たちが中高生の頃はなかったじゃないですか。

Michael　そうだね。

藤原　そういう話を聞くと、もっと下の世代はさらにしんどくなるのかなと思うし、私たち上の世代が用意したもので下の世代が傷つけ合っていると思うと、すごくやりきれないんですよね。軽い気持ちで使っているツールが、この曲の歌詞のようにマシンガンとなって人を殺してしまうこともある。軽く言った一言が、誰かにとってはすごく辛い言葉になる可能性もあると思うので、自分も一つひとつの発信に対して責任を持たなければと。

Michael　気軽になんでも発信することができる世の中じゃないですか。だからこそ、僕自身はあまり思っていることをSNSには書かないようにしていますね。それよりも、今回のように曲を通して、音楽を通して思いを伝えられたらと思っていますね。

藤原　トラックやラップとの相性もすごく良かったんですよね。メッセージ性はあるんだけど、ちゃんと日常から出てくる言葉で書きたくなるようなトラックだと思いました。

それぞれの手ぐせがあるから、自分ひとりでは絶対に思いつかないですね。こうやって人が作ったトラックの上でメロディや歌詞を考えたりすると、全然予想もしなかったアイデアが浮かんでくるのが、最近はめっちゃ楽しいです。

Michael　でもさくらちゃんも、最近Logic Proを導入してデモ作りとか頑張っているんだよね。

藤原　 Logic Proもそうだし、『SUPERMARKET』のレコーディングでは参加ミュージシャンの方たちに「こういうふうに演奏してください」って自分からお願いした曲とかもあって。今までは、自分の曲のアレンジはアレンジャーさんに全部お任せしていたんですけど、そうやって一から自分で考えるようになると、曲に対しての責任みたいなものも感じるようになりました。マイキーさんは、他のアーティストのプロデュースもしているじゃないですか、より責任重大ですよね。

Michael　責任もあるけど、それ以上に楽しいかな。自分の曲ではやらないことを試したり、自分のカラーを出しつつそれを違う人に歌ってもらったり。シンガーソングライターとして表に出て活動していながら、裏方仕事もすごく好きなんです（笑）。

藤原　いいなあ。私も誰かをプロデュースしてみたい。マイキーさんをプロデュースさせてください（笑）。

──ちなみに、お二人はドライブにまつわる思い出などありますか？

藤原　私は実家が福岡なので、家族みんなで熊本や別府の温泉までドライブすることが多いですね。そのときに好きな音楽をかけてもいいのは助手席に乗った人、というルールになっています（笑）。こないだドライブした時は、お父さんがマイキーさんの曲をかけてましたよ。「ドライブにぴったりだなあ」って。

Michael　本当に？　嬉しいな。そういえば俺、さくらちゃんのお母さんには会ったことがあるんだよね。3年くらい前、福岡でライブをやったときに遊びにきてくださって。靴下をプレゼントしてもらいました。

藤原　あははは。うちのお母さん、私と関わりのある人全員に靴下を配ってるんですけど、マイキーさんもついにもらいましたか。

Michael　うん、すごくいい靴下だった。全然穴が空かないから今でも履いてるもん。

藤原　お母さん喜びます（笑）。マイキーさんはドライブしてますか？

Michael　今年に入って車を購入して、時間を見つけては運転しているね。結構、デカめの車なのでドラムセットとかも積み込めるし、バンドメンバーとワイワイしながらライブに行くのも楽しくて。

あと、最近DIYにハマっているんですけど、車があるとホームセンターにもパッと行けるじゃないですか。それで木材とか買い込んできて、自宅スタジオの吸音パネルを自作したりしています（笑）。僕、今まで音楽と酒くらいしか趣味がなかったんですけど、ようやく趣味ができたのも嬉しくて。DIYも料理も、音楽とちょっと似ているところがあるんですよ。

──今回のコラボシリーズ、今後はどんな展開を考えていますか？

Michael　今のところEPでまとめてリリースすることを考えていて、コラボ相手も、すでに決まっている人もいるし、今からオファーする人もいて。“DRIVEAWAY”とはまた全然違う雰囲気の曲もあるので楽しみにしていてほしいです。

藤原　楽しみです！