──現在の活動に至る経緯を、音楽を演奏し始めた頃のことから、聞かせていただけますか？ 父がギタリストだったので家にはギターがいくつもありました。レッド・ツェッペリン（Led Zeppelin）やディープ・パープル（Deep Purple）、ボストン（Boston）といったハードロックから、マニアックなフュージョン系のバンドまで色々と聴かせてくれていたので、子供の頃から音楽との距離は近かったです。でも、自分でギターを演奏しようとまでは思わなかった。高校に入るまでは野球少年だったんですけど、椎間板ヘルニアになって素振りもままならなくなってしまって。打ち込めることがなくなったので、家にあったギターを弾き始めたことが最初のきっかけです。 ──そこからどんどんギターの魅力にはまっていった。 そうですね。うちの高校にはめずらしくジャズ研があって、そこでセッションしたりライブを重ねたりしているうちに楽しくなってきたんです。それからしばらくはギタリストとしての活動が続いて、大学を中退してからもミュージック・バーでの箱付きの演奏家やギター講師をやっていました。 ──THE ROAMERSに入ったきっかけは、何だったのですか？ それまでにもバンドはやっていて、よく出入りしていたRinky Dink Studioというスタジオの系列店の人からTHE ROAMERSを紹介してもらったんです。

──THE ROAMERSはなぜ解散したのでしょう？　いよいよこれから世に広がっていくだろうという空気を感じていたのですが。 2016年の3月に、アメリカの＜サウス・バイ・サウス・ウェスト（SXSW）＞に出演する予定だったんですけど、今まで日本から出演したバンドと同じ手続きを踏んだにもかかわらず、僕らも含めて何バンドかが出られなくなったんです。理由は憶測でしかないんですけど、ビザじゃなくてESTA（短期の米国渡航に必要な入国審査制度）の申請をしていたことが、そもそもグレーだったみたいで。オバマ大統領がイベントを観に来ることになったから弾かれたんじゃないかとか、話していました。でもTempalayはアメリカに前乗りしていたからなのか出演することができて、そこで“持ってる奴ら”と“持ってない奴ら”の差を勝手に感じたりしてすごく凹んだんですよね。そのあとフルアルバムを出す予定だったんですけど、どうしてもクオリティに納得がいかなかくてリリースできなかったり、いろいろあって解散することになりました。 ──そしてTHE ROAMERSのドラマー・katsuyuki higashiとともにravenkneeに。 解散したときに音楽だけで生活していくことは厳しいと思ったんです。だから生活の中で音楽の優先順位を下げてプログラミングの勉強を本格的に始めたんですけど、ある日ravnekneeのjoe（joe matsumoto）が来て、“daydreaming”を聴かせてくれた時に衝撃が走ったんです。「これならいけるかもしれない」と思って加入しました。

──THE ROAMERSはオーセンティックなファンクやブルーズを基調とした生演奏のバンドで、ravenkneeはモダンなロックと打ち込みのエレクトロを独自の感覚で融合したバンド。音楽性も大きく変化していますし、すぐにフィットできたのでしょうか。 THE ROAMERSではレコーディングのエンジニアもやっていたので、パソコン上で音楽を作るスキルはあったんです。エレクトロミュージックのトラックメイクも今ほどではないにせよ、一応作ることはできたので、音作りの面でravenkneeに入ることに違和感はなかったです。 でも、ギタリストとしては大変でした。というのも、エレクトロミュージックのシンセサイザーって本当に自由で、それこそギターも含めてどんな音でも出せる。加えてravenkneeはEDMやフューチャー・ベースの要素も強くて、パッドの太い音とかって、ギターの歪みと性質が似ていて、ギターの立ち位置がすごく難しくなるんです。なので、ravenkneeでの僕は、どちらかと言うとアレンジャーとしての役割のほうが大きいですね。 ──しかしライブを観ると、kyazmさんはやはりギターが好きなギター・ヒーローなんだと思うんです。 ravenkneeはバンドなので、ギタリストとしての役割が求められることも多いんです。じゃあ、限られた制約の中でどうこだわるか。そこは基本的にギターを鳴らすことを前提にするのではなく、引き算の発想で入れるべきところにギターを入れることで、曲が面白くなるように思います。 ──続いてはphaiとS亜TOHでの役割について、教えてもらえますか？ phaiはSawa（Kazutaka Sawa）と考えや好きな音楽の共鳴する部分が非常に多いので、逆に彼に任せ切っている事も多くて、最近はその傾向がさらに強くなっていると思います。パーティヒーローになるっていう隠れたコンセプトがあります（笑）。S亜TOHは、僕にとってLingnaの思想にかなり影響を受けている部分があり、彼の考えるコミュニティやシーン作りのサポートをしているような感覚です。ヒップホップやラップ・ミュージックやエレクトロ、その中でも“アンダーグラウンド”と言われるような音楽も含めて、変に悪ぶることなく自由な発想で再定義して、エッジーな音楽の居場所を広げていこうとするやり方ですね。

──S亜TOHのアイデアはほんとうに面白いですよね。＜亜＞というパーティもそうですし、最近だと＜2021 survive＞も。 ＜2021 survive＞もLingnaが考えたことで、僕はあくまでサポートです。ポストコロナの世界までみんなで生き抜いてパーティをしようというプロジェクトです。まずはコンピレーション・アルバムを作って収益を幡ヶ谷forestlimitに寄付しようと思って、収録曲を24時間で作るところを配信しました。なかなか無茶な試みで、みんなかなりしんどかったと思うんですが、とても楽しくできました。

──そんな3つの顔を休むことなく動かすだけでも大変だと思うんですけど、そんな中ソロ・プロジェクトを始めたのはなぜですか？ あくまで僕の個人的なポリシーであって、みんながそうあるべきとは思っていないことが前提なんですけど、誰かに何かを意見するときは、その人がやっていることをわかっていなくちゃいけないと思っているんです。だから僕はバンドをやる上でギターだけでなくドラムやベースも学んだし、今ではいろんなことができるんです。でも、結局自分では何も表現してないんですよね。どこに行っても左脳的に機能しているだけ。それだと、それぞれの音楽的な方向性の中心にいる、joeやSawaやLingnaと対等じゃないような気がして。それがソロプロジェクトを始めた理由です。 ──同時進行で4つのプロジェクトに取り組むことのメリットについてはどう感じていますか？　例えばエネルギーが散漫になることによる弊害を感じたことはないのでしょうか。 物理的な言い方になってしまうんですが、表面積が狭いほど一点にかかる力は大きいので、どれかの活動に絞ったほうが鋭さが増すとも言えます。でも、インプットという意味では、いろんなプロジェクトをやる方が効果があるように思います。自分で視野を広く持つことを意識しながらディグしなくても、勝手にいい音楽やいい情報が入ってくる。自分の好み以外の音楽や自分1人だと辿り着けなかった感覚を養うことで、自分自身にオルタナティブでいられるんです。 ──kyazmさんの言葉でご自身の音楽を説明するとしたら、どうですか？ 使えるものは全部使っています。エレクトロのサウンドは自由なので使う。ギターの腕にも自信があるから、そこは個性として使う。歌も歌いますし、自身のルーツの1つでもあるブラック・ミュージックも、ハウスなどのDJカルチャーに参加するようになったことから感じたことや、ヒップホップやトラップのサウンドも。それらをごちゃまぜにしたオルタナティヴな感覚に、グルーヴで統一性を持たせた音楽ですかね。

──オルタナティブやパンクという表現がハマると思いました。 主張という意味では、パンクをやっている感覚はありますね。あと最近は音楽としてのパンクにもハマっています。Lil Darkieがすごく好きで、パンクやガレージのギターにトラップのビートを合わせてるんですけど、歪みで音像がもうぐちゃぐちゃで、それがかっこいいんです。セオリーを突きつめつつもそのままは嫌で、裏をかきたい逆を突きたいって、腹の中では常に思っています。 ──打ち込みの音楽なんですけど生演奏感覚のグルーヴを感じられることも、その結果のひとつですか？ DTMに音を入れていく打ち込みの作業も手で打ってるんです。ドラムとかもパッドで打って微調整したり、あえてちょっとズレてるところも残したり。未知の音を使って人間が演奏している感じを出すことには、意識的に取り組んでいますし、そうすることが僕の中で自然なことなんです。 ──前作『frickle firends』と比べると、今作はさらに音のデザインがアップデートされたようにも感じました。 そこはミックスとマスタリングの違いですね。3月13日（金）に＜Alegre＞というパーティで初ライブをすることが決まっていたので、それまでにどうしてもリリースしたくて、納期にこだわっていたんです。今回は時間的に余裕が出たことがいい方向に向かったと思います。音圧があってローもしっかり出ていますし、細かいことにこだわることができてよかったです。

──曲単位だと、まず“mutemass”はどのようなイメージで作ったのですか？ ライブをするにしても曲が足りなかったので、曲自体は＜Alegre＞の前に急ぎで作りました。その時に参考にしたのは仲間のバンド・gatoですね。僕が彼らの曲の中で一番好きなトラップを採り入れたまだライブでしかやっていない曲を真似しつつ、自分のグルーヴ感を出すようにしました。 ──すごく身近なところから着想を得て生まれたんですね。 ほかにも、エレクトロミュージックのトラックにいろんな音を使いたいと思ったのは、phaiのSawaから受けた影響が大きいです。彼は面白い音を一瞬だけ出して引っ込めるとか、そういうセンスに長けてるんです。メロディはS亜THOのLingnaが僕の家に来て、僕が寝ている間にトラックに歌を入れていて、それがカッコよかったところから来ています。ラップができなくてもトラップにはこういうメロを入れたらいいんだって、参考になりました。だから、本当に身近な仲間の力があっての曲ですね。 ──歌詞はどのような想いで書いたのですか？　《コロナ》という言葉も出てきます。 まだ歌詞はそんなに書いたことがないので、いつも苦労するんですけど、この曲はちゃんと自分の言いたい意見をただ言うってことを、全うできました。《コロナ》と歌っていますけど、それに対してどうこうというより、「情報の取捨選択に踊らされんなよ」って。

──新型コロナウィルスの感染拡大は、情報の取捨選択についてあらためて考える大きな出来事だと思います。しかし、誰もが体験したことのない災いで真実は誰もわからないほどに、何を切り取ってどう考えるかが難しくもある。 そこは、知ることを止めたタイミングで終わっちゃうので、正しい情報が見つかるまで調べ続けるしかないと思うんです。それってすごく疲れることだし、いろんな意見に対して見たくも聞きたくもない気持になるのもわかります。だから情報と自分なりに距離を取るためにSNSを止めたっていいし、そこは自由だと思うんですけど、もし今苦しんでいる人を見るのが億劫だとか、そういう理由であった場合は正直どうかなと思います。僕は今の政治に対してそこまで否定的ではないんですけど、ライブハウスや飲食店など、困っているところは困っていると、どんどん声を上げて当然だし、今は経済的に困ってない人もその声を無視しちゃいけない。あとはトーンポリシングとか、往々にして行動をしている人を止めるような抑圧的な考えは、絶対によくないと思っています。 ──kyazmさんは何を以て情報を正しいと判断していますか？ 僕は大学が数学科で前職は機械学習、AIのモデリングに携わっていました。だから、確率モデルや数理モデルには少し強くて、そういう意味では数字を信用しています。なので、専門家会議などに参加している人たちが言うことは、プロの判断として正しいと考えていますね。でも彼らの言うことは“感染するかしないか”ということにおける変数でしかないので、それらに倣って行動するとライブハウスや飲食店は経済的に追い込まれて店を閉めることになり、その先のやりがいも失ってしまう。失業率と自殺率には相関があるので、そういったネガティヴな状況をどうすべきか、経済の尺度からも考えなくちゃいけないことが足りてないんですよね。 ──そしてその医学的見地からの数字と経済的な問題の間にある歪みは、まだまだ長期化するかもしれません。 もはや終わりが見えないので、結局新しい何かを生むしかない。自粛になってリモートでしかやりとりができなくなった変化が、いい方向に転じている部分もあるじゃないですか。例えば無駄な出勤がなくなっていくかもしれないとか。 だから音楽も今の状況において、新しいやり方を考えていくしかないと思うんです。例えば「SaveOurSpace」は、経済的に苦しい今の現状を打破するためのものですけど、署名を集めて政府に持って行くことで、政治レベルで何かが変えられる可能性を示したという意味でも素晴らしい動きだと思います。さっき話した＜2021 survive＞も、未来に繋がるひとつの流れになるかもしれませんし、やれることはたくさんあると思います。 ──次は“relief”についても話を聞かせてください。この曲は“mutemass”以上に生のグルーヴが印象的でした。また、R&Bやジャズの持つスムースな側面も持ちつつヘヴィーな凶暴性もある。そのミクスチャー感覚が面白い曲だとも思いました。 これも初ライブに合わせて作ったんですけど、やっぱり僕は生音が好きなので、ライブでサポート・ドラマーのhigashiさんやベースの神崎峻が活きるようなフレーズや展開のある曲にすることは意識しました。その反面、音源のサウンドは、キックの音をがっつりエレクトロにして、スネアもトラップっぽい音に。声はヴォコーダーを使ってケロらせる（ピッチを補正するエフェクトをかけることで“ケロケロ”した声が生まれる）とか、あえて打ち込みのR&Bやポップスのトレンドに寄せた部分もあります。

──確かに、生っぽいビートとの躍動感と機械的な音色のマッチングはすごく新鮮でした。 トラップの感じでシャッフルとか、あまりない気がするのでそれを目指したいとは思っていました。 ──ベースのヘヴィーで歪んだ音もカッコいい。ヴォーカルがシャウト気味でエモーショナルなこともあって、コーン（Korn）のようなロックからの前衛的なアプローチも感じました。 ベースは神崎峻に録ってもらった演奏を乗せたんですけど、僕もすごく好きです。確かにベースは（コーンと同じ）5弦でダルンダルンなんで、ドス黒いヘヴィーな感じになってますよね。 ──“オルタナティブ”をキーワードに、さまざまな趣味を持つ人たちが引っ掛かりそうな、すごく多面的な魅力がある曲です。 さきほど、常に逆を突きたくなるって話もしましたけど、カフェとかで流れてるようなお洒落感のあるR&Bやジャズにはしたくなくて。そこに一貫してブルーズや、ジャズでもモダンで洒落たものではなくて、40年代付近のジプシーとか、そういう味を一貫して出していきたいんですよね。 ──歌詞は、強烈なラインが飛び交っています。 言いたいことは“mutemass”に近いんですけどもう少しスコークを広げて、未来のことは誰にもわからないけど諦めないで、今できる選択をしようって。

──2曲とも希望のある作品だと思いました。“みんなで頑張ろう”とか“心を一つに”ではなく、選択の先に皆が思い思いに楽しむダンスフロアを想起させられました。 ライブ感を音源に詰め込めた自負はあるので、そこが伝わってるのは嬉しいです。 ──やはり早く現場でライブをやりたいですよね。 そうですね。いつになるかわからないですけど、今の段階でどう考えても密じゃないところは、もう自粛しなくてもいいと思うんです。例えば、サーフィンに反対する人たちって、もし怪我でもしたら医療従事者に迷惑がかかるとか言うんですけど、整形外科ですよ。僕が調べた限り、むしろみんな家に籠っているからケガ人が減って今は殆どの病院が暇となっていることをデータとして確認できました。 もしその情報が間違っていたら教えてほしいし、アップデートしますが、要するに、問題をすり替えたり感情論で話したりしても仕方がないってことなんです。どんな仕事でも行動でも、自粛すべきかどうかは感情ではなく理屈でフラットに考えてポイントを押さえていかないと。でもそうなると、僕らが1日も早く戻りたいと思っているクラブやライブハウスは、密閉性が高くて人が集まることは確かなので、自粛の解禁はまだ先になるのかもしれないけど、まずは気持ちとかイメージ先行で、「あそこは自粛すべきだ」みたいな論調がなくなることが、結果的に自粛解禁への近道になると思うんですよね。 ──そのうえで、この先に何を想いますか？ ちゃんと先を見て、パーティやフェスに繋げられたらいいですね。そのためにできることは全部やっていきたい。まずは、音源の発表など既に決まっていることを遅延なくやる。当たり前のことを当たり前にやった上で、次を見据えた発信活動をしたいです。精神的には強いほうだと思うので、とにかく腐らずに正しいと思うことを追求していきます。

kyazm 東京を拠点に活動するプロデューサー／ギタリスト／レコーディングエンジニア。 ソロ活動であるkyazmではボーカルも担当。大胆な隙間と、house、そしてjazz〜soul由来のエッジの効いたビートを基とする。 他にもravenknee、phai、S亜TOHなど数々のグループに参加し、 サマーソニック2018、りんご音楽祭 2016、SXSW Japan Nite US tour 2016など数々のフェスや音楽イベントに出演。 エモーショナルかつタイトなギターと、本当に弾いているか分からないぐらい激しいダンスで注目を浴びる。 楽曲提供/ギターアレンジやremixも盛んに行っており、king gnuのボーカル井口理も出演している横田光亮監督の映画「ヴィニルと烏」への楽曲提供や、俳優の吉村界人が出演しているADVENTUREKINGの連載企画へのギターアレンジ／楽曲提供、同じく吉村界人主演、小野寺亮監督作品「Milestone」（道しるべ）のギターアレンジ、the McFaddinやgatoへのremixの提供なども行っている。 その他レコーディングエンジニアとしても実績も多数。 HP｜Twitter｜Instagram

━━まず、なぜこの4バンドで主催しようと思ったのですか？ joe matsumoto（Vo.&Gt.／ravenknee 以下、joe）　2019年1月にravenkneeが初めて開催した自主企画のイベントに出てもらったのが、gatoとPOINT HOPEで、the McFaddinも呼びたかったんですけど、スケジュールが合わなくて。今回のイベントはうちのhigashiが発起人なんですけど、当時の企画に呼んだ、または呼ぶ予定だった4バンドの主催なんです。 ━━では、みなさんお互いにどのような印象をお持ちでしょうか。 joe　gatoは音楽的に僕らとはぜんぜん違いますけど、エレクトロと生演奏を新しい感覚で掛け合わせてるという意味では共感できる部分が大きいですね。そして、ライブがめちゃくちゃカッコいい。 katsuyuki higashi（Dr.／ravenknee 以下、higashi）　あまり他のバンドのドラマーに機材のことは訊かないんですけど、gatoのhirokiくんには「そのシンバル、口径はなに？」とか「そのハットどうやってんの？」とか、よく尋ねますし、彼とはお揃いのシンバルを使ってるんです。

━━なぜhirokiさんのドラムにはそこまで興味が湧いたのですか？ higashi　エレクトロの音にハマる生ドラムとして理想的なんです。例えばクラッシュシンバルだと、僕が使ってるものは高い音がするんですけど、hirokiくんのは低いというか。そういう細やかなこだわりがシンセや同期の音とすごくマッチしていて、違和感がないんですよね。 hiroki（Dr.／gato）　僕は初めてhigashiさんのドラムを見たときに、すごすぎてバンドやめようかなって思いましたけどね。めちゃくちゃいい音が爆音で鳴っていて、どんな人が叩いているんだろうなって。ravenkneeはとにかくスケールがでかい。 age（Vo.／gato）　うん、スタジアムとかフェスとか、大きな会場がイメージできるよね。僕らも同じように、いろんな場所に出ていきたいとは思ってるんですけど、ざっくり言うならば、gatoは「陰」でravenkneeは「陽」。その二極でちゃんとライバルとして活動している感覚があって、敵であり仲間なんです。 keisho maeda（Gt.／the McFaddin 以下、keisho）　わかる。joeが前にやっていたバンドも好きだったんですけど、ravenkneeになって、よりメジャーなフィールドでやれるマインドやパワーを獲得したように思います。演奏力も圧倒的で、初めて対バンした時もヤバいと思った。

━━gatoとravenknee、the McFaddinは、音楽性は違えどお客さんが被る部分も多くて、共同体的なイメージもあるんですけど、POINT HOPEは活動ベースが少し異なるようなイメージがあって。そこはどうでしょう。 age　確かに、イメージはそうかもしれないです。でも、POINT HOPEとはルーツが近い気がしていて、親近感を持っています。 中村歩己（Gt.&Syn.／POINT HOPE 以下、中村）　gatoは“ダンスフロア“と対峙しているバンドだと思うんです。それに対して僕らはクラブシーンとの関わりは少ないし、アプローチこそ違うんですけど、共鳴できる部分はあるような気がします。 age　僕個人の出自がハードコアとかエモで、マインド的には今もそこが中心にある感覚があって、ハマってるんじゃないかと思います。 中川航（Dr.／POINT HOPE 以下、中川）　そこは重なりますね。僕がPOINT HOPEとは別でやってるsans visageというハードコア寄りのバンドのイベントに、ageくんがDJで出てくれた時に、彼のイメージにあったダンスミュージックで“躍らせる”スタイルではなく、エモとかポストロックを、“いい曲をかける”って感じで響かせてくれたんです。

━━バンド単位でPOINT HOPEともっとも距離が近いのは、joeさんが冒頭で話されたようにravenkneeですよね。 joe　POINT HOPEの存在は、うちのギターのkazuki（matsumoto）に教えてもらったんです。当時、僕らは“daydreaming”を世の中に喰らわせてやるぞって意気込んでたんですけど、彼らの“トンネルを抜ければ”を聴いて「まじか……やめてくれよ」って思いました。POINT HOPEに限らず、ravenkneeはgatoとPOINT HOPEとthe McFaddinを混ぜて爆音にしたバンドだとも言えるくらいに、みんなからは影響を受けてます。 ━━the McFaddinとPOINT HOPEだけは、まだ一度も交流がないんですよね。 keisho　このあいだ東京でボン・イヴェール（Bon Iver）のライブを観に行った時に、加藤（Vo./POINT HOPE）さんにはお会いしました。Bon Iverを好きな人に悪い奴はいないと思うので、テンション上がってます。近いシーンでやっているのにも関わらず、一緒になる機会がなかったので、今回満を持してって感じで、お互いのライブの感想とかも言い合えたらなって思います。 中村　the McFaddinは音源を聴いたときに「これをライブでどうやるんだろうな」と思ったので、僕らも楽しみにしています。 age　ravenkneeもポップだと思うんですけど、the McFaddinは“キャッチー”という言葉がはまる感じがしますね。アートワーク、音源、ライブ、あらゆる面ですごく色気があって、あえて変な言い方をすると、すごくエッチなバンドだと思う（笑）。 joe　僕がravenkneeの前にやっていたバンドの頃から、keishoとは出会ってて、この中ではもっとも古い仲間。めっちゃカッコいいです。 higashi　実はkeishoがravenkneeの初代ギターだったかもしれないっていう。 joe　そうそう。gatoがエレクトロの部分で見習うべき仲間だとしたら、the McFaddinはフィジカル面を見習うべき仲間だと思っています。

━━イベントタイトルの「種」はどこから来たのでしょうか。gatoとravenkneeとはとりわけ関わりの深い、東京亜種というコレクティブもありますが。 higashi　うちのkazukiも在籍するS亜TOHというユニットがやってるパーティ＜亜＞から自然と導かれた部分はあると思います。“亜”と言えば“亜種”みたいな。 ━━え？東京亜種ありきだと思っていました。 higashi　僕は東京亜種が立ち上がるって話を知らなかったんです。ravenkneeが2019年の最後のライブの後に、何やら集合写真を撮るらしいということで、ふらふら着いて行ったらそれが“東京亜種”で（笑）。あとは漫画の『寄生獣」ですね。「この種を喰い殺せ」ってシーンがあって、いいワードだと思いました。共存というか、一緒に頑張っていこうとは思うけど、仲良しこよし、馴れ合いみたいな感じにはしたくない。それぞれ固有の“種”ではあるんですけど、ちょっとダークでアンダーグラウンドな要素もありつつ、メジャーな世界を目指しているという共通点もある。そんな“種”同士が食い殺し合う勢いで戦って、相乗効果でいいものが生まれてほしいという願いを込めています。

age　“種”は“一つひとつ”という言葉にあるニュアンスを示した言葉だと思うんです。僕らそれぞれが個人レベルから始まって、バンドやユニットといった演者単位になって、もちろんお客さんも含めて、そこに生まれる“種”の概念をどんどん拡張していけたらいいなって、思います。 keisho　今回の4バンドって、gatoがエレクトロで、ravenkneeはバンドとエレクトロの融合、僕らがいちばんロックなバンドで、ある意味gatoとは対極にいる感じがするんです。 ryosei yamada（Vo.&Gt.／the McFaddin 以下、ryosei）　どのバンドもカッコいいと思っていることはある程度共通しているのに、やってることは全く違う。そこにすごく魅力を感じます。 keisho　だから、ジャンルの違いはほぼ意識したことがなくて、今回唯一関西から参加する僕らの立場からすると、東京の洗練された感じを採り入れていきたいですね。

━━東京と関西の違いとは？ ryosei　僕らが知る範囲のバンドシーンにおいては、技術的にパソコンを触れる人、それをライブで体現できる人は、東京のほうが確実に多いと思います。全体的な動きとして、新しいものを積極的に採り込んで、ブラッシュアップしていってるイメージが強いです。 keishoもちろん、京都、関西にもそういう人たちはいるけど、確かにそうだね。地域単位になると、東京だけでカルチャーがどんどん進んでいるような気がするんです。僕らはそこにある結界みたいなものをぶち壊したい。京都とか東京とか関係なく、もっと大きなスケールで、互いに刺激を与え合っていいものを追求していけたらなと、思います。 中川　その“結界を壊す”みたいなことに近い意識は僕らにもあります。さっきも話しましたけど、他の3バンドのように、クラブカルチャーに根付いたイメージはないと思うんですけど、やっぱりエレクトロも好きだし、今回はDJもたくさん出てくれるので、すごく嬉しいし楽しみです。 中村　ひとつの“種”だけだとやがて息絶えてしまう。いろんな“種”が混ざってこそ、新たなシーンが生まれ活性化していく。そこがこのイベントの醍醐味なんじゃないかと思います。 higashi　まさにそうですね。僕ら以外に出てくれるゲストアクトも、そういう想いで呼ばせてもらいました。DJは今回、あえて個人ではなく、＜Ajam＞、＜TIPS＞、＜FORM＞と、近い志を持っているパーティ単位でブッキングしました。Group2（DJ set)は、以前asiaで＜ZONE＞というイベントをやっていた繋がり。illiomoteとJohnnivanは、一緒にやってそうなんですけど、いいタイミングのなかったバンド。kycohは若手でもっともおもしろいと思っているバンドで、今回はオープニングアクトですが、次は主催側にいるかもしれない。そういう新たな動きを感じられることは大きな魅力だと思います。 ━━そこにWez Atlasがいることも、すごく興味深いです。 higashi　ヒップホップは今すごく元気がいいなかで、僕らから見たヒップホップの要素も入れていきたいと思ってるんです。その最初の一手がWez Atlasですね。僕らならではのミクスチャー感も、味わってもらいたいです。 joe　そしてまた、それぞれに散って“種”を芽吹かせて、再びみんなで集まって何かやりたいって、気が早いですけどすでにそう思うくらいワクワクしてるんで、まずは1回目を楽しみにしていてください。

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──まずは10月23日にリリースされた1stフルアルバム『the ERA』について、お伺いします。オルタナティブなロックやフォーク、ハウス～EDM、アンビエントなエレクトロニカなどを融合するスタイルは、どのように形成されていったのでしょうか。 松本 祥（以下、祥）　自分たちの好きな音楽の狭間を探しつつ、多くの人に届くような曲を作りたいっていうスタンスは、ravenkneeが動き出した頃からありました。そのうえで、アルバムを作るにあたって、リファレンスとして出したバンドがいくつかあって、例えばアイスランドのオブ・モンスターズ・アンド・メン（Of Monsters And Men）。そこに日本語詞も英語詞もありますけど、僕らなりの言葉と打ち込みのダンスミュージックの要素をうまく混ぜられないかなとか、考えてました。 松本 一輝（以下、一輝）　オブ・モンスターズ・アンド・メンみたいな、北欧の寒い国だからこそ生まれる冷たい質感がすごく好きなんです。歌メロもすごくいい曲が多いし、その風情にEDMの強烈なドロップを突っ込んだら面白いかもって話してましたね。 ――その感覚はアヴィーチー（Avicii）に近いと思うんですけど、そこまでエレクトロニックな派手さはなくて、もう少しインディーやオルタナティブロック寄り。リード曲“Pick you up”のビルドアップは、少し奥で鳴ってるドラムフィルがすごくバンドらしくてカッコいいですし、“Earth”の生音と打ち込みのバランスも、絶妙にレンジの広いポップ感が出ています。 安田 照嘉（以下、安田）　アヴィーチーも好きですし、デモの段階ではもろに“EDM”みたいな曲もいくつかありましたよ。“Earth”は特にそうでした。 祥　僕らはまずバンドサウンドを入れていく前に、打ち込みでデモを作るんですけど、その段階だと、アヴィーチーとかケミカル・ブラザーズ（The Chemical Brothers）とかプロディジー（Prodigy）みたいな、けっこうゴリゴリしたエレクトロサウンドが多いんです。 一輝　でもギターとドラムとベースのバンドサウンドって、シンセサイザーの打ち込みより音が弱いというか、マットな質感だから、デモの段階で余白がないと、両者を合わせたときに埋もれちゃうんです。ガチガチのエレクトロから音をある程度抜いて、生音を足していくときに、おっしゃってくれたような、僕ららしさが生まれるんだと思います。

──北欧を思わせる質感もそうですが、オリエンタルなスケールも随所に入ってきます。そういった多国籍性のルーツはどこにあるのでしょう。 安田　ジョー（祥）くんが民謡にめちゃくちゃはまってて、ものすごい数の音源を持ってるんです。 祥　一時期、漁りまくってました。TSUTAYAの民謡コーナーで何十枚もCDを借りたり、インターネットで1日中民謡のサンプルを探して集めたりしてました。 ──そして『the ERA』をリリースされてから約1カ月が経ちましたが、周囲の反応を受けて、思うことはありますか？ 祥　まずTwitterの呟きとか、ライブ会場で直接もらえる声とか、思った以上に反響があったことは本当にありがたいです。そんななかで、やっぱりリード曲にしている“Pick you up”に話題が偏るのかと思っていたら、そんなことは全然なかったことも、めちゃくちゃ嬉しいですね。“いちばん好き”とか“感動した”って言ってくれる曲が、人によって全然違う。それって、たくさんの人たちがアルバム全体を聴いて楽しんでくれてるってことだから。 東 克幸（以下、東）　僕の個人的な趣味としても、同じような曲が並んでるアルバムも統一性があっていいとは思うんですけど、いろんなパターンの曲があるアルバムのほうが好きで、『the ERA』もそういう作品にしたいと思ってたんで、意図したことが伝わってよかったです。

──そしてravenkneeと言えばライブ。私は直近で、8月11日に渋谷clubasiaでLucky Kilimanjaroとthe engyを迎えて開催された自主企画を観ました。clubasiaってキャパが300人くらいの会場のなかでは、天井も高くてフロアからも視界を遮るものがないから、すごく広く感じるじゃないですか。そこで感じたのは、演奏する会場が大きければ大きいほど映えるバンドだなって。 祥　めちゃくちゃ大きな場所でライブをしたい想いはずっとあります。実際に“Pick you up”や“Earth”は、何万人もいるライブ会場を想像しながら作ったので、みんなで歌えるメロディやコーラスが入ってますし。じゃあ、そのうえで今やってるライブはどうなのかとなると、まだまだ試行錯誤を繰り返している段階なんですけど、最近はすごくよくなってきたように思います。 一輝　VJがいたことがあったり、CD通りに演奏しようとしたこともあったり、本当にいろいろ試行錯誤しましたし、それはずっと続くんでしょうけど、最近になってひとつ仕上がってきた感触はあります。例えば、専門的な話ですけど、正確なリズムの拍に対して、今までは少し後ろでギターを弾いてたところを、クリックとギリギリの競争をして勝つようなイメージで前に持ってきたことで、明らかに評価が上がったんです。

──BPMに対して気持ち溜めるよりも突っ込むほうがエモーショナルな感じはします。 一輝　そうですね。あとは僕自身、DJを始めたことも大きくて。 ──曲間を開けずに繋ぐとか？ 一輝　それもそうですし、あとは同期ってあらかじめ用意している音源を流す決まったものじゃないですか。そこにDJ的な感覚で、現場の雰囲気に合わせてエフェクトをかけるとか、同期を生き物のように扱うことで、各々の演奏も自由度が高まったんです。そういうことがすごく楽しくて。お客さんからしたら、何がどうなってるのかなんて、明確にわかることではないですけど、その臨場感は確実に伝わっていると思います。 安田　一輝さんと東さんは、そういうときの発想や、普段からやってることや動きが、本当に面白いんです。そこはravenkneeの強みだと思います。

──東さんはどんなところが面白いのですか？ 安田　一輝さんのギターの話にも繋がるんですけど、エレクトロのクリックに対しての位置が独特なんです。リズムに回転が見えるんですよ。 東　感覚的なことなんですけど、それはすごく意識してます。直線的なエレクトロのビートにたわみをつけるようなイメージです。 安田　僕はそんな東さんならではのビートの回転に、いかにうまく乗っかっていけるかにチャレンジしてるんですけど、すごく難しいです。 東　僕のことを理解しようとすごく努力してくれるテル（安田）と、ちゃんとロジカルなことを考えて練習する一輝と感覚でやっちゃう僕と、バランスが取れているってことで。 安田　感覚的にすごいことをやってのける東さんと、わからないことはちゃんと説明してくれる一輝さんがいて、そこでベースを弾けていることは、すごく楽しいし、エレクトロと生音を融合させるカッコいいバンドってたくさんいるけど、そのなかでravenkneeだからこそのグルーヴがしっかり立っているんだと思います。

──リズムやサウンドのデザインが生むそこにしかない時間軸や景色はrevenkneeの特化したポイントだと思います。そしてそういった特徴をまとめあげるフロントマンの祥さんは、ravenkneeの見られ方をどう意識していますか？ 祥　“こんなの初めて”って思ってもらえるだけの、曲のパワーとライブ感は味わってもらえると自負しています。日本語のJ-POPとＥＤＭがどっちも半端な形ではなく、ちゃんと炸裂してますね。だからとにかくライブに来てほしいです。 一輝　僕らが提案していることが“最新型”だと思ってもらえるような曲作りやライブをしているつもりだし、余裕でそうなってると思います。音もそうだし、祥くんはフロントマンとしてめちゃくちゃいい。だから、今現在ライブに来てくれている人たちにはすごく感謝しつつ、まだ来たことがない人たちも、さすがにそろそろ来てほしいんですよ。

──ravenkneeと世代の近いバンドやトラックメイカー、DJたちが仕掛けるシーンも、今すごく面白いと思うんですけど、どうでしょう。 祥　そうですね。gatoとかphaiとか、やろうとしていることが新しくて、カッコいいバンドやユニットが、同じスタート地点にいたことは大きかったです。11月28日（木）に大阪のPangeaでやる自主企画に出てくれるthe McFaddinも、その熱量を共有できていると思いますし、Omoinotakeも前から仲良しだし。 ──何かがうごめいている感じが刺激的で、実際に私自身も遊びに出る回数は増えました。 祥　拡散力も爆発力もある、大きなエネルギーを秘めたシーンが生まれようとしている感じはありますよね。そういう自分たちの居場所があるのはすごくいいこと。でも、そこにいるみんなそうだと思うんですけど、僕たちも活動の幅を決めているわけではなくて、大きなフェスにも、ライブハウスにもクラブにも出たいし、変なこだわりは持ちすぎないようにするべきだとは思ってます。いろんなところに出て、いろんな人たちに届けたい。そうやって、それぞれのやり方でみんなが有名になって、「あの辺ってすごいよね」みたいな感じで言われたらいいですね。 ──そこにある気概はオルタナティブなものですか？もっとニュートラルにポップスターを目指してるんですか？ 祥　シンプルにポップスでありたいです。インダストリアルも好きだし、静かなアンビエントや、ピアノだけの曲とかも聴きますし、ポップでなくてもクリエイティブでオリジナルな音楽には憧れます。でも、やっぱりなりたいと思うのはポップスター。 ──チャレンジングに新しい価値観やスタンダードを提示していく姿勢に、すごく惹かれるんです。 祥　ポップスとして、今までに誰も行ったことのないことのない場所を作りたいんですよね。 一輝　ポップスの概念そのものを拡張したいです。

──その上で、2020年のポップスのフィールドはどうなっていくと思いますか？ 一輝　音楽をやること自体がますます簡単になってくると思うんです。いろんな人がいろんな音楽を作れるようになる。生楽器も電子音楽も、トラックメイカーもバンドも、ジャンルも、縦割り構造なんてなくなって、垣根なく縦横無尽に行ったり来たりする流れはさらに進んでいくと思います。 ──ジャンルの流行は10年単位で繰り返すと言いますし、大雑把に振り返っても、確かにそうだと思うんですけど、よく言われているように、もうそのサイクルは切れたと思うんです。アルバム単位で言えば、近年は特に、マルチスタイルの作品がおもしろくなってきていますし。 安田　バンドで言えばThe 1975とかもそうですよね。今年出した新曲だって、めちゃくちゃハードでパンクな曲がきたかと思えば、次は思いっきりＵＫガラージみたいな。僕がベースを始めた頃は、こんな時代になるとは思ってもいなかったけど、誰もがいろんな曲を聴けて作れる流れはどんどん進んでいくと思いますし、この先、どんな音楽が出てくるんでしょうね。 一輝　作る側の間口が広がって聴く側も含めて多様化することは、ポップスの拡張を考える上でプラスになると僕は思ってます。 祥　バンドサウンドとエレクトロの融合って、言葉では言ってますけど、その概念自体は新しいものでもなんでもなくて。そんな時代だからこそ、個性の強い4人だからこそできる混ぜ方とか、あえてバンドサウンドに振りきるとか、おもいっきりエレクトロな曲を作るとか、歌詞も同じ人が書いているようには思えないバリエーションとか、いろんなことにどんどん挑戦していきたいです。そして2020年はもっともっと大きな会場でライブができるようになりたいと思ってます。 ──そのための橋渡しとなるのが、11月の大阪・pangeaでの自主企画と東京・ＷＷＷでの初ワンマン。 祥　まさにそうで、絶対にいいライブにします。

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INTERVIEW：ravenknee

――7月3 日にリリースした新曲“ubugoe”の評判がとてもいいですね。 松本祥（Vo/Gt以下、祥）　「ポップだけど、革新的なところを突いていて、聴いたことのない感じだった」と言われたのは嬉しかったですね。 松本一輝（Gt以下、一輝）　今までのテイストを加えながらも、聴きやすいように、ポップに仕上げているので、これまでとは違った印象の楽曲になりました。 ――“ubugoe”はみなさんのルーツが散りばめられていて、それが「革新的」と言われる部分に繋がっていると思うのですが、作る上で、どんなことをイメージしましたか？ 祥　僕が高校２年生ぐらいの時に、なんとなく一人でいっぱい曲を作ってた時期があって、特に披露をするとかもなく溜め込んでたストックがあるんです。構成も決まってなくて、歌詞もなくて、メロディーとコードだけある曲で、いつかバンドをやる時に、できたらなっていうような。今までそのストックを弾き語り、僕が90%くらいトラックを作り込んだものをみんなに渡してたんですけど、今回は、ギターと声だけで録ったやつをみんなに送って、そこから組み立てていくっていう新しい形で、初めて作ったやつですね。 一輝　自分は“daydreaming”（2017年12月に自主制作にて発表した楽曲）の感じがすごく好きなので、そういう北欧のテイストのギターリフと、それにのっかるようなシンセサイザーのリフを重ねられたらいいなと思いました。祥くんからもらった音源に、その２本だけを１コーラスつけて送り返して、それを元にだいたい90%くらい完成させてもらって、それからメンバー全員で構成を削って、足したりしてという感じですね。 祥　本当は転調してCメロとかあったんですよ。結局、最後はサビが転調するんですけど、元々はCメロっていうまったく別の転調があって、そこで転調してたんですよね。でも、ごっそり思い切って削ってみたり、ひたすら5時間ぐらいバンドでスタジオに篭って、構成を考えながら作りましたね。

――制作にはどれくらいの期間かかったんですか？ 祥　弾き語りのボーカルをみんなに送ったのは2月末くらいでした。そこからレコーディング撮り終わったのが4月の半ばです。 一輝　期間的にはそんな経ってないかもしれないですけど、何回もトラックを作り直したり、そういうので結構労力がかかりましたね。 ――東さんと安田さんは初めて楽曲を聴いた時、どんな印象でしたか？ 安田照嘉（Ba以下、安田）　弾き語りできたっていうのはすごく新鮮でしたね。祥くんの弾き語りがいいと思って、バンドに入ったというのもあったので。 東克幸（Dr以下、東）　トラックが作り込まれてきた時に、それを再現するのがドラムの重要な課題だと思ってたんですけど、フィルの自由さも“ubugoe”の前ぐらいからあがってきてて、色々考えていれられるようになって。鳥が羽ばたいていくイメージを想像しながらプレイしました。