これまでに多彩な作品を生み出し、SIRUPや韻シストとのフィーチャリング楽曲も発表するほか、音楽塾「ルンヒャンゼミ」を立ち上げ若手アーティストのサポートやプロデュースも行うなど、多岐にわたり活動するシンガーソングライター・RUNG HYANG （ルンヒャン）。彼女のニューシングル“AWAKE”が2022年7月27日（水）に配信リリースされた。

プロデューサーにShin Sakiuraを迎えた今回の楽曲では、ハードボイルド映画の一場面のような描写の狭間で“Wake up!”と聴き手を煽る。2012年のメジャーデビューから10年目を迎える彼女が、今、“AWAKE”のようにパワフルな楽曲を生み出す背景とは。彼女自身のキャリアを辿っていくと、そこには受け手との“セッション”を重視する彼女自身のスタンスが深く関係していることが伺えた。

━━RUNG HYANGさんは、現在の“RUNG HYANG”名義で活動を始める前はどういった活動をされていたんですか？

＜DRAMATIC SOUL＞というイベントを2012年から2016年まで企画していました。当時のR&B、ヒップホップ好きが世代を超え集まれる、月一ペースのパーティで。竹本健一、MARU、Hiro-a-key（現:Nenashi）、MAR、KYOtaro（現：SIRUP）をレギュラーメンバーに、志や肌感覚の似ている人が集まる場でした。

毎回ゲストを大御所とニューカマーからそれぞれ1組ずつ呼んでいて、大御所ならゴスペラーズの黒沢薫さんやPUSHIMさん、椎名純平君など、ニューカマーならeill（エイル）や向井太一も出てましたね。ミュージシャンの出会いの場になっていたと思います。

━━錚々たるメンバーですね。もともとそういったR&Bの界隈と交流するきっかけとなったのは？

origami PRODUCTIONSのCEOでもあるYoshi Tsushimaさんが主催する＜JAMNUTS＞という深夜のジャムセッション・イベントがあったんですよ。いわゆるオープンマイクスタイルで様々なミュージシャンやアーティストがお客さんとして訪れるような感じの自由な遊び場で。そこで20代前半の時に、さかいゆう、 鈴木渉をはじめとする音楽仲間に出会いました。

＜JAMNUTS＞からはすごく影響を受けていて、お題をもとに各々が即興で音楽を作る「お題セッション」もその時から流行ってましたね。その企画は＜DRAMATIC SOUL＞でも踏襲されました。

━━「お題セッション」って、現在Block.fm『恋と音楽のマッチングサプリ」でもやられていますよね。

まさに！ 時々自分のライブでやるのですが、もともとは＜DRAMATIC SOUL＞の名物コーナーなんですよ。お客さんにお題を募ってそのテーマに合う曲を作るのですが。例えば「お水」というテーマだったら、それぞれが「お水」をイメージしセッションする。誰が一番整えられたか、で勝敗を決めて。

毎回ホストバンドがいて、彼らが決めたコードをもとにずっとループし続けながら、即興で作詞・作曲するんです。フリースタイルラップのシンガー&バンドバージョン、って言った方がわかりやすいかもしれません。ちなみにBlock.fmの番組内では、贅沢にも局長の☆Taku Takahashi（m-flo）さんが毎回トラックを用意してくれています。

━━当時のRUNG HYANGさんは何のパートでセッションに参加されていたんですか？

歌い手です。しかも難しいのは「お水」とストレートにテーマを汲み取るのではなく、「なにも“みず”にここまで来てしまった」のようにダジャレっぽい変化球でアプローチするのが主流で。お客さんもその変わり種を楽しんでいましたので、かなり鍛えられましたね（笑）。

━━ではルンヒャンさんの名前が世に出るきっかけとなった“さくらびより”のようなポップスの音楽に足を踏み入れたのは、その後？

A面・B面じゃないですけど、＜DRAMATIC SOUL＞と並行して作っていました。＜DRAMATIC SOUL＞とはやっていることが全然違うので、自分でも別人格のように捉えていましたね。

“さくらびより”は2010年に自主制作で出していたのですが、2012年にワーナーミュージック・ジャパンから正式にリリースされて。まさか“B面”だと思っていた方の活動が一気に動くとは思いませんでした。

━━その当時はR&Bがご自身の軸だったと思うのですが、ポップスの領域にも興味・関心はあったのですか？

“さくらびより”をきっかけに面白いと思うようになりました。もともとこの曲は友人から依頼を受けての制作だったのですが「卒園式で子供が親に向けて歌う曲がないな」という気づきから生まれました。

楽曲制作って「あるある」を集める遊びなんですよね。「嫉妬」というテーマを一つとっても、世の中に出ていない表現はまだまだある。発明みたいなもので、誰よりも早くそれを探し当てることに面白さがあるんです。世の中にありそうでないものを作る、ということの興奮はその時に学びました。

また、初めて言葉の持つ力を再認識できたのも大きかった。音楽好きじゃない人にも伝わる表現の仕方を研究する日々。それが後々自分自身のシンガーソングライティングに影響を与えたと思います。

━━RUNG HYANGさんは現在、教える立場から、アーティストをサポートしていますよね。＜DRAMATIC SOUL＞時代から講師業も行っていたんですか？

10年ほど前に先輩から「教える仕事に興味がないか？」と連絡が来て、音楽の専門学校でシンガーソングライティングの教鞭をとることになったのがきっかけでした。

当時はちょうど音楽だけで生活することが大変な時期で、「自分が何を教えられるかはわからないけれど、とりあえず仕事をしなきゃ！」と藁にもすがる思いでしたね（笑）。ちなみに当時受け持った学校では、先生の名前をそのままゼミ名にする慣習だったんです。現在の音楽塾は、当時の「ルンヒャンゼミ」という名称を受け継いでいます。

━━そのまま学校法人でゼミを受け持つのではなく、「ルンヒャンゼミ」が独立した理由というのは？

その学校が閉校することになったんですよね。でも、当時通っていた生徒も素晴らしかったし、卒業生が「これどう思います？」と音楽の相談に訪れるような場になっていて。彼らの行き場がなくなることはもったいないと思っていました。

そこで、独立して週一で人が集まるような秘密基地を作ったところ、徐々にルンヒャンゼミに人が集まるようになって。瑛人やeillや松本千夏、ビートボクサーのYAMORIもそこで出会いました。まだまだ面白い人たくさんいます（笑）。

━━当時から現在に至るまで、どういった立場で彼女・彼らの活動をサポートしているんですか？

あんまり講師の感覚がなく、むしろライバルでした。毎回テーマを与えて曲を作ってもらい、発表するのですが「すごい！なんでこんな歌詞思いついたの！」みたいな（笑）。自分にない感性が溢れているからこそ、「教える」というより「一緒にディスカッションしている」という感覚です。年や世代も関係なく、お互いが気になりあっていますね。私のことを、生徒も「先生」とは言わないんです。「ルンさん」とか「ルンヒャンさん」とか。

━━その中でも瑛人さんのように感性が光る生徒さんと出会うことが幾度もあったと思います。「この子は良いな」とRUNG HYANGさんが感じる存在に、共通点はありますか？

世の中が評価するかどうかと、いい作品かどうかはイコールではなくて。みんなそれぞれにオリジナリティや魅力があります。いい意味でバランスの悪い子は多いかもしれない。どこかが突出しているけれど、どこかが抜けている（笑）。ライブ以外の生活面が酷いけれど、人前で何かをかますときの集中力は凄まじかったり。ただ、それは周囲のプロとして活躍するプレイヤーを見ていても思います。

━━今年、2022年から大阪音楽大学の特任教授に就任しましたよね。18歳〜22歳のアーティストと関わる中でどういったことを感じますか？

一時期までは「これキャッチーですよね」「売れる要素で作ってみたんですけど」と狙う子が一定数いたんです。でも、最近の子は「かっこいい」と思うものを追求することに対し、足枷がありません。だって自分たちで自分の音楽をいつでも発信できるじゃないですか。

より自分たちが面白いと思うものに対し貪欲で、枠を意識しない。可能性を感じますね。むしろ大人たちですら彼らの動向やアイデアをチェックし、意見を聞いているくらい。

自分の頃は情報をキャッチするのにも手間がかかったし、親戚のお兄さんお姉さんが聴いている音楽やテレビ番組からやっとかっこいい物をディグれたじゃないですか。でも今の子たちはすぐ情報にアクセスできるからこそ、ジャンルで聴かない。混ざっているのが面白いです。世代ごとの面白さや魅力がある、と感じました。

━━その上で、RUNG HYANGさんの世代は次の世代に対しどうアプローチしていくべきだと考えますか？

大人は遊んでなんぼだと思うんです。チャレンジする姿は常に見せていいんだな、と思います。次の世代にとって「歳を重ねることがつまらなくなる、しんどくなる」という印象をつけないこと。むしろ彼らがもっと自由になるために、私は自分の世代をもっと面白いところに連れていきたいです。だからこそ、世代を超え、みんなが遊べる現場やシチュエーションを作り続けたい。

━━ルンヒャンさんがご自身よりも下の世代をプロデュースすることも、一つのサポートになるのでは、と感じました。アーティストの楽曲をプロデュースする際、意識することはありますか？

インタビュアーになったつもりで挑みます。アーティストの脳内にはまだ言語化されていない情景や伝えたいことがあるんですよ。その言語化されていないことを紐解くために、こっちからどんどん質問していく。

瑛人の1枚目のアルバム作りの時もそうでした。彼は言葉足らずだけど、頭の中ではっきりとした絵を持っているんですよね。仲間たちの遊んでいた場所を描くときも、そこに何があって・誰がいて・住所はどの辺で……とディテールはインプットされている。Google mapを見たりしながら会話した上で作品に落とし込んでいくんです。

その人じゃないとイメージできないことがあるからこそ、プロデュースに強制力はないと思っています。ただ、肝心なのは楽曲を届ける先にリスナーがいるということ。本人が意図している言葉や歌詞が、リスナーに理解されにくいこともあるじゃないですか。そこが独りよがりな表現にならないよう整えることを意識しますね。

それは“シンガーソングライターのRUNG HYANG”として楽曲を作るときもかなり気にします。正直、自分のことはあんまり信頼していません。「確実にこれは伝わっているだろう」と思うことはなくて、仕上がってからも普段音楽にあまり興味がない友人にまずは聴いてもらったりしますし。多分、一生信用することはないです、自分のこと。

━━逆に、今回はShin Sakiuraさんをプロデュースに迎えシングル“AWAKE”をリリースされましたよね。もともとEP『DOCUMENTARY』の収録曲“Movin’ & Groovin’”でもShinさんはプロデューサーとして参加されていましたが、再び“AWAKE”でタッグをお願いした理由は？

Shinくんの楽曲プレイリストを聴いている時、とにかくベースラインでグッとくるポイントがいくつもあったんですよ。本人にも「ベースラインがすごい」という話をしたら、実際に彼自身がベースを弾いているらしくて。最近聴く好きな音楽の話を話をしても、すごくリンクしている。かっこいいと感じることや、グッとくるポイントも同じだったので全面的にトラック制作を任せたいなと思いました。

━━制作過程でこだわった部分は？

人に話したいことを歌詞にいっぱい詰め込みたかったので、言葉が立つように“隙間” をたくさん作ってもらいました。あと彼はベースを歌うように弾くんですよね。作業工程を後ろで見ていて、本当に素晴らしかった！

━━歌詞ではどんなテーマをもって言葉を選んだのでしょうか？

「時間がない」っていうことをとにかくリスナーと話したかったんです。世界も人生も変わりゆくなかで、心の中で本当はやりたいこと・もやもやしていることがあるのに、行動を起こせない瞬間ってありません？

実際「自分の人生はこんな感じだろう」と思っていたのに想定外の出来事が起こりまくったのが、ここ2〜3年じゃないですか。何かをやれるはずだったはずの数年間が後ろ倒しになっちゃった。「そのまま一生生きていけると思うなよ！」って感じたんですよね。だから「やりたいことないの？」と友達と話すつもりで歌詞を作りました。

━━《100円ライター》《ミスタードーナツ》と固有名詞が頻出するのは、先ほど瑛人さんのアルバム作りでもおっしゃっていた「絵」に通じるのではと思いました。

“AWAKE”は映画が頭の中でどんどん進んでいくような感じだったんですよね。家の中で閉じこもってYouTube観て、「ダイエットしたいな」って思いながらドーナツを食べているような情景。それをそのまま描きました。その時に脳内で浮かんだ光もZippoじゃなくて100円ライターだったんです。日常にあって100円で買えるもの。「豊かなわけじゃないけれど、これ一個でやれることあるよね」って。

あと、今の環境でモヤモヤしていることがあれば、思い切って逃げちゃおうと。見ないふりをしていると、本人が気づかないうちに心の中で膨れ上がることもあるんです。それって全然ヘルシーじゃないし、きっかけがないと気づかない。暗闇の中、前を向いて歩かないといけない、でも100円ライターがあれば少しは前に進める。そういう絵が頭の中に広まっていき“AWAKE”の歌詞につながりました。

━━その描写の背景には、何かご自身の経験も関係しているのでしょうか？

自分の中でずっと残っているのは、貧乏でご飯が食べられなかった時期ですね。九州から上京したのですが、お金が尽きた時があったんですよ。初めて親に泣きついた時に母が「いま使っている携帯なんなん？あんたは本当の貧乏を知らん。全部解約しなさい。自分の贅沢を捨てればまだいけるはず。」って。無人島には何もないかもしれないけれど、ライターやナイフが一つでもあれば何かができるかもしれない。それを思い出しました。ある日、銀行口座を見たらそっとお小遣いが振り込まれてましたけどね（笑）。

━━そのエピソードが、コロナ禍のある意味「手も足も出ないように思える状態」とリンクしたんですね。

コロナになってしばらくみんなが家に閉じ込められていた時、伝えたいことがなくなってしまったんですよね。だから当時は心地よく家の中で過ごせることを考え、サウンド的に気持ちよかったりアンニュイだったりする方向へと変化していったんです。そして今は世の中の動きも変わり、音楽業界もアクティブになり始めているタイミング。すごく自分の中でも変化を感じます。

実は“AWAKE”でリスナーに向けた「やりたいことないの？」というメッセージは、自分にも問いかけているんです。この曲が、自分も覚醒するきっかけになるかもしれないなって思っているから。

私自身はライブでも音楽を“コミュニケーション”のツールとして捉えながら、お客さんと会話するつもりでパフォーマンスしています。それでいて音楽は予測不可能で、触れると形を変える変わるアメーバみたいなもの。シチュエーションはそれぞれ違えど、リスナーと一緒に“AWAKE”するきっかけになったら、ただただラッキーだな、と思っています。

由薫の軌跡を辿る前に、まず彼女の生い立ちについて触れておく必要があるだろう。2000年に沖縄県で生まれた彼女は、2歳のとき父の仕事の都合でアメリカに移住。3年過ごしたのちに石川県金沢市に１年間、そののち、スイスへ3年間、そして9歳のときに日本に戻るという、多くの場所を行き来する幼少期を過ごした。

そんな中で彼女のアイデンティティが形成されたのは、スイスでの3年間。インターナショナルスクールに通っていたこともあり、周りにはさまざまな人種の人間がいた。本人曰く「スイスでの生活がめちゃくちゃ良くて。同じ学校にとてもフランクな感じで地元のお嬢様がいたりもして（笑）。それが当たり前だと思っていたし、いろんな個性があって楽しかった」という。

さまざまな多様性を感じながら生活をしていたスイスでの３年間を経験し、日本に帰国した彼女。日本に戻ってから感じたのはカルチャーショックに似た感情だった。「クラスのみんなからしたら私は宇宙人だった」と本人が話すように、今まで普通だと思っていたことが理解されないことも多々あったという。そんな環境を一度ゼロにしたいと思った彼女は中学受験を決意。中高一貫校に入学し、新たな人間関係を構築して当初抱いていたカルチャーショックから抜け出していく。

多くの音楽ルーツを持ちながらも、彼女が自発的に音楽と向き合うようになったのは、日本の生活にも慣れた15歳の頃。父と訪れた楽器屋で見つけた中古のアコースティックギターに出会ったことがきっかけだ。

「もともとテイラー・スウィフト（Taylor Swift）が好きだったこともあり、ギターには興味がありました。でもギターを買った日は、別に買うつもりはなくて。携帯の修理を待っている時間にたまたま入った楽器屋さんで、父に『いいギターだから』と言われて買ってもらったんです。それまで何をやっても続かない性分だったんですけど、ギターだけは熱中して続けることができたんです」

ギターの魅力に取り憑かれた彼女は、親友とカバーユニットを結成。のちにメンバーを増やしていき、バンド形態で文化祭のステージにも上がった。その後も音楽活動を続け17歳になった彼女は“雨少女”というオリジナル楽曲を制作する。本人曰く「雨女のこと歌った、変な歌です（笑）」とのことだが、その楽曲を友人に聴かせたところポジティブな反応が返ってきたという。

「《いつも一人で傘の中、前も見えずに歩いてた》みたいな歌詞から始まって、雨女なのでずっと雨が降っちゃうんですけど。晴れ男が来て、虹がかかったよみたいな感じで終わる曲なんです。それを歌ったら、友人はまず笑ってくれて。その後、褒めてくれてすごく嬉しかったんです」

バンド活動やオリジナル楽曲の制作などギターを続けていく中で、彼女はひとつのオーディションに出会うこととなる。それはGYAOとアミューズが共同で主催した「NEW CINEMA PROJECT」。由薫はこのオーディションに応募したときのことをよく覚えていると話す。

「当時は部活も辞めてしまい人間関係でも悩んでいる時期で、学校から家に帰って何時間もギターを弾いていたんです。ふと、これだけ時間を費やしているものだから一度しっかりと挑戦してみようと思って。パソコンを開いて検索しているときに見つけたのが『NEW CINEMA PROJECT』でした。映画も好きだったし、好きなアーティストの事務所がやっているオーディションだったので興味を持ちました。グランプリを取りたいとは思ってなくて、純粋に評価されてみたかった。だから、１次、2次と通過するだけで嬉しかったんです」

このオーディションこそが、由薫が自分と向き合うきっかけ。ずっと蓋をしていた音楽をやりたいという気持ちが開放された瞬間だった。

「多分ずっと音楽をやりたいって思っていたんです。でも無理じゃないかなと自分で否定してしまっていて。自分の知らないところで自分を無視してしまっていたんですよね。そこに向き合うのには勇気が必要だったし。気付くのに時間はかかったけど、本当はずっとやりたかったことなんです」

由薫はこのオーディションで審査員特別賞を受賞。ここからシンガーソングライターとしての道を歩むことになるのだった。

ずっと胸の中にあった「音楽をやりたい」という気持ちをついに叶えた由薫。ここからは彼女の生み出す楽曲について紐解いていく。楽曲を通して感じるのは、彼女の内から出てくる言葉の豊かさ。人に寄り添い、情景を想起させる言葉の羅列は彼女の武器であり魅力だ。

中でもこのたびリリースされた１st EP『Reveal』は彼女の名刺代わりの作品であり、これまで彼女が抱いてきた思いが余すことなく反映されているように感じる。

「なんとなく分かってくださったら嬉しいんですけど、自分は今まで気持ちを抑えてしまったり、言いたいことが言えない性格で。私の音楽って、感情の自己処理で解決したところから始まっているんです。でも、作品として残すということは初めて自分の中にあったものを外に出すということ。それって自分にとってすごく大事な瞬間なんですよね。だから、隠されていたものが明かされるという意味がある『Reveal』という言葉が合うんじゃないかって思ったんです」

内に秘めた思いを解放した本作には、ピアノを主にした楽曲や横ノリのグルーヴィーな楽曲、往年のロックサウンドを思わせる楽曲など、ジャンルレスに彼女が音楽を楽しんでいることが分かるラインナップになっている。その理由を彼女はこう語る。

「私は自分がたくさんいると思っていて。その日に聴きたい曲もジャンルも変わるし、気分によっても変わると思うんです。それと同じように曲を作るときもその日の抱いている思いで変わってくる。例えば、“Fish”という曲なら、『月曜日まで生き残れるかしら』と自分がぽつりと思ったことをきっかけに書き上げた曲だし、”Yesterday”では《I’m not the same person I was yesterday》というフレーズとメロディを思いついてそのまま作りました。収録される5曲、すべて違う作り方なんです」

生活をする上でそのとき感じたことや気づいたことを言葉にし、それと同時にメロディに言葉を乗せていくという由薫。だからこそ、等身大の彼女の思いがナチュラルに歌になっていくのだろう。そのナチュラルさが全面に出ているのが“Fish”という楽曲。これは彼女が19歳のときに、もしお酒に酔ったらと想像しながら書いた楽曲だ。この楽曲について由薫は19歳の頃じゃないと書けなかったと話す。

「やったことないからこそ湧く想像力ってあるじゃないですか。手が届かないからこそというか。でも実際にお酒を飲んでみると自分はお酒が強いみたいで……。全然酔えなくて（笑）。お酒飲む前の私だからこそ書けた歌詞ですね」

今まではこういった感情を言葉にし、歌にしてきた彼女だが、今回のEPの制作中、変化もあった。

「今まではナチュラルに言葉を紡げていたんですけど、少しずつ変化もしていて。自分が何をしたいのかというのを考えるようになったんです。言葉とより向き合いたい気持ちが芽生えたというか。SNSとかに流れる言葉じゃなく、詩のように言葉を言葉として紡ぎ出した言葉を書きたいと思うようになった。これからもどんどん曲の作り方は変わってくると思うんですけど、今はより自分で考えて作る段階に突入した感じです」

楽曲を制作するたびに成長を続ける彼女。きっと今回のEPを皮切りに彼女の生み出す音楽は強度を高め、多くのリスナーに認知されていくことだろう。さまざまなこと多角的に考え、それを音として表現できる優れた才能が由薫にはあるのだ。

そんな才能を持つ彼女も、普段は21歳の普通の女の子。どんなカルチャーに触れてきたのか聞いてみた。

生業としている音楽に関しては多くのジャンル、アーティストに触れてきたようだ。幼少期に観劇したミュージカル『ウィキッド』のサウンドトラックや自宅の車の中で聴いたカーペンターズ（Carpenters）やマイケル・ジャクソン（Michael Jackson）、ダニー・ゴーキー（Danny Gokey）などさまざまな音楽が彼女のバックグラウンドには存在する。その中でもシンガーソングライターの存在とカバー曲の存在は彼女にとって非常に大きい。

「ギターを手にするきっかけになったのは、テイラー・スウィフトやYUIさん、あとエド・シーラン（Ed Sheeran）とかですね。あとは、ミュージカルの存在も大きくて、『glee』というドラマにハマったんですけど、そのドラマではカバー曲が多くて原曲も知らないままカバーを聴いていました。だからGoose houseとかも好きで、カバーからいろんな楽曲に触れるようになったんです」

自身のYouTubeチャンネルでもテイラー・スウィフトなどの楽曲をアップしている彼女。カバーをすることで、「いざ曲を作ってみようと思ったときに、自分の引き出しになっていた」と話すように、カバーをするということがある種、曲作りのヒントなっている。

好きなことは音楽だけでなく、本や映画、ファッションと多岐に渡る。

「日本に来た当初、自分の居場所を探すのに必死だったとき、本の存在が助けでした。今でも読みますね。あとは、映画が好きです。実は一度映画を作りたくなっちゃったときがあって、映画研究会に入って助手として映画の撮影を手伝っていたことがあるんです。多分、モノを作ることが好きなんだと思います」

自分の感情を具現化したいという思いが強い彼女。溢れ出たアイディアをなんとか形にして誰かに見てもらいたいという精神は、現在のシンガーソングライターという生業に通ずるものがあると言えるだろう。続けてファッションについて聞くと、若者らしい答えが返ってきた。

「実は、最近物欲とかを抑えていて（笑）。一応まだ学生ですし……。でもイギリスのファッションが好きで、ヴィヴィアン・ウエストウッドが最近好きなんです。だから夜な夜なネットで調べてて。見てるだけでも幸せなんです」

また、セカンドハンドの品に魅力を感じるという彼女。物欲を抑える一方で古着屋を巡ることも多いと語る。

「初めて買ったギターも中古だったんですけど、中古のギターって新品よりも想像力が湧くというか、本当に“子”って感じなんです。その感覚が忘れられなくて、洋服に関しても同じように感じますし、古本も好きなんです。時代的にも再利用しようという風潮があるし、前の人の思いを想像する部分もある。一度は選ばれたものってそれなりの魅力があるんだなって思う。本にしても、楽器にしても、服にしても、そういうところに魅力を感じます」

最後にどんな人に音楽を届けたいかと問うと、アーティストとしての明確な思いを語ってくれた。

「歌詞を書くときに意識していることがあって。例えば、恋愛の曲なら恋愛してない人が聴いても思いが通じる歌詞を書きたいと思っているんです。一方に刺さる曲ではダメというか、聴いている人が傷つくようなものではダメだなって。だから出来るだけ年齢も性別も関係なく、届けられたらいいなと思っています。まだまだ努力しなきゃいけないですけど、人に寄り添う楽曲が作れたらいいなって思います」

人に寄り添う。言葉では簡単だが、実践することはとても難しい。しかし由薫が生み出す楽曲なら、この混沌とした世の中の希望となってくれるかもしれない。これからも彼女が紡ぎ出す言葉と音に期待をしながら、由薫のアーティスト・ストーリーに刮目していきたい。

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──そもそもお二人の交流はどのように始まったのですか？

Michael Kaneko（以下、Michael）　初めて会ったのは、確か2016年くらいだったと思います。僕のレーベルメイトのOvallが（藤原）さくらちゃんのサポートをしていて、恵比寿ガーデンプレイスでのライブを観に遊びに行った時に初めて挨拶したのが最初でしたね。もちろん、会う前からさくらちゃんのことはよく知っていました。セッキー（関口シンゴ）さんも参加していた1stアルバム『good morning』を聴いたときに、「日本人女性シンガーソングライターで、こんな声の持ち主がいるんだ」と驚いたし、きっと音楽的にも自分とルーツがすごく似ているんだろうなと思ったんですよね。自分と同じくらいの世代で、1960年代〜1970年代の音楽を好んで聴いている人自体なかなかいないし、実際にお会いするようになってからは音楽の話が色々できるのも嬉しくて。

藤原さくら（以下、藤原）　私もお会いする前からマイキー（Michael Kaneko）さんの曲は聴いていたし、ずっと一緒にやりたいと思っていました。「マイキーさんみたいなシンガーソングライターになりたい」って、ライブを観たときに強く思ったんですよ。ギター1本持って、どこにでも行ってライブをするフットワークの軽さとか、すごくかっこいい。声も曲も大好きだし、一緒に歌ったらきっと気持ちいいだろうなって。実際、セッションなど何かを一緒にする機会があるたびに「いつか一緒に何か作りたいね」みたいな話はしていました。

Michael　マバ（mabanua）さんがプロデュースした2枚のEP（『green』と『red』）が最初だったっけ？　去年のアルバム『SUPERMARKET』も、“Right and light”や“Super good”、“spell on me”、“Monster”の英語詞を手伝いました。

藤原　『green』と『red』以降は、私の英語詞は全てマイキーさんに添削してもらうようになりました。レコーディングの時は、スタジオまで来て発音チェックをしてくれるし、そのついでにコーラスを歌わされることもありましたよね？（笑）

Michael　そうだね、ハンドクラップで参加したりね（笑）。

──昨年は二人でリモートセッションの動画を投稿していましたよね？

藤原　ちょうどコロナ禍のステイホーム期間が始まったくらいの頃、いろいろなアーティストが様々な挑戦をしてて。Twitterに短い動画を上げる人もいたり、インスタライブをしている人もいたり。私もマイキーさんもソロアーティストだし、ずっと家にこもっている中で「何か一緒にできたらいいね」みたいな連絡をもらって。それでカバーする曲を3曲くらい候補に挙げて、今にぴったりな曲ということでルイ・アームストロング（Louis Armstrong）の“What a Wonderful World”をやりました。すごくたくさんの反響をもらいましたよね。

Michael　そうそう、ハナレグミの永積（タカシ）さんも絶賛してくれて。

藤原　ラジオに来てくださったときも、「音楽が全然聴けなくなったときに、あればっかり聴いてた」と言ってくださって本当に嬉しかった。私たちハナレグミさんを崇拝してますもんね（笑）。

Michael　ギター1本で活動している僕らにとっては「神」のような存在だからね。

──「シンガーソングライター」として、お互いどんなところに共感しますか？

Michael　この間の“mother”を聴いたときにも思ったんですけど、さくらちゃんはすごい勢いで進化していますよね。今、「ギター1本で活動している」と言ったけど、さくらちゃんもギターを軸としているシンガーソングライターだからこそ、そこからちょっと離れたこともやってみたいという気持ちもあるんじゃないかなと思っていて。

実際に『SUPERMARKET』でも、最近のライブでも、新しい楽器や音楽スタイルにトライしながら、自分の可能性をどんどん広げていこうとしているなって。そういうところにすごく共感する。話が変わるんですけど、自分は「歌が上手くない」と思っていて……。

藤原　え、うそでしょ？

Michael　ほんとに（笑）。みんなに「いい」と思ってもらえる声を持っているだけで、歌のテクニックとかスキルはないと思ってる。前も話したけどさ、歌がうまい人ってどんな歌でも歌いこなせちゃうでしょ。

藤原　ああ、確かにフェイクとか自在に入れたり、どんな歌でもハモったりとか、そういうスキルは私にはないかも。

Michael　俺もさくらちゃんも、いわゆる「シンガー」ではないと思うんだよね。自分で作った曲に、一番似合う声の持ち主というか。例えばレッチリ（Red Hot Chili Peppers）のアンソニー・キーディスとか、決して歌が上手いわけじゃないじゃないですか。でも、あの音楽にめちゃめちゃ合ってる。僕が好きになるアーティストは結構、そういう人が多いかもしれない。

──さて、今回リリースされるマイキーさんのコラボシリーズ第一弾が、さくらさんをフィーチャーした新曲“DRIVEAWAY”です。このシリーズはマイキーさんの活動の中で、どんな位置付けにあるのでしょうか。

Michael　昨年、アルバム『ESTERO』をリリースして、すぐにまた次のアルバムに取り掛かるのではなく、こうやってちょっと実験的なことをやってみたり、誰かとコラボしてみたりしたくなっているのは、そこで学んだことを次のアルバムにフィードバックさせたいという気持ちがあるからなんですよね。日本語の歌詞を歌っているのも、自分にとってはチャレンジングなことでしたし。

藤原　確かに、最初に曲を聴かせてもらったときに「今までのマイキーさんと違う、新しいサウンドだ！」と思いました。マイキーさんと私のコラボというと、きっと多くの人はアコースティックなサウンドを想像されると思うんですけど、今回ギターは1本も入っていないし、ビートも強めでデモの段階ではもっと打ち込みっぽい感じだったので、すごくびっくりしました。

Michael　ちょうど曲作りの時期が、『SUPERMARKET』に関わっている時期と重なっていたんですよね。さくらちゃんがラップに挑戦している曲もあったり、“Monster”みたいな、今までと全く違う雰囲気の曲もあったりしたから、「きっとこういう曲を一緒にやったら面白いんじゃないかな」と思ったんです。さっき言ったように、自分自身もいろいろなことに挑戦したくて。それで、あえて僕らが弾かなそうな曲調をあえて選んでみました（笑）。

──リリックもかなりメッセージ性が強く打ち出されていて、これまでのさくらさんのイメージを一新するような内容でしたね。

藤原　マイキーさんとZoomで打ち合わせをしているときには、どういう歌詞にするか、いろいろと話していく中で「ラップっぽいところがあってもいいね」とか、「ちょっとフックになるような、ドキッとする言葉が入ってもいいかも」みたいなアイデアが出てきて。それを念頭に置きながら、とにかくテーマが浮かんでくるまでデモを何度も繰り返し聴きました。英語の箇所は、マイキーさんが書いているんですよね。

Michael　そうそう。歌詞の“Drive away”というフレーズは、《伸びた蕎麦でも食ってのんびりいこうぜ》という、さくらちゃんが書いたリリックを読んだときに思い浮かんだ。

藤原　そんなふうに、今までやったことのない曲の作り方で生まれた曲です。マイキーさんからデモが送られてきて、そこについてたメロディを私が勝手にラップに変えて送り返したり（笑）、私が書いたリリックをマイキーさんに託したら、本当に2人で半分ずつ作った感じで面白かったなあ。

──結構、ドキッとするようなワードも散りばめられていますよね。

藤原　自分の今までの楽曲の中では、使ってこなかったような言葉がいろいろ出てきますね。自分だけの名義じゃないからこそ、ちょっと遊べる部分があってすごく楽しかったです。

Michael　ああいう歌詞は、自分のソロ作品だったら書かない？

藤原　きっと、「蕎麦」なんてワードを歌詞に入れないかも。ちょっと違和感のあるような言葉にしたかったんですよね。あのカッコいいビートに「蕎麦」ってなんだ？　みたいな。

Michael　あははは。でも、そういう違和感のある言葉が一番残るんだよね。「ちょっとこれ、合わないんじゃないかな」って思うくらいの方がインパクトもあるし、「そこがいい」と言ってくれる人も多い気がする。だから、すごくいいワードだと思ったよ。

藤原　嬉しい。ちなみにこの曲、お父さんに聴かせたら『「蕎麦」なんて歌詞に入れて、許してくれるのはマイキーさんだけだと思う』って言ってました（笑）。あと、私が歌うところが「のんびりいこうぜ」みたいに男性っぽい言い回しになっていて、マイキーさんが歌うところが「嫌だわ」みたいに、女性っぽい言い回しになっているけど、歌割りはマイキーさんが考えてくれました。

──では、ボーカルレコーディングでこだわった部分というと？

藤原　マイキーさん、コーラスめっちゃ重ねてましたよね。12,3本くらい？

Michael　場所によってはそのくらい重ねていたかも。サビの部分に薄く裏声を混ぜたりするのが好きなんですよ。

藤原　ちなみに私のラップ部分、例えば《人間ってゲームのモンスターじゃない》のところは、家で録ったデモテイクがそのまま本番で使われています。しかもデモよりキーを半音上げているので、ちょっとロボットみたいな声になっていて。それがまた歌詞の内容にも合って「いい味」を出している気がします。

Michael　ちなみにドラムやボーカルを気づかない程度に歪ませて、打ち込みトラックとの馴染みをよくしたりもしています。

──ワードチョイスだけでなく歌詞そのものも、今の情報社会に対して警鐘を鳴らすような内容ですよね。

藤原　最近、スマホをめぐるあれこれに疲れてきてしまって。例えばSNSでも、誰かが誰かを貶していたり、面識もない人に対して軽い気持ちでひどい暴言を投げつけたり。今時の中高生の話を聞くと、SNSを使って私たちの頃になかったようなことをしていて。グループLINEで誰かを仲間外れにするとか、そういったことは私たちが中高生の頃はなかったじゃないですか。

Michael　そうだね。

藤原　そういう話を聞くと、もっと下の世代はさらにしんどくなるのかなと思うし、私たち上の世代が用意したもので下の世代が傷つけ合っていると思うと、すごくやりきれないんですよね。軽い気持ちで使っているツールが、この曲の歌詞のようにマシンガンとなって人を殺してしまうこともある。軽く言った一言が、誰かにとってはすごく辛い言葉になる可能性もあると思うので、自分も一つひとつの発信に対して責任を持たなければと。

Michael　気軽になんでも発信することができる世の中じゃないですか。だからこそ、僕自身はあまり思っていることをSNSには書かないようにしていますね。それよりも、今回のように曲を通して、音楽を通して思いを伝えられたらと思っていますね。

藤原　トラックやラップとの相性もすごく良かったんですよね。メッセージ性はあるんだけど、ちゃんと日常から出てくる言葉で書きたくなるようなトラックだと思いました。

それぞれの手ぐせがあるから、自分ひとりでは絶対に思いつかないですね。こうやって人が作ったトラックの上でメロディや歌詞を考えたりすると、全然予想もしなかったアイデアが浮かんでくるのが、最近はめっちゃ楽しいです。

Michael　でもさくらちゃんも、最近Logic Proを導入してデモ作りとか頑張っているんだよね。

藤原　 Logic Proもそうだし、『SUPERMARKET』のレコーディングでは参加ミュージシャンの方たちに「こういうふうに演奏してください」って自分からお願いした曲とかもあって。今までは、自分の曲のアレンジはアレンジャーさんに全部お任せしていたんですけど、そうやって一から自分で考えるようになると、曲に対しての責任みたいなものも感じるようになりました。マイキーさんは、他のアーティストのプロデュースもしているじゃないですか、より責任重大ですよね。

Michael　責任もあるけど、それ以上に楽しいかな。自分の曲ではやらないことを試したり、自分のカラーを出しつつそれを違う人に歌ってもらったり。シンガーソングライターとして表に出て活動していながら、裏方仕事もすごく好きなんです（笑）。

藤原　いいなあ。私も誰かをプロデュースしてみたい。マイキーさんをプロデュースさせてください（笑）。

──ちなみに、お二人はドライブにまつわる思い出などありますか？

藤原　私は実家が福岡なので、家族みんなで熊本や別府の温泉までドライブすることが多いですね。そのときに好きな音楽をかけてもいいのは助手席に乗った人、というルールになっています（笑）。こないだドライブした時は、お父さんがマイキーさんの曲をかけてましたよ。「ドライブにぴったりだなあ」って。

Michael　本当に？　嬉しいな。そういえば俺、さくらちゃんのお母さんには会ったことがあるんだよね。3年くらい前、福岡でライブをやったときに遊びにきてくださって。靴下をプレゼントしてもらいました。

藤原　あははは。うちのお母さん、私と関わりのある人全員に靴下を配ってるんですけど、マイキーさんもついにもらいましたか。

Michael　うん、すごくいい靴下だった。全然穴が空かないから今でも履いてるもん。

藤原　お母さん喜びます（笑）。マイキーさんはドライブしてますか？

Michael　今年に入って車を購入して、時間を見つけては運転しているね。結構、デカめの車なのでドラムセットとかも積み込めるし、バンドメンバーとワイワイしながらライブに行くのも楽しくて。

あと、最近DIYにハマっているんですけど、車があるとホームセンターにもパッと行けるじゃないですか。それで木材とか買い込んできて、自宅スタジオの吸音パネルを自作したりしています（笑）。僕、今まで音楽と酒くらいしか趣味がなかったんですけど、ようやく趣味ができたのも嬉しくて。DIYも料理も、音楽とちょっと似ているところがあるんですよ。

──今回のコラボシリーズ、今後はどんな展開を考えていますか？

Michael　今のところEPでまとめてリリースすることを考えていて、コラボ相手も、すでに決まっている人もいるし、今からオファーする人もいて。“DRIVEAWAY”とはまた全然違う雰囲気の曲もあるので楽しみにしていてほしいです。

藤原　楽しみです！