安田レイがアルバム『Circle』を完成させた。コラボレーションをテーマに2021年～2022年にリリースしてきた、JQ from Nulbarichとの“It’s you”、TENDREとの“blank sky”、THE CHARM PARKとの“風の中”“each day each night”に加え、Yaffle、Lucky Kilimanjaroから熊木幸丸、VivaOlaを迎えた新曲を収録。さらに“It’s you”以前のシングルでドラマ『君と世界が終わる日に』の挿入歌として話題になった“Not the End”なども合わせた全11曲が、それぞれのシナジーによって輝く。今回は安田に、新たなコラボ曲を中心に各曲を順に追いながら、その魅力を語ってもらった。

──JQさんと共作した“It’s you”収録の同タイトルEPをリリースされた際のインタビューで、さまざまなアーティストとのコラボを推し進めていきたいとおしゃっていましたが、こうしてフルアルバムが完成した感想からお聞かせいただけますか？

初のコラボEP『It's you』を制作していた頃から、この流れをフルアルバムまで繋げたいと思っていました。そして今回は、『It's you』でご一緒したJQ（Nulbarich）さん、TENDREさん、2022年に入って“風の中”、“each day each night”をプロデュースしてくださったTHE CHARM PARKさんに加えて、Yaffleさん、Lucky Kilimanjaroの熊木幸丸さん、VivaOlaさんといったバラエティ豊かなメンバーと曲作りができて、ほんとうに幸せでした。30歳、ソロデビュー10周年を迎える直前に願っていたことが形にできて、私の中で新しい表現の扉が開いたような気がします。ジャケットもそんな作品を祝福してくれているじゃないですけど、この虹、すごくないですか？

──虹は合成じゃないんですか？

撮影当日は雨が降っていて、「しょうがないよね」ってクルーのみんなと話しながら準備を進めていたら急に晴れてきて虹がかかって。

──感動的ですね。

「安田レインボー！」って、よくわからない駄洒落を叫びそうになるくらいのテンションでした（笑）。今回はいろんな方とコラボしたので、人の集まる楽しそうな場所ということで色とりどりの公園をロケ地に選んで、衣装もカラフルにしたところに、偶然虹までかかって、「ああ、これまでのことは奇跡だったんだな」って、大げさではなくそう思いました。

──円のグラフィックも素敵ですね。これはアルバムタイトルの『Circle』を表したものですか？

はい。アルバムを作るにあたってこの『Circle』というタイトルが最初に浮かんだんです。裏テーマは“ミステリーサークル”でした。あれって、上から見たら面白いですけど、中にいたら迷路みたいで自分がどこにいるかわからない。人生もそうだなって、思ったんですよね。ゴールの方向はそっちで合っているのか、ちゃんと前に進めているのか、自分なりに頑張っているのに迷ってばかりですから。そして制作の最後に、今回1曲目に収録したタイトルトラックをYaffleさんと作りました。

──“Circle”の《ここはどこLost in wonderland》という歌詞が、終盤で《この場所が It’s my wonderland》となっていますが、それが安田さんにとっての“Circle”のイメージでしょうか。

そうですね。＜wonderland＞って、そこに入る前は夢の国とか理想郷みたいなイメージがあるじゃないですか。でも実際はそうじゃない。

──少し怖いイメージもありますよね。

いざ入ってみるといろんなものが歪んでいたり、理想とは程遠かったりする。そういうことって生きていると往々にしてあると思うんです。私もそうで、何の迷いもなく音楽の世界にい続けられたわけじゃないですから。でも、そこにもハッピーな瞬間がたくさんある。思い通りにいかなくても自分の駄目なところを受け入れて自分なりに前に進んでいけば「“wonderland”も楽しいじゃん！」って、そんな曲です。

──Yaffleさんとの制作はいかがでしたか？

Yaffleさんのスタジオにお邪魔してセッションをしながら作りました。ポジティブなだけではなくて、ネガティブな部分やダークネスも強めに入れて、最終的には前を向けるような曲にしたいという気持ちを伝えたら、すべて汲み取ってくださって、ほんとうにすごかったです。私はYaffleさんがトラックを作っているプロセスを生で感じながら、湧き出た感情の鮮度を大切にしてメロディを考えました。

──まさに、“Circle / wonderland”の闇を受け入れて謳歌するようなダンサブルな曲。ゴスペルに通じる多幸感に溢れたコーラスのようなパートも印象的だったのですが、安田さんの声を重ねて録ったんですか？

ダンサブルな曲にすることはあらかじめ話し合っていたのですが、ゴスペルとおっしゃった部分は最後にできました。曲がほぼ完成に近づいたタイミングで急にYaffleさんが、「レイさん、メロディを崩してください」って言うんですよ。私も崩すのは好きで、ライブでいつもと異なる色を出したいときなどに時々やるんですけど、初回のレコーディングでやることはまずなかったから少し戸惑いつつ、後半のメインのメロディのうえに崩したメロディを重ねたり、いくつかフェイクを入れたりしました。そしてさらにハーモニーを入れることになって、だんだんコーラスっぽくなってきて、「これゴスペルじゃないですか！」って私もびっくりでした。

──そうだったんですね。

私自身が私の声に包み込まれるような感覚で、いろいろと迷いながら最後には《この場所が It’s my wonderland》と吹っ切れる歌詞のストーリーにもぴったりだと思いました。実はYaffleさん、思い付きで私にメロディを崩させたのではなくて、制作に着手した段階でこの曲をどうしていくか絵が描けていたようで、私にはあえて黙っていたらしいんです。

──安田さんにはリアルに“Circle / wonderland”の中にいるような状態を楽しんでもらいたかったとか？

そうかもしれないですね（笑）。そしてYaffleさんはすごく作業が速くて、1日の間に数トラック作ってくださったので、残りもいつか出せたらと思っています。

──2曲目の“through the dark”と3曲目の“Not the End”は、『It's you』から始まり今回のアルバムのテーマの一つにもなっているコラボレーション以前の曲ですが、なぜ収録したのですか？　特に“Not the End”は、今作をアルバムたらしめる役割を果たしていると思うので、意図が知りたいです。

コラボレーションを掲げた以降の曲だけでいくか、少し迷ったんですけど、そうおしゃっていただけるなら入れてよかったです。“Not the End”はこの数年間の活動を振り返って、もっともパンチのある曲ですし、ただハッピーなだけじゃないダークネスを表現したという意味で、ここまでに話したアルバムの方向性の鍵になっていると思ったんです。

──コロナ禍という時代の記録としても重要な、2020年から2021年に差し掛かるあの瞬間にしかできなかった曲。失礼を承知で、当時私の頭の中にもしあの歌詞が浮かんだら、その瞬間自分の言葉に潰されて歌えない。そのくらい生々しくて緊張感のあるキラーチューンだと思うんです。そして、そんな時期があったからこそ『Circle』の方向性が定まった。

確かに、コロナ禍のあの瞬間にしか生れない曲ですよね。今は考え方や世界の見え方も変わっていますし。あの頃は恐怖心が大きかったから、「自分の言葉に潰される」とおっしゃる気持ちはわかります。そこはドラマ『君と世界が終わる日に』の挿入歌だったことでペンが進んだんだと思います。人々がゾンビと化していく非現実的な物語とコロナ禍が重なった。もしドラマがなかったら自分からそういう曲は書こうと思わなかったかもしれないですね。ドラマがきっかけで私のことを知ってくださった方や、曲は知っているけど私のことは知らない方も多くいらっしゃって、「あの曲の人なんだ」と言われることもあります。ありがたい話です。

──そこからTHE CHARM PARKさんと作った“風の中”へ。80年代風のサウンドと爽快なメロディが疾走する曲で、ここで景色が一気に開けます。

“Not the End”から“風の中”は決して綺麗なグラデーションではないけど、ライブでダークな世界観からMCを挟んでアッパーなムードに持っていく、そんな光景を想像するとすごく気持ちよかったので、あえて並べてみました。今回、この部分だけではなく、曲順にはとことんこだわったんです。結果、既発曲もそれ単体で聴くのとはまた違った魅力が出ているように思うので、ぜひ流れで聴いていただきたいですね。

──続く“HOME THERAPY”はLucky Kilimanjaroの熊木幸丸さんを迎えた曲。Lucky Kilimanjaroには同じようにハウスを基調に家で遊ぶことをテーマにした“HOUSE”という曲がありますが、関連性はあるんですか？

確かに。Lucky Kilimanjaroの曲だと私は“350ml Galaxy”が好きで、それをリファレンスにしてもらったり、あとは私がLizzoが好きだという話もしていたのでオマージュしてもらったりしました。“HOME THERAPY”というタイトルは、私がホームパーティーを大切にしているという話を熊木さんにしたことがきっけかでした。

──そうだったんですね。安田さんがお友達とホームパーティーをしているところがInstagramで流れてきたことがあるのですが。

それですね（笑）。曲を作る前に熊木さんが私のことをじっくり取材してくださって、そこでホームパーティーはデトックスだって話したら、「面白いですね、それで曲を作りましょう」ということになりました。

──ホームパーティーがデトックスとは？

ホームパーティーって家で酔っぱらってバカ騒ぎとか、ちょっとチャラいとか、そういうイメージがあると思うんですけど、私たちにとっては少し違っていて、家というパーソナルなスペースで、気の合う仲間と普段溜め込んでいることや考えていることを言い合う場なんです。終盤に電気を消してキャンドルを焚いてオラクルカードっていうタロットみたいなことをすることがよくあって、そこでお互いに心の中にうごめいているものを思いっきり吐き出して、号泣して抱き合って終了みたいな（笑）。

──私もたまに友達とホームパーティーやりますけど、号泣して抱き合うことはないですね（笑）。

そんな私たちの一晩をイメージして、メロディや作詞も含めて熊木さんがほぼ仕上げてくださったうえで、「どこかではっきりとレイさんらしさも出しましょう」ということで、ブリッジの部分だけ私が歌詞を書いてトラックメイクにも関わりました。

──その作り方の話、納得です。というのも、Lucky Kilimanjaro節と言える、ラップと歌メロの間を縫うようなパートや、お二人の会話調の掛け合いがあるじゃないですか。

そうなんですよ。そういう歌い方をしたことがなかったので、ちょっと恥ずかしいしリファレンスも熊木さんしか思いつかないから、熊木さんの真似をしようとしたら「真似しなくてもいいですよ」って。だから何とか自分なりにやっていたらだんだん楽しくなってきて、新しい歌い方を体得できたような気がしました。

──新しい扉となると、続くTENDREさんとの“blank sky”もそうですよね？

この曲は私がピアノで作った曲をTENDREさんにアレンジしてもらったんですけど、「アレンジがすべてだな」って思うくらい、カッコよくしてもらえました。確かに、こういうモダンでゆったりしっとりしたR&Bって、今までになかったですね。

──“Sunday Morning”もまた、若手注目のVivaOlaさんと組むことで新しい感覚が生れているように思いました。

すっかり仲良くなってVivaちゃんって呼んでるんですけど（笑）、彼とは私がパーソナリティを務めていたラジオに出てもらったことがきっかけで知り合いました。音楽性が好きなことはもちろん、話していてすごくフィーリングが合ったので、その日のうちに「何かやりましょう」と口説いて数カ月越しに実現したんです。私はアメリカンスクール、彼はインター出身で境遇も似ていて、聴いてきた音楽なども、共通言語が多くて楽しかったですね。

──どんな音楽の話をしましたか？

R&Bを中心に、スタジオでもお互いが好きな音楽をかけ合いながらたくさん話しました。彼は私より5つくらい年下なんですけど、私が小学校低～中学くらいの時にはまっていた90年代後半や00年代初期のR&Bもオンタイムで聴いていたみたいで、温度感も近かったんです。「Usherの『Tiny Desk Concert』観た？　やっぱすごいよね」みたいな。そんなコミュニケーションの中で、お互いのルーツであるR&Bをやりたいねって話になり、できた曲が“Sunday Morning”です。

──リズムの音が生っぽくて親しみやすく、曲自体も少し懐かしいにおいがしました。

ちょっと前のR&Bみたいな感じ。その香りはあえて残しました。生っぽいビートもいいですよね。Vivaちゃんが私の声にはそのほうが合うんじゃないかって、提案してくれました。

──そしてJQさんとの“It's you”。この曲は今作の起点として大きかったのではないかと。

そうかもしれないです。コラボレーションの楽しさを知ってエンジンにブーストがかかったみたいな。“Not the End”がダークネスも見せていくというメンタルやメッセージ的な方向性の起点だったとすれば、“It's you”はコラボすることでもっと音楽的な幅を広げたいと思って始めたことの確信、決定打になったと思います。

──“us”は、THE CHARM PARKさんと作ったシングル“風の中”と“each day each night”のリリースの際のインタビューで、「実はTHE CHARM PARKさんとの曲はまだあるのでリリースしたい」とおっしゃっていたその曲ですか？

はい。私が作詞作曲してTHE CHARM PARKさんにアレンジをしてもらった曲で、これに関してはあまり自分のダークネスは出ていない、足取りの軽い曲ですね。ライブのこと、ファンの方々と同じ空間にいる時間を想像しながらシンガロングできるような曲にしました。

──次はお友達のカップルに捧げた“each day each night”。最後に安田さんの仲間への想いや慈愛に満ちた曲がきて、幸せな気持ちになりました。

この曲順もライブを想像してのことですね。最後はポジティブでストレートなラブソングを浴びて、幸せな気持ちに包まれて家に帰ってもらいたいですから。アルバムを締め括るにもぴったりだと思うので、いずれにせよ最後になっていたと思います。そしてハッピーになって、また“Circle”に戻ってもらえたら。円には終わりがないので（笑）。ずっとループしてもらえるような作品にしたかったんです。そして、コラボしてくださった方々のおかげで、安田レイ史上もっとも音楽的な幅があって飽きることなくあっという間に聴ける、だからリピートしたくなる豊かなアルバムになったと思います。

──今作はほとんどの曲で共作というスタンスを取り、シンガーとしてだけでなく、ソングライターとしてもこれまで以上に深く作品に入り込みました。そして、これから先のことについては、どうお考えですか？

今作でジャンルの幅が広がり、歌い方にもいい変化があったと思うので楽しみです。そのあとのことはまだ何も考えていないですね。どうしましょう（笑）。ライブはたくさんしたいですね。ワンマンだけでなく私のことを知らない方々の前でももっと歌いたい。フェスとかイベントとか、いろいろ出たいです。制作面では、先ほど話したYaffleさんと作った曲をはじめストックはまだあるので、それらをさらに磨き上げて出したいですし、今年もシンガーソングライターとして面白い曲をどんどん作っていけたらなって、思います。

──10周年を迎えるにあたっての今の心境は？

デビューしてからまだ10年しか経っていないのか、と最近考えていました。20代全てというのもあり、濃すぎる10年間でした。思い描いていた場所に自分がいなくて、焦ったり怖くなったりする事もたくさんあるけど、もうここまで来るとgod only knowsですね。

音楽から離れようとしても、結局何かが私を連れ戻すんですよ。本当、人生って不思議です。そして、この10年の中で、ファンのみんなと育て上げてきた絆がさらに強くなってきた気がします。今年久しぶりに開催したツアーで改めて「みんなの存在が私を動かしている」と心の底から思えたんですよね。あの瞬間の特別な感情を今年はたくさん重ねていきたいです。みんないつもありがとう！（みんなへのラブレターみたいになっちゃった笑）

──今後挑戦してみたいことは？

またツアーがしたいです！

今年久しぶりにやった東名阪ツアーの音も、気持ちも、みんなとの繋がりも、どんどん育っていくのが本当に楽しくて。もっとたくさんの場所でやったら一体どんな景色が、お客さんが、私が、待ってるんだろう！？　と考えるだけでドキドキしちゃいます。

──7/3のビルボードライブ東京でのワンマンライブはどのような内容になりそうですか？

デビュー日にアニバーサリーライブができるなんて本当に幸せです。たくさんの感謝の気持ちを込めて、スペシャルなセットリストで懐かしい曲もお届けしたいと思ってます。

私の声も、音も、見た目も、価値観も、どんどん変化していますが、この10年をゆっくりみんなと振り返りながら、その時の記憶を音を通して思い出せたら幸せです。

みんなに会えるのを本当に楽しみにしています！　最高の日にしましょう！

藤井 風やiri、adieu などの楽曲をプロデュースするYaffleは、今のポップス界でもっとも注目を集める存在でありながら、国立音楽大学で作曲を学んだ経歴の持ち主でもある。

このたび自身のソロ・ワークスとしては2作目となるアルバム『After the chaos』が、クラシックの名門レーベル、ドイツ・グラモフォンからリリースされることになった。

アイスランドのアーティストと、日本のクラシック演奏家を迎えて録音された今作が、混沌に満ちた世界に投げかけるものとは？ アイスランド滞在の話から、クラシック音楽の未来の話まで、広く深く語ってもらった。

──今回のニュー・アルバムはクラシック音楽の名門レーベル、ドイツ・グラモフォンからリリースされるとあって、「ポスト・クラシカル」といった文脈で捉えられるのかもしれません。でも、ポスト・クラシカルの定義自体が曖昧なものですし、この作品はどちらかと言うとYaffleさんの1st アルバム『Lost, Never Gone』の地続きにある音楽のように感じました。

そうですね、ただ前作（『Lost, Never Gone』）と比べると、今作は技法的探究心みたいなものをあまり出さず、もっとエモーショナルに作ってみた感じです。音楽って、いろんな面がありますよね。メッセージの伝達手段、コミュニケーション手段としての音楽もあるし、逆に深遠なメッセージなどまるでなく、ただ聴いてアガるための純然たる音楽というのもある。そういう意味では、今作は内在するメッセージというか、人に何かを伝えるという方向に、僕なりに関心を寄せて作ったところが、自分のなかで前作と違う部分でしょうか。

『After the chaos』はひとつの環境設定、物語の舞台みたいなもので、僕が描きたかったのは、善良さや醜悪さも含めた人間性に対しての憧憬のようなもの。人間にはやっぱりそういうものがあってほしい、ないと不安になってしまうと思うんです。

ここ2〜3年の社会情勢って、以前に比べるとけっこう絶望的な状況じゃないですか。ポスト・アポカリプス（終末もの）とまではいかないけれど、極限のシチュエーションでどこに希望があるのか？ みたいなことは考えますよね。そんなとき、古い文学や歴史を紐解いてみると、だいたいオチが同じだったりするわけです。舞台設定は全然違うけれど、結局のところ好きとか嫌いとか、生きるとか死ぬとか、勝った負けたとか、愛とか正義とか、そういうところに帰結していく。

つまり人間というものは、どんなに最悪な、極限の状況においても、そこで日々の営みを続けて、たくましく生きていくんだなあと。そう考えたら、それが救いであり希望だと思えるようになって。そんな「人間の生来の営み」に対する憧憬です。僕にとっては、SFみたいに人類が進化して、徹底的に合理化した超人みたいになって、感情からも離脱して、ただ平和で綺麗な世界でぼーっとしているみたいな未来の方が悪夢ですから（笑）。

──今回の録音はアイスランドで行われていますが、極限状況における人間の営みが行われている地ですよね。それとは何か関係がありますか？

それ以前に、寒いところが好きなんですよね。北欧も好きで、よくセッションをしに行っていたんです。とりあえず夏のビーチに行って曲が書ける気がしないというのがあって（笑）。でもたしかに、アイスランドの孤立した環境に身を置いて創作してみたかったというのはあります。

僕は常々、「無意識をコントロールしたい」と考えていて。創作には意識的な部分と、無意識に出てしまう部分がありますが、人間はどうしても意識的に作ったものを評価する傾向があるように思います。ある意図のもとで、それに沿ったものを作ったという方が、パパパッと手癖のような感じで出てくるままに作ったというよりも尊ばれる。

けれど、じつは無意識下で出てきたものって、その人の日々の積み重ねそのものなので、もっと評価されていいのではと思うんです。それならば、無意識下で作ったものがより良いものになるために、コントロールできないかなという感覚はあります。

ありていに言ってしまえば、環境を変えてみたいということなんですが。海外のクリエイターとのコライトが多いのも、そういう理由からです。創作する場所が変われば、気分も変わるだろうし、そうしたら無意識の部分にも変化があるだろうと。その環境は必ずしも自分にとって「快」じゃなくてもいいですよね。あえて不快な環境に身を置いて出てくるものもあるでしょうし。

──ショパンがマヨルカ島で、死の淵を彷徨いながら傑作を生み出したように。

そうそう、だいたいみんな辛いときに良い曲ができるものですよね。

──アイスランドに行ってから曲を作りはじめたのですか？

とりあえず手ぶらで行って、ウロウロしつつ、そこでゼロから考えてみる、みたいな。これまでの創作では、わりと人との出会いがベースになっていて、現地でアーティストと会って会話したときの感じでセッションをして、一気に作っていくことが多かった。ですが、今回は基本的にレイキャビク（アイスランドの首都）のスタジオにひとりでいる時間が長かったかな。フィーチャリング・アーティストとの共作は一部ありつつも。

──参加しているアイスランドのアーティストは、現地に行ってから出会ったのですか？

現地で人づてに紹介してもらったアーティストもいますし、あらかじめ行く前に音源を聴いて、ちょっと会ってみたいなと思ってアポイントをとったアーティストもいます。

──アイスランド滞在はいかがでした？

6月後半から7月にかけて行ったので、ほとんど白夜になっているシーズンでした。毎朝4時ぐらいまでずっと明るくて、体内時計がおかしくなりそうでしたね。現地の人たちは、アイマスクや遮光カーテンなどを駆使して生活しているわけですが、そういうグッズ前提の生き方って大変だなと。

アイスランドの良いところは、レイキャビクの中心地から車で10分ぐらい走ると、もう周囲になにもない田舎になって、一軒家で防音を気にせず音を出せるスタジオがあること。日本だったら、都心から1時間以上かけないと辿り着けないでしょうから、音楽をやる環境としては最高ですよね。

ある日、スタジオの近くを歩いていたら、扉を開けっぱなしにした家の中から弦楽器のレコーディングをしている音が聞こえました。シガー・ロス（Sigur Rós）みたいな大物アーティストのレコーディングだったかもしれませんが、セキュリティもガバガバで（笑）。

──いかにもアイスランドらしいですね。

──アイスランドでのレコーディングのあと、日本でクラシックの若い演奏家たちを迎えてレコーディングしたとのことですが、ヴァイオリンやクラリネットなど、クラシックの楽器をフィーチャーしようと思った理由は？

言ってみれば、骨董品を使ってモダンなものを作った方が、もともとモダンなものをモダンに作るより、斬新で面白いものになると思ったから。耕しがいのあるテーマだなと。

──たとえば石上真由子さんのヴァイオリンは、とても濃密で歌心豊かな演奏ですよね。オーセンティックなクラシック音楽らしいというか。ポスト・クラシカルで聴くようなクールで夢幻的なストリングスとは少しタイプが違って、それがかえって新鮮でした。

そうですよね。いわゆるベッドルーム・ミュージックっぽくなりすぎたらイヤだなと思いながら作っていたので、メッセージ性という意味でも、石上さんのヴァイオリンが良かったなと思います。それにしても、日本は若くて優秀なクラシックの演奏家がたくさんいて、恵まれていますよね。

今作はアイスランドで半分作って、あとの半分は日本で作ったわけですが、そこには自分が日本の人間としてできることはなんだろう？ という問いかけも入っています。アイスランドの人がやっているのと同じことをやって、そこに意義はあるのかって。なので、クラシックに詳しい友人にも相談しながら、演奏家を紹介してもらい、東京でしかできないことをやりました。

──そうかと思えば、1990〜2000年代のポストロックのような響きが聞こえてくる瞬間もありますし、このアルバムには本当にいろいろな要素が入っているなと。

たとえば執拗反復みたいなものとの初めての出会いは、たぶんポストロックだったように思います。スティーヴ・ライヒ（Steve Reich）といったミニマル・ミュージックは、どちらかと言うと、そのあとから知った感じなので。

高校生のとき、六本木の蔦屋書店でずっと受験勉強していたんですが、当時はまだCDレンタルのコーナーがあって、ポストロックの棚に並んでいたシガー・ロスとかトータス（Tortoise）とかモグワイ（Mogwai）とか、たくさん聴きました。「シカゴ音響派」なんて書いてあって、なんだそりゃと思って聴いてみたり。グオーーーっていう轟音がずっと鳴り響いているだけのアルバムもありました。

──音大の受験勉強をしていた頃ですね。ひたすら和声の問題を解いていたという。

そう、あの当時聴いていた音楽は、抜けないですよね。

──それこそ無意識のなかに取り込まれて、あるときぽっと出てきたり。

──今作は、ドイツ・グラモフォンからリリースされるとのことで、アルバムのジャケットにイエローレーベルのロゴが入っているのも印象的です。Yaffleさんとしては、クラシックの殿堂とも言えるレーベルからリリースされることの意義をどうお感じになりますか？

めちゃくちゃびっくりしましたし、光栄なことだと思っています。

──近年のドイツ・グラモフォンは、ポスト・クラシカルをはじめ、アンビエントやエレクトロニカなど、非常に幅広い作品をリリースしています。

前へ、前へ、という感じがすごいですよね。クラシックのリスナーが減っていることに危機感を抱いているのでしょうか。

僕が思うに、クラシックはとにかく「ストラクチャー（構造）」重視の音楽です。五線譜にはストラクチャーの情報しか書かれておらず、音色や響きといった「テクスチャー（質感）」の情報は「力強く」とか「優しく」といった文字でしか伝えられません。それに対し、ポスト・クラシカルやアンビエントはテクスチャー重視の音楽です。それが今後、ドイツ・グラモフォンという老舗がテクスチャーにアイデンティティを置いて、テクスチャーの音楽を「クラシック」として打ち出すのであれば、すごく面白いことだと思います。

──なるほど。Yaffleさんは以前のインタビューでも、「これからはストラクチャーではなく、テクスチャーの時代だ」とおっしゃっていたのが印象的でした。

そういう意味でも今作では、クラシックによって培われたストラクチャー的な語法を、あまり意識しないようにしました。そこがけっこう肝かな。音響のテクスチャーを、ブロックのように組み合わせていく感じ。その方が僕の理想に近いのではないかと。そういったニュアンスを、ずっとストラクチャーの世界で生きてきたクラシックの演奏家に伝えるのは大変でしたけど、石上さんは楽しみながら、とても良くやってくださいました。

──クラシックの楽器と同様に、シンセサイザーもテクスチャーを作るのに重要な役割を果たしていますね。

今作では、生楽器とシンセサイザーの間にギャップを設けないようにもしました。ヴァイオリンとシンセサイザーの境目を自分では意識しないようにしたというか。言ってみればヴァイオリンもオシレーターと同じ、音を生み出す発振器なわけですし。そこにあえて、クラシックの何百年もの歴史のなかで培われた書法を入れ込もうとは思いませんでした。まあ、僕もいちおうクラシックの世界にちょっと身を置いていたので、無意識に出ちゃっている部分もあると思いますけど。

──では最後に、クラシックの専門教育を受けながらポップスの世界で活躍するYaffleさんにお聞きしてみたい質問なのですが、クラシック音楽がこの先、生き残るとしたら、どういう形で生き残っていくと思われますか？

いやあ、難しい質問ですね。たとえば街中でイヤホンをしてサブスクの音楽を聴くとき、その音楽と、その街のデザインや景観、行き交う人々の服の色や雰囲気といったものは、ものすごくリンクしていると思うんですよね。ブラジルの街で流行っている音楽と、東京で流行っている音楽が違うように。

じゃあクラシックはどんな街に合うのかといえば、ウィーンみたいな古都はともかく、現代的な街に溶け込むのは難しいですよね、善し悪しはともかくとして。そう考えると、現代的な構築性を、クラシカルなテクスチャーのなかで感じられる音楽がポスト・クラシカルであり、これだけ支持を得ている理由になるのではないかと。

──なるほど。現代の街に似合うポスト・クラシカル。

そういう意味では、ポスト・クラシカルに、ローファイ・ヒップホップとかチルとかネオソウルと近い匂いを感じます。もちろん音楽的な話ではなく、役割として。コンサートホールに綺麗な格好して聴きに行く特別な音楽ではなく、自分が生きている街の延長線上にある音楽。サブスクやスマホのおかげで、音楽が生活により近づいた今、その流れのなかで出た答えのひとつがポスト・クラシカルなのではないでしょうか。貴族の館の音楽からコンサートホールの音楽へ、さらにくだってスマホの中の音楽へ、ということかなと思います。

──とても興味深いお話をありがとうございました。