コロナ禍により生活様式が変化する中、新しい時代の新しい働き方を実現するべく、新オフィスへの移転を行ったトランスコスモス株式会社。クリエイティブ面では、ART・BOOK・MUSICを軸にQeticがお手伝い。アーティスト・クリエイターの方々とのコラボによる新オフィスをご紹介。
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新型コロナウイルスの影響の下、あらゆる生活様式が変化せざるを得なくなった今。リモートワーク主体となったことで、働き方が抜本的に変わった人も多いのではないでしょうか。そんな中、コロナ禍以前はただの「職場」でしかなかったオフィスの在り方も見直されつつあります。 2020年11月2日、在宅勤務の推進と並行して、新しい時代の新しい働き方を実現するべく、新オフィスへの移転を行った会社があります。その会社とは、国内外で企業へのITアウトソーシングサービスを展開するトランスコスモス株式会社。同社デジタルマーケティング部門の新たな拠点となるオフィスは、渋谷ファーストタワーの6F・7Fに開設されました。 今回、オフィス移転のプロデュースにあたって、コンセプトワークをはじめ、空間デザイン全体の監修、家具のデザイン・製作を岩沢兄弟、オフィスのUXデザインを株式会社Shhhが担当。Qeticもクリエイティブ面でお手伝い。社員の方々のクリエイティブを刺激するべく、Qeticが用意した仕掛けを紹介します。
トランスコスモスが掲げた新しいオフィスのコンセプトは、「Open & humanity」。リモートワーク中心の業務スタイルを進める中で課題となる、発想・アイデア、信頼関係、共同ワーク、雑談の4つに対する活用が想定されています。オンラインにはまだない臨場感や、垣根のない情報共有や情報発信をテーマにした7Fは、まだ知らないモノゴトとの出会いを促し、仕事に必要なインスピレーションを得ることができるフロアとなっています。 在宅体制にシフトしているため、受付に置いてあるのはiPad1台のみですが、そのスクリーンには「WE ARE OPEN.」の文字が。そこには、開店しているよ、という意味と、このフロアの「Open & Humanity」を体現するために、自分たちはOPEN（な姿勢）だよ、という2つの意味が込められているそう。その言葉通り、エントランスからはガラス越しにフロアの様子が一望できます。オフィスの内部には一切壁や扉がなく、天井までもスケルトンに統一された「オープン」な空間が広がります。
フロアに入って、すぐに目に飛び込んでくるのが、上品ながら遊び心のある家具の数々。「Simple & Flexibility」をテーマにしたこの家具は、椅子を除いてソファや本棚やテーブル全てを岩沢兄弟の手によってオリジナルで製作されました。弧の形で統一されたソファ、本棚、カウンター、パーティションは全て同じアーチ状のデザインとなっていて、自由自在に組み合わせ可能。シーンに合わせて使い方を変えられるようになっています。
フロアの中心には、プロジェクター3台を利用し合成させた大型サイネージを配置。専用のiPadで操作することでPCの画面やTVも流すことができるので、イベント・セミナーやチームミーティングを実施したり、スポーツ大会を流すこともできるそう。
その他にも、フロア内にはいくつか特徴的なエリアが設けられています。セミナーやチームミーティングにピッタリな、スタジアムの観覧席のような座席が設置されたスペース、眺めの良い窓際席、大型のテーブル席、本棚を向かいに設置したバーカウンターのようなスペースなど。いずれの場所もポップかつオシャレでありながら、密を避けるためのゆとりにも配慮された、快適性と機能性が両立するエリアとなっています。
今回、Qeticがトランスコスモスの新オフィス7Fに用意した仕掛けは、ART・BOOK・MUSICの3つ。仕事にインスピレーションや刺激をもたらし、モチベーションを上げてもらうべく、一目見ただけでその全体像から一気に脳に刺激が流れ込む強力なツール『ART』、書いた人の人生や先人の知恵が、読むだけで共有できる優れたツール『BOOK』、人の気持ちに寄り添い、その時の感情をプラスにもマイナスに増幅してくれる不思議なツール『MUSIC』の3点をチョイスすることに。第一線で活躍するアーティスト・クリエイターの方々とコラボレーションして、それぞれの部門で作品提供・選出にご協力をお願いしました。
ART
オリジナルで制作された木製ブースの内側を色彩豊かに飾るのは、気鋭のイラストレーター・デザイナーによるウォールプリント。JUN OSON、GraphersRock、Utomaru、WALNUTがユニークな感性を表現してくれました。
こちらはあえてテーマを指定せず、アーティストのインスピレーションを重視したデザインをお願い。オフィスに彩りを加え、社員のクリエイティブな面を刺激するアート作品群となっています。
参加アーティスト （ABC順）
GraphersRock / アートディクター・グラフィックデザイナー 岩屋民穂によるデザインプロダクション。インディーズからメジャーレーベルまで様々なCDジャケット、音楽まわりのデザインを中心に、アパレル、広告等、幅広い分野にアートワークを提供。様々な企業、ブランドとのコラボレーションでプロダクトを展開し続けている。
コメント： グラフィックという表現の根源を辿っていくと、様々な宗教画や記録画などの壁画にたどり着き、ここから私は多くのインスピレーションを得てきました。そんな壁画のマナーを抽出したグラフィックをオフィスにインストールすることで、また別の誰かのインスピーションの源になれば幸いです。
JUN OSON / イラストレーター・アーティスト 鎌倉市在住。広告やアニメを中心に装丁や挿絵、グッズデザインなどジャンルを問わず幅広く活動中。主な仕事にメトロ文化財団が制作する「東京メトロマナーポスター」、NHK Eテレ「あはれ！名作くん」キャラクターデザイン、星野源ツアーグッズデザイン、ZARAとのコラボレーションなどがある。最近では北京でも個展を行うなど、オリジナルアートワークの制作にも力を入れている。
コメント： 二人が掴もうとしているもの、それは集中力。できる人、できない人の差は集中力のコントロールに左右されると思っています。集中するときはギュッと集中して、休むときはできる限り弛緩させる。ダラダラしてても、あまりのめり込み続けるのもよくありません。こちらがコントロールするのです。掴むのです。
Utomaru（THINKR） / イラストレーター・アートディレクター 日米のポップカルチャーの影響を色濃く受けたキャラクター造形と色彩表現が特徴の作家。CDジャケット、MV、雑誌への作品提供から、キャラクターデザイン、コスチューム原案、漫画制作、プロダクト開発など幅広く活動中。アメコミを彷彿とさせるポップなイラストレーションで、ポップカルチャーシーンで活躍するアーティストへのアートワーク提供も行なう。
コメント： オフィスは透明な器のようなもので、その中でどんな人たちが働いているのかによって様々なカラーに変化していくものではないでしょうか。時間や場所が変わっても、いつも刺激的でありながらも心地よい、働くあなたのための空間であれば良いなと思っています。
WALNUT / イラストレーター・アーティスト 東京都在住。ノルウェー・南アフリカ・スペインなど世界各国のミュージシャンのグッズデザインを担当するほか、さまざまなファッションブランドのイベントにイラストが起用されるなどジャンルを問わず幅広く活動中。 2018年から世界中を旅しながら制作を続けている。
コメント： アートウォールが設置されるスペースから、自分とは違った個性を持った人たちとの色々な意見の交換や交流を通してあたらしいものが生まれる、というイメージで今回このイラストを描かせていただきました。この場を通していい流れができたらいいなと思います。 中央にいる男性の洋服に、ワンポイントでトランスコスモスさんのロゴが入っているところもぜひチェックしてほしいです。
BOOK
フロアのいたるところに配置したのは、様々な業種・業界で活躍する選者にセレクトをお願いした本の数々。選書してくれたのは、池澤あやか（ソフトウェアエンジニア・タレント）、市原えつこ（メディアアーティスト・妄想インベンター）、尾崎世界観（ミュージシャン・小説家）、草野絵美（アーティスト・タレント）、コムアイ（歌手・アーティスト）、佐藤健寿（フォトグラファー）、たなか（アーティスト・俳優・やきいも屋）、ヨシダナギ（フォトグラファー）の8名です。
選書にあたっては、枠外のインスピレーションとなるべく、「Creative」「Vitamin」「Social」という3つのテーマでお願いしました。各選者が影響や刺激を受けた本は、小説、エッセイ、研究書、ビジネス本、漫画、写真集などなど、多岐にわたる並びとなりました。また、それぞれの本について、どのように刺激を受けてどう感じたのか、選者本人からコメントも頂いています。
参加アーティスト・クリエイター （五十音順）
池澤あやか / ソフトウェアエンジニア・タレント 1991年7月28日 大分県に生まれ、東京都で育つ。慶應義塾大学SFC環境情報学部卒業。2006年、第6回東宝シンデレラで審査員特別賞を受賞し、芸能活動を開始。現在は、情報番組やバラエティ番組への出演やさまざまなメディア媒体への寄稿を行うほか、フリーランスのソフトウェアエンジニアとしてアプリケーションの開発に携わっている。著書に『小学生から楽しむ Rubyプログラミング』（日経BP社）、『アイデアを実現させる最高のツール プログラミングをはじめよう』（大和書房）がある。 Twitter｜Instagram コメント： 自分の中のものづくりの新しい扉を開いてくれたと感じた書籍を中心に選書してみました。「三万円で日々暮らす家が立つ？！」「手芸に電子工作要素加えると、新しいなあ」「私が大好きなあのビール会社はこんなふうにできたんだ」等々、私自身驚きながら読み進めた本ばかりです。アイディアのイマジネーションを広げる参考にぜひ読んでみてください。
市原えつこ / メディアアーティスト・妄想インベンター Yahoo! JAPANでデザイナーとして勤務後、2016年に独立。日本的な文化・習慣・信仰を独自の観点で読み解き、テクノロジーを用いて新しい切り口を示す作品を制作する。アートの文脈を知らない人も広く楽しめる作品性と、日本文化に対する独特のデザインから、国内外から招聘され世界中の多様なメディアに取り上げられている。主な作品に、家庭用ロボットに死者の痕跡を宿らせ49日間共生できる「デジタルシャーマン・プロジェクト」など。第20回文化庁メディア芸術祭エンターテインメント部門優秀賞、世界的なメディアアート賞であるアルスエレクトロニカで栄誉賞など受賞多数。2025大阪・関西万博の日本館基本構想策定に有識者クリエイターとして参画。
HP｜Twitter コメント： 会社員時代、規律正しい日々や身の周りの常識に息苦しさを覚えた時には「わからなさ」「謎」「世界の不条理」に触れることで安らぎを得ていたことを思い出し、過去や未来など遠い時間軸の文化や、異国の人々の視点を追体験できそうな本を中心にセレクトしてみました。お忙しい日常からひととき抜け出し、世界を新鮮な目で見つめ直すための処方箋になれば嬉しいです。
尾崎世界観 / ミュージシャン・小説家 1984年、東京都生まれ。ロックバンド「クリープハイプ」のボーカル・ギター。2012年、アルバム『死ぬまで一生愛されてると思ってたよ』でメジャーデビュー。2014年、2018年に日本武道館公演を開催し、音楽シーンを牽引する一方、2016年には半自伝的小説「祐介」を刊行するなど、執筆活動でも注目を集める。 Twitter
草野絵美 / アーティスト・タレント 1990年、東京生まれ。慶應義塾大学環境情報学部卒業。東京藝術大学非常勤講師。歌謡エレクトロユニット《Satellite Young》を主宰。歌唱・作詞作曲・コンセプトワーク・MVディレクションを担当しており、2017年には世界最大の音楽フェス「SXSW」に出演。個人の活動としては、テクノロジーと人をテーマにメディアアート作品を手掛ける傍ら、広告代理店勤務の経歴を活かし、コンセプトプランニングやミレニアル向けコンテンツのコンサルティング、執筆、コメンテーターとしても活動。Adobe「Premier Rush CC」のWEB CMに起用されている他、BS日テレ「SENSORS」では、2018年度MCアシスタントを担当。
HP｜Twitter｜Instagram コメント： 古典のSF小説から世の中の事象をキャッチアップするための新書まで、未来を見据えて世界と向きあえる本を選ばさせていただきました。 私自身もこれらの本を通して、変化は避けられないことを胸に刻み、知的好奇心を持ち続けられるそんな大人でいれることを目指したいと思います。
コムアイ / 歌手・アーティスト 1992年生まれ、神奈川育ち。ホームパーティで音楽活動の勧誘を受け歌い始める。「水曜日のカンパネラ」のボーカルとして、国内だけでなく世界中のフェスに出演、ツアーを廻り、その土地や人々と呼応しながらライブパフォーマンスを創り上げている。好きな食べ物は南インド料理。趣味は世界各地に受け継がれる祭祀や儀礼を見学すること、唄や踊りを習うこと。音楽活動の他にも、モデルや役者、ナレーターなど、様々なジャンルで活動している。 2019年4月に屋久島からインスピレーションを汲み上げながらプロデューサーにオオルタイチを迎えて制作したEP「YAKUSHIMA TREASURE」をリリース。同名のプロジェクト「YAKUSHIMA TREASURE」のワンマンライブ映像がYouTubeにて公開中!
HP｜Twitter｜Instagram｜YouTube コメント： 自分の本棚を見返して、新しい世界を開いてくれたとおもう本を選びました。仕事の合間に少し時間があるとき、手に取りやすいのは写真や絵が多いものかなと思い多めにしています。
佐藤健寿 / フォトグラファー 世界各地の“奇妙なもの”を対象に、博物学的・美学的視点から撮影。著書は写真集『奇界遺産』、『世界不思議地図』など多数。
HP｜Instagram コメント： 選書テーマは「視点を広げる」こと。クリエイティヴに行き詰まった時に程よくアイデアを探すための単なる「便利なネタ本」ではなく、思考の射程そのものを広げる上で参考になりそうな書籍を集めました。
たなか / アーティスト・俳優・やきいも屋 98年生まれ。やきいも屋。文筆業なども行なっている。前職はぼくのりりっくのぼうよみ。
HP｜Twitter｜Instagram コメント： すこし気を抜くと、馴染みあるものだけで世界を作ってしまう。見えない壁のようなものを張り巡らせて生きてしまう、僕たちはそういう生き物だと思います。 だから、いまの自分との距離があればあるほど、触れる価値があるはず。 短編を主に、小説、漫画、短歌集、哲学書と様々なジャンルの書籍を選びました。クリエイティブの直接のきっかけにはならずとも、無数の世界がすぐそばにあることを思い出せるように。個人的には、天球儀がとても好きです。絵も物語も独特の手ざわりがある。古いのにずっと新しい。
ヨシダナギ / フォトグラファー 1986 年生まれ。独学で写真を学び、2009年より単身アフリカへ。以来アフリカをはじめとする世界中の少数民族を撮影、発表。唯一無二の色彩と直感的な生き方が評価され、2017年には日経ビジネス誌で「次代を創る100人」、雑誌PEN「Penクリエイター・アワード 2017」へ選出。講談社出版文化賞 写真賞を受賞。2025年大阪・関西万博では公式ロゴの選定委員に就任。近年は阿寒湖イコロシアター「ロストカムイ」キービジュアル撮影。山形県「ものつくり」プロモーションのムービーディレクション、タヒチ航空のプロモーションビジュアル撮影など、国内外での撮影やディレクションなどを多く手がける。
HP｜Twitter｜Instagram コメント： 『視点を変えると、世界のあり方が変わる』 そんな示唆を与えてくれる本たちをセレクトさせていただきました。 知らない間に視点が固定されてしまっていないかという 自己確認も込めつつ、皆さまにもご紹介させていただきます。
MUSIC
フロアに流れるBGMは、水曜日のカンパネラでメンバー兼サウンドプロデューサーとして活躍するKenmochi Hidefumiの特別書き下ろし。「気持ち良さ」「透明感」「さわやかさ」というキーワードをもとに制作された音楽は、さりげなくも瑞々しく洗練されたインストで、仕事のお供にピッタリです。
Kenmochi Hidefumi / サウンドプロデューサー・トラックメイカー・作詞家・作曲家 2000年代より『Kenmochi Hidefumi』名義でインストゥルメンタルの音楽を作り、クラブジャズ系のシーンで活動。Nujabes主催のHydeout Productionsよりアルバムをリリースした。2012年よりポップユニット＜水曜日のカンパネラ＞を始動。それまでのクールなイメージとは一線を画した路線で、作詞作曲を含めサウンドプロデュース兼メンバーとして所属。ベースミュージックを経由した中毒性の高いトラックと独創的なリリックを組み合わせ、新境地を開拓する。現在は新人アーティストxiangyuの全面プロデュースも手掛けながら、2019年5月に自身の9年ぶりのニューアルバム『沸騰 沸く ～FOOTWORK～』をリリースし勢力的に活動を再開。2020年6月26日にデジタルアルバム『たぶん沸く〜TOWN WORK〜』をリリース。
HP｜Twitter コメント： オフィスのBGMを担当させていただきました。 制作を始めるにあたり、まず最初にオフィスのイメージ資料をいただいたのですが、ノビノビとした開放感、自由な空間設計に驚きとワクワクを感じました。こんな場所でこんな音楽が流れていたら、きっと楽しく仕事や打ち合わせができるだろうなぁと想像を巡らせながら作成しました。 ゆったりとしたグルーヴとメロディでリラックスしつつ、時折出てくるちょっと荒削りで遊び心のある音で、ユニークな発想や新しいアイディアを刺激してもらえればうれしいです。
また、本と同じように、フロアで目につくよう配置してあるのがレコードジャケットを模したもの。こちらには、11名のアーティストにお願いしたSpotifyのプレイリストが掲載されています。仕事のモチベーションを上げる音楽という切り口で、「Morning」、「Afternoon」、「Night」という3つのシーンに合った曲を選曲してもらいました。
選曲してくれたのは、大比良瑞希、紗羅マリー、オカモトレイジ（OKAMOTO’S）、AAAMYYY、CHAI、chelmico、D.A.N.、Kan Sano、mabanua、tofubeats、U-zhaanの11名。同じシーンでも選曲者によって全くイメージが異なるプレイリストになったのはもちろんのこと、それぞれの選曲に込められた本人からのメッセージも掲載されています。
参加アーティスト （五十音順）
AAAMYYY SSW/トラックメイカー。2017年からソロとしてAAAMYYY(エイミー)名義で活動を開始。2018年6月に”Tempalay”に正式加入。国内外の様々なアーティストとのコラボレーション、木村カエラ、DAOKO等への楽曲提供、CM歌唱提供等幅広い活動で注目を集める。2017年から2018年にかけてEP3部作「WEEKEND EP」「MABOROSI WEEKEND」「ETCETRA EP」をテープ＆配信でリリース。2019年2月6日(水)に待望の1stフルアルバム「BODY」、2020年5月に配信シングル「HOME」、7月に「Leeloo」9月に「Utopia」をリリースしている。
HP｜Twitter｜Instagram コメント： オフィスでコーヒーを飲んで一息ついたり、会議室でアイデアを絞り出したり、趣味や好きなことを考えているときに閃きに導かれることがある。凝り固まった形式に囚われる前に、いったん陽気な音楽でも聞いて脳を少しリラックスさせれば、自分の中にあるアイデアたちがうずうず外に飛び出したくなるかもしれない。眉間のシワをほぐして肩の力を少し抜くための優しくて陽気な曲たちを集めました。
大比良瑞希 東京出身のシンガーソングライター。2015年、ミニアルバム「LIP NOISE」のリリースでソロ活動をスタート。2016年、1stフルアルバム「TRUE ROMANCE」をリリース。2017年「アロエの花」「Real Love」「見えない糸」 の連続配信が人気を博し数々のプレイリストに選ばれバイラルヒット。 冷静と情熱のあいだとでもいうべき、感情的でもありクールにも響く温度感のある歌声と、エレキギターを爪引きながら歌うという独自のスタイル。それが唯一無二の世界観を描き、聴くものを楽曲の中に逃避させる。 その音楽への評価は高く、「FUJI ROCK FESTIVAL」や「SUMMER SONIC」「GREENROOM FESTIVAL」などの大型フェスへの出演も多数。CMへの楽曲提供や、tofubeats、LUCKY TAPES、Gotch、STUT+ABS、Awesome City Clubなど、様々なアーティストのサポートなど多岐に渡って活躍。 2020年6月3日には待望の2ndアルバム「IN ANY WAY」をリリース。親交の深い七尾旅人とのデュエット・ソング『ムーンライト』や、客演を務めた蔦谷好位置のプロジェクト “KERENMI”の 『からまる』(テレビ東京・木25ドラ「電影少女-VIDEO GIRL MAI 2019-」主題歌)、tofubeatsプロデュースの『無重力』、さらにはフィッシュマンズの大名曲「いかれたBABY」のアダルトなムード漂うレゲエカバーなども収録されるほか、各方面でそれぞれ大活躍のバンドメンバーを率いたオリジナル楽曲に、エレキギターのリフが特徴的な一人弾き語りの曲まで、バライティ豊かなベスト盤のような仕上がり。ソウルフルかつオルタナティヴな新時代のシティ・ポップを紡ぐサブスクリプション・ストリーミング時代を体現するシンガーソングライターとして注目を集めている。 2020年10月21日には、尾崎裕哉の1stフルアルバム『Golden Hour』の中の2曲を、大比良瑞希がゲストボーカル参加も務めた。
コメント： 毎朝カフェオレを入れて、そろそろ作業に向かおうと、ゆっくりスイッチオンしたい時に私がかける、選りすぐりの10曲を集めてみました。70s〜最新リリースまで。 こんな時代だからこそ、自分の心に柔らかく寄り添ってくれる音楽たちが、今とっても大事な存在だと改めて気付かされます。 このプレイリストを背景に、皆様のお仕事が捗り、素敵な繋がりが訪れますように。
オカモトレイジ（OKAMOTO’S） 1991年生まれ、東京都出身。中学校の同級生で結成された4人組ロックバンドOKAMOTO'Sのドラマー。2010年CDデビュー。デビュー当時は年間平均100本を超えるライブを展開し、海外公演等も積極的に実施。幅広い音楽的素養を生かし、DJとしても活動中。 さらにファッションモデルとしての活動やMVのプロデュース、また、自身でエキシビジョンを手がけるなど、クロスジャンルな活躍で現代のカルチャーシーンを牽引。 2020年には、OKAMOTO'S初のベストアルバム「10'S BEST」をリリースし、フジテレビ“ノイタミナ”ほか各局で放送されたTVアニメ『富豪刑事 Balance:UNLIMITED』のエンディング・テーマ「Welcome My Friend」を含むEPを8月26日にリリースをし、ますます加速を続け精力的に活動している。 Twitter｜Instagram｜YouTube
コメント： オフィスで仕事をすることが普段ないので、とても憧れがあります。 そろそろ仲間たちとオフィスを設けようと思ってます。家でも出来る仕事だからこそ、仕事場が必要だと思っています。この状況になり痛感しました。私を癒してくれた音楽をぜひ皆さんにも届けたいです。
Kan Sano キーボーディスト／プロデューサー。バークリー音楽大学ピアノ専攻ジャズ作曲科卒業。 リリースした4枚のソロアルバムや、メンバーとして参加している“松浦俊夫 presents HEX”は国内のみならずアジア、ヨーロッパでもリリースされ話題となり、FUJI ROCK FESTIVAL、RISING SUN ROCK FESTIVAL、朝霧JAM、Monterey Jazz Festival、フランス World Wide Festivalなど国内外の大型フェスに出演。 新世代のトラックメイカーとしてビートミュージックシーンを牽引する存在である一方、ピアノ一本での即興演奏ライブも展開。ジャズとクラシックを融合したような独自のスタイルが話題となっている。 プロデューサー、キーボーディスト、リミキサーとしてChara、UA、平井堅、絢香、m-flo、SKY-HI、七尾旅人、Uru、SING LIKE TALKING、土岐麻子、大橋トリオ、藤原さくら、RHYMESTER、KIRINJI、iri、向井太一、Mrs. GREEN APPLE、SANABAGUN、Seiho、佐藤千亜妃 (きのこ帝国)、Shing02、そしてMadlib、Eric Lau、Ruth Kolevaといった海外アーティストまで、国籍もジャンルも越えてライブやレコーディングに参加。 さらにカネボウ、TOYOTA、LION、カルピス、CASIOなどのCM音楽やLINEとのコラボ曲リリース、J-WAVEのジングルなど、様々な企業に楽曲を提供。 2020年11月、ニューアルバム『Susanna』をリリース。 “Kan Sano”の名は、様々なシーンに破竹の勢いで浸透中！
HP｜Twitter｜Instagram コメント： 生活に溶け込みやすい音楽ってありますよね。まず日本語じゃない方がいい。言葉が聴き取れない外国語の方が耳の意識を持っていかれずに仕事に集中できます。歌い方がウィスパーだと更に良いです。インストも良いのですが、今回は敢えてボーカル曲のみでまとめました。ボーカルも含めてすっと身体に入って抜けていくようなサウンドで、程良く乗れるアップテンポの曲を選びました。
紗羅マリー 1986.12.12生まれ 愛知県出身164cm。 2015年まで10年間「ViVi」専属モデルを務めて卒業。多数の雑誌やショーに出演し、同世代から絶大な人気を誇る。 現在は「InRed」「Gina」に出演中で、ハイブランドからのイベント出演オファーが絶えない。女優としてもミュージカル「RENT」（2017年）でデビューし、映画「ニワトリ☆スター」（2018年）で初出演・初ヒロインを見事に演じた。 一方、自身のアパレルブランド「irojikake」のデザイナーとして、バンド「LEARNERS」のシンガーとして、1児のママとして、多岐に渡って精力的に活動中。 Twitter｜Instagram コメント： そこが どれだけ人が居ようと 静かな自分だけの空間に 私が聴いている楽曲をプレイリストにしました。 暖かいココアを飲みながら 結露した窓を眺めて 静かに静かに仕事をする。 私の１年で一番好きな時間 一番静寂な時 集中が切れた時に聴いてみてください。 ゆったりとしたメロディーに 女性たちの揺れた生々しい声 きっと自然に整い仕事に戻れるはずです。
D.A.N. 2014年、櫻木大悟(Gt,Vo,Syn)、市川仁也(Ba)、川上輝(Dr)の3人で活動開始。2016年4月に1sアルバム『D.A.N.』をリリースしCDショップ大賞2017の入賞作品に選出。7月には2年連続でFUJI ROCK FESTIVAL’16に出演。2017年2月にJames Blakeの来日公演でO.Aとして出演。 4月にはミニアルバム『TEMPEST』をリリース。11月に初の海外公演をLONDONで行い、滞在中にはFloating Pointsのスタジオで制作活動を行う。現地のジャイルス・ピーターソンのラジオ番組〈Worldwide FM〉に出演しスタジオライブを敢行。2018年2月、UKのThe xx来日東京公演のO.Aを務める。5月にUK TOURを敢行し“THE GREAT ESCAPE’18″に出演。7月には2ndアルバム『Sonatine』をリリースしFUJI ROCK FES’18へ3度目の出演。9月からのリリースツアーは、上海、北京、深圳、成都、台北、高雄、バンコク、香港Clockenflap Fesなど出演含むASIA TOUR、日本国内9都市と全17箇所を巡り、ファイナルは初の新木場スタジオコースト公演をSOLD OUTで終える。 2020年は最新曲を、Mogwai、Airhead、食品まつりがRemixを手掛け3週連続でリリース。またユニクロやNOVAのCM楽曲や、Netflixで全世界配信された渡辺信一郎監督による「キャロル＆チューズディ」の劇中楽曲の制作、D.A.N.として、UKのElder Island、カクバリズムのVIDEOTAPEMUSICのRemixを制作するなど外部の創作活動も精力的に行う。不定期で行う自主企画〈Timeless〉ではこれまでLAからMndsgn、UKからJamie Isaac、デンマークのErika de Casierなど海外アーティストを招聘して開催している。
コメント： 夜というのは、地球に生きていれば誰しもが体験する普遍的かつ抽象的なイベントですが、 それはどんな空気を吸って、どんな音楽を聴くかによっても大きく変化する事は自明の理です。 自分たちが思う"夜"は、今まで体験してきた様々な記憶や心象風景が、地層のように折り重なり形成されています。 この楽曲たちはその地層から採取された断片です。どれも貴重で感性を刺激してくれるでしょう。
chelmico RachelとMamikoからなるラップユニット。2014年に結成。 インディーズで2作を残し、2018年にワーナーミュージック・ジャパンよりメジャーデビュー。 ライブの評価も上がりワンマンツアーは軒並みSOLD OUTに。 2020年、NHKアニメ「映像研には手を出すな！」のOPテーマ「Easy Breezy」が話題となる。 全国ワンマンツアー、夏フェスが相次ぐ中止となる中、最新アルバム「maze」リリース。
コメント： 今回の選曲はMorning、そして仕事のひらめきというイメージだったので聞いているだけで口角がキュッと上がるような温かくなる雰囲気のある楽曲や、インスピレーションをもらえる、ハッとするようなパワーのある楽曲を2人でセレクトしました！ 普段からプレイリストを作って楽しんでいるので、公開されたら自分でも聴いちゃいます！
CHAI ミラクル双子のマナ・カナに、ユウキとユナの男前な最強のリズム隊で編成された4人組、『NEO - ニュー・エキサイト・オンナバンド』、それがCHAI。 2017年1stアルバム「PINK」が各チャートを席捲、音楽業界を超え様々な著名人からも絶賛を受ける。2018年には日本テレビ系「バズリズム02」の「コレはバズるぞ2018」1 位、第10回CD ショップ大賞2018 入賞など、各所より高い評価を得る。 3rd EP「わがまマニア」はApple Music/ iTunesオルタナティブランキング1位を獲得。 海外の活動も活発で、2018年2月にアメリカの人気インディーレーベルBURGER RecordsよりUSデビュー、8月にイギリスの名門インディーレーベルHeavenly RecordingsよりUKデビューを果たし、4度のアメリカツアーと、2度の全英ツアー、アメリカ、ヨーロッパ各国のフェスへの出演、中国・香港・台湾・韓国などアジアツアーも果たす。 2019年2月13日にはタイアップ曲など話題曲満載のセカンドアルバム「PUNK」をリリースし、世界の音楽ファンから最も信頼を受ける音楽サイトPitchforkで8.3の評価を得たのを筆頭に、様々な音楽サイトで軒並み高評価を獲得し、アメリカ、UK/ヨーロッパ、日本を回る初のワールドツアーを大成功に収める。 また2020年1月には世界的なスターMac DeMarcoのオーストラリアツアーのサポートアクト、1月から2月にかけては世界から絶賛されているUSインディーバンドWhitneyのサポートアクトに抜擢される。 彼女たちに触れた君の21世紀衝撃度No.1は間違いなく『NEOかわいい』バンドCHAIだよ！
コメント： おなかもいっぱい眠いでしょ？あとちょっとお仕事だね！頑張っとるね！えら〜いね、つよ〜いね！CHAIの選曲をきいたら、きっと大丈夫！ ほら！あっ〜とゆうまに、 おつかれした〜！
tofubeats 1990年生まれ神戸出身。中学時代から音楽活動を開始し、高校3年生の時に国内最大のテクノイベントWIREに史上最年少で出演する。 その後、「水星feat.オノマトペ大臣」がiTunes Storeシングル総合チャートで1位を獲得。 メジャーデビュー以降は、森高千里、の子（神聖かまってちゃん）、藤井隆ら人気アーティストと 数々のコラボを行い注目を集め、4枚のアルバムをリリース。 ドラマ「電影少女-VIDEO GIRL AI 2018-」や映画『寝ても覚めても』の主題歌・劇伴を担当するなど活躍の場を広げ多方面で注目されている。 2020年は3月27日にデジタルミニアルバム「TBEP」を発表し、8月にはシカゴハウスの名門レーベル〈DJ INTERNATIONAL〉のTC Crewに所属するTyree Cooperのカバー楽曲「I CAN’T DO IT ALONE」をデジタルリリース。 9月4日には「RUN REMIX (ft. KREVA & VaVa)」を含むミニアルバム「RUN REMIXES」を発表。
コメント： 夜まで仕事をしなきゃいけないなんて！と思いつつ、意外とこんな時間の方が集中できたりもしますよね。自分もたまにシェアオフィスに行って一気に事務作業を終わらせていたりしました。そんな仕事のお供にどうぞ。
mabanua 日本人ドラマー／プロデューサー／シンガー。 ブラック・ミュージックのフィルターを通しながらもジャンルに捉われないアプローチで全ての楽器を自ら演奏し、国内外のアーティストとコラボして作り上げたアルバムが世界各国で話題に。また、プロデューサーとして100曲以上の楽曲を手がけ、多数のCM楽曲や映画、ドラマ、アニメの劇伴も担当。 またToro y Moi、Chet Faker、Madlib、Thundercatなど海外アーティストとも多数共演。 さらに、Shingo Suzuki、関口シンゴとのバンド “Ovall” としても活動し、大型フェスの常連となっている。
コメント： 朝、1日の始まりは明るくポジティブに始めたいですよね。かといっていきなりハイスピードが無理なので、少しゆったり目でスタート。徐々にエンジンがかかり閃きと同時に、前進モードに。集中しきったところで正午に向けてまたスピードダウン、そして昼休みへ！そんな体と心、両方の流れに合わせたプレイリストにしてみました。今日も1日楽しみましょう！
U-zhaan オニンド・チャタルジー、ザキール・フセインの両氏からインドの打楽器「タブラ」を師事。00年よりASA-CHANG&巡礼に加入し、『花』『影の無いヒト』など4枚のアルバムを発表。10年に同ユニットを脱退後、U-zhaan × rei harakamiとして「川越ランデヴー」「ミスターモーニングナイト」等をリリース。14年には坂本龍一、Cornelius、ハナレグミ等をゲストに迎えたソロ名義のアルバム『Tabla Rock Mountain』を発表した。17年に蓮沼執太との共作アルバム『2 Tone』をリリース。20年はインド・アーメダバードで開催されたインド音楽フェス「Saptak Annual Festival of Music」に出演した。最新リリースはBIGYUKIとの共作曲「City Creatures」。
HP｜Twitter｜Instagram コメント： 「仕事のひらめきにつながるプレイリスト」とのことなので、普段はあまり聴かないような音楽を耳にすることが発想の転換を生むのではと考え、思い切って北インド古典音楽のみのセレクトにしてみました。お役に立てたらいいのですが。しばらく流していれば、少なくとも「そうだ、今日の夕飯はカレーにしよう」というひらめきには繋がるかもしれません。
このプレイリストは、Spotify上で公開しており、リモートでもオフィスでも同じ音楽を聴いて体験を共有できるという、新しい繋がり方の提案にもなっています。
オリジナルプレイリスト一覧
現在、急激に働き方が変わる中で、オフィスが果たす役割も自然と変わりつつあります。新たな価値・新たなサービスを生み出すために、枠外からのインスピレーションや刺激をもらえる新しいオフィスの形を――。トランスコスモスの新オフィスには、そんな想いとアイデアが詰まっていました。
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]]>『バーチャル渋谷』の立ち上げ、＜バーチャル渋谷au 5Gハロウィーンフェス＞の開催など、仕掛け人であるKDDI株式会社・革新担当部長の三浦伊知郎さんにインタビューを敢行。三浦さんがどのようにKDDIと関わり、『渋谷5Gエンターテインメントプロジェクト』を推し進めていったのか。その経緯と込められた想いについてインタビュー。
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KDDI （au 5G）と渋谷区が手を組み、現実とバーチャルを繋ぎ合わせた新たな文化を創出するべく発足した『渋谷5Gエンターテインメントプロジェクト』。昨年9月から取り組みをスタートし、今年1月に本格始動した同プロジェクトが、もうすぐ1周年を迎えようとしている。 『渋谷5Gエンターテインメントプロジェクト』は、コロナ禍の難しい舵取りを余儀なくされつつも、『バーチャル渋谷』の立ち上げ、バーチャル空間での大規模イベント＜バーチャル渋谷au 5Gハロウィーンフェス＞の開催など、大きな成果を残してきた。この一年間を振り返ってもらうべく、仕掛け人であるKDDI株式会社・革新担当部長の三浦伊知郎さんにインタビューを敢行。三浦さんがどのようにKDDIと関わり、『渋谷5Gエンターテインメントプロジェクト』を推し進めていったのか。その経緯と込められた想いについて、話を聞いた。
INTERVIEW： KDDI株式会社 三浦伊知郎
バックパックにフェス開催。 キャリアの礎となるカルチャー
━━はじめに、三浦さんがKDDIという会社でエンターテインメント事業に関わることになった経緯を教えてください。 もともとKDDIという会社は他のキャリアに比べて、エンターテインメントに造詣のある会社だったんですね。早い段階からLISMOという音楽配信サービスを展開していたり、日本発のレイブイベントである＜WIRE＞に協賛していたりと、エンタメを理解しようとする姿勢やカルチャーが脈々とあったんです。そこで、イベント事業部に加わりイベントの事業化に力を入れていきたいという意向があり、これまで大小様々なイベントに関わってきた経歴のある私が選ばれました。 ━━KDDIがエンタメ系イベントに力を入れようとした理由はどこにありますか？ 今、携帯キャリア3社はどこも「5G」についての戦略を打ち出していますよね。とはいえ、まだ全国に十分普及しているとは言えない段階にあります。そこで、KDDIとしては現在を「5G時代」になるとこんなにも楽しいことが待っているんだということを伝えるティザーフェーズだと位置付けて、エンタメ方面を充実させていこうと動いています。 ━━三浦さんはKDDI入社以前から、様々なイベントやフェスの企画・運営に携わってきました。そうしたキャリアを志したきっかけは？ 僕は親の代から渋谷のど真ん中生まれで、ずっと渋谷のカルチャーを感じて育ってきたんです。90年代に渋谷が世界有数のレコードの街だった頃には少しDJやっていて、ずっとテクノやエレクトロニック・ミュージックに影響を受けてきました。学生時代にはバックパッカーとして世界60カ国以上を放浪して、色んな場所のフェスや音楽イベントにも足を運んでいます。その経験が自分のキャリアの礎になっていると思いますね。 ━━KDDI以前に関わってきたプロジェクトをいくつか教えてください。 これまでにクラブでの小規模なものからフェスまで、何百本というイベントを企画・運営してきました。以前はDIESELというアパレルブランドにいたのですが、そこでは＜DIESEL：U：MUSIC＞というプロジェクトでグローバルな新人発掘イベントを取りまとめていました。また、2008年・DIESEL30周年の節目には、幕張メッセを会場にして＜DIESEL XXX＞という音楽フェスを開催しています。＜DIESEL XXX＞は世界18カ国の会場で時差に沿って行われたのですが、日本が最初の開催地になったんですね。そこで、せっかくやるのであれば、数百人を招待するだけのセレブパーティではなく、一万人規模のフェスをやろうと思い立って、イタリアの本社で開かれた会議で私が提案したんです。 ━━DIESEL退社からKDDI入社までの間にも、多くの大規模イベントに携わっていますね。 DIESELを退社して少しの間、自分の会社を設立してフリーで活動していたのですが、その時期には＜BIG BEACH FESTIVAL＞の立ち上げにも関わりました。主にやっていたのは、企業の協賛などを取りつける代理店のような仕事ですね。そこで苦楽を共にした仲間が＜Red Bull Air Race＞を日本に誘致するということで、2015年の初年度には実行委員に加わっていました。
KDDIと渋谷。 エンタメでタッグを組む理由
━━KDDI入社後は、5G技術を使った新しいエンターテインメントの在り方を追求してきました。そもそも、KDDIが5Gをエンタメと組み合わせて打ち出したのは何故でしょうか？ まだまだ5Gが全国的に普及していない中で、KDDIとしては「5G時代」の期待感をわかりやすく伝えるための一つとして、エンタメ方面を充実させる動きになりました。まだ何に使えるのか周知されていなくても、とにかく楽しいことをやっていれば人は集まります。それに、エンタメであれば実験的なことを試すことができます。 5Gは通信システムですから、多方面で活用できる技術ではありますが、多方面に活用できるとアピールしても、結局何ができるのか、何が起こるのか分かりづらくなってします。そこで、あえてエンタメに特化して盛り上げようと立ち上げたのが『渋谷5Gエンターテインメントプロジェクト』です。 ━━そこで渋谷区と組むことになった経緯を教えてください。 もともと渋谷は、区長自らエンターテインメント・カルチャーを発信する街と言っていて、エンタメ方面にオープンな区なんですね。一方で、私たちKDDIは5Gを使った実験的なエンタメを試せる場所を必要としていた。 そこで、KDDIが渋谷を壮大な実験場とすることによって、渋谷区のエンタメ発信源としてのイメージを確立する一翼を担えるのではないか、渋谷区の持つ諸問題・課題を解決する一助となれるのではないかとタッグを組み始めました。 ━━具体的に、これまでどのような取り組みを行ってきたのでしょうか？ 昨年9月から、渋谷のとある場所でARアプリを使うとアートが浮かび上がったり、曲が聴けるようになったりするようなイベントを毎月のように行ってきました。12月には、世界規模で開催されている電子音楽とデジタルアートのフェス＜MUTEK.JP＞を渋谷ストリームホールで実施。渋谷という街とデジタルクリエイティビティを組み合わせた施策を積み重ねてきて、本格的な始動となったのが今年の1月です。 ━━今年1月に『渋谷5Gエンターテインメントプロジェクト』を始動させてすぐに、コロナウイルスが猛威をふるう事態となってしまいました。プロジェクトも修正を余儀なくされたそうですね。 修正せざるを得なかった企画として、『攻殻機動隊』とのコラボイベントがありました。そもそも、渋谷は街を回遊されにくいという課題を抱えていたんですね。皆、スクランブル交差点付近で写真を撮ったり、ショッピングを済ませてしまったりして、渋谷の他の場所に人が拡散していかなかった。 そこで、KDDIとNetflixが組んで企画していたのが『攻殻機動隊』のイベントでした。それは、渋谷の色んな場所に訪れてARアプリをかざすと『攻殻機動隊』のコンテンツが見られるという内容だったんですが、コロナの影響で実際に人を動かすことが出来なくなってしまいました。 ━━どのような修正が行われたのでしょうか？ もともと、渋谷のスクランブル交差点付近は人が多すぎるため、バーチャル化した第二の渋谷を作るという『バーチャル渋谷』の構想も動いていたんです。そこにコロナ禍が重なって、スクランブル交差点にさえ人が集まらなくなるという事態になったため、1カ月半くらいで予定を早めて5月に『バーチャル渋谷』を立ち上げることにしました。『攻殻機動隊』のイベントも全てのコンテンツを『バーチャル渋谷』内で開催することになりました。
リアルな場所の代替から、 ハイブリッドなプラットフォームへ
━━『バーチャル渋谷』では、10月末の＜バーチャル渋谷 au 5G ハロウィーンフェス＞がかなり話題となりました。この企画を開催した意図を教えてください。 ここ数年、悪い意味でも話題になっていた渋谷のハロウィーンは、区の目線で見ると何とか解決しなければならない課題だったんですね。治安や警備の問題もありますし、例年のような状態だと会社としても踏み込みづらいイベントでした。 ただ、今年はコロナ禍で例年のようなハロウィーンがより避けるべき状況にあったので、区と協議してバーチャル空間でハロウィーンをやりましょうという話になりました。「＃StayVirtual」という標語のもとで区と歩調を合わせて、バーチャルの方に人を流すことで、リアルの人の動きを抑制でき、区が抱えていたハロウィーンの課題解決になる。 一方で、我々としても『バーチャル渋谷』という空間を作り、どう活用していこうか検討しているフェーズだったので、街の課題を解決しつつお笑いや音楽の大規模なフェスを開催できる良いチャンスだと思い、実施に至りました。 ━━＜バーチャル渋谷 au 5G ハロウィーンフェス＞には、世界中から約40万人がアクセスしたそうですね。この成功の要因はどこにあったと考えていますか？ ＜バーチャル渋谷 au 5G ハロウィーンフェス＞をやる上で、コンテンツはカオスなものにしたいという想いがありました。やるのであれば、子供から大人まで、あらゆる層をカバーする内容にしたかったんですね。そうしたカオスなブッキングは、リアルでやろうとすると客層の分散によって人が集まらない可能性が高いですから、バーチャル空間だからこそ意義があると考えたんです。 そこで、日程・時間帯ごとにNHKと組んだり、VTuberと組んだり、DOMMUNEと組んだり……と、リアルでは実現できないことを可能な限り詰め込んでみました。結果的には、カオスといっても「ビューティフル・カオス」になってくれたかなと思います。 ━━今後の『バーチャル渋谷』の課題はどこにあると思いますか？ 『バーチャル渋谷』は渋谷区公認のプロジェクトですから、全く実態と異なる渋谷にはできません。公共のプラットフォームとして、渋谷区の行事などが開催できる場所にしていかなければいけませんし、我々としてはライブやフェスなども積極的に行っていきたい。このような公共の場をバーチャル化する事例は日本で初めてですから、まだルールを作っていくフェーズにあると思っています。 区が公認する公共プラットフォームとして安心して利用できるように管理しつつ、自由に人が行き交う場所にしていくために、どのようなルールを設けて運用していくべきなのか？ それはこれから考えていかなければいけない課題ですね。 ━━『バーチャル渋谷』は、今後どのような場所になることを目指しているのでしょうか？ 一つは単純に、イベント会場としての使い道を広げることですね。コロナ禍の最中にある現在においては、ライブハウスやクラブの代替として機能しつつ、コロナ禍が終わった後にはハイブリッドな相乗効果が生まれるプラットフォームにしていきたいと思っています。コロナ後にクラブに行ったら、生でもバーチャルでも楽しめるものになれば良いな、と。 他には、バーチャル下での広告ビジネスにも可能性があると思っています。今はイベント時にだけ人が集まるという状態なので、どうすれば常に人がいる状況にできるのかは今後の課題ですが、常に一定のトラフィックがある状態になれば、インターネット広告と同じようなバナービジネスも可能になるのではないかと思います。区としてもKDDIとしても、目指しているのはバーチャルでの体験をリアルの渋谷に反映させていくことですね。 ━━最後に、三浦さん個人としての今後の目標を教えてください。 僕個人としての目標は、＜auフェス＞を開催することですね。バーチャルフェスを開催して分かったのは、やっぱり生が一番だということです。＜バーチャル渋谷 au 5G ハロウィーンフェス＞を通してキッズ向けのコンテンツやVTuberとのコラボなど、自分の得意分野ではない内容も含めて掛け合わせるとどういう事が起きるのか、良いシミュレーションが出来たと思います。 バーチャルで色々な実験を試すことができれば、それをリアルに反映させることが出来る。今後もバーチャルの自由さを最大限に利用して、最終的にはリアルを追求していきたいと思っています。
三浦伊知郎 KDDI株式会社 革新担当部長 成蹊大卒。1996年よりNTT（日本電信電話株式会社）、Ogilvy and Mather、DIESEL JAPAN 広報宣伝室マネージャーを経て、PRコンサルティング会社立ち上げ。 その後2017年、KDDI株式会社にてイベント事業立ち上げとプロモーション等をメインとした領域の革新担当部長に就任し、2020年1月に、渋谷区と共に『5Gエンターテイメントプロジェクト』を立ち上げ、渋谷発の5G、テック＆エンターテイメントビジネスの創出を主導。 現在50社を超える民間企業が参加中。日本初の自治体公認「バーチャル渋谷」の立ち上げを立ち上げる。 趣味と実益を兼ねて1995年より約5年間日本、オーストラリアにて大規模フェスティバルの立ち上げとプロデュースにも従事。また、学生時代より世界60カ国以上の旅して廻る会社員トラベラーとしての顔も持つ。
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]]>＜FUJI ROCK FESTIVAL 2019（フジロック）＞にも出演する、USポップ・ミュージック・シーンの第一線で活躍する日本人キーボーディスト／アーティストBIGYUKI。Q・ティップ、J・コール、タリブ・クウェリ、ビラル、ロバート・グラスパー、カマシ・ワシントンら、USヒップホップからジャズ・シーンを股にかけた世界の大物アーティストが賞賛を送る。今回の記事では、そんなBIGYUKIの音楽性と、注目を集める理由に迫る。
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2015年にアメリカの『JAZZ TIMES』誌が行った読者投票の「ベスト・シンセサイザー奏者」部門でハービー・ハンコック、チック・コリア、ロバート・グラスパーに次ぐ4位に選出されるなど、ジャズ・シーンでは以前から名うての奏者として知られていたBIGYUKI。ロバート・グラスパーは来日時のインタビューで「今最も注目しているのはBIGYUKI、日本のロバート・グラスパーだ」と話し、カマシ・ワシントンは現在行っているツアーのバンド・メンバーに彼を起用。ジャズ新世代を代表するミュージシャンからの共演を望む声は、今なお後を絶たない。
BIGYUKI - Changes/Soft Places
そんなBIGYUKIがポップ・ミュージックのシーンでも広く注目される契機となったのは、2016年にア・トライブ・コールド・クエストがリリースしたオリジナル・アルバム『ウィ・ゴット・イット・フロム・ヒア・サンキュー・フォー・ユア・サービス』だろう。USヒップホップ界の巨人が実に8年振りに発表したラスト・アルバムにおいて、彼はキーボーディストとして参加。そのプレイは中心人物のQ・ティップから絶大な信頼を受け、収録曲の“Melatonin”では作曲者の一人としてもクレジットされた。 同アルバムは当然のようにUSアルバム・チャート一位に輝いたが、全米一位獲得作品に日本人が参加したのは何とオノ・ヨーコ以来という快挙だった。同2016年、BIGYUKIはJ・コールのアルバム『4ユア・アイズ・オンリー』にも参加。同作も全米一位となり、全米一位獲得作品2作に参加した史上初の日本人となった。
BIGYUKIはこれまでに二作のリーダー・アルバム、『Greek Fire』(2016年)と『Reaching For Chiron』(2017年)をリリースしている。この二作品を聴けば、なぜ彼が同業者をこれほどまでに虜にしているのか、その理由が分かるはずだ。既存のジャズ・マナーだけに囚われず、自身の出自であるクラシックの繊細なタッチから黒人音楽のグルーヴィな躍動感までをシームレスに紡ぎ出していくピアノ／キーボード／シンセサイザーのプレイ。自身の演奏を核として、ギター、ドラム、パーカッション、歌からエレクトロニック・サウンドまでを駆使しながら安易なカテゴライズを拒否する独自の世界観を作り上げている。
BIGYUKI – Belong
彼は影響源としてジャズやヒップホップのみならず、ダブステップ、トラップ、テクノ、ジェイムス・ブレイクにレディオヘッドと、様々なジャンルの革新的なサウンド／クリエイターの名前を挙げている。2ndアルバムのタイトルに登場する「Chiron＝ケイロン」とはギリシャ神話に登場するケンタウロスの名前で、野蛮で粗暴なケンタウロス族の中では例外的に、様々な知識や知恵を学び活かした思慮深い賢者だったという。『Reaching For Chiron』＝「ケイロンになれるように」というタイトルにも象徴されるように、BIGYUKIは膨大な蓄積を未来の音楽へと昇華する、稀有なサウンド・クリエイターでもあるのだ。
今回の来日は、バンド・メンバーにもNYシーンの重要人物が揃う。ギタリストのRandy Runyonと、ドラムのTim "Smithsoneon" Smith (Drums)の二人は、数々のセッションやプロジェクトに参加し、ともにビラルのバンド等にも参加する盟友。BIGYUKIが「ベスト・メンバー」と称するトリオ編成となる。ライブでは、トラヴィス・スコットやエイサップ・ファーグ、XXXテンタシオンといったラッパー達のリミックスも披露しているため、熱心なジャズ・リスナーでなくとも十二分に楽しめるはずだ。
BIGYUKI - Travis Scott 'Antidote' Remix
BIGYUKI - ASAP Ferg 'East Coast' Remix
＜フジロック＞では、7月26日（金）に「PLANET GROOVE」のトップバッターとして登場。直前に行われるケミカル・ブラザーズやトム・ヨークのライブにも引けを取らない熱演を見せてくれるだろう。また、＜フジロック＞後の7月30日（火）には、渋谷WWW XにてD.A.N.との2マン・ライブ開催も決定している。ポップ・ミュージックの最先端を体感するべく、ぜひBIGYUKIのライブに足を運んでみて欲しい。
▼関連記事 【インタビュー】オノ・ヨーコを超える快挙も。BIGYUKI ロバート・グラスパー、Qティップから賞賛される男の見る世界
EVENT INFORMATION
FUJI ROCK FESTIVAL ’19
2019.07.26（金）、27（土）、28（日） 9:00 開場 11:00 開演 23:00 終演予定 新潟県 湯沢町 苗場スキー場 詳細はこちらBIGYUKI×D.A.N.
2019.07.30（火） OPEN 18:30 ／ START 19:30 WWW X ADV ¥4,500 LINE UP：BIGYUKI ／ D.A.N. 詳細はこちら BIGYUKI オフィシャルサイトtext by 青山晃大
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]]>7月6日（土）・7日（日）の二日間にわたって、福井県で初の大型野外音楽フェス＜ONE PARK FESTIVAL＞が開催された。地元の人々の主導によって企画・運営された同フェスは、今回が記念すべき第一回目となる。会場内でライブと福井県の名産・工芸品・グルメ等が楽しめるのはもちろんのこと、リストバンドさえあれば出入りは自由。「町全体が一つのテーマパークに」とうたい文句にあるように、空き時間には福井の街を散策したり観光することもできる、地元に密着した都市型音楽フェスだ。梅雨の時期ではあったものの両日とも晴天に恵まれ、二日間で一万人もの観客が集まって北陸最大級の夏フェス誕生を盛り上げた。
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7月6日（土）・7日（日）の二日間にわたって、福井県で初の大型野外音楽フェス＜ONE PARK FESTIVAL＞が開催された。地元の人々の主導によって企画・運営された同フェスは、今回が記念すべき第一回目となる。会場内でライブと福井県の名産・工芸品・グルメ等が楽しめるのはもちろんのこと、リストバンドさえあれば出入りは自由。「町全体が一つのテーマパークに」とうたい文句にあるように、空き時間には福井の街を散策したり観光することもできる、地元に密着した都市型音楽フェスだ。梅雨の時期ではあったものの両日とも晴天に恵まれ、二日間で一万人もの観客が集まって北陸最大級の夏フェス誕生を盛り上げた。
恐竜の化石が多数発掘される「恐竜王国」としても知られる福井県。巨大な恐竜のモニュメントが出迎えてくれるJR福井駅から歩くこと5分ほどで、＜ONE PARK FESTIVAL＞の会場・福井市中央公園が見えてくる。その名前どおり、県庁や市役所などの建物に囲まれた福井市のど真ん中に位置し、昨年8月にリニューアルオープンしたばかり。都市の中央にありながら青々とした芝生が広がる自然豊かな公園は、音楽フェスの開催にうってつけの会場と言えるだろう。
このフェスの発起人に名を連ねているのが、SOIL & “PIMP” SESSIONSのアジテーターである「社長」。彼も福井県出身であり、出演アーティストのセレクションやオファーに深く携わった。「自分たちの実力とプレイでお客さんを巻き込むことができるグルーヴ感とスキルを持っているアーティスト」を基準に声をかけたというラインナップには、お茶の間レベルの人気バンドから気鋭の若手アーティストまで、音楽好きも唸らせる素晴らしいアーティストが幅広く勢揃い。7月6日（土）の出演者は、青葉市子、WONK、ELLI ARAKAWA、Ovall、CAPTAIN VINYL（DJ NORI+MURO）、クレイジーケンバンド、Cornelius、Gai Sunya、水曜日のカンパネラ、SPECIAL OTHERS、DAN、Blu-Swing、maco maretsの13組。7月7日（日）には、Attractions、ウルフルズ、クラムボン、SIRUP、Sunaga t experience、cero、sauce81（N’gaho Ta’quila／77 Karat Gold）、chelmico、never young beach、FNCY、YonYon、LicaxxとSOIL & “PIMP” Sessionsに加え、オーディションで出演を勝ち取った地元アーティストのhendecagonと水咲加奈が出演を果たした。
アーティストのライブと並び、音楽フェスに欠かすことのできないフードやお酒、グッズの出店も充実。フードコートには地元の名店が軒を連ね、カレーやラーメンといった人気グルメから越前そばや若狭牛といった地元グルメ、福井産の新鮮なフルーツなどを販売。ビールやカクテルだけでなく数々の地酒を販売するドリンクの豊富さも、米どころ・福井県ならではと言えるだろう。 福井県を拠点に営業する店やデザイナーが多数出店したグッズ販売のマーケットでは、Tシャツや帽子だけでなく、普通の音楽フェスではなかなか見られない個性的な商品も販売。メガネの世界的産地として知られる鯖江産のメガネやサングラスから絵本や絵画までが並ぶ様子は、まるでオシャレな街の物産展のようでもあった。
また、子連れのファミリーもみんなで楽しめるよう、子供用のキッズ・スペースも設置。トランポリンや滑り台といった大型遊具を楽しむ子がいれば、けん玉などのおもちゃに夢中の子もいて、公演の中央にある噴水ではびしょ濡れではしゃぐ子供たちの姿も。ただ音楽を聴くだけでなく、幅広い客層が十人十色の楽しみ方で福井県の魅力を堪能できるフェスとなっていた。
Qeticでは、記念すべき第一回目が成功を収めた＜ONE PARK FESTIVAL＞の魅力を伝えてもらうべく、出演アーティストの中から4組にインタビューを実施。WONKの長塚健斗さん、Ovall、オーディションから出演を勝ち取った地元出身アーティストのhendecagon安丸智也さんと水咲加奈さんに、＜ONE PARL FESTIVAL＞に出演した感想を聞いた。
INTERVIEW：WONK長塚
──今回、WONKは＜ONE PARK FESTIVAL＞第一回目のトップバッターという記念すべき出番でした。実際に出演してみて、いかがでしたか？ ＜ONE PARK FES＞の歴史の第一歩が僕らだと知って、緊張しましたけど楽しかったです。朝早かったのに盛り上がってくれて、お客さんの温かさにも助けられましたね。他の出演者のラインナップもヤバくて、このフェスのトップバッターが俺たちでいいのかなって思うくらいですけど、出演できて光栄でした。 ──ステージでは、メンバー同士がアドリブで演奏し合う熱い姿が印象的でした。 昔はクールに見せたいというか、どこかカッコつけてた部分もあったんだけど、最近は僕たち自身が楽しんでいる姿を見せないとお客さんも楽しめないだろうという意識に変わってきているんです。だから、ステージでの色んな動きを研究しているところですね。 ──福井県の印象は？ WONKは今回が二回目の福井県なんです。前回もSOILさんに呼んでもらって、サポートアクトとしてライブしました。福井と言えば、コシヒカリ、海鮮、ソースカツ丼、地酒……。食のイメージが強いですね。本当に美味しいものが何でもあるというイメージがあります。 ──＜ONE PARK FESTIVAL＞という生まれたばかりのフェスについては、どういう印象ですか？ 僕らも色んな地方のフェスに出演経験がありますが、素晴らしいフェスほどフードも地のものをちゃんとアピールしていて、クオリティの高いものを出してくれる印象があります。アーティストへのケアも手厚くて、ケータリングで地元の人が手料理を作ってくれたりするんです。ここもちゃんと地元の名物を作って提供してくれて、地酒もたくさん用意してあって、嬉しいことばかり。例えば、高いお弁当なんて都内でいくらでも食べられるじゃないですか？ そうではなくて、こういう土地に来たらここでしか食べられないモノを食べて、ここでしか体験できない体験をしたいんです。その点でも＜ONE PARK FESTIVAL＞は最高のフェスですね。 ──会場の福井市中央公園は、駅から徒歩5分という街のど真ん中にあります。この場所にはどういう感想を持ちましたか？ 夏フェスは山の中で開催されるものが大半なので、こんなに街中の屋外で演奏できる機会はそうそうないですね。しかも、都市部にあるのにちゃんと吹き抜けになっていて、演奏する方にとっても気持ちいい場所だと思いました。何より素晴らしいと思ったのは、市が全面的にバックアップしていて、音楽フェスが町おこしの一環にもなっているところ。こういう地元に密着した音楽イベントが全国に増えて、音楽がもっと身近になっていけば嬉しいなと思います。
──長塚さんはバイクには昔から馴染みがあるそうですね。ハーレーダビッドソンブースでは「ジャンプスタート」で試乗体験もして頂きましたが、実際に跨ってみて、いかがでしたか？ やっぱり良いですよ。トルクの重厚感が全然違う感じがします。こういうアメリカンなスタイルのバイクは国産でもたくさんあると思いますが、バイクの鼓動を全身で感じる感覚は、やはりハーレーダビッドソンが一番だと思います。僕も中型免許は持っているので、数年前まではバイクによく乗っていました。ハーレーはやっぱりバイク乗り皆の憧れというイメージがありますね。僕もいつか大型自動二輪免許を取って、いつかハーレーオーナーになってみたいという気持ちはあります。
──WONKは7月31日に新しいEP『Moon Dance』をリリースします。どのような作品になっていますか？ これまでの作品と違って、コンセプチュアルなストーリー性のある作品になっています。ただ、僕らが描いている構想はまだ少し先にあって、このEPはストーリーの序章という位置づけですね。この夏にはEPのリリースに伴ったツアーもありますが、そこではホーンセクションなど新しいサポートメンバーを加えた編成で演奏するので、これまでのWONKとはまた違ったパフォーマンスを見せられると思います。
INTERVIEW：Ovall
──Ovallの皆さんは、福井県初ライブだそうですね。 mabanua 僕は水産大学の学祭で一度だけライブしに来たことがあります。 Shingo Suzuki（以下Suzuki） バンドとしては初めて福井県に来ました。今朝、本番前に着いたので、まだ福井県らしいものと言えば市役所くらいですが（笑）。 関口 あとは駅前の恐竜くらいだね（笑）。 Suzuki Ovallでライブをするとなると、大阪とか大きな都市になってしまいがちなので、こういうフェスができて福井のような場所でライブする機会が増えるのは嬉しいです。また、これがきっかけになって福井に戻ってこられるようになれば良いな、と思いますね。 ──実際に＜ONE PARK FESTIVAL＞でのステージを終えた感想を教えてください。 mabanua お客さんが良かったですね。うちらの音楽は割とインディな方だと思うんで、そういう音楽に慣れていない人も多いかなと思っていたんです。でも、ここのお客さんは、分かりやすい音楽じゃないと集まってくれない、という感じではなく、サウンドチェックをしている時から自然とたくさん集まって聴いてくれて、雰囲気が良かったですね。 関口 中には、イントロを弾き始めた瞬間に「この曲だ！」って反応してくれる人もいたりして、「僕らの音楽を聴いててくれたんだな」って嬉しくなりました。
──会場の福井市中央公園は、駅から徒歩5分という街のど真ん中にあります。この場所にはどういう感想を持ちましたか？ mabanua ビックリしたよね。駅で送迎の車に乗って、てっきり20・30分はかかると思っていたらすぐに「着きました！」って（笑）。 Suzuki 色んな人が来たいと思ったら気軽に来れるのは良いですよね。小さいお子さんを連れた家族もたくさんいましたし、幅広い層が楽しめるフェスなんじゃないかと思いました。 mabanua 最初のフェス体験にも良いですよね。いきなり山の中に行くとなるとハードルが高いけど、ここだったら、ちょっと観に行きたいと思ったらすぐ来れて帰れる。気軽に来てもらって、野外で音楽を聴くのが楽しいって思ってもらえれば、それが一番いい。 ──Ovallは今年2月に“Stargazer”を配信して、ニュー・アルバムの制作を進めているそうですね。アルバムの制作はどのような状況ですか？ Suzuki レコーディングはもう後半にさしかかっています。バンドの演奏はほぼ録っていて、あとはボーカルなどを組み上げて終盤に向けて制作を進めていこうという段階ですね。この夏、もう1曲シングルをリリース予定です！ 関口 活動を再開してからリリースした『In TRANSIT』は2012年に出したミニアルバムに手を加えた形だったので、ちゃんとしたアルバムを作るのは2013年以来になります。
──6年振りのアルバム制作で、何か変化はありましたか？ mabanua Ovallは変わらずにOvallだなって思ってくれる人もいるだろうし、結構変わったなって思う人もいそう。だから、どっちもあるんじゃないかな。聴く人によって印象が違うアルバムになっているような気がします。 関口 変わっている気はしますけど、その中にもOvallっぽいって思ってもらえる要素はたくさんあると思います。でも、まだ誰にも聴かせていないから、どう受け入れられるかは未知数ですね。 mabanua 例えば今回ブース展示もしているハーレーダビッドソン等の名だたるメーカーにも長い歴史があって、変わっていく部分はたくさんあるけど、その中にも変わらない芯があるじゃないですか。今はキーを捻ってエンジンをかけないとか、色々とアップデートは加えられているけど、基本的な形状や信念みたいなものは変わらない。歴史に裏打ちされたものは残しつつも常に更新していかなければ続いていかない。 ──＜ONE PARK FESTIVAL＞もこれから毎年恒例にしていきたいと考えているようなので、そういった歴史の積み重ねとアップデートは大事になってきますね。 mabanua 僕たちも瞬間的にドカンと爆発するよりは、継続することが大事なんだという考えで活動を続けているんです。フェスの運営は大変だとは思うけど、＜ONE PARK FESTIVAL＞もぜひ継続していってもらいたいですね。
INTERVIEW：hendecagon安丸智也
──オーディションで勝ち取った＜ONE PARK FESTIVAL＞への出演。とても素晴らしい熱演でしたね。 いやぁ、かなり緊張してまして、いつもの力は出せなかったですね。オーディション・ライブの時の方が出来は良かったんじゃないかな（笑）。でも、こんなに広い会場で演奏できて、とても気持ち良かったです。 ──地元の福井県でこれほど大きい規模のフェスが開催されると最初に聞いた時は、どう思いましたか？ オーディションがあるという話を聞いた時には、すでにCorneliusやクレイジーケンバンドの出演が発表されていたんです。だから、こういう有名どころが出演するフェスが福井の街のど真ん中で開催されるんだっていう驚きはかなり大きかったですね。 ──オーディションに受かる自信はありましたか？ いやぁ、全然です（笑）。僕らのバンドはライブもそんなにやってなくて、このオーディションがあるって聞いてじゃあ一本録ってみるかって軽い気持ちで応募しました。録音もiPhoneのボイスレコーダーで録っただけ。しかも、オーディションの選考ライブの日はメンバーが一人都合が悪くて、出られないって分かった状態で応募したんです。受かる気なんてさらさらなかったんで、受かって驚きました。
──ステージでのパフォーマンスだけでなく、地元民の目線から第一回目の＜ONE PARK FESTIVAL＞に参加した感想を教えてください。 地元に住んでいる身からすると、こんな場所でフェスをやってくれるのは本当にありがたいです。交通費がかからないという点もありがたいですし、こんな豪華なラインナップが地元で見られるとなると、音楽好きとしてもテンションが上がりますね。ぜひまた来年も開催してもらいたいです。
INTERVIEW：水咲加奈
──まずは＜ONE PARK FESTIVAL＞のステージでパフォーマンスしての感想を教えてください。 緊張しましたね。いつも見に来て下さる方もちらほらいらっしゃったんですけど、その方たちには「緊張してたね」って言われました。私の音楽は分かりやすく盛り上がるような音楽ではないですが、お客さんがすごく集中して見てくれて、ちゃんと聴いてくれているのが伝わって嬉しかったです。 ──オーディションでは当初の予定にはなかった審査員特別賞を受賞して出演が決まったそうですね。 オーディションへの参加を決めた時は、ダンス・ミュージック寄りのフェスなので受からないだろうなと思っていたんです。オーディション・ライブの時は自分の中で120点の演奏が出来たのですが、それでも難しいのかなって考えていました。Hendecagon、カッコ良かったし、悔しいけど仕方ないなって（笑）。でも、審査員の方たちがすごく長い時間をかけて審査してくださって、その結果特別賞をいただけて嬉しかったです。
──他の出演アーティストで特に印象に残ったライブはありましたか？ オーディション・ライブの時に、審査してくれた方がyahyelのGai Sunyaさんだったんです。今回、初めてライブを見させてもらったんですが、とてもカッコよくて素晴らしかったです。 ──福井県在住の水咲さんから見て、福井県の良いところはどこだと思いますか？ 実際に住んでいる私からすると、福井の良いところは何もないところかもしれません。一年だけ名古屋に住んでいたことがあるんですが、その時に「何もないのがいいんだな」って実感しました。観光名所もありますけど、駅前をふらっと歩いて「変わったお店あるな」って入ってみたりだとか、そういう感覚が楽しいんじゃないかなって思います。せかせか観光するんじゃなくて、のんびりと福井県を楽しんでほしいですね。 ──最後に、地元福井で初開催の＜ONE PARK FESTIVAL＞に参加した感想を教えてください。 ここまで大規模な音楽フェスに参加すること自体が初めてだったのですが、すごく良い雰囲気で素晴らしいと思いました。来年も再来年も、ずっと続いてほしいです。
＜ONE PARK FESTIVAL＞の模様はハーレーダビッドソン ジャパンの公式ウェブマガジン「FREEDOM MAGAZINE」でも取り上げられているので、こちらも熟読されたし！
Text by 青山 晃大 Photos by 大石 隼土
ONE PARK FESTIVAL
2019年7月6日（土）、7日（日） 福井市中央公園
LINEUP：7月6日（土）
青葉市子、WONK、ELLI ARAKAWA、Ovall、Gai Sunya from yahyel、 クレイジーケンバンド、Captain Vinyl、Cornelius、水曜日のカンパネラ、 SPECIAL OTHERS、D.A.N.、Blu-Swing、maco marets
LINEUP： 7月7日（日）
Attractions、ウルフルズ、クラムボン、SIRUP、Sunaga t experience、Cero、SOIL&”PIMP”SESSIONS、Sauce81、never young beach、FNCY、Hendecagon、 水咲加奈、YonYon、Licaxxx
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]]>［TALKING ABOUT FUJI ROCK］14年振りの＜フジロック＞出演を果たす、イタリアン・パンク・シーンの重鎮、バンダ・バソッティのベストアルバム『LA BRIGATA INTERNAZIONALE』が本日リリース。今回は、本アルバムの選曲と解説執筆を担当する音楽ジャーナリストの花房浩一さんと、2002年と2003年のイタリア・ツアーに帯同し、03年の日本ツアーでもサポートを務めたBRAHMAN・TOSHI-LOWさんの登場です。二人とバンダ・バソッティとの出会いから、本日リリースされるベストアルバムとフジロックでのライブへの期待まで。バンドと身近に接してきた二人だからこその視点から、BANDA BASSOTTIの魅力と本質が窺い知れる対談となりました。
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Interview：TOSHI-LOW（BRAHMAN）×花房浩一（音楽ジャーナリスト＆写真家）
花房 「今までのバンドの世界の常識が覆されるっていうか。何なんだ、このバンドは？っていうのがまず第一印象だった」
――まずは、お二人がバンダ・バソッティと出会ったきっかけを教えてください。 花房 確か2002年だったかな？ The 3Peace（※）のヨーロッパ・ツアーに付いて回っていた時に、プロモーターをやっていたショーゴ（※）に紹介されたのが最初。その時に会ったのはピッキオとシガロで、普通に市内観光を一緒にしたんだよ。その時も仕事終わりだったみたいで、大工道具みたいなものを入れたバッグを持ってた。 ※The 3peace（元KING BEESの原広明、元メスカリン・ドライヴの永野かおり、元ブルーハーツの梶原徹也が97年に結成したバンド。2002年に活動停止） ※小宮山ショーゴ（音楽プロダクションJAPONICUS主宰。レベル・ミュージックやメスティーソ音楽を中心に数多くのバンドを日本に招聘するとともに、日本のバンドを海外に紹介する活動を行っている） TOSHI-LOW その時もずっと仕事してたんだ。 花房 その頃は普通の仕事をしつつ、バンドをやってるって感じだった。ローマを歩いてる時に、そこら辺に転がってる石ころを拾って「これは遺跡の一部だ」みたいな話をしてくれて、「すげえな、この街！」って思ったのを覚えてる。その時はバンドのことを何も知らないから、ただ一緒に観光して話をしてただけだった。
――花房さんは、その直後からカメラマンとしてバンダ・バソッティと関わるようになるんですよね。
花房 それも急な話だったんだよ。いきなり「金出すから、お前スペインまで来い！」みたいな連絡が来て、ようやくバルセロナに着いたらすぐにライブハウスまで連れて行かれて、速攻で写真を撮り始めるっていう。そのツアーは全箇所ついて周ってたんだけど、移動距離がすごかったな。全部車で、スペインからフランスを通ってローマまで戻って来る、みたいな。でも、その時に撮った俺の写真を気に入ってくれて、それから5年くらいオフィシャルでカメラマンをやることになるんですよ。BRAHMANと初めて会ったのは、その後のツアーだったよね？
TOSHI-LOW そう。俺らがバンダ・バソッティと関わったのは、2002年4月にイタリア・ツアー（STREET BEAT FESTIVAL）に呼んでもらったのが最初。ショーゴさんからオファーをもらって、二つ返事で「行きたい！」って。当時の俺たちは恵まれた環境にいて、デカいイベントに呼んでもらったり、ライブの集客も日本ではよかったけど、何となく自分たちの中でこのままじゃダメだなっていうのを察していて。このままだと大事なものが失われていくんじゃないかっていう危機感があった。そんな中で「海外で厳しい条件だけど行く？」って言ってもらって、その話に飛びついたという。観光バスみたいな固い座席のバスで移動して、4日間連チャンでライブみたいなスケジュールだったから、案の定体調は崩したけどね。
花房 確かに大変だったと思うよ。あっちはまずライブが始まるのが遅くて、終わるのも超遅くて、それが終わってから移動したり、とりあえず仮眠くらいの感じで安い宿に泊まったり。でも、それが彼らのデフォルトなんだよね。
TOSHI-LOW 今だったら全然大丈夫だろうなって思うけど、あの頃は俺らも若造だったからダメで。「マジでこんなとこに泊まんの？」みたいな環境が続いて、最後は声も全然出なかった。悔しい思いしたな。
――初めて観たバンダ・バソッティのライブはどうでしたか？
TOSHI-LOW むちゃくちゃ凄かったですよ！ 「ローマで一番」みたいな話は聞いてたんだけど、観る前は「うっそー、こんなおっさんが？」みたいに思ってて。
花房 ははは（笑）
TOSHI-LOW でも、始まってみたらローマのヴィラジオ・グローバーレっていう会場が人いっぱいで。
花房 あの時は確かにすごかったね。俺が最初に彼らのライブを観たのはさっき言ったスペインなんだけど、今までのバンドの世界の常識が覆されるっていうか。何なんだ、このバンドは？ っていうのがまず第一印象だった。というのは、オーディエンスがずっと大合唱で、ほとんどバンドカラオケ状態なんだよね。しかも日本のバンドみたいに全員同じ格好して同じところで手を上げて、みたいな感じとは全然違う。客層がすごいよね？
TOSHI-LOW そうそう。パンクの中でも、ストリート・パンクの奴から、きったねぇパンクス、90年代っぽい奴まで、多種多様で層が厚い感じ。日本にも1万人集めるバンドはいるけど、そういう単一の1万人とは違って、本当にワーキング・クラスのちゃんとしたパンクスや輩が1万人来てる。その強さが、そこら辺の1万人とは全然違う。
花房 そう、だからお客さん一人ひとりの熱量が違う。全員が「俺たちのバンド！」みたいな感じで来てるわけ。一緒にあそこまで歌を歌うバンドってほとんど見たことない。
TOSHI-LOW 集会みたいだったよね。
花房 そうそうそう！ それだよね！ なんか政治集会をやってる感じ。で、実際に曲と曲の間で「ベルルスコーニがどうこう」みたいな話もするんだよね。
TOSHI-LOW そう。当時は俺らもガキだったから政治的な話もヨーロッパの事情もよく分かってなくて、バンドが中東に人道支援してるとか聞いても、何をどうしてるのかいまいち分かってなかった。だけどそのライブで度々出てくる話だったり、旗を振ったりすることに対して、オーディエンスが「うわぁー！！」ってなってるのを目の当たりにして、「バンドってこういうことなんだ」って衝撃を受けた。
花房 バンダ・バソッティという名前は、ディズニー・キャラクターのビーグルボーイズのイタリア名なんだけど。もともと、みんな政治集会とかの現場スタッフだったんだよ。シガロを中心にそういうメンバーが集ってバンドが始まって、当初はメンバーが十数人いて、ボーカルも何人もいるようなバンドだったらしい。彼らにとって音楽は趣味でなければ遊びでもなく、自分たちの主張を訴えるための手段の一つだった。だから普通に平日は仕事をして、土日にライブをする。弱い人たちを助けるために、時にはお金をもらえないとこに自分たちでお金出して行くわけ。そういう活動が続けられなくなって、彼らは96年に一度活動を休止するんだけどね。
TOSHI-LOW それは仕事と両立できなくなったというのもあるのかな。
花房 そういうことだよね。人気が出たことで、要求が増えすぎてしまったんだと思う。彼らはフェルミン・ムグルサ（Fermin Muguruza）やマヌ・チャオ（Manu Chao）と仲間なんだけど、活動休止前にフェルミンがスペインの警察について批判したら訴えられて、裁判闘争になるという出来事があった。その裁判の支援のために、バンダ・バソッティは最後のライブをやったんだけど、もしフェルミンが勝訴したら祝福のためにまたライブしようぜって約束をしていた。それが実現したのが2001年で、6年ものブランクがあるから人もあまり来ないだろうと思ったら、とんでもない数の人が来て、その中には新しい若い子たちもいたんだって。そういうファンの続けて欲しいという願いを受けて、活動を再開したんだよ。その時のライブの様子は、『Un altro giorno d'amore』というアルバムにもなって残されてる。
TOSHI-LOW 俺が好きだったのも、彼らが自分たちで勝ち取ってやってるんだっていう感覚があるところで。彼らのライブ会場は、ちょっとスクアッドみたいな感じで、デカい空き地みたいなところに自分たちで機材を入れてやってるの。それはいわゆるDIYっていうのとはちょっと違って、「そうやって、やっていくものなんだ」っていうライフスタイルというか。それはかっこいいと思ったよ。
花房 彼らがツアーをする会場のほとんどは、イタリア語で「セントロ・ソシアール（centro sociale）」っていって、要するに「ソーシャル・センター」なんですよ。空き家とか廃屋になってる場所をスクアッドして開放して、職のない人とか弱い人たち向けのコミュニティ・センターみたいな感じにしている。イタリアでは、それを何年か続けると認知されて、合法になるんです。その中にクラブもあればバーもあって、イタリア中に大小含めて100カ所以上ある。さっき言ったローマのヴィラジオ・グロヴァーレは、要するに「Global Village」ってことなんだけど、工場の跡地みたいな場所。冬は寒いし、防音設備なんてない。街の真ん中でデカい音出してるのに、許されるっていうのも凄いよね。
TOSHI-LOW しかもライブは始まるのは23時とかだからね。すごい環境。
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text＆interview by 青山晃大 photo by 澤田格
RELEASE INFORMATION
LA BRIGATA INTERNAZIONALE（ラ・ブリガータ・インテルナツィオナーレ）
REXY-3／国内盤CD／定価 ¥2，500＋tax
発売日：4月19日（金）
詳細はこちら
EVENT INFORMATION
FUJI ROCK FESTIVAL’19
2019.7月26日（金）、27日（土）、28日（日）
新潟県 湯沢町 苗場スキー場
OPEN 09：00／START 11：00／CLOSE 23：00（予定）
詳細はこちら
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]]>1984年の結成以来、長期の活動休止や解散の危機とは全くの無縁で、コンスタントに良質な作品を作り続けてきたヨ・ラ・テンゴ（Yo La Tengo）。今年は、最新作『There’s a Riot Going On』を引っ提げて、＜朝霧JAM＞への出演と東名阪ツアーも行った。即日ソールドアウトとなった坂本慎太郎とのスプリット・ライブ直前、アイラ・カプラン（Vo／G）にインタビューを敢行。出演した＜朝霧JAM＞の感想や坂本慎太郎とのツーマン・ライブについて、30年以上もバンドを続けられる秘訣を聞いた。
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Yo La Tengo - There’s a Riot Going On
その最新作『There’s a Riot Going On』を引っ提げて、＜朝霧JAM＞への出演と東名阪ツアーを行ったヨ・ラ・テンゴ。即日ソールドアウトとなった坂本慎太郎とのスプリット・ライブ直前、アイラ・カプラン（Vo／G）に話を聞いた。Interview：アイラ・カプラン（ヨ・ラ・テンゴ）
——今回の来日では＜朝霧JAM＞へ参加されました。同フェスでのライブはどうでしたか？
台風の心配をしながら演奏するという、いつもとは違う経験になって楽しかったね。それに、僕たちのライブの前にBOREDOMSを見ることができて良かった。彼らのパフォーマンスはとても素晴らしかったよ。
——台風で開催が危ぶまれる中でのステージとなって、オーディエンスにとっても特別な体験となったのではないかと思います。
悪天候下でのステージは、オーディエンスに2つの選択肢があると思うんだ。惨めな体験になってしまうか、本当に素晴らしい時間になるか。天気が悪いとみんな消極的に過ごすことができないから、結果的にとてもエキサイティングなライブになったと思う。
——＜朝霧JAM＞と同じくアウトドア・フェスである＜FUJI ROCK FESTIVAL＞（以下、フジロック）には何度も参加されていますが、＜朝霧JAM＞ならではの魅力はどこに感じましたか？
＜フジロック＞のような大きいフェスでは、広い場所にいくつもステージがあって、多くのバンドが同時にパフォーマンスしているから、普段のライブとは随分違うステージになる。でも、＜朝霧JAM＞は規模が小さいから、普段の自分たちと近い環境で演奏できたと思う。小規模だからこその親密な空気があるのが良かったね。
——今日はこれから坂本慎太郎とのツーマン・ライブですが、彼との付き合いも長いですね。
サカモトサン（坂本慎太郎）とはゆらゆら帝国の頃からの付き合いで、日本でもアメリカでも何度も共演してきた。僕らの中では特にジェイムズ（・マクニュー）と仲が良くて、彼のソロ・プロジェクトであるダンプ（Dump）の12インチ・シングル（『NYC Tonight』）でリミックスを担当してもらったりもしていた。GGアリン（GG Allin）の“NYC Tonight”のカバーで、とても美しいバージョンになっていたね。僕たちみんな、ゆらゆら帝国の頃からの大ファンだよ。
——彼がソロになってからのライブを見るのは初めてだと思いますが、どのようなライブを期待していますか？
サカモトサンのレコードはまだ一枚しか聴いていないんだけど、そのアルバムはとても大好きだから楽しみだね。さっきサックスを見たんだけど、ゆらゆら帝国の時には彼らがサックスを使っているのを見たことがないから、どんなライブになるのか想像もつかない。本当に楽しみだね。
——3月にリリースした新作『There’s a Riot Going On』は、同時期に手がけていた映画のサウンドトラックのレコーディングから派生して生まれたそうですね。どのような制作過程だったのでしょうか？
その2つが密接に繋がっているのは確かだね。映画用の音楽は主にコンピューターを使って、一つのアイデアをもとに作っていた。それと並行してバンドが集まって作る作業もしていて、その過程で出来た楽曲がアルバムになっていったんだ。中には、コンピューターで作り始めたアイデアで、サントラではなく自分たちのアルバムに反映された楽曲もある。また、映画用に作った曲で、映画に合わないという理由で使われなかったものもあったんだけど、実はその話を聞いて嬉しく思ったりもしたんだ。それなら自分たちのアルバムに使える！ って（笑）。
『There’s a Riot Going On』
——その時に制作していたサウンドトラックを使用した映画『いろとりどりの親子』は、日本でも11月に公開を控えています。映画用の音楽とバンドの音楽で、レコーディングの進め方に違いはありましたか？ 今回のアルバム『There’s a Riot Going On』はサントラと並行して作っていったから、制作過程自体に大きな違いはなかった。一番の違いは他者の要望があるかないか、という点だと思う。映画用の音楽では、何分何秒に収めるとか、どのようなムードにするとか、映画サイドからの依頼があらかじめ決まっている。アーティスティックな部分で素晴らしいアイデアが浮かんだとしても、映画にフィットするかどうかを第一に考えなくてはいけない。一方で、自分たちの音楽はまっさらなキャンパスがあって、そこに描くものは完全に自由なんだ。良いアイデアを思いついたら、ひとまず試してみる。それが上手くいくこともあるし、全く別のものへと発展していったとしても、それはそれで面白い。そういう自由度の違いはあると思うね。11月17日(土)公開『いろとりどりの親子』予告編
——ヨ・ラ・テンゴは結成から30年以上経った今もコンスタントに作品を発表し、精力的にツアーを行っています。バンドを長く続けていく秘訣はどこにあると思いますか？ 第一に、僕たちはラッキーなんだと思う。僕たちは他のどの国よりも日本が大好きだけど、アメリカからは長旅になるし、時差もあるから体力的に大変ではある。それでもツアーを楽しめているのは、クルーを含めたバンドみんなでオフの時も一緒に笑い合ったり、いろんな体験をシェアできたりしているからなんだ。彼らと良い関係を築けているからこそ、ツアーや旅の経験も毎回新しいアドベンチャーのように楽しむことができる。また、ジョージア（・ハブレイ）とジェイムズと僕で、興味関心が共通している点も大きいと思う。ロビン・ヒッチコック（Robyn Hitchcock）のバック・バンドとして一緒にプレイしたり、ただ音楽を作ってツアーしたりするだけじゃなく、様々な経験ができている。そうして、自分たちを常に楽しませることが大事なんじゃないかな。Photo by Kodai Kobayashi
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]]>世界有数のクラブ・ミュージック大国オランダが誇る名DJ・プロデューサーが、ついに日本デビュー！ メジャー・レイザー（MAJOR LAZER）のヒット曲“Watch Out For This”に参加したことでも知られるDJ […]
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Interview：Midas Hutch
——今回の来日は今年3月にFSグリーンとして来て以来、マイダス・ハッチ名義では初めてですね。日本にはよく来ているんですか？
日本にはよく来ていて、今回が5回目の訪問になるね。最初と2回目は休暇だったんだけど、3回目からはDJのために来てる。前回はファッション・ウィークのイベントで、渋谷VISIONでDJしたんだ。今年は一年の間に3回、日本にやって来たことになるね。
——今回は随分長い間日本に滞在するそうですが。
一ヶ月近くにいる予定だよ。前までは東京と京都くらいしか行ってなかったんだけど、これから大阪、福岡、鹿児島と日本の色んな場所に行く予定なんだ。
——日本がお好きなんですね！ 日本との関わりというと、今年8月にはRIRIにシングル“That’s My Baby”のリミックスを提供していました。あのコラボレーションはどういう経緯で進んだのでしょうか？
昨年東京にいる時に、僕がRIRIの音楽を聴いたんだ。とても気に入ったのでこちらから彼女のレーベルに連絡を取ったら、3月の来日の時に彼女と会うことができた。その時に、マネージャーからリミックスの話をもらったんだ。
——あなたの方からアプローチだったんですね。RIRIのどこを気に入りましたか？
まず最初に彼女はとても良いシンガーだ。若くて、才能に満ち溢れている。実際に会ってみて、人柄もとてもクールだった。それに、彼女の音楽はビートのプロダクションも素晴らしいね。
——あなたがSpotifyで公開しているプレイリスト『Car Music』には、その“That’s My Baby – Midas Hutch Remix”の他に、AKLO×JAY’EDの“Different Man”が選曲されています。日本の音楽はよく聞いているのですか？
日本の音楽もチェックしているよ。“Different Man”のサウンドプロデュースを手掛けているのはBACHLOGICで、俺は前から彼の大ファンなんだ。ラップ・ミュージックを聴き始めたのは最近だけど、若い頃から日本の音楽はよく聴いていた。SOIL & “PIMP” SESSIONS、YMO、坂本龍一とか。日本の音楽は欧米とは違ったコードを使っていたりして、俺にはとても面白い響きに聴こえるんだ。
——マイダス・ハッチとしての活動以前からFSグリーン名義で活動してきましたが、FSグリーンとマイダス・ハッチの違いはどこにありますか？
FSグリーンでは、オランダのラップ・ミュージックやハウス・ミュージックをメインにプレイしているんだけど、実際に家や車で聴いているのはもっと昔の音楽で。特に、80年代のディスコやR&Bが大好きだった。だから、もっと自分の好きなものに忠実なプロジェクトを始めようと思って、マイダス・ハッチ名義を名乗り始めた。
——マイダス・ハッチという名前は、ミッドナイト・スターの名曲“Midas Touch”にちなんで付けられたそうですね。
そうだよ。その曲は、僕が好きになった最初のディスコ・ソングだった。まだDJを始めたばかりの若い頃、母の友人から膨大な数のレコード・コレクションを譲ってもらったんだ。その中には良いものもあれば良くないものもあったんだけど、一枚一枚チェックしてたら良い方にミッドナイト・スターの“Midas Touch”が入ってたんだよ。
——昔のディスコに惹かれたのは何故だと思いますか？
ディスコ・ミュージックは、クラブでかけるために作られた最初期の音楽の一つだと思うんだ。クラブに人々が集まって、ダンスして笑い合って、良い体験を共有する、そのための音楽。それと同時に、ディスコ・ミュージックはクラブで聴いて良さを感じられるだけじゃなく、家や車の中でも気持ちよく聴くことができる。
——マイダス・ハッチのディスコ・ミュージックには、トロピカルでカラフルなイメージがあります。あなたのご両親は南米のスリナムにルーツがあり、DJでもよくラテン音楽を使っていますが、ラテン音楽からの影響もありますか？
若い頃から、母がよくラテン音楽やキューバ音楽を聴いていたんだ。ブエナ・ビスタ・ソシアル・クラブとかね。家ではよくラジオを聴いていて、母はサルサのダンスをやってた。それに父がレゲエ・バンドのベーシストだったから、その影響はあるかもしれない。
——マイダス・ハッチとして初めてリリースしたのが、2016年発表のEP『The High』でした。当時はどのような音楽を作ろうとしていたのですか？
あの頃はまだ色んな音楽を試している段階で、一曲のシングルを作ろうと試行錯誤している内にEPにまとまったんだ。それから2年の間に、プロジェクトとしての方向性が定まってきて、まとまったアプローチで作ったものが今回の2nd EP『The Feels』になった。
——EP収録曲では、多くの若手シンガーがゲストに起用されています。ニューヨークのMAAD、イギリスのブルーイー・ロビンソン（Bluey Robinson）、カナダのエヴァ、オーストラリアのマリベル、ロンドンのカリーム・テイラー等々、それぞれに国籍の違うアーティストが参加していますが、シンガーはどのように選んだのですか？
ブルーイ・ロビンソンとMAADは実際に友達なんだけど、それ以外のシンガーはみんなインターネットを通じて発見した人達で、実際には会ったことがないんだ。マリベルは1st、2ndの両方に参加してもらったけど、まだ会ったことがない。彼女とは2年前にリミックスの仕事で初めて共同作業をして、歌声も素晴らしいし仕事しやすかったから、自分の楽曲でも歌ってもらうことにしたんだよ。
——『The High』収録曲のリミックスをまとめた『The High （Remixes）』には、Jengi BeatsやWantiggaといった地元オランダの若手DJ・プロデューサーが起用されています。
彼らはみんな俺のお気に入りプロデューサーで、マイダス・ハッチの音楽をもっとクラブに合うようにしてくれた。今オランダには、若くて才能があって、リミックスやプロデュースで活躍し始めているDJ・プロデューサーがたくさんいるんだ。
——リミックス依頼を通して、若い才能をフックアップしたいという考えもありますか？
そうだね。彼らは俺の音楽に新しいサウンドを入れて、違った形で楽しませてくれる。それに、マイダス・ハッチだってオリジナルを作る前の仕事はリミックス・ワークだったから。若いプロデューサーにリミックスを依頼して次に繋げていくのは、自然の流れだと思う。
——この度、日本では『The High』と『The High (Remixes)』、『The Feels』をまとめたCD『The Feels & The High（Deluxe Edition）』が発売されます。このCDを聴く日本のリスナーに向けて、最後にメッセージをお願いします。
最新EPの『The Feels』は夏のフィーリングが詰まったEPなんだけど、実際に制作したのは昨年の冬なんだ。このCDが発売されるのも夏じゃなくて冬の時期になるから、寒い時期に夏のフィーリングを改めて感じてもらえるんじゃないかと思う。マイダス・ハッチの音楽で良い気分になって欲しいね。
Midas Hutch "Ready Or Not" Ft. Bluey Robinson & UNO Stereo
RELEASE INFORMATION
The Feels & The High (Deluxe Edition)
2018.11.16（金）
Midas Hutch
ジャンル：Electronic / R&B
プライス：¥2,000 + 税
トラックリスト
1. I’ll Go There (feat. MAAD) 2. Ready Or Not (feat. Bluey Robinson & UNO Stereo) 3. The Feels (feat. Socialchair & EVA) 4. I Feel For U 5. 80/20 (feat. Kaleem Taylor & Tony Tritone) 6. Out of Business (feat. Maribelle) 7. The High (feat. Bluey Robinson) 8. I'm Not The One (feat. Marilbelle) 9. Get Mine (feat. Shakka) 10. Another Man's House (feat. Mar) 11. Nite Ryder ＊ボーナス・トラック 12. The High (feat. Bluey Robinson) [Jengi Beats Remix] 13. I’m Not The One (feat. Marilbelle) [Evil Needle Remix] 14. Get Mine (feat. Shakka) [Wantigga Remix] 15. Another Man's House (feat. Mar) [Durkin Remix] デジタル https://lnk.to/feelsandhigh_deluxe CD http://manhattanrecords.jp/THE+FEELS+＆+THE+HIGH+(DELUXE+EDITION)/product/0/4560230527877/?cat=&swrd=The Feels - EP 12”アナログ
2018.11.16（金） フォーマット：EP（12インチ アナログ・レコード）＊限定プレス プライス：￥ 2,200 + 税トラックリスト
Side-A 1. I’ll Go There (feat. MAAD) 2. Ready Or Not (feat. Bluey Robinson & UNO Stereo) 3. The Feels (feat. Socialchair & EVA) 4. I Feel For U Side-B 1. 80/20 (feat. Kaleem Taylor & Tony Tritone) 2. Out of Business (feat. Maribelle) 3. Nite Ryder ＊ボーナス・トラック 購入はこちらから http://manhattanrecords.jp/THE+FEELS+EP/product/0/4560230527990/?cat=&swrd=MH1116 詳細はこちら© Qetic Inc.
]]>東京・代官山T-SITE内GARDEN GALLERYにてフリーライブ＜FREE[ER] WEEKEND PREMIUM LIVE SHOWCASE＞が開催。初日に共演する高岩遼とAzumiの二人のヴォーカリストにジャズ」をテーマに語ってもらったスペシャル対談。
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Interview：Azumi×高岩遼
——Azumiさんと高岩さんは10月13日（土）に行われるハーレーダビッドソンの＜FREE[ER] WEEKEND PREMIUM LIVE SHOWCASE＞で、久々の共演となります。まずは、お二人の最初の出会いについて教えてください。 Azumi 昨年の4月に六本木でやったライブが初めましてだよね？ 高岩遼（以下、高岩） そうですね。六本木のVARITというライブハウスでイベントをすることになって、ぜひ誰か女性のジャズ・シンガーを招きたいねという話をしていたんです。そこでライブハウスのスタッフさんから「Azumiさんがいいんじゃないか」という提案があって、自分も「Azumiさんだ！」ということでお声がけしました。 ——その時もジャズのイベントで、お二人でデュエットも披露したそうですね。 高岩 やりましたね。“Fly Me To The Moon”歌いました。キーをどうしようか、みたいな相談をしたのを覚えてます。 Azumi あと“You'd Be So Nice To Come Home To”も一緒にやったよね。
——どちらもジャズのスタンダードですね。デュエットする楽曲はすんなりと決まったんですか？
高岩 事前にメールで、「何やります？ てか、遼くんは何を歌うの？」みたいなやり取りを少しして、あとは現場で少し合わせたくらいでした。でも、どっちかというと、「何着る？」みたいな衣装の話をしてましたね。「僕、セットアップは緑ですよ」って。
Azumi そうかも（笑）。今日も何を着てくるのかすごい気になったもん。
高岩 俺もどんな感じか、結構気になってました（笑）。
——実際に共演してみて、お互いの印象はいかがでしたか？
Azumi まずは声が素晴らしいと思いましたね。日本人で、フランク・シナトラのような唱法のクルーナーってなかなかいないじゃないですか。上の世代の大先輩には多いですけど、若い方ではあまりいない。私はその時初めてジャズを歌ってるのを聴いたんですけど、素晴らしかったです。
——Azumiさんの印象はどのように変わりましたか？
高岩 それまではお会いしたことがなかったので、もっとフワフワした、フェミニンな方なのかなと思ってたんですよ。でも、実際に共演してみると男気があって。歌手として北海道の方から出てこられて、タフにやられてる。精神力の強さを感じましたね。
Azumi いやいや、ありがとうございます（笑）。
——今回の＜FREE[ER] WEEKEND＞は、それ以来久しぶりの共演になります。お二人が出演される10月13日（土）のステージは＜Swingin’Night＞ということで、ジャズ・セットを予定されていると思いますが、まずはお二人のジャズとの出会いについて教えていただけますか？
Azumi 私はもともと10代の頃からブラック・ミュージックばかり聴いていて、70年代ソウルやファンク、90年代のアシッドジャズ、ヒップホップ、R＆B、その辺にどっぷりハマった人なんです。例に漏れずローリン・ヒルになりたかったB-GIRLみたいな。
高岩 いやー、最高っすよね。
Azumi 私はローリンのつもりだったけど、アムラーって言われてた（笑）。
——（笑）。確かに、そういう時代かもしれませんね。
Azumi その辺を聴いてるうちに、その影響元でもあるジャズとフュージョンの方に向いていって。一番初めに聴いたのがディジー・ガレスピーだったのかな。エラ・フィッツジェラルドや、ヴォーカリストも聴いてはいたんですけど、それよりも実はインストものが好きだったんです。中でもハービー・ハンコックが大好きで、LAでレコーディングがあった時にハービーの家を見に行ったり（笑）。
高岩 マジっすか！（笑）。ヴォーカリストじゃないのは意外ですね。
Azumi そうなんですよ。自分はヴォーカリストなんだけど、聴くのはインストの方が多い。ドラムとベースとバッキング。リズムやコード感ばかりに耳が行ってました。
——高岩さんはどのようにジャズと出会ったんですか？
高岩 俺は小学校3年生くらいの時に、スティーヴィー・ワンダーの『The Definitive Collection』っていうアルバムをずっと聴いてて。それこそ歌詞カードがグシャグシャになるくらい聴き込むほど大好きだったんです。その後、小学校6年生くらいでレイ・チャールズに出会って。
Azumi えー！ 早熟！
高岩 “We Are The World”の一番最後のパートを歌ってるので、感激しちゃって。中学校に入るとヒップホップがやってきて、ヒップホップ、R＆B、ソウル、ブルースみたいな。本当に黒人音楽至上主義みたいな脳みそのB-BOYでしたね。
——十代の頃の音楽ヒストリーは、お二人ともどこか似てますね。
高岩 B-GIRLとB-BOYだったっていう。共通してますね（笑）。
Azumi そうですね（笑）。皆、やっぱり入りは「ブラック・ミュージック！」みたいなところあるよね。『ブルース・ブラザーズ』とか観るといまだに興奮します。
高岩 高校2年生くらいでブルースとかジャズを聴くようになるんですけど、その時はジャズとブルースの境目がまだ分からなかったんですよ。それで、ある時に手に入れたジャズ・ヴォーカリストの廉価盤コンピレーションに、一人めちゃくちゃ歌が上手い人がいて、感激して号泣しちゃったんですよ。それがフランク・シナトラだったんですよね。心に届くものがあると。最高で、そこからジャズのヴォーカルはずっと聴いてましたね。
——高岩さんは、10月17日にソロ・デビュー・アルバム『10』のリリースを予定されています。このアルバムはどのような作品になっていますか？
高岩 シナトラのカバー3曲で、後は全部オリジナルです。フルでビッグ・バンドでレコーディングしたんですけど、僕の中のジャズ最先端になってます。僕のジャズ愛だけだったらシナトラの焼き直しとかレイ・チャールズみたいになってしまいそうだったんですけど、〈Tokyo Recordings〉のYaffleがプロデューサーで入ってくれて、今までチャレンジしたことがなかったような作品になりました。
——今回ソロ・アルバムを作ったのは、どういうきっかけがあったんですか？
高岩 もともと岩手の田舎から「絶対スターになりたい」って思いで上京してくるときに、母ちゃんとか仲間に「俺が絶対にソロで出すときはビッグ・バンドでしかやらない」って話をしていたんです。それから音大で四年間ジャズを学んで、卒業してからSANABAGUN.とかTHE THROTTLEとか、SWINGERZって仲間たちが増えていく中でも、ソロの思いはずっと頭にあって。でも、僕が首謀者でバンドを作ってるんで、男としての責任があるじゃないですか。だから、まずはバンドを盛り上げていたんですけど、去年の4月くらいに、〈ユニバーサル〉のユウスケくんが、「遼くんソロやらない？」っていうのを恵比寿BATICAで言われて、「よし、じゃあビッグバンドでやろう！」って話したんです。
Azumi いい話ですね！
——Azumiさんもソロでは、ジャズ・アルバムのリリースやジャズ・フェスの出演など、ジャズ・シンガーとしての自分を大切にされている印象があります。
Azumi 私もwyolicaをやってる頃から、ずっとジャズ・アルバムを出すのが夢だったんですよ。でもwyolicaの時は、創ることができなくて我慢してたんですけど、ある時自分で企画を立てたんです。
——その企画はどのように発案したんですか？
Azumi ジャズってなんで若い女の子たちが聴かないのかな？ という疑問がずっと自分の中にあったんです。ジャズは敷居が高いし、難しい音楽みたいな印象があるから、私はその入り口を作りたいなと思って。それで、ジャズ・スタンダードやクラシックのメロディに自分で日本語詞を乗せるというコンセプトにしました。あとは、ジャズ・シンガーって夜のイメージが強いけれど、朝聴けるジャズにしようと。ジャズの間口が広くなって、ジャズを知るきっかけになれば良いなと、思っています。
——ハーレーダビッドソンとの関連でいうと、毎年開催されているハーレー乗りの祭典＜BLUE SKY HEAVEN＞に、お二人とも出演されてますよね。全国から集まったハーレー・オーナーの前でのライブはいかがでしたか？
Azumi 多分私のことを知っている人はほとんどいなかったと思うんですけど、なんか優しかったし、温かかったです。「良かったよ、ねーちゃん！」みたいな感じで（笑）。
高岩 みんな優しいですよね。
Azumi 見た目はみんなゴツいのに、優しい。
——高岩さんはどうでしたか？
高岩 僕は二つのバンドTHE THROTTLEとSANABAGUN.で出演させて頂いて。ロックとヒップホップでリアクションも全然違って、面白かったですよ。ハーレーとロックは何か繋がるものがあるし、ハーレーとヒップホップは意外性が楽しめるということで、そういうのがお客さんの顔見てわかるというか。「懐かしいことやってるねぇ！ サイン書いてくれよこのGジャンの後ろに！」みたいなおじいちゃんいたし（笑）。
Azumi （笑）。遼くんは、ヤンチャだったおじいちゃんとかに好かれそうだね。
——今回の＜FREE[ER] WEEKEND＞は、ハーレーダビッドソンの最新モデルFXDR™ 114と過ごす特別な週末というイベントです。このFXDR™ 114を実際にご覧になった感想を教えてください。
Azumi すっごいオシャレ。フォルムが美しい。
高岩 確かに。ちょっとトランスフォームしそうですよね。形が変わって、喋りかけてきそうな雰囲気がある（笑）。
——高岩さんは昨年、大型自動二輪免許を取られて、今は実際にハーレーに乗ってらっしゃるんですよね。
高岩 そうです。僕とSANABAGUN.のギターの隅垣元佐が免許取らせてもらいました。
Azumi そうなんだー、すごい！ でも、むちゃくちゃ似合いますね。
高岩 去年の夏に、かっこいいところを地元の奴に見せたいから、1800cc近い、デカいハーレーで地元の岩手県宮古市に凱旋帰省したんですよ。僕のママも拍手してましたよ。「あんた、頑張ってるね」って（笑）。
Azumi かっこいい！ 車とかバイクって、親への効力は大きいですよね。「こんなバイク買えるなんて、頑張ったんだね」みたいな。
高岩 間違いないですね。
——今回のライブは、どういったセットを予定されていますか？
Azumi 私はピアノ・デュオで、SWING-Oさんにピアノを弾いてもらいます。曲は自分のソロの楽曲やカバー、昔のユニットの曲をやるつもりでいます。
高岩 おー！ それはバキバキの二人で、楽しみですね！ 僕は若手ジャズマンのコンボで歌いますよ！
——―曲目はソロ・アルバムからやる予定ですか？
高岩 いや、多分スタンダードしかやらないですね。
Azumi スタンダード楽しみですね。私もスタンダードで何かやろうかな。対抗して。
高岩 やめてくださいよ！（笑）。
Text：青山晃大 Photos：真弓 悟史
EVENT INFORMATION
＜FREE[ER] WEEKEND PREMIUM LIVE SHOWCASE＞
2018.10.13（土）、14（日） 代官山T-SITE GARDEN GALLERY 出演 13日 高岩遼、Azumi 14日 The ManRay、Rei、Kan Sano (acoustic set) 詳細はこちら© Qetic Inc.
]]>フェスと最高に熱い瞬間をサポートするアイテムが＜FUJI ROCK FESTIVAL（フジロック）＞、＜ROCK IN JAPAN FESTIVAL（ロッキン）＞、＜SUMMER SONIC（サマソニ）＞に因んだ、『３大レモンZIMAフェスカクテル』として各フェス会場に登場します。そこで今回、夏フェス出演アーティストによるインタビュー・シリーズが始動。第2回目は、今年の＜ROCK IN JAPAN FESTIVAL＞に初出場する、CHAIさんの登場です。
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INTERVIEW：CHAI
ユウキ「パフォーマンスを見せてるのはこっちなのに、お客さんに魅せられてた。反応が倍になって返ってくるのが嬉しくって、感動しちゃった。」
——今回のインタビューのテーマは、フェスでの「熱い瞬間」です。CHAIの皆さんはこれまで国内外で数多くのフェスに出演してきましたが、一番「熱い瞬間」を感じたのはどのフェスですか？ マナ やっぱり＜SXSW＞かなぁ。演奏してるこっちが泣きそうになる感じ。あまりにも熱気が凄くて、終わった瞬間に涙が出ちゃった。アメリカも日本もそれぞれに良さがあるけど、アメリカはこっちがやればやるほど、その分熱い反応が返ってくるんだよね。 ユウキ 自由だったよね。パフォーマンスを見せてるのはこっちなのに、逆にお客さんに魅せられてた。反応が倍になって返ってくるのが嬉しくって、感動しちゃった。 マナ アメリカでは〈バーガー・レコーズ〉っていうレーベルから音源をリリースしてるんだけど、そのレーベルを作ったショーンとリー、他に出演してたレーベルメイトも見てくれていて、「君たちは本当にスペシャルだよ！」って褒めてくれたのが印象的だった。終わった後にステージ袖で、みんな抱き合う瞬間が何より幸せだったな。 ユウキ 汗だくなのに、みんなハグしてくれるんだよね。あれは青春だった。 ——日本で出演したフェスでは、これまでに印象的な「熱い瞬間」はありましたか？ ユウキ 今年は＜ARABAKI ROCK FEST.＞に呼んでもらったんだけど、良い空間だったよね。 マナ あと岐阜県の各務原で毎年やってる＜OUR FAVORITE THINGS＞とか、金沢の＜百万石音楽祭 ～ミリオンロックフェスティバル～＞も！ ユウキ 日本のフェスの何が良いって、ケータリングがどこも美味しい！ ＜ミリオンロック＞は、のどぐろとかサザエの浜焼きが出てきて、食べ過ぎて殻の山が出来てたもんね。 マナ お客さんも待ってくれてた感がすごくて。私たちが出演ステージのトリで、終わってもしばらくアンコールの声が鳴り止まないくらいだった。 ——自分達が出演したステージ以外で、オーディエンスとして見て「熱い瞬間」を感じたフェスのアーティストは誰かいますか？ カナ 去年の＜フジロック＞で観た、ゴリラズ（Gorillaz）とThe xx（ザ・エックス・エックス）は良かったな。 マナ The xxは“ラヴ”が凄くて。最後の締め括りで“ラヴ”を歌う“エンジェルス”を聴いて、涙止まらなかったよね。私たち、出番直前だったのに！ カナ 皆で「こりゃ観なあかんわ！」ってことになって観て、気づいたら4人で泣きながら抱き合ってた（笑）。 ユウキ 音楽って素晴らしいって思ったよね。あと、今年の＜SXSW＞で観たESG（イー・エスー・ジー）とスーパーオーガニズム（SUPERORGANISM）も良かった！
——ESGはどういった所が良かったですか？
ユウキ ESGはほぼリズムだけで出来てる音楽なのに、みんなが自由に踊ってて。構成をモリモリにしなくても踊らせられる音楽があるっていうのが衝撃的だった。
マナ みんな、それぞれがオリジナルのサンバを踊ってた（笑）。海外のお客さんが自由に踊ってるのってカワイイよね～。
——スーパーオーガニズムとは今年10月にUKとアイルランドのツアーを一緒に回ることが決定してますよね。
カナ 日本公演の時も感じたけど、海外でもスーパーオーガニズムの期待値の高さは感じた。列がすごくて、全然入れなかったんだよね。
ユナ 1回目に挑戦したときは全然入れなくて、2回目でようやく何とか入れたもんね。
マナ 日本公演も良かったけど、海外で観てもスーパーオーガニズムのライブは凄かったよね。一緒にツアーを回れるなんて、信じられない！ 今から楽しみ！
——これから日本では＜FUJI ROCK FESTIVAL＞＜RISING SUN ROCK FESTIVAL＞＜ROCK IN JAPAN FESTIVAL＞等々、大きいフェスへの出演が続きますね。楽しみにしていることは何かありますか？
全員 ケータリング！ 美味しいお肉が食べたい（笑）！
——ははは！ そんなに美味しいものが食べられるんですね。
カナ 出演アーティストも楽しみだよね。＜FUJI ROCK FESTIVAL＞は、本当は3日間参加したいけど、私たちは出演する3日目しか行けないのが残念。でも、チャーチズは観たいな！
マナ あとハインズも観られたら嬉しいよね。ヴァンパイア・ウィークエンドも観てみたいし。
ユナ 本当はN.E.R.D（エヌ・イー・アール・ディー）とかチューン・ヤーズ（Tune-Yards）も観たかった！
——日本のアーティストはどうですか？
マナ 大御所の方々も、これまで共演したことのあるバンド仲間もたくさん出るから楽しみだよね。私はスカパラ（東京スカパラダイスオーケストラ）が観たい！ サカナクションも。
ユナ 私、ORANGE RANGE観たい！ 山下達郎さんも観てみたいね。
ユウキ （奥田）民生さんとかクロマニヨンズも観たいよね。
カナ 本当にみんな集まってるって感じ。どれも観たいアーティストばっかりだね！
Qeticでの掲載はここまで！ 後半では初出演となる＜ROCK IN JAPAN FESTIVAL（ロッキン）＞への意気込みや＜ロッキン＞限定のレモンZIMAフェスカクテル「ZIMA PUNK LEMONADE」の感想をお話していただきました。下記リンクから続きが見られます！
続きはZIMA.JPで！
text＆interview by 青山晃大 photo by 横山マサト
© Qetic Inc.
]]>エド・シーランのオープニングアクトにも抜擢され、3月に来日を果たしたシンガーソングライター／プロデューサーのラウヴ（Lauv）。”Like Me Better”がSpotifyでの再生回数で5億回を超える大ヒットしているなか、彼の物語が1つのプレイリストとなって配信が開始された。世界中で人気を読んでいる彼の『I met you when I was 18.』から、ラウヴが旅した音楽の世界を辿り、彼が人の心を捉える理由を考えてみた。
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Lauv - I Like Me Better [Official Audio]
また、彼は自身のソロ・キャリアのみならず、他アーティストの作品にも精力的に貢献。シンガーとしてはフランス人プロデューサー・DJスネイクのシングル“A Different Way”にフィーチャーされ、チャーリー・XCX“Boys”やチート・コーズfeat.デミ・ロヴァート“No Promises”といったヒット曲にソングライターの一人として参加。ジャンルや国籍を問わず、ポップ・シーン全体にとって欠かすことの出来ない作家として、その存在感を増しつつある。Charli XCX - Boys [Official Video]
さらに、彼の才能はエド・シーランにも認められ、昨年末には大ヒット・アルバム『ディヴァイド』のアジア・ツアーでサポート・アクトにも抜擢。エド・シーランと言えば、現行のシンガーソングライター勢の中で、名実ともにトップに君臨するアーティストだ。ここ日本での公演は残念ながらエド・シーランの骨折により延期となってしまったが、ラウヴ自身は今年3月に初の単独来日公演を実施。そこでは、ステージをいっぱいに使って動き回り、時折ダンスも披露する熱いパフォーマンスが披露された。 シンガー、ソングライター、プロデューサー、ライブ・アクトと、多方面でネクスト・ブレイク候補と目されるようになったラウヴの、デビューから現在までのソロ・キャリアをまとめた楽曲集が『I Met You When I Was 18.』である。全17曲で構成された同作は、アルバムではなくプレイリストと位置付けられている。 本作の象徴としてタイトルに選ばれたのは、自分で曲を作り始めた13歳でも、初めて世間に向けて公開した楽曲“The Other”を発表した20歳でもなく、ニューヨークで初めて本当の恋に落ちた18歳という年齢。そこには重要な意味がある。その真意を知るには、彼自身による以下の言葉を引用するのが最適だろう。 「このプレイリスト『I met you when I was 18.』は様々な曲を集めたもので、一種の物語でもある。それは僕が18歳の時にニューヨークへ移住して最初に恋愛をした頃のもの。まわりの人々と深く交わるようになってから、自分なりのアイデンティティを見い出そうとしていた頃の物語。」（ラウヴが同作に寄せたコメントより引用）スターダムを駆け上がる ラウヴがはじめた音楽の旅
アリ・レフは1994年、サンフランシスコで生まれた。彼の母親はラトヴィア共和国の血を引いており、ラウヴというアーティスト名は、ヘブライ語で「ライオン」を意味するアリというファーストネームをラトヴィア語に変換したものだ。 彼の家族はサンフランシスコから間もなくオークランドへと引っ越し、それからもジョージア州のアトランタ、フィラデルフィアと、移住の多い生活を送っていた。十代の頃からポスタル・サーヴィス、テイキング・バック・サンデイ、グリーン・デイ、エミネム等、ジャンルを問わず多くのポップ・ミュージックに夢中になり、アトランタに住んでいた頃には当時のヒップホップやR&Bにも随分と影響を受けたというが、どの土地にいても彼は自分なりのアイデンティティを感じることは出来なかった。 「思うに、ぼくはどの土地においても強い結びつきを持ってなかったんだ。（中略）学校の中で、スケートボードをしながらスキニー・ジーンズを履いてるような子は僕一人だったんだろうね。（中略）自分が変だってことを誇らしく思うようになった」（公式バイオグラフィーより）ニューヨークで恋に落ちた
それぞれに独自のカルチャーを持つ全米の都市を転々として、各地の音楽を広く吸収したことが、後の表現における多様性の下地となっているのは確実だろう。ただ、アーティストとしての表現欲求や核を見出すのは、まだ先のことだった。彼は12歳からバンドを組んでいたというが、13歳で初めて作った曲は「失恋とはどんなものなのかを知る前に書いた、失恋についての曲」だったのだという。 その後、彼はニューヨーク大学に進学して、ミュージック・テクノロジーを専攻。このニューヨークへの移住と、そこで経験した初めての恋愛が彼の人生を大きく変えることになる。『I Met You When I Was 18.』のオープニングを飾るのは“I Like Me Better”だが、この曲は最大のヒット曲というだけでなく、そのニューヨークでの恋を題材にしている点で重要な意味を持つ一曲だ。Lauv - I Like Me Better [Official Video]
《若い二人は ニューヨークで恋に落ちた まだ自分が何者かも分かっていなかったけど 君と一緒なら大丈夫 酔った二人は ニューヨークで恋に落ちた 目覚めのコーヒー 何時間も語り合って時間が過ぎていく》（“I Like It Better”）1人のアーティストとして
この最初の恋愛とニューヨークという街での生活が、彼なりのアイデンティティ萌芽のきっかけとなった。彼は大学で音楽を学びながら、有名な音楽スタジオ「ジャングル・シティ・スタジオ」でインターンとして働き始める。ジェイ・Z、ジャスティン・ティンバーレイク、アリシア・キーズ、ティンバランドといった有名アーティストのそばで与えられた仕事自体はほとんど雑用だったようだが、ヒット・ソングが作られる現場を目の当たりにしたことで受けた刺激は大きかった。その頃から流行りのヒット曲を聴きまくって、どのような構造で作られているのか徹底的に分析していたというから、彼はなるべくしてヒットメイカーになったのだと言うことも可能だろう。 ただ、ソングライター／プロデューサーとしてのキャリアが意識的な努力の結果である一方、表現者＝シンガーソングライターとしてのキャリアは無意識の偶然から始まった。そのきっかけは、彼が2015年に初めて発表した楽曲“The Other”だった。Lauv - The Other [Official Video]
「10代の頃は、一所懸命に努力して自分のバンドで成功を掴むんだと思ってた。それから一所懸命に作曲活動も行った。結果として、自分自身何かを一所懸命にやろうと思わずに出来た曲で全ての事が始まったんだ」（公式バイオグラフィーより）人と人との繋がりから
初めて他の人に聴かせたいと思ったものの、それほどインパクトを残すことになるとは思っていなかったというこの“The Other”は、結果的に多くのリスナーの耳に届き、彼のソロ・キャリアの重要な起点となった。 この“The Other”は、ザ・ウィークエンドを髣髴させるメランコリックなR&B。その他、“I Like Me Better”ではフューチャー“Mask Off”などのヒット曲にも通じるオリエンタルなループが使われ、『ラ・ラ・ランド』や『ミッドナイト・イン・パリ』といった映画にインスパイアされたという“Paris In The Rain”ではロマンティックなストリングスとピアノが主役に。“Chasing Fire”ではダンサブルなビートにEDMが意識されている他、シンプルなピアノのバッキングで歌い上げる“The Story Never Ends”のようなバラードもあり、『I Met You When I Was 18.』の収録曲はトレンドをしっかり押さえつつも、実にバラエティ豊か。Lauv - Paris in the Rain [Official Video]
その中で、彼の一アーティストとしてのアイデンティティは何なのかと言えば、それは彼が紡ぎ出すメロディとリリックに尽きるだろう。彼はインタビューで、自分が惹かれる音楽について「Beautiful Tragedy（美しい悲劇）」と答えている。その言葉通り、彼はすれ違う感情や失恋の痛みといった、一度でも恋をしたことがある人間ならば誰しも共感するような悲劇的な瞬間を、どこまでも美しく歌い上げる。それは自分なりのアイデンティティを模索し続けてきた彼が辿りついた、最も人間的な関わり合いの根源と言えるのではないか。ラウヴの音楽が人々の心を捉える理由
彼のこれまでの人生は、決してドラマティックで激動に満ちたものではない。十代のアイデンティティ探求なんて、どこの時代、どこの場所にも転がっているありふれたものだろう。ただ、だからこそ彼の音楽は世界中のありふれた生活を送る一人ひとりの個人に届き、その人生を前向きに彩ってくれる。 「僕は毎夜ファンのみんなに紙とペンを持って、何を書きたいかなんか考えずに全てにおいてただ書くだけのことをやってごらん、と言ってるんだ。そこで記したものが結局は全てで、摂食障害や両親との揉め事、友達関係や性にまつわることなんかね。それで結局、答えはそれらの周りにはないんだってわかった。僕にとって書くということはそれらの感情一切に支配されないということだったんだ。」 「あなたが今思ってることは？と聞かれたら、僕の歌がまるでだれかと会話しているように感じて欲しいって言うね。そんな事が僕の大好きな人間同士の繋がりだったりするんだ。」 （公式バイオグラフィーより）
Text by Aoyama Akihiro
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]]>2016年にグラミー賞ベストR&B部門にノミネートされ、＜フジロック＞で初来日も果たした新世代R&Bシンガー、リオン・ブリッジズ。新作『グッド・シング』から、ヴィンテージ・ソウルのイメージを身にまとい、多様な音楽を歌いこなす現代的なシンガーの人生観を紐解いた。
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《人は言う 僕は負けるために生まれたのだと だけど僕は悪い 悪いニュースから 良い 良いことを生み出したのさ》 （“バッド・バッド・ニュース”）
あなたがアメリカのポップ・カルチャーに多少なりとも関心を持っているなら、2010年代を通して最もイノベイティブな作品を残しているのがアフリカン・アメリカンだということを知っているだろう。 例えば、映画の世界では、アメリカ最大の負の遺産である奴隷制を身を切るような痛みと共に描いた『それでも夜は明ける』や、2010年代もう一つの主役であるLGBTと黒人カルチャーを接続し、パーソナルなドラマを紡いだ『ムーンライト』。音楽の世界で言えば、奴隷制から人種差別の横行する現代までの歴史を総括し、啓蒙的なメッセージを伝えたケンドリック・ラマー『トゥ・ピンプ・ア・バタフライ』。あるいは、自身の夫婦関係に走った亀裂を端緒として、社会に横たわる人種や性別間の対立を乗り越えようとするビヨンセ『レモネード』。 これらは各国の音楽賞や批評メディアの年間ベストを総なめにした作品ばかりだが、そこには通底してアメリカにおけるアフリカン・アメリカンの辛酸の歴史を回顧し、構造的に続く差別や文化的断絶に解決の糸口を見つけようとする強い意志があった。 冒頭に引用したのは、本稿の主人公であるテキサス州生まれのリオン・ブリッジズによる最新2ndアルバム『グッド・シング』収録の一曲“バッド・バッド・ニュース”からの一節。アルバムのタイトルもこの歌詞から取られている。「負けるために生まれた」と言われ続けても「悪いニュース」から「良いこと」を生み出した「僕」という存在は、現代のアフリカン・アメリカン・カルチャーの在り方そのものを指し示しているかのようではないか。 Leon Bridges - Bad Bad News (Official Video) 平易な言葉と芳醇なメロディで物語を紡ぎ、パーソナルな筆致の中に鋭い現代性を忍ばせる。数多いる優れた黒人作家の中でも、聴き手の年代や肌の色、性別などを選ばない普遍性では当代屈指の才能を持ったシンガーソングライター。それこそがリオン・ブリッジズなのである。《504のブラック･ガールは僕を 胎内に抱えて 桃の州にやってきた》 （“ジョージア・トゥ・テキサス”）
ここでリオン・ブリッジズという音楽家の個性を理解するために、少しばかり経歴を振り返ろう。彼が世界的な注目を集めたのは、2015年のことだ。
1989年生まれで現在28歳の彼は、ニューオーリンズ州生まれの母親の胎内にいる時にテキサスへと引っ越してきたという。ジャズ、ブルース、ソウルといった音楽の本場として知られるアメリカ南部の環境の下で、幼少期からギターに親しみ、自然と音楽を作るようになったようだが、過去の音楽を知るようになったきっかけの一つにインターネット・ラジオや動画サイトがあるというから、現代的でもある。
地元テキサス州フォートワースで音楽活動を本格化させた彼は、ほどなくして地元のロック・バンド、ホワイト・デニムの目にとまる。ホワイト・デニムは2006年のデビューから一貫して米南部の音楽的遺産を現代的にアップデートしてきた、テキサスが誇るUSインディ・シーンの雄だ。
ホワイト・デニムのギタリストだったオースティン・ジェンキンスと、ドラマーのジョシュア・ブロック（両者ともに現在はバンドを脱退）がリオン・ブリッジズのプロデュースを買って出たのが2014年ごろ。1940年代～60年代のヴィンテージ機材が揃ったオースティン自身のスタジオで録音された初期曲がSoundCloudにアップされ、ローカル・ラジオで“カミング・ホーム”がエアプレイを獲得したことで、彼はメジャー・レーベルからも注目を浴びる存在となっていった。
声がかかった複数のレーベルから、彼は米コロンビアと契約。2015年にリリースされたデビュー・アルバム『カミング・ホーム』は、全米6位に輝き、2016年のグラミー賞ベストR&Bアルバム部門にノミネートされるなどの成功を収めた。
Leon Bridges - Coming Home (Video)
初期から引き続き、オースティン・ジェンキンス、ジョシュア・ブロックらから成るチーム「ナイルズ・シティ・サウンド」が制作に全面参加した『カミング・ホーム』は、リオン・ブリッジズのパブリック・イメージを決定づける傑作となった。全編を彩るヴィンテージ楽器の豊かな響き。サム・クックやオーティス・レディングといったソウル・レジェンドを髣髴させるリオンの力強い歌声。赤地にモノクロのポートレート、アルバム・タイトルと曲名とコロンビアのロゴが並ぶアートワーク。50年代から60年代の古き良きソウル・シーンへのオマージュが詰まった彼の表現は、黒人コミュニティから優れた作品が続出した2015年の中でも、一際目立つ個性を放っていた。
アメリカ、とりわけ南部の黒人音楽には、数多の支流が流れ込んで大河となり、市井を支えるミシシッピ川のように、慎ましい暮らしに寄り添い、苦難からの一時の救済となってきた壮大な歴史がある。一人ひとりの生活に息づくドラマが折り重なって、黒人音楽は豊かな歴史と文化を紡いできた。リオン・ブリッジズの音楽を聴くと、その歴史の一つに立ち会っているような感動が湧き上がってくる。
パーソナルな歴史を通してアフリカン・アメリカン社会全体の在り様を伝える彼の表現方法は、とりわけ彼の家族を主人公にした楽曲に顕著だ。『カミング・ホーム』には、母親の名前を冠して彼女の人生を歌った“リサ・ソーヤー”、祖母と祖父のナイトクラブでの運命的な出会いを描いた“ツイスティン・アンド・グルーヴィン”があった。最新作にも、“リサ・ソーヤー”の続編とも言うべき楽曲“ジョージア・トゥ・テキサス”が収録されている。
“ジョージア・トゥ・テキサス”で描かれるのは、“リサ・ソーヤー”におけるニューオーリンズでの幼少期から時を経て、子供を身ごもった体でアトランタへ、その後テキサスへと移住する母と子の物語だ。
《産みの苦しみが 僕を衰弱させたけれど 彼女はピーチツリー･ロードで 僕を高く掲げてくれた 目は母親似 鼻は父親似さ そして服は兄貴のお下がり 金なんてなかったけれど 愛は力強かった 僕たちがやっていくには 僕たちがやっていくには それさえあればよかったのさ》という歌詞からは、貧しくも愛に満ちた一つの家庭の姿がありありと浮かび上がってくる。
Leon Bridges - Georgia to Texas (Official Audio)
《僕には見えないんだ 君が僕に見て欲しい世界が 僕はなるつもりはないのさ 君が僕になって欲しい男には》 （“ライオンズ”）
ただ、その徹底して50年代・60年代のオマージュにこだわったコンセプチュアルなイメージ故に、『カミング・ホーム』の時点でのリオン・ブリッジズは、見る人によっては単なる回顧主義者やコスプレのようにも見えかねなかったことだろう。しかし、その認識が決定的に間違っていることを、全米初登場３位に輝いた最新作『グッド・シング』は証明してみせる。
その音楽的な進化は、一曲目の“ベット・エイント・ワース・ザ・ハンド”からすぐに伝わってくる。鉄琴、ホーン、ストリングスなどをゴージャスに使用した、まるでヴェルヴェットのように柔らかな質感のスウィート・ソウル。アナログでローファイな音像だった前作と比較すると、目を見張るほどに複雑でハイファイなアンサンブルだ。
その他、70年代のスティーヴィー・ワンダーをアップデートしたようでもある、ジャジーな“バッド・バッド・ニュース”、多重録音演奏のバラード“Beyond”、数を最小限に絞った“ライオンズ”、ディスコ風のアップビートがキャッチーな“イフ・イット・フィールズ・グッド(ゼン・イット・マスト・ビー)”、等、レトロなパブリック・イメージの殻を次々と破るバラエティ豊かな楽曲が並ぶ。
Leon Bridges – Beyond (Audio)
た、前作では形式的な模倣に留まっていたレジェンドへのオマージュは、本作でいくつかの明確な引用へと変化している。“ベット・エイント・ワース・ザ・ハンド”にはカーティス・メイフィールドの“メイキング・オブ・ユー”、“イフ・イット・フィールズ・グッド(ゼン・イット・マスト・ビー)”にはウィスパーズの“イッツ・ア・ラヴ・シング”を使用。前述したスティーヴィー・ワンダー風のシンセ使いも含めると、本作は50～60年代のソウルから、飛躍的な進歩を辿っていった70年代のソウル・ミュージックを一つの雛型にしていると言えるかもしれない。
Leon Bridges - Bet Ain't Worth the Hand (Audio)
このモダンな音への変化に最も貢献したのは、本作でプロデュースを務めたリッキー・リードだろう。彼はジェイソン・デルーロ、メーガン・トレイナー、ケシャ、トゥエンティワン・パイロッツ、ファントグラムなど、ヒップホップ、ポップ、ロック、インディ、EDMと現代のポップ・ミュージックに広く精通したプロダクションで知られる人物。「ナイルズ・シティ・サウンド」のチームとの関係も継続しつつ、彼の手が加わることで一気に風通しの良さが増幅した印象だ。また、共にツアーを回ったバンド・メンバーやミュージシャン仲間との関係性も本作の製作に大きく影響しているという。
「（作詞について）今回はファースト･アルバムとは違うアプローチをとったんだ。前作は手助けしてくれる人が誰もいない状態で書いたんだけど、今回は初めて他のライターたちとコラボしたんだよ。仲のいい友人たちとね。素晴らしいプロセスだった。僕とバンドの他メンバー達で、アイデアをやり取りして作ったんだ。内容は僕の人生の中で起こっていることについて語っているから実体験に基づいたものもあるけど、あまりディープにしすぎないようにはしたよ。」（日本オフィシャルインタビューより引用）
言葉の面では、リオン・ブリッジズの言うように、ディープなメッセージ性よりも普遍的な恋愛の機微が強くなっている。自伝的な物語性の高い楽曲も、前述した“ジョージア・トゥ・テキサス”のみに留まり、その他の楽曲は具体性の強いストーリーよりも、より抽象的で複雑なエモーションに重きが置かれているように思える。シンプルな言葉使いの中に現代的な逡巡や胸に迫るメッセージを忍ばせる、彼ならではの表現は本作でさらに研ぎ澄まされている。
リオン・ブリッジズがこれほどまでに愛される理由。それは決して古き良き時代へのノスタルジーを充足させるからではない。大河のように脈々と流れる歴史と伝統を受け継ぎ、その普遍的な魅力を現代へと伝えようとしているからだ。
現代のUSブラック・カルチャーは、人種差別や構造的貧困に抗する社会的気運の高まりと共に、数多くのイノベーションを生んできた。ただ、それが固有の社会・コミュニティに立脚するあまり、他の人種や国籍からの取っつきにくさに繋がっている側面も否めない。黒人以外が黒人のカルチャーを取り入れることをことさらに搾取と結びつけ、批評や意見すら拒むようなムードになっているのも、また確かだ。ただ、その中でも、リオン・ブリッジズの音楽は誰の手も拒むことなく、誰にとっても開かれた普遍性を追求し続ける。
まずは一人でも多くの人に、彼の素晴らしくスウィートな音楽に触れて欲しい。そして、そこからさらに奥をのぞけば、アフリカン・アメリカンの豊かな歴史や文化、一人ひとりの人生を尊重して慈しむ優しさが見えてくるだろう。
© Qetic Inc.
]]>The Strokes（ザ・ストロークス）のジュリアン・カサブランカス（Julian Casablancas）が率いるThe Voidz（ザ・ヴォイズ）が4年振りに最新作『Virtue』をリリースした。彼らが鳴らす音楽は、世界中のどこを見渡しても似たモノの見つからない、極めてユニークな代物。今回はジュリアン・カサブランスの来歴から、バンドの音楽性について読み解いていく。
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ジュリアン・カサブランカスが切り離した “ザ・ストロークス”らしさ
ザ・ストロークスが登場する以前の90年代後半、ロック・シーンの話題の中心にいたのは、オアシスやレディオヘッドの後を継ぐ叙情的な歌ものバンドや、高度な音楽スキルでバンド・アンサンブルを拡張するポストロック勢だった。ミレニアム直前の茫漠とした不安や倦怠を反映した存在として、それらのバンド群も確かに重要な象徴ではあったものの、一方で新しい時代を切り開いてくれるシンプルなロックンロールを待ち望む声も日増しに高まっていた。 その中で、2001年1月にセンセーショナルなデビューを飾ったのがザ・ストロークスだ。タイトな古着をスタイリッシュに着こなす、抜群のファッション・センス。メンバー5人が並んだ姿から醸し出される、圧倒的なカリスマ性。そして、余計な虚飾の一切ない、骨身だけのロックンロール。彼らの音楽は、瞬く間に時代を塗り替え、彼らが示したシンプルなバンド・サウンドへの回帰はアメリカ、イギリスのみならず、北欧やオーストラリアにまで飛び火し、「ロックンロール・リヴァイヴァル」という2000年代最大のムーヴメントを巻き起こした。 ただ、今から振り返って彼らの1st『イズ・ディス・イット』を聴けば、ザ・ストロークスが初手からただのロックンロール回顧主義者ではなく、未知の音楽を追い求める未来派の求道者集団だったことが実感できるだろう。ヴォーカル、ギター2本、ベース、ドラムとベーシックな編成で楽曲構造自体はシンプルだが、極めてクリアな分離で配置されたサウンド・ストラクチャからは、当時のロックの定型とは明らかに一線を画すフューチャリスティックな個性が既に垣間見えている。 The Strokes - Last Nite 彼らの未来主義は、それから作を追うごとに顕著なものとなっていく。ギターにユニークなエフェクト処理を施し、ムーグ・シンセのような音を鳴らすなど、音色面で格段に進化が見られた2003年リリースの2nd『ルーム・オン・ファイア』。同作のシングル“12;51”のミュージック・ヴィデオは、後にディズニーが続編を制作することになる1982年公開のSF映画『トロン』からインスパイアされたサイファイな出来となっており、彼らのフューチャリスティックな志向を明確に伝えることになった。 続く2006年発表の3rd『ファースト・インプレッション・オブ・ジ・アース』では、バンドの実験精神が極限にまで到達。そぎ落とされたロックンロールという初期イメージを過去のものとして、ラウドなギターとプログレッシヴな展開をこれでもかと盛り込んだ怪物作は、賛否両論を生んだものの、ザ・ストロークスが単なるレトロ趣味バンドではないことを全世界に印象付けた。 同作で進歩的なマキシマリズムを極めたことにより、ザ・ストロークスは次作『アングルズ』までの5年間、沈黙の期間を迎えることに。その間、各メンバーはソロ／サイド・プロジェクトで活動し、それぞれで作品をリリースしていくが、中でも際立った成果を残し注目を集めたのは、やはりジュリアン・カサブランカスだった。 2009年に彼はインディ・レーベル〈カルト・レコーズ〉をスタート。当初はジュリアンのソロ作のために設立されたが、それから約10年の間で所属アーティストやリリースの枠は広がり、今では自らの創作に留まらず、ジュリアンの感性を広く伝えるための手段として、彼の活動の中でも重要な位置づけを占めている。現在までに同レーベルから作品を発表したアーティストは、カレン・O（ヤー・ヤー・ヤーズ）やハー・マー・スーパースターといった、かねてよりジュリアンと親交の深い人物から、セレブラル・ボールジー、グロウラーズといった新鋭まで、多種多様。また、メキシコ出身のレイ・ピラ、マリ共和国出身のソンゴイ・ブルーズなど、非英米圏のバンドも積極的にフックアップしており、英米のロック／ポップ・シーンにおけるトレンドやステレオタイプに嵌らないバンドを数多く紹介している。そんな〈カルト・レコーズ〉の活動方針は、「境界線を推し進める」というザ・ヴォイズの信念とも大いに共振するものと言えるだろう。 実際、ザ・ストロークスから離れたジュリアンのキャリアは、この〈カルト・レコーズ〉設立とソロ・アルバム『フレイジズ・フォー・ザ・ヤング』リリースから今日に至るまで、真っすぐ一本の芯が通っている。今のところ、純粋なソロ名義では唯一の作品となっている『フレイジズ・フォー・ザ・ヤング』は、手に余るほどの巨大な期待がのしかかるようになったザ・ストロークスというバンドの力学から解き放たれたことで、彼の類まれなポップ・センスと楽天的な未来主義が全面的に開陳されたレコードだ。 同作の音楽性を大まかにレジュメするならば、エレクトロニックなシンセサイザーを重用した未来的なダンス・ポップと、カントリー／フォーク譲りのアメリカン・トラッドとの融合。オスカー・ワイルドの本から引用した「若者のための成句」というタイトルが示すように、彼は本作で新しい時代のポップ・スタンダード創出を志していたのだろう。 ただ、その野心的な試みが当時のファンに十二分に伝わったとは言い難い。沈黙が続くザ・ストロークスに対する飢餓感も手伝ってか、同作の評価はジュリアンの意志に反して、「ザ・ストロークスらしさ」と関連付けて語られることが多かった。この「ザ・ストロークスらしさ」の呪縛は、その後活動を再開したザ・ストロークスの新作にも必ずついて回ることになる。本来は、常に新しい領域に挑み続ける革新的な音楽集団だったはずのザ・ストロークスだが、活動休止を経てバンドの看板が肥大化することにより、ファンの期待と自らの表現欲求との間に乖離が生まれてしまう結果にも陥ってしまっていたのである。 だが、ジュリアンはファンの期待に応えて安住の地を選ぶ道を決して良しとせず、果敢に未開拓領域へと歩を進める道を選んだ。「ザ・ストロークスらしさの呪縛」と決別し、誰も鳴らしたことのないオリジナルなサウンドに挑戦するため、彼が新たに結成したのがザ・ヴォイズ。その最初の成果となったのが、2014年に発表された前作『ティラニー』だった。現代社会に産声をあげた The Voidz
インダストリアル、ハードコア・パンク、80年代メタルといったエクストリームな要素がせめぎ合い、ささくれ立った音像と共に突っ走る奇妙奇天烈なロック・サウンド。未来的という共通点はあるものの、そこで提示される未来はかつての楽天的なレトロ・フューチャー感覚とは決定的に異なっている。言わば、『スタートレック』から『ブレードランナー』へと舞台を移したような、ダークで切実なディストピアへの変化が『ティラニー』では描かれていた。 そんな未来観の変化を生んだ要因の一つに、アメリカの政治・社会が抱える諸問題への不信があったのは間違いない。彼は当時のインタビューで、同作のテーマについて「強欲な石油企業、自由さのないマスコミ、環境破壊、金、ヘルスケア」等を挙げている。「Tyranny＝暴政」というタイトルの下で、行き過ぎた資本主義とポピュリズムが文化を抑圧・破壊している状況への怒りを掲げた『ティラニー』は、ドナルド・トランプ政権が現実化した今のアメリカを予見するような内容でもあったと言えるだろう。 そんなジュリアンの現代社会に対する憂いは、最新作『ヴァーチュー』にも確かに受け継がれている。“リーヴ・イット・イン・マイ・ドリ－ムズ”、“キュリアス”、“ピラミッド・オブ・ボーンズ”、“パーマネント・ハイ・スクール”と、冒頭に配置された4曲で繰り返し歌われるのは、「嘘」と「真実」という言葉の対比。特に《嘘はどれも単純で 真実は複雑》という“ピラミッド・オブ・ボーンズ”のフレーズには、物事を単純化することで、真っ赤な嘘が真実として流通して信じられてしまう「フェイクニュース」や「ポスト真実」の時代に対する怒りや嘆きが込められている。 The Voidz - QYURRYUS (Official Video) その他にも、《10年後は誰一人気にかけないだろう 自殺への羨望》（“オール・ワーズ・アー・メイド・アップ”）、《新たなホロコーストが起こっているのに 何が見えないというんだ》（“ウィーアー・ホエア・ウィー・ワー”）など、前作以上に直接的な言葉を用いて現代の諸問題を扱った歌詞が多数。ただ、ジュリアンがここで歌っているのは、現代社会へのプロテスト・メッセージや政治的な啓蒙というよりも、複雑な真実を追い求めて逡巡を繰り返す、極めて私的かつ普遍的な感情だ。真実は嘘よりもはるかに複雑。だからこそ、彼は本作において、誰よりも真摯に現代社会に巣くう諸問題を見つめ、迷いと葛藤を繰り返しているのだ。 The Voidz - All Wordz Are Made Up (Official Video) 「暴政」と名付けられた前作が「現代社会への怒り」を叩きつけたアルバムだったとすれば、「virtue＝美徳」というタイトルの付いた本作は、怒りを超えた先にある人間性への信心と賛美がテーマだと言えるかもしれない。幾ばくかの希望を孕んだテーマ性への変化は、音楽面でも確かな影響を及ぼしている。 もちろん、未開拓領域を開拓すべく結成されたのがザ・ヴォイズなのだから、その音楽が単純なポップのカテゴリに収まらないオリジナリティ溢れる仕上がりになっているのは当然のこと。中東風の音階（“キュリアス”）、グラム・メタルとR&Bの融合（“ピラミッド・オブ・ボーンズ”）、パーカッシヴなカウベル使い（“オール・ワーズ・アー・メイド・アップ”）、アブストラクトなトリップホップ（“ピンク・オーシャン”）、性急なデジタル・ハードコア（“ブラック・ホール”）等々、全く異なるアイデアが次々と鼓膜を刺激する、斬新な楽曲が並ぶ。 ただ、その一方で、前作では封印されていた「ザ・ストロークスらしさ」を感じられる“リーヴ・イット・イン・マイ・ドリ－ムズ”や、未来的なプロダクションでカントリーをアップデートした“レイジー・ボーイ”のようなキャッチーなトラックも復活。“ピラミッド・オブ・ボーンズ”の歌詞には、ジュリアンのソロ第一作収録曲から「11thディメンション」という言葉が引用されているが、ここで彼は一度挫折を味わった、新時代のポップ・スタンダードの創造に再挑戦してみせたとも言えそうだ。実際に、本作を評してジュリアンは「少しだけピープル・フレンドリーになっている」と語っている。 The Voidz - Pyramid of Bones (Official Video) 複数の売れっ子プロデューサーが楽曲を分担して制作する、ヒット・ソングの分業制が一般的となり、似たようなテイストの楽曲をアルゴリズムが提案してくるストリーミング・サービスが普及した今、ポップ・ミュージックの一部では画一化が進んでいる。もちろんその中にも面白い音楽はたくさんあるが、ザ・ヴォイズのように誰も聴いたことのないような音楽を追い求めるバンドは今や絶滅危惧種とでも言うべき存在となっているのが現状だ。 ただ、そんな状況に異を唱え、果敢な挑戦を行っているのが、他ならぬ21世紀最高のロック・アイコン、ジュリアン・カサブランカスだという点には大きな意味があるだろう。バンド音楽、ロック、インディ、オルタナティヴ、アンダーグラウンド、レフトフィールド等々……、呼び方は何でもいい。彼とザ・ヴォイズが未来へと繋ごうとしているのは、今やポピュリズムの大波に飲まれて風前の灯火となっている、革新的な大衆音楽の偉大なる系譜なのだ。RELEASE INFORMATION
Virtue
2018.04.25（水） The Voidz [amazonjs asin="B07B64T2LV" locale="JP" title="ヴァーチュー"] 詳細はこちらtext by 青山晃大
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]]>EXILEファミリーの一員として2012年にデビューしたGENERATIONS from EXILE TRIBE。彼らの5年間の軌跡を辿る初のベストアルバム『BEST GENERATION』が2018年1月1日（月）に発売される。ベストアルバムに収録されたシングル曲を中心に、海外の音楽との接点を考察しつつ、彼らの歴史と音楽的な魅力について見ていく。
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ベストアルバム『BEST GENERATION』リリース！
このベストアルバムの豪華盤には、全シングル15曲と新曲“ALRIGHT!ALRIGHT!”を収録したDISC1の他、彼らがこれまでにカバーしてきた楽曲とEXILE曲を含む新録3曲をまとめた全7曲のカバーコレクションをDISC2に収録。
DVDとBlu-rayには、DISC1に新録2曲を含む全26曲のミュージックビデオ集、DISC2に＜a-nation＞出演時の映像8曲と＜DANCE EARTH FESTIVAL 2017＞出演時の3曲の未公開ライブ映像、DISC3に5年間の軌跡を辿るメモリアルドキュメントが収録される。
また、豪華盤には初回限定で約100ページのフォトブックが、数量限定生産BOXにはワールドツアー写真集が付属し、音楽、映像、写真と様々な角度から5年間の成長を堪能できるベストアルバムと言えるだろう。
新録ミュージックビデオが何故“Y.M.C.A.”なのか？
ベストアルバム発売に先駆けて、同作のDISC2と映像DISC1に収録される“Y.M.C.A.”のミュージックビデオが公開された。このビデオには、彼らGENERSTIONSの他、同じLDH所属のE-girlsやFANTASTICS、EXPG Labからの若いパフォーマーら総勢69名が出演。LDHの未来を担う世代が一同に会して若さ溢れるパフォーマンスを披露している。 では、記念すべき初ベストに新録されたミュージックビデオが何故“Y.M.C.A.”なのか？ まずはそこに彼らGENERATIONSの6年目以降にかける思いが透けて見えるようだ。 30代以上の世代なら絶対に誰もが知っているだろうこの楽曲は、西城秀樹が1979年に発表して大ヒットとなった“ヤングマン”のカバー。さらに元を辿ると、当時アメリカで流行していたディスコ音楽の代表的グループであるヴィレッジ・ピープルの“Y.M.C.A.”（1978年リリース）がオリジナルとなっている。 つまり、西城秀樹の“ヤングマン”は、当時の海外のトレンドをいち早く日本の音楽文化に取り入れることで国民的なヒットとなった一曲だった。加えて、この曲の日本語詞がタイトル通り、若い世代を元気づけるポジティブなメッセージソングとなっているのもポイントだろう。 現在はTHE RAMPAGEという後輩グループがいるものの、長い間EXILE TRIBEの中でも一際若いグループだったGENERATIONS。5年間の成長を経て、これからは自分達のような若い世代が日本を盛り上げ、先達から受け継いだ日本の音楽カルチャーを世界に届けていくのだ。そんな強い思いが、このカバーとミュージックビデオからは伝わってくるようだ。 GENERATIONS from EXILE TRIBE / 「Y.M.C.A.」Music Video英語詞の全シングルを収録「International Edition」
今回のベストアルバムは、日本語版の他に、International Editionとして英語詞の全シングルを収録した英語ベスト盤の形態でも発売される。これまでシングルのカップリングに収録されてきた英語バージョンに加えて、3曲を新録した全16曲。 また、このInternational Editionの映像DISCには、彼らが2015年と2017年に台湾、香港、パリ、ロンドン、NY、LA等を回ったワールドツアーのドキュメントムービーも収録。実は、彼らGENERATIONSは、LDHで初めてワールドツアーを経験したグループでもあった。 このように、今回のGENERATIONSの初ベストアルバムからは、日本国内だけでなく世界へと向かう意識が端々に感じられる。ここに並べられたシングル曲を改めて聴けば、彼らが日本の音楽と世界のトレンドのバランスを意識しながら自らのアイデンティティを模索して成長してきた過程が浮かび上がってくるだろう。 そこで、ここからは本ベストアルバムに収録されたシングル曲を中心に、海外の音楽との接点を考察しつつ、彼らの歴史と音楽的な魅力について見ていこう。GENERATIONS from EXILE TRIBEと世界音楽シーンの接点
デビューシングル“BRAVE IT OUT”
2012年11月21日にリリースされた、GENERATIONSの記念すべきデビューシングル“BRAVE IT OUT”。当時は最年長の関口メンディーでも21歳、最年少の佐野玲於に至っては16歳という若さでのデビュー。そのため、今聴くとメンバーのパフォーマンス面では初々しさも残るが、このデビュー曲は音楽性の面で当時の最先端が意識されていた。 この曲で最も印象的なのは、イントロから派手に響き渡る低音シンセのブースト。曲がAメロ、Bメロと進むにつれてシンセの音色が低音域から高音域へ、リズムが細かく早くなり、サビでトランス風のピークへと到達する楽曲構成となっている。この構成は、2012年当時日本でも大きなブームとなっていたK-POP、特にボーイズグループ勢との同時代性を感じさせる。 例えば、韓国を代表するボーイズグループの一つ、BIGBANGが同年2012年にリリースしたシングル“fantastic baby”などを聴けば、その共通点が感じられるはず。 BIGBANG - FANTASTIC BABY M/V ただ、シンセの音色変化によってドラマチックな展開を演出するダンサブルなサウンドというのは、何もK-POPが発祥というわけではない。そこには、当時まだ勃興期にあり、後に世界中を席巻することになるEDMの潮流があった。 2012年と言えば、イギリスのアンダーグラウンドなムーヴメントだったダブステップが、海を渡ってアメリカへと進出し、そこで他のダンスミュージックを飲み込んでド派手な発展を遂げた時期。ダブステップのぶっといベースライン、トランスのアッパーなシンセ・リフ、エレクトロのダイナミックな音色と展開などが組み合わさって新しく生まれたのが、EDM（エレクトロニック・ダンス・ミュージック）というジャンルだった。 試しに、その潮流の第一人者でもあるスクリレックスが2012年に発表した“Bangarang”を聴いてみよう。 SKRILLEX - Bangarang feat. Sirah [Official Music Video] クラブ向けのダンスミュージックであるため、GENERATIONSやK-POP勢と比べると、歌メロの役割が少なく、サウンドとビートが主役ではある。しかし、そのパート・音色の一つひとつを聴くと、似たようなサウンドが端々に発見できる。つまり、初期EDMのサウンドを取り入れつつ、それを日本のポップスに落とし込んでいたのがGENERATIONSのデビュー曲“BRAVE IT OUT”だったと言える。 GENERATIONS / BRAVE IT OUT (Short Version) 次ページEDMシーンとの共振。そして、邦ロックシーンに対するEXILE TRIBE的解釈とは？© Qetic Inc.
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