SNSが個々の意見を平均化し、AIで答えを最適化する判断が当然となりつつある現代。効率の外側にある価値を、私たちはまだ信じられているだろうか？ 既成概念を破壊し、世の中に変化を生み出す「Disruption Company」として日々思考し、実践し続けているTBWA\HAKUHODO。同社は「Open Disruption®」の一環として、幅広い分野の実践者（Disruptor）を社外から招き、社会の変化の兆しや新たな価値の可能性を深掘りするオープンな対話の場＜Disruption Lounge＞を定期開催している。その第6回となるセッション「最短と最探〜経済合理性だけではない価値のみつけ方」では、効率化・均質化が極端に重視される社会で、あえて遠回りし深く探究することの意義を問うトークが繰り広げられた。

本セッションには、「SEA TO SEVEN SUMMITS」の実現を目指す冒険家の吉田智輝氏の他、著書『スマホ時代の哲学 なぜ不安や退屈をスマホで埋めてしまうのか』で知られる哲学者の谷川嘉浩氏、そして地域から日本を変えることをめざし京都から社会課題解決に挑むSlow Innovation株式会社 代表取締役の野村恭彦氏が登壇。TBWA\HAKUHODOからは、本テーマを発案したInsight Strategistの宮井美咲氏、Plannerの山本竜童氏、Art Directorの秀島康修氏が加わり、Head of Planningの堀江雄一郎氏がモデレーターを務めた。合理性や最適性が求められる「最短」の社会で、頂を目指し、思索を重ね、地域に根ざす。それぞれの視点から「最探」に新たな光が当てられた。

セッションは、モデレーターを務めたTBWA\HAKUHODOの堀江氏による、広告業界の自己批判から幕を開けた。 AIが世の中に普及し、誰もがその恩恵を受けながら、その一方で効率化の波によって、誰が見ても「正解」とされる答えが標準化されていく。そんな現代において、正解へ最短距離でたどり着こうとする姿勢を「最短」とするなら、今回の＜Disruption Lounge＞でその可能性を模索した「最探」はその対極にある。探検や探求の「探」を冠した、遠回りの思考だ。 このテーマの出発点には、Insight Strategistの宮井氏が抱いた違和感があった。日々トレンドを追う仕事をする一方で、彼女は学生時代からオーケストラや美術、読書に親しんできた。そんな彼女が衝撃を受けたのが、「中学受験のために読書はさせない」という投稿がSNSで拡散されていたことだったという。

「本を通して、考え方の違う人のことを想像する力を育ててもらったと思っているんです」 「最探」とは何なのか。その輪郭を最初に示したのが野村氏だった。野村氏は最短と最探の関係を、「ファスト」と「スロー」という2つの合理性で捉え直す。ファストは、目的に最適化された「道具的合理性」だ。たとえば「今日中にこの成果物を仕上げる」と決めれば、関わる人はみな、その目的を果たすための道具として扱われる。何を感じ、何をしたいと思うかは、脇に置かれてしまう。対してスローは、単にゆっくりすることを指すのではないという。

「目的を手放すことで、一人ひとりの人や自分自身に誠実になれる。これを実存合理性と呼んでいます」 野村氏が示す「Nモデル」によれば、ファストの世界で上り詰めた人の多くは、実存的に生きようとしても、結局は稼ぐための世界との行き来に戻ってしまうという。その先にある、スローのまま創造的に生きる道をどうつくるか。それが、この日野村氏が投げかけた挑戦だった。

最短に偏りすぎた社会をどう見るか。最初の問いに対し、谷川氏はまず矛先を内側へ向けた。 「常識や既成概念を疑うときに、まずやらなければいけないのは、世の中ではなく、自分を疑うことだと思うんです」 「常識を疑え」という言葉は、もはや聞き飽きるほど使い古されている。ともすれば、ライブハウスの壁際で腕を組んで状況を眺めるような、冷めたポーズにもなりかねない。谷川氏自身、家事や仕事は効率化したいし、メールの返信はAIに任せたいと思うこともあるという。エネルギーを節約したいのは人間の普遍的な性質で、テクノロジーはそれを後押ししてきたにすぎない。

問題は、その最短が本当に最短なのか、ということだ。谷川氏は、三宅香帆の『考察する若者たち』で引用されていた高松美咲の漫画『スキップとローファー』のセリフ「たぶんこれが最適解！」を挙げる。 「“一番”というのは、本来すべての選択肢を探索してからでないと言えないはず。私たちは検証もせずに、最短っぽいものを選んでいるだけなんじゃないか」 最適解を外部に委ねる感覚は、もはや誰にとっても他人事ではない。迷ったらひとまずAIに聞き、もっともらしい答えが返ってくれば、それを採用する。考えたつもりのまま、私たちは今日も「たぶんこれが最適解！」を選び続けている。 なぜそこまで最短を急ぐのか。ソーシャルの現場に立つ宮井氏は、その理由を「限られた時間」に見る。SNSの投稿は、2秒ほどで見るかスキップするかを判断されてしまう。人生も、広告を見る時間も無限にあるなら、誰かが出した最適解など求めないはずだ、と。

この言葉に、野村氏は「現代人のものの見方がよく表れている」と疑問を投げかけた。かつて野村氏は、日本ファシリテーション協会の取り組みで、参加者たちを少人数に分けてDiscord上にグループをつくり、3カ月かけて互いの話を聞き合うよう促したことがあるという。実行したのはたった1人。理由を尋ねると、返ってきたのは「忙しかった」という言葉だった。 「何にそんなに忙しいんだろうと思うんです。最短にしなきゃいけないのは、目標を他人から与えられているからじゃないでしょうか」 思い出されるのは、ミヒャエル・エンデの『モモ』だ。物語には「時間貯蓄銀行」を名乗る灰色の男たちが登場する。床屋のフージー氏は、彼らに言われるまま、老いた母と過ごす時間や客とのおしゃべりを「むだ」と切り捨て、せっせと時間を節約しはじめる。しかし節約すればするほど、彼の毎日は慌ただしく、味気ないものになっていく。そんな街で、灰色の男たちに対抗したのが、ただじっと人の話を聞くことのできる少女モモだった。3カ月あっても、互いの話を聞く時間はつくれない。私たちを急かしているのは、時間の短さではなく、他人から与えられた小さなゴールの多さなのかもしれない。

他人から与えられたゴールの世界を自ら降りたのが、冒険家の吉田氏だ。かつては金融業界に身を置き、株価の動きに追われる日々を送っていた彼は今、海から人力だけで各大陸の最高峰を目指す「SEA TO SEVEN SUMMITS」に挑んでいる。

北米最高峰のデナリでは、通常セスナでベースキャンプまで一気に飛ぶところ、海から歩き、49日もかけて山頂へと向かった。もちろん、出発点と山頂という明確なゴールはあるし、日程の計画も立てる。その意味では、最短の要素も含まれている。違うのは、その道中だ。 「短い方の最短は、知っている枠の中で最も効率よくやること。探る方は、わからないものが出てくることがキーワードなんだと思います」 飛行機なら一瞬で通り過ぎる場所に、誰も見たことのない景色がある。吉田氏は、自らの旅を「レース」と対比させる。

「レースだと、すぐ隣に思いがけない湖があっても、プランされたルートを外れられない。ゴールが決まっていても、その過程で何かに出会ったときに、時間や心を使えることが大事なんです」 地図アプリが示す最短ルートを、私たちは疑いもなくなぞっている。だが、ルートを外れた先にしかない風景もある。最探とは、ゴールを捨てることではない。道中で立ち止まる余白を手放さないことなのだ。

立ち止まる余白は、思考にも必要だ。それを谷川氏は「摩擦」という言葉で表現する。私たちは一日中、何かを考えているように思える。だが、AとBどちらのチョコレートにするか、といった判断の多くはルーティンにすぎない。 「狭い意味で言えば、摩擦が起こっていないと、思考は生じていないと考えたほうがいいんじゃないか。そこにAIが入ってきて、使うことで考えたことにしてしまっている」 人はカロリーを使いたくない生き物だ。階段とエレベーターがあれば、多くの人はエレベーターを選ぶ。放っておけば、思考もまた楽なほうへ流れていく。だからこそ、摩擦はあえて自分で起こさなければならない。谷川氏がその方法として挙げたのが、孤独だった。ひとりで「本当にこれでいいのだろうか」と自問する時間は、前に進まない時間でもある。だが、その足踏みがなければ、創造性は生まれず、考えの射程も広がらない。

この言葉を受けて、吉田氏は山登りを「身体的な摩擦」と言い表した。エスカレーターで一気に上がれる場所を、わざわざ自分の足で登る。その摩擦があるぶんだけ、自分に返ってくるものがあるという。吉田氏は自身のプロジェクトに「TRUE JOY is never easy」というテーマを掲げている。簡単に手に入る楽しさは、どこか虚しい。本当の喜びは、摩擦の上にしか生まれない。 一方で、私たちの暮らしは摩擦を取り除く方向へと進んできた。堀江氏によれば、広告やECの世界では、購入までのクリック数は少なければ少ないほどいいとされる。だが谷川氏は、摩擦をなくすことの意味をこう捉え直す。

「摩擦は、世界からのフィードバックだと思うんです。摩擦レスにしたいというのは、世界なんてどうでもいいと言っているように聞こえる」 摩擦に価値があることは、頭ではわかる。それでも、実際に一歩を踏み出せるかどうかは別の話だ。山本氏は、そこに欠けているものを「勇気」と呼んだ。 「探る方の価値は、わかっているんです。必要なのは価値の理解よりも、勇気なんじゃないかと思って」

旅なら、航空券だけ取って何も決めずに飛び出せる。それなのに、人生の選択となると途端に足がすくむ。多くの人に覚えのある感覚だろう。 とはいえ「勇気を出せ」もまた、「常識を疑え」と同じくらい使い古された言葉だ。谷川氏はそこに、勇気と蛮勇の違いという補助線を引く。1万の大軍に300人で向かっていくのは、勇気ではなく蛮勇だ。その状況では、退くことこそが勇気になる。「逃げるは恥だが役に立つ」。勇気の形は、状況によって変わるのだ。 その見極めは、どこでできるのか。谷川氏の答えは、ここでも孤独だった。 「孤独の中で、自分の考えや大事なものへの直感を受け止められて初めて、他者とちゃんと議論ができる。そこから勇気を持って語り合い、行動に移せるんじゃないかと思います」 勇気とは、闇雲に飛び込むことではない。ひとりで自分と向き合い、何が大事かを見極めたうえで踏み出すことだ。そして、その先では語り合う相手が必要になる。

では、語り合う相手はどこにいるのか。会社員として働く宮井氏は、率直な迷いを口にした。勇気が必要なのはわかる。けれど、組織の一員である自分に、いったい何ができるのだろうか。 谷川氏はまず、ひとりきりで考えることの限界を指摘する。自分しかいない状況では、「もうできないのではないか」と思い込んでしまいやすい。必要なのは、そのことについて話せる誰かが身近にいることだ。同じ部署ならなおいいが、社内の同期でも、社外の同級生でも構わない。10人が集まったとしても、意見は分かれ、会話はいくつかの小さな輪に切り分けられていく。実際に言葉を交わす単位は、せいぜい3人ほどだ。

「3人いれば、日常のレベルだと多数派を作れるんです。だから仲間が他に2人いるとわかれば、勇気が出ると思います」 「三本の矢」の逸話のように、矢は束ねるほど折れにくくなる。社会や会社を変えるには大きな力が要る、と私たちは思いがちだ。だが、勇気を支えるには、身近な2人の味方がいれば足りる。

会場からも、社内で孤立しながら組織改革に取り組んでいるという参加者から、どうすれば仲間をつくれるのかという声が上がった。野村氏が強調したのは、「決めつけない」ことだった。 「変革の話になると、すぐ他人を変えようとする。その他人のこともよく知らないのに、彼らは変わらないと決めつけてしまうことがすごく多いんです」 周りはみんな効率を求めているはずだ、という思い込み。それ自体が、他人をわかりやすく分類してしまう「最短」の思考でもある。谷川氏は、仲間が見つかる場所として、会議のあとの廊下を挙げた。会議では、誰もが役割を背負って話す。だが、会議を終えた廊下や階段では、「さっきはああ言ったけど」と、立場を脱いだ言葉が出てくる。

最短のルートをなぞれば、迷わずゴールにたどり着ける。だが、この日の対話が示したのは、遠回りの先にしかないものだった。自分を疑い、摩擦を引き受け、3人の仲間と語り合う。答えは持ち帰れなくても、問いは持ち帰ることができる。最探は、そこから始まる。

TBWA\HAKUHODOが主催する、社外の実践者（Disruptor）とのオープンな対話の場＜Disruption Lounge＞。第6回「最短と最探」と同日に開催された第7回のセッション「BeケアFULL！〜すべての人がケアしあう社会へ。」では、ケアを専門家だけのものから、誰もが担い合うものへとひらいていくためのトークが繰り広げられた。 職場、家庭、SNS。相手や場面に応じて”顔”を切り替えることは、いまや誰もが自然にこなす日常の作法だ。場面が細かく分かれ続けたいま、その顔は、場をやり過ごすための薄い仮面へと変わり始めている。 使い分けるほど多くの関係を持たなかった時代、人は良くも悪くも丸ごとの自分を見せ合い、そこには名前のつかない「ケア」が溶け込んでいた。そのケアもいまや専門家が担うサービスとなり、関係は「提供する側」と「受け取る側」に整理された。顔の数は増えても、ありのままの自分を引き出してくれる場所は減っている。本来、誰もが対等に、ケアし、ケアされる存在だったはずなのに。

本セッションには、老舗スナックを承継し、東京・国立で「スナック水中」を営む株式会社水中 代表取締役の坂根千里氏、グループ・ダイナミックスを専門に、京都で地域のケアをめぐるアクションリサーチを続ける関西医科大学 看護学部・看護学研究科 教授の鮫島輝美氏、介護現場の課題をテクノロジーで解決する「GENBA SMILE Lab」の所長を務める株式会社ニチイ学館 人財開発事業本部長の松本裕美子氏が登壇。本テーマを発案したTBWA\HAKUHODO Senior Creative Directorの鈴木賢史郎氏がモデレーターを務めた。それぞれの現場の実践から、ありのままの自分でいられ、互いにケアし合える場所のつくり方を探った。

今回のセッションのテーマは、あるラジオから生まれた。会場の壇上に置かれた一台の古めかしいラジオ。モデレーターの鈴木氏がつまみを回すと、スピーカーから流れてきたのは、1951年の「今日」のニュースだった。中日ドラゴンズが、名古屋ドラゴンズに改称したという。 TBWA\HAKUHODOが開発した「RADIO TIME MACHINE」は、現在から過去へとさかのぼれる新しいラジオだ。1950〜60年代のラジオを思わせる筐体には、周波数の代わりに西暦が刻まれたダイヤルがついており、そのダイヤルを1950年から2025年までの好きな年に合わせると、その年の「今日」のニュースが、当時のヒット曲とともに流れてくる。ニュースはAIによって毎日自動生成される仕組みだ。2026年3月からは、ニチイ学館の介護施設で試験導入が始まっている。

RADIO TIME MACHINEの実証のため、施設へ通っていた鈴木氏は、その日々のなかで得たひとつの気づきについて語った。 見知らぬ人がいきなり得体の知れない機械を使うよう勧めても、入居者は身構えてしまう。そう考えた彼は、まず打ち解けることから始めようと、自分にできることはないかとスタッフに尋ねると、返ってきたのは「話を聞いてあげてください」という答えだったという。以来、特技の似顔絵を描きながら入居者の話に耳を傾けるようになった。それは、あくまで入居者のための時間のつもりだった。 「でも、仕事でいろいろ言われて、へこんだまま施設に行った日があったんです。1時間ほど話を聞いて帰るころには、言われたことも忘れて、上を向いて歩いていました。ケアをしに行っていたはずが、逆にケアをしてもらっていたんですよね」 そう語る彼の言葉に、身に覚えのある人も多いはずだ。誰かの相談に乗っていたはずが、話し終えるころには自分の気持ちのほうが軽くなっていた。私たちはケアを、する側からされる側へと一方向に流れるものだと捉えがちだ。けれど彼の体験が示しているのは、ケアが本来、双方向に行き交うものだということだ。「支える側」と「支えられる側」という役割を離れ、ただ話し、聞き合う者同士として向き合ったとき、ケアはどちらか一方のものではなくなる。 それは、ケアを専門職だけに委ねてはいられない社会の現実とも重なる。総務省の推計によれば、日本の総人口に占める65歳以上の割合は、2025年9月時点で29.4％と過去最高を更新した。ケアを必要とする人が増え続ける一方で、介護の現場は慢性的な人手不足を抱えている。ケアを「提供されるサービス」としてのみ捉えるかぎり、担い手はいつまでも足りないままだ。誰もが自分なりのかたちでケアし合う社会を、どうつくるか。鈴木氏の小さな体験から生まれたその問いを、3人の登壇者がそれぞれの現場から掘り下げていった。

そもそも、なぜラジオだったのか。RADIO TIME MACHINEを介護の現場に持ち込んだ松本氏は、その背景に、現場が抱える切実な事情があると話す。 彼女が所長を務める「GENBA SMILE Lab」は、人手不足に悩む介護の現場をテクノロジーで支え、スタッフも利用者も、その家族も笑顔にすることを目指すニチイ学館の研究組織だ。日々の業務に追われる施設では、スタッフが入居者とゆっくり言葉を交わす時間はなかなか取れない。とりわけ若いスタッフにとっては、世代の違う入居者と共通の話題を見つけること自体が難しいのだという。

実証の場のひとつとなったのは、認知症のある人が共同で暮らすグループホームだった。普段は入居者同士の会話が成り立ちにくいその場所で、ラジオから懐かしい音楽が流れると、「この映画、観に行ったのよ」「どこで？」「銀座の映画館で」とやりとりが生まれたという。ニチイ学館が公表した実証結果でも、ラジオを使った時間は使わなかった時間に比べて、笑顔の度合いが平均8.7％上がり、身振り手振りや話すテンポにも変化が見られた。 「スタッフからも、知らなかったその方の昔の話が聞けてよかった、という声がありました」 ラジオがもたらしたのは、懐かしさだけではないのだろう。入居者が「昔こんな体験をした私」として語り出し、スタッフがその話に耳を傾ける。介護する人とされる人という関係のなかに、もうひとつ別の関係が立ち上がったのだ。 その意味を、鮫島氏はより根本的なところから捉えている。彼女自身、訪問活動のなかで何度も施設を訪れてきた。居室にあるのは、ベッドとタンス、わずかな私物だけ。話のきっかけが見つからず、昔のことを尋ねても思い出せず、かえって相手を落ち込ませてしまうこともある。やがて会話は、食事や入浴にまつわるものだけになっていくという。

「私たちは家に帰れば母になり、夫と会えば妻になり、自分の母と会えば娘になる。役割や顔が切り替わるスイッチがたくさんあるんです。でも施設に入ると、そのスイッチが、介護される人としてのものしかなくなってしまう」 本来、人のアイデンティティは多面的なものだ。それが削ぎ落とされ、「介護される人」という仮面しか持てなくなったとき、人は元気を失っていく。鮫島氏の言葉は、場面ごとに顔を使い分けて暮らす私たちの日常を、ちょうど裏返しにしたものとして響く。顔を選べることが当たり前になった社会で、選べる顔がひとつしか残されていない人たちがいるのだ。 役割がひとつに固まってしまう息苦しさは、施設のなかだけのものではないはずだ。RADIO TIME MACHINEが失われかけた顔を呼び起こす装置だとすれば、背負った役割をいったん降ろし、別の顔を取り戻せる場所もまた、街なかの意外なところにある。

その場所のひとつとして坂根氏がはじめた場は、スナックだ。大学時代にソーシャルワークを学び、アルバイト先だった老舗スナックを新卒で引き継いだ彼女は、いま東京・国立で「スナック水中」を営んでいる。 スナックとケア。一見かけ離れた2つを、坂根氏はこう結びつける。 「スナックは、ケアをし合うための舞台設定だと思っているんです。街なかで知らない人から急に『大丈夫ですか？』と声をかけられたり、プレゼントを渡されたりしたら怖いですよね。でもスナックというコードの中に入れば、隣の人に話しかけても、お土産をみんなに配っても、まったく変じゃない」

都市の匿名性は、互いに干渉しすぎない心地よさを与えてくれる。だがその一方で、誰かにちょっと手を差し伸べるきっかけまで奪ってしまう。声をかけたい、喜ばせたいという気持ちがあっても、それを差し出す場がないのだ。スナックは、その気持ちに出番を用意する。 「スナックは、ケアの顔はしていないんです。ずっとエンターテインメントの顔をしている。でも、人とつながることには確かにリスクもあるけど、やっぱり楽しいよね、私にもできるんだ、という自信を取り戻せる場所だと思っています」 この「舞台」という言葉に、鮫島氏は深くうなずく。彼女が引き合いに出したのは、精神科医で、ザ・フォーク・クルセダーズのメンバーとしても知られる北山修氏の考え方だ。精神分析を劇にたとえる北山氏は、新しい役を演じられる舞台を用意することで、人は癒されていくと説く。同時に大切になるのが、役を降りて素に戻れる「楽屋」の存在だ。

鮫島氏によれば、スナックとラジオは、向きこそ正反対でも同じ働きをしている。会社では係長として、家では親として、私たちは与えられた役割を背負って暮らしている。利害関係のある相手の前で弱さを見せれば、関係がぎくしゃくしかねない。坂根氏が「舞台」と呼んだスナックは、そうした日々の役割から見れば、それをいったん降ろせる「楽屋」でもある。一方のラジオは、失われかけた役割をもう一度演じさせてくれる「舞台」だ。どちらも、普段とは違う顔を引き出す「社会装置」なのだ。 場が変われば、人の振る舞いも変わる。その感覚は、ケアの現場でも長く育まれてきた。医学書院の「シリーズ ケアをひらく」の編集者として知られる白石正明氏は、著書『ケアと編集』（岩波新書）のなかで、北海道浦河町の「べてるの家」を紹介している。精神障害のある人たちが暮らし、働くこの場所では、症状を聞き出して治すための会話ではなく、「会話のための会話」が重ねられてきた。幻覚や幻聴を抱える人が、自分に見えているもの、聞こえているものを面白おかしく語り、それを聞いたスタッフや仲間が一緒になって笑う。そうしたやりとりのなかで、本人が自ら、自分の症状の輪郭を語りはじめるのだという。

スナックのカウンターも、べてるの家のミーティングも、相手を変えようと働きかける場ではない。ありのままでいられる場を整え、人が自分から語り出すのを待つ場だ。そしてその舞台の上では、ケアする人とされる人、医療者と患者といった区別が意味を失う。誰もが対等な登場人物でいられるからこそ、人は他者とも、自分自身とも向き合えるのだろう。 鮫島氏は、ケアを「ある人の前に、他者として現れること」だと表現した。宛先のない言葉は、ときに症状として扱われてしまう。だが聞き手がいれば、それは誰かとの会話になる。ケアとは、何かを施すことである以前に、まず相手の前に現れ、その言葉の宛先になることなのかもしれない。

相手の前に現れるために、何が要るのか。セッションの後半、モデレーターの鈴木氏は登壇者たちに「ケアするとは、相手に何をすることなのか」と問いかけた。坂根氏の答えは、「相手のことを覚えておくこと」。スナックでは、常連客が店に入ってくれば「いつもの席ですよね」とボトルを用意し、「先週、息子さんのイベントだったんですよね。どうでした？」と声をかける。そのひと言が自然に出てくるのは、相手のことを覚えているからにほかならない。 相手を覚えておくとは、言い換えれば、相手に注意を向け続けることでもある。鮫島氏はこの答えを「まさに本質的」だと受け止め、ケアという言葉の語源にさかのぼった。ケアのもとになったラテン語の「cura」は、世話や配慮、注意を意味する。そして「security（安全）」は、「〜がない」を意味する「se」に「cura」を組み合わせた言葉だという。 「つまり、安全な社会というのは、ケアがない社会でもあるんです。完全に安全な社会は、つながりを切ってしまう社会なんじゃないかと思っています」 一見すると逆説的だが、身近な例に置き換えるとよくわかる。子どもの安全を守るために、街に防犯カメラを増やす。それもひとつの方法だろう。一方で鮫島氏の近所には、子どもたちが登下校する時間になると、ただ家の前に立っているおじさんがいる。娘と一緒に歩いていると、「今日はお母ちゃんと一緒か」「お母ちゃんに似てるな」と声をかけてくれるのだという。カメラは子どもを記録できても、元気のない日に気づくことはできない。それができるのは、元気な日を知っている人だけだ。

こうした顔見知りの気遣いは、かつてどこの町にもあったはずのものだ。だが2026年版高齢社会白書が紹介した内閣府の国際比較調査では、日本の65歳以上で「近所の人との付き合いがない」と答えた人は17.4％にのぼった。米国やスウェーデンの約2倍、ドイツの3倍にあたる。同居の家族以外に頼れる人として「近所の人」を挙げた人も、12.9％にとどまる。2024年には孤独・孤立対策推進法が施行され、人と人とのつながりは、いまや国が向き合う政策課題になった。安全で、誰にも干渉されない暮らしと引き換えに、私たちは互いの元気な日を知る関係を手放してきたのかもしれない。 もっとも、失われたつながりを取り戻すには、誰かが一歩踏み出すしかない。そしてその一歩には、少なからず怖さがつきまとう。

坂根氏は、スナックに入ったばかりのスタッフが、まさにその怖さにぶつかる姿を見てきた。この質問は相手を傷つけるかもしれない。自分はお客さんに喜ばれない存在かもしれない。あらゆる言動に「〇〇ハラスメント」という名前がつく時代、相手に踏み込むことをためらう感覚は、多くの人にとって他人事ではないだろう。そんなスタッフに、彼女はまず自分から話すよう伝えているという。 「スナックは話を聞く仕事だと思われがちですが、まず自分から話してほしいんです。『今日の夜ごはん、カレーだったんです』くらいの、小さなボールでいい。そうすると、お客さんも安心して、同じくらいのボールを返してくれるんです」

自分を開くというと、つい深い打ち明け話を思い浮かべてしまう。だが坂根氏の言う開き合いは、取るに足らない小さな話から始まる。小さなボールを投げ合ううちに、少しずつ話は大きくなっていく。それには時間がかかり、いきなり打ち解けられるものではない。彼女はそれを「じっとりとしたもの」と表現する。場面に合わせて整えた顔の外側にある、なんでもない自分を少しだけ見せること。開くとは、まずそのくらいのことなのだ。 では、そもそもなぜ自分を開くのは怖いのか。鮫島氏は、その理由を身体の感覚から説明する。私たちは、自分の身体には境目があると信じて疑わない。だがケアをするとき、その境目は揺らぐ。彼女自身、子どもが生まれたときには、身体がもうひとつ増えたように、何をしていても子どものことが頭から離れなかったという。 「ケアをすると、関心を向けなきゃいけないものが増えて、身体が大きくなるんです。それは、今までの自分のルーティンが通用しなくなること、今までの自分が否定されることでもある。だから怖いんですよね」 しかもケアは、差し出せば必ず受け取ってもらえるものではない。こちらがどれだけよかれと思っても、相手が「いらない」と言えばそれまでだ。ケアは、受け取られて初めてケアになる。

その不確かさこそが怖さの正体だが、裏を返せば、ケアの主導権は受け取る側にもあるということだ。ケアする人が一方的に施すのではなく、受け取る人がそれを受け入れて、初めて成り立つ。だからこそ、ケアは本来、対等な関係のうえにしか成立しない。そして鮫島氏は、その怖さの先にあるものにも触れた。他者に開かれることで、「私にもこんな面があったんだ」と、知らなかった自分に出会える。新しい顔は、誰かとのあいだでしか見つからないのだ。 とはいえ、一人の人間が投げられるボールの数には限りがある。

それは、鈴木氏自身がRADIO TIME MACHINEのプロジェクトで痛感してきたことでもあった。一人で深く関われるのは、ほんのひと握りの人だけ。ケアを必要とする人は、その何万倍もいる。この限界とどう向き合えばいいのか。 坂根氏は、限界を悲しいものとして捉えないことが大切だと話す。届かない人を数えるのではなく、目の前に来てくれた人に集中する。松本氏もまた、すべての人に届けることは無理だという前提に立ったうえで、自分ではない誰かが担ってくれればいいと考える。共感してくれる仲間を増やすことで、限界そのものを少しずつ押し広げていくことになる。 鮫島氏はさらに、人数を数えること自体を問い直した。看護師のリーダーが目を配れるのは、せいぜい10人ほど。経験を積めば見られる人数は増えるが、ある線を越えると、手厚いケアはまったく別のものに変わってしまうという。

「国の公衆衛生は、まさに数で管理するものです。でも現場のケアは、顔が見えるからこそできる。組織を増やすというのは、同じ思いを持つ人を増やして、町に広げていくことでもあるんです」 ケアは、規模を追うほど相手の顔が見えなくなっていく。だとすれば、必要なのは一人がより多くを抱え込むことではなく、顔の見える関係を社会のあちこちに散らばらせておくことだろう。 鮫島氏は大学で1年生を受け持つとき、あえて学生に自己紹介をさせないことがあるという。好きなものを紹介して否定されれば、それだけで場が凍ってしまうからだ。代わりに、いくつかのキャラクターのなかから今の気持ちに近いものを選んで話してもらう。目指しているのは、「おはよう」と言える相手や、ちょっと困ったときに聞ける相手を、一人でも多く持ってもらうことだ。 「依存先を、たくさん分散しておくことが大事なんです」 鮫島氏のこの言葉は、先の『ケアと編集』でも紹介されている、小児科医で当事者研究にも取り組む熊谷晋一郎の考え方とも重なる。熊谷氏は、自立とは依存しなくなることではなく、「依存先を増やしていくこと」こそが、自立なのだと語っている。誰か一人にすべてを預けるのではなく、ゆるやかに頼れる先をいくつも持っておく。ケアし合う社会とは、そうした小さな関係が網の目のように張り巡らされた社会のことなのだ。

場面ごとに顔を使い分けることが当たり前になった時代でも、ありのままの自分でいられる場所は、意外なほど身近なところにつくることができる。スナックのカウンターで、施設のラジオの前で、あるいは家の前の通学路で。必要なのは、大きな制度や特別な技術よりも先に、「今日、カレー食べたんです」という小さなボールを、誰かに向かって投げてみることなのかもしれない。BeケアFULL。ケアに満ちた社会は、きっとそのひと言から始まる。

今年5周年を迎える福島最大級の音楽フェス、＜LIVE AZUMA＞が今年も10月17日（土）・18日（日）の2日間にわたり開催される。本記事では、そんな＜LIVE AZUMA＞をステージの一つであるPARK STAGEの過去の出演アーティスト、および今年出演を予定しているアーティストのラインナップから紐解いていく。

まず、PARK STAGEは、規模だけを見れば、あづま球場内のAZUMA STAGEに対する「セカンドステージ」である。だが、過去4年間のラインナップを辿っていくと、それだけでは捉えきれない独自の音楽的な流れがPARK STAGEには育まれてきたことがわかる。手始めに初年度となる2022年のラインナップを見てみよう。とりわけ田我流、OMSB、JUBEE、VaVa、(sic)boyといったヒップホップ勢の存在感は濃い。だが、そこだけを切り取るとPARK STAGEの面白さを見誤る。DYGL、Homecomings、No Busesといったロックバンド勢に、TOKYO No.1 SOUL SETやyonawoといったソウルやファンク、ジャズなどのブラックミュージックを独自の解釈で昇華するバンドなどが並ぶ。わかりやすく言うなら、PARK STAGEは初めから、ヒップホップを一つの背骨に、ロックやソウル、ジャズなど、異なる音楽文化が混在するステージだったのだ。PARK STAGEのJUBEEがAZUMA STAGEのDragon Ashへ飛び入りした出来事も、二つのステージ、そしてヒップホップとロックが決して切り離されていなかったことを象徴していた。

翌2023年も、C.O.S.A.、Daichi Yamamoto、GAGLE、Skaaiといったヒップホップアクトに、思い出野郎AチームやYOUR SONG IS GOODといったファンキーかつダンサブルなバンド勢、ジャズをベースに、R&B、ネオソウルなどを自在に融合させた台湾の9m88や、ゴスペルをルーツに持つFurui RihoといったシンガーソングライターなどがPARK STAGEに出演。JUBEEとAge Factoryによるロックとラップのミクスチャーサウンドを特徴としたAFJBの出演も象徴しているように、簡単に言えば、PARK STAGEの出演者を、一つのジャンルで括ることは難しい。むしろ、ヒップホップ、ロック、ソウル、ファンク、ジャズといった音楽を、それぞれ分けることなく聴いてきたリスナーの感覚に近いのではないだろうか？　そして、開催を重ねるにつれて、そのジャンルごとの距離はさらに縮まっていく。

2024年以降、ラップとバンドが同じステージに立つだけでなく、その境界自体を行き来するアーティストが増えていく。PARK STAGEの一つの背骨と呼べるヒップホップアクトはCampanella、MFS、VaVa（初年度も出演）と充実しつつ、U-zhaan×環ROY×鎮座DOPENESSというタブラという生楽器とラップが絡み合うアクトに加え、ラッパーのRyohuもBand Setで出演。鈴木真海子、Kan Sano（Band Set）、WONK、TENDREといったヒップホップ、R&B、ソウル、ジャズといったジャンルの壁を融解させるアクトも幅広くラインナップされている。きわめつけはトリとしてDJで出演したテクノの巨人、石野卓球だろう。PARK STAGEでは、ラッパー、シンガー、バンド、DJが自然に混在していく。

2025年になると、そうした傾向はさらに鮮明になる。1日目は、柴田聡子（Band Set）、田我流（Band Set）、ceroが並び、「何のジャンルのサウンドか」以上に、「それをステージ上でどう鳴らすか」がPARK STAGEの一つの面白さとして確立された。一方で2日目はin-d、Kohjiyaといったヒップホップアクトにヒップホップ的な感覚も持つ礼賛やクラブ・ミュージック的なサウンドを生演奏へと落とし込むD.A.N.、R&Bやソウル的感性を爆発させるSIRUPなど、スムースな流れがラインナップから描かれていた。

こうした歴史を振り返ると、PARK STAGEが繰り返してきたのは、ただ多くのジャンルを集めることではないことが浮かび上がってくるだろう。PARK STAGEが面白いのは、ラップ、DJ、電子音、ギター、管楽器、生ドラムなど、それぞれ異なる方法で鳴らされる音楽のあいだに、グルーヴやルーツ、カルチャーといった接点を見つけられるようなラインナップが組まれてきたことなのである。

では、本題へと移ろう。2026年のPARK STAGEは一体どのような物語を描いているのだろうか。ざっとラインナップを見れば、VaVaやJUBEE、思い出野郎Aチームといった＜LIVE AZUMA＞カムバック勢に加えて、TOMMY GUERRERO、Tribe Sampler Collective、tofubeats、ISSUGI、SPARTA、SPECIAL OTHERS、OKAMOTO’S、さらさ、CHO CO PA CO CHO CO QUIN QUIN、WHITE ASHといった＜LIVE AZUMA＞の新顔たちが並ぶ。そこから浮かび上がるのは、これまでPARK STAGEが育ててきたヒップホップ、クラブミュージック、生演奏という複数の線だ。加えて2026年は、その一部を支えてきたスケートボードをはじめとするストリートカルチャーとの結びつきも、これまで以上にはっきりと見えてくる。

はじめに注目したいのは、サンフランシスコ生まれのトミー・ゲレロ（TOMMY GUERRERO）だ。スケーターで、幼少期に70年代のロックやソウル、ファンクを聴き、パンクと出会ってバンドを始めたと言う彼の音楽には、ヒップホップ、ソウル、ファンク、ジャズ、ラテン、ブルースなどが入り混じっている。スケートボードと音楽を別々のカルチャーとして生きてきたのではなく、街で出会ったさまざまな音を自らのグルーヴにしてきた人なのだ。多様な人々が行き交う公園を舞台としたPARK STAGEと相性がいいのは間違いないだろう。

その感覚は、PARK STAGEの一つの背骨である日本のヒップホップへもつながっていく。ISSUGIがヒップホップへ入り込むきっかけとなったのは、中学生の頃に始めたスケートボードだった。スケートビデオからさまざまな音楽を同時に浴びたという彼の原体験は、まさにジャンルより先にカルチャーがあったことを物語っている。さらに音楽のキャリアを始める以前、スポンサーも付くほど本格的にスケートボードへ打ち込んでいたSPARTAが並ぶことで、2026年のPARK STAGEでは、ヒップホップとスケートカルチャーの近さも自然と見えてくる。 TOMMY GUERREROからもう一つ辿れる線が、ヒップホップのビートと生楽器のあいだにある。ジャズやソウルの響きをサンプリングという手法を通してヒップホップへと結びつけ、ときにローファイヒップホップの先駆け的存在として今なお世界中で聴き継がれるNujabes。その音楽を現在のステージへと蘇らせるTribe Sampler Collective – Nujabes Tribute Set –も、今年のPARK STAGEを象徴する存在だ。彼らは、Nujabesが遺したサンプルソースや愛した楽曲を、ジャズを軸とした生演奏で再構築するプロジェクトであり、実際にサックス、トランペット、鍵盤、ギター、ベース、ドラムなどの生楽器に加え、DJまで擁する。ここまでPARK STAGEで何度も交差してきた「ビート」と「生演奏」という二本の線が、彼らのステージでは文字通り一つになる。 一方で、ヒップホップからクラブ・ミュージックへと伸びる線もある。DJ／プロデューサーとしてクラブに立ちながら、自ら歌い、ラップもするtofubeats。ビートメイカーとしてキャリアを始め、現在はラッパーとしても活動するVaVa。そして、初年度からPARK STAGEに出演してきたJUBEEは、ヒップホップを軸にレイヴやロックへと活動領域を広げてきた。しかも今年はJUBEE & DA RAP ROCKERSというフルバンド形態で出演する。PARK STAGEでこれまでも実践されてきたジャンルに縛られない音楽の在り方の一つの象徴としても、ライブを届けてくれるはずだ。

では、これまでもPARK STAGEの一つの見所だったバンド／生演奏の面から今年のラインナップを見たらどうだろう。 もっともわかりやすいのが、インストゥルメンタルバンドであるSPECIAL OTHERSだろう。歌やラップではなく、即興性を伴ったアンサンブルとグルーヴそのもので観客を巻き込んでいく彼らは、「何を鳴らすか」だけではなく「どう鳴らすか」を重ねてきたPARK STAGEの流れにも自然と重なる。かつてフェスを「大規模なストリートライブ」のように捉えていたという彼らの感覚も、開かれた公園を舞台とするPARK STAGEとどこかで響き合っているだろう。SPECIAL OTHERSと、電子音楽と生音をミックスさせるCHO CO PA CO CHO CO QUIN QUINが同じPARK STAGEに並ぶのも、面白い対比になりそうだ。

さらにファンクやソウルの要素を持ったOKAMOTO’Sと思い出野郎Aチームが隣り合う存在としてラインナップされていることはもちろん、今回はR&Bやソウルを軸にしながら、最新作では自身の掲げる“Live Bluesy”という感覚をさらに押し広げたさらさがBand Setで出演。Kan SanoやWONK、TENDRE、SIRUPらがこれまで示してきた、R&Bやソウル、ジャズとポップ・ミュージックの境界を軽やかに行き来する流れもしっかりと受け継がれている。 とはいえ、PARK STAGEをソウルやヒップホップを中心としたステージと定義してしまうのも違う。レトロリロンのポップネスやWHITE ASHの鋭いギター・ロックまでが同じ場所で鳴るからこそ、その輪郭は簡単には固定されない。過去にもAFJBやSATOH、D.A.N.、礼賛など、異なる角度からロックや電子音楽の感覚を持ち込むアクトが出演してきた。その振れ幅もまた、PARK STAGEらしさの一つなのだ。

すなわち、PARK STAGEにおいて、生演奏は特定のジャンルを意味しない。ジャムの即興的なグルーヴ、電子音との融合、ソウルフルな歌、ロックの衝動まで、その“鳴らし方”自体に深さと幅がある。

フェスへ行く前には、タイムテーブルを眺めながら「このアーティストだけは観たい」と予定を立てる。もちろん、それもフェスの楽しみ方の一つだ。だが実際に会場を歩いていると、そんな予定にはなかった音に足を止める瞬間がある。名前さえ知らなかったアーティストを最後まで観てしまったり、その日の帰り道に楽曲を検索したり。そうした偶然もまた、複数の音楽が同じ場所で鳴るフェスだからこそ生まれる体験だろう。 これまでのPARK STAGEのラインナップを振り返って面白いのは、そうした偶然への入り口が、いくつも用意されてきたことだ。ヒップホップが好きなら、そのビートの先にジャズやソウルがある。クラブ・ミュージックが好きなら、生楽器で近しいグルーヴを生み出すバンドがいる。ロックを目当てにしていても、ファンクやR&B、ラップへとつながっていく。まったく別の音楽へ飛び移るというより、自分の好きな音楽から「半歩だけ外側」へと進んでみる。その先に、まだ知らなかった音楽が置かれている。 2026年も同じだ。Nujabesの音楽に惹かれてTribe Sampler Collectiveを観た人が、そのままISSUGIやSPARTAのラップに耳を向けるかもしれない。あるいはJUBEE & DA RAP ROCKERSを経由してバンドサウンドの面白さに気づくこともあるだろう。さらさの歌を目当てにしていたら、いつの間にか思い出野郎Aチームのファンキーな音に魅了されている、なんてこともあるかもしれない。 2022年からPARK STAGEに並んできた名前を辿ってみると、そこにあるのは単なるジャンルの幅広さではない。一つの音楽を入り口に、その隣にある別の音楽へと進んでいけるような連なりだ。目当てのアーティストを観るだけでは終わらず、タイムテーブルに丸をつけていなかった誰かが、帰る頃には新しいお気に入りになっている。今年も帰る頃には、タイムテーブルを開いた時にはまだ知らなかった名前が、一つくらい増えているかもしれない。それこそがPARK STAGEの魅力であり、ひいては＜LIVE AZUMA＞というフェスが提示してきた、音楽との出会い方なのだろう。

2026年、5周年を迎える＜LIVE AZUMA＞。福島・あづま総合運動公園を舞台に、音楽だけではなく、食・マーケット・アートなど多様なコンテンツを展開してきた同フェスは、5年間で少しずつその姿を変えてきた。立ち上げ当初は、地元民にとっても「福島に新しいイベントができた」というところからのスタート。しかし今では街のお店にポスターが貼られ、出店者からは「来年も出たい」という声が届き、県外から訪れる人の数も増えている。そして5周年を迎えた今、＜LIVE AZUMA＞はどこへ向かおうとしているのか。同フェスの実行委員会に名を連ねるクリエイティブマンプロダクションの坂口和義、フライング・ベコの佐藤亮太・引地洋輔に話を聞いた。

──まず5周年という節目を迎えた現在の＜LIVE AZUMA＞について。これまでを振り返っていただいて、それぞれが感じる変わったこと、変わらないことはありますか？ 坂口和義（以下、坂口）：僕は東京にいるので、5年間の変化を外から感じることも多いのですが、やはり知名度はかなり上がったと思います。今では福島で最大規模のフェスになっていますし、全国のフェス関係者から「今年はどうなの？」と聞かれることが増えて、アーティストからあづま球場でのライブへの興味を聞くこともあります。あづま球場自体が音楽をやる場所として知られていたわけではなかったので、＜LIVE AZUMA＞をきっかけに会場としての認知度も上がってきました。一方で変わっていないのは、やっぱり熱量。ブッキングに対する姿勢や事務局が「これは面白い」と思うものを選ぶ価値基準は、最初から変わっていないと思います。 佐藤亮太（以下、佐藤）：ゼロから始まったフェスなので、実際にお客さんに来てもらうことで「ここはもっと改善できるな」という部分がたくさん見えてきますし、会場のレイアウトに関しても、動線や設備などに関しても、お客さんがより快適に楽しめるようにアップデートしてきました。そういう意味では、5年間かけて少しずつ今の形になってきたのだと思います。その上で観客と業界の人、どちらに関しても認知度が上がっているのは自分も感じますね。 引地洋輔（以下、引地）：僕はPARK LIFE（入場無料のマーケットエリア）を中心に、出店者とのやり取りやお声掛けをメインに担当しています。最初のころは、福島のみなさんからすると「謎のイベントができた」という感じで、僕たちも手探りで出店のお誘いをしながら、一緒につくっていくような状態でした。それが少しずつ「ああ、こういうイベントなのか」と理解してもらえるようになって、今ではこちらから声を掛けるだけではなく、公式の窓口に「どうしたら出店できますか？」「どういう仕組みですか？」と問い合わせが来るようになっています。

──＜LIVE AZUMA＞の前身には震災後に始まった＜福島フェス＞（東日本大震災後、フライング・ベコをはじめとする福島出身のクリエイターたちを中心に運営し、復興支援とコミュニティ再構築を目的に東京・六本木ヒルズなどで開催されたイベント）の存在がありました。そこから現在の＜LIVE AZUMA＞に繋がるまでには、どんな想いがありましたか？ 佐藤：＜福島フェス＞と＜LIVE AZUMA＞が、そのまま直線で繋がっているわけではないのですが、フライング・ベコという会社ができた背景には＜福島フェス＞の存在がありました。震災後、福島に残っている友人もいれば、東京に出ている友人もいて。「自分たちに何かできることはないか」と考える時期があり、高校の同級生を中心にNPO法人を立ち上げて、福島のことを知ってもらうイベントとして始めたのが＜福島フェス＞でした。2014年から始まって、コロナ禍による中断を挟みながら2021年まで。そこから＜福島フェス＞にボランティアで関わっていた福島テレビの佐藤将一さんや、その佐藤さんが学生時代に＜SUMMER SONIC＞のボランティアもやっていた関係で坂口さんとも出会い、＜LIVE AZUMA＞の開催へと繋がっていきました。 引地：最初のころは震災後の福島に対して、「大変だから応援しよう」という空気感が強かったと思います。でも「楽しいから福島に行こう」「おいしいものがあるから行こう」という感覚を、＜福島フェス＞は大切にしていました。＜LIVE AZUMA＞も同じで、「福島だから行かなくちゃ」ではなく、「福島って楽しそうだから行こう」と思ってもらえる場所にしたい。＜LIVE AZUMA＞はそういう気持ちで、福島に触れるきっかけになれたらいいなと思っています。

──＜LIVE AZUMA＞は、あづま球場を使った音楽フェスという意味でも、地域にとって初めての経験が多かったと思います。5年間で想像以上だったことはありますか？ 坂口：あづま球場はそもそも音楽ライブをやってきた会場ではなかったので、会場側にとっても初めてのことがたくさんありました。「ここを楽屋として使わせてください」とか「ここに機材を入れたいです」とか、野外フェスならではのお願いも実際たくさんあります。それでも本当に柔軟に対応していただいて、ありがたいですね。会場だけではなくバス会社の福島交通さんなど、周辺のいろいろな方たちにとっても初めてのことが多かったと思います。それなのに音のクレームも含めて、大きなトラブルがなく開催できているのは、地域のみなさんの理解あってこそですね。 佐藤：それは自分も感じていて、初めてのフェス開催にも関わらず、地域の方々はとても寛容で。出店に関してもフェスに慣れていない人が多いけれど、＜LIVE AZUMA＞の開催を楽しみにしてくれて店にポスターもたくさん貼ってくれますし、土日だけではなく盛り上げようとしてくれている。それが＜LIVE AZUMA＞のお祭りっぽい雰囲気に繋がっていると思います。 引地：特に出店者は最初の頃、「どれくらい売れるのか」と手探りだったかと。でも実際に出てみたら早い時間に売り切れて、「もっと持ってくればよかった」「来年はメニューを変えてリベンジしたい」と言ってくださる方もいて。そうやって出店者自身が＜LIVE AZUMA＞に向けて準備してくれるようになったのは大きな変化ですし、地域の方たちの協力に感謝しています。

──＜LIVE AZUMA＞はライブに加えて、食・マーケット・アートなどさまざまな要素があります。「ライブを観て帰る」だけではない場所をつくる上で大切にしていることは？ 引地：PARK LIFEも最初はたくさんのお店に出てもらおうとしていましたが、続けていく中で「福島でやる意味ってなんだろう」と考えた結果、「福島の思い出を持って帰ってもらうことが大切」と思うようになりました。福島の人にとっては普通のものでも、県外の人にとってはすごく珍しいものだったりする。そういう魅力を、地元の人にも改めて発見してもらえたらうれしいですし、県外の人には「福島に行って楽しかった」という記憶を持ち帰ってもらいたい。 坂口：去年の＜LIVE AZUMA＞は、今までは県内のお客さまが大半だったのですが、初めて県外から来た方が過半数を超えました。福島までわざわざフェスのために足を運ぶということが、少しずつ「行ってみようよ」に変わってきたのだと思います。もちろんアーティストの力はありますが、5年間かけて場所をつくってきたことも大きいのではないでしょうか。＜LIVE AZUMA＞を通じて福島の魅力を知った人が、その魅力をまた誰かに伝えていく。そういう循環が少しずつ生まれているのかなと感じています。 佐藤：一般的な音楽フェスはどうしてもアーティストが最優先で、そのほかのエリアはあとから考えがちだと思います。もちろん、チケットを買う動機としてアーティストが重要なのはわかっていますが、＜LIVE AZUMA＞はできるだけ音楽以外のコンテンツも同じように楽しんでもらいたい。例えばPARK LIFEは無料なので、おじいちゃんと孫が一緒に来ても楽しめますし、子連れの親はライブを観る人とごはんを食べる人でそれぞれ過ごしてもいい。そういう選択肢を増やすことで、＜LIVE AZUMA＞に来る人の層も広がっていくのではないでしょうか。

──ここからはアニバーサリーイヤーを迎えた、2026年の＜LIVE AZUMA＞について伺いたいです。今年ならではの変化や、それぞれが特に注目しているところは？ 坂口：僕からは音止め時間に関して、今年はPARK STAGEがこれまでより30分長い20時半まで楽しめるようになりました。これは会場さんや福島テレビさんや地域の住民の方々といったみなさんが、いろいろと前向きにご調整してくださったからこそ実現したことです。その中で個人的な注目は、土曜の最後を締めるTribe Sampler Collective –Nujabes Tribute Set–。PARK STAGEの夜の時間に合うライブになると思うので、AZUMA STAGEだけではなく、ぜひ1日の最後にPARK STAGEにも足を運んでほしいです。

引地：PARK LIFEでは今年、お土産を強化しています。フェスが終わってから駅に戻って「福島のお土産を買いたい」と思っても、夜だとお店が閉まっていたり、混雑して買えなかったりすることがあります。そこで今年は会場で福島のお土産を買える場所を用意し、買って帰るという体験をつくりたいと思っています。また今年は会場内のエリアの使い方も少し変えていて、去年とは違う食べ物や景色に出会えると思うので、そういうところも楽しんでもらえればと。 佐藤：アートに関しては、これまでのように作品を展示するだけではなく、今年は実際に参加できるワークショップを予定しています。福島に素敵なアーティストがたくさんいるので、その作品と一緒に、子どもたちも参加できるような体験をつくれないかと考えてきました。「観る」だけではなく、「やってみる」ことで、また違った思い出になるのではないかなと思います。さらに今年は、オリジナルビールもつくることになりました。以前からやりたいとは思っていたのですが、なかなか条件が難しくて。でも、初年度から出店しているブルワリーの方に相談したら「一緒にやりましょう」と言ってくださって作れることになったので、ぜひ飲んでみてください。

──昨年の会場で、「今年も夏が終わってしまう」と話しているお客さんを見かけたという話があるのですが、＜LIVE AZUMA＞が、福島にとって一つの“季節の風物詩”になりつつあるのではないかと感じます。みなさんはそのあたりを肌感覚でどう感じていますか？ 坂口：僕もそういう意味では、「夏の終わりを感じるイベント」になってきたのかなと思います。＜LIVE AZUMA＞は秋の始まりでもあり、まだ夏の空気も残っている絶妙な時期ですよね。夜は寒くなるけど、昼間はTシャツで過ごせることもある。その季節感も含めて、「＜LIVE AZUMA＞の季節が来たな」と感じてもらえるようになっているのならうれしいですね。 佐藤：2日間のイベントではありますが、その2日間以外でも街の中で「今年も＜LIVE AZUMA＞がある」という空気が生まれているのは、すごくいいことかと。毎年同じ時期に開催されることで、1年の中の一つの節目になる存在になっていけたらいいなと思います。 ──最後に、5周年の先にどんな＜LIVE AZUMA＞を思い描いていますか？ 引地：本筋から少し逸れますが、地元からボランティアで参加してくれる学生さんが毎年いて、そういう人たちが＜LIVE AZUMA＞を経験して、「こういう現場って楽しそうだな」「自分も何かくらってみたいな」と思ってくれたらうれしい。僕自身、大学時代に経験したコンサートスタッフのアルバイトが楽しくて今の仕事に繋がっているので、＜LIVE AZUMA＞がこれからも続くことで、次の世代に「こんなことができるんだ」と伝えられればいいなと思っています。 佐藤：イベントそのものを良くしていくことはもちろんですが、2日間のフェス以外でも、街がもっと面白くなっていくようなことに繋がったらいいですよね。＜LIVE AZUMA＞をきっかけに、「何かやってみたい」と思ってもらえたら、それだけでも成功なのではと思います。別にイベントじゃなくてもいいので、何か新しいことを始めるきっかけになれたらうれしいです。 坂口：今や＜LIVE AZUMA＞は、関東、そして全国の人にも知られるようになってきた。それなら次はアジアや海外の人たちにも、「＜LIVE AZUMA＞っていいよね」と言ってもらえるようになったら面白い。海外のアーティストがツアーの中で福島に立ち寄ってくれたり、海外から「＜LIVE AZUMA＞に行きたい」と思ってもらえたり。簡単ではないですがそれをきっかけに、福島に人が来て「日本にこんな場所があるんだ」と知ってもらえたら面白いですよね。それと個人的には、いつかもう一つステージを増やしたい。今も広い場所を使っていますが、まだライブをできそうなエリアはある。ステージが一つ増えれば、出演するアーティストも増やせますし、来てくれるお客さんの笑顔も増えるという次のサイクルが生まれていく。5年かけて少しずつつくってきた今の＜LIVE AZUMA＞を、さらに次の5年、10年へと繋げていけたらと思います。

10月5日、東京・蔵前に誕生した「MOKABLE COFFEE CRAFT 東京蔵前店」。“コーヒーを食べる”という、これまでの常識を鮮やかに覆す「モカブル」ブランド初のフラッグシップストアだ。

同ブランドが独自開発した「モカブル」とは、コーヒー豆を丸ごと使って作られる新感覚のプロダクト。発想の原点は、「ドリップ後の出涸らしには、豆の持つオイル分や香りの7〜8割が残っている。もし豆を丸ごと食べることができれば、よりダイレクトにコーヒーの美味しさを堪能できるのでは」という本質的な問いにあったという。 ドリップやエスプレッソといった「飲むコーヒー」とは一線を画す、まったく新しい「食」としてのコーヒーの楽しみを提案する「MOKABLE COFFEE CRAFT」。日本国内だけでなく北米市場でもブランドを展開するなか、満を持してのオープンとなった今回の実店舗は、早くも広く注目を集めている。

個性的なカフェやこだわりのロースタリーが軒を連ねる蔵前エリアにおいて、ひときわ異彩を放つ同店で一体どんな体験ができるのか。“COFFEE YOU CAN EAT”の文字に好奇心を掻き立てられるがまま、新しいコーヒーの扉を開けてみた。

大通りに面した店舗に足を踏み入れると、そこに広がっていたのは現代アートのギャラリーのようにミニマルな空間。ジャパニーズモダンを基調とした洗練されたしつらえには、日本発祥のブランドとしてのプライドとクラフトマンシップが表されているのだと感じ取れた。ブランドのキーカラーとなっている印象的な赤は、完熟したコーヒーチェリー（果実）の色を象徴しているという。

入店すると、まずはカウンターで型に流し込む前の「出来立てのモカブル」のテイスティングを勧められた。驚くほど滑らかにとろける食感と、イメージをいい意味で裏切る香ばしく奥深い風味に、早速“食べるコーヒー”への期待感が膨らんでいく。 そして、このストア内での体験をよりプレミアムなものにしてくれるのが、ガラス張りのファクトリーの眺めだ。生豆の焙煎から微粉砕、ミキシング、そして熟練の手によるテンパリングによって、厳選されたコーヒー豆が「モカブル」へと形づくられていく。一見するとチョコレートと同様にも見えるが、その製造工程はもとより、「モカブル」の原材料にはカカオ類が一切配合されていないという。コーヒー豆を主原料とし、フレーバーを阻害しない植物油脂のみを使用してつくられたもの。そこがチョコレートとの決定的な違いであり、「モカブル」の独自性でもある。

併設のイートインには、コーヒー本来のオイル分や風味を凝縮した「モカブル」の魅力を余すことなく詰め込んだ『モカブル ラテ』や、オリジナルスイーツを少しずつ味わえる『モカブル スイーツアソート』、3カ国の「モカブル」を食べ比べできる『モカブル フライト』といったカフェ限定メニューが。 『モカブル ラテ』は、豆そのものの特性や風味をラテに落とし込んだ“モカブル流”のラテ。ドリップ式のラテとの決定的な違いは、これまで豆粕に残されていたアロマオイルまで余すことなく楽しめること。クリーミーな口当たりの一方で、豆の個性が感じられるエッジの立った香りと奥行きのある味わいが新鮮だ。

そして、目にも美しい『モカブル スイーツアソート』では、5種類のオリジナルスイーツが味わえる（※アソートの内容は日によって変更される場合があります）。モカブルでコーティングした『モカブル ピーカンナッツ』の軽やかな香ばしさ、濃密なモカブルを使ったアプリコット香る『モカブル ガナッシュ』の口どけ。そして、甘酸っぱくフルーティなコーヒーチェリーの味わいと芳醇な香りを一粒に閉じ込めた『モカブル コーヒーチェリーボンボン』に、程よい甘味とビターな味わいが見事に調和したマフィン――。異なる食感に、スイーツごとに飲みものとのペアリングを考えるのも楽しい。「飲むコーヒー」はもちろん、紅茶からお酒まで、組み合わせによる美味しさの広がりは無限大だ。

「モカブル」が提案する豆ごとの特色をシンプルかつ最大限に味わえる『モカブル フライト』は、口にするごとに思わず「わっ」と声が漏れ出てしまった。今回は、ベトナム／ブラジル／エチオピアの3カ国を食べ比べたが、ウッディでボタニカルな風味のベトナム、力強いコクと心地よい苦味のブラジル、親しみやすくフルーティで華やかなエチオピアと、「飲むコーヒー」では捉えきれない豆の持ち味をダイレクトに感じられた。1枚の「モカブル」が、世界中の産地へと感覚を連れて行ってくれる、まさにフライトチケットだ。よく知る産地の豆も「モカブル」として味わうと、これまでとはまた違った愛着が生まれてくる。

普段、私たちがドリップコーヒーで味わうのは、お湯に抽出された一部に過ぎない。しかし、豆を丸ごと活かしたモカブルは、オイル分やフレーバー、豊かな個性のすべてが余すことなく凝縮されている。抽出液をチョコレートに混ぜる一般的なコーヒーチョコレートとは一線を画す風味の濃厚さがあり、口に入れた後も心地よいビター感と華やかな香りの余韻がまっすぐに残り続ける。 なお、「モカブル」のカフェイン量は、40gほど食べてようやくコーヒー1杯分程度だという。カフェインを控えている方や妊娠中の女性にも嬉しいポイントだ。

コーヒー豆の個性を形づくる「テロワール」が味わえるアソート『モカブル テロワールジャーニー』や、生地に「モカブル」を練り込んだクッキー缶のように手軽に魅力を味わえる一品から、一つの産地で育ったコーヒーを、品種や精製方法、焙煎の違いで食べ比べながら楽しむ『オリジン・リザーブ・シリーズ』といったマニアックなものまで、バラエティ豊か。生産者の顔が見えるディスプレイからも、コーヒー文化と栽培の背景に対する深いリスペクトと意識の高さが伝わってくる。

長いコーヒーの歴史の中で、「食べる」という新たな一手を示した「MOKABLE COFFEE CRAFT」。コーヒーは、「カップに注がれた一杯」から「指でつまむ1枚」へ。常識を軽やかに飛び越え、コーヒー豆が持つ本来のポテンシャルに触れられる空間で、ユニークな「モカブル」のラインナップに直接触れられるのもストアならではの醍醐味。自分へのちょっとしたご褒美に、その日の気分で産地を選んでじっくり味わうもよし。感度の高い友人への手土産にして、その驚きを誰かとシェアするもよし。扉の先に待つ、知的で美味しいコーヒーの魅力に出会う旅をぜひ体験してほしい。

「ずずず」は、日本の蕎麦文化を次の世代、そして世界へ届けることを目指し、蕎麦の生産者や職人、音楽・映像などさまざまな分野のクリエイターが集まった共同事業体。蕎麦を“食”だけでなく、啜る所作や音、その背景にある人や地域の物語まで含めた一つの“カルチャー”として捉え、その魅力を発信していく。 本格始動の第1弾となる『Slurp the Soba Culture』は、蕎麦の背景にある人々や文化を追う全5話のドキュメンタリーシリーズ。第1話「蕎麦撒き編」では、Mummy-Dと蕎麦屋 de 上機嫌が長野県安曇野市を訪れ、蕎麦農家・斉藤農園の斉藤岳雄氏のもとで種撒きを体験。製粉所にも足を運び、蕎麦の実が蕎麦粉になるまでの工程に触れていく。今後は「蕎麦界のレジェンドとの対談」「蕎麦狩り」「蕎麦打ち」「蕎麦屋酒」をテーマに順次公開される予定だ。 また、Mummy-Dと716（ナナイロ／MIDICRONICA）を中心としたオリジナル楽曲も制作中。11月にはプロジェクト発の楽曲のリリースを予定しており、音楽というアプローチからも蕎麦カルチャーを発信していく。 今回のプロジェクトについて、Mummy-Dは次のようにコメントしている。

そばが好きなんです。おそば屋さんが好きなんです。おいしいから？おいしい。居心地いいから？居心地いい。みずみずしいから？みずみずしい。でもそれだけじゃない気がするんよね。そこ人生も半ばを越えた自分にとって、とっても重要な気がするんよね。なんでこんなにしっくり来るのか、イマイチわかんないのよね。このプロジェクトに参画する理由は、おそばのためではなく、自分探しなのかもしれません。

ノルウェーの歌姫オーロラと、UKダンス・ミュージック界を代表するザ・ケミカル・ブラザーズのトム・ローランズによるコラボレーション・プロジェクト、TOMORA（トモーラ）。フジロックで見せた圧巻のステージが更にパワーアップして一夜限りでカムバック！新曲「Celebration」も披露し、多幸感に包まれた会場からのライブレポートをお届け。

TOMORAが7月のFUJI ROCK FESTIVALからわずか約2ヶ月後に帰ってきた。入場規制がかかるほどの人が集まったWHITE STAGEで、異次元の音楽体験を披露した彼らにとって、今回は謳い文句通り、まさに東京一夜限りの伝説と言える単独公演となった。 今回はオープニングDJとして、Ashley Yukaが、ケミカル・ブラザーズの曲をたっぷりと取り入れたセットで、会場を埋め尽くした人たちを盛り上げている。そこからメンデルスゾーンの『パウロ』序曲が会場を流れた後、「INTRO SEQUENCE」のナレーションが始まると、1曲目の「RING THE ALARM」でいきなりパーティの始まりとなった。 ピンクのライトが点滅する中、巨大なバックスクリーンにはトムの姿が映し出され、オーロラはまるで分身のような存在のアマリー・ホルト・クライヴとともに、巨大なメガホンを手にして歌い始める。会場である東京ガーデンシアターはとにかく音が良い。重低音のバウンス感もアタック感も効いたキックの音が、8000人規模のインドア会場を一気にダンスフロアに変えてしまっている。

FUJI ROCKの時と同様、アマリーはステージにおける重要パフォーマーで、オーロラとともに歌い、踊り、パーカッションをプレイする。ステージ中央後方のコンソールでシンセ、サンプラー、プログラミングを操るトムを背景に、前方ではオーロラとアマリーが白い衣装でシンクロした動きを見せる。白のAライン・ミニドレス、足元のロング・ファー・レッグカバー、長い手袋といった衣装の二人は、未来的でもあり、妖精のようでもある。そこにシンクロするスクリーンの映像や照明は、時には曲の世界観を表現し、時にはパーティを扇動する役割も担っている。

聖なる儀式のような「MY BABY」で祈りのような歌声を聴かせたオーロラは、「お元気ですか」と日本語でMC。オーロラの持ち曲である「Starvation」では、脈打つような4つ打ちに乗せて、天まで届きそうな声を響かせる。そこに続くのは、トムのケミカル・ブラザーズの「The Universe Sent Me」。二人の最初の接点とも言える、7年前に共同制作した曲が今、TOMORAの音として鳴っている。 FUJI ROCKの時にも披露した新曲「What Do We Got?」がこれに続くが、10月16日にデジタル配信、11月27日にフィジカルでリリース予定の新作EP『CELEBRATION』に収録の予定だ。ステージ上のカラーはピンクとブルーの2色になり、祈りと祝祭が同居したする空間に変わっていく。続く「THE THING」では、スクリーンの映像は、顕微鏡の中のようにも見え、そこにはトムが映ったり、映らなかったりする。地響きのようなビートが鳴る中、二人の歌声が広がっていく。 中盤に差し掛かる頃、アンセム曲の「SOMEWHERE ELSE」が始まる。スクリーンに映し出される真っ赤な光は、まるでエネルギーの炎のように上昇し、時には花火のような閃光も見せる。オーロラはダンスを見せ、マイクスタンドを傾けながら歌に思いを込める。そこからそのままノンストップでつながっていくのは、ケミカル・ブラザーズの「Eve Of Destruction」。パーティ感は一気に別次元へとアップし、スクリーンにも日本の戦隊シリーズをオマージュしたMVが映し出される。 「あなたたちはそのままで完璧です」。オーロラは日本語でMCを始め、メンバー紹介も「ちゃん」「くん」付けで行い、「お久しぶり」、「やったあ！」と話す声がとにかく可愛い。そこから、天まで届きそうな声を聴かせ、「I DRINK THE LIGHT」は始まる。まるでどこか違う世界を覗いているような感覚。オーロラとアマリーは、開放されたようにステージ中を舞いなら踊り、時々戯れ合うようにも見える。シンクロするような動き、モノクロの照明と映像の中、二人はおんぶに抱っこ状態になり、まるで双子のように見える。

「COME CLOSER」はモノクロームの世界の中で、オーロラが一人で歌う。「Come closer to me」の「to me」のところでは、歌声はささやきに変わっていく。人間のつながりを願う曲だが、内に向かう親密さだけでなく、大きな包容力で外に開かれている。 大きな拍手の後の曲は、プロモーション映像でも予告した通り、新曲「Celebration」の全世界初披露となる。ピンク、ブルー、モノトーンが基調だった色に、どんどん新しい色が足されていく。音楽もそうだし、映像もそうだ。この曲は圧倒的な祝福を表現している。TOMORAはおそらく世界中をフェス出演、ツアーしていく中で、元々祝福の思いも込めていた楽曲が、多くの人たちと共有することによって、本物の祝福になったことを感じたのかもしれない。事実、新曲はそういう状況で制作されたという。この曲はある意味、進化を遂げるTOMORAの今の音なのだろう。 オーロラの曲「My Body Is Not Mine」の終わりでは、オーロラとアマリーはロボットのようなダンスを見せ、最後にはうなだれて動かなくなってしまう。ある意味、歌詞とシンクロしているのだが、トムが前に出てきて、オーロラを起こして目を覚させ、オーロラはアマリーを起こしていく。会場中が笑顔で和んだ後、3人はステージを後にする。

アンコールは、お馴染み「IN A MINUTE」のロングヴァージョンだ。スクリーンに映し出されたネコは口をパクパクさせているのだが、実はこのネコがこの日のパーティの最高のアゲキャラであった。それにしても、トムのビートは容赦なくぶち上げてくる。何度も何度も音の波が上がるし、波が引くこともあるが、それでも音楽は止まらない。最後の方は音量まで上がったと思う。会場との声のコール＆レスポンスもあったし、高揚感が頂点になった時の強いオレンジの光は、歌詞の中の太陽とシンクロしている。最後の最後までライヴならではのエネルギーがあったし、とことん突き抜けていく強さがあった。最後、3人は手を取り合って会場全体に挨拶をして、この日のステージは終わった。

途中のMCでオーロラは、たとえ自分がどんな人間であったとしても、たとえ世界がどれだけダークであったとしても、私はみんなを友達として受け入れる、「大好き、愛してます！」と話していた。TOMORAの曲はある意味、そういう「自分が自分である」ということを肯定し、祝福したものだと思う。そして、新作EP『CELEBRATION』に収録される「Celebration」、「What Do We Got?」、「IN A MINUTE」のロングヴァージョンを聴くにつれ、ますますその祝福の度合いは進化しているのだ。この日のオーロラは、何度も日本語をスタッフに確認しながら、会場全体が「私たちの家みたい」と伝えていた。何だかこの日は、ライヴを観た私たちが、トムとオーロラが新たに作り上げた、その「家」というか「宇宙」に招かれたような、特別な夜になったと思う。 TOMORAの新EP『CELEBRATION』は、10月16日にデジタル配信、11月27日にフィジカルでリリース予定。通常盤12インチ・ブラック・バイナル、スペシャル・マーブル・バイナル、CDの3形態で発売される。また本日のセットリストプレイリストも公開中！

＜FUJI ROCK FESTIVAL’26＞（以下、フジロック）が、7月24日（金）、25日（土）、26日（日）の3日間にわたり開催。Qeticでは、フジロックに出演したアーティストのライブをフォトレポートで振り返るコーナー「振り返るフジロック」を今年もお届けする。 今回はDAY 3、3日間にわたるフジロックも終盤を迎え、雨が降り続く深夜のRED MARQUEEに登場したICHIRO YAMAGUCHI (sakanaction)。サカナクションのフロントマンとして活動する一方、DJとしても活動してきた山口一郎が、2018年以来となるフジロックでのDJセットを披露した。 最終日の深夜にもかかわらず、多くのオーディエンスが集まったRED MARQUEE。自身が火曜日のパーソナリティを務める『オールナイトニッポン』のテーマ曲としても有名な Herb Alpert & The Tijuana Brassの“Bittersweet Samba”を皮切りに、テクノ／ハウスを軸とした選曲でフロアを沸かせていく。終盤には電気グルーヴ“虹”が響き、続くTAKKYU ISHINOへとバトンをつないだ。 3日間のフジロックが終わりへと向かうなか、雨にもかかわらず音楽を求める人々で埋め尽くされたRED MARQUEE。ICHIRO YAMAGUCHIが作り上げた最終夜の光景を、フォトレポートで振り返る。

皆さん初めまして、徳島県出身のラッパーのT-STONE です。普段僕のMVなどを撮影してくれているビデオグラファーのイタルさんからのご縁で、Qeticでコラムを書く事になりました。僕が日常の中で得た気付きや学びを、日記みたいにラフに残していこうと思います。僕は2026年の元旦に「今年は挑戦の年にしよう！」と掲げました。 コラムは人生初めての試みで、当初は「やる意味あるんかな？」とやらない理由ばかりを探していましたが、「行動は言葉よりも雄弁である。」というガンジーの言葉を思い出し、「一回やってみて違っていたら辞めよう。投げやりな意味じゃなくて、この機会に学べる事を学び、僕も吸収しよう。」と一歩前に踏み出しました。時間を割いてくれる読者の人生に、「少しでも良い風が吹くキッカケになれば」と思います。

僕が生まれ育った街の徳島には、江戸時代から続く『阿波踊り』という文化・お祭りがあります。僕が小中高生の時は、他校の友達や可愛い子に逢える事を楽しみに阿波踊りに遊びに行っていたので、今ほど阿波踊りの魅力に気付いていませんでした。 僕が『阿波踊り』の魅力に氣付いたのは、2022年に阿波踊りにフォーカスして制作した楽曲「T-STONE - 騒~ZOMEKI~ feat.寶船」の制作中の事です。「阿波踊りとコラボレーションした楽曲を作るんはどうや？」と、当時の僕のエグゼクティブプロデューサーであったCO-KEYさんが提案して下さったお陰で制作が始まり、その際に阿波踊り集団の「寶船」の皆さんと出逢いました。今ではMy Familyです。制作中『阿波踊り』に向き合えば向き合うほど、「地元の文化の事やのに何も知らんやんオレ。。。」と恥ずかしくなりました。ネットの記事をディグりまくり、取って付けた知識の状態でその楽曲が完成しました。あの時にしか搾り出せない氣持ちを、音や歌詞に写し出せたなと、過去の自分に拍手を送りたい。 T-STONE - 騒~ZOMEKI~ feat.寶船

そこから月日が経ち、昨年の窪塚洋介さんの活動30周年の祝賀会で、MINMIさんに出逢いました。僕は出逢ってすぐに「徳島県出身のラッパーのT-STONEです。MINMIさんは＜FREEDOM＞というフェスをLAでされていますよね。僕は阿波踊りとコラボレーションした楽曲が有ります。地元徳島の文化を日本中、世界中に届けたいです。LAでライブをさせてください！！！」と暑苦しい自己紹介をしました。その想いが彼女の胸に届き、数日後、阿波踊りとコラボレーションした楽曲を一緒にゼロから作る事になりました。我々の想いが強すぎて結果的に2曲リリースする事になりました(笑)。制作期間は約1年。両方テーマは同じですが、表と裏みたいに異なるムードの楽曲に仕上がりました。 ・超楽しい feat. MINMI - T-STONE ・渦 feat. T-STONE - MINMI

阿波踊りは5日間で100万人以上の観光客が集まります。そんな中、昨年に続き今年も阿波踊りの最中にレッドブルのステージでライブが決まっていました。そのライブの際も含め、どうにかMV撮影が出来ないかと思い、徳島のおにい(先輩)の方々や友達に相談し、段取りを決めていきました。かなり大変だった。。。 LIVEの時間はギリギリまで雨予報だった。でも「俺晴れ男やけん大丈夫です。絶対に雨は止みます。」持ち前の晴れ男パワーを発揮して、奇跡的に晴れた。こういうシチュエーションは良くある。でもその都度心の中で晴れるイメージを天に届ける。すると晴れる。祈りは天に届く。と僕は信じている。 超楽しい feat. MINMI - T-STONE [Official Video]

AIで曲も映像も簡単に作れてしまう今の時代。お金を払えば手に入れられるネットの数字は、今後更に価値を持たなくなるでしょう。自分の身近に在る文化は誰かが続けていかなければ、無くなってしまう一方。無くなってから作っても歴史という価値はもう作れない。「自分が行動を起こしたって何も変わらない。」と勝手に決めつければ、一生世界は変わりません。今回、僕の身近にある「阿波踊りという文化を未来に残したい。音楽という形で0.1ミリでも力になりたい。」その想いを胸に行動を起こしました。 幼い頃、阿波踊りの魅力に気付けなかった僕が、今は阿波踊りで歌い、阿波踊りを広めている。人生何があるか分かりませんね(笑)。全てお陰様です。来年の阿波踊りは更に大きい事ができるように今から準備です。最後まで読んで頂きありがとうございま〜す。次は何を綴ろうかな。

＜FUJI ROCK FESTIVAL’26＞（以下、フジロック）が、7月24日（金）、25日（土）、26日（日）の3日間にわたり開催。Qeticでは、フジロックに出演したアーティストのライブをフォトレポートで振り返るコーナー「振り返るフジロック」を今年もお届けする。 今回はDAY 3、WHITE STAGEのヘッドライナーを務めたMITSKI。2026年2月に8作目となるアルバム『Nothing’s About to Happen to Me』をリリースし、同作を携えて最終日の苗場に登場した。 ステージでは最新作からの楽曲を中心に、“Working for the Knife”、“I Bet on Losing Dogs”、“Washing Machine Heart”、“My Love Mine All Mine”、“Nobody”など、これまでの作品からも幅広く披露。MITSKIの歌声と身体表現、バンドの演奏が一体となったパフォーマンスで、WHITE STAGEのヘッドライナーを務めた。 そしてフジロックから2日後の7月28日には、Zepp DiverCityで一夜限りの単独公演を開催。公演中には日本語で自身のルーツやこれまで抱いてきた思いについて語ったMCも、大きな反響を呼んだ。 フジロックから東京での単独公演へと続いたMITSKIの2026年夏の日本公演。その幕開けとなったWHITE STAGEでのパフォーマンスを、フォトレポートで振り返る。

＜FUJI ROCK FESTIVAL’26＞（以下、フジロック）が、7月24日（金）、25日（土）、26日（日）の3日間にわたり開催。Qeticでは、フジロックに出演したアーティストのライブをフォトレポートで振り返るコーナー「振り返るフジロック」を今年もお届けする。 今回はDAY 3、GREEN STAGEのヘッドライナーを務めたMASSIVE ATTACK。2010年に同じく最終日のGREEN STAGEでヘッドライナーを務めて以来、16年ぶりにフジロックへ帰ってきた。 Robert “3D” Del NajaとGrant “Daddy G” Marshallを中心に、この日はElizabeth Fraser、Horace Andy、Deborah Millerもステージに参加。“Risingson”、“Black Milk”、“Angel”、“Safe From Harm”、“Unfinished Sympathy”など、長いキャリアを彩ってきた楽曲を披露し、終盤にはElizabeth Fraserのヴォーカルによる“Teardrop”がGREEN STAGEに響き渡った。 16年の時を経て、再びフジロック最終日のヘッドライナーとして苗場に戻ってきたMASSIVE ATTACK。3日間のGREEN STAGEを締めくくった彼らのパフォーマンスを、フォトレポートで振り返る。

＜FUJI ROCK FESTIVAL’26＞（以下、フジロック）が、7月24日（金）、25日（土）、26日（日）の3日間にわたり開催。Qeticでは、フジロックに出演したアーティストのライブをフォトレポートで振り返るコーナー「振り返るフジロック」を今年もお届けする。 今回はDAY 3、GREEN STAGEに登場したMOGWAI。1995年にスコットランド・グラスゴーで結成され、ポストロックを代表する存在として長きにわたり活動してきた彼らが、2022年以来4年ぶりにフジロックへ帰ってきた。 2025年には11作目となるアルバム『The Bad Fire』をリリース。今回のステージでは、同作から“Hi Chaos”、“Lion Rumpus”を披露する一方、“Helicon 1”、“Mogwai Fear Satan”、“We’re No Here”といったキャリアを代表する楽曲も織り交ぜ、長年培ってきたMOGWAIのサウンドをGREEN STAGEに響かせた。 2000年代初頭から幾度となくフジロックのステージに立ってきたMOGWAI。新作『The Bad Fire』を携え、再び苗場で轟音を鳴らした彼らのパフォーマンスを、フォトレポートで振り返る。

＜FUJI ROCK FESTIVAL’26＞（以下、フジロック）が、7月24日（金）、25日（土）、26日（日）の3日間にわたり開催。Qeticでは、フジロックに出演したアーティストのライブをフォトレポートで振り返るコーナー「振り返るフジロック」を今年もお届けする。 今回はDAY 3、WHITE STAGEに登場した礼賛。CLR（サーヤ）を中心に、晩餐（川谷絵音）、簸（木下哲）、春日山（休日課長）、foot vinegar（GOTO）という、それぞれ異なるフィールドで活動する5人によって結成されたバンドが、初めてフジロックのステージに立った。 2025年には初の日本武道館単独公演を開催し、結成5周年を迎えた2026年3月にはミニアルバム『キラーパス』をリリース。ライブやフェスへの出演を重ねながらバンドとしての歩みを進めてきた5人が、最終日のWHITE STAGEに集結した。それぞれの確かな演奏力を土台にしながら、自由度の高いアンサンブルとCLRのボーカルによって、礼賛ならではのステージを繰り広げた。 結成5周年という節目に実現した、礼賛にとって初めてのフジロック。5人がWHITE STAGEで鳴らしたそのステージを、フォトレポートで振り返る。記事の最後には、今回のフジロック出演を振り返ったCLR（サーヤ）からのコメントも到着している。