「音楽を本気でやることと、東京に行くことはイコールではない。」 そんなメッセージを掲げる新たなレーベルが、北九州から動き出す。ビクターエンタテインメントが、メジャーレコード会社として国内初となる地域特化型レコードレーベルプロジェクトを始動。第一弾として福岡県北九州市とタッグを組み、新レーベル「STEELING SOUND（スティーリングサウンド）」を発表した。 同社は2027年の創立100周年に向け、新たなグループ理念「Good Music, Good Culture ——エンタテインメントの力で時代を切り拓き、文化と社会に貢献する——」を策定。その取り組みのひとつとして、地域に根ざした才能や文化を発掘・育成・発信する新プロジェクトをスタートさせる。

本プロジェクトが目指すのは、施設整備やイベント開催といった従来型の地方創生ではなく、地域に根ざした才能と文化がつながり、継続的に創作活動が生まれる「クリエイティブなコミュニティ」の形成だ。 その中核を担うのが、ビクターエンタテインメントの音楽制作・発信力と、地域が持つ人材や文化資源を掛け合わせた「地域特化型レコードレーベル」である。 地域社会や行政、地元企業、スポーツチームなどと連携しながら、アーティストやクリエーターの発掘から育成、発信までを一体的に行う。生み出された作品は地域から全国へ、そして世界へと届けられる。

第一弾の舞台に選ばれたのは福岡県北九州市。シーナ＆ロケッツやUP-BEATなど、多くのアーティストを輩出してきた街として知られる北九州市では、現在「うたのまち北九州市」プロジェクトを推進している。 今回の取り組みでは、ビクターエンタテインメントと北九州市が連携協定を締結。「クリエイティブ人材の育成活動支援およびエンターテインメントを活用したコミュニティの創出」を目的に、新たな地域カルチャーの創出を目指していく。

ビクターエンタテインメント代表取締役社長の小野朗氏は、本プロジェクトについて次のように語っている。「ソーシャルメディアやデジタルの進化で、東京に出なくても世界中に音楽を発信できる時代になりました。一方でその分、音楽が均質化しているのではないかという問題意識があります」。 さらに、「地域のリアルなコミュニティと向き合い、音楽の力で継続的にエコシステムを作っていくこと——それが、私たちが次の100年に向けて挑戦すべきことだと考えています」とコメント。地域に根ざした音楽活動の可能性に期待を寄せた。

一方、武内和久北九州市長も、「これまでは『才能があるなら東京へ』という流れが当たり前でしたが、私はこの既成概念を壊したいと思っています」と語り、「北九州市を、音楽を聴く街から、発信する街へと、この街から全国へというサイクルを創っていきたい」と展望を明かしている。

レーベル名「STEELING SOUND」は、鉄の街として発展してきた北九州市の歴史と、ビクターエンタテインメントとの融合をイメージして名付けられた。「STEELING」には、強める、研ぎ澄ますといった意味が込められており、地域のカルチャーをさらに力強く発信していくという意思が表現されている。 また、所属アーティスト像として掲げられているのは、「地元で、地元から作品を発信する」という考え方だ。北九州で暮らし、働きながら音楽活動を続けるミュージシャンをサポートし、新たな音楽シーンの創出を目指していく。

現在、「STEELING SOUND」ではオーディションを実施中。ミュージシャン部門ではオリジナル楽曲による応募を受け付けるほか、クリエーター部門ではレーベルロゴのデザインを募集する。音楽だけでなく、地域から新たなクリエイティブを生み出す挑戦としても注目を集めそうだ。

5月14日に幕を開けた『Suchmos The Blow Your Mind TOUR 2026』は、全国9都市18公演におよぶ対バン形式のライブツアー。遡るとSuchmosの対バンツアーは2020年に開催予定だったが、新型コロナウイルスのパンデミックの影響で中止を余儀なくされ、その当時の想いはSuchmos自身も、関係者も、ファンも同じテンションで共有していたことだろう。それもあって本ツアーの開催が発表されると、Xなどでは「あのときのリベンジ！」という声があふれた。 Suchmosがリスペクトするアーティストを各地の公演ごとにゲストとして迎える本ツアーは、単に自分たちの楽曲を披露する巡業ではなく、異なる背景と音楽性を持つ表現者たちと共鳴し合うことで、新たなステージを切り拓こうとする挑戦とも捉えられる。そして何と言っても、ゲストの顔ぶれが同じ時代を駆け抜けた戦友から憧れの先輩まで実に多彩かつ豪華で（神奈川・IO、愛知・GLIM SPANKY、大阪・くるり、福岡・長岡亮介、北海道・cero、宮城・ハナレグミ、広島・GRAPEVINE、新潟・The Birthday、東京・Fujii Kaze）、チケットの争奪戦は凄まじかったようだ。 今回のKT Zepp Yokohamaでの2DAYSは文字通りツアーの出発点で、ゲストは日本のHIOPHOPシーンで独自の立ち位置を築くラッパーのIO 。Suchmosと同じく都市の空気と向き合ってきた表現者であり、両者は若き頃から定期的に交流があったという。本稿では、SuchmosとIOの両者が“現在進行形”の音楽を携え、交差し、共鳴し、そして更新した夜をレポートする。 〈過去記事〉 LIVE REPORT：Suchmos The Blow Your Mind 2025 新たな未来へと歩み始めた復活の夜 振り返るフジロック2025｜Suchmos 変わるもの　変わらないもの　そのすべてがSuchmos LIVE REPORT：Suchmos Asia Tour Sunburst 2025 横浜アリーナ・フジロック・Zepp Hanedaを経て 辿り着いたSuchmosというバンドの現在地

開演時刻の19時をやや過ぎ、場内の照明がゆっくりと落ちていく。Suchmosの対バンツアー初日、その幕開けを託されたのは、ラッパーのIO。昨年リリースしたアルバム『JUST ALBUM』と同じく、始まりの“Just intro”のビートと共にステージ上に現れたIOは、過剰な煽りも、演出的な前振りもなく、ほとんどそのままの佇まいでステージを見渡す。まだはっきりと見えない、暗闇に浮かぶシルエットだけで、観客を納得させる──それがIOのズルいまでのカッコ良さだ。 “本牧カーチェイス”は、曲の輪郭がはっきりと浮かび上がる。横浜という街の具体的な地名、夜の匂い。IOが紡ぐ言葉は抽象的な都市論ではなく、生活の延長線上にあるストリートの感触そのもので、KT Zepp Yokohamaというライブハウスは一瞬にして“どこかの街の夜”へ。続いて「横浜行けますか！」の煽りから“Spotlight”へ。ここまで3曲はアルバムの曲順と同じで、レーザーのライトがタイトル通りのスポットライトになり、照らされた観客の手も自然と上がった。 オープニングから「むむ？」と思ったが、サックスをはじめとした演奏陣が次々と見せ場をつくるこの“Kidy”で、IOのバンドメンバーが“ヤバい”ことを確信した。MELRAW（Sax./Gt.）、熊代崇人（Ba.）、大樋祐大（Key）、荒太洸（Dr.）、KORK（DJ / MP）という、この対バンに臨むIOの本気度が伝わる布陣。「堀米みたいに付ける金」「ここが生まれ死ぬ街」とTOKYOとHIPHOPをREPする“1942”では、哀愁漂う極上の演奏にIOも満足気な様子で、余裕な素振りで客席をゆっくりと見回す。

続く“Racin’”が放たれるころには、オーディエンスの熱は高まり、自然と声が上がる。さらにその熱は、Kohjiyaの登場で急沸騰。「シャバイ事してる……」のリリックに、「暇ねぇよ！」と大声で答えるヘッズたちの純粋さが眩しい。そして“Mamacita”から“Trust Me”（feat. MALIYA & Shurkn Pap）と“Lowkey（feat. MALIYA）”では、メロウな曲調に浸る時間が訪れた。 IOのステージのハイライトは、次の“Say My Name”。松葉杖で現れたRyohuを見て、もちろんいい意味で“ズルい”と心の中でつぶやいた。ただし、さすがに立ちっぱなしはしんどいのか、ステージに用意された椅子に座ってタイトなラップを披露。そのパフォーマンスの貫禄に、松葉杖が“王笏”、椅子が“玉座”に見えた（のは自分だけか）。さらに、Ryohuが残って“All in One（feat. IO）”。KANDYTOWN、言わずと知れた関係値。盟友との時間にIOの表情が柔らかい。 「Suchmos、呼んでくれてありがとうございます」と穏やかな口調で告げたIOは、ラストナンバーの“左利きのBenz”へ。 この曲が持つ疾走感と内省性は、IOの二面性を表している。成功を手にしながらも、自分自身を疑い続ける視線。その葛藤を作品として差し出す覚悟が、聴く者の胸に深く刺さる。曲が終わった瞬間に残ったのは、言葉にしきれない余韻と静かな納得感だ。 この夜が「対バンツアー」であることを考えると、IOの役割は極めて重要だった。彼は会場を温めるためにステージに立っているのでもなければ、Suchmosの前座として存在しているわけでもない。むしろ、この夜全体のリアリティを先に提示するという役割を、完璧に果たしていた。IOのステージで鳴らされた言葉とビートが、あとに続くSuchmosの音楽をより現在進行形のものとして浮かび上がらせる。その土台をIOは確実に築き、この夜が“本物”であることを証明した。

IOのステージが終わり、転換の時間が訪れる。言葉とビートが刻んだ余韻がフロアに残る中、観客は静かに、しかし確かな期待を持って次の瞬間を待っている。20時10分、照明が落ち、SEが鳴り始めると空気が変わる。しかしそれは、IOの余韻を断ち切るような変化ではない。むしろ彼が提示した現実の上に、もう一層、異なる質感のレイヤーが重なっていくような感覚だった。

そしてステージにSuchmosのメンバーが登場。YONCEは深々とお辞儀をした。 「Suchmosです。どう楽しむか見させてもらいます。ご自由にどうぞ」 その言葉に続いて始まった1曲目は“MINT”。グルーヴはしなやかで、どこか抑制されている。それでいて、音のひとつひとつが確実に身体へ染み渡り、首を揺らす。過去にライブで何度も演奏されてきた楽曲でありながら、その響きはどこか新しい。それはアレンジの刷新だけによるものではない。バンド全体が今のテンポで呼吸していることが、ナチュラルに伝わってくる。「気の抜けたコーラでも飲んで」のときにコーラを掲げる、1階席・観客のシンクロ率は今日も100％。「破けたジーンズで良い」と歌うYONCEのジーンズが、しっかりと破けているのも100点だ。 続く“Alright”が持つポジティブなムードは健在だが、過剰な高揚感はなく、むしろ落ち着きがある。TAIKINGとRen Yamamotoがステージ最前線に移動して観客を煽るとともに、曲の後半で見せたアレンジも新鮮だった。音の余白がより際立つ“Whole of Flower”では、ドラムの一打、ベースラインのうねり、ギターのカッティングが主張しすぎることなく、しかし確実に存在感を放つ。フロアの観客は盛り上がるというよりも、浸るようにSuchmosの音を受け取っている。

そしてYONCEにアコースティックギターとスタンドマイクが用意され、その流れの中で披露された新曲（タイトル未発表）が深い印象を残した。昨年リリースのEP『Sunburst』収録の“Marry”と同じ世界線にあるような、フォーク＆ブルース感。“Marry”では「君らしい君でいてほしい」と歌っていたが、この新曲でも「何も言わず 何かしている 君を見ているだけでいい」と直球の愛を歌う。今後、Suchmosでこのテイストの曲が増えていくのかなと思いを巡らせた。 「今日は初日、横浜です。来てくれてありがとう。あと何より出演を快諾してくれたIOくんと、彼のバンドメンバーに大きな拍手をお願いします。ロックとヒップホップ。違うようで、まあハッキリ言って、俺は一緒だと思っています。だから今日、言ったらどちらのお客さんもいる、ぐちゃぐちゃに混ざっている状況が、僕にとってはすごく心地が良いです」（YONCE）

さらに「喋りすぎたぜ〜今から歌〜う」とYONCEが“Pacific”を歌い始めると、会場の雰囲気が変わる。この曲が持つ浮遊感はやはり格別で、KT Zepp Yokohamaというハコに夜の海風が吹き抜けるような気持ち良さを感じた。その余韻に浸ろうとした瞬間、OKのタイトなドラムが響き、こちらもタイトル未発表の新曲に突入。「片隅のメモリー」「気が向けばプレイバック」「気がつけばフラッシュバック」などの歌詞や曲調も含め、どこか昭和の歌謡曲のような響き。観客はその新鮮な変化を正面から受け止めていたし、この曲からはSuchmosの今のテンションを感じた。

「あと5曲」とYONCEが告げて始まる後半戦。ライブ中盤までにSuchmosが提示したのは抑制や洗練、そして静かな自信だった。だがライブはここから先、このバンドが長年かけて培ってきた「熱の扱い方」のようなものが姿を現す。“GAGA”はリズムセクションの音が前に出ることで、グルーヴの輪郭がより明確になり、フロアの観客の身体が自然と揺れ始める。この曲が持つミニマルな反復性とじわじわと高まっていく高揚感は、ライブという空間でこそ真価を発揮した。 続く“YMM”では、空気が一転。この曲が持つポップネスは健在だが、その鳴らされ方はどこか落ち着いていて、成熟したバンドが選び取った余裕が感じられるアプローチだ。Ren Yamamotoはステージ中央で堂々とリズムを刻み、TAIKINGのギターはいつも以上に吠えていた。さらに終盤のTAIHEIのキーボードの音色とKaiki Oharaのスクラッチは、いつ聴いても惚れ惚れする。

そして“STAY TUNE”へ。この楽曲が持つ象徴性を考えればライブの山場になりそうなものだが、ここで鳴らされたのはアンセムというよりは、時間を経たからこそ鳴らせる1曲として異なる表情を見せていた。感情を前面に押し出すのではなく、あくまでグルーヴに委ねる。マイクをくわえ、「グッナーイ」をふざけて歌って自分で笑ってしまうところもYONCEらしかった。 本編ラストに向けて、“A.G.I.T.”でフロアのテンションは一気に跳ね上がり、“VOLT-AGE”でその熱はピークに。それらの曲が鳴るときに会場はひとつになるが、それは予定調和の盛り上がりではない。これまで積み重ねられてきた流れの上に、必然として生まれたクライマックスだ。 メンバーがはけると、観客はもちろんアンコールを求める。文字通り「アンコール！」と声に出して呼ぶのは珍しかったが、手拍子に呼ばれてSuchmosが再びステージへ。「お得なビジネスのご案内」（YONCE）という言葉で、2027年3月から5月にかけて仙台・福岡・横浜・神戸で開催される全国アリーナワンマンツアー『Suchmos BAY SIDE TOUR 2027』が発表された。

そしてここまでの文脈を振り返れば、アンコールで披露される曲は決まっている。そう、feat.呂布の“GIRL”。彼らの言葉を借りるなら、“百億光年ぶり”にライブでやる曲だ。実際にこの日は急遽やることを決めたという経緯もあり、曲が始まるとメンバー同士で顔を合わせながら、丁寧に演奏をしている様子が伺える。そして「出会いは11年前だった。あのころの俺たちは明日のことなんて知らない。何も持たない男たちだった」というYONCEの口上に誘われて、呂布with松葉杖が再登場。呂布はピースなラップを届け、ラストはYONCEと向かい合って踊り、肩を組んだ。 和やかな空気のまま、あと5分で全国アリーナワンマンツアーの先行販売が始まるタイミングで、オーラスは“Life Easy”。観客は充足感に満ちた表情で、穏やかなフィナーレを迎えた。

この日のライブで感じたのは、本ツアーは「現在を更新する旅」であるということ。現にSuchmosの活動再開後、横浜アリーナ・フジロック・Zepp Hanedaといった要所のライブを追いかけて感じるのは、「ライブで鳴る音が、今が一番カッコいい」というシンプルな事実だ。 このあと対バンツアーは、7月2日にゲストでFujii Kazeが登場するZepp Hanedaまで続いていく。異なるフィールドと方法論で自らを磨いてきたアーティストたちが、同じ時代、同じ空間で鳴らす音楽。その貴重な交差点に立ち会える感動を、日本各地の会場でぜひ味わってほしい。 2026年、Suchmosが選んだ“Blow Your Mind”の旅は、まだ始まったばかりだ。

Text by Rascal （NaNo.works） Photo by Yukitaka Amemiya

横浜の風物詩〈GREENROOM FESTIVAL〉（以下、GREENROOM）を、「音楽フェス」と一言で括ってしまうのはもったいない！ たしかに同フェスには国内外の人気アーティストが集結し、複数のステージで極上のライブが繰り広げられる。しかし、この〈GREENROOM〉を体験した多くの来場者が口をそろえて語るのは、「音楽以外の時間も含めて楽しかった」という感想だ。 横浜らしい潮の香りに、光り輝く青空や港の風景。赤レンガ倉庫という歴史的価値のある場所を舞台に、ミュージック・アート・マーケット・フード・ファッションなどが同時多発的に浮かび上がる。そこでは何かを“観る”というより、空間の中で“過ごす”という感覚を味わえるだろう。 本記事はタイムテーブルをなぞるためのガイドではない。〈GREENROOM〉という横浜の2DAYSイベントをとことん楽しむための、“体験の予習”としてぜひチェックしてほしい。

〈GREENROOM〉を最大限に楽しむコツは、無理にすべてを回ろうとしないこと！ むしろ、「何もしない時間」をあらかじめ想定しておくと、ビギナーでも無理なく楽しめるはず。 午前〜昼｜フェスの“呼吸”に身体を合わせる時間

開場直後は、音楽よりもまず会場全体をチェック。ステージ位置、休憩しやすい場所、日陰、トイレやフードの導線などを把握できると、そのあとの行動が楽になる。この時間帯は、ART＆MARKETエリアを中心に巡るのがおすすめ。まだ人が少ないため作品やプロダクトをじっくりと見ることができるので、フェスの騒がしさに入る前の静かな助走のような時間だ。

夕方｜移り変わる風景の中でじっくり浸る時間

太陽が傾き、空の色がゆっくり変わっていく……この時間帯は〈GREENROOM〉という空間が完成形に近づく。流れる音楽が身体に馴染み、景色と溶け合う時間は、ステージ前で集中してもいいし、少し離れて海を眺めながら音を浴びるのもいい。できればお目当て以外の音楽にも耳を傾けてみよう。偶然耳にした曲が、その日のハイライトになることも珍しくない。 夜｜ピークタイムを選択してとことん楽しむ時間

夜になると会場の熱量は急上昇！ メインステージには続々と人が集まり、いかにもフェスらしい光景が広がる。この時間帯はあえてすべてを追わず、自分が最も観たいアクトを絞るのもひとつの選択だ。それ以外の時間は、DJエリアやフード、少し落ち着いたスペースで余韻を楽しむ。この緩急の付け方が、フェスを2日間にわたって最後まで楽しむための鍵になるはず。

〈GREENROOM〉の原点にあるのが「ART」。 サーフ＆ビーチカルチャーを軸に、海と人、自然と都市の関係性を見つめ直すという思想が、ARTエリアには凝縮されている。 写真・ペインティング・グラフィックなど表現手法はさまざまだが、どの作品にも共通しているのは、自然を“消費対象”としてではなく“共存する存在”として捉える視点。ARTエリアで作品と向き合うことで、聴く音楽の印象が変わる。そんな感覚の往復は、同フェスならではの体験と言えるだろう。実際に多くの来場者が、アート作品の前で想像以上に長い時間を過ごしている。それはアート作品がフェスの装飾ではなく、思考を促す存在として機能している証拠だ。

そして〈GREENROOM〉の大きな特徴が、無料で場内に入って楽しめるMARKETエリア。ここで楽しさを覚えて、同フェスのファンになったという人も多いのではないだろうか。 MARKETエリアに並ぶのは、単なるフェスグッズではない。〈GREENROOM〉のスタンスを支持するブランドやクリエイターが、それぞれの思想を持ち寄り、そこに共感して来場者はアイテムを買うのが醍醐味だ。フードもまたこのフェスの大事な要素。ジャンルや国籍にとらわれない多様なラインナップは、食事の時間を“休憩”ではなく“体験”に変えてくれる。海を目の前に、好きな音楽が聴こえる中で食べる一皿。それだけで、いつもの食事とはまったく違う記憶に！

音楽だけではないと冒頭で述べたが、もちろんそれでもライブは〈GREENROOM〉の大きな魅力で、ラインナップはジャンルレスでありながら、明確なムードを持つ。同フェスが一貫しているのは、サーフカルチャーと親和性のある音楽をアップデートし続けている点。流行を追うのではなく、カルチャーとしての持続性を重視する姿勢がラインナップにも現れている。

今年のラインナップを紹介すると、5月23日（土）は、サーフカルチャーとの親和性を体現する平井 大のGOOD WAVEでのライブで幕開け。BLUE SKYではニュージーランド発のバンド・LEISURE（レジャー）や、英国ジャズエレクトロニックのEmma-Jean Thackray（エマ＝ジーン・サックレイ）のサウンドスケープが音楽的な奥行きを広げ、RED BRICKではMatteo Mancuso（マッテオ・マンクーゾ）がクラシックギターの超絶技巧で夕方から夜の時間を演出するだろう。さらに、PORT LOUNGEのDJ（CAPTAIN VINYL、Alex from Tokyo、Ajuchan）でも身体を揺らしたい。 そして邦楽では、〈GREENROOM〉というフェスで鉄板のDragon AshやKREVA などに加えて、go!go!vanillas、GADORO、PESといった多彩なアクトが時間ごとに異なるグルーヴを提示し、おとぼけビ〜バ〜や長岡 亮介といった個性もラインナップに散りばめられている。

そして土曜日のトリは、現代のR&Bシーンを象徴するアーティストのひとりで、グラミー賞受賞歴を誇るマルチ・プラチナ・シンガーソングライターのELLA MAI（エラ・メイ）。フェスの終盤、ライトの明るさに移り変わった横浜の夜に登場する彼女は、甘美でありながら力強いグルーヴと歌唱で、〈GREENROOM〉の観客を包み込むパフォーマンスを届けてくれるだろう。 続く5月24日（日）は、確かなキャリアを持つAI、ORANGE RANGE、東京スカパラダイスオーケストラでスタートダッシュを切り、UKジャズを牽引するJoe Armon-Jones（ジョー・アーモン・ジョーンズ）や、iri、Kroi、SPECIAL OTHERS、YONA YONA WEEKENDERS、KIRINJIといった現在の邦楽シーンを象徴するアーティストたちでフェスらしい音楽体験を存分に味わおう。

さらに、新しい音楽の解釈を提示する GEZAN や故 Nujabes の遺した音楽を再構築する Tribe Sampler Collective – Nujabes Tribute Set –が登場するRED BRICK、SOIL&“PIMP”SESSIONS の SHACHOを筆頭にDJ KAWASAKIやDJ SHOTAが回すPORT LOUNGEにもぜひ。 そしてEzra Collective（エズラ・コレクティブ）に変わって急遽出演を決めたJANELLE MONÁE（ジャネール・モネイ）と、〈GREENROOM〉のオーガナイザー・釜萢直起が「“音楽の神”そのもの」と称える JON BATISTE（ジョン・バティステ）が続くGOOD WAVEのクライマックスは、同フェスの21年目という新たなスタートを祝うのにふさわしいステージとなるはず。

横浜・赤レンガ倉庫という立地は、〈GREENROOM〉を語るうえで欠かせない要素だ。都市のど真ん中にありながら、視界は開け、風が通る。高層ビルと海、歴史的建造物と最新の音楽。相反する要素が共存しているこの場所は、都市型フェスの思想そのものを体現している。 来場者の雰囲気も独特だ。年齢層は幅広く、フェス慣れした人から初参加らしきカップルやファミリーまで、誰も浮くことがなく、それぞれのペースで過ごしている。この独特な“居心地の良さ”は、〈GREENROOM〉というフェスが20年かけて磨き上げてきた産物だろう。

今年も、「なにを観たか」より「どう過ごしたか」が記憶に残るフェスに。音楽に心を預ける時間、アートに想いをめぐらす時間、何もせずに海を眺める時間──そのすべてが平等に存在する2日間は、音楽フェスという枠を超えた都市型カルチャー体験となるだろう。今回紹介したポイントを参考に、横浜・赤レンガ倉庫で、自分なりの〈GREENROOM〉を見つけてみて！

Text by Rascal （NaNo.works）

音楽フェスが全国各地にあふれ、規模や話題性だけでは差別化が難しくなった現在においても、独自の存在感を放ち続けているのが横浜・赤レンガ倉庫で開催される〈GREENROOM FESTIVAL〉以下、GREENROOM）。“Save The Beach, Save The Ocean”をテーマに掲げ、音楽とアートを軸にしたカルチャーフェスを20年以上にわたって続け、「都市型フェスの理想形」とも言える立ち位置を築いてきた。その背景には明確なコンセプトと、時代に合わせて進化を続けてきた柔軟なスタンスがある。本企画では同フェスのオーガナイザーである釜萢直起氏へのインタビューから、〈GREENROOM〉が支持されている理由と、都市型フェスが持つ思想や在り方をひも解いていく。

──釜萢さんは地元が町田で、原体験としては中高でサーフィンやスケボーに夢中になり、大学時代にはサーフィン目的でシドニーに留学。フェスに関しては、〈MOONSHINE FESTIVAL〉（アメリカ・ラグナビーチ）に影響を受けて〈GREENROOM〉を始めた、と過去のインタビュー記事で仰っていました。 〈MOONSHINE FESTIVAL〉に行ったのは2004年。『The Surf Gallery』のWill Pennartz（ウィル・ペナーツ）や、『The Moonshine Conspiracy』というクリエイティブ集団のChris Malloy（クリス・マロイ）などがオーガナイザーで、アーティストだけではなくフィルマー、ペインター、ギャラリーのオーナー、ミュージシャンのマネージャーなど多様な人とカルチャーが混ざり合う現場に影響を受けました。〈MOONSHINE FESTIVAL〉を見て帰国したのが2004年の9月。そこからすぐに準備を始めて、2005年の2月に第1回目の〈GREENROOM〉を開催しました。 ──サラッと語っていますが、帰国から開催までの期間がかなり短いですよね。 そのときは火がついていたので。〈MOONSHINE FESTIVAL〉のオーガナイザーに「このフェスを日本でもやれないか」という話はしていて、初めは〈MOONSHINE FESTIVAL JAPAN〉のような形をイメージしていました。ただし資金難でフェス自体がなくなってしまって、途中からは「自分たちでやろう」という方向にシフトして、オリジナルの名前で開催することになりました。なので〈GREENROOM〉は〈MOONSHINE FESTIVAL〉の意思を引き継ぐフェスです。 ──〈GREENROOM〉開催に至るまで、特にどのような点で苦労しましたか？ フェスを開催する前、GREENROOMという会社はブランドのブランディングや編集プロダクションがメインの事業で、自分としても以前は『warp MAGAZINE』という雑誌で働いていて音楽やライブは近いものでしたが、音楽イベントを開催したことは1度もありませんでした。 〈GREENROOM〉の制作を受けてもらうためにいろいろな会社にお願いしましたが、こちらはフェス界隈ではまったく無名でしたし、素人が来たみたいな感じでどこもダメでしたね。なので自分たちでなんとか作っていって、第1回目の〈GREENROOM〉を開催しました。

──第1回目の〈GREENROOM〉で特に印象的なエピソードを教えてください。 いま振り返ってもなぜと思いますが開催は2月。雪が降る中で100名ぐらいが並んでくれたのは印象的でしたし、すごく感動しました。初回はTommy Guerrero（トミー・ゲレロ）やRay Barbee（レイ・バービー）など海外のアーティストと、日本のバンドが半々くらい。当時は海外アーティストを招聘する難しさも素人すぎてわかっていなかったけれど、出版やブランドの事業でサーフィンやスケートボード界隈の繋がりはあったので、とにかくパッションでオファーしました。 ──今回は〈GREENROOM〉の現在のお話をメインにお聞きしたいので少し駆け足になりますが、そこから5年・10年・15年とフェスを続けていく中で感じた変化は？ まず開催場所が、大さん橋から赤レンガに移ったのが大きな変化ではありましたね（2010年〜）。あとはブッキングを含めお客さまに喜んでもらうクオリティを上げることに邁進してきた20年ではありますが、フェスはプロモーターがブッキングを担当しているのが多い中、自分たちはインディペンデントなやり方だったので、最初はなかなか苦戦しました。 それでも10年目ぐらいから流れが変わって、海外の旬なアーティストを呼べるようになったり、ペインターやアーティストたちが作品を出してくれるようになったりして。あと赤レンガに移ったことでマーケットも拡大していきました。〈GREENROOM〉は無料エリアにもライブステージがあって、DJがいて、いろいろなブランドの出店がある。フェス自体が“ひとつの街”のようになってコミュニティが強くなり、そのお祭りとして毎年遊びに来てくれるようになりました。 〈GREENROOM〉は“Save The Beach, Save The Ocean”をテーマとして掲げていますが、やっぱり海はオープンなものなので、フェスとしてオープンサイドにいることを大事にしてきましたし、そのテーマが「無料エリアの充実」という方向に繋がっていったと思います。

──〈GREENROOM〉を続けて、横浜という街の見え方は変わりましたか？ そうですね。〈GREENROOM〉を開催するエリアって赤レンガ倉庫のほかにも、少し足を伸ばせば野毛や中華街、みなとみらいなど魅力的なスポットがたくさんあります。海沿いなので景色も朝昼夜といろいろな顔を見せてくれるので、横浜はずっと変わらず好きですね。あと赤レンガ倉庫という歴史的価値がある場所でフェスを表現できていることに意味があると思うので、場所の持つパワーはすごく重要ですし、〈GREENROOM〉を通じて横浜の魅力も伝えていきたいです。 ──年々、会場に遊びに来る人の層も多様化している印象を受けます。 初めは男性ばかりのイベントで、コンテンツもマニアックなものが多かった。ただ海のカルチャーをより多くの人に知ってほしい気持ちがベースにあるので、それを広げるためにどうやったら知らない人たちに届けられるのかを考えていった結果、いまの形になっていきました。 マーケットもサーフブランドだけではなく、いろいろなジャンルのセレクトショップが入ってきてくれたことで広がっていきましたし、アーティストがアーティストを呼んでくれたり、コラボしてくれたり、自発的にどんどん発生してきたことも大きい。そういうのはこちらとしてもうれしいですし、〈GREENROOM〉は関わる人たちみんなで作ってきた感はありますね。 ──〈GREENROOM〉は数ある都市型フェスの中でも、圧倒的に行きやすいし、参加しやすい。横浜散策と合わせてフェスに遊びに行くこともできますし、なんならフェスの途中でちょっと街に繰り出してもいい。参加するハードルの低さが魅力でもあると思います。 例えばサーファーは海も街も近い感覚でONとOFFを楽しんでいて、マリブとハリウッドや、留学していたシドニーもボンダイやマンリービーチからタウンも近くて、そのまま夜はみんな繰り出すのが普通だと思っているので。エシカルなイベントにしていく方向性ではもともとないですし、自然を大事にするというメインコンセプトは重要ですが、カルチャーとしてはそこだけではない。自然と遊び、その両方の面白さをフェスの中に入れて作ってきたという感じですね。 逆にその方が伝わりやすいと思いますし、アカデミックに海のことを言い続けてもなかなか伝わらない。去年の20周年のときに、Jacob Collier（ジェイコブ・コリアー）が素晴らしいライブで自然の良さを伝えてくれたりもするし、いろいろなクリエイターやアーティストが海にインスパイアされた作品を残してくれるので、それをちゃんとエンタテインメントとして伝えていきたいと思います。 ──昨年の開催が終わったあとに、釜萢さんはインスタグラムで「Jacob Collierの自由な素晴らしいライブ、本当に感動した、あらためて俺自身、みんなに届けたいことがクリアに再確認できたと思う」と綴っていたのですが、いま仰っていたような部分ですか？ そうですね。Jacob Collierのライブはみんなで合唱するのも含めて一体感が素晴らしかったですし、なんで自分はフェスを作っているのかという点も含めて、Jacobにわからされたというか。生の体験の重要さを再確認できたことで、改めてフェスを作り続けたいと思いました。 ──釜萢さんは20年以上、フェスを毎年開催するライフスタイルを送っていますが、その年のフェスが終わったあとは少しだけでもクールダウンする期間を設けていますか？ やっぱり少し間を空けないと頭がこんがらがってしまうので、断つというとあれですけど、離れる時間も必要ですね。でもフェスベースでやっぱり日々が動いていきますし、その年の開催が終わると、すぐに次の年のブッキングが海外勢は始まっていくので。あといまはアジアのフェスと連携して、アーティストもアジアツアーのような感じで動いていくことが増えましたね。

──21年目という新たな始まりとして、今年の開催に向けて思うことは？ うちはもともと会社ができたのが先で、そのあとに社名を付けたフェスを立ち上げたので、そういう意味ではみんなにとっても僕にとっても特別なものというか、まさに社運を賭けているような感覚ではありますね。フェスがなくなるときは、会社ごとなくなるときなので。

──今年のラインナップの中で、特に注目してほしいアーティストは？ 今年はJON BATISTE（ジョン・バティステ）をベースに進んできました。コロナのときにNetflixで彼のドキュメンタリーを見てからずっと呼びたいと思っていて。去年のJacob Collierは“音楽の神の子”だとすれば、BATISTEは“音楽の神”そのもの。僕の中ではすべてがナンバーワンですね。 その前に出演するJANELLE MONÁE（ジャネール・モネイ）は、2月にキャンセルを発表したEzra Collective（エズラ・コレクティブ）に変わって急遽出演を決めてくれて。助けてもらったことも含めて思い入れは強いです。あとはロンドンを拠点に活動するEmma-Jean Thackray（エマ＝ジーン・サックレイ）もカッコイイので楽しみにしていてください。 邦楽ではGEZANがRED BRICKステージに出るのが〈GREENROOM〉らしいですし、GADOROのような新しいアーティストも楽しみ。それとTribe Sampler Collective – Nujabes Tribute Set –は鎌倉にスタジオがあって自分も鎌倉に住んでいますし、海岸で聴く彼らのサウンドは合うでしょうね。KREVA、Dragon Ash、スカパラといった定番のメンツも出てくれますし。

──20年以上にわたって続けてきた結果、〈GREENROOM〉は街の風物詩になっていますし、会場から漏れる音を聴く人々も、ある意味で風景として定着しているというか。 めちゃくちゃいますね。でも来年、チケットを買ってくれるかもしれないですし、昔からそういうこともポジティブに捉えてきたので。チケットを買って入ってくれれば最高のライブを観られますが、まずは無料エリアのマーケットなどを目当てにでも遊びに来てほしいです。 ──ちなみに近年の日本のフェスシーンに対して、思うことはありますか？ いまって日本にも500個ぐらいのフェスはあると言われている時代なので、逆に独自路線を生み出すのが難しくなっているとは思います。その点、〈GREENROOM〉は有料・無料エリアがあるカルチャーフェスという形でずっと20年やってきました。あとフェスはこれからも増え続けていくと思いますが、洋楽と邦楽の両方を楽しめるフェスという意味では日本はそれほどまだ増えていないので、そのスタンスはこれからも変えずにやっていきたいという感じですね。 ──釜萢さんは今後、〈GREENROOM〉をどのようにしていきたいですか？ 過去のインタビューでは、「エリアをもっと広げていきたい」というようなことを仰っていました。 やっぱり〈GREENROOM〉は大さん橋で始まったフェスなので、次の周年とかには赤レンガと大さん橋をくっつけたいなと。大さん橋と赤レンガの間には象の鼻パークや広場などもあるので、そういった場所も使いながらいろいろなコンテンツをやっていきたいなとは考えています。あとは横浜みたいな街がほかの地方にあれば、そういうところでも開催してみたいですね。 ──釜萢さんにとってフェスは、もはや切っても切り離せないものだと思います。 いまは主催のフェスと受託のフェスがあるので、そういう意味では1年中、フェスを作っています。自分は場づくりが好きですし、空間も好きなので、みんなが楽しめる場所を作りたい。それが数日で終わる儚さも含めて、自分はそういうのが性に合っているのだなと思います。 ──フェスのオーガナイザーの方にインタビューさせていただくときは、ベタなのですが毎回、最後にこの質問を聞いているのでお願いします。あなたにとってフェスとは？ ちょうど昨日、クリエイティブマンの清水（直樹）さん（〈SUMMER SONIC〉のオーガナイザー）とJ-WAVEの『YOU ONLY LIVE SONIC』で対談したのですが、話していて自分もそうだと思ったのは、やっぱりどこか“ネジが外れている”。フェスはハイリスクなエンタテインメントであり、前を見ることや上を見ることを続けないといけなくて、守りに入ってしまうと停滞していずれはなくなる。 その意味で〈GREENROOM〉は20年間ずっと、ブッキングもコンテンツもアクセルを踏み続けてきましたし、それがオーガナイザーとしての境地なのかなと。それはフジロックの生みの親である日高（正博）さんも、先ほど名前を挙げた清水さんもそう。コーチュラだってずっと踏み続けているし、一方でアーティストはコーチュラのステージで最高のものを揃えてくる。 そういう意味で踏み続けることが重要。先のことはわからないですが、呼べていないアーティストはたくさんいるので、〈GREENROOM〉はまだまだ先があるのかなと思います。

Interview & text by Rascal （NaNo.works） Photo by Shunichi Oda

世界最高峰のスケートボードリーグ＜SLS TOKYO 2026＞が、11月14日（土）に東京・有明アリーナで開催される。東京大会の開催は2年ぶり、今回で3回目となる。 STREET LEAGUE SKATEBOARDING（以下、SLS）は、2010年に設立されたストリートスケートボーディング史上初のプロリーグ。世界最高峰のスケーターたちがオリジナルコースで競い合う大会として、世界中のスケートシーンから注目を集めてきた。

2024年大会では、男子の部で白井空良が優勝、堀米雄斗が2位、女子の部では赤間凛音が2位、吉沢恋が3位と、日本人選手が躍進。世界トップクラスのスケーターたちによるハイレベルなトリックの応酬は、大きな話題となった。

SLS最大の特徴は、ストリートスケートボーディングを競技としてだけでなく、ショーとして成立させている点にある。 各都市ごとに異なるオリジナルコースが設計され、世界トップレベルのスケーターたちが、最大級の賞金をかけて競い合う。観客は、わずかなミスも許されない緊張感と、一発で空気を変えるビッグトリックを間近で体感することになる。 SLSでは、45秒間で複数のトリックを繋ぐ「ライン・セクション」と、一発勝負となる「シングル・トリック・セクション」によって得点を競う。さらに、9.0以上の高得点を記録した選手のみが到達できる『9CLUB』は、スケーターにとって最高栄誉のひとつとして知られている。

2026年大会では、新たにミネベアミツミ株式会社がプレゼンティングパートナーに就任する。 同社は、ミニチュア・小径ボールベアリング分野で世界をリードする精密部品メーカー。スケートボードにおいてボールベアリングは、ウィール内部に組み込まれ、スピードや滑走性能、安定性を左右する重要なパーツとなっている。 ミネベアミツミの技術は、スケートボードだけでなく、自動車や航空機、精密機器、家電製品など幅広い分野で活用されており、世界中の“回転”を支える存在でもある。 大会を支える精密技術と、世界最高峰のスケーターによるパフォーマンス。その親和性もまた、本大会の見どころのひとつと言えそうだ。

パリ五輪を経て、さらに注目を集めるスケートボードカルチャー。SLS TOKYOは、単なる競技大会ではなく、世界中のスケートカルチャーが交差する場としても機能してきた。 堀米雄斗や白井空良をはじめ、日本人スケーターたちが世界のトップと肩を並べる現在、その熱狂を国内で体感できる貴重な機会となりそうだ。

Text&Edit by Qetic編集部

「瀬戸内」と聞くと、穏やかな気候、美しい海、アートな島々、歴史ある港町……といったイメージをぼんやりと抱く。しかし実際にその土地を訪れてみると、そんな漠然としたイメージや観光パンフレットなどの情報だけではすくいきれない、生活のリズムや都市のカラーがたしかに存在する。 2026年4月、広島・宇品に誕生したサイクリストのためのホテル《せとうちサイクルステイズ広島宇品（以下、せとうちサイクルステイズ）》は、瀬戸内の豊かさを知るための拠点。そしてそのハブとなるのが「自転車」であり、ホテルのテーマは「The Answer is “BICYCLE”」だ。都市の魅力をつなぐ自転車でこそ、出会える景色や忘れられない体験へ──さあ風を感じて、ペダルを漕ぎ出そう。

《せとうちサイクルステイズ》が建つのは、広島市南区の宇品。広島港を擁し、中心部から約20分圏内の立地は、都市と海が最も近づくポイントのひとつ。そして原爆ドームや平和記念公園といった象徴的なスポットから倉庫街や港湾エリアまで、わずかな距離で風景が切り替わるのが土地の特徴だ。

宇品という土地の特徴を活かしながら、瀬戸内の魅力を発信する施設として2026年の4月にオープンした同施設は、旧広島競輪場跡地を再整備した《アーバンサイクルパークス広島》に隣接。ホテルの目の前に広がる都市型パークには、競輪場はもちろんBMXやスケートボード、3on3、さらには子供たちが楽しめるランバイクまであらゆるアーバンスポーツが集結し、自転車を含むアーバンスポーツを単なる競技ではなく、カルチャーとして捉える場所として発信。初心者からプロフェッショナルまでがシームレスに混じり合うエネルギッシュな空間こそが、ここ宇品でしか味わえないサイクリング体験に、さらなる躍動感と奥行きを与えてくれるはずだ。

そして何より重要なのは、《せとうちサイクルステイズ》が“目的地”としてだけでは完結しないということ。広島市内を巡るショートコース、フェリーで江田島へ渡るアイランドコース、呉方面へ抜けるロングコースなど、提案する自転車ライドのすべてにおいて、同施設が起点もしくは中継点となっている。つまり宿泊する場所であると同時に、次の風景へ向かうための「ターミナル」なのだ。

まず館内には、サイクリスト目線の設備が揃う。バイク宅配受け取り、レンタサイクル、「ヴィクトワール広島」のメカニックが常駐するメンテナンスもパーツ購入も可能なショップなど、チェックイン前後でも利用できる柔軟なオペレーションは、「走ること」を旅の中心に据える人にとっては大きな安心材料だ。

また、《せとうちサイクルステイズ》のスタッフは、単なる案内役ではなく“ナビゲーター”として位置づけられている。土地を走り込み、リアルな情報を持った存在だからこそ可能なガイドブックには載らない提案。その距離感こそが、同施設を単なるサイクリスト向けホテル以上の存在に引き上げるはずだ。

取材当日は、《せとうちサイクルステイズ》を起点に自転車で広島市内を巡るショートコース（約13.5km）を体験。まずは広島駅から原爆ドームや平和記念公園といったこの街ならではの歴史ある文化施設を訪れ、そこから地元で親しまれているアトリエカフェやみなと公園をゆっくりとライドする。

そして海岸沿いを走り、勾配を登って元宇品公園展望台や宇品灯台に向かうと、そこからは一気に街の見え方が変化。先ほどまでの路面電車やバスが走る風景から、見渡す限りの海が眼前に広がる。

信号待ちのあいだに聞こえる生活音、橋を渡るときに一気に開ける視界、港に近づくにつれて濃くなる潮の香り。自転車で走るスピードだからこそ、そうした細かな変化を取りこぼさずにしっかりと受け取ることができる。そして観光地と生活圏が混在するこのルートは自転車で走ることで、広島・宇品という都市を“一枚の地図”ではなく、“連続するシーン”として体感させてくれるように感じた。 「なぜ自転車なのか」という問いに関しては、歩くには遠く、クルマでは早すぎる──その“あいだ”にある時間を、最も贅沢に扱えるのが自転車という乗り物だから、と答える。目線は低く、速度は控えめで、ルートは大通りも裏道も自由自在。自転車に乗ると、自然と土地の輪郭が身体に残る。 《せとうちサイクルステイズ》のコンセプトは、観光地を“点”で消費するのではなく、点と点を結んで“線”、そして線と線を繋いで“面”とすることで、道そのものを体験として捉えることにあるのではないか。目的地に向かう途中で見える景色、たまたま立ち寄った店、意図せぬ偶然の出会い。電車やバスやタクシーでは巡り会えない余白を歓迎し、満喫する移動手段として自転車が選ばれている。

同施設が提案する、フェリーで江田島へ渡るアイランドコースや呉方面へ抜けるロングコースなども、今回ライドしたショートコースとはまた違った魅力を体験することができるはず。船で海を越え、ペダルを踏み出す。その切り替えの瞬間も、瀬戸内サイクリングの醍醐味だ。それは次回のお楽しみに──自転車に乗って一度でも走ればリピートしたくなる奥深さを、この街で感じてほしい。

そして《せとうちサイクルステイズ》での体験は、もちろん走って終わりではない。同施設では、走り終えた身体をどのように回復させ、次の日につなげるのかという流れまでデザインされているのも魅力。大浴場やサウナ（競輪開催期間外のみ利用可能）、ジムスタジオ、カフェ＆バー、DJブースを備えたラウンジなど、サイクリスト目線でホスピタリティにあふれた充実の設備が用意されている。

ゲストルームのコンセプトは、次なる冒険に備えて自分を整える「CARAVAN」。7タイプで用意されているすべての客室内に自転車の持ち込みが可能で、コンパクトかつ必要なものがすぐに手の届くところにある設計となっている。そして何と言っても、全123室のうち69室が競輪バンク側に面しており、部屋から競輪場を眺めることができる “ケイリンビュー”は、この場所ならではの体験だろう。

食に関しても、アクティブなサイクリストをサポートする充実のメニューが用意されている。「旅のエネルギーチャージ」をコンセプトにしたメニューが並ぶ朝食や、ローストビーフ・パスタ・焼き立てパン・広島県産のお米・デザートなどから好きな物をたっぷり味わえるランチ。そしてロングライドなどの際に、エネルギーチャージとして最適なオリジナルサンドウィッチはテイクアウトも可能だ。

《せとうちサイクルステイズ》が目指すのは、ひとつのホテルの成功ではない。ツーリズム、スポーツ、カルチャーといった要素が交差する文化圏の形成であり、その価値を最も引き出すツールが自転車。宿泊者同士が自然とルートや店の情報を交換し、次の目的地を語り合う──自転車という共通言語が人と人をつなぐ環境がここでは生まれるだろう。広島・宇品から始まるこの試みは、瀬戸内を「一度訪れる場所」から「何度でも走りたくなる場所」へと変えていく。その最初の拠点として宇品はあまりにちょうど良く、ここから先のルートはまだ白紙でいい。走りながら、自分なりに書き加えていけばいいのだから。

Text by ラスカル （NaNo.works）

韓国のフォトグラファー、キム・ヨンジュンと、日本のアートディレクター吉田ユニによる写真展『Face to face』が、5月28日（木）まで麻布台ヒルズギャラリーで開催中だ。 本展は、両者による初のコラボレーションとなる写真展であり、日本と韓国を代表する俳優62名が参加。それぞれ2点ずつ、計124点の新作ポートレートが展示される。 長澤まさみ、広瀬すず、小松菜奈、オダギリジョー、坂口健太郎ら日本の俳優に加え、イ・ビョンホン、ソン・ヘギョ、パク・ヒョンシク、チュ・ジフン、キム・ダミら韓国の俳優が参加。“今”のアジアを象徴する顔ぶれが一堂に会する構成となっている。

本展のテーマは「人間の最も本質的な美しさ」である。 作品は「花」をモチーフに構成されており、俳優一人ひとりの個性や存在感を引き出す形で撮り下ろされている。吉田ユニは、「最初はお花と決まっていたわけではないのですが、少し進んだ段階で、お花をテーマにするのもいいかもねとなり、そこからすべてお花で、俳優さんに合ったイメージに仕上げました」と語っている。 また、キム・ヨンジュンは、「今回ユニさんと作業しながら驚いたのは、各人物に合った、その俳優が持つ魅力やオーラをさらに引き立てるアートワークを、毎回新しく見せてくださった点で、本当に感激しました」とコメント。 単なるポートレートではなく、吉田ユニによるビジュアルディレクションと、キム・ヨンジュンの写真表現が重なることで、被写体の内面にまで踏み込んだ作品として成立している。

タイトルに掲げられた『Face to face』には、被写体と真正面から向き合うという意味が込められている。 キム・ヨンジュンは、「俳優さんたちのポートレートを携帯の画面で見ることが増えている中で、大きな作品として見てもらう機会をつくりたくて、今回のタイトルを『Face to face』にしました」と語る。 スマートフォン越しではなく、実際のサイズ感で人物と向き合う体験そのものが、本展の重要なテーマとなっている。 会場では、麻布台ヒルズギャラリーの空間を活かし、作品だけでなく撮影に使用された要素も展示。吉田ユニは、「写真1枚1枚がしっかり見えるように全体としてはシンプルに見せながらも、空間の中に少しずつ撮影に使った要素を遊び心のように散りばめています」とコメントしている。

また、キム・ヨンジュンは、「ポートレート写真展なので、まずは『人物がしっかり見えること』を最優先に考えました」と話しており、作品に使われた小道具なども空間内に配置。“シークレット的な要素”も楽しめる構成となっている。 ポートレートを“鑑賞する”だけでなく、“対峙する”体験として提示する点も、本展の大きな特徴である。 作品に参加した八木莉可子らゲスト陣も会場を訪問。ポートレートと空間演出が重なり合うことで生まれる、本展ならではの没入感を体感した。

キム・ヨンジュンは、雑誌や広告、映画・ドラマポスター、BTSなどのアーティストビジュアルまで手がけるフォトグラファーである。 一方の吉田ユニは、広告や音楽アートワークを中心に国内外で評価されるアートディレクターである。 今回のコラボレーションについて吉田ユニは、「私も普段の作品とは違って、フォトグラファーの視点が加わることで新しい世界が広がったと感じました。特に、短い時間で俳優の自然な表情を引き出す力はすごく印象的で、その瞬間性が作品の魅力になっていると思います」と語る。 また、キム・ヨンジュンも、「今回のコラボレーションを通して、ポートレート撮影に対する視野やアプローチが大きく広がったと感じています。これまでは『自分がうまく撮れればいい』と考えていた部分もありましたが、一緒に制作することで、自分では表現できない領域を補い合えることに気づきました」と振り返っている。 それぞれの領域で確立された表現が交差することで生まれた本展は、単なる写真展にとどまらず、アジアにおけるビジュアルカルチャーの現在地を示す試みとも言えそうだ。

ずっと、黒田さんが柴犬の「どんべえ」を家族として愛していることは知っていた。それなのに、どんべえが亡くなったあと、黒田さんの心情を心配しつつも、深く尋ねる機会を作ることはできていなかった。ライターとしてひっぱりだこで、毎日のように黒田さんが執筆した記事が発表される状況にあったにもかかわらず、ある時から仕事のペースを落としていることにはなんとなく気づいていた。それが、どんべえが亡くなる少し前からだったのだと、私はノンフィクションエッセイ『きみがぼくになるまで　犬と家族になって一生を見届けた18年』（発売中）を読んで知ることとなる。この一冊には、そんな時期の葛藤もどん底の思いもすべて、文筆家として、そして犬の家族として、とても誠実かつ赤裸々に綴られている。 今回の企画のきっかけは、黒田さんと、『きみがぼくになるまで』の帯コメントを寄せた曽我部恵一さんの対談の司会をやってもらえないか？と声をかけていただいたことだった。私もかつて犬と暮らしていて、4年前、19年と5日を生きた彼とお別れをした。今もiPhoneの画面は愛犬の写真のまま。変えられないのだ。黒田さん、柴犬・こはると暮らす曽我部さん、そして私の会話は、ただ「犬って最高！」という言葉だけにはおさまらなかった。おさまるわけがなかった。ペットと暮らしたことがなくても、「喪失」を経験したすべての人に届いてほしいと願う言葉たちが、この記事には並んでいる。〈きみがいないことは きみがいることだなぁ〉ーー“桜 super love”の一節が、これからも私たちの心を支えてくれる。（矢島由佳子）

──今回、黒田さんが著書『きみがぼくになるまで』の帯コメントを、曽我部さんにお願いしたのはどうしてだったのですか？ 黒田：曽我部さんとは同世代で、20代の頃に組んでいたバンドで、現場が一緒になることも多かったんです。実は僕、曽我部さんに「うちのバンドに入ってくれませんか？」と誘ったこともあって。 曽我部：えー、本当ですか？ 黒田：はい。そのときは「今、準備している自分のバンドがあるから」と断られてしまったんです。それが、のちのサニーデイ・サービスでした（笑）。その後、僕も別のバンドでデビューして、曽我部さんはずっと先を走っている存在になっていって。音楽ライターになってからは、インタビューをさせてもらったり、コメントをいただいたりしながら、ご縁が続いてきました。 今回、自分が飼っていた柴犬・どんべえの本を出すにあたって、犬と暮らしているミュージシャンの方に帯をお願いしたかったんです。真っ先に思い浮かんだのが、柴犬のこはるちゃんと暮らしている曽我部さんでした。たくさんの本を読まれている曽我部さんにお願いするのは恐れ多いとも思いつつ、思い切ってお願いしたら快諾してくださった、という流れです。 ──30年以上前からのご関係だったんですね。 曽我部： そうなんですよ。音楽ライターの方はたくさんいますけど、黒田さんはもともとミュージシャンだったから、どこか「同業」みたいな距離感もあるんですよね。それに、黒田さんのマイブラの本（『マイ・ブラッディ・ヴァレンタインこそはすべて』）も読んですごく感動したし、そんな中で今回のお話があって、読ませていただいた、という感じです。

──帯コメント「出会いはだいたい似たようなもの。だけど別れ方は何百万通りもあるんだ。かけがえのない愛のストーリー」は、どんな思いで書かれたのでしょうか。 曽我部： どんべえとうちのこはるって、出会い方が結構似てるんです。僕も黒田さんと同じように、ペットショップで一目惚れみたいな感じで飼い始めた。動物を迎えるときって、たぶん皆さん似たような気持ちなんじゃないかなと思うんです。でも、お別れは本当にいろいろですよね。事故で亡くされる方もいれば、病気で亡くされる方もいる。出来事としては似ていても、そこで抱く感情は唯一無二。積み重ねてきた時間もそれぞれで、取り替えがきかない。 黒田さんとどんべえもまさにそうで、「世界に一つしかない関係」だと思った。そこには元奥さんとのことも含めていろいろな出来事があっただろうし、同じように犬と暮らしていても、そこから生まれる物語は一つひとつ違う。だから帯には、その意味を込めて書かせてもらいました。 黒田： ありがとうございます。 曽我部： それに、この本には生前のどんべえのことと同じくらい、あるいはそれ以上に「お別れ」と「その後」が書かれているじゃないですか。「犬って可愛いよね」「こんないいところがあるよ」という本はよく見かけるけど、別れのほうをここまで正面から、物語として書いたものを僕はあまり知らなかった。本当はこういう記録が飼い主の数だけあるはずで、こうやって形になって世に出てくること自体が、すごく意味のあることだなと思ったんです。

──確かに、飼育のハウツー本とかではなく、喜びも悲しみも全部赤裸々に書かれているペット本って、他にあまりないですよね。 曽我部： よく書かれたなと思います。どんなモチベーションだったんですか？ 黒田： 実はその前から、noteでどんべえのことを書いてたんです。腎不全になったときに「これからいろんなことが起きるだろうから、書いておこう」と思って。自分の備忘録にもなるし、同じ状況の人が「みんなどうしてるんだろう」って調べたとき、何かの参考になるかもしれない、って。そうやって文章が溜まっていったことが、本を作る上で大きな“とっかかり”というか、ドライブになりました。 それと、看取る直前の数日間は、「これはもう長くないな」と感じたときに、自分の心の動きを残しておきたくなったんです。「書いておかないと今の感情を忘れてしまう」っていう感覚が強くて、突き動かされるように書いてましたね。

曽我部： そこがすごく切実だなと思いました。亡くなった後も、思い出すのもつらいけど、忘れて薄れていくのもつらい。どっちも苦しい、っていう気持ちがちゃんと書かれていて。いま動物と暮らしてる人は、遅かれ早かれそこに向かっていくじゃないですか。だから……葬儀のときにどんべえに向けて書いた手紙、僕はまだ読めない。あれは無理です。絶対号泣するから。 それで今回、対談するとなって黒田さんにお聞きしたかったのは、どんべえと出会ったことで黒田さんがどう変わったのか、ということだったんですよね。 黒田： 僕、子どもがいないので、子どもがいる人の気持ちはわからないところもあるんですけど、どんべえは自分にとって子どもみたいな存在だったのかな、とは思います。どんべえが目をキラキラさせて世界を見てると、自分もその世界を捉え直せるというか、初めて見たみたいに見える瞬間がある。子どもの反応を見て「昔の気持ちを取り戻す」って、たぶんそれに近いのかなって。 曽我部さんはどうですか？ お子さんがいて、そこにこはるちゃんという新しい家族を迎えるような感じだったと、別のインタビューで話してましたよね？ 曽我部： 妻が出ていって、子どもと僕だけになったときに、家にぽっかり空いた席みたいなものができたんです。そこにこはるが入ってきてくれた、という感じ。出会いも偶然で――吉祥寺のスターパインズカフェでリハをしてるとき、一緒に来ていた子どもたちが「散歩してくる」って商店街に行って、ペットショップでかわいい柴犬を見つけたって言うんです。僕は飼うつもりもなかったから、「世話できないじゃん」って言ったんですけど、「見るだけ見て」って。で、見たら可愛くて（笑）。 しかも、こはるは生後2ヶ月とかじゃなくて、もう1歳近かった。いわゆる売れ残りで、値下げもされてて。そこに運命的なものを、僕も子どもたちも感じたんですよね。いったん帰って一晩考えて、次の日に迎えに行った。そこも黒田さんと同じ（笑）。 黒田： 本当ですね（笑）。

曽我部： それに、さっき黒田さんが言ってたみたいに、犬の目で世界をもう一回捉え直すって、たぶん皆さんあるんでしょうね。「こはるにはこう見えてるんだろうな」とか、「こう感じてるんだろうな」とか。言葉がないから、“考える”というより“感じる”がすべてで。そこから「ああ、こういうふうに生きなきゃな」って、日々勉強になります。 ‬── 私も犬を飼っていたんです。19歳まで生きてくれて、亡くなったのは4年前でした。私の場合は14、15歳の頃から一緒だったので、お二人が言う「一緒に生き直す」というより、わりと同じ目線で生きてきた感覚があって。 曽我部： ああ、なるほど。 ── もちろんペットロスはあったんですけど、私は22で上京するために実家を出て、その後の世話は親に任せていたので、自分の悲しさより、母が抱くであろう喪失感に対する心配のほうが大きくて。鬱になったりしないかなって。 曽我部： 確かに、人間だと同じ次元でつながってるから、たとえば親が死ぬことって、僕は割とスッと受け入れられたところがあるんですよね。でもペットや動物は、やっぱり違う。ひとつは、言葉が通じない。だから「あの時ああしておけばよかった」とか、「きっと辛かっただろうな」と思っても、確かめようがないんですよね。 黒田： 逆に、言葉が通じないからこそ深くつながれるところもありますよね。人間同士だと、どうしてこんなにつまらないことで揉めたり、いさかいが起きるんだろうって思う（笑）。人間同士も、もう少し“動物とつながるみたいに”、言葉以前のところで、ありのまま受け入れ合えたらいいのに、と考えることはありました。 曽我部： 人間って言葉を持ってるから、「死ぬのが怖い」とか、「こうなりたいけどなれてない」とか、いろんなことを抱えて生きてるじゃないですか。でも犬はたぶん、死ぬことを恐れて生きてない。もちろん生き物はみんな死ぬんだけど、犬はただ生きて、生ききる。死の瞬間を意識して暮らしてないんですよね。散歩に行くときの嬉しそうな顔を見ると、「ああ、この瞬間が全部なんだな、この子にとって」って思う。そう考えると、人間が気に病んだり、心配したり、希望を持ったりすることって、実は幻想なんじゃないか。全部、心の中の問題なんだなって、犬を飼って初めて思ったんです。犬って、いろいろ教えてくれる存在だなって。 僕も黒田さんも、犬との出会いは偶然だったわけじゃないですか。だからこそ、「あの出会いがなかったら自分はどうなってたんだろう」って思う。黒田さんは、亡くなったあとに「こんなにきついなら、出会わなければよかった」とか考えたこと、あります？　人間って別れのとき、恋愛でもそういうふうに思いがちじゃないですか。「どうせ別れるなら深入りしないでおこう」みたいな。 黒田： それはまったくなかったですね。苦しいんだけど、この苦しみがなければいい、とも、取り除いてほしいとも思ってない。ただ、覚悟していたとはいえ、こんなに苦しいのかとは思いました。朝起きた瞬間に「いない」ことに絶望するところから始まる日々が続いて、「これ、いつまで続くんだろうな」って。

曽我部： 飼い犬が亡くなったときの心構えって、なんとなく想像はするじゃないですか。「すごく辛いんだろうな」とか。でも黒田さんの場合は、想像どころじゃなかった、ということですよね。 黒田：そうですね。びっくりしたのは、亡くなった直後はまったく悲しくなかったことです。気持ちが昂っていたのか、清々しい気持ちになった。どんべえもようやく楽になったんだろうなと思ったし、介護もかなり大変だったから、自分も「解放された」みたいに感じてしまった。でも少し時間が経つと、そう思った自分が許せなくなる。そこが繰り返されるんですよね。 その一方で、怒りみたいなものも湧いてきて、どこにぶつけたらいいのかわからなくなることもありました。矛先としていちばん近かったのが、親だったというか。僕と同じように悲しんでくれないことに対して、ある意味言いがかりみたいに怒りをぶつけてしまって。後から振り返ると、まともじゃなかったなと思うんですけど、ストレスが溜まると、思考が極端になって視野がすごく狭くなる。その感じが、自分でも怖かったですね。 曽我部： それで、介護中にどんべえを……ほら、足で突き飛ばしてしまったことも書かれていますよね。黒田さんがそのことをずっと思い悩むのも、読んでいて伝わってきました。 黒田： あれは書くかどうか、本当に迷いました。自分でも信じられなかったんです。どんべえに手を上げるなんて、今まで一度もなかったし、あの時はそれだけ自分が追い詰められていた、ということなんだと思います。 それ以来、ストレスには少し敏感になりました。「疲れてくるとイライラして、人に当たりやすいな」とか、自分が自分じゃなくなっていく気配が出る前にサインを拾って、早めに休む。そういうリスク管理みたいなものは、どんべえと暮らして学んだところがあるかもしれないです。 曽我部： あれは書いてくれていて良かったと思う。 黒田： 曽我部さんは、離婚だったり喪失だったり、強いストレスで心が極端になってしまうようなことって、ありました？ 曽我部： ありましたね。妻と別居したこともそうだし、メンバーが亡くなった前後もそうです。自分のことじゃないのに、どうしようもないことが起きる。相当参りました。僕の場合は、誰かに攻撃的になるというより、ひたすら落ち込んで沈んでいく感じでした。人生で「これ以上辛いことって、もうないんじゃないか」と思うような経験も、何度かあって。だから、そういう出来事には“慣れてるつもり”でいても……家族を失うことに関しては、切り抜ける術なんてないのかもしれないですね。 黒田： ペットロスが厄介なのは、自分より若い存在が先に亡くなっていくことが、最初からわかっているところかもしれないですね。もちろん、お子さんを亡くされた方もいらっしゃるけれど、ペットの場合は「いつか来る」と知ったうえで迎えている。程度の差はあっても、喪失はどこかで待っている。そこが、人間の家族とは違うのかなと思います。 曽我部： だからこそ、自分より先に逝く存在から「死」について何かを教えてもらうとか、受け取るものがあるんじゃないか、とも考えながら暮らしていますね。子どもたちにとっても、あれだけ大好きなこはるが先に逝くというのは、きっと何かを学ぶ経験になる。それが糧になってほしいな、と今は思っています。 お別れを“覚悟して飼う”というより、今を大事にするしかない。こはるがいて、僕らがいて、「今日もいい一日だった」っていう日を重ねていく。その先に、ある日お別れが来るんだろうな、という感じです。

── お話を聞けば聞くほど、サニーデイ・サービス「桜 super love」の一行目〈きみがいないことは きみがいることだなぁ〉は、すべてが集約されたすごい詩だなと思います。 曽我部： 下北沢に桜並木の緑道があるんですけど、夜中にそこを散歩してたんです。ちょうど気持ちが沈んでた時期で、そのとき、ふっと言葉が降ってきた。花びらと一緒に。本当はベッドから出たくない。でも散歩には行かなきゃいけない。絶対に一日一回は外に連れ出される。だから今となっては、あれがあってよかったなと思ってます。 黒田： 「Sometime In Tokyo City」に出てくる犬も、こはるちゃんのことですか？ 曽我部： そうです。コロナの時期って、いろんなものが一変して、自分もこれまでになかった不安を抱えたんですよね。でも家に帰ると、こはるが寝てて、ペロペロ舐めてきたりする。そこで「そうだよな」って思う。社会の状況も自分の状況も変わったけど、本質的なものは変わってない。今日も寝て、明日起きるだけだよなって。あれは救われました。こはると出会ってなかったら、自分はどんな人生になってたかなって、いつも考えます。いてくれてよかったなと。 黒田： 僕も離婚したばかりの頃、どんべえと二人きりになって、お金の不安もあるし、この先どう生きていくんだろうって、完全に孤独に打ちひしがれてました。でもどんべえは、朝になれば必ず「散歩連れてけ」なんですよね。慰めるわけでも、状況をわかってるわけでもなく、「朝だから行こう」って。だから僕も、行かなきゃいけないから行く。それを毎日繰り返してた。 もしあれがなかったら、家に閉じこもって悶々として、引きこもったままになってたかもしれない。生活のリズムを作ってくれたという意味でも、やっぱりどんべえには救われました。 曽我部： その後、どんべえは黒田さんと元奥さんの家を行き来する「二拠点生活」になって。 黒田： はい（笑）。夫婦関係はいったん終わったけど、どんべえを看取るまでは「最後まで一緒に育て上げる」というプロジェクトが終わってなかったんですよね。そこまで含めて、どんべえのおかげだな、ありがたいなと思ってました。 曽我部： いまは保護猫の預かりボランティアをされているんですよね。また動物を迎え入れて、一生面倒を見ることも考えたりします？ 黒田： たまに想像はします。でも、どんべえがあまりにも特別だった、っていうのは大きいですね。それに、迎えるときって勢いとか偶然が先にあって、飼いながら覚悟が生まれてくるじゃないですか。けど一度見送ってしまうと、次はもう「覚悟なしでは迎えられない」。あの初期衝動には戻れないんですよね。だから、それでもまた迎える人たちはすごいと思う。嫌味じゃなくて。僕はまだ、そこまで踏み切れないです。

曽我部： 僕は、犬との人生って本当に素晴らしいと思えたから、こはるが亡くなったあともまた犬を飼いたい、って今は思ってるんです。でも、まだ経験してないから実際どうなるかはわからない。黒田さんみたいな気持ちになる可能性もあると思うし……。うちのマネージャーも猫を看取ってから、その後は迎えていないし、スタッフにも数年前に犬を亡くして以来、飼ってない人がいる。だから、その気持ちも想像できるんですよね。 黒田： 曽我部さんの「犬との生活が素晴らしいから」というのも、すごくわかります。「亡くなるのがつらいから飼えない」というより、日々の現実があるじゃないですか。お金もかかるし、移動や預け先の問題もある。二度目は、そういう現実を最初から計算してしまうんだと思いますね（笑）。 ‭‬‬‬‬‬‬‬‬‬‬‬‬‬ ── 改めてこの本は、黒田さん自身が批判されかねないことまで書かれているのが、文筆家として勇気があるし、誠実だなと思いました。 黒田： ありがとうございます。「最後の瞬間まで冷静に、誠意を持ってやり切れました」と言い切るのは、やはり嘘になると思ったんです。だから、魔が差した瞬間や、自分が崩れた瞬間も含めて、ちゃんと書かなきゃいけない。その気持ちは強かったです。 曽我部： すごく尊い本だと思います。誰しも、いつか迎える日があるじゃないですか。そのときの心構えというか、「人間ってこのくらいもろいんだ」ってことを……失礼な言い方だけど、突きつけられる。読んでいて「みんなこうなるんだよな」と思いました。犬でも猫でも、長く一緒に暮らしている人にとっては、大事な本になると思います。 黒田： 曽我部さんに読んでいただいたこと自体が、まずありがたかったですし、帯も、僕が伝えたかったことを短い言葉で的確に凝縮してくださって、本当に感謝しています。こうしてまたお会いできたことも、単純にうれしかった。いただいた言葉は宝物です。

2026年3月29日、世界トップクラスの10代アーティストが集結したエンターテインメントフェス『ZERO FES 2026』が開催され、グランドオープン直後の高輪ゲートウェイシティが熱気に包まれた。 主催者は、現在15歳の天野凱斗（Gaito Amano）。10歳のときに始めた「Dear My Future Friends」は、「世界中に友達をつくる」ことを目的としたプロジェクトであり、アポなしで大使館を訪問し、20カ国の友人とつながった実績を持つ。

その実体験をもとに14歳で起業。現在は、イベントプロデュースやプラットフォーム運営を手がけるクリエイティブエージェンシー「IDEAR（アイディア）」を率いている。開催直前のインタビューで「これから未来をつくっていく世界の10代が国境や垣根を超えてつながり、オンラインの外側にある可能性を拡張していく」と語った彼のビジョンがどのような光景となって現れたのか。熱狂と多幸感に満ちた1日をレポートする。

開催日となった3月29日。この3月にグランドオープンしたばかりの最新街区・高輪ゲートウェイに折しも都内は桜が満開を迎え、和やかなセレモニームードが漂っていた。今回、『ZERO FES 2026』の舞台となったのは、駅直結のカンファレンス施設・TAKANAWA GATEWAY Convention Center。改札を出てすぐの地下へと続くエスカレーターには、一目で参加者だとわかるファッションに身を包んだおしゃれなティーンエイジャーたちが次々と流れ込んでいく。

入場ゲート前には巨大なフォトパネルが設置され、スマートフォンのシャッターと高揚感に満ちた声が響く。待機列に並ぶ来場者たちに手渡されたのは、入場用のリストバンドと、1枚の自己紹介カード。「友達づくりの場」であることを具現化した仕掛けだ。デジタルネイティブな世代が、名前や好きなことを自由に書き込んだアナログなカードを手に会場へ入る。その姿に、これから始まる「リアルな繋がり」への期待感が膨らんだ。

会場に一歩足を踏み入れた瞬間、そこには「10代が主役のフェス」という言葉から連想される手づくり感や微笑ましさは微塵もなかった。そこに広がっていたのは、純粋にエンターテインメントの興奮を最大化するために計算し尽くされた空間レイアウトだ。

とくに驚かされたのは、妥協を一切排除した厚みのある音響。BabyChiefDoitが放つ、荒々しく重厚なベースラインが特徴のシカゴ・ドリルをはじめ、緻密なリズムを構築するELFIGOやTim BlissのモダンなEDM、DJ MICHELLEの卓越したスクラッチ。ライブドラムとDJセットを融合させるCezary Machejなど、多様かつ多彩なアーティストラインナップからも「音」への徹底したこだわりは必要不可欠だったといえるだろう。そして、ここが世界基準のアーティストを迎えるにふさわしいステージであることを明瞭に示していた。

フロアの両サイドに設置された巨大なスクリーンには、ステージ上のパフォーマンスがリアルタイムで映し出される。スクリーンの足元に設置された、幻想的に発光するオブジェのようなスツールにも目を惹かれた。ステージ前に渦巻く興奮と、腰を下ろしてマイペースに揺れるムードが同居する空間には、思い思いに楽しむことを許された心地よい余白が感じられた。

会場には、ドローンが縦横無尽に駆け巡り、多角的な視点の映像をスクリーンに送り込む。操作するのは、プロデューサーGaito Amanoのクラスメイトであり16歳の高校生ドローンレーサーとして世界選手権への出場経験をもつ山本悠貴選手だ。音、光、映像、そして最先端のテクノロジー。これらが融合した上質な空間は、ある種のナイトシーンの予行練習としても完璧な非日常の輝きに満ちていた。

ステージ上のパフォーマンスはさることながら、会場内に展開された3つの企業ブースも観客が主体的に楽しむ場として『ZERO FES』が用意した重要なコンテンツだ。開催直前のインタビューで「ここで新しい自分に出会い、まだ目覚めていない才能に気づいてほしい」とGaito氏が語ったように、好奇心をくすぐるさまざまな仕掛けを来場者も積極的に楽しんでいた。ここでは、企業ブースの一部にフォーカスして紹介する。

Instagram投稿はこちら 「ZERO FES Make-up LAB by Shiseido Beauty Academy」 資生堂ビューティーアカデミーのブースでは、プロのメイクアップアーティストを目指す学生たちが来場者に「限定スペシャルメイク」を実施。日常では体験できないフェス仕様の華やかなメイクに目を輝かせる来場者の姿が印象的だった。

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「Spotify DJ Photo Booth Experience」 ひときわ大きな人だかりができていたSpotifyブース。『ZERO FES』のロゴがあしらわれた本格的な機材が鎮座するフォトエリアで、DJを擬似体験できるこの場所では、友人同士で機材を囲みポーズを決める若者でつねに賑わっていた。

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「Adobe Firefly オリジナル缶バッジ製作」 生成AI「Adobe Firefly」を使い、『ZERO FES』のロゴをベースにオリジナル缶バッジを制作できるサービスを提供。最先端のテクノロジーでイメージをかたちにする施策は、クリエイティブを身近に楽しんでほしいというフェスの姿勢が体現されていた。

EVENT INFORMATION

ZERO FES 2026

2026.03.29（日） TAKANAWA GATEWAY Convention Center（LINKPILLAR Hall A,B,C）

詳細はこちら

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2026年4月22日（水）より、TAKANAWA GATEWAY CITY内の文化実験型ミュージアム「MoN Takanawa: The Museum of Narratives」にて、開館記念特別公演『MANGALOG […]

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2026年4月22日（水）より、TAKANAWA GATEWAY CITY内の文化実験型ミュージアム「MoN Takanawa: The Museum of Narratives」にて、開館記念特別公演『MANGALOGUE（マンガローグ）：火の鳥』がスタートする。 MoN Takanawaの開館記念特別公演として上演される本作は、『火の鳥 未来編』を巨大LED、ロボットアーム、豪華キャストの声とライブナレーションによって再構築した、これまでにないイマーシブ体験型パフォーマンスだ。AI、環境問題、永遠の命——時代を超えて響くテーマを、観客全員で“浴びる”新しいマンガ体験として提示する。 手塚治虫が約60年前に描いた“未来”は、いま私たちの現実とどう重なるのか。

“読む”から“浴びる”へ。マンガ体験をアップデートする新フォーマット

本作の最大の特徴は、“マンガを読む”という行為そのものをライブ空間へ持ち込んだ点にある。 舞台となるのは、巨大LEDを全面に備えた最新シアター空間「Box1000」。手塚プロダクション監修のもと、本公演のために新たに着彩された100枚以上の『火の鳥』原稿が巨大スクリーンに映し出され、ページを読み進める時間の流れやコマ割りまでもが演出の一部として機能する。 さらに、サウンド、照明、テクノロジー演出に加え、舞台をナビゲートするロボットアームが観客の視線を物語へと導く。普段は一人で味わうマンガ体験が、ここでは観客全員で共有するライブアートへと変貌する。

豪華キャストとAI音声が、未来編の世界観を立体化

声の出演には、山寺宏一、夏木マリ、梶裕貴、本郷奏多、古田新太、あのといった豪華キャストが集結。 さらに注目したいのは、物語の鍵を握るAI「ハレルヤ／ダニューバー」役として、松任谷由実のAI音声プロジェクト「Yumi AraI」が参加する点だ。 AIが人類の未来を左右する存在として描かれる本作において、AI音声によるキャスティングは、作品のテーマと現代社会を鮮やかに接続する象徴的な試みと言えるだろう。 また、観客を物語世界へ導く“マンガローガー”として、又吉直樹、寺脇康文、花總まり、古川雄大、小森隼（GENERATIONS）、新内眞衣、千葉一磨が出演。公演ごとに異なる出演者によって、体験のニュアンスが変化するのも本作ならではの魅力だ。

1967年の“未来”が、2026年の現実と重なる

原作『火の鳥 未来編』の舞台は西暦3404年。電子頭脳が支配する未来社会の中で、環境崩壊、文明の終着点、そして "いのち”の意味が描かれる。 1967年に発表された作品でありながら、AIやクローン技術、環境問題といったテーマは、いまを生きる私たちに驚くほどリアルに響く。約60年前に描かれたこの物語は、単なるSFではなく、現代社会に対する鋭い問いかけとして再び立ち上がる。

MANGA文化の原点を、次世代のカルチャー体験へ

『MANGALOGUE：火の鳥』は、単なる舞台化や映像化ではない。 それは、日本が世界に誇る“MANGA”文化の原点を、テクノロジーとライブ体験によって再編集し、次世代のカルチャーとして提示する試みだ。マンガ、演劇、映像、AI、空間演出——そのすべてが交差する本作は、まさにいま観るべき新時代のイマーシブ・エンターテインメントと言えるだろう。 会期は5月16日（土）まで。手塚治虫が描いた“未来”を、いまのテクノロジーと空間演出で体感できる貴重な機会となるだけに、ぜひこの新感覚のマンガ体験を現地で味わってみてほしい。

EVENT INFORMATION

MANGALOGUE（マンガローグ）：火の鳥

会期	2026年4月22日（水）〜5月16日（土）
会場	Box1000（MoN Takanawa: The Museum of Narratives 内）
住所	TAKANAWA GATEWAY CITY
原作	手塚治虫『火の鳥 未来編』
主催	MoN Takanawa: The Museum of Narratives／TBS
企画制作	MoN Takanawa: The Museum of Narratives／TBS／Bascule Inc.
出演（VOICE CAST）	山寺宏一／夏木マリ／梶裕貴／本郷奏多／古田新太／あの／Yumi AraI
出演（STAGE CAST）	又吉直樹／寺脇康文／花總まり／古川雄大／小森隼（GENERATIONS）／新内眞衣／千葉一磨
チケット	一般：4,500円〜5,500円（税込）／U25：4,500円／小学生以下：3,000円
詳細	特設サイトにて確認ください。

特設サイト 公式Instagram

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フジロックのキックオフイベント＜SMASH go round FUJI ROCK NIGHTS 2026＞をレポート。浅井健一、never young beachのライブとともにFUJI ROCK FESTIVALの世界観が渋谷に広がった一夜。

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7月24日（金）、25日（土）、26日（日）に新潟県湯沢町・苗場スキー場で開催される＜FUJI ROCK FESTIVAL ’26＞（以下、フジロック）。そのキックオフイベントとなる＜SMASH Go Round FUJI ROCK NIGHTS 2026＞。昨年も大好評だった本イベントが4月3日（金）にSHIBUYA CLUB QUATTROで開催された。フジロックを身近に感じられる催しと一夜限りのスペシャルライブで、今年も渋谷が大いに盛り上がった。

4Fエリア：入場無料！フジロックにまつわるアクティビティで世界観を再現

17時より無料開放された4Fエリア。1997年から現在までの歴代ポスターや多彩なアートワーク、貴重なライブ写真がずらっと展示され、置かれているブックレットを夢中で読むお客さんや、過去のポスターやライブ写真を見ながら歓談するお客さんなど、フジロックの歩みを振り返るこの空間は、多くの方で賑わった。

さらに、ところ天国名物「玉子サンド」と、iichikoによる特製「いい茶こ」の販売など、フジロックならではのフード＆ドリンクも登場。大人だけでなく子供にも大好評だったのは、1回100円で挑戦でき、フジロックの森ステッカーや定価500円〜5600円のグッズが当たる「フジロックの森 ハズレなしガチャ！」だ。THERMOS（サーモス）とのコラボボトルなど豪華賞品に大人も子供も大興奮。終演後には、置かれたカゴが空のカプセルで埋まるほどの人気ぶりであった。 今年のフジロックのチケットやオフィシャルグッズの対面販売、オフィシャルツアー相談所では、客とスタッフのコミュニケーションの場となり、わからないことを聞いたり悩みを相談したりする人々で賑わいを見せた。

5F：スペシャルライブ & DJセット

5Fエリアでは、2026年のフジロックを盛り上げる2組のアーティストとDJによるスペシャルライブが開催された。

苗場音楽突撃隊 GUEST：浅井健一

リトル・リチャードの有名曲カバー“Good Golly Miss Molly”からスタートしたライブで、フロアのボルテージは一気に加速した。踊るような鍵盤の音色とトランペットのアクセントが軽快で、オールディーズにそれほど詳しくない人も思わず身体を揺らしてしまうほどである。“Whole Lotta Rosie”や“Sympathy For The Devil”など、往年の人気ロック曲を披露するタニーのシャウトは力強く心地よい。

歪んだギターが鳴り響くと、フロアの空気は一変する。ヤマジにメインボーカルが移り変わった“I Wanna Be Your Dog”は、ザ・ストゥージズの原曲よりもはるかにハードロック寄りで、もはやヘヴィメタルのようなアレンジであった。ヘッドバンギングを繰り返し、メロイックサインを掲げるオーディエンスの姿も見られた。

ここで、ゲストの浅井健一が登場。「久しぶりにフジロックに呼んでもらえて嬉しいです。ありがとう」と語り披露した楽曲は、JUDEで知られる“シルベット”。アコースティックな演奏と浅井の歌声からは、澄んだ青空がイメージされ、苗場で聴く光景を想起させるものであった。 続いて披露されたのは、BLANKEY JET CITYの名曲“DERRINGER”と“ガソリンの揺れかた”。浅井の独特なワードセンスとウッドベースの音が光る“DERRINGER”、そして2000年のフジロックでも披露された“ガソリンの揺れかた”。開演前から多くのブランキーファンの姿が見られたが、どちらの楽曲でもフロアは大きな熱狂に包まれていた。

「Thank you everyone!!!」 多くを語らずとも、その一言だけで場を圧倒する。ロックミュージシャンの放つ輝きを見せつけ、ステージを後にした。 なお、この日は『じゃんけん大会』も開催され、優勝者にはメンバー全員と浅井のサインが入ったTシャツがプレゼントされた。ハードボイルドな風貌とは裏腹に、遊び心と和やかな雰囲気も苗場音楽突撃隊の魅力である。

never young beach

ゆるやかな雰囲気でスタートしたネバヤンの1曲目は“らりらりん”。 “らりらりらりらら”のパートでは、手を振りながらオーディエンスもシンガロングし、会場に一体感が生まれた。“気持ちいい風が吹いたんです”では、今の季節を象徴するような穏やかな空気が広がる。 キャップにスタジャンを纏った安部（Vo／Gt）はゆらゆらと踊りながら観客を煽り、フロアを温めていく。今年に入ってから初めてのライブだという彼らは終始ご機嫌な様子で、時折トリプルギターの音圧を炸裂させた。安部愛を叫ぶファンの声に対して「打ち上げ花火みたい」と応える場面もあり、会場は和やかなムードに包まれていた。

フジロックのロゴがあしらわれたフラッグを「速い車のレース（F1）の旗」とメンバーが盛り上がる場面では、笑いが巻き起こるなど、終始リラックスした空気の中でライブは進行。 “こころのままに”では一転して静寂へ。ノスタルジックでサニーデイ・サービスを彷彿とさせる同曲は、まるで静かな夜の海を眺めているかのような余韻を残した。

ラストは“明るい未来”、“夏のドキドキ”で心地よいグルーヴのまま終演……かと思いきや、鳴りやまないアンコールに応え“帰ろう”をサプライズ披露。あたたかい拍手に包まれながらステージは幕を閉じた。

DJ POKASKA（from 苗場）

実験音楽とダンスミュージックのはざまを開拓するプレイを得意とするDJ POKASKAが、シンセサイザーを用いた豊かな音色で、ライブのスタート前や転換時間、終演後の空間を彩った。時にはフロアをほどよくクールダウンさせ、時にはお酒片手に踊れるエレクトロニック・ダンスミュージックを披露するなど、その場のオーディエンスを大いに盛り上げた。

ジャンルレスな音楽やアクティビティ、美味しいグルメが楽しめる、フジロックの空気感が凝縮された＜FUJI ROCK NIGHTS＞。和やかなムードで幕を締め、7月に向けての華々しい幕開けとなった。

Text by Yuika Yamazaki Photo by Kosuke Kobayasi Edit by Qetic編集部

EVENT INFORMATION

SMASH go around FUJI ROCK NIGHTS 2026

2026.04.03（金） 渋谷CLUB QUATTRO 4F＆5F（東京都渋谷区宇田川町 32-13 4F） OPEN 18:00／START 19:00 詳細はこちら

FUJI ROCK FESTIVAL ’26

会期：	2026年 7月24日(金)・25日(土)・26日(日)
会場：	新潟県 湯沢町 苗場スキー場
公式サイト：	www.fujirockfestival.com

 

出演アーティスト日別一覧

7/24（金） The xx ASIAN KUNG-FU GENERATION / Hi-STANDARD TURNSTILE ARLO PARKS / HYUKOH / LETTUCE ALTIN GÜN / CHAPPO / 奇妙礼太郎BAND / KOTORI / maya ongaku My Hair is Bad /OGRE YOU ASSHOLE / SNAIL MAIL / SON ROMPE PERA / SORRY TESTSET / TINARIWEN / w.o.d. / Wata Igarashi / Yo-Sea

7/25（土） KHRUANGBIN Fujii Kaze / TOMORA / BASEMENT JAXX BADBADNOTGOOD / サニーデイ・サービス / XG THE BETHS / Bialystocks / BOHEMIAN BETYARS / ブランデー戦記 / cero IO JOEY VALENCE ＆ BRAE /KELLY LEE OWENS / KOKOROKO / Kroi LA LOM / OAU / QUADECA / Riddim Saunter 柴田聡子(BAND SET) / SIX LOUNGE / Soichi Terada HURSTON MOORE / Trueno / 唾奇 / YUUF

7/26（日） MASSIVE ATTACK 平沢進+会人 / MITSKI / MOGWAI AMERICAN FOOTBALL / never young beach / Tempalay /ANGINE DE POITRINE / Aooo / 浅井健一 / THE BREAKS / the cabs / DONAVON FRANKENREITER FRIKO / GEORDIE GREEP / GOGO PENGUIN / GRAPEVINE / 平井 大 / んoon ICHIRO YAMAGUCHI / KIRARA / LAUSBUB / The Lemon Twigs PLINI / 礼賛 / SOFIA ISELLA / TAKKYU ISHINO / TĀL FRY ……..and more artists to be announced

© Qetic Inc.

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高岩遼がデジタルシングル“Ain’t Nobody’s Business”をリリース。『TAKAIWA』でスタンダードを提示した彼が、80’sジャズファンクで新章を切り開き、「ポップスター」としての活動を描くインタビュー。

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2025年9月に7年ぶりとなったジャズ・フルアルバム『TAKAIWA』で、自身のスタンダードを提示した高岩遼。その到達点の先で彼が選んだ次なる一手は、80'sの匂いを纏ったジャズファンクだった。2026年4月8日にリリースされたデジタルシングル“Ain't Nobody's Business”は、ジャズやブルースを基盤に、ドラムマシン、シンセベース、ダンスグルーヴを現代的かつ高岩流の解釈で融合させた大人のダンスチューン。Nao KawamuraとGrace Aimiを迎えたコーラスや、Kazuki Isogaiとの再合流、Kosuke Kawamuraによるアートワークなど、信頼するクリエイター陣とともに、高岩遼はこれまでとは一味も二味も違うサウンドとビジュアルで新章を切り拓いている。「ポップスターになる」と語る彼はいま、真剣にふざけながら、自分だけの“SPECTACULAR”を描き始めた。

Interview：高岩遼 NEW高岩が思い描くポップスター 結局はオール・イズ・ジャズ

──髪、伸びましたね。 伸ばしてます。後期の尾崎紀世彦さんみたいにしたくて。 ──ぴったりですよ。似ていると思ったことあります。 本当ですか。うれしい。 ──まずは前回のロングインタビュー以降について。RADIALLとシグネットピンキーリングを共同製作、INFでBS-TBSドラマ『ゲームチェンジ』のオープニングテーマ曲、千葉雄喜との新ユニット・NijizのリリースとLIVE。年明けは、〈As One〉や〈TIDE TIME〉でのパフォーマンスやKENTACATS『CMS’S WAREHOUSE』のリミックス、WILDSIDE YOHJI YAMAMOTOとNEIGHBORHOODのコレクションでモデルなど、トピックが多かったですね。 『TAKAIWA』以降、ストリートライブをやっていたころにお世話になった人たちとか、いろいろな職種の人たちからご連絡をいただくことが多くて。俺の中であのアルバムは、ひたすら王道をゆく高岩遼のジャズへの愛を表現した作品だったわけですが、真新しいものとして聴いてくれる人たちが想像以上にいた。そういうピースになってくれたことで、今までやってきたことが無駄ではなかったと思えましたし、周りの人たちに支えられていることも再確認しました。 ──自らをさらけ出したアルバムでしたが、そういった周囲の反応は予想していなかった？ まったく。だからすごくうれしかったですね。『TAKAIWA』の余波がまだ続いています。 ──そういえば前回のインタビューで、昨年の９月に都心から離れた自然豊かな土地に引っ越したと仰っていましたが、それも現在のいい状態に作用している部分はありますか？ ありますね。俺の性分に合っていたのかも。都心までもちろん遠いけど、わかりやすく仕事として出かけるっていうのが、大事だったのかもしれない。それにいまは周りに誘惑もなにもない。生活＝音楽のクリエイティヴのために､それから丁寧な毎日を送るために､拠点を移したまでです｡大したことない｡ ──音楽と向き合う環境が少しずつ整いつつあるわけですね。ここからは、4月８日リリースのDIGITAL SINGLE “Ain’t Nobody’s Business”についていろいろと伺えればと。 『TAKAIWA』を出して、Qeticでのロングインタビューを終えた時点で、俺の上京してからの長い第1章が終わったと思えたんですね。だから次はNEW高岩であり、高岩遼を全部さらけ出したあとに、どうステージに戻ってくるのか。そう考えたときに……ポップスターにならなきゃいけないわけですよ、高岩遼は。今の日本のシーンにいるスターたちとは、また別のポップスター。それはなんだとかなり苦悩した日々を送りました、でも、もう閃いたのでバッチリです。 ──閃いたとは？ 華やかなステージにこそ、高岩遼の魅力があって、それに伴う楽曲を作らなきゃいけない。みなさんが「なんてSPECTACULARなんだ！」と思える内容を届けていくことで、その先にポップスターがあるはずだと。その考えの先に閃いたのが──ファンクだと。 いま売れているものを咀嚼して、紐解いて似せたものが作れるかと言えば、俺はできない。やったとて、それが似合わないミュージシャンですよ。じゃあもう逆サイドに行かないと。行ったり来たりせずに、自分の好きな音楽をストレートにやった方がいい。愛を、歌うしかない。 80'sのファンク、ディスコ、ニュージャックスウィング。それをやろうって。親の青春の音楽たち。ただしやってみてパッケージしてみたら、「なんだ、やっぱりジャズか」と。今回の曲って突っ込んだ話はブルースだけど、歌詞の雰囲気も含めてジャズのエッセンスもたっぷりある。というかある日、「あれ? ジャズボーカルからファンクって、当時のジャズミュージシャンかよ」と気づきました。 ものすごく悩んで、軽く病気にもなって出したものが、やっぱり俺の中ではジャズ。結局は、オール・イズ・ジャズ。ただその中でもやっぱり迎合という意味ではなく、わかりやすさは込めておきたいので、冒頭は日本語の歌謡な雰囲気で始まるとか、そこにジャポニズムのわびさび感なども加えています。この表現が、僕の中の最新ですね。

音楽的ジャンルじゃないサイケデリック ファンクで、ジャズで、ブルース

── “Ain't Nobody's Business”は、知っている人なら知っている有名なラインですが。 そうですね、ブルースの曲でもたくさんありますし。なんで僕がこの曲名をつけたかっていうのは、”The Way You Make Me Feel“という僕がマイケル・ジャクソンで一番好きな曲があって。その曲の後半でマイケルが、“Ain't Nobody's Business”と連呼するところがあり、そこから拝借している世界線です。曲の内容はまったく関係ないですけど、“The Way You Make Me Feel”のスピンオフ版のようなイメージ。まあブルースですよ。女が出ていった男の話ですから。 「テレビをつければ芸能人が引っ付いた離れたをやっているけど、いまの俺には関係ない。だって俺のマブが出ていっちゃったんだよ、助けてくれよ」って曲ですから。だけどこの話は、「俺に恋バナをしてくれるな」ってことなのに、恋バナを歌っちゃっているっていう面白さがあって。 ──高岩遼が好きそうなテーマというか、ユーモアですね。 そうそう、皮肉です。そういうユーモアは、まったくいままで通りですね。 ──サウンド的には、80’sの匂いを感じさせるダンスチューン。ただしただのレトロではない、現代的かつ高岩のフィルターを通した形に昇華していますが、意識した部分は？ 80’sのサウンドはやっぱりシンセサイザー。ドラムは生を避けてますし、各インストゥルメンタルもほぼ自分。コーラスは今年に入ってTRUNK HOTELでライブも一緒にやったNao KawamuraとGrace Aimi、そしてギターはKazuki Isogai。 そういうメンツも含めて、音楽的ジャンルじゃない、サイケデリックをやりたい。ハッキリ言いますよ。高岩遼はシラフでサイケですよ。シンセサイザー感と、ネオンと、ショッキングカラーや機械光学的な部分と、漂うゲテモノ感。最高。 VHSとか80年代スプラッターとか大好きですし、（スタジオにあった昔の映画フライヤーを見せながら）こういうことじゃないですか。劇画タッチで、この声、この顔で、ファンクをやるという感じが、俺の中ではすごくおしゃれだなと思って。この高岩はまだやっていませんから。 ──歌詞に関しては高岩遼らしい言い回しというか、タイトルとも紐づきながらも説明しすぎず、どこか決意表明のようにも聞こえるなと。書くにあたってフォーカスした点は？ 高岩らしさはしっかりと残しつつ、だいぶ派手な曲なのに、めちゃくちゃフォーカスを絞ったことを言うのが、俺の中では大事な趣でして。「みっともねえドブネズミみたいな俺だけど、巷であふれるほかは関係なくいてくれ」っていう男のメッセージでもあるし、バックコーラスが俺に「You like it, don’t ya?」と言うのに対して「いやいや、そんな暇はないんだ」と。 あとは要所にジャズのワードを入れています。“Everybody loves somebody sometime”は”誰かが誰かを愛してる“という、ディーン・マーティンが歌ってヒットした、もちろんシナトラも歌っている古いスタンダード。まあでも歌っている内容はたいしたことない、それが面白い。 ──「俺に関係ない」というフレーズは、いまのスタンスと一致しているのかなと。 上から降りてくる意見も1回は咀嚼するけど、飲み込まないぜっていう。自分を貫くっていう意味でも“Ain’t nobody’s business”だし、そういう意味では歌詞は決意表明にもなっているのかもしれない。ただし自分としてはそこまで考えてなくて、すごく真剣にふざけているだけ。

──今回はビジュアルイメージに関しても、ジャケットイラストはグラフィックデザイナーであるKosuke Kawamura氏、スタイリングはクリエイターのnuga氏、ヘアスタイリングはKunio Kohzaki氏、カメラマンはRyoma Kawakami氏と、高岩遼を知る新旧のメンツで新しい表現にチャレンジしていますね。 Kosuke Kawamura氏が描いてくれたジャケットのイラストは右下にドブネズミがいて、潰れていますけどこれは俺で、まあジャズですね。ライブポスターはもともと映画ポスターのようなことをやりたくて、持っていたこのスタジオにあるプラズマボールを使って、スタイリストのnugaくんとカメラマンのRyomaと作り込みました。プラズマボールの真ん中が地球で、自分は宇宙から来たイメージ。新しいアー写も、nugaくんが俺の中にある素材を引っ張り出してくれて、プレスリー感もあるし、プリンス感もある。そういうビジュアル的なところも、曲を作ると同時に見えてきました。 俺の好きなもの、煮しめて出てきたもの、やっぱこれが好きだったっていうものを素直にやっただけで、今年出していく曲や作品はもう、ファンクで、ディスコで、ジャズで、ブルース。ていうかそれが高岩遼だよねっていう。これが36歳手前の、今の俺がMAXで考えられるポップスですね。

──年齢を重ねて、理想とする音楽性やスタイルが自分に馴染んできた感覚はありますか？ ありますね。行動的な尖りではなく、洗練された尖りというか。力が抜けてきた。昔の高岩は銀座の夜の帷で、スーツの襟を立てて歩くみたいなことだったじゃないですか。それもいいけど、いまはジャズが馴染んできたし、カッコつけないようになってきたというか。これまでは高岩遼を演じていたところがあったと思うけれど、いまは自然体の高岩遼でいられる。うれしい。前回のインタビューでラスカルさんが言ってくれたんですよ。『TAKAIWA』で高岩遼のスタンダードを提示したことで、その延長線でこれからどのように歩んでいっても、みんな納得できるだろうねって。 ──ここまでの話を聞いて、今回の曲をすごく気に入っているのが伝わってきます。 そうですね。めっちゃウケる。あいつなんか、めちゃくちゃ悩んで、ファンクに辿り着いたのかって。『TAKAIWA』以後、いろいろ経て、あげくに「俺に関係ない」って。めっちゃウケる。 ──シングルリリースや新しいビジュアルと共に、SHIBUYA CLUB QUATTROでの『RYO TAKAIWA LIVE 2026 - SPECTACULAR -』（8月26日）の開催が発表されました。 今年の大仕事として、QUATTROに向けて準備していきます。SPECTACULARですからね、見物ですよ。メンバーもいろいろブッキングし始めていますし、ライブ用にも曲を書いています。最近ようやく、やってきたことの点と点が線になる瞬間がけっこうあって、高岩いい感じですよ。ミュージシャンはやっぱりみんな悩んでいるだろうし、売れても悩みはあるだろうし。でも俺は別の次元なのかなって。高岩遼、煮しまったなと。味濃いよ。いま、食べごろです。

Interview & text by Rascal （NaNo.works） Photo：Ryoma Kawakami

RELEASE INFORMATION

Ain’t Nobody’s Business

 

配信日：	4月8日（水）
アーティスト名：	高岩遼

EVENT INFORMATION

RYO TAKAIWA LIVE2026 -SPECTACULAR-

 

公演日：	8月26日(水)
会場：	SHIBUYA CLUB QUATTRO
開場/開演：	18:45 / 19:30
前売 ：	￥5,800 (D別) ＊未就学児童入場不可、小学生以上チケット必要

ぴあ e+ ローチケ 詳細はこちら

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2月某日。都内の一角に用意されたのは、豪華なサウンドシステムでも、仰々しいステージでもなかった。手元のスマートフォンで再生ボタンが押されると、スピーカーから流れ出したのは、フリーが「ようやく時間と空間ができた」と語る、5 […]

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2月某日。都内の一角に用意されたのは、豪華なサウンドシステムでも、仰々しいステージでもなかった。手元のスマートフォンで再生ボタンが押されると、スピーカーから流れ出したのは、フリーが「ようやく時間と空間ができた」と語る、50年近いキャリアで初となる本格的なソロ・プロジェクト『HONORA』の音だ。 そこには、レッド・ホット・チリ・ペッパーズで見せる爆発的なエネルギーとはまた違う、柔らかく、それでいて剥き出しの体温が宿っていた。 「音楽がなければ、今の自分はなかったかもしれない」 ——そんな言葉を、彼は笑いながら口にした。 これまで影響を受けてきたすべての音楽、出会った人々、そして自分自身の血。そのすべてに「愛」があり、等しく「ソウル（魂）」が宿っているのだと彼は言う。世界的なロックスターという鎧を脱ぎ、ひとりの人間として、音楽という「救い」に真っ向から向き合ったフリー。あの親密な空間で、彼が自身の魂のありかを辿るように語った、いくつかの大切な言葉をここに記録する。

トランペットと平穏 フリーにとって、世界はもともと「醜く、偽善に満ちた場所」だったという。そんな環境で手にしたトランペットは、彼にとって唯一、心に平和をもたらすものだった。周囲がどれほど混沌としていても、楽器を吹いている間だけは自分が自分らしくいられる。その「平穏」こそが、彼の音楽の原点にある。 長年のキャリアの中で、時には楽器を見たくないほど疲弊し、音楽と距離を置いた時期もあった。現在のパートナーと出会い、心身が落ち着きを取り戻したのは、そんな時期を経た後のことだ。静かな日常の中で、彼は再び「自分とは何か」を問い直すことになる。 「自分は完璧でも特別に善い人間でもない。けれど、悪い人間でもない」 そう語る彼は、マイルス・デイヴィスやクリフォード・ブラウンに少しでも近づけるかと自問しながら、今も一音一音と向き合っている。彼にとって、ジャズというジャンルへの挑戦はテクニックの誇示ではない。50年の旅を経て、もう一度あの頃の「平穏」を取り戻すための、極めて個人的な試みなのだ。 自由と制作 フリーの義父はジャズ・ミュージシャンだった。「ジャズこそが最高で、ロックはくだらない」と言われて育った彼は、その反発からロックの道へ進んだ。正規の音楽教育を受けていないこともあり、ジャズというジャンルに対しては、どこか躊躇や距離を感じていたという。 その意識を変えたのが、近年のロサンゼルスのジャズ・シーンだ。カマシ・ワシントンやジェフ・パーカーといったアーティストたちは、理論に縛られず、ジャンルを横断しながらオープンに表現する。その姿勢に感化されると同時に、彼らの音楽からは現状を突破しようとする闘争心を受け取った。「一時期のジャズにあった、理論ばかりの頭でっかちな感じが好きではなかった。でも今の彼らを見て、見方が変わった」と彼は振り返る。 カマシたちと実際に関わっていく中でわかったのは、彼らがジャズ至上主義ではなく、互いにすべてをさらけ出せる人たちだということ。 今回のアルバムのメンバーについても、言葉はシンプルだ。ウッドベースにアンナ・バターズを起用したのは「彼女の演奏が好きだから」。トム・ヨークとの共作曲については、当初歌を入れる予定はなかったが、デモを聴いたときに自然と彼の顔が浮かんだ。「友人であり、家族でもある」——そう言い切れる関係だから、声をかけた。 彼にとってのジャズは、もはや敬遠していた「理論」ではなく、気心の知れた仲間と鳴らす「自由な対話」へと形を変えている。 家族と日常 アルバムタイトルに冠した『HONORA』は、二世代前の祖母の名に由来する。出演したテレビ番組を通じて知ったという彼女の半生は、アイルランドでの貧困、オーストラリアへの移住、そして闇市で酒を売りながら生き抜くという、壮絶なものだった。フリーは、その凄惨とも言える家族の歴史を、自身のルーツとして淡々と受け入れている。 今の彼の生活は、驚くほどシンプルに整理されている。朝起きて祈り、練習し、食事を摂り、家族と過ごす。読書や映画を楽しみ、時には邪魔になるというスマートフォンを意識的に遠ざける。多感な自分をいかに簡素に保ち、音楽に反映させるか。それだけを意識しているという。 かつては結婚に対して否定的だった価値観も、現在のパートナーとの出会いを経て変化した。「幼い頃の自分が見たら、よくやったと思うだろう」と笑う姿には、力みがない。 彼にとっての「ソウル」とは、特別な瞬間にあるものではない。過酷な先祖の歴史も、朝の祈りも、仲間と鳴らす一音も、すべて地続きだ。その日常の延長線上に、今回のアルバムは置かれている。

友人の家のリビングでくつろぐような、親密な空気の中で響いた楽曲たちは、めまぐるしく表情を変えながら私たちをいくつもの鮮やかな場所へと連れて行ってくれた。それは、共に走ったり、踊ったり、時に寝転んだりするように、フリーと一緒に音の中で遊んでいるような心地よい体験だった。 そこから溢れ出していたのは、信頼するメンバーたちと音を交わす喜びだ。彼が教えてくれたのは、音楽とは知識や理屈ではなく、「人が楽しく音を鳴らすこと」そのものなのだという、シンプルで力強い真理だった。 『HONORA』を聴くとき、そこにはフリーというひとりの人間の魂がある。理論でも肩書きでもなく、50年かけて辿り着いた、彼自身のソウルのありか。耳を傾ければ、その感覚に触れることができるはずだ。

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10代のフェス『ZERO FES 2026』プロデューサー天野凱斗が、DJ ELFIGO（エルフィゴ）やBabyChiefDoit（ベイビ－チーフドゥーイット）ら世界トップクラスの10代アーティストを集め、高輪ゲートウェイで開催。

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2026年3月29日、高輪ゲートウェイ駅直結の「TAKANAWA GATEWAY Convention Center」にて、世界トップクラスの10代アーティストが集結するエンターテインメントフェス『ZERO FES 2026』が開催される。主催者は、15歳のプロデューサー・天野凱斗。「友だちづくり」を起点に11歳で自身の会社「IDEAR」を起業、10代だからこそ描けるビジョンの出発点として『ZERO FES』を立ち上げた、今注目すべき人物だ。 2025年7月以来、第2回目となる今回は、スケールアップしての開催となる。 イビザの天才と称されるSNS総フォロワー200万人超のDJ ELFIGOをはじめ、Billboard Hot 100入りを果たした米国の17歳ラッパー・BabyChiefDoitの初来日が決定。会場ではShiseido beauty Academy、Spotify、アドビといった企業とのコラボによる体験型ブースも展開され、10代が自ら「つくる側」として参加する新しいカルチャーの発信地となる。 「Nothing is everything」を掲げ、各国のアイコンたちとワンチームで挑む『ZERO FES』。今回は、プロデューサーである天野凱斗のパーソナリティや20歳までに見据える壮大なビジョンから、『ZERO FES』が描く未来までを紐解いていく。

Interview：天野凱斗
 
ティーンによる世界規模の
革新的イベント『ZERO FES』とは

――今回は、主催者である天野さんのパーソナルな面も掘り下げながら、『ZERO FES』についてお話を聞いていきたいと思います。よろしくお願いします。 よろしくお願いします。 ――『ZERO FES』の第1回目を開催されたのは昨年の7月、つまり天野さんにとっては中3の夏。中学校って、学業だけでも忙しいですよね。そうしたなか、「10代がプロデュースする10代中心の世界規模カルチャーフェス」は、どういった経緯で始動したのでしょうか？ このフェスをスタートさせた動機のひとつに、「今こそ10代が繋がるべきだ」という考えがありました。社会にさまざまな問題がある中で、10代が実際に国境を越えて繋がることで、なにか新しいものが生まれるのではないかと感じていたんです。昨年の第1回では、実際に繋がることで生まれるエネルギーを強く実感し、10代だからこそ出会った瞬間に仲良くなれる特別な空気感がありました。

――デジタルネイティブである10代にとって、SNSなどオンラインでの繋がりと同じ空間に集まることの決定的な違いはどこにあると感じますか？ 僕が思うに、SNSは、アルゴリズムによって自分に最適化された「おすすめ」ばかりが表示される傾向にありますよね。そのため、自分とは異なるものとの出会いや新しいことに挑戦する機会が狭まったりする部分もあると思うんです。対して、リアルで繋がるからこそ、友達になって一緒になにかを創り上げられる仲間になれる。リアルな場での交流だからこそ起こるなにかがある。という確信がありました。 ――パーソナライズされた情報の外に、新しい可能性が広がる『ZERO FES』は、それを体現する場ということですね。フェスのタイトルには、どのような想いが込められているのでしょうか。 「ゼロ」ってすごく抽象的な言葉ですよね。受け手によって定義や想いが違う。解釈を限定しない言葉を探していたとき、この「ゼロ」が自分の中でピタッと決まりました。特定のジャンルに特化せず、様々な国から違う武器を持った10代が集まる場所だからこそ、色をつけない「ゼロ」がふさわしいなって。

「ゼロ」という言葉には、単に何もないという意味ではなく「ここから何でも始めていける」という想いを込めています。裏テーマとして掲げているのは『Nothing is everything』です。10代は「まだ何もできない」と思われがちですが、みんな集まれば大きなことが成し遂げられる！　という証明をしたい。そして、まだ目覚めていない才能や可能性が広がる場所にしたいんです。たとえば、今回はDJやダンサー、シンガーだけでなく、Shiseido beauty Academyさんと連携したメイクアップブースなど、さまざまな体験型コンテンツを用意しています。そこで「自分はメイクが好きかも」「ダンスに挑戦してみたい」といった、新しい自分に出会えることがこのフェスの強みです。

JR東日本のバックアップと「奇跡」の来日ビザ

――情熱や具体的なビジョンがあっても、現実的に難しいことも多かったのではないかと感じます。第1回開催までの過程で、大きな転機となった出来事はありますか？ まずひとつ、JR東日本さんがチャンスを与えてくださったことは非常に大きな後押しでした。10代にこれほどの機会が与えられることは、まずないことだと思います。僕たちのパッションやさまざまな奇跡が重なり、開催が決定しました。そこからは、「やるからには必ず着地させる！」という一心で、全力で取り組みました。海外アーティストへの交渉やビザの問題など、数多くの課題がありましたが、奇跡のような出来事の積み重ねで実現にこぎつけました。 なかには本当にギリギリの場面もありました。たとえば、前回出演してくれたチリのラッパーであるMC Millarayのビザが取れたのは、彼女が飛行機に乗る朝だったんです。時差もあり、日本はすでに真夜中。もう出演は無理かと、ほとんど諦めかけましたが、朝起きたら「興行ビザが手配できた」と連絡がきていたんです。 あとでわかったのですが、彼女は自国で英雄的な存在らしく、国がバックアップしてくれたようなんです。ちなみに彼女はその後、ケンドリック・ラマーのライブでオープニングアクトを務めるなどさらに活躍しており、僕もすごく驚いています（笑）。 他にも、国によってはビザ取得の手続きがとても複雑だったりと、時間も経験もない中で課題は山積みでした。だけど、そうした困難をIDEARメンバーと奇跡的に乗り越えられたことで、JR東日本さんからも「次もやりましょう！」と言っていただけた。コンベンションセンターの全ホールを使用するという、前回とは比較にならない広大な空間で、第2回を開催できることになりました。 ――規模もさることながら、出演アーティストもパワーアップしています。『ZERO FES』のアーティストラインナップの決定プロセスは？ アーティストのキャスティングに関しては、今この瞬間の10代を呼ぶことにこだわっています。彼らが20代になれば有名になりすぎてしまい、呼べなくなる可能性が高いからです。今でさえフォロワー200万人を超える14歳などがいますが、数年後にはその数が何倍にもなっていることも珍しくありません。だからこそ「今」呼ぶことに意味がある。10代という、まだ枠に閉ざされていない感性を大切にしたいと考えています。 前回も今回も、「この子と一緒にイベントを作りたい」「友達になりたい」と思えるアーティストを絞り込んで、何度も熱意を伝え続けました。彼らに共通しているのは、圧倒的なビジョンと「軸」を持っていることです。アーティストとは言葉が完全には通じませんが、不思議とエネルギーで伝わってくるものがありました。今回のメンバーも、非常に強い芯を持った同世代ばかりです。 ――スポンサーへのプレゼンテーションでも、その点に共感や関心を得られたのではないでしょうか？ そうですね。多くの企業やブランドが「10代へのアプローチ」に悩んでいらっしゃいます。その中で『ZERO FES』は、10代が集まる非常に熱量の高いコミュニティとして注目していただきました。JR東日本さんからは「高輪ゲートウェイの街を、グローバルな10代と一緒に盛り上げたい」というお話をいただき、僕たちのビジョンとぴったり合ったことが大きかったです。今回は、JR東日本さんをはじめ、10社ほどのスポンサー企業が関わってくださっており、さらに大きな挑戦だと感じています。日本での認知はまだまだこれからという状況なので、今回はひとつの「現象」として爆発させるしかないと考えています。

一生の仲間との出会いを、大人になるまで待つ必要なんてない。

――天野さんは、『ZERO FES』始動以前に、11歳で自身の会社「IDEAR(アイディア)」を立ち上げていますよね。そこには、どういった背景が？ そもそもの始まりは、10歳のころに自分でスタートした「Dear My Future Friends」というプロジェクトです。「世界中に同世代の友達を作れば、世界はひとつのチームになって平和になるんじゃないか」というコンセプトで、アポなしで大使館を訪問してスピーチを重ね、2年間で20カ国の友達と繋がることができました。 ただ、活動を続ける中で、「ただ友達を作りたいだけなのに、なぜこれほど繋がりにくいのか」という疑問も抱きました。そこで11歳のときに会社を立ち上げ、世界中の10代を繋げるプラットフォームアプリを開発しました。その中で、ネット上や国境を越えたやり取りだけでは、本当に繋がるには限界があると感じたんです。アプリだけでは「実際に出会う」という段階まではいけない。そこで立ち上げたのが『ZERO FES』です。 ――10歳にしてその行動力。ご両親からの影響や環境によるものですか？ もちろん環境の助けはあります。両親がいつも挑戦し続ける姿を見て育った影響は大きいです。ただ、直接的なきっかけは学校のSDGsの授業でした。17番目の目標「パートナーシップ」を学んだ瞬間、「友達を増やせばいいんだ！」と素直に感動したんです。その夏休みに、次々と大使館をまわりました。当時はコロナ禍で学校が休みだったので、自分と向き合える時間が長かったことも活動を後押ししてくれたと感じています。それまでは普通にゲームを楽しんだりもしていました。 ――こんなことを聞くのも不思議ですけど、今もそういう少年らしいことをする時間はありますか？ もちろんあります（笑）。学校の時間もとても楽しんでます。

――クラスメイトも天野さんのビジネス的な側面を見ると驚くでしょうね。 今回、日本からは世界1位のドローンレーサーである山本悠貴選手が出演するのですが、実は彼、僕の学校のクラスメイトなんです（笑）。初めて会った際に活動について話したのがきっかけでした。前回の会場は、ドローンを飛ばすには厳しい環境でしたが、彼が「僕ならできます」と言って、何時間も集中して取り組む姿には泣きそうになるほど感動しました。彼のように才能と芯のある仲間と10代のうちに繋がっておくことは、本当に大事だと思います。20代、30代になってから知り合うのもいいですが、今のうちに繋がっておけば、将来ずっと一緒に歩んでいける。「あのときはこうだったね」とわかち合える。大人になるまで待つ必要なんて、どこにもないんです。

世界中の10代と創る、「未来の10代が活躍できる世界」

――「世界中に友だちをつくりたい」という純粋な想いがフェスという形で結実し、拡がっていくのはとても素晴らしいですね。天野さんが描く、20代以降のビジョンを教えてください。 まずは、20歳までに「世界中の友だちづくり」をしたいと思っています。前回の『ZERO FES』にも出演してくれたイビザ島のDJ ELFIGO（エルフィゴ）とは大親友になり、今では毎日のように連絡を取り合う仲なんです。彼は今ではSNSのフォロワーが200万を超える世界的なスターですが、僕にとっては大切な友人のひとり。そうやって友人として繋がっていれば、将来なにかビジネスに挑戦したいと思ったときも、信頼できる世界中の仲間に相談ができる。そんな「誰でも挑戦できる世の中」を創っていきたいです。

もうひとつのビジョンは、『ZERO FES』をきっかけに10代の空気が変わっていくこと。「フェスに出たいから頑張る」という子が生まれたり、進学や就職以外の道も当たり前になったりすれば、それは平和にも繋がるはずです。10代の挑戦が当たり前の風景になるころには、今とは全く違う景色が広がっていると信じています。 ――この取材の翌日、天野さんは中学校を卒業されるとのこと。新しい出会いと大きな挑戦にぴったりの季節、『ZERO FES』でどんな景色が見られるのか、とても楽しみです。 出演アーティストが「このフェスが一番好きだ」と言ってくれたり、彼らが実際に「アイディア」のメンバーに入ってくれたりと、友達関係の延長で大きな動きが生まれています。今回、そうした彼らの声や、自分の想いを言葉にすることは大きな機会だと感じています。親子での参加も大歓迎なので、10代の仲間同士はもちろん大人のみなさんにも、この「10代が活躍する世界の始まり」をぜひ体感していただきたいです。

text by 野中ミサキ （NaNo.works）

INFORMATION

ZERO FES 2026

会期：	2026年3月29日（日）
会場：	TAKANAWA GATEWAY Convention Center（LINKPILLAR Hall A,B,C）
公式サイト：	https://zerofes.idear.world

公式SNS

Instagram TikTok X YouTube

お問い合わせ　info@zerofes.idear.world

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BALMUDAが、新製品「The Clock」を発表。

「The Clock」は、ただ時刻を表示するだけの時計ではない。光による新しい時刻表現「Light Hour」をはじめ、穏やかな目覚めをサポートするアラーム、集中を助けるタイマー、心地よい環境音を流す「Relax Time」など、日々の時間をより豊かにする機能を備えたプロダクトだ。専用アプリ「BALMUDA Connect」と連携することで、自分好みに設定することもできる。 伝統的な懐中時計の美しさから着想を得たクラシックなフォルムに、アルミニウムのボディやLEDによる光の表現など、現代的なテクノロジーを融合。小さなサイズの中に、BALMUDAらしい思想が凝縮された、新しい時の道具となっている。 光と音によって時間の流れそのものを再構築することで、単なる“時計”を超えた体験を提示している点も特徴だ。 2026年3月18日（水）より予約販売を開始。価格は59,400円（税込）。4月中旬より順次出荷予定で、BALMUDAオンラインストア、旗艦店「BALMUDA The Store Aoyama」、ブランドショップ各店にて販売される予定だ。

光で感じる新しい時刻表現「Light Hour」

「The Clock」の特徴のひとつが、光によって時間の流れを表現する「Light Hour」だ。 単に時刻を表示するのではなく、時間そのものを心地よく感じるために設計されたこの機能では、毎正時にチャイムとともに、振り子の動きを光のモーションで表現する。 針やカバーガラスを用いず、温かみのある光の動きだけで時間の流れを伝えることで、視覚的な情報としての“時刻”ではなく、体感としての“時間”を届ける。

目覚め、集中、休息。1日の時間を支える機能

「The Clock」には、日常のさまざまなシーンで役立つ機能も搭載されている。 Relax Time 雨音や水の流れ、暖炉の音などの環境音を、光の演出とともに再生。静かな没入感のある時間をつくり出す。 Alarm 設定時刻の約3分前から環境音が静かにスタートし、徐々に音量が変化。自然な覚醒へと導く。 Timer 最大60分まで設定可能。ホワイトノイズが周囲の雑音を覆い、読書や作業など集中したい時間をサポートする。 搭載されているサウンドには、「Long Rain」「Infinity Boat」「White Noise #1」「Morning Forest」「Milan」などが用意されている。いずれも空間に溶け込むよう設計されており、時間の質そのものを整える役割を持つ。

クラシックとテクノロジーの融合

デザインのモチーフは、伝統的な懐中時計。 長く愛されてきた道具の持つ親しみと美しさをヒントに、現代のプロダクトとして再構築されている。 約7.5cmのコンパクトなボディには、75個のLEDによる均一な発光構造と、200点以上のパーツが組み込まれている。 クラウン（リューズ）による直感的な操作、アルミニウムブロックから削り出されたボディ、ウーファーとツイーターを備えたステレオスピーカーなど、細部にまで機能と体験の設計が行き届いている。 コンパクトなサイズからは想像できない、奥行きのあるサウンドも特徴のひとつだ。

アプリで自分好みの設定に

専用アプリ「BALMUDA Connect」を使用することで、スマートフォンとの連携が可能。 アラーム時刻やサウンドの選択、光の演出などを細かく設定できるほか、セカンドタイムゾーンの設定にも対応。日常使いはもちろん、仕事や旅行など幅広いシーンで活用できる。 対応はiOS、Android。今後のアップデートにも対応予定となっている。

Text：Qetic編集部

INFORMATION

製品情報

製品名：	The Clock
価格：	59,400円（税込）
発売：	2026年4月中旬予定
カラー：	シルバー
サイズ：	幅75mm × 奥行36.5mm × 高さ105mm
重量：	約295g

公式サイト

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