2026年4月22日（水）より、TAKANAWA GATEWAY CITY内の文化実験型ミュージアム「MoN Takanawa: The Museum of Narratives」にて、開館記念特別公演『MANGALOGUE（マンガローグ）：火の鳥』がスタートする。 MoN Takanawaの開館記念特別公演として上演される本作は、『火の鳥 未来編』を巨大LED、ロボットアーム、豪華キャストの声とライブナレーションによって再構築した、これまでにないイマーシブ体験型パフォーマンスだ。AI、環境問題、永遠の命——時代を超えて響くテーマを、観客全員で“浴びる”新しいマンガ体験として提示する。 手塚治虫が約60年前に描いた“未来”は、いま私たちの現実とどう重なるのか。

本作の最大の特徴は、“マンガを読む”という行為そのものをライブ空間へ持ち込んだ点にある。 舞台となるのは、巨大LEDを全面に備えた最新シアター空間「Box1000」。手塚プロダクション監修のもと、本公演のために新たに着彩された100枚以上の『火の鳥』原稿が巨大スクリーンに映し出され、ページを読み進める時間の流れやコマ割りまでもが演出の一部として機能する。 さらに、サウンド、照明、テクノロジー演出に加え、舞台をナビゲートするロボットアームが観客の視線を物語へと導く。普段は一人で味わうマンガ体験が、ここでは観客全員で共有するライブアートへと変貌する。

声の出演には、山寺宏一、夏木マリ、梶裕貴、本郷奏多、古田新太、あのといった豪華キャストが集結。 さらに注目したいのは、物語の鍵を握るAI「ハレルヤ／ダニューバー」役として、松任谷由実のAI音声プロジェクト「Yumi AraI」が参加する点だ。 AIが人類の未来を左右する存在として描かれる本作において、AI音声によるキャスティングは、作品のテーマと現代社会を鮮やかに接続する象徴的な試みと言えるだろう。 また、観客を物語世界へ導く“マンガローガー”として、又吉直樹、寺脇康文、花總まり、古川雄大、小森隼（GENERATIONS）、新内眞衣、千葉一磨が出演。公演ごとに異なる出演者によって、体験のニュアンスが変化するのも本作ならではの魅力だ。

原作『火の鳥 未来編』の舞台は西暦3404年。電子頭脳が支配する未来社会の中で、環境崩壊、文明の終着点、そして "いのち”の意味が描かれる。 1967年に発表された作品でありながら、AIやクローン技術、環境問題といったテーマは、いまを生きる私たちに驚くほどリアルに響く。約60年前に描かれたこの物語は、単なるSFではなく、現代社会に対する鋭い問いかけとして再び立ち上がる。

『MANGALOGUE：火の鳥』は、単なる舞台化や映像化ではない。 それは、日本が世界に誇る“MANGA”文化の原点を、テクノロジーとライブ体験によって再編集し、次世代のカルチャーとして提示する試みだ。マンガ、演劇、映像、AI、空間演出——そのすべてが交差する本作は、まさにいま観るべき新時代のイマーシブ・エンターテインメントと言えるだろう。 会期は5月16日（土）まで。手塚治虫が描いた“未来”を、いまのテクノロジーと空間演出で体感できる貴重な機会となるだけに、ぜひこの新感覚のマンガ体験を現地で味わってみてほしい。

7月24日（金）、25日（土）、26日（日）に新潟県湯沢町・苗場スキー場で開催される＜FUJI ROCK FESTIVAL ’26＞（以下、フジロック）。そのキックオフイベントとなる＜SMASH Go Round FUJI ROCK NIGHTS 2026＞。昨年も大好評だった本イベントが4月3日（金）にSHIBUYA CLUB QUATTROで開催された。フジロックを身近に感じられる催しと一夜限りのスペシャルライブで、今年も渋谷が大いに盛り上がった。

17時より無料開放された4Fエリア。1997年から現在までの歴代ポスターや多彩なアートワーク、貴重なライブ写真がずらっと展示され、置かれているブックレットを夢中で読むお客さんや、過去のポスターやライブ写真を見ながら歓談するお客さんなど、フジロックの歩みを振り返るこの空間は、多くの方で賑わった。

さらに、ところ天国名物「玉子サンド」と、iichikoによる特製「いい茶こ」の販売など、フジロックならではのフード＆ドリンクも登場。大人だけでなく子供にも大好評だったのは、1回100円で挑戦でき、フジロックの森ステッカーや定価500円〜5600円のグッズが当たる「フジロックの森 ハズレなしガチャ！」だ。THERMOS（サーモス）とのコラボボトルなど豪華賞品に大人も子供も大興奮。終演後には、置かれたカゴが空のカプセルで埋まるほどの人気ぶりであった。 今年のフジロックのチケットやオフィシャルグッズの対面販売、オフィシャルツアー相談所では、客とスタッフのコミュニケーションの場となり、わからないことを聞いたり悩みを相談したりする人々で賑わいを見せた。

5Fエリアでは、2026年のフジロックを盛り上げる2組のアーティストとDJによるスペシャルライブが開催された。

リトル・リチャードの有名曲カバー“Good Golly Miss Molly”からスタートしたライブで、フロアのボルテージは一気に加速した。踊るような鍵盤の音色とトランペットのアクセントが軽快で、オールディーズにそれほど詳しくない人も思わず身体を揺らしてしまうほどである。“Whole Lotta Rosie”や“Sympathy For The Devil”など、往年の人気ロック曲を披露するタニーのシャウトは力強く心地よい。

歪んだギターが鳴り響くと、フロアの空気は一変する。ヤマジにメインボーカルが移り変わった“I Wanna Be Your Dog”は、ザ・ストゥージズの原曲よりもはるかにハードロック寄りで、もはやヘヴィメタルのようなアレンジであった。ヘッドバンギングを繰り返し、メロイックサインを掲げるオーディエンスの姿も見られた。

ここで、ゲストの浅井健一が登場。「久しぶりにフジロックに呼んでもらえて嬉しいです。ありがとう」と語り披露した楽曲は、JUDEで知られる“シルベット”。アコースティックな演奏と浅井の歌声からは、澄んだ青空がイメージされ、苗場で聴く光景を想起させるものであった。 続いて披露されたのは、BLANKEY JET CITYの名曲“DERRINGER”と“ガソリンの揺れかた”。浅井の独特なワードセンスとウッドベースの音が光る“DERRINGER”、そして2000年のフジロックでも披露された“ガソリンの揺れかた”。開演前から多くのブランキーファンの姿が見られたが、どちらの楽曲でもフロアは大きな熱狂に包まれていた。

「Thank you everyone!!!」 多くを語らずとも、その一言だけで場を圧倒する。ロックミュージシャンの放つ輝きを見せつけ、ステージを後にした。 なお、この日は『じゃんけん大会』も開催され、優勝者にはメンバー全員と浅井のサインが入ったTシャツがプレゼントされた。ハードボイルドな風貌とは裏腹に、遊び心と和やかな雰囲気も苗場音楽突撃隊の魅力である。

ゆるやかな雰囲気でスタートしたネバヤンの1曲目は“らりらりん”。 “らりらりらりらら”のパートでは、手を振りながらオーディエンスもシンガロングし、会場に一体感が生まれた。“気持ちいい風が吹いたんです”では、今の季節を象徴するような穏やかな空気が広がる。 キャップにスタジャンを纏った安部（Vo／Gt）はゆらゆらと踊りながら観客を煽り、フロアを温めていく。今年に入ってから初めてのライブだという彼らは終始ご機嫌な様子で、時折トリプルギターの音圧を炸裂させた。安部愛を叫ぶファンの声に対して「打ち上げ花火みたい」と応える場面もあり、会場は和やかなムードに包まれていた。

フジロックのロゴがあしらわれたフラッグを「速い車のレース（F1）の旗」とメンバーが盛り上がる場面では、笑いが巻き起こるなど、終始リラックスした空気の中でライブは進行。 “こころのままに”では一転して静寂へ。ノスタルジックでサニーデイ・サービスを彷彿とさせる同曲は、まるで静かな夜の海を眺めているかのような余韻を残した。

ラストは“明るい未来”、“夏のドキドキ”で心地よいグルーヴのまま終演……かと思いきや、鳴りやまないアンコールに応え“帰ろう”をサプライズ披露。あたたかい拍手に包まれながらステージは幕を閉じた。

実験音楽とダンスミュージックのはざまを開拓するプレイを得意とするDJ POKASKAが、シンセサイザーを用いた豊かな音色で、ライブのスタート前や転換時間、終演後の空間を彩った。時にはフロアをほどよくクールダウンさせ、時にはお酒片手に踊れるエレクトロニック・ダンスミュージックを披露するなど、その場のオーディエンスを大いに盛り上げた。

ジャンルレスな音楽やアクティビティ、美味しいグルメが楽しめる、フジロックの空気感が凝縮された＜FUJI ROCK NIGHTS＞。和やかなムードで幕を締め、7月に向けての華々しい幕開けとなった。

Text by Yuika Yamazaki Photo by Kosuke Kobayasi Edit by Qetic編集部

2025年9月に7年ぶりとなったジャズ・フルアルバム『TAKAIWA』で、自身のスタンダードを提示した高岩遼。その到達点の先で彼が選んだ次なる一手は、80'sの匂いを纏ったジャズファンクだった。2026年4月8日にリリースされたデジタルシングル“Ain't Nobody's Business”は、ジャズやブルースを基盤に、ドラムマシン、シンセベース、ダンスグルーヴを現代的かつ高岩流の解釈で融合させた大人のダンスチューン。Nao KawamuraとGrace Aimiを迎えたコーラスや、Kazuki Isogaiとの再合流、Kosuke Kawamuraによるアートワークなど、信頼するクリエイター陣とともに、高岩遼はこれまでとは一味も二味も違うサウンドとビジュアルで新章を切り拓いている。「ポップスターになる」と語る彼はいま、真剣にふざけながら、自分だけの“SPECTACULAR”を描き始めた。

──髪、伸びましたね。 伸ばしてます。後期の尾崎紀世彦さんみたいにしたくて。 ──ぴったりですよ。似ていると思ったことあります。 本当ですか。うれしい。 ──まずは前回のロングインタビュー以降について。RADIALLとシグネットピンキーリングを共同製作、INFでBS-TBSドラマ『ゲームチェンジ』のオープニングテーマ曲、千葉雄喜との新ユニット・NijizのリリースとLIVE。年明けは、〈As One〉や〈TIDE TIME〉でのパフォーマンスやKENTACATS『CMS’S WAREHOUSE』のリミックス、WILDSIDE YOHJI YAMAMOTOとNEIGHBORHOODのコレクションでモデルなど、トピックが多かったですね。 『TAKAIWA』以降、ストリートライブをやっていたころにお世話になった人たちとか、いろいろな職種の人たちからご連絡をいただくことが多くて。俺の中であのアルバムは、ひたすら王道をゆく高岩遼のジャズへの愛を表現した作品だったわけですが、真新しいものとして聴いてくれる人たちが想像以上にいた。そういうピースになってくれたことで、今までやってきたことが無駄ではなかったと思えましたし、周りの人たちに支えられていることも再確認しました。 ──自らをさらけ出したアルバムでしたが、そういった周囲の反応は予想していなかった？ まったく。だからすごくうれしかったですね。『TAKAIWA』の余波がまだ続いています。 ──そういえば前回のインタビューで、昨年の９月に都心から離れた自然豊かな土地に引っ越したと仰っていましたが、それも現在のいい状態に作用している部分はありますか？ ありますね。俺の性分に合っていたのかも。都心までもちろん遠いけど、わかりやすく仕事として出かけるっていうのが、大事だったのかもしれない。それにいまは周りに誘惑もなにもない。生活＝音楽のクリエイティヴのために､それから丁寧な毎日を送るために､拠点を移したまでです｡大したことない｡ ──音楽と向き合う環境が少しずつ整いつつあるわけですね。ここからは、4月８日リリースのDIGITAL SINGLE “Ain’t Nobody’s Business”についていろいろと伺えればと。 『TAKAIWA』を出して、Qeticでのロングインタビューを終えた時点で、俺の上京してからの長い第1章が終わったと思えたんですね。だから次はNEW高岩であり、高岩遼を全部さらけ出したあとに、どうステージに戻ってくるのか。そう考えたときに……ポップスターにならなきゃいけないわけですよ、高岩遼は。今の日本のシーンにいるスターたちとは、また別のポップスター。それはなんだとかなり苦悩した日々を送りました、でも、もう閃いたのでバッチリです。 ──閃いたとは？ 華やかなステージにこそ、高岩遼の魅力があって、それに伴う楽曲を作らなきゃいけない。みなさんが「なんてSPECTACULARなんだ！」と思える内容を届けていくことで、その先にポップスターがあるはずだと。その考えの先に閃いたのが──ファンクだと。 いま売れているものを咀嚼して、紐解いて似せたものが作れるかと言えば、俺はできない。やったとて、それが似合わないミュージシャンですよ。じゃあもう逆サイドに行かないと。行ったり来たりせずに、自分の好きな音楽をストレートにやった方がいい。愛を、歌うしかない。 80'sのファンク、ディスコ、ニュージャックスウィング。それをやろうって。親の青春の音楽たち。ただしやってみてパッケージしてみたら、「なんだ、やっぱりジャズか」と。今回の曲って突っ込んだ話はブルースだけど、歌詞の雰囲気も含めてジャズのエッセンスもたっぷりある。というかある日、「あれ? ジャズボーカルからファンクって、当時のジャズミュージシャンかよ」と気づきました。 ものすごく悩んで、軽く病気にもなって出したものが、やっぱり俺の中ではジャズ。結局は、オール・イズ・ジャズ。ただその中でもやっぱり迎合という意味ではなく、わかりやすさは込めておきたいので、冒頭は日本語の歌謡な雰囲気で始まるとか、そこにジャポニズムのわびさび感なども加えています。この表現が、僕の中の最新ですね。

── “Ain't Nobody's Business”は、知っている人なら知っている有名なラインですが。 そうですね、ブルースの曲でもたくさんありますし。なんで僕がこの曲名をつけたかっていうのは、”The Way You Make Me Feel“という僕がマイケル・ジャクソンで一番好きな曲があって。その曲の後半でマイケルが、“Ain't Nobody's Business”と連呼するところがあり、そこから拝借している世界線です。曲の内容はまったく関係ないですけど、“The Way You Make Me Feel”のスピンオフ版のようなイメージ。まあブルースですよ。女が出ていった男の話ですから。 「テレビをつければ芸能人が引っ付いた離れたをやっているけど、いまの俺には関係ない。だって俺のマブが出ていっちゃったんだよ、助けてくれよ」って曲ですから。だけどこの話は、「俺に恋バナをしてくれるな」ってことなのに、恋バナを歌っちゃっているっていう面白さがあって。 ──高岩遼が好きそうなテーマというか、ユーモアですね。 そうそう、皮肉です。そういうユーモアは、まったくいままで通りですね。 ──サウンド的には、80’sの匂いを感じさせるダンスチューン。ただしただのレトロではない、現代的かつ高岩のフィルターを通した形に昇華していますが、意識した部分は？ 80’sのサウンドはやっぱりシンセサイザー。ドラムは生を避けてますし、各インストゥルメンタルもほぼ自分。コーラスは今年に入ってTRUNK HOTELでライブも一緒にやったNao KawamuraとGrace Aimi、そしてギターはKazuki Isogai。 そういうメンツも含めて、音楽的ジャンルじゃない、サイケデリックをやりたい。ハッキリ言いますよ。高岩遼はシラフでサイケですよ。シンセサイザー感と、ネオンと、ショッキングカラーや機械光学的な部分と、漂うゲテモノ感。最高。 VHSとか80年代スプラッターとか大好きですし、（スタジオにあった昔の映画フライヤーを見せながら）こういうことじゃないですか。劇画タッチで、この声、この顔で、ファンクをやるという感じが、俺の中ではすごくおしゃれだなと思って。この高岩はまだやっていませんから。 ──歌詞に関しては高岩遼らしい言い回しというか、タイトルとも紐づきながらも説明しすぎず、どこか決意表明のようにも聞こえるなと。書くにあたってフォーカスした点は？ 高岩らしさはしっかりと残しつつ、だいぶ派手な曲なのに、めちゃくちゃフォーカスを絞ったことを言うのが、俺の中では大事な趣でして。「みっともねえドブネズミみたいな俺だけど、巷であふれるほかは関係なくいてくれ」っていう男のメッセージでもあるし、バックコーラスが俺に「You like it, don’t ya?」と言うのに対して「いやいや、そんな暇はないんだ」と。 あとは要所にジャズのワードを入れています。“Everybody loves somebody sometime”は”誰かが誰かを愛してる“という、ディーン・マーティンが歌ってヒットした、もちろんシナトラも歌っている古いスタンダード。まあでも歌っている内容はたいしたことない、それが面白い。 ──「俺に関係ない」というフレーズは、いまのスタンスと一致しているのかなと。 上から降りてくる意見も1回は咀嚼するけど、飲み込まないぜっていう。自分を貫くっていう意味でも“Ain’t nobody’s business”だし、そういう意味では歌詞は決意表明にもなっているのかもしれない。ただし自分としてはそこまで考えてなくて、すごく真剣にふざけているだけ。

──今回はビジュアルイメージに関しても、ジャケットイラストはグラフィックデザイナーであるKosuke Kawamura氏、スタイリングはクリエイターのnuga氏、ヘアスタイリングはKunio Kohzaki氏、カメラマンはRyoma Kawakami氏と、高岩遼を知る新旧のメンツで新しい表現にチャレンジしていますね。 Kosuke Kawamura氏が描いてくれたジャケットのイラストは右下にドブネズミがいて、潰れていますけどこれは俺で、まあジャズですね。ライブポスターはもともと映画ポスターのようなことをやりたくて、持っていたこのスタジオにあるプラズマボールを使って、スタイリストのnugaくんとカメラマンのRyomaと作り込みました。プラズマボールの真ん中が地球で、自分は宇宙から来たイメージ。新しいアー写も、nugaくんが俺の中にある素材を引っ張り出してくれて、プレスリー感もあるし、プリンス感もある。そういうビジュアル的なところも、曲を作ると同時に見えてきました。 俺の好きなもの、煮しめて出てきたもの、やっぱこれが好きだったっていうものを素直にやっただけで、今年出していく曲や作品はもう、ファンクで、ディスコで、ジャズで、ブルース。ていうかそれが高岩遼だよねっていう。これが36歳手前の、今の俺がMAXで考えられるポップスですね。

──年齢を重ねて、理想とする音楽性やスタイルが自分に馴染んできた感覚はありますか？ ありますね。行動的な尖りではなく、洗練された尖りというか。力が抜けてきた。昔の高岩は銀座の夜の帷で、スーツの襟を立てて歩くみたいなことだったじゃないですか。それもいいけど、いまはジャズが馴染んできたし、カッコつけないようになってきたというか。これまでは高岩遼を演じていたところがあったと思うけれど、いまは自然体の高岩遼でいられる。うれしい。前回のインタビューでラスカルさんが言ってくれたんですよ。『TAKAIWA』で高岩遼のスタンダードを提示したことで、その延長線でこれからどのように歩んでいっても、みんな納得できるだろうねって。 ──ここまでの話を聞いて、今回の曲をすごく気に入っているのが伝わってきます。 そうですね。めっちゃウケる。あいつなんか、めちゃくちゃ悩んで、ファンクに辿り着いたのかって。『TAKAIWA』以後、いろいろ経て、あげくに「俺に関係ない」って。めっちゃウケる。 ──シングルリリースや新しいビジュアルと共に、SHIBUYA CLUB QUATTROでの『RYO TAKAIWA LIVE 2026 - SPECTACULAR -』（8月26日）の開催が発表されました。 今年の大仕事として、QUATTROに向けて準備していきます。SPECTACULARですからね、見物ですよ。メンバーもいろいろブッキングし始めていますし、ライブ用にも曲を書いています。最近ようやく、やってきたことの点と点が線になる瞬間がけっこうあって、高岩いい感じですよ。ミュージシャンはやっぱりみんな悩んでいるだろうし、売れても悩みはあるだろうし。でも俺は別の次元なのかなって。高岩遼、煮しまったなと。味濃いよ。いま、食べごろです。

Interview & text by Rascal （NaNo.works） Photo：Ryoma Kawakami

2月某日。都内の一角に用意されたのは、豪華なサウンドシステムでも、仰々しいステージでもなかった。手元のスマートフォンで再生ボタンが押されると、スピーカーから流れ出したのは、フリーが「ようやく時間と空間ができた」と語る、50年近いキャリアで初となる本格的なソロ・プロジェクト『HONORA』の音だ。 そこには、レッド・ホット・チリ・ペッパーズで見せる爆発的なエネルギーとはまた違う、柔らかく、それでいて剥き出しの体温が宿っていた。 「音楽がなければ、今の自分はなかったかもしれない」 ——そんな言葉を、彼は笑いながら口にした。 これまで影響を受けてきたすべての音楽、出会った人々、そして自分自身の血。そのすべてに「愛」があり、等しく「ソウル（魂）」が宿っているのだと彼は言う。世界的なロックスターという鎧を脱ぎ、ひとりの人間として、音楽という「救い」に真っ向から向き合ったフリー。あの親密な空間で、彼が自身の魂のありかを辿るように語った、いくつかの大切な言葉をここに記録する。

トランペットと平穏 フリーにとって、世界はもともと「醜く、偽善に満ちた場所」だったという。そんな環境で手にしたトランペットは、彼にとって唯一、心に平和をもたらすものだった。周囲がどれほど混沌としていても、楽器を吹いている間だけは自分が自分らしくいられる。その「平穏」こそが、彼の音楽の原点にある。 長年のキャリアの中で、時には楽器を見たくないほど疲弊し、音楽と距離を置いた時期もあった。現在のパートナーと出会い、心身が落ち着きを取り戻したのは、そんな時期を経た後のことだ。静かな日常の中で、彼は再び「自分とは何か」を問い直すことになる。 「自分は完璧でも特別に善い人間でもない。けれど、悪い人間でもない」 そう語る彼は、マイルス・デイヴィスやクリフォード・ブラウンに少しでも近づけるかと自問しながら、今も一音一音と向き合っている。彼にとって、ジャズというジャンルへの挑戦はテクニックの誇示ではない。50年の旅を経て、もう一度あの頃の「平穏」を取り戻すための、極めて個人的な試みなのだ。 自由と制作 フリーの義父はジャズ・ミュージシャンだった。「ジャズこそが最高で、ロックはくだらない」と言われて育った彼は、その反発からロックの道へ進んだ。正規の音楽教育を受けていないこともあり、ジャズというジャンルに対しては、どこか躊躇や距離を感じていたという。 その意識を変えたのが、近年のロサンゼルスのジャズ・シーンだ。カマシ・ワシントンやジェフ・パーカーといったアーティストたちは、理論に縛られず、ジャンルを横断しながらオープンに表現する。その姿勢に感化されると同時に、彼らの音楽からは現状を突破しようとする闘争心を受け取った。「一時期のジャズにあった、理論ばかりの頭でっかちな感じが好きではなかった。でも今の彼らを見て、見方が変わった」と彼は振り返る。 カマシたちと実際に関わっていく中でわかったのは、彼らがジャズ至上主義ではなく、互いにすべてをさらけ出せる人たちだということ。 今回のアルバムのメンバーについても、言葉はシンプルだ。ウッドベースにアンナ・バターズを起用したのは「彼女の演奏が好きだから」。トム・ヨークとの共作曲については、当初歌を入れる予定はなかったが、デモを聴いたときに自然と彼の顔が浮かんだ。「友人であり、家族でもある」——そう言い切れる関係だから、声をかけた。 彼にとってのジャズは、もはや敬遠していた「理論」ではなく、気心の知れた仲間と鳴らす「自由な対話」へと形を変えている。 家族と日常 アルバムタイトルに冠した『HONORA』は、二世代前の祖母の名に由来する。出演したテレビ番組を通じて知ったという彼女の半生は、アイルランドでの貧困、オーストラリアへの移住、そして闇市で酒を売りながら生き抜くという、壮絶なものだった。フリーは、その凄惨とも言える家族の歴史を、自身のルーツとして淡々と受け入れている。 今の彼の生活は、驚くほどシンプルに整理されている。朝起きて祈り、練習し、食事を摂り、家族と過ごす。読書や映画を楽しみ、時には邪魔になるというスマートフォンを意識的に遠ざける。多感な自分をいかに簡素に保ち、音楽に反映させるか。それだけを意識しているという。 かつては結婚に対して否定的だった価値観も、現在のパートナーとの出会いを経て変化した。「幼い頃の自分が見たら、よくやったと思うだろう」と笑う姿には、力みがない。 彼にとっての「ソウル」とは、特別な瞬間にあるものではない。過酷な先祖の歴史も、朝の祈りも、仲間と鳴らす一音も、すべて地続きだ。その日常の延長線上に、今回のアルバムは置かれている。

友人の家のリビングでくつろぐような、親密な空気の中で響いた楽曲たちは、めまぐるしく表情を変えながら私たちをいくつもの鮮やかな場所へと連れて行ってくれた。それは、共に走ったり、踊ったり、時に寝転んだりするように、フリーと一緒に音の中で遊んでいるような心地よい体験だった。 そこから溢れ出していたのは、信頼するメンバーたちと音を交わす喜びだ。彼が教えてくれたのは、音楽とは知識や理屈ではなく、「人が楽しく音を鳴らすこと」そのものなのだという、シンプルで力強い真理だった。 『HONORA』を聴くとき、そこにはフリーというひとりの人間の魂がある。理論でも肩書きでもなく、50年かけて辿り着いた、彼自身のソウルのありか。耳を傾ければ、その感覚に触れることができるはずだ。

2026年3月29日、高輪ゲートウェイ駅直結の「TAKANAWA GATEWAY Convention Center」にて、世界トップクラスの10代アーティストが集結するエンターテインメントフェス『ZERO FES 2026』が開催される。主催者は、15歳のプロデューサー・天野凱斗。「友だちづくり」を起点に11歳で自身の会社「IDEAR」を起業、10代だからこそ描けるビジョンの出発点として『ZERO FES』を立ち上げた、今注目すべき人物だ。 2025年7月以来、第2回目となる今回は、スケールアップしての開催となる。 イビザの天才と称されるSNS総フォロワー200万人超のDJ ELFIGOをはじめ、Billboard Hot 100入りを果たした米国の17歳ラッパー・BabyChiefDoitの初来日が決定。会場ではShiseido beauty Academy、Spotify、アドビといった企業とのコラボによる体験型ブースも展開され、10代が自ら「つくる側」として参加する新しいカルチャーの発信地となる。 「Nothing is everything」を掲げ、各国のアイコンたちとワンチームで挑む『ZERO FES』。今回は、プロデューサーである天野凱斗のパーソナリティや20歳までに見据える壮大なビジョンから、『ZERO FES』が描く未来までを紐解いていく。

――今回は、主催者である天野さんのパーソナルな面も掘り下げながら、『ZERO FES』についてお話を聞いていきたいと思います。よろしくお願いします。 よろしくお願いします。 ――『ZERO FES』の第1回目を開催されたのは昨年の7月、つまり天野さんにとっては中3の夏。中学校って、学業だけでも忙しいですよね。そうしたなか、「10代がプロデュースする10代中心の世界規模カルチャーフェス」は、どういった経緯で始動したのでしょうか？ このフェスをスタートさせた動機のひとつに、「今こそ10代が繋がるべきだ」という考えがありました。社会にさまざまな問題がある中で、10代が実際に国境を越えて繋がることで、なにか新しいものが生まれるのではないかと感じていたんです。昨年の第1回では、実際に繋がることで生まれるエネルギーを強く実感し、10代だからこそ出会った瞬間に仲良くなれる特別な空気感がありました。

――デジタルネイティブである10代にとって、SNSなどオンラインでの繋がりと同じ空間に集まることの決定的な違いはどこにあると感じますか？ 僕が思うに、SNSは、アルゴリズムによって自分に最適化された「おすすめ」ばかりが表示される傾向にありますよね。そのため、自分とは異なるものとの出会いや新しいことに挑戦する機会が狭まったりする部分もあると思うんです。対して、リアルで繋がるからこそ、友達になって一緒になにかを創り上げられる仲間になれる。リアルな場での交流だからこそ起こるなにかがある。という確信がありました。 ――パーソナライズされた情報の外に、新しい可能性が広がる『ZERO FES』は、それを体現する場ということですね。フェスのタイトルには、どのような想いが込められているのでしょうか。 「ゼロ」ってすごく抽象的な言葉ですよね。受け手によって定義や想いが違う。解釈を限定しない言葉を探していたとき、この「ゼロ」が自分の中でピタッと決まりました。特定のジャンルに特化せず、様々な国から違う武器を持った10代が集まる場所だからこそ、色をつけない「ゼロ」がふさわしいなって。

「ゼロ」という言葉には、単に何もないという意味ではなく「ここから何でも始めていける」という想いを込めています。裏テーマとして掲げているのは『Nothing is everything』です。10代は「まだ何もできない」と思われがちですが、みんな集まれば大きなことが成し遂げられる！　という証明をしたい。そして、まだ目覚めていない才能や可能性が広がる場所にしたいんです。たとえば、今回はDJやダンサー、シンガーだけでなく、Shiseido beauty Academyさんと連携したメイクアップブースなど、さまざまな体験型コンテンツを用意しています。そこで「自分はメイクが好きかも」「ダンスに挑戦してみたい」といった、新しい自分に出会えることがこのフェスの強みです。

――情熱や具体的なビジョンがあっても、現実的に難しいことも多かったのではないかと感じます。第1回開催までの過程で、大きな転機となった出来事はありますか？ まずひとつ、JR東日本さんがチャンスを与えてくださったことは非常に大きな後押しでした。10代にこれほどの機会が与えられることは、まずないことだと思います。僕たちのパッションやさまざまな奇跡が重なり、開催が決定しました。そこからは、「やるからには必ず着地させる！」という一心で、全力で取り組みました。海外アーティストへの交渉やビザの問題など、数多くの課題がありましたが、奇跡のような出来事の積み重ねで実現にこぎつけました。 なかには本当にギリギリの場面もありました。たとえば、前回出演してくれたチリのラッパーであるMC Millarayのビザが取れたのは、彼女が飛行機に乗る朝だったんです。時差もあり、日本はすでに真夜中。もう出演は無理かと、ほとんど諦めかけましたが、朝起きたら「興行ビザが手配できた」と連絡がきていたんです。 あとでわかったのですが、彼女は自国で英雄的な存在らしく、国がバックアップしてくれたようなんです。ちなみに彼女はその後、ケンドリック・ラマーのライブでオープニングアクトを務めるなどさらに活躍しており、僕もすごく驚いています（笑）。 他にも、国によってはビザ取得の手続きがとても複雑だったりと、時間も経験もない中で課題は山積みでした。だけど、そうした困難をIDEARメンバーと奇跡的に乗り越えられたことで、JR東日本さんからも「次もやりましょう！」と言っていただけた。コンベンションセンターの全ホールを使用するという、前回とは比較にならない広大な空間で、第2回を開催できることになりました。 ――規模もさることながら、出演アーティストもパワーアップしています。『ZERO FES』のアーティストラインナップの決定プロセスは？ アーティストのキャスティングに関しては、今この瞬間の10代を呼ぶことにこだわっています。彼らが20代になれば有名になりすぎてしまい、呼べなくなる可能性が高いからです。今でさえフォロワー200万人を超える14歳などがいますが、数年後にはその数が何倍にもなっていることも珍しくありません。だからこそ「今」呼ぶことに意味がある。10代という、まだ枠に閉ざされていない感性を大切にしたいと考えています。 前回も今回も、「この子と一緒にイベントを作りたい」「友達になりたい」と思えるアーティストを絞り込んで、何度も熱意を伝え続けました。彼らに共通しているのは、圧倒的なビジョンと「軸」を持っていることです。アーティストとは言葉が完全には通じませんが、不思議とエネルギーで伝わってくるものがありました。今回のメンバーも、非常に強い芯を持った同世代ばかりです。 ――スポンサーへのプレゼンテーションでも、その点に共感や関心を得られたのではないでしょうか？ そうですね。多くの企業やブランドが「10代へのアプローチ」に悩んでいらっしゃいます。その中で『ZERO FES』は、10代が集まる非常に熱量の高いコミュニティとして注目していただきました。JR東日本さんからは「高輪ゲートウェイの街を、グローバルな10代と一緒に盛り上げたい」というお話をいただき、僕たちのビジョンとぴったり合ったことが大きかったです。今回は、JR東日本さんをはじめ、10社ほどのスポンサー企業が関わってくださっており、さらに大きな挑戦だと感じています。日本での認知はまだまだこれからという状況なので、今回はひとつの「現象」として爆発させるしかないと考えています。

――天野さんは、『ZERO FES』始動以前に、11歳で自身の会社「IDEAR(アイディア)」を立ち上げていますよね。そこには、どういった背景が？ そもそもの始まりは、10歳のころに自分でスタートした「Dear My Future Friends」というプロジェクトです。「世界中に同世代の友達を作れば、世界はひとつのチームになって平和になるんじゃないか」というコンセプトで、アポなしで大使館を訪問してスピーチを重ね、2年間で20カ国の友達と繋がることができました。 ただ、活動を続ける中で、「ただ友達を作りたいだけなのに、なぜこれほど繋がりにくいのか」という疑問も抱きました。そこで11歳のときに会社を立ち上げ、世界中の10代を繋げるプラットフォームアプリを開発しました。その中で、ネット上や国境を越えたやり取りだけでは、本当に繋がるには限界があると感じたんです。アプリだけでは「実際に出会う」という段階まではいけない。そこで立ち上げたのが『ZERO FES』です。 ――10歳にしてその行動力。ご両親からの影響や環境によるものですか？ もちろん環境の助けはあります。両親がいつも挑戦し続ける姿を見て育った影響は大きいです。ただ、直接的なきっかけは学校のSDGsの授業でした。17番目の目標「パートナーシップ」を学んだ瞬間、「友達を増やせばいいんだ！」と素直に感動したんです。その夏休みに、次々と大使館をまわりました。当時はコロナ禍で学校が休みだったので、自分と向き合える時間が長かったことも活動を後押ししてくれたと感じています。それまでは普通にゲームを楽しんだりもしていました。 ――こんなことを聞くのも不思議ですけど、今もそういう少年らしいことをする時間はありますか？ もちろんあります（笑）。学校の時間もとても楽しんでます。

――クラスメイトも天野さんのビジネス的な側面を見ると驚くでしょうね。 今回、日本からは世界1位のドローンレーサーである山本悠貴選手が出演するのですが、実は彼、僕の学校のクラスメイトなんです（笑）。初めて会った際に活動について話したのがきっかけでした。前回の会場は、ドローンを飛ばすには厳しい環境でしたが、彼が「僕ならできます」と言って、何時間も集中して取り組む姿には泣きそうになるほど感動しました。彼のように才能と芯のある仲間と10代のうちに繋がっておくことは、本当に大事だと思います。20代、30代になってから知り合うのもいいですが、今のうちに繋がっておけば、将来ずっと一緒に歩んでいける。「あのときはこうだったね」とわかち合える。大人になるまで待つ必要なんて、どこにもないんです。

――「世界中に友だちをつくりたい」という純粋な想いがフェスという形で結実し、拡がっていくのはとても素晴らしいですね。天野さんが描く、20代以降のビジョンを教えてください。 まずは、20歳までに「世界中の友だちづくり」をしたいと思っています。前回の『ZERO FES』にも出演してくれたイビザ島のDJ ELFIGO（エルフィゴ）とは大親友になり、今では毎日のように連絡を取り合う仲なんです。彼は今ではSNSのフォロワーが200万を超える世界的なスターですが、僕にとっては大切な友人のひとり。そうやって友人として繋がっていれば、将来なにかビジネスに挑戦したいと思ったときも、信頼できる世界中の仲間に相談ができる。そんな「誰でも挑戦できる世の中」を創っていきたいです。

もうひとつのビジョンは、『ZERO FES』をきっかけに10代の空気が変わっていくこと。「フェスに出たいから頑張る」という子が生まれたり、進学や就職以外の道も当たり前になったりすれば、それは平和にも繋がるはずです。10代の挑戦が当たり前の風景になるころには、今とは全く違う景色が広がっていると信じています。 ――この取材の翌日、天野さんは中学校を卒業されるとのこと。新しい出会いと大きな挑戦にぴったりの季節、『ZERO FES』でどんな景色が見られるのか、とても楽しみです。 出演アーティストが「このフェスが一番好きだ」と言ってくれたり、彼らが実際に「アイディア」のメンバーに入ってくれたりと、友達関係の延長で大きな動きが生まれています。今回、そうした彼らの声や、自分の想いを言葉にすることは大きな機会だと感じています。親子での参加も大歓迎なので、10代の仲間同士はもちろん大人のみなさんにも、この「10代が活躍する世界の始まり」をぜひ体感していただきたいです。

text by 野中ミサキ （NaNo.works）

「The Clock」は、ただ時刻を表示するだけの時計ではない。光による新しい時刻表現「Light Hour」をはじめ、穏やかな目覚めをサポートするアラーム、集中を助けるタイマー、心地よい環境音を流す「Relax Time」など、日々の時間をより豊かにする機能を備えたプロダクトだ。専用アプリ「BALMUDA Connect」と連携することで、自分好みに設定することもできる。 伝統的な懐中時計の美しさから着想を得たクラシックなフォルムに、アルミニウムのボディやLEDによる光の表現など、現代的なテクノロジーを融合。小さなサイズの中に、BALMUDAらしい思想が凝縮された、新しい時の道具となっている。 光と音によって時間の流れそのものを再構築することで、単なる“時計”を超えた体験を提示している点も特徴だ。 2026年3月18日（水）より予約販売を開始。価格は59,400円（税込）。4月中旬より順次出荷予定で、BALMUDAオンラインストア、旗艦店「BALMUDA The Store Aoyama」、ブランドショップ各店にて販売される予定だ。

「The Clock」の特徴のひとつが、光によって時間の流れを表現する「Light Hour」だ。 単に時刻を表示するのではなく、時間そのものを心地よく感じるために設計されたこの機能では、毎正時にチャイムとともに、振り子の動きを光のモーションで表現する。 針やカバーガラスを用いず、温かみのある光の動きだけで時間の流れを伝えることで、視覚的な情報としての“時刻”ではなく、体感としての“時間”を届ける。

「The Clock」には、日常のさまざまなシーンで役立つ機能も搭載されている。 Relax Time 雨音や水の流れ、暖炉の音などの環境音を、光の演出とともに再生。静かな没入感のある時間をつくり出す。 Alarm 設定時刻の約3分前から環境音が静かにスタートし、徐々に音量が変化。自然な覚醒へと導く。 Timer 最大60分まで設定可能。ホワイトノイズが周囲の雑音を覆い、読書や作業など集中したい時間をサポートする。 搭載されているサウンドには、「Long Rain」「Infinity Boat」「White Noise #1」「Morning Forest」「Milan」などが用意されている。いずれも空間に溶け込むよう設計されており、時間の質そのものを整える役割を持つ。

デザインのモチーフは、伝統的な懐中時計。 長く愛されてきた道具の持つ親しみと美しさをヒントに、現代のプロダクトとして再構築されている。 約7.5cmのコンパクトなボディには、75個のLEDによる均一な発光構造と、200点以上のパーツが組み込まれている。 クラウン（リューズ）による直感的な操作、アルミニウムブロックから削り出されたボディ、ウーファーとツイーターを備えたステレオスピーカーなど、細部にまで機能と体験の設計が行き届いている。 コンパクトなサイズからは想像できない、奥行きのあるサウンドも特徴のひとつだ。

専用アプリ「BALMUDA Connect」を使用することで、スマートフォンとの連携が可能。 アラーム時刻やサウンドの選択、光の演出などを細かく設定できるほか、セカンドタイムゾーンの設定にも対応。日常使いはもちろん、仕事や旅行など幅広いシーンで活用できる。 対応はiOS、Android。今後のアップデートにも対応予定となっている。

Bimiが最新作となるEP『新作EP『【人】／INORI』をリリースした。作詞／作曲を自ら行い、俳優としての顔も併せ持つ多才なBimiが新たに掲げるのは「オリエンタル・ポップス」というテーマだ。 現代社会の閉塞感をスピットするアーティスト／ラッパーとしてバラエティ豊かなトラックを乗りこなしてきたBimi。今回はアジアン・サウンドへの興味を前面に押し出したサウンドを展開し、これまでにも追求してきた和ネタをDJ dipと共に掘り下げる。同時に、本作ではBimiによる「祈り」という行為への洞察も込められている。「自問自答でもあり他問他答でもある」と語るタイトルトラックをはじめ、射程の広いポップスの意匠を借りて哲学を放出するBimiの脳内に迫った。

──前作『R』が集大成のような内容であったのに対し、『【人】／INORI』は明確なコンセプトを立てた意欲作であるように感じました。 『R』ではこれまでの人間関係やルーツを清算できたので、それを踏まえた上でアップデートされた自分のアイデンティティを出す方法について考えたんです。将来的には世界のハコも周りたいですし、新しい作品に自分が生まれ育った日本のサウンドを取り入れるっていうのは一種の義務というか。その中で現代社会を過ごして感じた価値観を自分なりに出すことにしました。 ──『【人】／INORI』では「オリエンタル・ポップス」をテーマに掲げていますね。以前から抱いていた日本のカルチャーへの興味が前面に出たような。 はい。インディーズ時代から考えていましたし、メジャーになってからも「軽トラで轢く」や「博徒街道」って曲で和を取り入れていました。USやUSのサウンドを参考にしたものが飽和している状態で、「これが日本人です」っていうので海外へ出て台頭できる音楽を考えていたんです。それも昔の音楽をなぞるんじゃなくて、今の感覚でそれをアップデートするための曲。それでヨナ抜き（注：日本の歌謡曲や演歌に特有の音階）とかを試していました。 僕は演歌も聴けばロックも聴くし、ヒップホップも聴くんです。まぁ全部好きなんですけど、前回までは「こういうのも出来ますよ」みたいなフレックスとして色んなジャンルをまとめていたんです。その先で見えた景色として、「オリエンタル・ポップス」を軸に据えるのが改めて重要だなって実感したんです。他のアーティストさんは一つのことを突き詰めた後に色んなジャンルに手を出すんですけど、僕は色んなジャンルに手を出した後に一つへ絞るっていう（笑）。

──Bimiさん自身が最初に演歌や歌謡曲の魅力に気づいたのはいつですか？ 祖父母が氷川きよしさんを聴いていたんです。当時は演歌界の新星で、よく一緒に聴いていました。あと八代亜紀さんとか石川さゆりさんも聴いていましたね。演歌って耳に残るじゃないですか？　それって僕らのライフスタイルに寄り添っていることを示していて、そういう要素をうまく取り入れるのは重要だなって常々思っていたんです。 ──どのような着想から「オリエンタル・ポップス」というフレーズを作ったのですか？ 自分の感覚の通りに作ったんです。「ポップス」というのは何も考えなくても聴ける音楽ですし、深読みしようと思えばいくらでも考察できるものなんです。さっきの話にも通じていますけど、生活に寄り添うことを考えたんです。今回も歌詞自体は難しく書いちゃってますけど、サウンドは軽めにして聴きやすくしているんです。そうやって生活に溶け込むというか。それで日本のイメージに沿ったので「オリエンタル」という。 ──確かに。溶け込んだ後によく考えるとゾっとするというか、演歌もよく聴けば逆恨みばかりですもんね（笑）。 そうなんです、恨み節か情景に思いを馳せるかっていう。「軽トラで轢く」も男女の愛憎劇なので演歌とテーマは近いんですよ、僕はそういう風に曲を作っていくことが多いです。

──『【人】／INORI』ではどのように恨み節や愛憎入り混じるテーマを取り入れたのでしょうか？ 今回は恨み節という「祈り」というテーマが強調されているかもしれません。例えば、僕はギャンブルをするんですけど、「これ頼むから当たって！」って軽薄に祈ったりするんです（笑）。かと思えば、誰かに生きながらえてほしいとか、あの人が無事に帰ってきてほしいとか、そういう重い祈りもある。今回の曲は「祈り」のバリエーションについて表現しているんです。 ただ、「オリエンタル・ポップス」の要素を意識したものとして最初の「ガラポン」は作りました。今のリスナーって最初の15秒しか聴いてくれないと思っていて、そこに強い言葉をぶつけたかったんです。 ──「ガラポン」の歌詞は親ガチャを絡めた内容ですよね。 現代の歪みってルッキズムとその僻みだと思うんですよ。「自分はこうなのにあの子は違う」っていう悩みが蔓延しているというか。そこで僕は「自分の価値を高めればみんな一等級だよ」っていう戦いの歌を作ったんです。この世に産み落とされた時点ですごい確率なんだから、もうやるしかなくない？　そんな歌です。 ──以前と比べてフレックスする対象が変わったようにも感じました。自分ごとから、自分の周囲も丸ごと誇るための言葉というか。 そうですね。今までの曲はもっと攻撃力が高かったんです。 いい意味で若くてイタいというか、 ガツガツしてたというか（笑）。それで28歳になった今は考えが変わったというか、「お前が頑張ってたら俺のことも引っ張り上げてくれるでしょ？　それで俺が頑張ってたらお前のことも引っ張り上げられるよね」みたいな相乗効果を狙った方が良いと感じたんですよね。人としてのビジネスマン、みたいな。 それと歳を経て自分に自信が持てたっていうのもあります。これまでは満たされない気持ちをぶつけがちだったんですけど、人生の中で色々と気づくことがあって。『R』でも呂布（カルマ）さんとか新藤（晴一 from ポルノグラフィティ）さんのような大人に触れることでリスペクトする気持ちが湧いたんです。前までは「どこの土俵でも戦えるっしょ」っていうフレックスをどこかでしていたんです、お恥ずかしい話ですけど（笑）。それは僕が勝手に思ってるだけで、向こうからしたら胸を貸しているだけだったりするんです。そういう意味で、寄り添える人こそが本当に強いなって思います。

──「人」はまさに達観の境地というか、今のお話にも通じる内容かと。 これもテーマは一緒というか、つまり「祈り」なんです。「往来の中で俺は生きるよ」っていう意志表明なんです。ポップスの性質上、当たり障りのないことをキャッチーなメロディーに乗せたら刺さるんです。でもそれってショットガンに近いというか、当たる範囲が広範囲すぎて胸までエグられないんです。やっぱりマグナムじゃないといけない。だからマグナムの威力でどれぐらいショットガンのように届けられるかっていう、そういう挑戦をしています。

──続く「INORI」はその路線をさらに強調しているように聴こえます。ギャンブルの話も生々しいというか。 はい、本当に負けてるんで（苦笑）。これは自分への内省でもあるんです。ボロボロの状態で頑張る中でも誰かのために祈れることの素晴らしさというか、それが巡り巡って自分にも返って来るだろうっていう祈りなんです。「人」と「INORI」は、自問自答でもあり他問他答でもあるんです。宮崎駿の『君たちはどう生きるか』みたいな、そういう問いかけです。 ──「カグツチ」では一転、日本神話のモチーフが登場します。 悲しい神話なんですよね。イザナミが産み落とした時に、火の神であるカグツチはイザナミの身を焼いてしまうんです。だからイザナミは忌み嫌われて、今度はイザナミの夫に恨まれて殺されてしまう。カグツチは破壊と創造の神でもあって、そういう二面性を取り上げたかったんです。不条理に打ちのめされて苛まれていることも歌っているし、「そういう世界も素晴らしいかもね」みたいな歌でもある。サウンドとしても、この曲が最も「オリエンタル・ポップス」らしいかもしれません。 ──なるほど。ラストに「exorcist」の味変バージョンを入れたのはなぜですか？ 「昔の衝動に戻ったらどうなるんだろう？」っていう挑戦です。3年前の自分は攻撃力が高すぎたというか、それを今回は拡張させようっていう試みで入れました。 それと、音楽を続けるならビジネスのことも考えなくちゃいけないし、アーティストとしての表現と塩梅を取らなきゃいけないですよね。僕の場合、「exorcist」の歌詞だとメディアに出るのも厳しいですけど、「カグツチ」とかなら大丈夫なんです。そういう意味でポップスを作ることは重要というか、広く聴いてもらった上で「exorcist」みたいなものとも出会ってほしいんです。

──ありがとうございます。最後に、これから始まる二つのツアーについても聞かせてください。 ライブツアーには＜SOME MINGLE＞というサブタイトルを付けました。普段自分が聴いている人や仲良い人を集めたライブになります。同じ年代のアーティストから受ける刺激が今の僕には足りてないというか、まだ絡みのなかった人たちともこれを機に会いに行こうと思います。 バンドツアーに関しては自分の夢でもあるんです。ルーツがバンドだったので、「生演奏でライブをやる」っていうスタイルを今やろうかと。その先でフロントマンとして見えてくる文書があるんじゃないかっていう挑戦でもあります。インディーズ時代の楽曲をメインに据えることも考えていますし、ライブツアーとはガラッと違う演出になると思います。

＜FUJI ROCK FESTIVAL ’26＞（以下、フジロック）が、2026年7月24日（金）〜26日（日）の3日間、新潟・苗場スキー場にて開催される。 本日2月20日、出演アーティスト第1弾ラインナップ全66組が一挙発表。出演日別ラインナップも公開され、早くもSNS上でも熱いリアクションが飛び交っている。 再始動となるアーティストから、長らく出演のなかった国内レジェンドの帰還、そして現在グローバルに活動する日本を代表するアーティストまで、現在の音楽シーンを網羅したラインナップが連なる。さっそく日別に振り返ってみよう。

初日のメインを飾るのは、昨年から活動を再開した The xx（ザ・エックス・エックス）。第1弾のヘッドライナーとして登場するのではと予想されていたが、2010年の初出演から数えて4度目、初のヘッドライナーとして登場する。 国内からは、1999年以来27年ぶりの出演となる Hi-STANDARD、結成30周年の ASIAN KUNG-FU GENERATION の出演が決定。この2組が同日に出演というのも話題に。 また、2026年のグラミー賞で2冠を獲得した米ボルチモアのハードコア・バンド TURNSTILE（ターンスタイル）、ブリット・アワード受賞のARLO PARKS（アーロ・パークス）、韓国インディーシーンを牽引するHYUKOH（ヒョゴ）、今春に3枚目の新作リリースが注目されるUSインディーロックSNAIL MAIL（スネイル・メール） アムステルダム発のサイケロック・バンドALTIN GÜN（アルトゥン・ギュン）、昨年のソロ弾き語りに続いて今年はバンド編成での出演となる奇妙礼太郎BAND、沖縄出身シンガーソングライターYo-Seaらなど、近年の音楽シーンを象徴するアーティストと、初日から盛り上がること間違いなし。

フジロックの2日目は、国内外から多彩なジャンルの実力派アーティストが並ぶ。 まずはじめに、2019年にフィールド・オブ・ヘブンに出演し幻想的なステージを届けてくれたタイ・ファンクの雄、KHRUANGBIN（クルアンビン）が再び登場。 そして、フジロック初出演となるシンガーソングライター藤井風（Fujii Kaze）。自然に囲まれる苗場のステージで、どんなパフォーマンスをみせてくれるのか期待が高まる。さらに初出場組には、グローバルな活躍を広げる7人組ガールズグループ XGにも注目。 ダンスミュージック・シーンからレジェンド勢も顔を揃える。THE CHEMICAL BROTHERSのトム・ローランズとAURORAによるスペシャルユニット TOMORA（トモラ）、シーンをリードし続けるDJ/プロデューサーユニット BASEMENT JAXX（ベースメント・ジャックス）が出演。 その他、KOKOROKO（ココロコ） 、 YUUF（ユーフ）、サニーデイ・サービス、 Kroi、 Bialystocks、 柴田聡子 など、音楽ファンから熱い支持を集めるアーティストが続々出演。どのステージも見逃せないラインナップだ。

最終日、まさにこれぞフジロックといった濃厚な面々が揃う。 トリップホップというジャンルを確立し、ブリストル・サウンドのオリジネーターとして世界的な影響力を持つMASSIVE ATTACK（マッシヴ・アタック）。2010年、豪雨のなか伝説と呼ばれたアクトから、実に16年ぶりとなる待望のカムバック。 続いて、2021年来の出演となるのは平沢進+会人。音楽の深化と進化を追及し続ける孤高の存在「師匠、ヒラサワ」を求め今年も馬骨が苗場に集結するだろう。さらに、世界的なブレイクを果たしたシンガーソングライターのMITSKI（ミツキ）、そしてポトロックのパイオニアMOGWAI（モグワイ）や、AMERICAN FOOTBALL（アメリカン・フットボール）、JAPANESE BREAKFAST（ジャパニーズ・ブレックファスト）といった、オルタナティブ・ロックシーンを代表するアーティストたちも名を連ねる。 そのほか、never young beach、Tempalay、浅井健一、GOGO PENGUIN（ゴーゴー・ペンギン）ら世代とシーンを象徴するアーティストがラインナップされている。 第1弾ラインナップ発表後のフジロック・ファンの歓喜による余波が残るなか、昨年に続いて3日間通しチケットが早々にソールドアウトする予感。以降の追加ラインナップにもまだまだ目が離せない。

チケット先行販売開始！ 全券種の先行販売が開始された。フジロックのチケットは、早く買うほどリーズナブルな先行特別価格が適用されるほか、配送を選択すればリストバンドの事前受け取りが可能。 ※満15歳以下は保護者の同伴に限り入場無料（要写真付き身分証）となっている。 入場券のみ、キャンプ券、駐車券付きなど券種はさまざま。公式サイトのチケット詳細ページを要チェック！ チケット詳細ページはこちら

2026年8月、＜SUMMER SONIC（サマーソニック／以下サマソニ）＞が今年、25周年を迎える。2000年の初開催から四半世紀。ロック、ポップ、ダンス、ヒップホップ、エレクトロ、そしてその狭間に生まれた無数の音楽たちを、サマソニは常に“同時代性”の視点で提示してきた。 時代を象徴するレジェンドから、次の時代を形成するアップカミングな新鋭まで。さまざまなステージで繰り広げてきたパワフルで記憶に残る名パフォーマンスの数々。その瞬間を目撃してきたフェス・ファンにとって、サマソニは単なる夏の“イベント”ではなく、音楽史そのものだ。 そして迎える25周年、まず大きなトピックは初となる3日間開催！　25年分の歴史を祝福しながらも、サマソニの未来を明確に提示する3日間となるだろう。 第1弾発表から、本気度が伝わるラインナップ。ロックの定義をアップデートし続けるレジェンド、日本の音楽シーンを象徴するバンド、ポップカルチャーを横断するアイコン、そして次世代を担う新鋭たち。ジャンルや世代を超えたストーリーが、今始まる。

第1弾ラインナップの発表と同時に、SNSや音楽ファンの間で大きな反響が広がった。 ヘッドライナーとして発表されたこの2組。 21世紀のロックを決定づけた存在、THE STROKES（ザ・ストロークス）。衝撃的なデビューから現在に至るまで、その存在感は色褪せるどころか、現在もインパクトを与え続けている。 そして、結成35周年を迎えるL’Arc-en-Cielが、満を持してサマソニ初のヘッドライナーへ。日本の音楽シーンを象徴する彼らが、25周年の節目のサマソニに立つその意味は大きい。 さらなる豪華ラインナップ 唯一無二のグルーヴでフロアを飛び越え、世界中のダンスシーンを席巻してきたJAMIROQUAI（ジャミロクアイ）。近年、その音楽性はもちろん、ボーカルJay Kay（ジェイ・ケイ）の全盛期のファッション・スタイルが若い世代から再評価され存在感が現在進行系になったカリスマの姿をサマソニで目撃することができる。 さらに、音楽をパフォーマンスアートの域へと押し上げてきたDAVID BYRNE（デイヴィッド・バーン）の出演も決定。ブロードウェイでの名演『アメリカン・ユートピア』、同映画で世界中を魅了し続ける彼の現在のパフォーマンスを体感できる。 そして、『BLACKPINK WORLD TOUR IN TOKYO』が行われたばかりのBLACK PINKより JENNIE（ジェニー）！　続いて、圧倒的な存在感で世界を魅了するFKA twigs など、これだけでもヘッドライナークラスのアーティストと言える。 国内アーティストの最強ラインナップ！ 国内勢もまた、この25周年にふさわしい顔ぶれが揃った。常に“時代の先”を提示し、まさ 常に音楽と表現の更新を続けるサカナクション。昨年、見事に復活し圧倒的な存在感を放ったSuchmos（東京のみ）。海外からも高い評価を受ける 羊文学。日本の現在地を示す圧倒的な存在が並ぶ。 さらなる追加アーティスト！ 勢いある新進気鋭から、レジェンドクラスのアーティストやバンドが続々。 STEVE LACY（スティーヴ・レイシー）、KASABIAN（カサビアン）、LE SSERAFIM（ル・セラフィム）、PENTATONIX（ペンタトニックス）などなど。 25周年というアニバーサリーイヤーであるサマソニの覚悟が伝わるこのラインナップを前に、「行かない理由」を探す方が難しい。 今年は3日間の開催ということもあり、今後どんな追加ラインナップが控えているのか、楽しみでならない。 25周年を祝福するサマソニの本気に日本が沸き立つこの夏、楽しむ準備はできていますか？ チケットは、争奪戦必至。 2/3(火)12:00より、クリエイティブマン会員先行。 2/10(火)12:00より、オフィシャル先行がスタート。 ※要望叶える通し券のプラチナチケットも追加された模様。要チェック！！

Text：Qetic編集部

2026年1月30日、富士フイルムから登場する「instax mini Evo Cinema™」は、単なるインスタントカメラではない。静止画と動画、そしてプリントという行為を横断しながら、“撮る・渡す・楽しむ”という体験そのものを再定義する一台だ。

mini Evo Cinema最大のトピックは、最大15秒の動画撮影に対応したこと。撮影した動画はQRコード化され、動画の中から選んだ“ベストな一瞬”とともにチェキプリント™として出力できる。

プリントを受け取った相手は、チェキ™フィルムの質感とともにその場の空気を思い出し、QRコードを読み取れば動画が再生される。これは写真でも動画でもない、“記憶を手渡す”ための新しいメディアだ。

1960年代の8mmフィルムを彷彿とさせる「1960」、1970年代のカラーブラウン管テレビの質感を再現した「1970」など、10種類のジダイヤル™エフェクトを搭載。各エフェクトは10段階で調整可能なため、100通り以上の表現を実現。ノスタルジーとシネマティックな空気を自在に操れる。“撮った瞬間から完成している映像”という感覚は、デジタル全盛の今だからこそ新鮮に感じる。 デザインは、1965年発売の8mmカメラ「フジカシングル-8」からインスピレーションを受けた縦持ちクラシックスタイル。ブラックとグレーを基調にしたミニマルな佇まいが、“撮る時間”そのものを楽しませてくれる。

mini Evo Cinemaは、動画カメラ・静止画カメラ・スマホプリンターという1台3役をこなすハイブリッドモデルでもある。スマートフォンとの連携も進化し、撮影からプリントまでの導線は驚くほどスムーズだ。 NEWS MEDIA QETICでは、一足早くmini Evo Cinemaで撮影した動画コンテンツをInstagramにて公開中。記憶を“届ける”新時代をぜひ体感してほしい。

Text: Kazuki Hyodo

2026年1月17日（土）・18日（日）、幕張メッセで開催される＜GMO SONIC 2026＞（以下、GMO SONIC）。2023年に初開催されて以来、毎年1月の開催を重ねてきた日本発の大型音楽フェスティバルは、今回さいたまスーパーアリーナから会場を移し、4回目の開催を迎える。

＜GMO SONIC＞のラインナップで最初に注目すべきは、なんと言っても2日目のヘッドライナーを務めるダンスミュージックシーンの伝説的スーパーグループ、スウェディッシュ・ハウス・マフィア（Swedish House Mafia）（以下、SHM）だろう。スウェーデン出身のアクスウェル（Axwell）、スティーヴ・アンジェロ（Steve Angello）、セバスチャン・イングロッソ（Sebastian Ingrosso）の3人で構成されるこのスーパーグループは、2008年の結成以来、“Don't You Worry Child”、“Save The World”といったダンスミュージック史に残るアンセムを生み出してきた。

一方、海外勢では現行シーンを牽引する新鋭が揃った。ドム・ドラ（Dom Dolla）はテックハウスシーンを代表するオーストラリア出身のプロデューサーで、グルーヴィーなベースラインと遊び心あふれるトラックメイキングで知られる。メデューサ（Meduza³）は“Piece of Your Heart”で世界的ヒットを記録した人気トリオで、ディープハウスのグルーヴとエモーショナルなボーカルを融合させたサウンドが特徴だ。 ヒップホップ／R＆Bからも重要なアーティストが出演する。グロリラ（GloRilla）はグラミー賞ノミネート経験を持つメンフィス出身の女性ラッパーで、2022年の“F.N.F. (Let's Go)”でブレイク。2024年のデビューアルバム『Glorious』は全米アルバムチャートで5位を獲得した。SIRUPは日本のR＆B／ネオソウルシーンを牽引するシンガーで、ラップとボーカルをシームレスに行き来する変幻自在の歌唱が持ち味だ。

Text：Jun Fukunaga

2026年1月17日・18日に開催される大型音楽フェスティバル「GMO SONIC 2026」。同フェスは過去3年間にわたり、さいたまスーパーアリーナで開催されてきたが今回は新たな会場である幕張メッセに場所を移して開催されることでも注目を集めている。 幕張メッセといえば、毎年8月に開催される日本を代表する音楽フェス「SUMMER SONIC」東京会場のひとつとしてよく知られる。しかし、今や音楽フェスは夏に限らず、1年を通して開催されるようになった。その中でGMO SONICは「冬の大型音楽フェスティバル」という地位を確立してきたが、新会場での開催は同フェスのどのような新たな魅力を引き出すのだろうか。

GMOインターネットグループとクリエイティブマンプロダクションが共同で主催するGMO SONICは、これまでにMarshmello、The Chainsmokers、Zedd、Kygo、Skrillex、Martin Garrixといった世界的なDJ・プロデューサーがヘッドライナーを務めてきた。しかし、こうしたヘッドライナーに象徴されるエレクトロニックミュージックを軸としながらも、K-POP、ヒップホップ、国内アーティストまでが出演する、ジャンルを横断したラインナップが特徴として挙げられる。

その流れを踏襲した今回は、先述のMarshmelloが初日のヘッドライナーとしてカムバックするほか、ダンスミュージックシーンのレジェンド、Swedish House Mafiaが2日目のヘッドライナーとして日本の音楽イベント初出演。さらに新しい学校のリーダーズ、JO1、SIRUPといった国内アーティストまでが出演する。 ここで幕張メッセで開催されるGMO SONIC 2026ならではの魅力をご紹介しよう。まず、注目したいのは公開されている会場マップを比較することで見えてくる新旧会場の空間としての特性の違いだ。さいたまスーパーアリーナでは、2階と1階（アリーナ）に分かれた構造で、スタンド席から見下ろす形でステージを観覧するエリアも存在した。

一方、幕張メッセのフロアマップを見ると、ステージ前方に専用ビューイングエリアや専用ラウンジなどの特典付きの「PLATINUM STANDING」エリア、その後方に広大なフロアを楽しめる「GA」エリア、最後方に今回より新設の「GA PANORAMA ZONE STANDING」エリアが配置された、フラットな一体型のレイアウトになっている。こうしたオールスタンディングのフラットな空間では、観客同士がより近い距離で一緒に声を上げ、一体となって盛り上がりやすい。 チケット価格面でも「GA PANORAMA ZONE STANDING」は注目だ。PLATINUM STANDINGは1日券28,000円/2日通し券50,000円(どちらも税込)、GAが1日券17,000円/2日通し券30,000円(どちらも税込)に対し、同チケットは、2枚購入必須（かつ2人同時入場）という条件はつくものの、各日9,800円（税込）となっている。1万円を切るこの価格設定は近年のフェスのチケット相場からするとかなりお手頃価格。友人と一緒にフェスデビューしたい初心者や「GMO SONICを一度体験してみたい」層に最適なチケットとなっている。 また、冬開催のフェスだからこそ、幕張メッセを会場にするメリットもある。夏の野外フェスには野外だからこその開放感や一体感、そして「夏の思い出」としての特別さといった魅力があるが、天候の悪化や熱中症リスクといった課題もつきまとう。 一方、冬の野外フェスは、熱中症リスクこそないが気温を考えると野外で長時間過ごすのは難しい。また、天候リスクは夏と同様に残る。しかし、屋内フェスであるGMO SONICでは、空調管理された快適な環境で、天候を気にすることなく音楽に没頭できる。そして、その環境だからこそ実現するのが服装の自由度の高さだろう。夏・冬どちらも野外開催となると服装はどうしても機能性重視になりがちだ。しかし、屋内であればファッションを楽しむ余地が生まれる。この点は特に都心からのアクセスも良好な幕張メッセの強みであり、"冬ならではの都市型フェス・ファッション"で自己表現を楽しみたい人にはうってつけだ。

こうして積み上げられてきた確かな実績と熱量を背景に持つGMO SONICが幕張メッセへと会場を移すことで、音楽フェスとしての可能性はさらに広がるだろう。世界を魅了することを目指す”これまでにないフェスティバル”のアップデートされた魅力を、ぜひ会場で体感してほしい。

Text：Jun Fukunaga

2026年1月17日・18日、幕張メッセにてGMO SONIC 2026が開催される。GMO SONICは2023年にスタートした大型音楽フェスティバル。過去にはMartin GarrixやSkrillex、Marshmelloといったダンスミュージックシーンを代表するDJ/プロデューサーがヘッドライナーを務めてきた。毎年1月に開催を重ね、今では日本の冬を代表するエレクトロニックミュージックフェスとしての印象が定着した感がある。

しかし、普段エレクトロニックミュージックを聴かない人でも、Dua Lipa、Charli xcx、Lady Gaga、The Weekndといったポップスターの音楽を聴いている人は少なくないはずだ。実は、GMO SONICはそれらの音楽を形作ってきたプロデューサーやDJたちが一堂に会する場所でもある。なぜそう言えるのか。2020年代のポップミュージックとエレクトロニックミュージックの関係性から紐解いていきたい。 2020年代のポップミュージックを振り返ると、エレクトロニック・プロダクションを基盤とした作品がシーンを席巻していることがわかる。その顕著な例がグラミー賞だろう。 例えば、Dua Lipaの『Future Nostalgia』（2020年）は、2021年のグラミー賞で最優秀ポップ・ボーカルアルバムを受賞した。ニュー・ディスコやイタロディスコを取り入れたダンサブルなサウンドが特徴だ。

GMO SONIC 2026で初来日を果たすSwedish House Mafiaは、2010年代初頭に「Don't You Worry Child」「Save The World」といったアンセムでEDMシーンを席巻したエレクトロニックミュージックのスーパーグループだ。しかし、2021年に彼らはThe Weekndとのコラボ。ダンスポップ/シンセポップ調の「Moth to a Flame」をリリースしている。The Weekndの浮遊感あるボーカルを包み込むムーディーなトラックは、2010年代初頭のアンセムとは一味違うサウンドに仕上げられている。

一方、GMO SONIC 2026にスペシャルゲストとして出演するダンスミュージック・シーンの重鎮Tiëstoも、2023年のアルバム『Drive』で、先述のCharli xcxや過去にGMO SONIC出演歴があるThe Black Eyed Peasのほか、Tate McRae、Ava Maxといったポップスターとコラボレーションしている。また、Tiëstoは2025年に自身の原点であるトランスに回帰。最新曲「Bring Me To Life」は、先述のFKA twigs『EUSEXUA』に通じるトランスサウンドで話題を呼んだ。

さらにポップスとエレクトロニックミュージックの融合という点において、最重要人物と言えるのが今回で2度目のGMO SONICヘッドライナーを務める、フューチャーベースの代表的アーティストのMarshmelloだ。代表曲「Wolves」でのSelena Gomezをはじめ、Halsey、Anne-Marie、Ellie Gouldingといったポップスターたちとのコラボ曲は、キャッチーなメロディと感情的なボーカル、そしてフェス映えする派手なドロップが特徴。まさにポップスとエレクトロニックミュージックの境界線を溶かすハイヴリッドな楽曲で両方のシーンで人気が高い。

彼女たちの楽曲には、多様なエレクトロニック要素が組み込まれている。 代表曲「オトナブルー」は昭和歌謡風のボーカルが印象的だがトラック自体は80年代風のエレクトロファンク的要素を持つ。また、「Tokyo Calling」はハードテクノ的なビートが日本の特撮映画を彷彿とさせるシネマティックなウワモノと重なりながら展開される。さらに「Toryanse」は、ブラジリアンフォンクにインスパイアされたエレクトロニックビートに、日本の伝統的童謡「通りゃんせ」のモチーフを乗せた楽曲。複数の童謡を取り入れた遊び心あるリリックが特徴だ。

Text：Jun Fukunaga

フジロックの記憶は単なる音楽体験ではなく、音・ビジュアル・ライフスタイルが交差する場として、時代の痕跡が同居している。PARCO MUSEUM TOKYOで2025年12月26日から2026年1月12日にかけて、フジロックのオフィシャルショップ＜岩盤/GAN-BAN＞の25周年を記念して開催される『TIME CAPSULE 2025 : A FUJI ROCK Odyssey -時空を超えるフジロック展-』は、その記憶をアートの文脈で再構築し、来場者の既視感と共感を呼び起こす場となるだろう。

この展覧会はディレクションを担うキュレーター・半田淳也の視点により、来場者自身の感覚を刺激する“時と記憶の空間”として設計されている。遡ると半田淳也は、N.HOOLYWOOD 在籍時の2007年にフジロック・コレクションの制作依頼を受け、独立後の2017年からもGAN-BANのショップデザインやフジロックのグッズデザインなどを数多く手掛けている。展覧会のロゴは、NASAのボイジャー探査機に搭載されたゴールデンレコードがインスピレーションの元。音声波形と映像データを象徴するふたつのカプセルは、観る者を「夏の回想」と「音の宇宙」の旅へと誘う。

展示の始まりは〈記憶への入口〉。初代GAN-BAN NIGHTのVJで映像監督の関和亮による作品が、来場者を迎え入れる。印象的な光と影の反復とともに映し出されるフジロックの映像は、記憶の奥底へと沈み込むような感覚を与え、観客の身体は共鳴する余白が生まれる。関和亮は、音楽と映像の融合をひとつの芸術形式として昇華してきた映像作家だ。彼の映像はフジロックという野外フェスティバルの体験を、身体的記憶から普遍的なヴィジュアルへと転換する力を持っている。 その映像が流れる向かいの壁には、2017年のポスターからフジロックに関わり始め、直近では2025年のキービジュアルも手掛けるデザイナー＆アーティスト・渡辺明日香の作品が大胆に描かれている。それらの作品を見た時点で、渋谷にいながらも“夏への扉”はゆっくりと開いていった。

展示の中心となる＜タイムカプセル＞は、観る者の探究心を刺激する空間だ。過去へと遡る旅を示すかのように電車を模した導線が空間を貫き、歴代フジロックのビジュアルをプリントした232枚のTシャツ（非売品）や、膨大なオフィシャルグッズが無造作に配置されている。来場者はそこに散りばめられた展示物をじっくりと探索しながら、記憶の断片をひとつずつ紐解いていく。 このセクションを担当する美術作家・松本千広による乱雑なモノの配置は、いわゆる一般的な展覧会の形式からは逸脱し、空間全体を1枚のコラージュとして捉えていたように感じる。同時に、この空間の世界観は観る者の内的時間を刺激し、それぞれの記憶と現在を同時に立ち上げる装置としても機能していた。

＜タイムカプセル＞に関しては、とりわけ生で見た方がいい。ベンチにもたれかかる人、落ちたリストバンド、フジロック記事の切り抜き、色褪せたオフィシャルグッズなど、いくつかのキーワードだけを残そう。この空間には、あの夏の“わたし”や“あなた”が確かに存在しているはずだ。

展示空間では、GAN-BAN NIGHTを象徴するDJ・プロデューサー・ミュージシャンのSUGIURUMNが音響演出を担当し、音と記憶が交差する展示体験に重要な役割を担う。そして彼がメンバーであるTHE ALEXXの新曲“Beautiful Surrender”は、この展覧会のテーマソングとして制作された。ちなみに会場内で流れている音には、2025年のフジロック会場で収録した音が含まれているという。聞き当てるのはなかなかの無理難題だが、ぜひあなたの記憶と耳を頼りに探してほしい。

最後の展示ゾーン＜現在、そして未来へ＞では、GAN-BANの初代店長であり現代美術家のShohei Takasakiによる、大胆なキャンバスコラージュ作品が眼前に広がる。過去のフライヤーやTシャツを重層的に取り込むことで、GAN-BANの歴史をひとつの絵画として表現していた。

そしてその向かいには、本展覧会のティザーを制作したグラフィックデザイナー・Kamikeneによる音波のインスタレーション作品が配置。形態と音響の関係性をアナログなギミックで探る作品は、不思議なほどに親和性を持っている。

展示の最後は、ビデオチーム・最後の手段による映像作品。現代のフジロックから未来へと視線を向ける効果を果たしており、音楽史と未来志向が同時に立ち上がる空間として巧みに設計されていた。そして、2025年のORANGE ECHOで木工ステージを制作したZERO ACTION ARCHITECTによるオブジェとともに、オリジナルグッズが並ぶミュージアムショップへ。ここではBLANKEY JET CITYやTHEE MICHELLE GUN ELEPHANTの限定Tシャツや、2018年から2025年までのフジロックコレクションなどが販売され、物販空間自体が展示作品として機能していた。

ミュージアムショップを巡り終えた先には、「フジロック・オフィシャルショップ岩盤/GAN-BANはみんなの夢を叶えます。」というメッセージが掲げられていた。それはフジロックにまつわる夢を書き込むことで応募できる企画であり、その想いに応える形で特別な何かが用意されているという。展示の余韻を胸に夢や想いを書き残してみるのも、この空間ならではの楽しみ方だ。 『時空を超えるフジロック展-』は単なる懐古的展示ではなく、映像・音響・グラフィック・空間デザインなど多様な表現が不思議な共存を果たし、観る者の身体感覚を刺激する場として存在していた。そしてその“実験性”や“遊び心”こそ、GAN-BANがGAN-BANたる所以なのかもしれない。

25年にわたってGAN-BANが築き上げてきた“音の磁場”は、渋谷の地で新しい形として再演された。来場者はこの展覧会を通して時空を越え、その先の未来、そう来年の苗場で会おう。

Text by ラスカル （NaNo.works） Photo by SOUTARO SHIMIZU

怒涛の展開で駆け抜けた2025年のSuchmosを、どんな言葉で総括すべきか。それは思っていた以上に難しい問いだ。「復活」という言葉は便利であり、長い沈黙を経て再びステージに立ったという事実だけを切り取れば、そのような観点で語ることは決して間違いではないだろう。

しかし、日本国内の単独有観客公演としては5年8ヵ月ぶりとなった〈The Blow Your Mind 2025〉の横浜アリーナ、4回目の参戦でWHITE STAGEのヘッドライナーを務めたフジロック、そして〈Asia Tour Sunburst 2025〉のファイナルとなった今回のZepp Hanedaという、3つの起点となるライブを見届けた今。「復活」の言葉だけでは、どこか足りない感覚が残る。それは彼らが単に“戻ってきた”のではなく、時間をかけて別の場所に“辿り着いた”ように思えるからだ。 横浜アリーナ・フジロック・Zepp Hanedaのライブを幸運にも記事にする機会に恵まれ、言葉にしながら感じるのは、それら3つのライブは異なる文脈と意味を持ちながら、確かな1本の線でつながっているということ。そして3部作のようなライブを経て、彼らはSuchmosの現在地を明確に示したのかもしれない。Zepp Hanedaファイナルは、そんな感慨にじっくり浸る夜だった。 本稿では、アジアツアーを締め括った12月13日（土）のライブをレポートする。

思い返すと、横浜アリーナは“祝祭”だった。Suchmosが再びステージに立つという事実自体が大きな意味を持ち、音が鳴る前から感情が湧き上がる夜だった。一方で、フジロックはまるで“交差点”。フェスという開かれた場所で、バンドの過去と現在、内と外が交わる機会だった。 そうして迎えた日本とアジア13都市を巡るツアーが〈Asia Tour Sunburst 2025〉であり、その最終地点となったのが今回のZepp Haneda。巨大なアリーナでも、野外の大舞台でもない。音が近く、視線が交わり、呼吸が伝わるハコ。その選択こそが、彼らの今のテンションを物語る。 まず、会場に入る前から今宵のムードは始まっていた。Zepp Hanedaに隣接するHICityの飲食店からは、彼らの楽曲が大音量で流れていた。それは公式の演出なのか、それとも店の計らいなのか。いずれにせよ天空橋からZepp Hanedaまで、一帯がSuchmosに彩られている。 そこには再始動や復活という言葉が持つ、特別な緊張感はない。その代わりにあるのは、音楽が日常の中に溶け込み、風景の一部として自然と鳴っている感覚。特別な夜でありながら、どこか当たり前のような時間。そんな喜ばしい不思議な矛盾が、ファイナル公演の前提にはあった。

18時、暗転。スタートの“Pacific”が始まる前に、暗闇に立つYONCEが、観客に向かって深々とお辞儀をした。そうして始まった曲は、アリーナで聴いたときとも、フェスで聴いたときとも明らかに違う。空気を震わせる前に身体に直接届くような感覚で、ひとつひとつの音がとても近い。その音に触れ、改めてSuchmosがライブハウスから生まれたバンドであることを思い出す。 幕が開き、ブルーのライトに照らされたステージの上空に、日食のような月が浮かぶ中で“Eye to Eye”。サビでは自然と観客の手が上がり、YONCEの「羽田よろしく」のセリフで歓声も上がる。そして“ROMA”や“Ghost”が続く序盤。あくまでも淡々と彼らは演奏をこなしている。 「最後の1本、全力で楽しませてもらいますので、ご自由にどうぞ」というYONCEのMCから“DUMBO”へ。ライブハウスで聴くSuchmosの音楽は、頭で聴く前に身体が反応する。この揺れ方が至福。誰かに指示されたわけでもなく、自然と同じリズムを共有できる。ライティングのフラッシュが場内を照らしたのち、“FRUITS”では深く身体に残るグルーヴが一帯に広がった。 「2021年に活動を休止して、今年の6月に活動を再開して半年、ここまであっという間でした。今年はライブに明け暮れて、いろいろな街でフェスにも出たし、自分たち主催のツアーも今日ここまでやってきたけど、どの会場もお客さんがいっぱい来てくれて。具合の悪い人はいませんか？ 無理をしないようにしてください。楽しく帰ってもらいたいので。よろしく」（YONCE） そんなYONCEの言葉を聞くと、きっとそうやってそれぞれの土地で語りかけながら、今回のアジアツアーを回ってきたのだろうと想像した。聞き馴染みのあるドラムのリズムに誘われ、続く“MINT”ではフロアのあちらこちらで、おそらくライブ中に振られて気の抜けたコーラが掲げられる。これはSuchmosのライブでは定番となっている光景であり、もはや合図も説明もいらなかった。音楽が聴く者たちの生活や記憶と結びついている距離感は、意図して作れるものではない。

“MINT”の余韻を経て始まった、サビで会場が一体となる“Alright”の「お前の基準に踊らされたくない」や、祭囃子のようなOKのドラムで始まった“To You”の「くれよ真実だけ」などの歌詞は、Suchmosが自分たちらしくいればいるほど説得力を持って胸の内に届いてくる。 ここでじっくりと時間を使う。そのタイミングで客席から「TAIKINGサイコーだよ！」といった声がステージに届き、笑いが起こる。そんな近さもライブハウスの良さだ。その後に披露した“Hit Me, Thunder”など、中盤のセットはライブ全体に呼吸を与える役割を果たす。勢いで押し切らず、音数を減らし、間を作る。余白を生む選択は、演奏への自信の表れでもあるだろう。

そしてこの日のライブで、個人的に新たな発見があった楽曲が“Marry”。7月にリリースしたEP『Sunburst』に収録され、11月22日の「いい夫婦の日」には10年来の盟友である俳優の間宮祥太朗が出演するMVが公開された曲。新たなSuchmosを象徴する曲として復活後のライブではたびたび披露されてきたが、初めて聴いたときは少なからず新鮮な違和感があった。 しかし、この日のライブの“Marry”は、彼らの楽曲群にすんなり溶け込む。最初からそうだったという人はいるのかもしれないが、自分の耳はようやく、曲に感情や理解が追いついたのかもしれない。変化は主張するものではなく、時間とともに馴染み、気づいたときにはそこにある。 「今日で（ツアーの）14本目ですけど、さっきステージ袖で『この6人で今年はライブを何回したんだろうね』って話していて、言っても20本ちょいとかだと思います。まだそれぐらいしかやっていないうちの、今日は1回。まあこれはみなさんに話してもしょうがないですけど、（ライブの抽選に）当たらなかった人たちがいっぱいいると思う。じゃあもっと大きいところでやってくれよっていう話もあると思うけど、ここならこうやってある程度まで見える、みなさんの感じが。なんだかこういう場所でやっぱり最初のツアーをやりたいなって。じゃあこのツアーが終わったら大きいところで……なんてことはないですけど、近いうちに何かお知らせできることがあると思います」（YONCE）

「心してかかってこい」（YONCE）という言葉で始まったライブの後半は、“A.G.I.T.” “STAY TUNE” “808”を畳み掛ける。フロアの温度は確実に上がり、Zepp Hanedaはひとつの塊のようになるが、この日のSuchmosは過剰にならない。それは今の彼らが頑張って盛り上げているわけではないからだろう。ライブハウスという空間で等身大の音が鳴る。“STAY TUNE”ですら、演奏はノスタルジーに寄らない。懐古やお決まりよりも、現在の在り方や感覚を優先するステージだ。

本編のラストは“VOLT-AGE”から“YMM”へ。十分な高揚感を持ちながら、こちらも抑制が効いている。さらに鳴り止まぬ拍手で舞い戻り、アンコールで演奏された“Whole of Flower”と“Life Easy”に関しても、すべてを出し切って終わるのではなく、余韻を残すフィナーレだった。 この日のライブは、演奏も演出も研ぎ澄まされていた印象。ライトに照らされて浮かぶ6人のシルエットも、メンバーそれぞれの存在感を際立たせていて美しかった。その上でステージを照らす電球スタンドは7本──この1本多い光の意味を、あえてここで説明するのは野暮だろう。 YONCEがMCで観客に伝えた、“Suchmos以外の音楽もたくさん聴いてほしいし、本気で遊べる何かを一緒に探しましょう“というメッセージも意味深い。ミュージシャンが自らのライブでそうそう言わないセリフだが、そこにはバンドのスタンスが端的に表れていたように思う。 自分たちだけを見てほしいわけではないし、音楽はもっと広く、もっと自由で、さらには音楽以外にも素晴らしいものはたくさんある。そんなフラットな彼らの感覚や姿勢をファンは推す。 横浜アリーナで再会し、フジロックで外と繋がり、Zepp Hanedaで現在地を確かめた。 冒頭でも述べたが、2025年のSuchmosは「復活」という言葉だけでは語れないフェーズに入っている。ただ戻ってきたのではなく、離れていた時間で培ったものも含めて更新しながら、今の自分たちの音楽に向き合っている。それが何よりポジティブで、健全で、彼ららしい。 次にSuchmosがどんな場所で、どんな形で、音楽を奏でるのかはわからない。だがひとつ信じられるのは、これからも自分たちのペースで、自由に音楽を続けていくのだろうということ。2025年の彼らのライブを目撃した者なら、その「未来」を見届ける準備がすでにできているはずだ。

Photo by 岡田貴之 Text by ラスカル （NaNo.works）