━━AG（Vo.）さんとHIDE（Gt.）さんはアートプロジェクトDOTS COLLECTIVEとしても活動しており、これまで自らのアートワーク類も手掛けてきました。それが今年の1月にリリースされたアルバム『RARA』以降、NYのWK Interactによる書き下ろしの壁画をジャケットに用いたり、今作もキム氏にジャケットのイラストを依頼したりとのコラボレーションが続いています。 AG　バンド活動やアートワークを通じ知り合ったり、繋がったり、憧れの方々と一緒に何か生み出したくなったのが動機です。中でも前回のWK Interactへの依頼をきっかけに、憧れの人と一緒に作品を作っていくことに刺激や面白さを覚えたのは大きかったですね。 HIDE　もちろんこれまで通り、自分たちの活動で完結すればイメージ通りにはいくと思います。だけど、新たに自分たちには無いものや想像を超えるものが欲しくなったんです。結果的に、前回も今回も自分達の想像を遥かに超えた素晴らしいものを得ることができました。 ━━今回のキム氏に関してはどのような経緯で今回のコラボが実現を？ HIDE　3年前に、Instagramで彼の存在を初めて知りました。大好きな大友克洋さんにタッチが近かったので好きになったんです。それ以降、彼の展示会がある度に足を運んでいました。六本木で行われていた展示会の時に、「僕たちの次作のジャケットを描いて下さい！」とAGが熱意を込めハングルで記した手書きの手紙をCDと歌詞を合わせて渡したんです。有名な方だし、「やっぱり無理だったか……」と諦めかけていたところに、やってもらえるとの連絡がきました。

━━HIDEさんから見たキム氏の魅力はどんなところですか？ HIDE　やはりあのスキルでしょう。初めてあのタッチを見た時の衝撃は本当にすごかったです。しかも、リアルタイムで、かつ記憶力だけで迷いなく完成させていく。その精神力の強さにも惹かれました。 ━━確かにCGが主流の昨今、あの墨での陰影や濃淡、細かさやダイナミズムを描き切る画力はすごいです。 HIDE　いくらPCのスペックが上がって可能性が広がっても、生で描かれたものの迫力や人に与える感動にはやはり敵いません。筆の生々しさとか。やり直しがきかず、それこそ瞬発力も含め真剣勝負的な緊迫感も全然違う。音楽もそうです。やはりライブ（生）が一番。 YU-KI（Ba.）　このような手描きの方が自分たちの音楽性にも絶対に合っているし、いかんせん迫力や生々しさが凄いです。

━━元々DOTS COLLECTIVEの方は緻密画とは逆のダイナミズムやパッション、瞬間性を捉えた感のある画風なので、その対照性も興味深いです。 HIDE　そういった自分たちには持っていないエッセンスが欲しくて彼にお願いした面もあります。自分たちの理想や完璧な像を補完していきたかったというか……。 ━━みなさん的には今回のイラストからどのようなストーリーが想起されましたか？ HIDE　多くの人が行き交う交差点で、この中心にいる小さな人の存在に誰も見向きもせずに歩いている。そんな中を、自信満々に歩んでいく姿。これってまさに今の自分たちだなって思いました。自信があるように見えるけど、小さいし強がっている部分も含めて。あと小さい人って、大きな人には見えないものや見つけられなかったものを見ることができる、さらに小回りが利くし自由に動き回れる。そのあたりも今の自分たちとリンクしました。 UTA（Dr.）　強いようでいて今はまだ弱い存在。そんな哲学性も感じました。そんな主張が楽曲の“MAJOR-MINOR”の内容ともリンクしていると思ったんです。 AG　これって、渋谷のスクランブル交差点にも見えますよね。東京って、色々な地方の人たちが自分の夢ややりたいことや野心を持って集まってくる。今はまだ小さな存在なんですけど、そこには隠れた才能や秘めた能力が眠っている。そんな人の波の中で「今に見てろよ！」と虎視眈々としている。そんなストーリーを感じました。 YU-KI　これからの未来をすごく想像させてくれるジャケットですよね。この主人公がこれからどうなっていくのか？　そういった思いを馳せさせる絵だな、と思いました。 AG　それにしても今の自分たちの状況を的確に表してくれていたのには驚きました。自分たちの音楽も今はまだ街を歩いている多くの人たちに気づいてもらえない存在でもある。そんな中、「今に見てろよ！」と自信満々で人の中心にいる。それがいかにも今の自分たちらしいですよね。

━━個人的には、このキム氏のメソッドに昨今のNOISEMAKERの作品との近似を感じました。みなさんの最近の楽曲たちも、一聴すると凄くワイルドでダイナミズムがありますが、ヘッドフォンで聴くと実はかなり緻密に出来ていることが分かる。その緻密さとワイルドさの同居とキム氏の画風とがオーバーラップしたんです。 AG　いまおっしゃってくださったことって自分たちが重要視している部分でもあって、自分自身、キムさんの絵に魅力を感じている点でもあるので、その感想はとても嬉しいです。 ━━今作の音楽性について、特に表題曲からはどこかヴィンテージ感のある印象を感じました。しかも「古き良き往年のロック」とは全く違った類いの「現行のロック」に、ヴィンテージ感のある温もりや、ふくよかな音を上手くブレンドさせた感じ。その同居が、とりわけ今の時代に新しく響きました。 HIDE　その通りで、今作はあえて昔っぽくやっていないのがポイントです。今、世界中の音楽を見回した時、みんなが同じようなことをしているように感じました。もっと先にいく為には……を考えた時に、出会ったのがこの音楽性でした。これが自分たちにとって、「今、一番新しい音楽性じゃないか？」と、強く思ったんです。 AG　この曲はMVも必見です。これまでとは違う新しい編集の仕方で、ストーリー的にも色々と考えさせられる描写や、後になって気付く描写が多く散りばめられているんです。さらに、AIによって映像に効果が足されている部分もあって、ある意味、人間には予測不可能な部分が同居しています。そのあたりも含めて、見どころがかなり満載です。 MVも含めて、キムさんの絵から自分たちの音楽を知ったり触れてくれたり、逆に自分たちの音楽を通しアートやキムさんを知ってくれたり興味を持ってもらえたり するのが理想です。やはり、そのあたりが異種とのコラボの醍醐味や狙い、可能性の一つですから。

━━今回のコラボのキッカケはメンバーからキムさんに手渡されたハングルで書かれた手紙とお聞きしました。 キム　そうなんです。丁寧にハングルで書かれた手紙をいただきました。そこに非常に想いが込められているのを感じて、今回のオファーをお受けしました。もちろん音楽が気に入ったのもあります。日本のロックバンドからの依頼に驚いたと同時に非常に嬉しかったです。ロックというジャンルは自分にとっても新しい挑戦でした。 ━━NOISEMAKERの楽曲の印象はいかがでしたか？ キム　彼ら自身の雰囲気や過去のアートワークから、もっとハードな音楽性を想像しましたが、ハードな音楽とヒップホップが混ざったような音楽性で、今の若者が好きそうだし、しっかりと詩も立っていて聴きやすいなと思いました。 ━━それにしても今回のこのイラストは、彼らの新曲と非常にマッチしていますね。 キム　ありがとうございます。でも実は、今回の絵は彼らの音楽を聴く前、依頼される前からアイデアとしてはありました。でも、音楽を聴いた後もそのイメージにそれほど相違がなかったので、このように仕上げました。もしNOISEMAKERからの話が無かったら、また違った形で世に出ていたかもしれませんね。

━━ちなみにこの絵にはどのような想いが込められていますか？ キム　この真ん中にいる黄色の人物が掲げているのはスマートフォンなんです。「俺の音楽を聴いてみろ！」って。アートの世界も音楽の世界もポピュラーな人がいれば、そこに至らない人たちも沢山いる。自分もアーティストとして、まだまだ存在や知名度を広げていかなくてはいけないとの思いや不安感があります。そのあたりにNOISEMAKERと共通点を感じて、描きました。 ━━自身のアイデンティティの誇示みたいなものですか？ キム　そうです。特にロックという音楽性も自分の絵のスタイルも、それぞれ個を貫き通さなくてはいけない。そのあたりで自分との共通項を感じることができました。もしかしたら、このたくさんの人の中に自分たちの音楽を聴いてくれたり、好きになってくれたりする人が現れるかもしれない。そんな思いからです。NOISEMAKERも結成から既に10数年が経っており、そこには見えない苦労や辛さ、辞めたいと思った時期もあったと察しました。それでも、自分たちの意志をキチンと持って己の道を歩いていく。そのあたりを表現してみました。 ━━ではキムさん自身もこの絵に自分をオーバーラップさせましたか？ キム　そうですね。自分以外の人々という巨大な壁の中、自分は今はまだ小さくて、なかなか見つけてもらえない存在かもしれないけど、いつかはこの下から見たような目線から、自分自身がもっともっと大きくなり、自分以外の人々よりもはるかに大きくなってやる！　そんな気概を込めています。 ━━今や既にポピュラリティを確立しているキムさんが、未だそのような心情だったのは意外でした。 キム　自分も昔は認められずに、よく編集の方に「作風を変えた方がいい」「もっとポピュラリティがあり、みんなが分かる絵にしろ」と言われていました。でも、自分は自分らしく路線を変えずに歩んだ結果、今に至りました。そんな自負があったからこそ、この絵が描けたのかもしれません。プロとしてお金や知名度も大事ですが、それよりも自分にとってもっと大切なことは、自分が楽しく絵を描くことです。そんな自分を見て「自分もこのようになっていきたい！」と思ってもらえるのが本望です。今後も私は楽しく絵を描き続けていきます。

この後、トークライブに向かった両者。ここでは両者がそれぞれ上述で語ってくれたことたちを語り、集まった多くの者の関心と感嘆を誘った。そのあたりは割愛させていただき、その際の模様を以下にまとめた。

このトークライブは、MCにINTER FM897のDJや音楽ライターとしても活躍中、NOISEMAKERとも親交が深いジョー横溝を司会に開催された。

登場したメンバーが各位、「ワクワクしている。ラフな感じで楽しんで欲しい」（AG）、「今日はどんな話が飛び出してくるか？　とても楽しみだ」（HIDE）など、トークライブへの期待値と軽い挨拶を告げる。そしてNOISEMAKERからキム・ジョンギが呼び込まれる。 2組の出会いの話からスタートしたこの日。キムの絵の魅力に対し、HIDEは「やはり生の筆力。記憶力だけで下書きなしで描くすごさ」を挙げ、AGも「自分も絵を描くけど、やはりこれは凄い！」と感嘆を交えて語る。対して、キムが下絵を書かない理由として、「下書きを描かなくても大丈夫なんじゃないか、と一度やってみた。それが上手くできたので、頭でしっかりとイメージを思いだして描き、あとは想像力をそこに加えて完成させていく。そうして、現在のメソッドに行き着いた」ことを告げる。この言葉には、彼の描く絵が写実的で正確でありながらも、どこか非日常や記憶の中のもの、リアルの上にどこかバーチャルさを帯びて映っていた理由が分かった気がした。

中盤ではNOISEMAKERからキムへ質問が送られる。「絵を勉強したらここまで描けるようになるか？」とのAGからの質問に対し、「ちょっと勉強すればできるようになる」と回答。UTAからは、その記憶力の源への不思議が。「たくさん見て理解する。それが糧になっていく」とこれもサラッと答える。YU-KIに至っては、「好きな日本食は?」との質問が。意外にも日本の「えびせん」が大好きとの回答を受け、「日本に来た時はたくさん買い占めて帰るのだ」と和やかに伝えられた。 そして今回のコラボとその成功へと話は及んだ。「自分の想像を超えた凄いものが届いて感激した。自分たちの今のスタンスやポジションとも合致していて驚いた」とAG。「色々と想像し、色々と考えさせられた」とHIDE。「どこに目がついているのか？　色々なアングルが凄い」とYU-KIも感激を交えて褒め讃える。 対してキムからも、渋谷のスクランブル交差点で様々な人たちが自分たちの道に向かうべく交差し、行き交う中、その中心にいながらも、まだちっぽけな自分が、「今に更に大きくなって、世の中の人の多くを振り向かせてやる！」そんな気概がジャケットに込められていた旨が伝えられる。

後半はナント、そのキムの筆力を示すかのように、AGとHIDEによるアートプロジェクトDOTS COLLECTIVEとのライブドローイング合作が始まった。「The Rolling Stones（ローリングストーンズ）とセッションしているようで恐れ多い」とHIDE。あらかじめ、DOTS COLLECTIVEが会場となっているRed Bullのロゴのキャラクターである2匹の闘牛の片方を先にドローイングし、そこにキムがライブで自身の思い描く牛のドローイングを描き込んでいき、作品として完成させていった。 当然、自前の「ぺんてる」の筆ペンを用い、記憶力で描き進めていったキム。最中、遊び心も入れ、ギターやドラムも描き込んでいく。ちなみにそれらは全て即興で、描いていくうちに思い浮かび交えたとのこと。時々、絵をあえてにじませたり、ぼかしたりし、その墨絵の濃淡を現わしていたのだが、それらはあえて素手を使い施されていたことも判明。繊細さやディテールの細かさにあえて曖昧さを織り交えることで、リアルの中に、どこか空想や幻想の中に漂わせている彼の画風の秘密が垣間見れた。 完成後、この貴重な作品はお客さんに後日応募プレゼントされた。

トークライブを終え、「今日は絵で喰らったので、今度は逆に音楽で喰らわしてやる！」とAG。「力をもらった。明日からライブで返していく」とYU-KI。NOISEMAKERは翌日に控えていた東名阪のクアトロワンマンライブへと元気よく向かっていった。

札幌にて結成。AG(Vo)、HIDE(Gt)、YU-KI(Ba)、UTA(Dr)からなる4人組オルタナティブロックバンド。 パンク、ロックに留まらず、HIPHOPやR&B、グランジ、オルタナなど様々なジャンルをクロスオーバーした自由度の高いサウンドに支持を集める。“ROCK ×ART”を信念に掲げ、アートワーク、デザイン、サウンドメイクなど全てをセルフで行い”日本一のDIYロックバンド”とも評される。 結成以来、「ROCK IN JAPAN FES」や「SUMMER SONIC」、「OZZFEST JAPAN」、「COUNTDOWN JAPAN」、「JOIN ALIVE」、「SATANIC CARNIVAL」など、全国各地の大型フェスに出演。シンガポールや台湾など海外の音楽フェスへの出演や、中国ツアーの開催、ENTER SHIKARI、Hoobastankをはじめとして、海外のビッグアーティストの来日公演のゲストアクト出演実績も多数あり、海外からの評価も高い。

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キム・ジョンギ（金政基、Kim Jung Gi）

韓国出身のドローイングアーティスト。 東義大学の美術学科で美術とデザインの修士を取得。 2002年、「ヤングチェンプ」誌でデビュー作「Funny Funny」を発表。現在はライブ・ドローイングを中心に世界各国で活動している。

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──今作は、打ち込みと生演奏の同居といった、KIRINJI的に新しい要素を更に推し進め、それを更に研ぎ澄まし、歌詞や歌の面においても、非常に語感の重要視を感じました。 堀込 高樹（Vo.&Gt. 以下、堀込）　生と打ち込みの同居は、もうみんな当たり前にやっていることで、今の時代それほど珍しいことではないです。とは言え、前々作（『ネオ』）まではKIRINJIとして、前作ほど打ち込みを踏み込んで導入したことはなかったので、やはり大きな変化ではありました。 そんな中、前作の評判が良くて、かつ自分の中でもかなり手応えがあった。「だったら、もう一作も、このままこの感じの路線でやってみようかな……」というイメージが当初からありました。しかも、今作ではそれにプラスして、前作で得たそのノウハウをどうやって更に同時代的な音にしていくか？　ということにも挑戦してみようと。 ──今おっしゃられた「同時代的な音」とは、いわゆる音楽性でのトレンド、例えば今作でも伺えるUKのウェーヴやUSのトラップ等のジャンルだけではない気がします。時代の音質や音の方向性といった、もっと大きな類いの。 堀込　まさにそのあたりです。 千ヶ崎 学（Ba. 以下、千ヶ崎）　前々作の『ネオ』から前作の『愛をあるだけ、すべて』へはかなり意識的にサウンドを変化させました。それは（堀込）高樹さんからも制作前の段階から「今回はだいぶサウンドを変えていきたい」との話を受けていました。『ネオ』の制作時にも、『愛をあるだけ、すべて』へのキッカケとなったサウンドもいくつかあったので、そこを軸に大きく意識的に変化させてみました。対して、今作は「自然な流れのまま前作でのノウハウを踏まえ推し進めよう」との共通認識もあった。ですが、個人的には前作以降、ベースはもちろん、全体的にもさらに深く推し進めたい点がいくつか出てきたんです。 ──そのあたり、もう少し詳しく教えてください。 千ヶ崎　前作はわりと整然と融合されたがゆえに、ベースプレイもやや整ったグルーヴに寄り添っていました。全体的にスーッとスムーズなグルーヴのサウンドだったというか。それはそれで、やろうとしていたことではありましたが、今回はもう少し打ち込みなんだけど生々しさやゴツさも欲しいなと。 ──そのあたりが今作ではかなり反映されていますね。3曲目の“雑務”なんて、生音ならではの人間にしか出せない質感と、逆に打ち込みならではの人間では出せない質感の同居といった感じが非常に見受けられました。 堀込　自分でも“雑務”に関してはそう感じます。特に後半はベースがすごく躍動感を出していますよね。この曲は、先にライブで何度かやっていました。そこでバンドとしてのサウンドをまとめておいて、同時に作っておいた打ち込みのパートをどうやって合わせていこうか？　と。なので、ライヴを通じて練っていった感じです。「打ち込みに対して自分はこのようなアプローチをしていこう」みたいな。そういった点でいうと、“雑務”は打ち込みと生演奏のバランスとしては最良のトラックかなと思います。

──この曲はトラップ（のビート）から始まり、だんだん生音に差し変わり、後半にいくに従って熱量が徐々に加わっていき、後半は完全に生ならではの高揚感やエモさに至らせている面が面白かったです。 堀込　その感じは逆に打ち込みと生音を合わせたことでそれぞれが活きましたね。 千ヶ崎　今回は演奏やレコーディングだけでなく、その後のミックスが大きなポイントでした。聴かせ方というか、音域の幅も含めて、その演奏の生々しさをどの程度効かせるかという点で。歌に関しても、僕的には今回かなり生々しく感じたんですよね。トラックに関しては、打ち込みの量が増えれば増えるほど、逆に歌は生々しい方がいいと僕は思っています。 ──分かります。中域の音の詰まり方もこれまでとはどこか違います。 千ヶ崎　そこは高樹さんともよく話しました。それらを思慮したことでより高樹さんの歌が今回はよりよく聴こえるようになって、それが故に、歌詞の面白さにより耳が行くようになりました。 ──ミックスにこだわっているのは非常に感じました。曲によってミックスエンジニアの方も使い分けていたり。中でもD.O.Iさんの起用は本格的なことへのこだわりを強く感じました。 堀込　実はD.O.Iさんには前々作の『ネオ』の時にも2曲ミックスしていただいていました。他にもRHYMESTERの曲に参加した時（アルバム『ダンサブル』収録の“Diamonds”）のミックスもD.O.Iさんだったり。それらもあって、どんな曲をミックスして貰えれば、自分たちの曲も映えるし、D.O.Iさんの手腕も活きるか？　はなんとなく分かっていて、今回は4曲やっていただきました。 ──中でも全く上述の楽曲たちのような打ち込みの要素を感じられない、例えば“隣で寝てる人”でのミックスもD.O.Iさんに任せられていたところも意外でした。 堀込　そうですか？　イメージ的にはクラブ系の印象が強い方かもしれませんが、色々なジャンルを手掛けており、R&B系も多い方なんです。でも、そのあたりは特に意識せずお願いしました。完成されたミックスは全て一発OKでしたね。 千ヶ崎　今作の方向性の1つとしてD.O.Iさんのミックスは後の他の曲のミックスにもけっこう大きな影響を与えていると思います。今作で完成した最初の2曲は“killer tune kills me feat. YonYon”と“Almond Eyes feat. 鎮座 DOPENESS”でしたが、どちらもD.O.Iさんにミックスしていただきました。それが先行であったことにより、そこから今作のサウンドがまとまって見え、方向性や目指すものもだいぶ絞られましたから。

──でも今作において、実験的にも映ったその2曲が先に生まれていたのが意外でした。 堀込　この2曲と“雑務”が先に出来ました。それで、その3曲からまずは6月のシングルとして“killer tune kills me feat. YonYon”を選びました。この曲は生演奏でも良かったんですけど、均一なビートでずっと聴いていたいものにしたいという狙いもあって、ビートは打ち込みにしてベースは生ならではの躍動感を出しました。 ──それは何故だったんですか？ 堀込　音の低い部分がしっかりと出せて心地いい感じ。そのあたりが欲しかったんです。 ──同曲はシングルにも関わらず、堀込さんではなく弓木さんによる歌唱だったのも意外でした。 堀込　前作でも弓木さんが1曲歌っていたり、ライヴでも歌ってもらってはいますがシングルは初でした。多くの方は多分、KIRINJI＝男性ボーカルとのイメージが強いと思います。でも、それだけじゃない面もしっかりとこのタイミングで伝えたかった。女性ボーカルやハーモニーもある。そこも今のKIRINJIの大きな魅力の1つです。しかも、この曲は自分より弓木さんに歌ってもらった方が甘酸っぱい感じが出るだろうと思いました。 ──80年代の薬師丸ひろ子さんや菊池桃子さんのような柔らかく優しい感じの雰囲気のある歌声ですもんね。 堀込　弓木さんの歌って、いい意味でブラックフィーリングをあまり感じさせないんです。だけど、この曲自体はファンキーじゃないですか。対して、YonYonの日本語とハングルを交えたラップは、やはりリズムが立っていて、歌もほのかにブラックフィーリングがありました。その交配的な合わさりもいいバランスを生んだのかなと思います。結果この曲で、いつもはKIRINJIに反応しない方々が反応してくれたのも嬉しかったです。

──そういえば、今回はかなり重低音部にこだわりを持っていそうな印象があります。 堀込　ローの出方やベースの効かせ方はかなり意識しました。いわゆるローが効いていてミッドがスパンと入っており、そこにボーカルがスッとハマり、その後ろに楽器が居る感じ。そのような音の成り立ちです。例えば今、若い子たちが聴いているビリー・アイリッシュ（Billie Eilish）。歌がポンとあって、ローがブワッとあって、上はけっこうスカスカみたいな。そのようなタイプの音楽を聴いているような方々が、菊池桃子meetsビリー・アイリッシュみたいな捉え方をしてくれたようで（笑）。すごく面白かったです。 千ヶ崎　「今回は低音をしっかりさせよう」という話は最初からしっかりとコンセプトとしてあり、レコーディングの段階から意識していました。海外のポップスは低音の在り方が変わってきていますよね。とは言え、日本のポップスや歌謡曲って伝統的に音の中域の充実を良しとしてきたじゃないですか。その「聴こえ方の印象を変えるには……？」という点をすごく考えました。ただ低音を上げればいいって話しでもないので難しいんですよね。低音をどう締めて、どう出すか？　それは自分にとってはかなり大きな命題でした。

──今回のベースで印象的だったものは、ビートが均一の中、あえてベースの動きで躍動感やグルーヴを出していた面だったんです。 千ヶ崎　それは他の楽器もそうですが、やはり人間がプレイしているので、同じフレーズを繰り返し弾いていても少しずつズレたり前のめりになってしまう。その誤差ってゼロコンマ、数ミリレベルなんでしょうが、どうしても出てきますよね。あとは弦を押さえたり、弾いたりする時の微妙な強弱のニュアンスが打ち込みと違ってハッキリと残る。そのあたりをどうやって残すか、それが他の音の隙間を縫って耳に届くようにできるかを非常に考えながらのミックスになって、それも今作のポイントとしては大きいです。派手な動きをしなくても生々しさや躍動感を出せた。今回はわりとどの曲のミックスもそこにこだわっていて。例えばドラムが非常に整ったトラックであっても、その上に乗っている生の部分は、なるべくその生々しさやいびつさをあえて残すように意識してみました。 ──が故に、打ち込みも映えるし生も映える。その上手い両立が今作の各曲からは伺えます。 堀込　今回はわりとループっぽい同じフレーズをずっと繰り返す曲が多いです。“shed blood！”や“Pizza VS Hamburger”もそうですが、フレーズを録ってコピーし、それを繰り返し貼り付けているわけではなくて、あえて同じフレーズを延々と繰り返し弾いてもらっています。

──同じフレーズを弾いていても人間だから変わってくる。それが逆にグルーヴ感を生んでいると。意識的ではなく自然と無意識に変わってきちゃってた。そこがポイントですね。まさに「人間だもの」（笑）。 千ヶ崎　（笑）。そうそう。その「人間だもの」。そのあたりが今作ではより大事でした（笑）。 ──歌に関しては、これまで以上に、より語感を大事にしている感受がありました。 堀込　やはり今回はリズムが立っている曲が多いので、そのリズムをより補強する歌詞になりました。今回は言葉そのものがグルーヴを持っているものも多いです。“雑務”なんてまさにそう。あれは先に「雑務」ってワードがパッと浮かびました。これも単語自体にグルーヴを持っているじゃないですか。そこからその語感の面白さが伝わる方法論として、この楽曲に至ったところはありました。メロディとしては美しくないかもしれませんが、楽器隊と混ざると効力を発揮して楽しくなれる。そんな効能を持つ言葉遣いが今回の作品には多いかもしれません。 ──まさに仮歌に近い感じですね。仮歌ってメロディに乗せて適当に乗せる分、妙にキャッチーだったりリズミカルだったり、韻を踏んでいたりするじゃないですか。 堀込　まさに。ちなみに“Pizza VS Hamburger”なんてまさにそうでした。これもたまたま、「Pizza VS Hamburger」という言葉がメロディにはまったんです。息子が着ていたTシャツに書いてあったフレーズだったんですけど（笑）。 さっきの韻の話で言うと、韻を踏むとどうしてもラップ調になってしまう。それよりも、もっと譜割やシンコペーションみたいな部分。いわゆるリズムとメロディをあえて同じにしないみたいな。その日本語のメロディを乗せる時の譜割の面白さみたいなものを目指しました。

──確かにいつも以上に堀込さんの歌のメロディが自由にたゆたっている印象が今作にはあります。 堀込　でも、それも気持ち良さや心地良さを得るために至った結果のような気がします。なので、今まで以上にリズムにこだわっているわりには、妙にメロディアスだったりするんですよね。今回はそのあたりの発見が面白かった。だから、歌っていても気持ちよい歌が多いんです。なんかスッキリするというか。 ──言葉がリズミカル？ 堀込　そうかもしれません。　例えば、“「あの娘は誰？」とか言わせたい”のAメロに関しては、いつもみたいにメロディを先に作るのではなく、先にメロディの立ちそうな詞を先に用意して、なおかつイメージが広がりそうなものを選んで、そのメロディに配置していきました。この曲の中には「垂直離着陸機」ってワードも入っていますが。これって早口言葉みたいじゃないですか（笑）。イメージ的にはドローンみたいなものですが、この言葉なんてただ言ってみたかっただけだったんじゃない？　って。でも、おかげさまで入れて歌ってみたら、それが凄く気持ち良くて。 ──言われてみるとそれに限らず今回は、「それって声に出して歌ってみたかっただけでしょ！」ってワードも多いですよね（笑）。 堀込　そうそう。「シャンパンゴールド」とか（笑）。でも、それによって無理やりかもしれないけど、浮かび上がってきたものもあったので面白かったです。何か突拍子もないものを入れることで違った意味が浮かんできたり、あぶり出されたり。それは今作を経ての大きな経験だったし面白い部分でもありました。入れてみた価値はありましたね（笑）。

KIRINJI 堀込高樹：vocal／guitar／synthesizer／keyboards／programming 田村玄一：pedal steel／steel pan 楠 均：drums／percussion 千ヶ崎 学：bass 弓木英梨乃：guitar／vocal 1996年10月、実兄弟である堀込高樹、堀込泰行の二人で「キリンジ」を結成。 97年CD デビュー。オリジナル・アルバム10枚を発表。2013年4月12日をもって堀込 泰行が脱退。兄弟時代17年の活動に終止符を打つ。 以後、堀込高樹がバンド名義を継承、2013年夏、新メンバーに田村玄一／楠 均／千ヶ崎 学／コトリンゴ／弓木英梨乃を迎え、バンド編成の「KIRINJI」として再始動。 2014年8月に新体制後初となるアルバム『11』をリリース。男女混成バンドとして新鮮なアンサンブルを披露し話題に。9〜11月にかけて初の全国ツアー「KIRINJI TOUR 2014」（全13公演）を実施した。2015年は初のメンバー・セレクト・コンピレーション『KIRINJI presents SIXTHxSIX』とシングル「真夏のサーガ」をリリース。また、各地の音楽フェスを積極的にまわり、11月にはスペシャル・アルバム『EXTRA 11』を発表するなど、バンドならではの新機軸を次々と打ち出した。2016年8月、アルバム『ネオ』を発表。グループ史上初となる外部アーティストとのコラボレーション・ナンバー『The Great Journey feat. RHYMESTER』をはじめ、新たなフェイズに突入した KIRINJIサウンドをいかんなく表現し絶賛を浴びた。アルバム発売後9〜10月にかけて全国ツアー「KIRINJI TOUR 2016」を開催。 2017年3月、ライヴ映像作品『KIRINJI TOUR 2016 -Live at Stellar Ball-』をリリース。12月に東京・大阪で開催した「KIRINJI LIVE 2017」をもって、キーボードのコトリンゴが脱退。 メジャー・デビュー20周年の2018年は、5月にシングル「時間がない」を、6月にはアルバム『愛をあるだけ、すべて』を発表。アルバム発売後にはスタンディングのライヴ・ハウス・ツアー「KIRINJI TOUR 2018」を開催。11月にはメジャー・デビュー20周年記念ライヴ、KIRINJI 20th Anniversary Live「19982018」を東京・大阪で開催。 HP｜Twitter｜Instagram｜Facebook

──今作は再生ボタンを押して、いきなり骨太でブギーの効いた英語詞の“Territory Blues”が飛び出してきたので驚きました。個人的には、よりアメリカン・トラディショナル・ミュージックとポップさとの融合を目指している印象を今作からはお受けしました。ちなみにご自身的には今作の制作にあたり、当初何か目指していたものがあったのでしょうか？ 制作当初は特に目指していたものはありませんでした。とは言え制作途中から徐々に、「今回はアルバムタイトルにもなっている『SEVEN』を主軸に置いてみよう」的な発想は浮かび輪郭を形作っていったような感じです。 ──収録も7曲入りだったりしますもんね。 はい。7曲入り、そして私にとって今作が7作目だったり、週7で聴ける7色の作品、あとは自然と『SEVEN』に導かれていくように、楽曲に7thのコード（ギターのコードの種）が使われていた等々、色々な意味がこの『SEVEN』には込められていたりするんです。 ──なるほど。 あと、「SEVEN」というアルファベットの中にはEVE（イヴ）という言葉も含まれているんです。それは「前夜」という意味も持っていて、革命前夜を彷彿とさせる、これから何かが起こりそうな、新しいことに挑戦する際に伴う痛みや期待、歓びだったり、そのような感情の類いが複雑に交差する感じを音楽で表現できたらいいなとの想いも込めて、作り進めていきました。

──前作のフルアルバムでは各曲でかなり多彩な音楽性を披露しておられました。対して、今作も変わらず様々な音楽性が用いられてはいますが、どこか何か一本太い幹が貫かれている印象がありました。 それはあるかもしれません。というのもおっしゃられた通り、前作は自分の中ですごく様々な曲調で楽しい作品として捉えていて。いわゆる曲毎にまるで万華鏡のように色が変わっていく作風だったんです。対して今回は、もう少しジャンル的にも偏りがあってもいいかなとは思って作っていった面はありました。 ──ちなみにその偏りとは？ いや、そんなに具体的なことではなく、もっと観念的な話になるのですが。いわゆる偏りや単色のようなキーワードが頭の中にあって。それをずっと頭の片隅に置きながら制作していったんです。 ──その偏りって、捉え方によっては、前作がわりと「これもこれもこれも私です！」的な作品だったのに対して、今作ではもう少しピンポイントに「これが私です！」と本質を提示してきたとも捉えられるわけで。 主人公が直立不動でそこで佇んでいる、そんなイメージでした。迷ったり、悩んだりというよりかは、1つの意志を持ってそれを達成するために突き進んでいる人。そんなパーソナリティを想像しながら歌詞を書いたりサウンドメイキングをしていきました。 ──今おっしゃられたことって、個人的には1曲目の“Territory Blues”とどこか被る部分もあります。これは私の勝手な憶測なのですが、今作はまず“Territory Blues”が生まれ、そこからインスパイアされるように各曲が生まれてきたのかな……？　とも。 そうでしたか。でも、実際は違うんです。逆にそれぞれ全部無関係に出来た曲ばかりで。でも、そのような印象を受けることも想像が出来るようにと、あえて1曲目に“Territory Blues”を据えたところもあります。 “Territory Blues”が完成した時に物語の始まりというような印象を私自身が受けたんです。「ここから快活な感じでアルバムが始まるのは幕開け観があっていいな……」とは、完成した曲たちを並べてみて感じました。

──分かります。“Territory Blues”はメッセージ的にもアイデンティティの誇示を感じます。では、これまで以上に今作でReiさんのルーツ的なアメリカンのトラッドミュージック性がより前面に出た印象を受けたのは何故だったんでしょう？ 正直、ジャンルのことは全く意識していませんでした。これは普段からそうなんですが、自分自身が女性だとか、20代だとか、日本人だとか、帰国子女だとか、そういったもので一括りに決めつけられることにすごく違和感や憤りを感じているんです。 なので、音楽もなるべく、ポップスとか、オーセンティックとか、ブルーズとか、それぞれもちろん好きな音楽ではあるんですが、それを自分が曲を作る中で意識するのは、自分の子供たち（各楽曲）にレッテルを貼っているようでイヤだなって。 ──そうなんですね。 人によっては楽曲の聴かれ方ってバラバラじゃないですか。なので、あえて自分はそのようなレッテルを貼らないようにはしました。楽曲を聴いて、どんな風に受け止めてもらったり、捉えてもらっても大丈夫ですが、自分としては、「これを取り入れよう！」とか、あまりそのようなことは意識せずにナチュラルに作っていったんです。そうして作っていく中で出来たものを、どうやって美味しく聴かせるか？　との思考回路の下、各楽曲を制作していきました。

──今のその「美味しく聴かせる」の部分をもう少し詳しく教えて下さい。 植物でいうと、種から芽生えた植物が何かによって育て方を変えるようなことですよね。 ──それはいわゆるインスピレーションやモチーフの類い？ そうです。曲を作る時は、毎回同じルーティーンにならないように気をつけています。生まれてくる植物も様々じゃないですか。マーガレットもあればトマトもある。なすびだったり、ハーブやたまねぎだったり。それを、これは可愛いポットに入れた方が良いのか？　畑に植えてあげた方がいいのか？　それとも切って部屋に飾ってあげた方がいいのか？　とか。 ──それぞれ最善、最幸なメソッドがあるでしょうから。 そうなんです。それによって色々と仕立て方も違ってくる。私の場合だと、例えば弾き語りで生まれた曲があったとして、「これは編成的にどこまでの楽器を増やしたら良いのか？」ってことも、その植物のポットを移し替えて、写真を撮り、俯瞰で見たりといったことに似ています。色々な編成で聴き比べてみて、その中で最良な方法を選び、育てていくやり方もしました。 対してメロディから生まれた曲に関しては、それに対して歌詞は英語詞がいいのか？　日本語詞がいいのか？　どのようなバランスがいいのか？　とか、その生まれてきた植物に対してどういった環境やどのようなシチュエーションで観てもらったらその最も本質的な部分が光るのか？　吟味しながら作っていきました。 ──では浮かんで来たものをインスピレーションでガーッと制作するというよりかは、もっと試行錯誤して、トライ＆エラーしながら完成まで持っていった曲ばかりだったんですね？ そうです。語弊を恐れずに言うと、自分的に、前作「REI」は丹精を込めて音楽にぶつかりに行った作品だったんですが、ネガティヴな意味合いで「ポップだ」と評されたことに憤りを感じました。それに対して、いやいや、そうじゃないし、みたいな。あの作品は私にとってはそれこそ年頃の女の子のような作品で。 ──それは？ ハイテクスニーカーを履いて、ストリートスタイルに挑戦してみたい。ドレッシーな格好もしてみたいけど、ノーメイクでデートに行く日もある。はたまた赤いリップを塗りたい気分の時があったり。そんな好奇心旺盛で色々なスタイルをやるんだけど、素っ裸になったら結局同じ人間、みたいな。それって、自分にとっては全くブレてはいなかったんです。だけど、受け取り手によっては色々な意見があったようで。

──ある意味、それにショックを受け、今作に至った面もあるわけですね。 もちろん中には良い評価もありました。だけど、「演じているんじゃないか？」的なネガティブな意見もあって。自分としては全くそんなことはなかったんですが。そこで様々な学びがあったんです。 ──そうだったんですね。 それを踏まえて今作では、「自分はいつでも本気だよ」というのを表現したいところはありました。いつも音楽に対しては真摯であるし、納得していないことや周りに言いくるめられて思ってもいない表現をするぐらいだったら、いっそリリースなんてしない方がいいとさえ思っています。 今のところ、それを直接歌として書くことはないけど、自分のアティチュード的には、キチンと反骨精神も持っているし、本気でしかやらないから。……というのは今作で表したかったことの1つではありました。 ──その本気度はすごく伝わってきます。あと、ある種の挑戦感とでも言うか、そんなものも察しました。 今作においては、新しいことに挑戦したいと思っている方や、挑戦したいんだけども、勇気が出ない方への後押しをしたいというのはありました。自分自身もこの作品を作ることで勇気を出したい面もあったんです。なので、あまり臆せず色々な新しいことに挑戦はしています。あとは、自分の音楽のキーワードの中にミクスチャーというのがあって。 ──ミクスチャーですか。 そうです。今、音楽に限らずファッションなどでも、ハイ＆ローのミクスチャーが流行っていたりして、けっこう世の中的にタイムリーなのかな？　って。なので、自分なりの配合でミクスチャーしたものを聴いてもらって、何か新鮮さを味わってもらえたらなと思っています。街や人間観察をして、音だけではなく時代の空気を感じて、それを封入していくみたいな。それも私にとってはある意味ミクスチャーではありました。 ──ちなみに“DANCE DANCE”でのクラップのようだがクラップじゃなさそうな音が気になりました。あれは？ タップダンスですね。そこにギターと歌というミニマルな編成で挑みました。 ──ヴィンテージ性とは対照的にDAWで作成したかのような楽曲もありますね。 “Tourbillon”で印象的なアプローチですね。このギターはエレクトリックギターのクリーントーンの丸い音で、あとはシンセと打ち込みのドラムで成立させたインスト曲だったりします。 ──対して“Bon Appetite”は賑やかな編成で。 その辺りの楽器編成の幅の広さにおいても、みなさんの日常の色々なシーンにフィットしてくれるんじゃないかな。夜に聴きたい曲や、「忙しい時にはこの曲だな」とか、必ずみなさんのその時々にピッタリな曲があると思うんです。

──ここからはアートワークの話に移りたいのですが、最新のアーティスト写真は衣装もかなりモコモコしてますね（笑）。 ボリューム感がありそうでしょ（笑）？　これ、こう見えても服なんです。ガウンタイプで、一点物の素敵なお洋服でした。 ──インパクトはあるけどキチンとポップなのが、これまでの一連のアートワークと共通していますね。 そうなんです。まずは覚えてもらうこと、その辺りは今でも非常に大事にしています。インパクトや驚き、それらはこれからも惜しみなく提供していきたいです。 ──Reiさん的に今作『SEVEN』の聴きどころを教えて下さい。 週7で7色、毎日聴ける。他には、それぞれの個性が際立った楽曲ばかりなので、気分によって好みの曲が変わったり。あとは編成の幅の広さかな。 ──12月1日（日）からはアコースティックギターによる弾き語りソロツアー＜Rei Acoustic Tour “Mahogany Girl” 2019-2020＞と、来年初頭からはバンドを従えてと、それぞれ全国ツアーも控えています。 ライブはCDで表現したものを一度解体して再構築できる。そんな楽しみが演者としてはありますし、お客さんとしてもCDに入っていた楽曲たちをライブで聴く。そんな更なる高揚感があるでしょう。今回のツアーではそれぞれ今作に収録している曲以外にも沢山演奏する予定です。その時には、みなさんにとっても耳馴染みのある曲たちが今回どのようなアプローチでくるのか？　的な部分も楽しみにしてもらいたいです。 対して、弾き語りの方は、逆にどれだけみなさんの耳の想像力を掻き立てられるかが自分の中にテーマとしてあります。それらを用いて、みなさんを躍らせ、歌わせ、手を叩かせる。それらを大事にしながら演奏したいと考えています。 ──なんでも＜Rei Acoustic Tour “Mahogany Girl” 2019-2020＞の方はお客さんからの当日やって欲しい曲のリクエストを現在募っているそうですが。 そうなんです。お客さんからのリクエストには答えますが、「Reiが弾いたらこの曲はこうなるよ」と、そんな光景を楽しんでいただけたらなと思っています。

Rei 卓越したギタープレイとボーカルをもつ、シンガー・ソングライター／ギタリスト。 兵庫県伊丹市生。幼少期をNYで過ごし、4歳よりクラシックギターをはじめ、5歳でブルーズに出会い、ジャンルを超えた独自の音楽を作り始める。 2015年2月、長岡亮介（ペトロールズ）を共同プロデュースに迎え、1st Mini Album『BLU』をリリース。 FUJI ROCK FESTIVAL、SUMMER SONIC、RISING SUN ROCK FESTIVAL、SXSW Music Festival、JAVA JAZZ Festival、Les Eurockeennesなどの国内外のフェスに多数出演。 2017年秋、日本人ミュージシャンでは初となる「TED NYC」でライブパフォーマンスを行った。 2018年11月7日 1st Album『REI』をリリースし、2019年2月より全国10箇所でRei Release Tour “Rei of Light”を開催。 2019年11月13日Mini Album『SEVEN』をリリース。 同年12/1（日）- 1/26（日）『Rei Release Tour 2019-2020 “Mahogany Girl”』を開催予定。 HP｜Twitter｜Instagram｜Facebook

フロアに入ると、DJ Bearがホットでファンキーなチューンを次々にスピン。会場の高揚感を高めていた。 そんな中、この日のライヴアクト1番手のDrive Boyがステージに現れる。シンセを擁した心地よい音楽性と英語詞楽曲が魅力のUS／UKインディーズにシンパシーを抱かせる、東京都内を中心に活動している4人組ロックバンドだ。 彼らもちょうど現在はレコ発ツアー中、UKでのツアーを経て、国内を回っている最中ながら、The ManRayのこの大事な一番に駆けつけてくれた。 シンセ、ボーカル＆ギター、ドラム、ベースの編成の彼ら。「好きに乗って欲しい。楽しんで欲しいなって」との気持ちを込めて、各曲が贈られたこの日。 早い鼓動のようなSEに乗ってメンバーが登場。バンドが放つ深海から浮上していくようなデモンストレーション音から“Midnight Run”に。白玉の多いベースと神秘性を帯びたシンセ、タイトなドラミングと共に、ややゴス調のニューウェーヴィーなボーカルが重なる。適度な疾走感が心地いい。力強い4つ打ちとブライトでファンキーなカッティングから明るい場所に引き連れるように“Sapient”に入ると、ミラーボールも回り至福な気持ちへと誘われていく。続いての“Night Crawler”はメランコリックさも交えたミディアムなナンバー。ボーカルも、たゆたうように歌い崩し、会場も委ねるように身体を揺らすようにノる。 ドラムが繋ぎ、オルガン的音色と運指の多くなったベースが生み出す躍動さも印象的な“J.J.”が楽しげな雰囲気を場内に呼び込めば、ボーカルもギターの弦をタッピングしながら独特のトレモロ的雰囲気を作り出した“The Reboot”が再びライブを走り出させ、ヴォコーダー的なコーラスも楽曲にふくよかさを寄与していく。ラストは上昇感とグイグイと引き込みつつも開放感を有した“Wachowski”が会場を、ここではないどこかへと引き連れていってくれた。 最初は無反応だったフロアが最後はしっかりとリアクションを見せていたのも印象的であった、この日の彼ら。しっかりとThe ManRayへとバトンが継がれていく。

ここからは文字通り体感していく曲が続く。“Ride My Car”が、さぁ、俺に乗れ！　やっちゃおうぜ！と悪い誘い。コガもプリングを織り交ぜ、跳ねる部分を増大させた“Naked”では不穏な雰囲気を醸し出しつつも、その分、そこを抜けて表れるサビでの開放感がより一層の爽快感を味合わせ、ラストに向けオオキがヴ―ドゥーに場内を腰で躍らせていく。 ここからはニューアルバムでの多彩さを改めて感じさせてくれる曲が楽曲毎に誘い、アサトのロートーンの歌声がより前面に表れた。と、同時に作品で実はこうしたかったといった部分を補うように補完されていく。ムーディなカッティングとメロディアスな歌声の“砂の上のバカンス”、続く“Sea Side Motel”がトムウェイツ的なラ・ボエームな雰囲気とロードムービーさを醸し出せば、“Rollin' Daddy”では、持ち前のファンキーさが場内にスリリングさとオオキが生み出すダンサブルさを寄与していった。 “Brown Sugar”から数曲は元メンバーであるキーボードのモーリスもお祝いに駆けつけるように加わり、前メンバー時代の楽曲が立て続けに現れる。前のめりなリズムの上、トロピカルな音色も特徴的な、その“Brown Sugar”を経た、“You will be mine”では、アサトのたゆたうようなフロウの歌い方も印象的であった。

ここからは早くも出来立ての新曲たちが披露された。”Razorbeam”がドッシリとした安定感を見せながらも、ちょっとしたアンニュイさにて場内をたゆたわせていけば、アサトも景色感豊かなギターを楽しませてくれた“Waterfall”では会場が軽快に躍っていく様を見た。 “Everybody wants“はコガが作詞／作曲／歌唱も務めたナンバー。短いながらもホッとした気持ちが歌われた。また、上昇感とこれからの明るさへと一緒に誘ってくれた未発表の”風船“ではラストに向かっていくにつれ、まるで光に包まれていくかのような幸せな雰囲気に包んでくれた。

ライブはぐんぐん進んでいく。“Fly To The Moon”が適度なドライブ感で会場を惹き込み、場内のテンションをグングン引き上げていけば、本編ラストはパーティ感たっぷりに“Alrightman”が場内をハッピーに楽しげにしっかり躍らせた。 アンコールでは3人とも上半身裸でステージに現れた。ここで12月1日（日）にツアーファイナルが同じく表参道WALL＆WALLで開催されるというアナウンスがメンバーからあり場内が歓喜に沸く。その声量からこの日への高い期待値が伝わってくる。 アンコールは2曲。それぞれ『Naked』からの曲たちだった。まずは“Madness”がドライブ感とシューゲイズ的な展開にて場内を走り出させると、ラストはスタックスビートに乗った“Lemontea”が、前半は荒げに、中盤からは求愛フレーズの数々がステージとフロアの距離を一瞬にしてグッと縮めていく。同曲では会場も一緒に大合唱。ストイックなのだが、その実、親しみやすい彼ららしさが垣間見れた。「また12月1日（日）に、ここで会える人は会いましょう！」(アサト)の言葉を残して彼らはステージを去った。

振り返ると『Naked』は正直、幅やバラエティさ、歌を全面に出し聴かせる作品性や、お互いの立ち位置やバランスを気にし、尊重し合っていた面もあったのだろう。アルバムでは彼ら本来の土臭さや汗、粗野な部分が、いい意味で「洗練」されていたように感じる。 しかしこの日のライヴではその辺りの互いの尊重性はほとんど見受けられず。逆にバトルやバウトのように己の音やリズム、グルーヴや歌をぶつけ合うように各々放ち合っていたのも印象深い。両方の武器を手に入れた感があり、それらは誠に3人を頼もしく映させた。 彼らはこれから今作と共に各地でライヴを行い、再びファイナルとしてここ表参道WALL&WALLに還ってくる。その際にここは各地で放った彼らの音楽性に魅了された者たちが再び集う約束の地になることだろう。気が早いが私の気持ちは既に、その場で楽しそうに彼らの音楽性に身を委ねている、そんな自分の姿を思い浮かべている。

2014年、都内にて結成。 UKインディ／ガレージ／オルタナ／パンクをルーツに、ブルース／ソウル／ファンクなどのブラックエッセンスを混ぜ合わせた、独特で荒々しく土臭いサウンドに気怠いなかに苦みを効かせたヴォーカル、クールかつルードな佇まいで、時代に媚びないロック美学を熱く貫くネオ・ロッキン・ブルース・スリーピースバンド！！ 2017年6月に1st.EP『You will be mine』をリリース。リードトラック“Brown sugar” がSpotify 国内バイラルチャートで2位まで駆け上がるなど、そのサウンドに注目が集まる。2018年4月に 2nd.EP『Fly To The Moon』をリリース。タイトルトラック“Fly To The Moon”が【FRED PERRY for JOURNAL STANDARD】 のコラボキャンペーンのタイアップソングに選ばれ、イメージモデルとして本人達もWEBムービーに出演。 2019年3月より配信限定にて6カ月連続で毎月1曲ずつリリースし、9月に初のフルアルバム『Naked』をリリース。

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──今回の“Territory Blues”のMVのアートディレクターは、Reiさんからの希望でMottyさんに依頼があったとお聞きしました。 Rei そうなんです。私自身、元々Mottyさんの作風が好きで。その世界観に魅了されていたところもあったんです。今回はハーレーさんとの貴重なコラボということもあり、是非自分を色濃く表現していただける女性のクリエーターの方とご一緒したいな……との想いもあり、リクエストさせていただきました。 ──ReiさんはMottyさんの作品のどの辺りに惹かれていたのですか？ Rei 私のこれまでのMVも、色味やヴィヴィッドなカラースキーム、その中にある女の子特有の毒みたいなものを大切にしながら映像を作ってきた経緯があったんです。それがMottyさんとだったら、今回のプロジェクトでも上手くいくんじゃないかなって。 ──私からすると今作を観るまでは、ハーレーとMottyさんにいまいち結びつきが浮かびませんでした。意外な組み合わせのイメージが当初はあったんです。 Rei Mottyさんの世界観とハーレーとの親和性を考えるとそうかもしれません。でも、逆に一緒にやったらどんなものが生まれるんだろう？　という期待値やワクワク感の方が強くあって。その掛け合わせの妙に賭けてみました。 ──逆にMottyさんは今回のお話を受けていかがでしたか？ Motty 光栄でした。誰でも知っているハーレーというブランドと何か出来ること自体もですが、Reiちゃんから声をかけてもらったことも私的には意外だったし。ハーレーとReiちゃんという普段の私の中には無い2つの要素が組み合わさってポンと私の中にいきなり入ってきたので。「この組み合わせは凄いけど……さて、どうしようか……？」と。 あとはReiちゃん本人からの希望というのも嬉しかったです。自分の知らない場所でミュージシャンの方が私のことを気にかけて下さっている。それがなんだかとても嬉しくて。

──そんな中、Mottyさんの持つハーレー像とReiさんへのイメージ、それから求められているMottyさんの持つ世界観との融合の辺りはいかがでしたか？ Motty 最初はそんな考えこまずに挑みました。やりながら色々と出てくることに期待して（笑）。元々Reiちゃんには「世界感のある女の子」との印象があったので、それこそ一度、お話をしながら考えていけたらなって。 Rei 撮影当日、セットをパッと観たら、そこには既にハーレーのバイクが2台あったんです。もうそれだけで異彩と存在感が凄くて。なので、あえて「コラボするぞ！」との気概がなくても、その存在感の掛け合わせだけで既にコラボが成立しそうな予感がありました。 Motty ハーレーともなると、借りようと思ってもなかなか借りられないですからね。そこをハーレーさん側から、「使っても良い」との前提の下、MV作りが出来る。それだけでかなり面白いものに行き着きそうな気はしていました。あとはダンサーの方々が普段みないような異質感を放っておられて。そんな不思議さとハーレーさんとを掛け合わせた面白さ、その辺りが上手く出せたらいいなと挑みました。

──確かに異質で意外な上での面白さや印象深さはあります。 Motty いわゆるバイカー然とした人がハーレーに乗るんじゃなくて、セクシーでなまめかしい、しかも女性というそのシチュエーション。その前でReiちゃんがかっこよく歌いギターを弾く。その構図や絵面、バランスはユニークだし、過去誰もやったことがないだろうなって。 Rei これまでのハーレーとのコラボ曲はいずれも男性のアーティストばかりだったんです。「女性は今回が初」との話も聞いていたので、だったらなおさら今回はあえて女性と一緒に作りたかったし、女性ならではのセンスみたいなものも今回一緒にやってみて表現できたかな、と思います。 ──おっしゃる通り、女性的なセクシーさや艶めかしさを引き立たせている面では、これまでのコラボ曲のMVとは違っています。 Rei これはあくまでも想像でしかないんですが、バイクを愛している方ってバイクを「恋人」と例えたり、女性を擬人化している方も多いんじゃないかなって思うんです。実は楽器に対しても、そのような例えをされる歴代のミュージシャンもいらっしゃいます。女性と称したり、女の人の名前を楽器につける方もいたりするほど。丁寧にバイクを磨いたり、愛でている感じは、バイクをバディや彼女に例えているからなんじゃないかな。 ──バイクを彼女に見立てた『バイク擬人化菌書』なんて人気コミックもありますもんね。実際にお2人でご一緒にお仕事をされてみてはいかがでしたか？ Rei Mottyさんと一緒にお仕事をしていて凄くいいなと感じたのは、ザックリですが、カッコいいと思っているものとダサいと思っているものが結構一致しているなって思いました。「これとこれだったらこっちだよね」って選択の意見がかなり合致したんです。そこが凄く安心したし、なおさら信頼を置くことが出来ました。

──ちなみに今回の制作において、お二方的に何か心がけたことってありましたか？ Motty ポップさはある程度意識しました。大型バイクって女性からしたらかなり敷居の高いイメージがあったので、あとはもう少し間口を広げたかったんです。それからさきほど話していた3回目のコラボとして、ようやく女性に回ってきた。その役割はお互い共通してたんだろうなって思いました。 ──色使いもポップですし、あえて衣装もファーですもんね。ギターもあえてビザールだったり。 Motty 後ろの美術セットで言うと、ハーレーってロマンがあるじゃないですか。バイクで独り旅をするとか。そんなこともあり、自分の中でシチュエーション的には夕陽がイメージとしてあったんです。「夕陽に向かって！」じゃないけど（笑）。 あとはハーレーさんのブランドカラーにオレンジが含まれていたので、美術の真ん中に夕陽をイメージしたオレンジの巨大な半円を用意しました。それを中心に色々な造詣物が広がっているんです。夕陽の中でReiちゃんが歌っている、そんな裏テーマもありました。 Rei 衣装もインパクトが凄かったです。MVを観て下さった方がよく「プードルみたい」と言っていますが、実はフラミンゴが2羽いる衣装なんです。

──フラミンゴだったんですか？ Motty そこは「なんでハーレーダビッドソンを象徴する鷲がモチーフじゃないんだ？」って（笑）？　装苑賞を受賞された一点ものを神戸から借りてきました。もう存在感バッチリでしたね。Reiちゃんがバックの人たちを従えてるみたいでした（笑）。 Rei 私、このMVに合わせる為に髪も一部ピンクにしましたから(笑)。フラミンゴがピンクだし、思い切ってピンクにしちゃえ！　って。作り込まれたステージもですが、コラージュも是非やってみたかったことだったので、それらが全て実現出来どれも新鮮な気持ちで取り組めました。

──これまでReiさんのMVは一連の監督さんとずっと一緒に作られてきましたが、今回Mottyさんとやってみてこれまでとの違いはありましたか？ Rei 違いました。でも、どの辺りが違うか？　と聞かれると具体的には答えられないんですけど、そのMottyさんならではのセンスもですが、やはり普段アートディレクターをやっておられるだけあって、仕事の進め方には感心させられていました。 映像単体だけではなく全てを見渡しながらディレクションをされていました。MottyさんはMVのみならず、ホームページやキービジュアル、スチール等、それらを全て俯瞰で見渡しつつ、感情移入も程よく立ち回れる方で、その辺りがとても魅力的でしたね。 ──何か自身と照らし合わせてしまうことがあったり？ Rei 実はここのところリーダーシップをとらなくてはいけない機会が以前より増えてきて。その時に、人とどのようなコミュニケーションをとった方が良いかを相談できる方が周りに少なかったんです。偶然ですが、そういった現場に居合わせられて、私的にはすごく勉強になりました。 ──Mottyさんは普段はグラフィックが中心で、いわゆる二次元的なデザインが多い中、今回のMVのような動くものに対するアプローチはいかがでしたか？ Motty これまでも何度かMVは撮らせてもらってきたんです。でも、今回はハーレーさんとのコラボという大きなプロジェクトの下のMV制作でもあったので、これまで以上にかなり緻密にやらせていただきました。 結果、それが良く出たなって思いますね。正直、一瞬迷った時もありました。その時に「どこを切り取ってもグラフィックだと思えばいいや」「ムービーという概念にあまり囚われなくてもいいや」と思えるようになってからは、だいぶ気が楽になりましたね。 抑揚をつけて展開するという部分では、「これってなんかブックレットを作っている際と似てるじゃん」って思ったんですよね。ブックレットにも時系列があるじゃないですか。そんな考え方でいいんじゃないか？　って。そう思えたら急に気が楽になって。今回、私もすごく勉強になりました。 Rei 分かります！　どこを切り取ってもOKになっている感じとか、すごくグラフィックの概念に近いですよね。 Motty 私の場合、MVの世界で勉強をしたことが無いので、逆にそのような考え方をしないと理解が出来ないんですよね。今回も制作チームのリアルロックデザインのみなさんにサポートしていただきながら完成へと辿り着かせてもらいました。

──とは言え、意表を突く色使いや組み合わせ、コラージュ等、「さすがMottyさん！」と思わずうなずくテイストはキチンと各所に散りばめられています。 Motty おかげさまで結構、好きにやらせいただきました。それをReiちゃんがOKとしてくれて良かったです。相性がイイんだろうと勝手に思ってます。 Rei 相性はバッチリですよ。私もこのMVの完成以降、この曲が流れる度にあの色彩が頭に浮かんできますもん。それって視覚と聴覚という別の五感が結びついていくマジックでもあるわけで。 私も素人ですが、自分でデザインをやったりするので、その色合わせの妙は凄く勉強になりました。色合わせで凄く和風になったりルネサンス風になったり、時代背景や国柄を感じさせられることを知ったり。「Mottyカラースキーム10色」みたいに、それらの組み合わせでMottyさんならではの世界観に結びつけられるのはホントすごいです。

Motty 実は、自分の中で色使いのルールがあります。それはトーンを合わせることで。トーンさえ合っていれば、だいたい色が多少異なっても統一感は出させたりするんです。彩度を合わせるのとトーンを合わせる、そこは絶対に気をつけています。 今回に関しては、造形物はポストモダンっぽいもの。色味にしてもバッキバキの色ではなく多少気を遣った色合いを意識しました。もちろん原色も好きだし、よく使ってますけど、今回はもう少し微妙な色合い。そこが重要かなと思いますね。 あとはライティングにもかなり助けていたただきましたね。おかげさまで全体をまとめた際に、あまり子供っぽくなり過ぎずに仕上げることが出来ました。元々その辺りに落ち着かせたい意図もあったのでバッチリでした。 Rei そんなことがあの現場内でMottyさんの頭の中で駆け巡っていたとは……。改めて感心しました。

──でもこのMVを観たら女性でもハーレーに乗りたくなる方が多数現れると思いますよ。 Rei だといいですね。 Motty そのようなリアクションが一番嬉しいです。MVが魅力的に仕上がったら、もしかしたらそんなことを想って下さる方も現れるかな……？　なんてことは考えていました。 Rei 自分たちがカワイイ、カッコイイと自負できるものを情熱的に作ったので、その結果、女性にも歓んでもらえたら嬉しいですね。私たちが作っている時点で、自然と映像には女性ホルモンが注入されているでしょうから。……と今だったら言えますが、作っている最中は全くそんなことを考える余裕はなかったな……（笑）。 ──実際にハーレーの実物を見て、欲しくなったりはしませんでしたか？ Rei まずは免許取得が先かな。なので、まずはイイ感じのメンズにタンデムしてもらう、こちらの方が早くて現実的かも（笑）。 Motty 欲しいけど、きっと自分では倒しても起こせなさそう。原付レベルでもちょっと苦労したタイプだったので、私。 ──最後にお互いに今後望むものを教えて下さい。まずはReiちゃんからMottyさんへ。 Rei ミュージシャンや役者さんを始め、色々な方との新しいケミストリーに今後も期待しています。 Motty Reiちゃんの場合は、この若さで既にこれですから。現時点でこんなにも世間から認められているのに、今後成長し続けていったら終いにはどうなるんでしょうね？　もう今のまま育ってくれたら必然とカッコいい存在になっていくでしょうから、そのまま大きくなっていって欲しい。 Rei ありがとうございます。目指します。Mottyさんとも、また機会があったら是非一緒に何かやりたいですね。

Rei 卓越したギタープレイとボーカルをもつ、シンガー・ソングライター／ギタリスト。 兵庫県伊丹市生。幼少期をNYで過ごし、4歳よりクラシックギターをはじめ、5歳でブルーズに出会い、ジャンルを超えた独自の音楽を作り始める。 2015年2月、長岡亮介（ペトロールズ）を共同プロデュースに迎え、1st Mini Album『BLU』をリリース。 FUJI ROCK FESTIVAL、SUMMER SONIC、RISING SUN ROCK FESTIVAL、ARABAKI ROCK Fest、SXSW Music Festival、JAVA JAZZ Festival、Les Eurockeennes、Heineken Jazzaldiaなどの国内外のフェスに多数出演。 2017年秋、日本人ミュージシャンでは初となる「TED NYC」でライヴパフォーマンスを行った。 2019年11月13日 通算7作品目となる 4th Mini Album『SEVEN』をリリース。 2019年12月からソロ弾き語りによる「Rei Acoustic Tour“Mahogany Girl”2019-2020」を全国10箇所開催、さらに2020年2月からはRei Release Tour 2020 “7th Note”を開催する。 2020年2月 Verve Recordsより1st Album「REI」の英語歌唱によるインターナショナル盤のリリースを発表。 HP｜Twitter｜Instagram｜Facrbook

丸井"Motty"元子 大分県出身、東京を拠点に活動中。 デザインスタジオRALPH（現YAR）より2014年独立。 中毒性のある色使い、エッジーでシュールな表現を得意とし、 音楽、ファッション、カルチャーを軸にビジュアル表現を行う。 広告、ロゴ、パッケージ、CDジャケット、カタログ、グッズデザイン、映像監修、 海外ファッション誌への作品提供、コラムの執筆など、独自の目線で幅広く活動中。 HP｜Instagram

━━結成当初はシンセサイザーもおり、ツインギターの5人組で活動していたとお聞きしました。今の3ピースでのソリッドな音楽性とは正反対のようなイメージなのですが……。 コガコウ（Ba. 以下、コガ）　このバンドを始動させた時、特に目指していた音楽性も無かったんです。元々、（アサト）タクロウはラップトップで、当時、自分たちの中でも流行っていたトロ・イ・モア（Toro y Moi）といった、チルウェイヴ系の音楽を1人で作っていました。「だったらそれをバンドでやってみようか？」的な発想からバンドが始まったんです。そこから段々とロック方面へと移行していきました。 ━━当初はチルウェイヴ系だったとは意外でした。最初のミニアルバムはロックンロールリバイバルやダンサブルでフィジカルな音楽性だったじゃないですか。 アサトタクロウ（Vo.／Gt. 以下、アサト）　当初、自分1人で作っていた音楽は、さっき（コガ）コウが言っていたようにチルウェイヴやフライング・ロータス（Flying Lotus）系のブロークンビーツ的な音楽だったんですが、それも「PCで音楽を作るならそっちの方が早そうだ……」程度で始めたもので。 「でも、もしバンドを組むのならロックやブルースやオルタナ寄りの音楽をやりたいな」とは常々考えていました。つまり、編成メンバーや楽器から徐々に音楽性が変化していった感じです。 ━━そのまま1人で活動していく選択肢もあったわけですが、やはりバンドをやりたかった？ アサト　やりたかったですね。で、5人が集まって。やはり、一緒に出した音の気持ち良さが1人とは全然違いましたね。 コガ　僕らもそれまでに聴いてきた音楽が　レッド・ホット・チリ・ペッパーズ（Red Hot Chili Peppers 以下、レッチリ）等の影響もあって、最初の5人で出したかった音は、やはりオルタナ方面の音楽性になりました。 ━━その音楽的な遍歴の移行は振り返っていかがですか？ アサト　これまでに自分たちが聴いてきた音楽が都度、反映されてきた感じはあります。例えば60年代のビートルズ（The Beatles）やローリング・ストーンズ（The Rollin Stones）、キンクス（The Kinks）やヤードバーズ（The Yardbirds）、アニマルズ（The Animals）といったブルースやR&Bに影響を受けたUKのバンドたちですね。 まずはそこから入り、徐々にブルースロック的な方面に惹かれて、それだけやっても面白くないので、ストロークス（The Strokes）といったゼロ世代のバンドなどに自分たちが影響を受けた部分をブレンドしていったんです。

━━元々はリズムやダンサブルさも、もっと前面に出ていましたもんね？ アサト　その辺りも一時期ハマって聴いていたマーヴィン・ゲイ（Marvin Gaye）やカーティス・メイフィールド（Curtis Mayfield）といったアメリカンニューソウルの影響からですね。 メンバーの共通点としてベースが効いていたり、立っている躍動感のある曲が好きなんです。あとは、ケンドリック・ラマ―（Kendrick Lamar）といったヒップホップも好きだったので、当時はそれらの影響もありました。 コガ　ロックをやるにせよ、R&Bをやるにせよ、基本的には踊れる音楽への憧れを持っています。自分たちの音楽の中でも、Bassとして踊らせるという役割を担いたいとは常々考えています。

━━そんな中、この2年で3ピースになり、ドラマーもオオキリョウスケさんが新しく加入されましたが、どういった経緯で？ コガ　元々の5人も友達の延長戦上でバンドを始めたところがあったんです。なのでギターとシンセが抜けるとなった時に、他の新しいメンバーを入れる考えには至らなかったんです。そうしてもあまりいい音楽が生まれるイメージが湧かなかくて。「だったら、残った3人でやるしかないな」と。 まず気持ちが一緒じゃないとやってく上で難しいじゃないですか。その後、前のドラムが抜けることになり……。さすがにドラムが無しは音楽性的にはキツいなと。で、（オオキ）リョウスケを誘いました。 オオキリョウスケ（Dr. 以下、オオキ）　前のドラムが抜けるというタイミングで誘ってくれて。実は、僕がライブを観ていた当時はまだ5人組の時で。3人体制になってからは音源で知ったんですが、「結構、ロックやってんじゃん！」と即答で加入しました。僕もレッチリが好きだったっていうのもあって。 ━━ドラマーがオオキさんに交代してプレイや音楽性的な変化はありましたか？ コガ　かなり変わりました。また前のドラムとも違ったグルーヴ感なので。（オオキ）リョウスケが加入したことでよりロック系のサウンドに向かった感はあります。 ━━せっかくこの3人が集まったんだから、レッチリみたいなファンク性やミクスチャー性を全面に出した音楽性でやろうとの発想へは至らなかったんですか？ アサト　それが不思議とありませんでした。俺がアンソニー（Anthony Kiedis、レッチリのボーカル）のようにラップ的な歌い方が出来なかった面もあったけど（笑）。好きだからってそれをそのままやっても面白くないでしょうから。 コガ　でも、ベースはめちゃめちゃ影響を受けていますよ。 ━━この3人になり、より三位一体感が増した印象があります。みなさんの比率やバランスが平等だし、出る部分と引っ込む部分を各位わきまえていたり、と。どれもリード楽器でもあるけども、バッキング楽器だったり、と。 アサト　音が減った分、その厚みやバランス、寂しくなったものをどう補うかという点ではかなり悩みました。結果、各楽器を立たせたり、コーラスやハーモニーを充実させたりと、この3人で出来る最大限のものは詰め込めたかなと思います。

━━そんな新体制になり、今年の3月から毎月連続配信リリースが開始されました。月毎に全く違った音楽性が飛び出してきたので驚きの連発でしたよ。 コガ　ミックスの時に、自分たちで聴いても、ジャンルの繋がりの無さや全体的に音楽性の幅がありすぎて、どの曲をリード曲にするかで迷いました。 でも、だったらそれを強みにして、一曲ずつ「これでもどうだ！」とリリースしていった方が、世の中に聴いてもらえる機会が増えるのかなと。やはり、聴いてもらわないと知られないし広がらないし何も始まりませんから。 ━━それがこれまでの音楽性とも変わり、これまで英語詞で歌うことを貫いてきたみなさんでしたが、いきなり日本語歌詞が飛び出してきた第1弾の“Sea Side Motel”の登場には驚かされました。 アサト　正直、これを一発目にするかどうかは迷ったちゃあ迷いました。今回から日本語でいくことは結構前から決めていたんです。やっぱり日本語じゃないと歌っている意味も伝わらないということが、これまでで痛感してきたことの1つだったので。

━━でも、歌詞の内容もダイレクトでストレート。その気恥ずかしさは無かったですか？　意味がバシッと伝わってしまう分、日本語にシフトさせるのって勇気の要ることだとも思えますが。 アサト　元々英語詞で細かいニュアンスを伝えるのが得意ではなかったんで、結局自分がキチンと意味を把握していないと伝えられるものも伝わらない。雰囲気やニュアンスだけ伝えても歌っていても上っ面だけになってしまって意味がない。逆にこれからはもっと日本語中心になっていくと思います。 コガ　でも、このシフトチェンジはいい方向だと捉えています。もちろん、英語語で勝負するのも1つの手だとは思います。ただ、自分たちのアイデンティティを考えると、自分たちは英語のネイティヴスピーカーではないし、例えライブで歌詞を知らなくても、何か1つ素敵な日本語が飛び込んできたら、それだけでも印象が変わることもあると思うんです。 オオキ　ドラムに関しても気持ちの入り方が全然違います。内容をしっかりと把握している分、気持ちを乗せる時の一体感が全く違うんです。これまでは、若干ニュアンス的な部分で共有しづらかった面もありました。やっぱり、リリックから叩くイメージや情景も把握できるし、曲のイメージが湧きやすいので、あとはそれにそって叩くだけでした。

━━それらの集約が今作『Naked』ですが。ほぼ全10曲でタイプが違う曲が表れたので驚きました。 コガ　そもそも（アサト）タクロウはこれまでと違ったことに挑戦したがりですからね。一つのスタイルに固執するよりかは、完全にその時に気に入ったものをどんどん取り入れてとりあえずやっちゃうタイプなんです。 アサト　その時その時にやりたいことをやってみた結果、かなりバラエティに富んだ曲になりました。 ━━ジャジーでバグダッドカフェ感、シューゲイズ、ウォームさやブルージーでアーシーな楽曲、はたまたドリーミーな曲や、牧歌的なカントリーライクなもの、それからバンキッシュなものがあったり。 アサト　このメンバーになって、この1年の間に作り貯めてきたものをまとめた感じです。 コガ　自分の人生にとっても初のアルバムだったので、気持ちの詰まったものにはしたかったんです。ただ正直、聴き返しても自分たちでも「なんとも統一感がねぇな……」とは感じますね（笑）。 ━━正直、これだけ幅が広くて色々なタイプの楽曲が揃っていると、初めてThe ManRay を聞く人にとってはバンド像や核、本質が見えにくい懸念もあるんじゃないですか？ コガ　それはないです。この雑多感こそが今の自分たちがやりたい事だったので。あまりスタイルにとらわれずに、良いと思えるものは上手く取り入れて加工し、自分たちのスタイルとして昇華して出しちゃう、みたいな。そんな雑多感も含めて「これが俺たちだ！」との気概は込めています。 オオキ　それこそこのバンドは「これだ！」という求道的なスタイルではないし向かないと思います。対して、今作は3人のフィーリングについては、まとまっている印象があるんです。そんな珠玉の10曲といったところでしょうか。 ━━幅も広く、間口も広く、球も沢山あるので、どれか1つは聴いた方、それぞれに刺さるものがありそうといった面では非常にサブスクリプションやストリーミング向きかなって。 コガ　結果論ですが、自分もそれは感じました。バラバラな分、好きな曲もいい意味で別れるだろうし、これまで自分たちとは接点の無かった人にも聴いてもらえるチャンスが出来る。もう今の時代、アルバム単位で音楽を聴く人だけじゃないですから。そう考えたらこのようなバラバラで統一感のない作品も全然アリなんじゃないかな？　って思います。自分達なりに、ルーツとしての統一感は勿論あるんですけど。 ━━特に今作は、この3人で何が出来るか？　どんなことが出来るか？　に挑戦している面もありますよね。この3人で最大限、どう三位一体を伝えられるか？　みたいな。 コガ　そうです。3人の楽器が有機的に絡み合ったり、融合されて1曲として昇華されていく。そこは目指していたところでもあります。

━━基本、シンプルで余計な音が入っていないわりには全然寂しくないのも特徴的かと。 コガ　音数が少ない中でどれだけカッコ良さが出せるかというこだわりが自分たちの中のモードとしてもあるので、その辺りについては上手く表せたかなと思います。 アサト　あとはこれまで自分がPCでデモをカッチリと作っていたものも、ギターの弾き語りレベルのものをバンドに落とし込んで、みんなで肉付けしていった曲もありました。それ故に、歌が前面に出ている曲も表れています。 ━━作品全体的に非常にロードムービーみたいな雰囲気がありました。 アサト　嬉しいですね。好きなんです、ロードムービーのあの感じ。 ━━今のみなさんの音楽性のジャンルを考えました。「モーテルロック」なんてどうですか？　街道沿いの、ややうらぶれて哀愁性のある宿にて、旅の途中で訳アリの人たちが宿泊し、1部屋毎に人生や物語がある。時間の経ったファストフードを食べながらベッドの中で見る深夜映画……そんな場面が浮かんだんです。 一同　おおっ！！ コガ　「モーテルロック」って、いいですね。あのモーテルの雰囲気は好きだし、自分たちの今の音楽には合ってあるかも。『バッファロー’66』とか大好きな映画です。 ━━そんな各曲バラバラながら一本の不思議な共通した幹を感じたんです。 コガ　実は今作のレコーディングって全10曲を5曲5曲づつ、2日間で全て録ったんですよ。そういった意味で、1枚にまとまる統一感はあるのかもしれない。 ━━意外です。タイプも雰囲気も全く違う曲たちなので、てっきり録り貯めてきたのだと思ってました。 コガ　ところが違うんです。でも、その為に色々と流れは考えましたよ。「これは体力がないと満足なのが録れないだろうな」って曲は最初の方に録って、「これは多少ダレててもその方が雰囲気に合うだろう」って曲は後半に録ったり。

━━これまでの流れから、歌ももっと荒々しく、感情の起伏の激しい歌い方でくる予想でしたが、どれも程よく洗練されてますね。 アサト　自分たちでもオムニバス感覚なところがあったので、トータル的には何も考えないでレコーディングしました。サウンドのバラエティさをボーカルのテンションを持って統一感が出せたところもありますが、あくまでもそれは結果論で。その時々の気持ちが収まった、まさに「レコード（記録）」っていう作品にはなりました。「その時々の俺たちはこれです」というのは収められたかなと思います。 ━今回はコガさん作詞／作曲の“Everybody wants”も収まっています。この曲はみんなで歌えて一体感のある非常にライブ映えしそうな曲です。 コガ　おかげさまで初めて自分の作った曲が作品化されました。この曲ではあえて僕らのポップな面を出してみました。

━オオキさん的に何か今作の聴きどころはありますか？ オオキ　やはり、歌ですね。特に日本語にシフトしてよりストレートでダイレクトな歌詞にもなったので、その辺り是非聴いて欲しいです。 コガ　最近の歌って直接的な表現があまりないじゃないですか。でも、僕たちが言葉で響いてきた部分ってそういった曲が多くて。ザ・ブルーハーツとかがそうでした。今の時代、それって求められていないかもしれないけど、同じ人間だし、今作の各曲の歌詞は日本語が分かるなら伝わるでしょってぐらいに直接的な歌詞なんです。 ━━分かります。こちらが気恥ずかしくなるぐらいストレートな歌詞でした。本作と共にツアーがありますね。ファイナルは12月1日（日）に表参道WALL＆WALLで行うとか？ コガ　そうなんです。僕たちにとって、表参道でライブを行うことはある意味、ステータスなんです。僕たちが新宿や下北沢でライブすることって想像つくじゃないですか。音楽性的には分かりませんが、アティチュード的にヒップな人たちにも聴いてもらいたいので、この日本のトレンドの中心地、表参道で行うのも意義があるのかなと思います。僕たちも十分にヒップですから（笑）。 アサト　ライブでしか感じられないものを感じさせる自信があるので、ぜひ興味のある方々は観に来て下さい。もうダイレクトに放つのでダイレクトに受け取って欲しいです。 オオキ　ツアーでは色々な人たちに出会いたいですね。各地で精一杯の自分たちを見せて、成長して、このファイナルに戻ってきたい。 コガ　とは言え、俺たちはもちろん地方出身ということもあり地方のヤツらもラブなので、各地で一緒にラブしたいです。面と向かわないと伝えられないことや伝え切れないことも沢山あるので、ぜひライブに来てその全てを受け取って欲しい。見た目は強面でストイックな印象かもしれませんが全然そんなことはないので、気軽に話しかけて欲しい。各地でお酒をのみながら色々と話しましょう。 アサト　3人でビシッと決めますから。ぜひ各地のライブもファイナルも観に来て下さい。

The ManRay

2014年、都内にて結成。 UKインディ／ガレージ／オルタナ／パンクをルーツに、ブルース／ソウル／ファンクなどのブラックエッセンスを混ぜ合わせた、独特で荒々しく土臭いサウンドに気怠いなかに苦みを効かせたヴォーカル、クールかつルードな佇まいで、時代に媚びないロック美学を熱く貫くネオ・ロッキン・ブルース・スリーピースバンド！！ 2017年6月に1st.EP『You will be mine』をリリース。リードトラック“Brown sugar” がSpotify 国内バイラルチャートで2位まで駆け上がるなど、そのサウンドに注目が集まる。2018年4月に 2nd.EP『Fly To The Moon』をリリース。タイトルトラック“Fly To The Moon”が【FRED PERRY for JOURNAL STANDARD】 のコラボキャンペーンのタイアップソングに選ばれ、イメージモデルとして本人達もWEBムービーに出演。 2019年3月より配信限定にて6カ月連続で毎月1曲ずつリリースし、9月に初のフルアルバム『Naked』をリリース。 ¥HP｜Twitter｜Instagram｜Facebook｜Sound Cloud

━━実質的に現在のシェフは下村さん1人が在籍するグループなわけですが、下村さんの場合、自分で打ち込みやマニュピレートも出来る関係上、てっきり今作もDAW等を駆使し自分一人で作り上げ完結させる作品を予想していました。しかし実際は色々な方と一緒に、しかも生音で制作されていたのが少々意外でした。 なるほど。 実は最初の段階では、ほとんどの曲が打ち込みで既に完成していたんです。しかし、それらを改めてざっと並べてみた際に、自分の中で、「はいはい、私です」って、いかにも自分然とした作品に映って。その時に、パーマネントのバンドメンバーが居ないということは、裏を返せば誰と一緒にやっても、どのような形でやっても自由なわけで。 だったら、この自由さを味方に、過去、特にこの6年間で知り合った音楽仲間たちや、「この人とやってみたい」「一緒に音楽を作ってみたい」という方々と一緒に是非この曲たちを完成させてみようとなったんです。やはりバンド形式でセッションする方が、より肉体的で、化学変化もおきやすくかつ面白いだろうなと思いました。 ━━では今作は、「これが下村亮介です！」というよりかは、シェフというグループとしての作品意識の方が強くなっていった結果だと？ 結果、最終的にバンドの方を選んだという感じです。 これまでも下村亮介個人として楽曲を作ったり、ライブを何度かしたりはしました。そんな中、この屋号（シェフ）を下ろすことも可能だったわけですが、この屋号のまま1人で続けていくとどうなっていくのか？　を続けてみよう。そんな例が今までなかったのであれば、あえて自分がやってやろう。そんな気概で押し進めていきました。 ━━楽曲毎にけっこう贅沢にみなさんに参加してもらっていますもんね。 結果、アルバムに参加して下さったミュージシャンの人数はシェフ史上最多になりましたから（笑）。 ━━不思議です。せっかく1人になったのだから、自分の頭の中で鳴っている音をより確実にそのまま作品に出来る機会でもあるのに。 前作アルバムの『回転体』以降、自分はサポートミュージシャンとしてやるべきか？　はたまたシェフを続けるべきか？　でかなり悩んだ時期があって。 ある時、自分が中心にすべきものが、どちらか分からなくなっちゃったんです（笑）。でも、考えているうちに、結局、“どっちも全部自分だな”と思えるようになったんです。

━━この6年間、ASIAN KUNG-FU GENERATION（以下、アジカン）やチャットモンチー等のサポートも精力的に行ってきましたもんね。 サポートをしてきたことが、今作を作るにあたってはかなり役に立ったところでもあって。 ━━それは？ サポートミュージシャンは基本、凄く俯瞰してプレイしたり、全体を見ながら自分のプレイをする存在だと思っていて。 特に自分の場合は、元々鍵盤が存在しない音楽に鍵盤を入れる仕事が多かったこともあって。 例えば、「これは自分が弾くよりも、他の方に弾いてもらった方がより映えるものが出来る」など、主観と客観の両方を養えるようになったんです。 ━━それは言い換えると、プロデューサー的な立ち位置で作品制作出来るようになったと？ 言われるとそうかもしれません。俯瞰して、適材適所でミュージシャンの方々に色々と手伝ってもらって完成に至ったところを考えると。 ━━自分の中では、シェフはずっと自身の音楽性の根底に至福感を擁して楽曲を制作してきた印象があります。で、今回はまさにその至福感をこれまでとは違った形で現しているのも興味深くて。中でも特に今回は非常にヒップホップ性を感じたし。それが意外でもありました。 その辺りの要素が前面に出ているのが、今作の特徴の一つかもしれません。 自分は中学生ぐらいの頃、アメリカのマサチューセッツで短い期間ではありましたがホームステイをさせてもらっていたことがあったんです。そこのホストファミリーのお兄さんが、当時のウータン・クラン（Wu-Tang Clan）やア・トライブ・コールド・クエスト（A Tribe Called Quest）、デ・ラ・ソウル（De La Soul）、ビースティ・ボーイズ（Beastie Boys）等をコンパイルしたテープを聴かせてくれて。そこからヒップホップが好きになりました。 日本に戻ってきたら今度は姉がJ-RAPを聴いていたので、そんなに詳しくはないけど身体には入っていましたね。 実際、シェフも昔は全曲英語詞でテンポが100を超える曲って実はないんです。その頃はポストロックとか音響的な括りをされていました。 そんな中、ここ数年でまたヒップホップ関連が面白いなと気づき始めたんです。一番大きかったのは2015年頃、チャンス・ザ・ラッパー（Chance the Rapper）が参加しているドニー・トランペット＆ザ・ソーシャル・エクスペリメント（Donnie Trumpet & The Social Experiment）の“Sunday Candy”という曲を聴いた時に、「おおっ！ これはすさまじい音楽だ！」と感心したことでした。 そこからもう一度ヒップホップの面白さに気づいたんです。

━━個人的にはシェフが2015年に発表されたミニアルバムの『RGBとその真ん中』。そこに収録されていた“エメラルド”という曲が今作に向かう転機になったのかな？　と捉えています。 確かにあの曲が今作に大きく紐づいてはいます。 その間も実はSoundCloudで試聴できたり、内々で楽しむ音源として、このようなタイプの曲は作ってはいました。ゴッチさん（ASIAN KUNG-FU GENERATIONの後藤正文、シェフが作品リリースをしていたインディーズレーベル〈only in dream〉の主宰者でもある）がリミックス用にパラデータを開放していたので、それを自分なりにもう一度組み上げてリミックスをしてみたり。 それらを経て、思いがけずこれまでのことが繋がって今作に向かった感じはありますね。

━━それをあえて打ち込みで構築するのではなく生でやっているのが今作の興味のある部分です。以前、発表されて、今作に収められている曲たちも、元々はもっと打ち込み要素が高かったものが、今回はリメイクされてほぼ生楽器に差し替えられているのも興味深いです。 その辺りは、人力や人間ならではのグルーヴ感やセンス、その辺りを交えたかった部分が大きいです。 これらの曲に限らず他の曲でも、全部自分で打ち込んだり、トラックメイカーに全てお願いするという選択ももちろんありました。 でも、それよりも今回の方法論の方が確実にいいものが作れる確信があったんです。 自分はやはりバンドミュージックで勝負をしてきましたし、レコーディングのノウハウも少しずつ知識を得て蓄えてきた自負もありました。 あとは、今作の生ドラムをほぼほぼ叩いてもらっている伊吹文裕くんという29歳の若いドラマーの彼との出会いがすごく大きかったです。 ━━その伊吹さんとはどのような形で知り合わられたんですか？ 数年前の年末のカウントダウンフェスで僕はアジカンで出演していたのですが、伊吹くんはボカロPの「じん」さんのバックバンドでドラムを叩いていました。 その時に彼がわざわざ僕に「シェフの『回転体』が凄く好きなんです」って話しかけてきてくれて。 そこからセッションをしてみることになったんです。そうしたら、本当にすごくて。軽々と自分の想像を超えるクオリティで叩いてくれました。 ━━ボカロPのドラムと今作での音楽性でのドラミングとのリンク性が全く見えてこないのですが……。 確かに（笑）。 元々、彼は音楽大学のジャズ科に居たんです。それがアジカンを機にロック好きになって。 70年代から現代まで幅広く、すごく音楽知識も持っていて。絶対音感も持ってはいるんだけど、「和音には触れたくない！」っていうひねくれ者でもあったり(笑)。 その辺りも面白くて、急速に親密になっていきました。彼と出会えたことで「生音で彼のビート感を活かしたい！」との思いが強くなっていった面もあります。 ━━ロックバンド畑の方のドラミングであれば、きっと想像の範疇だったでしょうが、そこに4ビートや16ビートに長けている方が加わることで、かなり科学変化や想像の範疇を超えるものが生まれたんでしょうね。 そうなんです。 あと、メインストリームというか、今のムーブメントとかも好きですし、リスペクトもしています。 だけど、絶対に変化するタイミングも訪れる。もちろん時代性が見える音楽も、それはそれで面白いだろうけど、自分が追っていくのはそっちじゃないなって思ったんです。 天邪鬼まではいかないけど、自分は自分の求めたいものを求めていけばいいやってかなと。なので、自分以外で今作みたいな音楽は作れないだろうとの自負は持っています。

━━今作に於いては、伊吹さんのようにすべての楽曲でパーマネントに叩いている方もいれば、かたや楽曲毎にプレイヤーをフレキシブルに代えられている部分も見受けられて。その辺りのチョイスにも興味があります。 特に「この曲にこの人が……」というよりかは、自分が個人的にその人のプレイのファンであったり、昔からの朋友のようなミュージシャンたちに手伝ってもらいました。 そこに仲間とも呼べるミュージシャンがいて、自分も共感できる音楽を作っている人がいる。その人たちに声をかけ、その人のらしさを各曲で出してもらった感じです。海外のコライト的なノリに近いですね。 ━━参加ミュージシャンにしても、かなり各人に任せたり委ねたりされている面も不思議でした。 僕からしたら、その辺りこそ昨今の海外のコライトのようなものだと捉えているんです。 アリアナ・グランデ（Ariana Grande）には作家が何十人もいて、とか（笑）。全部、自分でやるのではなく、他の方に任せられるのであればそこは任せる。それで面白いものが出来るのであれば、そっちの方が今っぽいというか。全部自分1人でやるというのは良くも悪くも日本的だなと僕は感じていて。 ━━なるほど。ちなみに今作のラストにはアジカンのカバー “踵で愛を打ち鳴らせ” も入っています。最初に聴いた時、このオリジナル曲を思いだすまでに時間を要しました（笑）。かなり独自性と自己解釈のあるカバーだったので。 実は、今回この曲は録り直したんです。 元々は2年前にアジカンのトリビュートがリリースされた際に、僕もこの曲で参加させてもらったんです。その際は〈only in dream〉というゴッチさんのレーベルの仲間やゴッチさんやアジカンのメンバーと繋がりのあるミュージシャンにサポートしてもらいながら作りました。 それはそれでいいアレンジで、自分たちのライブでもやってました。そこから僕らのバージョンをライブで聴いてアジカンに興味を持って好きになって下さった方も少なからず現れたんです。 それで、「自分も役に立てることがあるじゃん」と思ったんです。しかも、ライブでやっていくうちにどんどん楽しくなって。そのうち自分の中でも、まるで自分たちの曲のように浸透してきて。せっかくいいアレンジなのに、あの作品でしか聴けないのはもったいないな、と思い始めたんです。

━━このバージョンのアレンジのコンセプトは何かあったんですか？ ゴッチさんが当時好きだったチャンス・ザ・ラッパーやL.A.の音楽でした。以前のアレンジは、「このようなアレンジにしてもアジカンの曲は絶対に成立するし、元々メロディや歌詞が強いので、たぶんこんなアレンジにしたらこうなります」という僕なりの愛を込めています。 そこで今回は、ゴッチさんを招いて歌ってもらったらもっと面白くなるだろう、と。 と、言うのもこの6年、ずっと音楽を一緒にさせてもらっていたのはアジカンさんだけだったので。アジカンさんへの愛とリスペクトも込めてやらせていただきました。 彼らがいなければきっとシェフを続けていなかっただろうし、そうなるとこの作品も出せていなかったと思います。ゴッチさんはずっと僕のことを見守ってくれていたので、感謝の気持ちを込めました。 ━━しかもオールスターキャストというのが素晴らしいです。 おかげさまでいい広がりが出来ました。海外の人はリアルタイムで流行っている曲のカバーをバンバンされているじゃないですか。自分はそれを聞くのが好きで。 あれがもっと日本のミュージシャン同士で、「いい曲だからカバーしたよ」とかやっていけたらもっと音楽的に広がりが生まれたり、交流やフックアップにも繋がるんだろうなとは常々感じています。きっと、もっと日本の音楽業界も楽しくなるだろうし。 カニエ・ウェスト（Kanye West）といった海外の「才能を見つけて、全然違うフィールドでもフックアップする文化」ってあると思うんですけど。あれは素晴らしいことだと感じています。 僕の中でゴッチさんはカニエ・ウェスト的な存在なんです。もちろんあそこまでの危うさはないですけど（笑）。しっかりと若いミュージシャンとか色々な音楽に目を向けている。その辺りも非常に尊敬しています。

━━今一度、作品内容に話を移させていただくと。今作からは非常に抒情性やたゆたった面も感じられました。その辺りご自身的にはいかがでしたか？ 歌詞に関しては悩みました。途中で留まったときもありましたね。 自分が今、こういったタイミングでどんなことを歌うのか？　という点では非常に迷うところもあって。そんなときに、最果タヒさんの詩に出会って開いてもらった部分がかなりありました。彼女の詩が凄く自由で面白いなと感じて。 彼女は音楽も好きで、音楽における詩について書かれている文章を拝見したことがきっかけでした。 それまでは物語を作り上げていく緻密な歌詞作りを心がけていたのですが、それを読んで以降は、なんとなく自分が感触で思い浮かんだ言葉等を並べていってもいいんだと解釈して。そこからはもうパーッと書けました。 なので、今作ではその辺りが強く関係し、感じてもらえるんじゃないかなと思っています。 ━━確かに今回の歌詞に関しては、これまで以上に情景の念を感じました。 意識して大事にはしてきませんでしたが、結果的に大事になっていたんだなとは思います。 言葉遣いに関してはこれまで以上に吟味しました。例えば、どうやって今自分が感じている感触や気持ちを伝えるかを、これまでは聴いてもらう人を想像しながら作っていたんです。どうやったら感動してもらえるか？　とか。元気出してもらえるか？　とか。 自分のことを歌ってはいるんだけど、他人にも響くような観点で作っていたんです。とは言え、実はすごく内省的に書いてもいて。 対して、今作の歌詞は、極力難しい言葉は排除して、フワッと聞いて、「これ楽しい」って感触を抱いてもらえる。そんなことを意識して書きました。分かってもらえなくても全然かまわないけど、五感やテンポ、言葉の速度感や強さや抑揚を考えて作っていったというか……。そういった意味では、よりサウンドに近い歌詞や歌になったのかなと思います。

━━分かります。凄く耳障りがいいんです。だけど、しっかり引っかかるものがある。 「よくよく聴いたら……」とか、改めて歌詞を見た際に、「そうだったんだ！」って発見がある。その辺りは意識して歌詞は書きました。なので、パッと聴いてスッと理解できる、そういった歌じゃないかなと。 初めて出会った方が聴いて、どのような感想を持つのかにももちろん興味はありますが、今回知りたいのはまた別のところだったり。 ━━そのあたり、周りの反応とかはいかがですか？ 周りのミュージシャン仲間に聴いてもらい、「ループして聴けるし、聴けば聴くほど新しい発見や解釈が出来る作品だ」とか、「何回か聴いて自分たちの中に入ってきた」といった感想をもらうことが多いです。 でも、それでいいんだろうなって。永く聴いてもらえる作品になってくれたら嬉しいです。 ━━リリースタイミングで東名阪を回るライブも行いますね。 ワクワクしています。まずはしっかりと時間をかけてこの東名阪をやって感触を掴んで、次はもっと色々な場所に足を延ばしたいと考えています。 今回7人編成で演奏する予定なのですが、うち2人はジャズマンでもあるので、いい意味で各楽曲をまた作品とは違ったものにブチ壊してくれることを楽しみにしていて欲しいです（笑）。 それからこの作品に入らなかった曲たちもまだまだあるので、それらも合わせて披露出来たらなと。なので、この作品とそれ以降のシェフをそこではお見せできると考えています。楽しみにしていて下さい。

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──ここからはベスト盤『Beautiful Surprise ～Best Selection 1999―2019～ 』の話にうつります。2枚組全30曲で新曲も入り3,000円はかなりお買い得ですね（笑）。 お買い得でしょ～（笑）！やはり今回、感謝の気持ちを込めて。これまでのファンの方にも、ここから私たちに触れてもらう方にも、手にとってもらいやすい内容と価格にしました。先ほどの話じゃないけど、この20周年で絶対に多くの人に聴いてもらえる環境を作りたかったんです。 ──選曲はお二人でやられたんですよね？ そうなんです。おかげさまでかなりお互い思い入れのある選曲になりました。シングル曲はマストで、かつ各アルバムから満遍なく入れました。お互いに重なる曲もありましたし、「えっ、その曲！？」って曲も入っています。2人の入れたい曲を優先的に入れられたので大満足です。全体的にやはりライブで印象的な楽曲が中心になったと思います。

──曲順やリリース時期もランダムですが、アルバム通して全体的にどこか流れやストーリーを感じました。 曲順に関してはほぼほぼ私が決めさせてもらいました。私にとってアルバムの曲順や曲間ってすごく大事だし、こだわっている面でもあって。今回はほとんどが既発曲ではありますが、新しいアルバムを聴いているような感覚になってもらえる作品を目指しました。 ──その為に曲順にはこだわったということですね？ そうですね、いわゆるDJ的な並べ方をしたんです。音楽的な手触りをブロックブロックにして流れを作ったり、あとはライブの感覚ですね。ライブ時のセットリストというか、ストーリーを大事にしつつ、緩急やメリハリ、コントラスト等のドラマティックさは考えました。 ──だからこそ、発表時とはまた違った響きかたをしていました。 まずは聴いてくださる方を思い浮かべながらの曲順でした。聴いてくださる方の感情の動きや揺れ、機微を想像しながら。そう考えるとそれこそDJに近い感覚でしたね。「ここからこの曲の展開がくるとは思ってなかったでしょ？」といった思惑も含めていろいろ考えました！

──新曲の”Beautiful Surprise”はシンプルながら、この上なくワイヨリカのこれまでや今、そしてこれからを伝えている感があります。 ありがとうございます。歌詞は私史上、最もシンプルなものになりました。タイトルも分かりやすいワードが2つ並んでいるのでそれだけでも伝わりやすいですし、シンプルだからこそ人それぞれ色々な意味に捉えてもらえるかなと思います。みなさんの心の中で育つであろう言葉だし、あえてその辺りを狙っています。元々ワイヨリカは多くを語らないし、メッセージや主張を押し付けたくないユニットなので。余白や行間、そこにみなさんの中で楽曲の意味を捉え、育てて欲しいというのが常にありました。今回は6年を経て、それの究極が出来たと思います。 ──よりシンプルにすることで、更に強くその辺りが出た感があります。 これこそ作っている間にファンのみなさんの顔が浮かんできた曲で、歌うたびに言葉の意味も増えていきました。ホント自分でも興味深い曲です。 ──もうひとつの新曲の”Beep-Beep-Beep”。これはかなりライブ映えしそうな曲ですね。 ライブのセットリスト的に考えると、メリハリとしても楽しくみんなと一緒になれる曲が欲しくなるんですよね。その流れで作りました。元々、歌詞のモチーフはso-toさんだったんです。彼の実家では昔フォルクスワーゲンに乗っていたらしくて。この曲は、それに乗ってカップルが楽しくドライブにいく様子を描いてます。でも、ドライブ中にカップルが喧嘩しちゃうっていうのをふざけながら書いていたら完成していました（笑）。「自分の人生の歩みもこの車のように時代に追いつけていないし、速度も遅いかもしれないけど、それでも僕を愛してくれるかい？」、というような歌になってます。 ──3つ目の新曲”ONE ROOM”は夜で、ややセクシーさを擁したアダルティな雰囲気の新曲で。どこか背徳感とスイートさの同居を感じます。 背徳感、当たってます。バッチリです（笑）。これも立派なこれまでのワイヨリカの側面ではありました。この曲は女性の恋愛観の真骨頂のような曲を書きたかったんです。それを昔だったらもっと暑くるしく伝えていたと思いますが、それをあえてサラッと書きました。その方が女性の人生、その奥の何かも伺えるし、想像できるかなと。 ──デビュー曲の”悲しいわがまま”も今回、20年ぶりにリメイクして収録していますね。 これは2人だけで一発で録りました。もうライブでやるそのままでしたね。私たちのキッカケの曲でもあるし、それを「時を経て今の私たちはこうですよ」と、今の自分たちのライブ観をまじえて、「今のso-toさんのギターです！」、「私の歌です！」との思いを込めて、改めて録りました。 ──久しぶりのライブも予定されてますね。ファンからやって欲しい曲のリクエストを募り、1位の曲は必ずやるという趣旨のものですね。 今からライブはかなり楽しみにしています。と同時に想像するだけで緊張してきますね。ソロでもずっとやってきてはいたので、当初は「大丈夫だろう」と高を括ってましたが、久々に全曲ワイヨリカですからね。やはり近づくにつれ……。 ──リクエストは予想通りでしたか？ かなり分かれました！意外さも含め、すごく面白かったです。それぞれの人にそれぞれの想いが各曲にあったことに改めて気づかせてもらいました。特に現状2位の曲は意外で。現在想定しているセットリストには入ってなかったので入れるべきか今悩んでます。 ──これを機にワイヨリカは今後も続けていく所信ですか？ 当初はその辺りフワッとしていたんですが、so-toさんがこの前「やる！！」と言ってました（笑）。ですが、昔みたいに気負って曲を作ったり、頻繁にライブをやったりのスタイルとはまた違った活動の仕方になるでしょうね。それが出来ないのではなく、あえてやらないスタンスという意味です。その「無理のない活動」というのが今のワイヨリカにとっては重要なスタンスなんです。なので、頑張るけど無理はしない。そんなスタンスで活動していければなと思っています。 ──では最後に。20年前の自分にメッセージをするとしたら？ うーん……。なんだろう……。「続けることが一番難しいけど、そこにはご褒美がちゃんと待ってるから頑張って」かな。あとは、「そんなに必死にならなくてもいい……」、いや、逆に「今は必死にガムシャラにやっとけ！！」って言いたいです(笑)。あとは「仕事を断るな！来た仕事は全てやれ！！」。それがのちに色々な糧になったり、点が線に繋がっていったりしますから。ホント20年経って、その辺り改めて実感しています（笑）。

──今回の＜ONE PARK FESTIVAL＞は福井出身の社長も発起人の一人とお伺いしました。このようなフェスは福井では初だったりするんですか？ 地元の人間が主導する、この規模の野外フェスとしては初の試みとなります。これまでも野外フェスは幾つか行われてきましたが、ここまでの規模のものはなかったし。大きな野外フェスで＜sea of green＞がありますが、各県を渡り歩いた末、福井に辿り着いたという、県外のオーガナイザーの方が福井を気に入ってくださったものです。一方、屋内フェスになるとFM福井さんが13年前から行っている(＜BEAT PHOENIX＞)もありますが、音楽フェスで屋外で都市型となると今回が初になります。 ──実施場所や出演アーティストのラインナップ的にも、かなりコンセプチュアルに映ります。ちなみに「やろう!!」と思い立ったキッカケは何だったんですか？ 地元の友達のDJらと「この場所(福井市中央公園)で音楽フェスなんてやったら気持ちいいだろうね」「いつかはやりたいよね……」的な会話が発端でした。 ──では最初から会場である中央公園で演ることありきだったと。 場所ありきでした。「ここで何かやりたい！」「音楽フェスをやりたい！！」「僕も地元で何かやりたい！！！」。この3者の思惑（おもわく）からでした。 ──やはり社長も福井への地元愛が……。 今でこそすっかり東京暮らしが長くなってはいますが、自分は常に福井出身だし、軸足は常に福井にある自負を持って生きてますから。そんな中ここ数年、外から見た福井の音楽シーンの面白さや町のポテンシャルも発見し出して。「今の福井の子たちも面白いことをやってるな……」と感じることもちょいちょいあって。「そろそろそのようなイベントを行うタイミングかな」と。

──機は熟したと。 自分も長く東京で活動し色々と経験も積んできて、国内外での人脈も出来だして、「今だったら自分がここに参画すれば面白いキュレーションになれるんじゃないかな……」との考えもありましたし。まずは地元の友達たちの熱い想いをどこかで形にしたいな…とは個人的には思ってました。 ──そこからその行動に移すタイミングは？ 2年ぐらい前になるのかな？　当初は3人で、「こんなこと出来たら面白いね～」なんて雑談レベルでしたが、僕が福井でのライヴの際にステージから、「フェスやりますから！！」と宣言しちゃったんです。そうすることで引っ込みをつかなくさせて鼓舞していきました。そこから友達が実行委員を組織してくれたり、行政にも色々と協力要請をお願いしたり……。 ──この立地で、しかも白昼にやるには意外なアーティストさんも多く若干そこに啓蒙的な意識も伺えました。 その辺りはこのフェスの座組にも関係していて。このフェスの言い出しっぺの2人が元々DJだったこともあり、当初はダンスミュージックを軸としたフェスにしようというのがまずありました。ダンスミュージックといっても多岐に渡りますが、まずはDJやダンスミュージックに影響を受けている、またはダンスを喚起させるグルーヴ感を演奏できるバンドを中心にラインナップを考えました。

──先ほど社長が「感じている」とおっしゃっていた、「今の福井の音楽シーンの面白さ」をもう少し詳しく。 自分は地元では割とDJの友達が多いんです。そのDJたちがどんなDJを県外や国内外から呼んでいるか？そこにどんなお客さんがついているか？等ですね。なかなかマニアックなDJを呼んでくるし、成功させてるんです。 ──そうらしいですね。あのリッチー・ホウティン(テクノ系のアーティスト)がよく福井を訪れてプレイしているとの話を知り、失礼ですが意外に感じました。 確かにリッチーもここ福井でのキーパーソンではあります。彼は「ENTER.SAKE」という日本酒のブランドを展開していて。その中の供給元の一つが福井の黒龍酒造だったり。また、結婚式の招待状に使われた越前和紙は、僕の友達のDJで今回の運営委員長が手配をしてあげたり。でも、これこそ福井の潜在的なモノづくりの実力だと自分は感じていて。 ──失礼ですがどれも存じなかったです。 ですよね。こんな感じで、あまり国内では取り上げらないが故にけっこう埋もれがちで。なので、直接海外に流れていってしまっているケースが福井の産業ではけっこうあるんです。そんなこんなに面白くて海外からのお客さんも多くいる、そんな現実が増えつつある。いわゆる点で盛り上がっている状況というか。これはもうそろそろその線をつないでいったら、とてつもなく面白い絵が描けるんじゃないかなって。そんなタイミングも感じていたんです。

──福井ではクラブシーンもけっこう盛んだったりするんですね？ そうなんです。僕からすると、「なんでそんなマニアックなDJに800人も入るんだ！？」って感じのものがポツポツあって。今回出演していただくアーティストさんやDJたちもけっこうマメに（DJやライブをしに）福井には来て下さってるし。 ──街にキチンとそのような素地があることを聞き安心しました。失礼な話、けっこうマニアックな方々も出るし、それをこの規模で、しかも街のど真ん中でやっても大丈夫なのか!?との不安もあったもので（笑）。 （笑）。大丈夫ですよ。これまでも色々な方から「マニアックなラインナップだね」と言われてきてますから（笑）。でもお声かけしたアーティストさんたちにしても、芯を持ちつつもふり幅は考えました。マスにアピールできる方はもちろん、啓蒙の意味合いもあったので。 ──まさにそのようなラインナップですよね。何か各アーティストさんに声かけする際の基準ってあったんですか？ まずは「自分たちの実力とプレイでお客さんを巻き込むことが出来るグルーヴ感やスキルを持っているアーティスト」がありました。なので出演していただく各人、かなり高い演奏力と独自のグルーヴ感を擁した方々ばかりで。そういった生の演奏を体感することによって特に若い子たちは音楽の持つ力みたいなものの原体験になったらいいなという想いもありましたし。 ──確かに、どのアーティストさんも特に前知識なく、楽しめる方々ばかりの印象があります。例え知らないアーティストでも身を委ねたり、体感すれば楽しめる音楽性の方々ばかりですもんね。 そこなんです！で、後で調べて知ったり、掘って欲しい面もあって。「実はあの時に出ていた〇〇と〇〇はこんな共通項があって、こんな繋がりがあったんだ!!」的な後々の発見もあるでしょうから。そこまで行けたらいいなとの希望的観測も含めてのラインナップだったりもします。 ──まさに一過性ではなく、その後もしっかりとインフルエンスしていきそうな方々です。ちなみに行政との深い関わりや協力もあっての実現だとお聞きしています。 その辺りは完全に地元の発起人等に任せちゃったんで、僕からは彼らから聞いた範囲になっちゃいますが。みなさんめちゃめちゃ協力的だそうです。あの土地自体、市の持ち物なので。市の協力があったからこそ開催できたところはあります。行政のみなさんの方も、どこか「待ってました！！」があったようで。凄く協力的だし応援していただいてます。 ──その行政の方々の「待ってました！！」感ってなんか分かる気がします。 それもですが、僕個人としては今、新幹線が福井まで伸びる予定がある中、「隣の金沢に勝てるものって何だろう……？」と考えるわけです。今、「福井」と聞いてパッと浮かぶのはきっと永平寺、東尋坊、恐竜、カニ、ちょっと知識のある方になると鯖江の眼鏡、それぐらいでしょう。今は恐竜一人勝ちですが（笑）。そこで「福井に行こう！！」となった際に、もっと福井に来る目的や意義を挙げられるポイントを沢山作りたくて。そんな中、やはり「福井にはこんなフェスもあるしね」と言ってもらえる所まで育てたいんです。 ──では、ゆくゆくは街の年中行事の一つにまでこのフェスを昇華させたいと？ ですね。これを一回目に、これからそこまでなれたら本望です。

──ちなみに何かお手本にしたフェスってあったりするんですか？社長はこれまで国内外様々なフェスに何度も出演してきたわけですが。 よく実行委員たちと話していたのは、僕らもSOILで呼ばれ、出させてもらったイギリスの＜ケルバーン・ガーデン・パーティー＞という小さな町のフェスのような感じが理想でした。ここもわりとダンスミュージックよりのフェスなんですが、イギリス国内外の人気バンドも出れば、DJがずっとテクノを流しているステージもあったり。かと思えば地元の合唱団や地元のお父さんのアマチュアバンドがライヴをするステージもあったり。その音楽のクオリティの高さや集まってくる幅広い層、それから街のお祭りや手作りさや温かさが共存しているフェスで。「あんなフェスがいいよね」的な話はしました。＜ケルバーン・ガーデン・パーティー＞自体、地元の名家の敷地でやっていると思うんですが、そこはステージバックにお城があって。それもアートにペイントされているんです。 ──＜ONE PARK FESTIVAL＞も＜ケルバーン・ガーデン・パーティー＞同様、地元福井で活動しているアーティストもフックアップされ、同じステージに立ちますもんね？ そうなんです。オーディションを行って。そこでも福井の若いミュージシャンたちの底知れぬポテンシャルを感じました。今の福井の若い子のセンスや感覚って凄いところまで来ていたことを目の当たりにして。優勝は「ヘンデカゴン」というジャム系のインストバンドと、特別賞として水咲加奈さんというピアノの弾き語りのシンガーソングライターの女性が出場権を獲得したんですが、他最終エントリーに残ったアーティストたちも、生バンドのヒップホップグループ、MPCを叩くビートメイカー、ロックバンドという幅広さ。各位全く違った音楽性ながらどれも面白くて。 ──フェスに出演する2組についてもう少し詳しく教えて下さい。 hendecagon（ヘンデカゴン）はテクノとワールドミュージックとジャズが融合した感じのグループで。それこそ人力のグルーヴとその音楽性で惹き込むタイプです。もう海外でも通用するレベル。ライブオーディション当日も「踊って!」的なMC一切なしでオーディエンスを最も躍らせてましたから。もう今回のコンセプト通り。一方の水咲加奈さんの歌声は素晴らしい。今、彼女は福井の各地のイベントで引っ張りダコなんですが、「これが今の福井を代表する歌声なのか！！」と、もう一枠特別に用意し、ステージに立ってもらうことにしました。そして、他の3バンドも、同日に福井駅前で開催される「ホームタウンフェス」という音楽祭のステージに出場するんです。こちらはフリーのライブで。 ──では、この日は福井駅前周辺で音が楽しめるわけですね。ちなみにこんなに駅近の公演でやるフェスもあまり類を見ません。 “駅から5分歩いただけでメインステージが楽しめる”。それも売りの一つですから（笑）。加えて場内は自分のスタイルで楽しめるのも魅力で。あと出入りも自由なんで、空き時間等は是非街も散策してもらいたいです。近くにもご飯が美味しいお店が沢山あるので、そこで音漏れでも聴きながら食事をするのもありかも。

──公園内ではどのようなことが楽しめるのでしょう？ ライブステージやそれを立ったり座ったり、寝っ転がったりと自由に観れるエリアはもちろんですが、福井の名物、名産がずらりと並びます。越前そばを始め福井の名店と呼ばれる店が集うフードコートやキッチンカーもあって。あと、福井を中心に北陸全体の伝統的な工芸品、漆や陶器、刃物、和紙のマーケット。それからバーエリアもあり、そこでは20数蔵にも及ぶ、福井のほぼ全ての日本酒の酒蔵さんが一同に介します。もうヘロヘロになること必至でしょう（笑）。他にも子供も楽しめるエリアもあるので、親子で来られても楽しめますし、もうとにかく会場中をウロウロとしてもらい、逆に様々な発見をしてもらいたいです。

──そんな中、今回はハーレーもブースを出します。そこでは人気のバイク展示はもちろん。免許がなくても運転体験できるマシンでエンジンの鼓動を体感できたり、地元福井で人気のDJがプレイし、大人から子どもまで楽しめるアクティビティも設置されると聞いてます。 地元福井で活躍するDJがスピンしますので、是非ここでも楽しんで欲しいです。あと、グラフィティアーティストのESOWさんがそれらに合わせて、20年ぶりにスプレーでグラフィティのライブペインティングをする催しも予定しています。 ──あと、眠るのさえもったいないぐらい音楽を浴びたいなんて方はどのようにしたら良いでしょう？ 周辺のクラブで朝まで遊ぶのもありだと思います。クラブ・Casaでは国内外の著名なDJで朝まで遊べるし、こちらはこちらで“えっ!?”と驚く海外のDJもアサインしてますから。 ──最後に「こんだけ説明したんだからフェスに来いよ！！」的なアジテーションメッセージをお願いします（笑）。 そんなキツくは言えないけど……（笑）。来てくれたら嬉しいです。距離感的にも足を延ばすには各地からちょうどいいでしょうし。ここからまた新たな福井の音楽カルチャーが育まれていくので、その第一回を是非みなさんに体感してもらいたいです。待ってます！！

──今作は配信限定でのリリースですが、尾崎さんの今のスタンスからすると、このリリース形態が、伝える曲数的にも制作からリリースまでのタームのスピーディーさも含め、合っている印象があります。 実は今回、作品を配信で、しかもEPとして発売するには、その「特に今の時代性に合わせた」というものではないんです。というのも、実は並行して同じく新曲を詰め込んだ6曲入りのEPを制作していて。こちらはフィジカル(CD形態)でのリリースを予定しているんです。この盤は今作とは全く異なった、ある種正反対のコンセプトと手法だったりで。そんな両極端な作品を2作つくり、それらを合わせて一つの大きな作品として成立させたかったんです。 ──もしかしてもう一方はもっとバンド然としていたり？というのも、今回の『Mirror Mirror』は極めて作品性や構築性が高く、DAW要素の強い楽曲群に偏っていたもので。 まさにそこです!もう一方の作品も曲は完成しており、これからバンドでレコーディングに入るんですが。予め2つのテーマにセパレートし、あえてメッセージも対になるようなアプローチや手法にしてみたんです。 ──では、今作の『Mirror Mirror』の方は……。 こちらは僕の中ではデジタル。例えばiPhone等のスマホだったりでコミュニケーションを取っている、今の時代を反映した作品といった趣きです。 ──その「iPhoneやスマホだったりでコミュニケーションを取っていく時代性」というのは？ 僕の世代がちょうどそれらに対して過渡期だっだと自覚していて。今では当たり前のようにそれらを使ってますが、元からそれがあった世代ではないわけで。後から世に現れてき、そこに立ち会えた世代というか。そんな世代から見た今の社会は、それらに特に懐疑心もなく、そこまであまり深く考えずに使っている。それは僕も同じで。今のスマホでのやり取りが世の中の中心になっていることに対して特に疑いも持ってませんから。そんな僕らなりの現代社会に対するコミュニケートを今作では描いてみたんです。 ──それはある意味、このスマホ文化の功罪に対して何か物申す的な？ いや、それとはまた違っていて。単純に現代社会に於いて繋がるツールとしての音楽というか。例えば昔の歌によく、「電話」や「手紙」ってワードが入ってるじゃないですか。それは当時の肉体的な繋がりであって。いわゆる書いたり喋ったり、思いを伝える当時のツールであったと言うか。でも今の時代は、それらの代わりにテキストやデータでメッセージを伝えるわけで。その繋がりの変化や移行を普通に楽曲の中に取り入れたかったんです。それと今僕らの置かれている、この移り代わりの激しい時代を表現したかったし。それもあり、盤にはせず配信限定にしたんです。あえて実態のないものにしたかったことも含めて。 ──存在はしているんだけど、形としては残らないものとして？ そうです。あえて物質的なものじゃない残し方をしたくて。 ──意外です。逆に不変的なものを作り続けていくのが尾崎さんの命題だとばかり思っていました。 今の僕は既に不変的なものに魅力や効力は見出してません。それこそGalileo Galileiの頃から、関わる色々な人から「不変性」を唱えられ続け、求められ続けてきましたから。なので僕の中では、「不変性」は、もうとてつもなく空虚な言葉で(笑)。そもそも不変的なものを作ろうと思ってないし、でも自分が不変的なものを作ってないとも思っていない。その不変性自体、自分で決めるものではなく、みなさんが決めることですから。 ──私は逆にこのBBHFこそ、より不変性を目指して始めたものだと映ってました。 とは言え、自分たちのやっていることが特殊でアーティスティックだなんて僕は絶対に思いたくなくて。そう自称してやっているアーティストって僕の中ではたいていあまり良くない (笑)。基本、僕は自分の作る音楽は凄くポピュラリティのあるものだと自負していて。もしかしたらそれが自分の中での不変性なのかも。不変性って基本、他人に押し付けられるものじゃないじゃないですか。自分が作っている音楽が人と人とのコミュニケーションであり共通言語である。そんな思いをもって初めて人に投げかける権利があるでしょうから。 ──そもそも今作に至ったのには何かキッカケでも？みなさんのこれまでの音楽性や、多くの方々からの期待からすると、ややをもすると凄く裏切ってしまう懸念もあったわけで。 その懸念は全くありませんでした。自分たちが自分たちのイメージに固執していたのは、既にGalileo Galileiの際に終わっていた話で。その像を追い求めている人たちは、きっと以降の自分たちの活動からは離れていってしまったでしょうし。今では不特定多数の人たちプラス自分に向けて音楽をやっている自負があって。あまりこれをやっちゃいけないとか、逆にこれをやるべきみたいな使命感がないんです。曲を書いて、バンドをやって、音楽として人に伝える。ただそれをやってるだけのことで。そのコンセプトがたまたま今回はこれだったし、これを出さずにはいられなかった感じなんです。なので僕としては喋っていることと一緒。その喋り方を変えてみただけの話。なので戦略的なことは何もないです。逆にもうちょっと戦略的になった方がいいぐらい（笑）。 ──対してもう一作の方は？ ちょうどいま制作中なんですが、こちらは対象的にバンドアプローチで。メンバー同士の肉体的な有機性から生み出される作品になる予定です。逆にこちらはそれこそ物質的に存在する作品として残したくて。対して、この『Mirror Mirror』は実態がなく掴めないものにしたかったんです。メッセージ性があるにせよ、周囲に対してやツールに感じている自分たちなりの感覚を言葉として、しかも説明するわけではなく、フラッシュバックのように情景だったり自分の経験だったりを曲に落とし込んでいったものにしたくて。 ──今、おっしゃっていたのが凄く分かるのがラスト曲の「リビドー」でした。この歌詞で「スマホ」という今の時代ではあるけど、不変性ではない言葉をあえて入れますよね？これまで不変性や永遠性にこだわってきた感のある尾崎さんが、このような、ややをもすると何年後かには前時代を象徴する遺物のようなキーワードを入れているところに意外性を覚えました。 その辺りはある種のこの時代へのオマージュでもありました。それこそ聴いてタイムマシーン的にフラッシュバック出来る言葉として入れてみたんです。今のこの作品での感覚だと、もし仮に僕が「ポケベル」を使っていた時代の人間だとしたら、「ポケベル」という歌詞を入れていたでしょう。言い換えると「ポケベル」という言葉自体が不変性を持っているというか。その時代の背景やストーリーもあるだろうし。 ──今は「共有」の時代じゃないですか。その辺りのあえての打ち出しも感じました。例えば「Torch」での《受け入れた終わりと手を取り合って生きる》とか、「リビドー」での《喋ろう！喋ろう…》だったり。今の時代ならではのツールを使っている。そんな共有の情景が浮かんできたんです。 その辺りは現代のSNS、例えばTwitterのような肉体的な繋がりはないのに、気持ちは繋がっているあの感じ……それを上手い言葉で表せないかな…と使ってみました。今の時代は、自己承認欲求の時代でもあるわけじゃないですか。今回のタイトルの『Mirror Mirror』も、スマホの電源を切ると画面が真っ暗になり鏡状になり、今までそれを見ていた自分が急にそこに映る。あれって何か他人を調べているようで、実は自分の自我を投影してるんじゃないか？と思い始めてつけたタイトルで。で、その自我ばかりがどんどん大きくなっていってる。それ自体は悪いことではないでしょうが、その自我と向き合う時間が凄く長い時代になったと感じていて。

──確かに。 それもあり歌詞もどちらかというとエモーショナルな部分。文章や写真での繋がりが増えたからこその今を描きたくて。今って写真でも動画でもテキストでも、ある種、誰でも自分を投影する作品として世に送り出せる。それって凄くエモーショナルなことだなって。肉体的なブツかりとは違ったコミュニケ―ションとして、今は感情をフィルターを通さずに表せる。そんな時代だからこそ、あえて喋ろうとか欲望とか意志をただ提示するだけ。それも今っぽいのかなと。そのような感情の現れを歌詞に落とし込みたいとは、今作の割と全曲通して思ってました。深く考えずにモノを言う感じというか。 ──逆にそこに警笛や、どうなんだろう？的な懐疑的なものを定義しようとは？ 全くなかったですね。いわゆる「これって良くないんじゃない？」的なものを音楽に乗せたいとは今作に関しては一切なくて。どちらかというとここにある言葉の中の何か一つを掘って、自分の中にある想い出等とリンクして、「なんか言わんとしていることは分かるかも……」と感じてもらえる程度でいいかなって。ただただ僕と聴き手との記憶とか想い出とか、現代社会に対しての視点が少しリンクしてくれるものがどこかで生まれたらいいなレベルでした。なのでメッセージ性よりはむしろコミュニケーションに近いかも。 ──でも、その辺りも、「分かって欲しい」的なコミュニケーションともまた違った類のような。 ですね。もし、歌詞に出てくる登場人物たちが「自分を分かってくれ」と自己承認欲求があったとしても、僕がそれを訴えているわけではなくて。単にこれらを通して繋がることが出来たらいいなレベル。それはきっと繋がりたいと僕自身が思っていることだし、繋がりたいと思ってくれる方々がそこに反応してくれるだろうし。僕なりのミュージシャンとしてのコミュニケーションを作品を通してやってみただけなんです。 ──今回は中でも特に歌詞のレトリックさに感心させられました。 今回の『Mirror Mirror』のタイトルにしても、元々先程のスマホの鏡からアイデア自体は来ているんですが、歌詞の中でも反射をイメージした組み立て方をしていて。繰り返したり、その歌詞に対して反対側から違う歌詞をブツけてみたり。フレーズでの問いに対してフレーズで応えてみたり。楽曲の中で歌詞が乱反射するイメージ……そんなコーラスワーク等を考えながら作っていったりしたんです。ここまで一つのテーマでしっかりと作品を貫き通して作ったことが、これまでなくて。今回は作っていても自分でも面白かったですね。実は全曲別々に聴こえるでしょうが、どこかで全部が繋がっていたり。それは歌詞だけじゃなくて、反射という名目でつながりを意図的に作ったりもして。それらも聴いて探ってもらえると面白いですよ。 ──記号やヒントが並べられており、そこから聴き手が見出したり解き明かしたりと、これまで以上に聴き手に作品が委ねられる感覚がありました。 それらに不思議なエネルギーを感じたんです。人間味があり温かみのあるエネルギーというか。それを自分たちの中に取り入れたくて。その辺りは、ちょうどここ最近ヒップホップとが好きで本格的に聴き出したのも大きく作用していて。昔は苦手でずっと聴く気になれなかったのが、今や180度違うぐらいの好印象を、このジャンルに持ってますから。 ──そのヒップホップの主にどの辺りに惹かれたんですか？ ラップ本体よりかは楽曲の作り方やブルーズ的な言葉の問いかけ、あとは言葉一つ一つに対する意味の持たせ方等ですね。その辺りからは強く影響を受けました。それが今作のテーマでもあった「乱反射」にフィットしたところもあったし。 ──この『Mirro Mirror』を待っていた方にメッセージがあれば。 ちょっと長く待たせちゃったけど、このコミュニケーションを受け取って欲しいです、かな。 ──たいして対になるもう一枚の方も気になります。 こちらはそれこそGalileo Galileiの頃からずっとやれなかった、バンド然としたものを予定しています。僕らは恵まれていて。早くからデビューさせてもらった反面、最初から楽曲を制作することが義務や作業になっていたんです。でも今や状況も変わってきて。ある意味自由なんです。そんな中で作る楽曲につき、おのずとバンドで作りながらも、これまでとは違った空気感の作品になると思っています。 ──作り方や目指しているところが対象的なのも興味があります。 今回はバックトラックを先に作って、そこに浮かんだメロディや歌詞を乗せていったんです。対して次の作品では自分の作った弾き語りを基にバンドでアレンジして肉付けや作品化していくものになります。Queenの映画『ボヘミアンラプソディ』ってあるじゃないですか。あれを観て単純にバンドをやっている方々だったら、内容や賛否は抜きにして、「やっぱりバンドっていいな……」「スタジオにみんなで入りたくなったゼ」となると思うんです。単純にあのバンド感やバンドならでは感がやりたくて。今の時代、バンドのメンバーと言えど、プロデューサー的な考えやクリエーター的な気質のミュージシャンが増えてきて、バンドであることや各プレーヤーであることの意味会いが薄れてきている感があるんです。そんな中、あえてそこをやりたくて。バンドの一員である意味や、それをキチンと出せる。それこそ今作とは対照的な作品にしたいんです。こちらの方も是非楽しみに待っていて欲しいですね。