ブラジルの「Bruma Festival」、ルーマニアの「Waha Festival」、ポルトガルの「Waking Life」といった海外フェスへの出演や、パリのレコードショップ「Yoyaku Records」でのインストアDJが話題を呼ぶなど、世界各地を飛び回るQue Sakamoto。特定の拠点を持たず、常に移動しながら活動を続ける彼は、現在もツアーの真っ只中にいる。自由な生き方に憧れを抱く一方で、順風満帆に見えるその歩みは、決して平坦なものではなかったという。 今年8月、ベルリンの「Kimchi Records」で再会を果たしたことをきっかけに、長年の空白を埋めるように、これまでの活動から現在に至るまで話を聞いた。本インタビューでは、新作EP「Bruma」の制作背景をはじめ、洗礼を受けたブラジル、人生の転機となった海外での経験など、Que Sakamotoの軌跡と“今”に迫る。 　

Paulo Santosの生音を生かした オーガニックでオリエンタルな4曲

人生を変えた海外フェスの存在

様々なアーティストとの出会いから受ける影響

日本人として世界の舞台に立ち続けるために

皆さん初めまして、徳島県出身のラッパーのT-STONE です。普段僕のMVなどを撮影してくれているビデオグラファーのイタルさんからのご縁で、Qeticでコラムを書く事になりました。僕が日常の中で得た気付きや学びを、日記みたいにラフに残していこうと思います。僕は2026年の元旦に「今年は挑戦の年にしよう！」と掲げました。 コラムは人生初めての試みで、当初は「やる意味あるんかな？」とやらない理由ばかりを探していましたが、「行動は言葉よりも雄弁である。」というガンジーの言葉を思い出し、「一回やってみて違っていたら辞めよう。投げやりな意味じゃなくて、この機会に学べる事を学び、僕も吸収しよう。」と一歩前に踏み出しました。時間を割いてくれる読者の人生に、「少しでも良い風が吹くキッカケになれば」と思います。

僕が生まれ育った街の徳島には、江戸時代から続く『阿波踊り』という文化・お祭りがあります。僕が小中高生の時は、他校の友達や可愛い子に逢える事を楽しみに阿波踊りに遊びに行っていたので、今ほど阿波踊りの魅力に気付いていませんでした。 僕が『阿波踊り』の魅力に氣付いたのは、2022年に阿波踊りにフォーカスして制作した楽曲「T-STONE - 騒~ZOMEKI~ feat.寶船」の制作中の事です。「阿波踊りとコラボレーションした楽曲を作るんはどうや？」と、当時の僕のエグゼクティブプロデューサーであったCO-KEYさんが提案して下さったお陰で制作が始まり、その際に阿波踊り集団の「寶船」の皆さんと出逢いました。今ではMy Familyです。制作中『阿波踊り』に向き合えば向き合うほど、「地元の文化の事やのに何も知らんやんオレ。。。」と恥ずかしくなりました。ネットの記事をディグりまくり、取って付けた知識の状態でその楽曲が完成しました。あの時にしか搾り出せない氣持ちを、音や歌詞に写し出せたなと、過去の自分に拍手を送りたい。 T-STONE - 騒~ZOMEKI~ feat.寶船

そこから月日が経ち、昨年の窪塚洋介さんの活動30周年の祝賀会で、MINMIさんに出逢いました。僕は出逢ってすぐに「徳島県出身のラッパーのT-STONEです。MINMIさんは＜FREEDOM＞というフェスをLAでされていますよね。僕は阿波踊りとコラボレーションした楽曲が有ります。地元徳島の文化を日本中、世界中に届けたいです。LAでライブをさせてください！！！」と暑苦しい自己紹介をしました。その想いが彼女の胸に届き、数日後、阿波踊りとコラボレーションした楽曲を一緒にゼロから作る事になりました。我々の想いが強すぎて結果的に2曲リリースする事になりました(笑)。制作期間は約1年。両方テーマは同じですが、表と裏みたいに異なるムードの楽曲に仕上がりました。 ・超楽しい feat. MINMI - T-STONE ・渦 feat. T-STONE - MINMI

阿波踊りは5日間で100万人以上の観光客が集まります。そんな中、昨年に続き今年も阿波踊りの最中にレッドブルのステージでライブが決まっていました。そのライブの際も含め、どうにかMV撮影が出来ないかと思い、徳島のおにい(先輩)の方々や友達に相談し、段取りを決めていきました。かなり大変だった。。。 LIVEの時間はギリギリまで雨予報だった。でも「俺晴れ男やけん大丈夫です。絶対に雨は止みます。」持ち前の晴れ男パワーを発揮して、奇跡的に晴れた。こういうシチュエーションは良くある。でもその都度心の中で晴れるイメージを天に届ける。すると晴れる。祈りは天に届く。と僕は信じている。 超楽しい feat. MINMI - T-STONE [Official Video]

AIで曲も映像も簡単に作れてしまう今の時代。お金を払えば手に入れられるネットの数字は、今後更に価値を持たなくなるでしょう。自分の身近に在る文化は誰かが続けていかなければ、無くなってしまう一方。無くなってから作っても歴史という価値はもう作れない。「自分が行動を起こしたって何も変わらない。」と勝手に決めつければ、一生世界は変わりません。今回、僕の身近にある「阿波踊りという文化を未来に残したい。音楽という形で0.1ミリでも力になりたい。」その想いを胸に行動を起こしました。 幼い頃、阿波踊りの魅力に気付けなかった僕が、今は阿波踊りで歌い、阿波踊りを広めている。人生何があるか分かりませんね(笑)。全てお陰様です。来年の阿波踊りは更に大きい事ができるように今から準備です。最後まで読んで頂きありがとうございま〜す。次は何を綴ろうかな。

＜FUJI ROCK FESTIVAL’26＞（以下、フジロック）が、7月24日（金）、25日（土）、26日（日）の3日間にわたり開催。Qeticでは、フジロックに出演したアーティストのライブをフォトレポートで振り返るコーナー「振り返るフジロック」を今年もお届けする。 今回はDAY 2、GREEN STAGEに登場したIO。KANDYTOWNでの活動を経て、ソロアーティストとして日本のHIPHOPシーンを牽引してきた彼が、フジロック最大のステージに立った。 フジロック初出演となった今回、バンドセットで臨んだIO。“本牧カーチェイス”、“Spotlight”、“1942”などを披露しながら、Kohjiya、Yo-Sea、Gottz、Holly Q、Shurkn Pap、Teteらゲストも次々とステージに登場。“Racin’”、“Your Breeze”、“Sunset”や、KANDYTOWNの“You Came Back”、“One More Dance”など、自身のキャリアを横断するセットでGREEN STAGEを沸かせた。 フジロックという歴史ある舞台に、HIPHOPアーティストとして立ったIO。そのパフォーマンスをフォトレポートで振り返る。記事の最後には、今回のフジロック出演を振り返ったIO本人からのコメントも到着している。

＜FUJI ROCK FESTIVAL’26＞（以下、フジロック）が、7月24日（金）、25日（土）、26日（日）の3日間にわたり開催。Qeticでは、フジロックに出演したアーティストのライブをフォトレポートで振り返るコーナー「振り返るフジロック」を今年もお届けする。 今回はDAY 1のGREEN STAGEに登場したターンスタイル（TURNSTILE）。2024年、初出演にしてWHITE STAGEのヘッドライナーを務め、ラストには観客がステージへとなだれ込むほどの熱狂を生み出した彼らが、わずか2年でフジロックのメインステージへと帰ってきた。 その2年間で、バンドを取り巻く景色も大きく変わった。2025年には前作『GLOW ON』から約4年ぶりとなるアルバム『NEVER ENOUGH』をリリース。ハードコアを軸にしながら、そのサウンドをより自由に拡張した同作は世界的な評価を獲得し、2026年のグラミー賞では最優秀ロック・アルバムを受賞。さらに“BIRDS”で最優秀メタル・パフォーマンスにも輝き、2冠を達成した。 そんな現在のTURNSTILEが立ったのは、DAY 1夕方のGREEN STAGE。幕開けを告げる“NEVER ENOUGH”から、広大なフィールドを轟音と熱狂で包み込んでいく。2年前のWHITE STAGEで目撃した衝動と多幸感はそのままに、そのスケールはさらに大きなものへ。ハードコアというジャンルの境界を軽々と飛び越えながら、世界屈指のライブバンドへと駆け上がったTURNSTILE。その現在地を刻んだ、苗場での55分間をフォトレポートで振り返る。

近年の＜FUJI ROCK FESTIVAL＞（以下、フジロック）に足を運んでいる人なら、会場の空気が少しずつ変わってきていることを肌で感じているのではないだろうか。苗場の森に響く音楽は、もちろん今も欧米のロック、インディー、ダンス・ミュージック、ジャズ、ワールドミュージックなど、多様な音楽を内包している。しかし、その中で近年ひときわ存在感を増しているのが、アジア圏からの来場者とアーティストの存在だ。 2025年のフジロックでは、インバウンド販売数が全体の1割強を占め、そのうち約7割が中国、台湾、韓国、香港などアジア圏からの来場者だったという。さらに、国内販売でチケットを購入している外国籍の来場者もいるため、現場感としては、その数字以上にアジア圏の存在感があったようだ。会場を歩いていて、中国語、韓国語、英語、タイ語らしき言葉があちこちから聞こえてきた、という経験をしたフジロッカーズも多いはず。かつて洋楽や海外という言葉が主に欧米のアーティストやリスナーを指していた時代から考えると、それはとても大きな変化である。

もちろんフジロックは、もとより国籍やジャンルを限定するフェスではなかった。ロック、ジャズ、ヒップホップ、テクノ、レゲエ、フォーク、ワールドミュージックまで、ありとあらゆる音楽が同じ山の中で鳴り響く。その雑多さこそがフジロックらしさでもあった。ただ、冒頭で述べたここ数年の変化は、単に「アジアのアーティストが増えた」というだけのことではない。オーディエンスの側にも、アジアの音楽やカルチャーを日常的に受け取る感覚がすでに根づいている。韓国、台湾、タイ、中国、インドネシア、フィリピン、そして日本。若いリスナーにとって、それらはもはや“遠い国の音楽”ではない。SNSやストリーミング、YouTube、TikTokを通じて、国境を越えた音楽体験は日常の一部になっているといえよう。 そうした流れを象徴するように、昨年のフジロックではHYUKOH（ヒョゴ）やSUNSET ROLLERCOASTER（サンセット・ローラーコースター）がメインである＜GREEN STAGE＞に登場し、新設ステージの＜ORANGE ECHO＞ではKim Oki（キム・オキ）やYONLAPA（ヨンラパ）が名を連ねた。これまで様々なアーティストを輩出してきた＜ROOKIE A GO-GO＞には、台湾のフェス＜ROCK IN TAICHUNG＞とのコラボレーションにより震樂堂（シンガクドウ）が出演するなど、アジアのアーティストたちはフジロックの〈現在〉を形作る重要な存在となった。リスナーの聴き方、アーティストの活動範囲、フェスの在り方が同時に変わっていくなか、アジアの音楽シーンとフジロックはごく自然に交差しはじめているのだ。 そうした流れを踏まえた上で、今年のフジロックのラインナップにXG、HYUKOH、Fujii Kazeが並んでいることは、単なる話題性以上の意味を持っている。

まず注目したいのはXG。メンバー全員が日本人でありながら、彼女たちの存在は従来のJ-POPという枠には収まりきらない。英語詞を中心とした楽曲、ヒップホップやR&Bをベースにしたサウンド、緻密に設計されたダンスパフォーマンス、グローバルな映像表現。それらは国内市場のみを見据えたものではなく、韓国の音楽番組、英語圏のリスナー、アジア各地のファンダム、およびグローバルな配信環境を前提に組み上げられている。「日本から海外へ進出する」というプロセスではなく、最初から国境をまたいだポップミュージックとして鳴らされてきた。だからこそXGは、J-POPでもK-POPでもない「K-POP以後のアジア発グローバルポップ」として捉えるべき存在なのだ。 そして、フジロックにXGが出演する意味もそこにある。フジロックは長らく、ロックやオルタナティブ、クラブ・ミュージックを中心に、音楽好きたちが集まる場所として認識されてきた。一方、XGはポップミュージックの最前線にいる存在であり、グローバルなファンダムを持つアーティストでもある。彼女たちが苗場のステージに立つことは、フジロックが“ポップ”をどう受け入れ、どのように更新していくのかを示すひとつのトピックになるだろう。

HYUKOHは、XGとはまったく異なる角度から、アジアの音楽シーンの豊かさを示す存在だ。韓国の音楽と聞くと、どうしてもK-POPのイメージが先行しがち。しかし韓国には、インディー、ロック、ジャズ、ヒップホップ、エレクトロニック・ミュージックなど、実に多様な音楽シーンが存在する。HYUKOHは、その中でも韓国インディー／オルタナティブの存在感を世界に知らしめてきたバンドの一つである。乾いたギターの響きやゆるやかなグルーヴ、余白を残したアンサンブルは、国境やジャンルを軽々と越えていく。K-POPのように強いコンセプトや華やかなビジュアルで押し出すのではなく、バンドとしての佇まい、音の質感、都市的なメランコリーによって、海外のリスナーからも支持を獲得してきたからだ。 そういう意味では、フジロックとHYUKOHの親和性は高い。周知の通りフジロックもまた、メインストリームの音楽だけを紹介する場所ではなく、まだ大きく一般化されていない音楽や、国境やジャンルの隙間にある音楽と出会う場所であり続けてきた。「韓国音楽＝K-POP」という見方を相対化し、アジアの音楽シーンがいかに多層的であるかを体現するHYUKOH。彼らの音楽が苗場で鳴らされることは、アジアのインディーシーンがもはやローカルな出来事ではなく、世界中のリスナーの耳と接続していることの証でもあるだろう。

そしてFujii Kazeである。彼の音楽は、R&B、ソウル、ジャズ、ゴスペル、歌謡曲、ポップスなどを自然に横断しながら、どこか祈りにも似た独特の精神性を帯びている。もちろん、日本発のアーティストが海外へ届く道筋は、Fujii Kaze以前にも切り拓かれてきた。たとえばきゃりーぱみゅぱみゅやPerfumeがヴィジュアルとダンスミュージックの鮮烈さで、ONE OK ROCKやBABYMETALがロック／メタルの強度で海外のリスナーを惹きつけてきたとすれば、それに続くFujii Kazeは、日本語の響き、独特のユーモア、ピアノを軸にしたソングライティング、R&Bやソウル、ゴスペルの感覚によって、国外のリスナーにも広く届いている。 日本語の意味を完全には理解できなくても、声の揺れ、旋律の柔らかさ、ライブ映像に映る身体の動き、飾らない佇まいから何かを受け取ることができる。コストリーミングや短尺動画によって、言葉の意味よりも先にその質感が共有される時代において、Fujii Kazeの音楽は現在のリスニング環境と非常に相性がいい。そしてそのあり方は、多様な音楽をそのまま受け入れる場としてのフジロックともよく響き合う。Fujii Kazeが苗場のステージに立つことは、日本のポップスが「アジア」の中でどのように受け取られているのかを考える上でも、象徴的な瞬間となるだろう。

もちろん、2026年のラインナップから見えるアジア的な広がりは、この3組だけに限らない。アジアン・カンフー・ジェネレーションは、日本のロックがアジア圏のリスナーにどう届いてきたかを考える上で重要な存在だし、Yo-SeaやIO、Kroiのようなアクトからは、R&B、ヒップホップ、ファンク、ポップスを横断する現在の日本の都市音楽が、アジアや海外のリスナーとも共有可能なビート感覚やメロディ感覚を持っていることが見えてくる。また、平沢進＋会人のように、ネット以後に海外リスナーから再発見されてきた日本のオルタナティブな存在もいる。さらにMitski（ミツキ）のように、アジアにルーツを持ちながら英語圏インディーの中心で支持されているアーティストの存在も、“洋楽フェス”でも“国内フェス”ではない、現在のフジロックの多層性を物語っている。

かつてフジロックは、日本にいながら世界の音楽と出会える場所だった。そこには、欧米のロックやクラブミュージックを生で体験するという意味合いが強くあったはずだ。しかし現在のフジロックは、それだけではない。アジアの観客が日本に集まり、日本のアーティストがアジアに届き、韓国や台湾、タイのアーティストが苗場のステージに立つ。そこには、欧米を中心とした一方向の“海外音楽”ではなく、アジアの中で音楽が循環し、交差していくリアルがある。 2026年のフジロックは、その変化をよりはっきりと可視化する年になるのかもしれない。XG、HYUKOH、Fujii Kazeという3組は、アジアの音楽がいまどれほど多様で、どれほど自然に国境を越えているかを示す存在だ。そして彼らを目当てに苗場を訪れる人々もまた、フジロックという場の風景を少しずつ変えていくだろう。 さまざまな国や地域の音楽、人、価値観が出会い混ざり合う場所として、フジロックは今、アジアの熱狂とリンクしながら新しいフェーズへと向かっている。

Aile The Shotaは、SKY-HIが主宰するマネジメント／レーベル・BMSGに所属するシンガーソングライターだ。BE:FIRSTを輩出したオーディション番組「THE FIRST」への参加をきっかけにその存在を知られ、2022年に“AURORA TOKIO”でソロデビュー。R&Bやシティポップス、ブラックミュージックを基調に、ダンスルーツを感じさせる身体性と、涼しげでシルキーな歌声を併せ持つ表現で、J-POPのフィールドに独自の居場所を切り拓き、若い世代からの支持を集めている。 では、そんなAile The Shotaはいま、どう語られるのか──評価や実績、キャリアの整理ではなく、街中で、現場で、偶然その場に居合わせた人たちの言葉で。本コラム＆レポートは、第三者の視線や視点を手がかりに、現在進行形のAile The Shota像を立ち上げていくという試みだ。 2ndアルバム『REAL POP 2』のリリースに向けて展開された「開花宣言」プロジェクト、渋谷の街に貼られた壁面広告、そして北谷公園で行われたフリーライブ。本人の言葉を排して他者に委ねることで見えてくるのは、更新され続けるAile The Shotaという名の“現象”だろう。

序文でも触れたが、Aile The Shotaの音楽を語るとき、ダンスをルーツに持つ事実は避けて通れない。ブラックミュージックを基盤に、R&B・HIP HOP・UKガラージ・New Jack Swingといった要素が、単なる知識としてではなく、身体感覚として音楽に落とし込まれている。 一方でその音楽は、明確にJ-POPとして機能している点にも着目。メロディは口ずさめ、フックはわかりやすい。だがその“わかりやすさ”は、コアな要素を削ぎ落とした結果ではなく、STREET由来の複雑さや黒さを、どの解像度で提示すればマスに届くのかを熟慮した“翻訳”の成果だ。

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2月18日リリースの2ndアルバム『REAL POP 2』は、その翻訳精度がさらに洗練された作品と言える。1stアルバム『REAL POP』で掲げられた「本質的でありながら、大衆的であること」というコンセプトを継承しながら、今作ではその“本質”をより開かれたカタチで提示。リード曲“開花宣言”は、80〜90年代のNew Jack Swingを取り入れながらも、決して懐古主義には寄らない楽曲に。聴く者に届くのは、文脈ではなく身体の反応。STREETの匂いを残したままJ-POPとして成立するバランス感覚こそが、Aile The Shotaを唯一無二のポジションへと押し上げている。

そしてAile The Shotaは、若手のトラックメーカーやダンサー、クリエイターなどからの支持が厚いことも付け加えたい。同年代や年下の表現者たちから語られるAile The Shota像には、強いリスペクトと同時に、どこか“良きお兄ちゃん”的な距離感がある。最前線に立ちながら、シーン全体を俯瞰できる存在。その立ち位置は、まさにSTREETとJ-POPの架け橋と言えるだろう。

『REAL POP 2』に紐づく「開花宣言」プロジェクトは、音楽のストーリーをスタジオや配信画面の外へと持ち出した。2月上旬から中旬にかけて渋谷の街に貼られた広告は、ただ目に入るためのものではない。自分の手でめくり、持ち帰ることで初めて成立する体験だった。

ビジュアルを手掛けたのは、東京を拠点とする日本のクリエイティブエージェンシー／ビジュアルプロダクションのmaxilla。そしてジャケットや広告に使用された花は、フラワークリエイターの篠崎恵美が主宰するクリエイティブスタジオ・EW.pharmacyによるものだ。約120種類＆1000個以上のドライフラワーは整然と保存されるためではなく、剥がされ、欠け、変化していくことを前提に配置。完成形を保つのではなく、街の中で姿を変えていくこと自体がデザインされていた。

その設計は、Aile The Shotaの音楽の在り方とよく似ている。一度聴いて終わるのではなく、日常のどこかでふと立ち上がる感覚。広告はプロモーションというより体験の一部であり、メジャーアーティストでありながら街に溶け込むAile The Shotaらしさが、ここでも可視化されていた。 そして2月15日、渋谷・北谷公園。この場所で行われたフリーライブは、「街にいるAile The Shota」という感覚を決定的なものにした。事前告知は最小限で、Aile The Shotaや北谷公園のオフィシャルInstagramのストーリーズに情報が流れたのは、おそらくライブの1時間前。集まったのは明確な彼のファンだけではなく、たまたまその辺りを通りかかった人、広告を見て名前を検索した人、SNSで断片的に情報を拾った人など。観客と通行人の境界はほとんど存在していなかった。

ライブが始まると、音と歌声に引き寄せられるように人が集まり、自然と円ができる。ステージと客席という分断はなく、同じ地面の上で音を共有する空間で、ダンサーとしての出自を感じさせるしなやかな動きと音源のグルーヴが、その距離感をさらに縮めていく。観ている側も、ただ眺めるのではなく、身体を揺らしながら反応。スマートフォンを構える人もいれば、友人同士で顔を見合わせながら笑う若者もいる。小学生ぐらいの子どもが、リズムに合わせて跳ねる姿もあった。

北谷公園のInstagramアカウントでも触れていたが、当日は春を感じるあたたかな気候で、河津桜が一足早い春の訪れを告げたと報じるニュースも。そんな最高のライブ日和の中でAile The Shotaは、彼の人気ソング“jelly”と“foolish”を気持ち良く歌い上げ、さらに「今日お酒は飲めないけど好きな飲み物がある」という間奏のくだりから、『REAL POP 2』収録の“りんごじゅーす”、そしてリードシングル“開花宣言”を披露。さらにラストは「もう1曲やっちゃおうか」というノリで、こちらも新作から“ShyなBaby”を初々しく届け、ライブはハッピーな雰囲気で幕を閉じた。

改めてAile the Shotaのこれまでの歩みを振り返ると、オーディション番組をきっかけに多くの人に存在を知られたという出発点がある。その過程で楽曲だけではなく、人柄やこれまでの紆余曲折のストーリーに親しみを感じながら、継続的にライブや作品に触れてきた人たちがいることも確かだ。そしてそうした関わり方の積み重ねが、現在の活動に繋がっている側面もあるだろう。 一方で現在は、必ずしもキャリアや背景を共有するところから始まる出会いばかりではない。街で見かけた名前、SNSで流れてきた音、誰かが口ずさむメロディ──そうした断片的な接点からAile the Shotaを知り、文脈を追わずとも彼の音楽が印象として残る。そこでは「応援する」「物語を追う」といった構えより、もっとフラットな関心や引っかかりが先に立っているように見える。

その感覚は、北谷公園でのゲリラライブの光景とも重なっていた。最前列に集まっていたのは、以前から彼の音楽に触れてきた人たちだけではない。通りがかりに足を止めた人、たまたま耳にした音に引き寄せられた人も混ざり合い、観る側の立場や距離感は一様ではなかった。STREET由来の身体性やグルーヴを内包しながら、J-POPとして自然に受け取れるキャッチーさ。その両立が聴き手を選ばないさまざまな入り口を作り、その結果、Aile the Shotaという“現象”が広がっていく。 3月からは、全国11都市を巡る「Aile The Shota Oneman Tour 2026 “キセキセツ”」がスタートする。渋谷の街で芽吹いた感覚は、別の街で、別の文脈で、また違う言葉として語られていくだろう。STREETとJ-POPを繋ぐ架け橋は、まだ完成しているわけではない。だが確実に、人々が行き交い始めている。“開花宣言”はこれからの話であり、Aile the Shotaは、その中で更新され続けていく。そして今日もまた、どこかの街角で、彼の存在は説明される前に“目撃”されている。

今回は、27日のWHITE STAGEに登場したハイム（HAIM）のフォトレポートをお届け。カリフォルニア出身の三姉妹バンド、HAIM。2013年のデビュー以来、70〜80年代のソフトロックやR&B、モダンポップを融合させた独自のサウンドで注目を集め、グラミー賞主要部門へのノミネートや数々のアーティストとのコラボレーションでも大きな話題を呼んできた。そんな彼女たちが、6月にリリースした5年ぶりのニューアルバム『I Quit』を携え、11年ぶりにフジロックのステージへ。キャリアを重ね進化を遂げたHAIMが見せた圧巻のパフォーマンスを振り返る。

今回は、26日のGREEN STAGEのヘッドライナー・ヴルフペック（VULFPECK）のフォトレポートをお届け。2011年に結成され、ロサンゼルスを拠点に活動するアメリカのファンクバンドであるVULFPECKは、インディペンデントな姿勢を貫いてきた。Spotifyでリリースした無音アルバム『Sleepify』の収益を活用し、2014年には入場無料のツアーを実現。さらに2019年には、マネージャーやメジャーレーベルの後ろ盾を持たずにマディソン・スクエア・ガーデンを満員にするという快挙を成し遂げ、現代ファンク・シーンを代表する存在となった。そんなVULFPECKが初来日にしてフジロックのヘッドライナーとして登場。圧巻のグルーヴと観客との一体感に包まれたステージを振り返る。

26日（土）GAN-BAN SQUAREにはAAAMYYYが登場。Tempalayのメンバーとしても知られる彼女は、DJセットでオーディエンスをリラックスさせつつ、緩やかに熱を高めていった。観客はフジロックの夜の空気に包まれながら身体を揺らし、それぞれのスタイルで彼女の選曲を楽しんでいた。

今回は、26日昼下がりのRED MARQUEEに登場した、いま勢いのあるアクトの一つ、離婚伝説。一見シニカルな名前とは裏腹に、彼らが鳴らすのは、80年代の洗練されたポップスと現代の感覚を融合させた極上のメロウグルーヴだ。真夏のフロアは、その甘美で心地よいサウンドによって一気に大人のチル空間へと変貌。透き通るような歌声と切ない旋律がステージを包み込み、観る者の胸にじりじりと余韻を残した。シーンの最前線に躍り出た彼らが、その確かな実力と世界観を証明し、オーディエンスを魅了した瞬間を、フォトレポートで振り返る。

今回は26日のWHITE STAGEに登場した、UK発の新星プロデューサー／DJ、バリー・キャント・スイム（BARRY CAN'T SWIM）。ハウスやジャズ、ブロークンビートを縦横無尽に行き来する独自のサウンドで注目を集める彼にとって、これが待望の初来日となった。煌めくビートが放たれた瞬間、フロアは歓声と熱気に包まれ、観客は次々と身体を揺らし始める。クラブとフェスの境界を軽やかに飛び越えたパフォーマンスは、WHITE STAGEを一夜限りの祝祭空間へと変貌させ、オーディエンスを完全に魅了した。

今回は、25日のWHITE STAGEに登場したエムドゥ・モクター（MDOU MOCTAR）のフォトレポートをお届け。「砂漠のジミ・ヘンドリックス」と称されるギタリスト・エムドゥ・モクター。伝統的なトゥアレグ音楽にロックやサイケデリックの要素を融合させ、アフリカ音楽の新境地を切り拓いてきた彼らが、ついにフジロックで日本のオーディエンスと邂逅した。苗場を熱狂で包み込んだそのステージを振り返る。

今回は、最終日27日のGREEN STAGEに登場し、UKヒップホップを語る上で、いまや欠かすことのできない存在となったリトル・シムズ（LITTLE SIMZ）。2021年の『Sometimes I Might Be Introvert』で世界的評価を不動のものとし、類まれなリリックとソウルフルかつ鋭いフロウで、シーンの枠を軽やかに飛び越えてきた。そんな彼女がついにフジロックのグリーンステージに降臨。キャリアに裏打ちされた圧巻のステージングと、観客を鼓舞するパフォーマンスで、ヒップホップというジャンルの枠組みを超えた“表現者”としての真価を見せつけた。

今回は、26日深夜のPyramid Gardenに登場した賽のフォトレポートをお届け。Suchmosの鍵盤奏者、TAIHEIを中心に、佐瀬悠輔（tp）、岩見継吾（b）、松浦千昇（Dr）ら実力派4名からなる賽は、ジャズを中心に多様な音楽性を取り入れ、各地でのライブツアーがソールドアウトとなるなど独自の存在感を放ちながら人気の幅を広げている。NAGAN SERVER、Daichi Yamamoto、YONCEらスペシャルゲストとのセッションも話題となった、ドラマチックなステージを振り返る。

2025年7月25日（金）・26日（土）・27日（日）の3日間にわたって開催された＜FUJI ROCK FESTIVAL ’25＞（以下、フジロック）。Qeticでは、フジロックに出演した注目のアーティストのライブにフィーチャーする恒例企画「振り返るフジロック」を今年も掲載する。 今回は、DAY1のWHITE STAGEでヘッドライナーを務めたSuchmos。 彼らにとっては4回目のフジロック（2014年・ROOKIE A GO-GO、2016年・WHITE STAGE、2018年・GREEN STAGE）であり、2021年から2024年までの活動休止期間を経て、再始動後で初となるフェスが思い入れの深いフジロックの舞台となった。6月21日・22日に横浜アリーナで開催した5年8ヵ月ぶりのライブ〈Suchmos The Blow Your Mind 2025〉の余韻が覚めやらぬ中、WHITE STAGEの大トリで苗場に帰ってきたSuchmosが見せた現在地とは？ ライブ当日の昼に実施したインタビュー（YONCE、TAIHEI、山本連）の言葉も織り交ぜながら、あの熱狂を振り返ろう。

フジロックのDAY1が終盤を迎えた22:00。WHITE STAGEに示し合わせたような白光に照らされ、それぞれの定位置に付いた6人のシルエットがステージ上にぼんやりと浮かぶ。7年ぶりの苗場への帰還。Suchmosが登場した瞬間、観客は特大の拍手と歓声で出迎える。それは彼らが活動休止を経て、再びフジロックに帰ってきてくれたことに対する万感の想いの顕れだった。 待ち望んだ登場曲は、1stアルバム『THE BAY』収録の初期ナンバー“Pacific”。このスタートは、横浜アリーナの復活ライブと同じだ。ただし、苗場の大自然の空間に広がっていくYONCEの歌声は、横アリの室内とはまた違った機微があり、楽器陣の奏でる音色も情緒が増している。いつしかステージ上はオレンジのライトとスモークに変わり、視覚的にも温度を帯びた開幕だ。

2曲目は、再始動後にリリースされたEP『Sunburst』の新曲で“Eye to Eye”。ここで全体のライトがONになり、メンバーがはっきりと姿を表す展開も横アリと同じだが、ひとつ異なる点はYONCEが“モヒカン”になっている。復活後のジャケ写やライブでのアンニュイな髪型とは異なり、ソリッドな短髪になったYONCEの姿は“あの頃”を彷彿とさせるもので、これは思い込みかもしれないが、フジロックに合わせてきた演出なのではと想像した。そして歌い始めてすぐ、スクリーンに映し出されたYONCEがニヤリと笑いながら中指を立てたとき、それは確信に変わる。今日このステージに立つYONCEは、言葉を選ばなければ、知る人ぞ知る“ヤンチャ”なYONCEだ。 【Interview】 ──YONCE：人が変わったのはもちろんあるけど、やり方は別に変わってない。いろいろ曲を作って新譜も出したけど、その過程でどうなるのかを今はみんなで楽しんでいる感じ。活動休止をしている間にみんなが吸収してきたものをうまく持ち寄れている状態だし、この6人の集まりから何が出てくるのか、何がやれるのかをわかったのが、横アリまでの期間だった。 Suchmosの現在に触れた“Eye to Eye”の余韻に浸っていると、新加入したベース・山本連の重厚なリフが腹に響く。ここで一気にボルテージを上げて、“DUMBO”に突入。さらっと書いたが、Suchmosにとって再始動後に合流した山本連の存在は、何よりも大きな変化だろう。

【Interview】 ──山本連：自分に関してはゼロからだし、ここまでの期間はパッと言葉にはできない。余韻に浸るとか思い返す間もなくバババっと来ているので、まだ消化しきれていない。 横アリのライブレポートでも触れたが、SuchmosというバンドにとってHSUという唯一無二のベーシストの存在、そして彼との別れという深い喪失を乗り越えての今がある。その今を支えているのが、Suchmosというバンドが始まる前の10代の頃からメンバーのことを知り、HSUと同じ洗足学園音楽大学のジャズ科出身（年齢的にはHSUの1個下）の山本連。関係性的にもスキル的にも、Suchmosのベースを任せられるのは彼しかいないことをメンバーも証言している。 【Interview】 ──TAIHEI：再始動後の変化で言えば、やっぱり連くんが入ってくれたことが一番でかい。振り返ると、連くんに初めてリハスタに来てもらったときが、俺らも活動休止後に（合奏するために）集まる最初のタイミングだった。ただ俺らも雑というか、その時点で連くんに2・3曲しか渡していなくて、（インタビューで）座っているような位置関係で、俺が左手で次ここみたいな感じだった。Suchmosはベースの比重が高いバンドで、連くんからしたらいきなりリフやキメとかが鬼のように飛んでくる感じで最初から大変だったと思うけど、そのスタジオで演奏しているときもそうだし、一緒に煙草を吸っているときも、連くんは一緒にいる空気感が自然だった。 ──YONCE：俺らは下北沢のGARAGEからだけど、連くんはSuchmosの初ライブがいきなり横アリで、次がフジロックでWHITEのトリ。きっと意味わかんないよね。 この日も“DUMBO”をはじめ、ベースが主軸を担う楽曲での山本連の存在感は格別。彼のSuchmosというバンドとのフィット具合は、TAIHEIの言うようにあまりに自然だ。さらに再始動後は、バンドとしての新鮮なセッション感も、ライブのあらゆる場面から伝わってくる。 YONCEが「7年前にやり忘れた曲をやります」と観客に告げ、聴き慣れたOKのドラムとKaiki Oharaのスクラッチで始まったのは……“STAY TUNE”！ 彼らの代表曲とはあえて言わない。それでもファンにとっては、フジロックで一番、聴きたかった曲なのかもしれない。

【Interview】 ──YONCE：さっき思い出したのは、前回出演したGREEN STAGEでのライブの前日にいろいろあって……だから実はライブ中、けっこう上の空というか、あんまり何も覚えていない。あのときはブルージーだった。ライブはたしか60分で7曲とかで、“STAY TUNE”もやらなかったし。でも今回はみんなが観たいものを見せたい。オトナになったのかな。 前回のフジロックで“STAY TUNE”を演奏しなかったことは一部で物議を醸したようだが、それはヒットソングに縛られない彼らなりのアティテュードだと当時は解釈していた。それでも今のSuchmosはそれすらも柔軟に考えられる、肩の力の抜けた成熟味がある。“STAY TUNE”を終えたあとの「はい、カバーでした」というYONCEの言葉は、彼なりの照れ隠しなのかもしれない。

フジロックでの“STAY TUNE”というミッションをこなしたあとの“808”は軽快で、メンバーたちの笑顔も見られる。そしてこの曲を終えたタイミングで、最初のMCタイムに。 「2018年ぶりですね。だからちょうど俺ら紀元前2年ぐらいから活動してるから……ハハハハハ！ すみません、わけわかんないこと言っちゃった。2018年に出させてもらって7年ぶりのSuchmosです。初めましての人も待ってたよの人も、ありがとうございます」（YONCE）

事前インタビューで、YONCE、TAIHEI、山本連はセトリについてこう語っていた。 【Interview】 ──TAIHEI：昔の曲を今回のために新しくアレンジしたものもある。そういう冒険もセトリに入っているし、ちゃんと体力を使う。今回のセトリはみなさんお好きだと思いますよ。 ──山本連：横アリより曲数は少ないけど、体感的に物足りない感じは全然ない。 ──YONCE：横アリの準備があったので、そこから選ぶ曲はもちろんあったし、そこではやらなかったけどフジロックではやりたいっていう曲もあった。今回はそれらがうまく合わさったセトリになっていると思う。それに90分っていう制限時間いっぱいをもらったので、俺らとしても満足できるものにしたいし、お客さんにもきっと楽しんでもらえるんじゃないかな。 彼らが語るそれらの言葉は、すべてを聴き終えたあとに深く同意することになる。 ここからは、夜のとばりに似合う楽曲が続く。まずは、Suchmosというバンドを世に知らしめた『THE KIDS』（2017年）収録の2曲。色気のあるファンクトラック“BODY”は、TAIKINGのカッティングとTAIHEIの鍵盤のアンサンブルが色気たっぷりで、続く“PINKVIBES”もWHITE STAGEに詰めかけた“揺れてたいhomie”たちの気持ちを汲むグルーヴィーなサウンドだ。 さらにそこから、『THE BAY』（2015年）収録の郷愁を誘う“Alright”へ。YONCEは親指と人差し指で輪を作る“お金”のハンドサインをしながら、カメラを直視して“金が全てだ 働けアリンコ お前の気分に 惑わされたくない 金は全能か？無職はゴミか？ お前の基準に 踊らされたくない”と叫び、“戦争は儲かるか？平和はゴミか？”の部分では、ふたたび中指を立てて挑発する。

続くMCで、「しかし相変わらずいいフェスだね」とオーディエンスに話しかけるYONCE。ここで改めての紹介を受けたベースの山本連も、「最高！楽しんでますか？」と手短かに挨拶する。彼らにとってもフジロックが特別な場所であることは、インタビューでも教えてくれた。 【Interview】 ──YONCE：来るたびに感じるのは、フジロックはすごく手厚いフェスだということ。素晴らしい景色の中でライブができるって、こんな贅沢が許されるのかって毎回思う。いちお客さんとして会場に紛れ込む時間も最高だし、たまたま足を止めたところで素晴らしいライブが行われていて、それと並んで自分たちのアクトもある。フジロックという輪に入れてもらえてありがたいし、光栄だなって。 ──TAIHEI：昨日は前日リハをWHITE STAGEでやらせてもらえて。それはもう贅沢な遊びで気持ち良かった。あとは昨日みんなでWHITE STAGEの裏に行ったときに、漫画の『BECK』でバンドが日本のフェスに帰ってきたときの画が自分の中でフラッシュバックして。今の自分たちの状況とどこか近いような感覚があって、ずっとエモかった。 ──山本連：自分はフジロック自体が初めてで、客としても来たことがない。昨日の前夜祭もちゃんと参加できていないから、まだフジロックの空気感もわからないし、WHITEのトリがやばいのかどうかもあまりわかっていない。でも今夜のライブはありのままの自分でやりたい気持ちなので、あまり事前に情報を得ないように、インプットしないようにしていた。

「あと50曲ぐらいやって帰ります」という、YONCEの言葉に沸き立ったあとの後半戦は、新作EP『Sunburst』の先行配信曲“Whole of Flower”でスタート。浮遊感のあるTAIHEIのコード進行とOKの正確なダウンビート、Kaiki Oharaの印象的なスクラッチ。曲の輪郭を描く山本連のベースとTAIKINGの余韻を残すバッキング。それらの上で“Sadness is not gone in my head but 笑おう ただの1日を”とYONCEが歌う1曲は、改めて素晴らしい今のSuchmosだ。 続いて披露された『Sunburst』の新曲“Marry”は、YONCEがアコースティックギターを弾きながら歌う直球の歌詞が、再始動後のSuchmosの変化を感じさせる曲。ロックもブルースもフォークも、さまざまなジャンルの音楽が鳴り響くフジロックという場によく似合っていた。 オトナの雰囲気を漂わせたと思いきや、ここからラストに向けて、悪ガキ乗り全開の“To You”（新作EP未収録の新曲）でギアを上げる。YONCEはタバコを吹かしながら「くれよ真実だけ」「お前らしくいてほしい」とシャウト！ TAIKINGのギターソロはこの日もキレキレだ。

ライブ終盤は、横アリではやらなかった“A. G. I. T.”でまずファンを喜ばせると、“VOLT-AGE”でその熱量をキープ。そして、骨太なチューンが続いたあとの“YMM”が気持ち良すぎた。ステージを闊歩し、自由に踊り、白目を剥くYONCE。演奏陣も顔を合わせて笑顔を浮かべた。 そしてYONCEが「EPツアー」というワードを連呼したあと、2014年のROOKIE A GO-GOの思い出を振り返りながら、“このあともつつがなく、楽しく、気持ち良く、しあわせに過ごせることを祈ります。Suchmosでした。ありがとうございました」という言葉に続き、本編ラストで届けられたのは“Life Easy”。Suchmosにとって、2015年リリースの1st E.P.『Essence』に収録されたバンドにおける原点とも言える曲であり、活動休止前の〈“Suchmos THE LIVE” YOKOHAMA STADIUM〉、そして再始動後の〈Suchmos The Blow Your Mind 2025〉でも大トリを務めた曲だ。 やさしいメロディと言葉が場内に広がる。途中、YONCEは「みなさんの音楽との距離はいかがですか？」と観客に問い、フリースタイルの歌唱で「楽しいーーーー！」と叫ぶ。 【Interview】 ──YONCE：フジロックはどう楽しんでもOKなところが魅力。ほかのフェスって意外と導線がきっちりしていて、ステージに人が向かうような流れになっているけど、フジロックはそれすらも強要されない。川に入りながら遠くから聞こえる音楽がなんかいいなとか。単純にステージに向かうだけじゃない、音楽と自分の“いろいろな距離”を教えてくれるフェスだと思う。 今回のフジロックでSuchmosが披露したセトリからは、昔から応援してくれるファンも、新たに知ったファンも、誰も取りこぼさないという彼らのやさしさを感じた。もしかしたらそれも、彼らの成長と呼ぶのかもしれない。大充実で大満足の本編はそうして鮮やかに幕を閉じた。

メンバーが舞台袖に捌けても、オーディエンスの拍手がやまない。聴きたい曲がたっぷり盛り込まれたワンマンレベルのライブを観られても、感動と興奮がアンコールを求めてしまう。 結果、彼らは戻ってきてくれた。「1曲だけ付き合ってください」と始まった“GAGA”。この曲が本編に入っていなかったのが不思議な、付き合うという表現では収まらない、最高のダンスナンバーだ。この曲、この時間を共有せずに、WHITE STAGEを去った人はお気の毒でしかない。

「どんなノリだ、フジロック！」（YONCE） 煌びやかなレーザーが交錯するステージで、この日一番と言っていいほど、メンバーそれぞれが自由に演奏し、自由に歌い、自由にタバコを吸い、自由に踊っている。そんな彼らの姿を見て、フロアの観客もタテでもヨコでも構わないノリで、ひとりひとりが好き勝手に揺れている。 「木々へ感謝を。ゆくゆく木々に感謝される人間になりたいと思います」（YONCE） YONCEは最後まで掴みどころのないセリフを残し、グランドフィナーレ。 Suchmosのフジロックへの帰還は、彼らの過去・現在・未来を繋ぐようなライブだった。この内容でケチをつける者はいないはず。過去の自分たちを回収した上で、“新たな現在地”を提示したライブだったと思う。同時に、Suchmosが再始動のフェスにフジロックを選び、WHITE STAGEのヘッドライナーを務めたのは、“自分たちの音楽はこれから先も続いていく”という意志表明でもあったように感じる。変わるもの、変わらないもの──そのすべてがSuchmosだった。