音はどこにでもある。都市の雑踏にも、静まり返った部屋の中にも。カナダの作曲家R・マリー・シェーファーは、私たちを取り巻くそうした音の総体を「サウンドスケープ（音の風景）」と呼んだ。ただ、同じ音に耳を傾けていても、そこに浮かぶ風景は人によって違う。音の風景とは、耳に届く音そのものであると同時に、それを聴く人の心が描き出すものでもあるはずだ。 2026年10月3日・4日の2日間、長野県・野辺山高原で開催された＜EACH STORY -THE CAMP- 2026＞（以下、＜EACH STORY＞）は、高原に鳴る音の風景と、来場者それぞれの心象風景が織り重なる、ほかに類を見ないイベントだ。会場は八ヶ岳の麓、標高1350mに広がる五光牧場オートキャンプ場。天然芝の広がるフィールドの周りを白樺の森が囲み、池のほとりに設けられたステージ前には、来場者がテントやチェアを広げ、思い思いの場所で音楽とともに過ごす。そんな、自然と音楽が地続きになったフェスとなっている。 白樺の葉を揺らす風、池の水面のさざめき、ステージから届く旋律。それらが溶け合ったとき、生まれるのは、"EACH STORY"の名が示すとおり、聴き手の数だけある物語だ。本稿では、主催を務める大形純平とイチコ、音のキュレーションを担当するShhhhhの3名に話を訊きながら、この場所で鳴っていた音の風景をたどっていく。

＜EACH STORY＞をまだ訪れたことのない人からすると、まず目を引くのはその意外性のある出演アーティストたちの顔ぶれだろう。フェスといえば、誰もが知るヘッドライナーが並び、大合唱やシンガロングが起こる。そんな盛り上がりこそが醍醐味だと考える人も少なくないはずだ。だが、＜EACH STORY＞はそうではない。Marihiko Hara TrioやGoldmund、Jim O’Rourke × 石橋英子、そしてFenneszのような一見室内環境で聴くのに適していそうな音楽家たちだけでなく、Suso Saiz、COLA REN、Kaoru Inoueといった自然の音しか聞こえない静謐な空間でこそ響くアーティストまで名を連ねている。 一方で、ラインナップに共通している部分もある。それはステージ前の池や白樺の森、高原の風といった、その場の風景に「馴染む」音であることだ。こうしたラインナップが実現している背景には、＜EACH STORY＞の発起人である大形純平のある思いがあった。

「普段のフェスやレイブは、盛り上がる、踊るというところにフォーカスしたイベントが多いじゃないですか。でも僕の中では、自然の中で心地いい音楽を聴きたいというのが第一にあって。その場で聴いたら心地いい音楽を集めた、踊るでもなく、盛り上がるでもないイベントをやりたいとずっと思っていたんです」（大形） 1978年、ブライアン・イーノは『Music for Airports』に寄せた文章で、アンビエント・ミュージックを「無視することもできれば、興味深く聴くこともできる音楽」と定義した。聴き手に熱狂を求めるのではなく、その場の空気の一部としてそこにある音楽だ。大形の言う「踊るでもなく、盛り上がるでもない」フェスは、その考え方を、ステージと観客という構図そのものにまで広げようとする試みと言えるかもしれない。 大形の視点がさらに興味深いのは、そうした音楽を鳴らす「場所」にまで目を向けている点だ。 「環境音楽って、室内で聴く音楽だと思われがちですよね。でも、いわゆるフェスに出ているロックやテクノのミュージシャンより、自然の環境に近い音楽を作っていると思うんです。景色を見ながら、たとえば秋の風を感じてそれを音にしようとしている。そういう音楽を自然の中で聴くというのが、僕の中ではすごく面白くて」（大形）

この構想を最初に打ち明けた相手が、テクノDJとして長年レイブの現場に立ってきたShhhhhだった。2人を結びつけたのは、意外にもある“子どもの音楽”だったという。 「一緒に何度か仕事をするなかで、テクノのDJなのに、子どもが聴くような音楽でもかっこいいものをすごく知っていて。その話をしたら『俺も大好き』という感じだったから、この人なら理解してくれるかもしれないと思って声をかけたんです」（大形） その音楽を体現しているアーティストが、開催1年目のトリを務めたロバの音楽座だった。自作楽器やルネサンス期の古楽器を用い、NHK教育テレビの番組音楽なども手がけてきた楽団だ。「そんなマニアックなものを2人でやってるの、ヤバいでしょって。そんなこと言えるの、たぶん僕らだけ」とShhhhhは笑う。 かく言うShhhhh自身も、こうしたフェスをずっと求めていたひとりだ。 「DJとしては、レイブといえばテクノ、世代で言えばトランスだったんですけど、こういういい音楽を野外で聴いてもいいじゃん、と。ありそうで、自分たちが行きたいものってないよね、という感覚がありました。レコード屋もやっているので、日本や世界のフェスに出るラインナップがある程度決まっているのも見てきた。だから最初から『これ、野外で聴いたらいいよね』という提案の仕方をしていたんです」（Shhhhh） 2人にとって、ひとつの転機となった瞬間がある。大形がどうしても招聘したいと考えていたという阿部海太郎が出演したときのことだ。 「クラシックの感じを野外で聴いて、テクノを聴いている僕の仲間たちがみんな寝っ転がって、幸せそうにしている。あれは僕の中で、次のステージに行った瞬間でしたね」（Shhhhh）

ラインナップと並んで、＜EACH STORY＞を特別なものにしているのが、音楽が鳴る空間のつくり方だ。メインステージの前には池が広がり、ステージに張り付いて観る最前列は存在しない。 「ライブに行っても、後ろのほうでお酒を飲みながらゆるっと観るのが好きなんです。だったら最前列をなくしてしまえば、全部がそういう空間になるんじゃないかと思って」（大形） 実際、会場の一角にあるハンモックのエリアに寝転んだり、チェアに身を沈めたりする来場者の姿も。それぞれが好きな姿勢で、音楽に身を委ねる景色が広がっていた。

この発想の原点には、大形がかつて仕事を共にしたデヴィッド・マンキューソの存在がある。1970年にニューヨークで始まったパーティ「The Loft」の主宰者として知られ、音響への徹底したこだわりで、のちのクラブカルチャーに大きな影響を与えた人物だ。 「サウンドチェックのときは、全員がその場から一歩も動けないくらいの緊張感で音を決める。でも本番前には『音はもう完成したから、あとは普段どおりにやってくれ。皿を落として割れた音も俺のサウンドになるから』と言うんです。それがすごく勉強になって。ここでも、子どもが遊んでいる音や犬が鳴いている声が、なんとなく自然に馴染んでくる。音が前面に出てくると雑音になってしまうけど、いい具合に混じり合うと、そうはならないんです」（大形） 音楽を静かに聴くことを、観客に強いるのではない。話し声も、子どもの笑い声も、すべてを許したうえで、それらが音楽と混じり合う瞬間を待つ。その考え方は、人の気配だけでなく、高原にもともとある音にも向けられている。「River Stageの奥を流れる川の音も、すごくハマってますね」とShhhhhが言うように、ここでは自然の音もまた、ステージの音楽と響き合うもうひとつの演奏者になる。 音が混じり合う空間を支えているのは、こうした考え方だけではない。音響もまた、空間演出の重要な一部だ。メインステージで鳴らされるのは、国産のTaguchiのスピーカーだ。こだわりのクラブやリスニングバーで愛用され、音楽好きのあいだでは言わずと知れた存在。＜EACH STORY＞は始めた当初からこれを使い続けている。

「Taguchiのスピーカーは、本当に丸い音がするんです。包み込むような音なので、僕らがやるイベントにいちばん合うのはTaguchiだろうと思って」（大形） 「『Taguchiですよね』という会話すらなく、自動的に決まっていた」とShhhhhが振り返るように、2人にとってほかの選択肢はなかった。 今年からメインステージは、Taguchiのスピーカーに加えてATL INCの協力のもと、Meyer SoundのスピーカーとATL INCのアナログ卓を採用しさらに音の深さを実現している。 一方のRiver Stageは、当初から実験的なステージとして構想されてきた。音響を任されているのは、ミュージシャンでありレコーディングエンジニアでもあり、自らスピーカーを作ってしまうパードン木村。そのスピーカーは、ペットボトルを用いた独自のものだ。今年、このシステムでメインオペレーターを務めたのが、坂本龍一の『12』や『Opus』などを手がけてきたサウンドエンジニア、ZAKだった。 「去年、パードンさんから『アシスタントを連れて行ってもいい？』と相談されて、名前を聞いたらZAKさんだったんです。それがものすごくよくて、今年はZAKさんに、パードンさんのシステムを使ってメインオペレーターをお願いすることになりました。まったく想像していなかった展開です。この先もそういうことが起こるんじゃないかと、ワクワクしています」（大形）

手づくりのペットボトルのスピーカーから、名だたるエンジニアの手で音が放たれる。イメージを超えた出来事が、この場所では次々と起こっている。 そして、音だけでなく、空間そのものを風景に「馴染ませる」ことを大切にしているのが、空間演出を担うイチコだ。 「この場所はとにかく景色がいいので、まずはそれを壊さないことを考えました。派手にはせず、風景に馴染むようにしたかったんです。私はイベントの仕事をしてきたわけではないので、こういう場所ではあまり使われない素材を選びました。紙やペットボトルのような異素材を組み合わせて作っています」（イチコ） 景色を壊さず、そこにあるものを活かす。その姿勢は会場の随所に表れている。池のほとりのメインステージも、もとからあった土台を活かし、その上に組み上げたものだ。木材で作られたステージは、アーティストが上る階段に至るまで丁寧に作り込まれている。夜になると、照明チームが池の水面を反射板代わりにしてテントへと光を映し出し、景色そのものを演出の一部に変えていく。

装飾には、会場に生えている植物や倒れた木も取り入れられている。River Stageでは、パードン木村のペットボトルのスピーカーに合わせて、同じ素材でシャンデリアを模したオブジェを制作。その上空には、空師の仲間の手で15mの高さに張られた、オーロラのような光沢のタープが浮かぶ。なかでもペットボトルのオブジェは、完成する直前まで手応えがつかめなかったという。

「作っているあいだは、本当にゴミにしか見えなくて。完成しないと試すこともできないので、ずっと不安なまま進めていました。でも、ほぼ出来上がった段階で外に吊るしてみたら、すごく光を放ち始めたんです。想像以上の仕上がりで、ようやく安心できました」（イチコ） 白樺の森や倒れた木のそばに、ペットボトルのオブジェやオーロラのタープが並び、その間を人が行き交う。川の音や子どもの声と音楽が混じり合うように、ここでは有機物と無機物、そして人間までもが、互いを排除することなく共存している。それはひとつの生態系のありようを映し出しているようでもある。

大形がこの会場を選んだとき、思い描いていた光景がある。 「芝生の斜面を、寝転がったり椅子に座ったりしているお客さんが埋め尽くす。そんなイベントになればいいなと、最初から想像していたんです」（大形） 芝生に寝転び、空を見上げながら音楽を聴く。それはステージを「観る」というより、音楽の流れる景色の中で時間を「過ごす」ことに近い。多くのフェスでは、気づけば誰もが同じ方向を向き、同じタイミングで手を挙げている。ステージから目を離すことに、どこか後ろめたさを覚えた経験がある人も少なくないはずだ。ここでは、そんな空気とは無縁でいられる。音楽に聴き入る人の隣で、誰かが小声で語らい、誰かがうたた寝をしている。散歩する人、ベンチで本を読む人、遊び回る子どもたちが自然に共存する公園のように、ここは誰に対しても開かれている。人が集まる「場」とは、本来こういうものだったようにも思える。 大形が思い描いたのは、そうした過ごし方が当たり前に許される風景だった。その風景は去年ようやく現実のものとなり、今年もまた、斜面は思い思いに過ごす来場者で埋め尽くされた。 実際、来場者の顔ぶれも年々広がっているという。家族連れも、ひとりで訪れる人も少なくない。盛り上がることを前提としないからこそ、誰かと一緒でなくても、子どもを連れていても、それぞれに居場所がある。＜EACH STORY＞が掲げてきた「大人のための」という言葉も、年齢で線を引くものではなく、互いの過ごし方を尊重し合える場であることを指していたのだろう。

今年は、タイムテーブルの組み方にも新たな試みがあった。それまで2日間を通して同じ色合いで組んできた構成を、1日ごとにテーマを変えて組み立てたのだ。 「1日目は深く沈んでいくような音楽で固めて、2日目は逆に開けていくような流れにする。物語のように、最後はハッピーエンドになるような組み方ができたら面白いんじゃないかと思ったんです」（大形） DJがひと晩のセットに起伏をつけるように、あるいはアルバムの曲順がひとつの流れを描くように、2日間のタイムテーブル全体でひとつの物語を紡ぐ。標高1350mの高原では、日が傾くにつれて光も空気も大きく表情を変えていく。その移ろいに音楽を重ねていく構成は、景色と音楽の関係を何より大切にしてきた＜EACH STORY＞だからこその発想だ。

そして大形の視線は、すでに野辺山の外にも向かっている。＜EACH STORY＞の出演アーティストを中心に行われた東京公演＜Urban Echoes＞では、Goldmund、Suso Saiz、Fennesz、KMRUのライブを実施。大自然の中で聴くことを掲げてきたフェスが都市へ向かうのは、一見すると逆説的に思える。だが、大形にとってのテーマは「自然」そのものではない。音楽と場所の関係にある。 「僕がやっていきたいのは、この音楽をどの場所で聴きたいか、ということなんです。都会なら都会で、聴きたい音楽は変わってくると思う。だからこそ、都会の中でやるのも面白いんじゃないかと考えています」（大形） 「東京は東京で、自然がテーマとは違う形の面白いものができるかもしれない」とイチコも期待を寄せる。一方のShhhhhは、これからについてこう語る。「シンプルに、いい音楽を世に広げていく。それだけなんですよ」

音はどこにでもある。けれど、その音がどんな風景として立ち上がるかは、どこで、どのように聴くかによって変わる。高原を渡る風、池のさざめき、子どもたちの声、そしてステージから届く旋律。そのすべてを受け入れるこの場所で、来場者はそれぞれの物語を持ち帰っていく。＜EACH STORY＞が描く音の風景は、これからも場所を変えながら、新たな物語を紡いでいくのだろう。

9月の大型連休“シルバーウィーク”は、各地でさまざまなイベントが開催される時期。今年もそのひとつとして、岐阜県中津川市の［中津川公園］にて、音楽フェスティバル《中津川 WILD WOOD 2026》が開催された。 事前の天気予報では悪天候の見込みが出ていたものの、初日は汗ばむ暑さのある屋外フェス日和となり、ユニコーンを筆頭に10-FEETや東京スカパラダイスオーケストラなど、いずれも音楽イベントの顔的ミュージシャンが大いに会場を盛り上げてくれた。公園内では芝生にレジャー・シートを敷いてライブを観ることができ、また近くにはキャンプ・サイトもあるため、初日のテンションそのままに、2日目に向けて宿泊も楽しむというファンも少なくない。 そうして迎えた2日目もやはり予報は芳しくなかったのだが、またしてもフェス日和な好天に恵まれた。3つあるステージでは10時台のオープニング・アクトを皮切りにパワフルなパフォーマンスが始まり、オーディエンスも思い思いに大自然と音楽を一緒に楽しんでいる。野外ライブならではの光景だ。自然のなかでの音楽祭ではあるが、もちろんどのステージでもロックなサウンドが鳴り響く。その刺激的なトーンを生み出す中核となるのがギター・サウンドで、古今東西多くのギタリストが手にしてきた王道モデルと言えるのがギブソン製ギターであり、それはこの中津川 WILD WOODでも同様だ。 出演する多くのプレイヤーがギブソン・モデルを使用したほか、“Gibson Presents”ステージ、展示・試奏エリア、ギブソン・クロストークなど、会場のさまざまな場所でギブソンのサウンドと魅力を体感できる2日間となった。

出演する多くのバンドのプレイヤーがギブソン・モデルを使うなか、特に目を惹くプログラムとなったのが、“Gibson Presents”と銘打たれた竹内アンナのステージ。

小高い丘の傾斜を利用した“PARK LIFE”ステージに登場した彼女は、さまざまなスタイルの曲をプレイするシンガー・ソングライターだ。今回はバンドを従え、自身は愛用のエイジング加工が施されたギブソン・アコースティックの最高峰 Murphy Lab 1942 Banner J-45 Light Aged を構える。そして優しいストロークから「RIDE ON WEEKEND」が始まった。柔らかなアコースティックの響きは芝生に囲まれたこの環境にピッタリで、しかもJ-45は高音のきらびやかさも特徴のギターなので、バンド・セットでも決して埋もれないトーンを紡ぎ出してくれる。カッティングも軽快だ。

“今日は全部ギブソンです。そこも注目して観てください！”と語ったように、ステージはギブソン・モデルで溢れている。 竹内だけでなく、ES-335 50s を手にしたリード・ギターの谷川正憲はもちろん、ベーシストもノン・リバースの Thunderbird を使うなど、ギブソンにこだわった布陣である。当然竹内もそうで、続く「琥珀色の街、上海蟹の朝」（※くるりカバー）ではフル・アコースティック・モデルの ES-330 を使い、パキッとしたクランチ・トーンと甘い歌声のコントラストで、オーディエンスを魅了していく。本曲はギブソンの公式カバー動画シリーズ《Replays》で披露した思い入れのある一曲で、ギターのラインナップもそのときと同じだ。

その後も“色も好きで自分も嬉しくなれる。力強さも繊細さもどっちも出せる”と語ってくれたクラシック・ホワイトの Les Paul Standard を使った「サヨナラ」、「Free! Free! Free!」では強めのクランチによる刻みやカッティングを披露し、それに合わせて客席もダンサブルに盛り上がっていった。

ラストは Murphy Lab 1933 L-00 Ebony Light Aged を手に「ALRIGHT」を弾き語りでプレイ。ボディ・サイズの小さい同モデルは彼女にピッタリで、それでいてタイトで前に出る音色につき、素早いストロークも絡む本曲との相性も最高だ。“屋外だと自分の声もギターの音も、遠くまで飛んでいくようでとても気持ちよかった！　皆さんが純粋に音楽を楽しんでいるのが伝わってきて、全員でいい休日が作れたと思います！”という彼女の言葉どおり、昼下がりの青空がとても似合うライブとなった。

Gibsonの公式サイトでは、中津川で繰り広げられたライブの模様や、会場の熱気をたっぷりと収めたスペシャル・レポートを公開中！アーティストたちがGibsonギターとともに届けたステージを、写真とともに振り返ることができる。ぜひ本編をチェックしてほしい。 本編はこちら

その多角的な才能で異彩を放つMELRAW（メルロウ）こと安藤康平。唾奇やIOらと披露した＜FUJI ROCK FESTIVAL '26＞でのパフォーマンスも記憶に新しいが、その活動の場は、ジャンルやシーンを飛び越え、縦横無尽に広がり続けている。国内外の最重要アーティストからの信頼を集め、ストリートから巨大なポップスシーンに至るまで国内外の現場をつないでいる彼は、今なにを見つめているのか。長らく共にしてきた音楽、そしてFUJIFILM『NATURA CLASSICA』をはじめとするフィルムカメラで残してきた写真をキーに、その一端を覗いてみた。

――ここ数年の安藤さんはあらゆるジャンルを横断しながら新しい流れを生み出すキーパーソンとしての存在感が増している印象があります。 わりと音楽的にも雑食なので、一緒にやりたいと言ってくれるところにはJ-POPからブラックミュージックまで、どこにでも飛び込んできたという感じです。ここ最近はヒップホップの現場が多いですね。日本におけるヒップホップのライブって、DJとラッパーだけというのが主流でしたが、ここ2、3年くらいで少しずつバンドでライブをする流れができているんじゃないかと思っています。自分がバンマスになってメンバーを集めて、アレンジをしてショーに持っていくので、参加する現場ひとつひとつを自分ごととして向き合っている感覚はありますね。 ――MELRAW名義での活動をはじめ、自身の作品だけでなく、さまざまな現場でプロデュースにも携わっていますよね。もともと、そうした役割は好きだったのでしょうか？ タイプとして、根っからプロデューサー気質みたいなところはあるんじゃないかなって自分でも思います。レコーディングなんかでも、みんなが「どうしようか」って腕を組んでいるときに横から口出ししてみたり。関わりたがりなんですよ。

――そうした中で、人と現場とをつなぐハブ的な役割も意識的にやってきたんですか？ カッコいい人が好きなんですよ。見た目もそうだし、音楽的にも。そういう人を見つけたら、たとえ自分の仕事がなくなっても「こいつすげえから」と言いたい。僕や石若駿（Answer to Remember）がポップスシーンに合流するタイミングで、小川翔や宮川純、渡辺翔太のような同郷の素晴らしいプレイヤーたちをいろんな現場に突っ込んで。今やみんな第一線で活躍していて、そういう姿を見ると自分は間違ってなかったなと純粋にうれしいですね。 ――ヒップホップにおけるフックアップの精神そのものですね。 まあ、負けないように自分もがんばるんですけど、輪はデッカいほうがいいんで。仲間を増やして、やれることを広げていきながら、一生をかけて足跡を残していけたらいいかなって。これって、幸せなことですよね。

――ミュージシャンであり、アーティストであり、プロデューサーでもある。そうした多面性を、ご自身ではどう捉えていますか？ さっき話に出た石若なんかもそうですけど、僕らみたいな人間は、好奇心旺盛なんですよね。「ジャズの一本槍で」っていうよりかは、やりたいことが多いし、それができちゃう。最たる例としては石若とかとふざけてやってるロックバンドがあるんですけど、自分たちで録って配信したりして。そんなことをやりながら、ジャズ・ギグとかセッション的なこともやり続けているという感じです。昨日もここで夜12時くらいまで演奏していたんですけど、僕らは「ストリートにいる人間でありたい」みたいな気持ちが強くて。上京して丸14年経ちますけど、そこはずっと変わらないですね。 ――音楽とは異なる表現として、安藤さんがずっと続けていることのひとつに写真がありますよね。フィルムカメラを長年愛用しているとか。 小さいころからずっと音楽ばかりやってきたんで、趣味があんまりないんですけど、フィルムカメラだけはずっとやっていて。ただ、写真というより、もともとガジェット好きなんですよ。僕の親父がまさにガジェット好きで、家族旅行のときなんかは絶対に家庭用のビデオやカメラで撮影していたんですよね。

――普段は、どんなものを撮ることが多いですか？ 人や風景の写真が多いですね。「これ覚えてる？」という飲み会のネタみたいなのもあるし、引っ込み思案な自分が隅っこで見てる景色が好きで、それを残しておきたいなという感じです。わりといつも「ここで切り取ったらいいな」とか画角をずっと見ていて。面白いものを見つけたときは、とりあえず撮っておくようにしています。

――今回は、撮影した写真を数枚お持ちいただきましたが、こちらの写真は？ 『NATURA CLASSICA』を買ったばかりのころに撮った大学の喫煙所です。当時は、エモい感じの色彩で「空は緑であればあるほどいい」みたいな時期。大学生のときの写真を見返すと、ちょっと多感すぎてキモいんですよね（笑）。でも、あのころはこの情景に合う音楽を聴いていたなあなんて振り返るきっかけにもなっています。

――ステージから撮影した写真もありますね。 これは、福岡の糸島でやっていたフェス＜Sunset Live＞での写真です。

この視点から撮れるのは、僕らの特権ですよね。バンドについていろんなところに行くので、旅先でのスナップも多いです。WONKと行った沖縄の公設市場の写真とか。 WONKは、僕がみんなをカメラ沼に引きずり込んだんですよ（笑）。僕がみんなを撮ってあげていたのが、いつの間にか全員カメラを向け合っている状態になりました。みんなまとめてカメラ沼に引きずり込んだら、ライブとは別にカメラのグループLINEができたりして。集まるといつもカメラ談義をしています。

何気ない日常の風景から、旅先やステージで目にした光景まで。安藤さんが『NATURA CLASSICA』で残してきた写真には、そのときどきの記憶や音楽が重なっている。 そして、2018年から愛用する『X-Pro2』にも、ライブの舞台裏や仲間たちと過ごす何気ない時間など、ミュージシャンとしての日常をともにしてきたからこそ残せる景色が収められている。『IRODORI by FUJIFILM Xseries』では、そんな『X-Pro2』への愛着や撮影スタイルをはじめ、音楽と写真に通じる安藤さんならではの感性をさらに紐解いていく。

「何なんだ、この、某清涼飲料水CMを彷彿とさせる爽やかさはッ……！？」 時間も脳味噌も溶かしている自覚がありながらも、Instagramの徘徊止まぬ2025年夏。あまりにも眩しい映像と、ハウスミュージック好きのツボに刺さる音楽の合わせ技で、思わずスマホ画面に釘付けになった。最初に登場したのは、端正なビジュアルの若い男性。雲一つない青空の下、がらんどうの駐車場でイヤホンを着け、力強くダンスを始める。踊り疲れたからか、喉を潤し、コンクリ床に横たわってクールダウン。再び動き出すと、2人の仲間が加わり、“3人で完成形だ”と言わんばかりの完璧なパフォーマンスでこちらを魅了する。水しぶきを浴びながらのダンスあり、ハンディカメラで撮った練習風景ありで、まさに青春の一ページを覗き見している感覚に。背景に流れる、軽快なビートと透明感ある美声も気持ちが良い。キャプションをザクっと確認して、早速検索をかける。どうやら『XngHan&Xoul（スンハンアンドソウル）』というグループで、センターポジションを務めるスンハンのソロプロジェクトとのこと。にしても、他の2人がバックダンサーという感じがせず、3人それぞれが輝いて見えたので、「ソロと書いてあるのによく分からないなぁ」というのが最初の印象だった。 あれから1年強。偶然にも『XngHan&Xoul』を掘り下げる機会が訪れ、ようやくその実態を掴むことができた。これは、件の青年「XngHan（スンハン）」がその時期ごとに様々な分野に特化した「Xoul（ソウル）」と言うクルーやクリエイターと共に活動を行なう、複合アートプロジェクトの側面を持つアーティストブランドだった。つまり、私が目撃した“Heavenly Blue”のビデオに映っていた2人は、その時期にスンハンと共に高みを目指していた仲間＝Xoulだったのである。 『XngHan&Xoul』は、韓国にて2025年7月にシングル『Waste No Time』でデビュー、2026年4月に1stミニアルバム『Glow』をリリース。そして去る9月30日、『HIGH BEAM』で日本デビューを果たした。同作の収録曲（“HIGH BEAM”、“Who Knew？”、“Endless Journey”の計3曲）はすべて英語・日本語を織り交ぜた歌詞で、アートワークやMVもすべて日本人クリエイターが担当。XoulクルーもFumiya、Kooouya、SYOGO CHILL、Taku Itoと、全員日本人のメンバーである。そのため、『HIGH BEAM』という作品にまつわる全てが、これまでとはどこか異なる趣を纏っている。まだ韓国デビューから1年と短い活動期間ながら、『XngHan&Xoul』はフェーズ毎にメンバーが入れ替わることで新たな景色を見せてくれる、革新的なプロジェクトだと感じた。 そこで2026年秋、『HIGH BEAM』期の『XngHan&Xoul』を深掘りすべく、Qeticでは彼らにインタビューを遂行。スンハンにはプロジェクトや新作に関する質問を投げかけつつ、Fumiya、Kooouya、SYOGO CHILL、Taku Itoも交え、お互いの印象や新たな今後一緒に叶えたいことなどを訊いた。

──まずはスンハンさん、『XngHan＆Xoul』で“X”という文字を採用した理由、そして各分野のスペシャリストと共にカルチャーをクロスオーバーさせていくスタイルを選んだのはなぜでしょうか？ スンハン　自身の名前のイニシャルである「S」を使うよりも、「X」を使うほうがシックだと思ったからです。また、様々なクリエイターの方たちと一緒に活動するスタイルをとることで、より大きく成長できるのではないかと思いました。色々な見せ方を試みることができますし、僕自身も多様な活動を楽しめる。そして、見て下さる方々にも、僕が成長していく姿を楽しんで頂けるのではないかと思いました。このプロジェクトで、チームの方向性がより広がっていくように感じています。 ──自由度が高いプロジェクトならではの悩みや、ご自身で決めていかねばならないプレッシャーもあると思います。プロジェクト始動から今までを振り返ってみて、この形態だからこそ得られたものは何だと思いますか？ スンハン　人見知りな面が随分と解消されたことが、大きく成長したところだと思います。また、初期から現在までを振り返ると、確かにプレッシャーもありました。でも、Xoulのメンバーには年上の方が多かったので、一緒に活動する中で彼らに頼ることができたし、そのような面を皆さんにもお見せできたのではないかと思っています。

──さて、今回はXoulクルーも一緒に取材を受けて下さっています。Fumiyaさん（＠fumiyamiura_0821）、Kooouyaさん（＠kooouya_ganmi）、SYOGO CHILLさん（＠syogo_chilll）、Taku Itoさん（＠_taku916_）について、それぞれどんな方なのか、スンハンさんから紹介して頂けますか？ ※以下、Fumiya→フミヤ、Kooouya→コウヤ、SYOGO CHILL→ショーゴ、Taku Ito→タク スンハン　フミヤさんは韓国語ができる方で、一番大事なキーパーソン。練習する時にリーダーシップを感じています。「次は何をしたいですか？」など、ずっとリードして下さって……ありがとうございます！　コウヤさんは、普段もダンスをする時もユニークなスタイルがあって、本当にカッコいい！　ショーゴさんは、お顔立ちが可愛いらしい感じで、どんな踊りをするのか想像していなかったのですが、ダンス姿を見て、本当にびっくりしました。“ギャップ萌え”、みたいな感じです。タクさんは、他の先輩方とは違った、柔らかいスタイル。イタズラっこだし、ギャグとかにもウケたりしてくれるし、練習室ではかなりエネルギッシュです。

──フミヤさんがリーダーで、タクさんはいじられキャラ、と。あとの皆さんはどのようなポジションですか？ スンハン　ショーゴさんは、日本語の先生という感じ。 ショーゴ　悪い先生です。 スンハン　そうですね、悪い先生。コウヤさんは、ヒップホップスタイルの先生って感じ。 コウヤ　ヒップホップ先生！ スンハン　フミヤさんは、ハウス先生って感じ。ハウスが本当に上手で、（踊りを）見てびっくりしました。 ──逆にXoulの皆さんにとって、スンハンさんがどんな方なのか、教えて頂けますか？ フミヤ　すごく色々な顔を持っている方なのかな、と思っています。普段は優しいのですが、練習する時にはとてもストイック。僕らが気づかないところをすごく気づいてくれるので、刺激をたくさん受けますし、勉強にもなりますし、一言で言うなら、“リスペクトの塊”です。お互いに高め合えている関係性だと感じます。でも、ものすごく『ポケモン』が好き、というのがギャップでしたね。ふざける時は一緒にふざけるし、（練習を）やろうかとなった時には「よし、やりましょうっ！」と。そして、最後までずっと守ってくれる存在でもあります。（僕のことを）リーダーと言いましたが、やはり一番引っ張っていってくれる方なので、たまに僕がヒョン（※韓国語で“お兄さん”という意味）って言いそうになります。 コウヤ　実際に会う前にSNSで見ていたところ、クールな雰囲気の写真とかが多かったので、あまり喋ったりしないのかな、ふざけたりしない方なのかなと思っていたのですが、皆でご飯を食べに行ったりする時にふざけたりするし、パラパラを踊ってくれたりするしで、そこのギャップがすごかったです。あと、振り付けを覚えるのが本当に早いんですよ。多分この5人の中で一番早い。それにめちゃくちゃストイックなので、振り付けをその日にちゃんと持ち帰って、次の日にはもう完璧になっている、みたいな感じ。自分たちも学んでいかなきゃと思わされる、そういった姿勢を見せてくれる“リーダー”で、すごくリスペクトしています。

ショーゴ　本当に丁寧で真面目な方という印象を強く受けているのですが、それがダンスやパフォーマンスの面にも反映されていると感じます。ダンスに対しても正面から向き合っている方で、細かいリハーサル中にダンスのスキルやクオリティの部分で、お互い高め合っていくことができる。普段、ダンサーとアーティストという形態が多い中、「5人のダンスチームだ」と思える瞬間が多いです。フリースタイルで自分の個性を表現することが必要になった時にも、スンハン君はすごくカッコいいスタイルを持っていて、それを見て刺激を受けています。根っからの丁寧さと真面目さがパフォーマンスにも表れている、すごく良いアーティストの方だと感じています。 タク　自分たちは普段ダンサーなので、基本的にはアーティストさんとそのバックダンサーという関係値でやることが多いのですが、今回の『XngHan&Xoul』というプロジェクトで、スンハンさんは自分たちと対等に向き合ってくれているように思えます。同じ目線で一緒のチームとして活動を進めてくれる謙虚さ、心の綺麗さ、素直さみたいなものをすごく感じています。ダンサーからしたらとても嬉しいことですし、やりやすさにも繋がってくると思います。スンハンさんが前方で踊ることが多いのですが、ダンスも本当に上手で、その後ろ姿を見ながら踊っていると安心しますし、そのエネルギーに引っ張っていってもらっているので、すごいリスペクトを感じています。あと、たまに（僕を）いじってきます。Xoulのお兄ちゃんたちに教え込まれてしまい、ちょっとずつ（僕のいじり方を）覚えてきちゃったんです（笑）。

──スンハンさん、これまで3名で踊っていましたが、5名体制になりましたね。フォーメーションの変化による難しさなどはありましたか？ スンハン　練習生時代にはもっと多くのメンバーと活動していたので、最初の3人体制では人数が少なく、かえって難しい部分もありました。現在は5人体制になり、フォーメーションや動線のバリエーションが増えたことで、様々な演出ができるようになり、見た目もずっとカッコよく映っているような気がして、すごく良いなと思っています。 ──『XngHan＆Xoul』は、各々の得意を吸収し合えるプロジェクトだと思うのですが、フミヤさん、コウヤさん、ショーゴさん、タクさんが、今回の活動を通じて感じていることなどあれば、教えて下さい。 タク　（プロジェクトによっては）リハーサル期間中にメンバーがバラバラなことも多かったりするのですが、この2週間位は基本的に毎日一緒にいて、朝から夕方までずっとリハーサルをしているので、それぞれの踊り方の癖やスタイルをまじまじと見ることができました。だから、一気に皆さんの良いところを吸収できているなと感じます。 ショーゴ　本来だったらダンサーとアーティストさんの間で、良い意味で距離感があるのがベターとされていますが、『XngHan&Xoul』では一つのチームとして、皆で同じラインに立って一つのショーケースを作ることになりました。そのため、自分たちがアーティストの方を輝かせるということ以外にも、「自分たちの色をどうやって出そうか」「自分たちがチームだからできるショーケースは何か」ということを具体的に考えられる機会になりました。「この5人だからこそ作れるステージ」ということを一個ずつ考えながら組み立てていけるプロジェクトなので、そういった面で新しい刺激もあります。この5人、そしてスタッフの方たちと一緒に、これまでにない『XngHan&Xoul』を研究できる、すごく濃い時間になったと思っていて、それがとても印象的です。

コウヤ　普段、自分だけちょっとジャンルが違うんですよ。今回の振り付けは綺麗な感じの踊りが多いのですが、この4人はめちゃくちゃ上手なので、例えば「ラインを揃える」など、そういったところが勉強になりました。あと、スンハンさんが踊ってない時の所作も観察しているのですが、「おお、かっこいいな」と思うことが多く、その点も勉強になりますね。毎日リハーサルがある中、「じゃあ次はそこに気をつけてみようかな」と思うぐらいの時間を頂けていたりもするので、今回、新たなダンスを吸収できるのではないかなと思っています。 フミヤ　「得意を吸収し合える」というのが本当にそうなのと、逆に自分たちの苦手なこととかも、皆それぞれ少しずつ、さりげなく気づかない程度に出し合っているのかなというのもあって。チームで動くということは、おそらく苦手なことや嫌いなものというのをお互いに知らなくてはいけないし、そこを尊重し合っていかないと、いつかヒビが割れやすくなったりするものであって。だから、普段の会話や、言葉を使わなくても繋がれるダンスというツールを通じ、お互いに尊重し合い、少しずつ信頼関係が強くなっている気がします。『XngHan＆Xoul』に関して、スンハン君は過去にメンバーが変わったりして活動してきたとは思うのですが、今回は日本で初のメンバーで、これ以上にないものを見せつけたいという気持ちもありますし、世の中に対して「これが俺ら『XngHan＆Xoul』です」と自信を持って発信していきたい。そんな想いがメンバーの一人としてありますね。

──次に、新作『HIGH BEAM』の話に移りましょう。『HIGH BEAM』という言葉自体が車に由来していますし、MVでは車に乗っており、歌詞も前向きな内容で、“未来へ向かって走る”ことがキーワードではないかと感じました。スンハンさんご自身はどのような作品だと思いますか？ スンハン　僕は普段から振り返ることなく、未練や後悔もなく前に進むタイプなんですね。だから、“HIGH BEAM”を初めて聴いて歌詞を読んだ時、ハイビームを付けて車に乗ってハイスピードで前に進む姿が自分にとっても合っていると感じました。 ──全体的に、程良く力を抜き、リラックスして歌われているように感じました。 スンハン　これまで韓国でリリースしてきた楽曲はわりと強めな音だったのですが、今回に関しては、そこまで強いビートではないという点もあり、そのように聴こえたのではないかと思います。あと、ダンスパフォーマンスについても言えるのですが、見ている方たち、聴いている方たちにリラックスした気持ちを与えたい、と思いながら準備していた部分はありましたね。 ──今回、sakamoto akariさんが手がけたアートワークには鳩が写り込んでいたり（※初回盤）、マザーファッ子さんが手がけた“Who Knew？”のリリックビデオもゆるっとした雰囲気だったりと、クリエイティブの“抜け感”が、日本人クリエイターらしい感性のようにも思えました。スンハンさんはどう感じましたか？ スンハン　やはり日本でデビューするからには、そういった“日本っぽさ”みたいなのをたくさん取り入れたいなと思っていました。僕は、自分では日本のスタイルが似合うと思っているのですが、日本で僕を見て下さる方々に、「韓国人なのに日本のコンセプトがしっかり似合っているな」と思って頂ければ、さらに親近感を抱いて頂き、深く繋がれるのではないかと思いました。だから、とても良いコラボレーションだったと思っています。 ──数々のダンス映像を手がけてきたNEiGHBOR FLOW代表のte2taさんが監督を務めた“HIGH BEAM”のMVについても聞かせて下さい。道路を渡りながらXoulがジョインしていくシーンが印象的でした。素人目で見ても、このシーンの撮影は大変だったのではと想像したのですが、いかがでしょうか？ スンハン　そういった瞬間は、自分としてはやりやすかったですね。むしろこの撮影を通して、僕たちのチームだからできた部分というのはたくさんあって。特に一人ずつフリースタイルを踊るシーンなどがあるのですが、多分アイドルグループがMVを撮る時、一人ひとりのフリースタイルであれだけカッコ良くできるかというと、簡単なことではないかなって思っていて。それこそ「僕らだから可能だった」という風に思っています。 フミヤ　道路のシーンなどは、その場で構成を組み立てながらやったりしました。もちろん振り付けもありますが、振り付けがない部分や隙間のある箇所に関しては、お互いにアイコンタクトをしていって。例えば、俺とショーゴでハイタッチするシーンなど、その場で生まれるものもいっぱいありました。そういった意味では、“ありもの”を必ず徹してやるというよりも、そこで生まれるクリエイティビティと、元々あるものが共存し合い、またそこで新しく化学反応が起き、面白い絵面になったのかなと思いますね。 ──現場の空気感、そのもの！ コウヤ　そうですね。逆にサビとかの振り付けはバチバチに作り込んで、手の角度を何度にする、とかまで合わせるぐらい揃えていたんですよ。だから、横断歩道の自由なシーンやフリースタイルのシーンとかと、サビのしっかり揃っている部分のコントラストが、見どころだと思っています。（サビは）気合いを入れて揃えたりしたので、逆に合わせずに抜けているシーンが目立っていると思います。ぜひ、そこに注目してほしいですね。 ショーゴ　“HIGH BEAM”のMVに関しては、バッチリ揃っている部分の中で、スンハンさんを含め、5人の個性が光っているところを探すのも楽しいかと思います。 タク　最初の車のシーンを撮影した時には雨が降っていたのですが、その後埠頭の方へ移動したら雨が止んでいて、地面がちょっと濡れている状態の時に撮影をしました。だから、自然のしっとり感があって、照明の光なども綺麗に反射されていて。そういう点でも、奇跡的にとても良いものになっているのではないかなと思います。

──ここからはラフな質問にいきましょう。皆さんがご飯を食べているオフショットや愉快なショート動画などをInstagramで拝見しました。そういったオフタイムのエピソードやグループ内でのミニブームなどがあったら教えて頂けますか？ コウヤ　ブームと言えば、日本語のネイティブ（スラング）をスンハンさんに教えること。例えば「ありがとうございます！」が省略された「ありざます！」みたいなものを教えていて。「お疲れ様でした！」を「おつかれっした！」みたいな。一緒に遊んでいる時にスンハンさんが自然に「あざすっ！」を使った時、皆が「おお〜！」と盛り上がる、みたいなのが流行っています。 ショーゴ　めっちゃ、盛り上がっています、“ネイティブ日本語”。 ──好きな“ネイティブ日本語”とかありますか？ スンハン　「おつ（※お疲れ様、の略）」！　「おつ」が一番好きです。 一同　（笑）。 ──逆に“ネイティブ韓国語”を教えたりとかは？ スンハン　「スゴ（※수고했어/お疲れ様、の略）」！ ──どっちも「おつ」ですね！ 一同　（笑）。 ──YouTubeの『Xtra』シリーズ（※山登りや料理対決などスンハンさんの新たな一面も見られるコンテンツ）を見て、スンハンさんは「少食だけど食いしん坊」という印象を受けましたが、皆さんで何を食べにいきましたか？ スンハン　練習終わりに皆でお好み焼きを食べに行きました。2つのテーブルに分かれて座っていたのですが、1つはタクさんが作り手で、もう1つはコウヤさんが作り手でした。僕はコウヤさんの方だったのですが、お好み焼きがめちゃくちゃ上手にできていて、すごく美味しかったです。でも、タクさんの方は……ははは（乾いた笑い）。あんまり美味しくなさそうで……。 一同　（笑）。 スンハン　（タクさんのお好み焼きは）焦げていたので、皆でもう一回、お好み焼きを食べに行きたい。今度はタクさんが作った方を、ちゃんと食べたいです。 フミヤ、コウヤ、ショーゴ　優しいっ！ タク　その節は……（笑）。 ──もしスンハンさんが皆さんに料理を振る舞うとしたら、どんなメニューにしますか？ スンハン　難しい……皆、何を食べたいですか？ コウヤ　スンハンさんが得意な料理って何だっけ？ スンハン　キムチチゲ？　皆大丈夫ですか？ コウヤ　大好き！ スンハン　じゃあキムチチゲで！

──他に皆さん、一緒にやりたいことはありますか？ フミヤ　『Overcooked® - オーバークック』を皆でやりたい！　Nintendo Switchのお料理ゲームです。 ──そこではお好み焼きが成功するかも……？ 一同　（笑）。 タク　ゲームでも緊張しちゃって。でも、ゲームで慣れていって（笑）。 コウヤ　あとスンハンさん、ダーツもしたいね！ スンハン　あー！　ダーツ！！　前に皆とやった時にすごく楽しかったから、またやりたいと思っています。 ショーゴ　自分は結構服とかが好きなので、5人でショッピングをしたい。 コウヤ　上限10万円までとか決めて、YouTubeで「スタイリング対決！」とか。それで、フミヤくんが全部お金を出してくれて（笑）。 コウヤ、ショーゴ、タク、スンハン　ヒョン、カムサハムニダ！（※お兄さん、ありがとう！） フミヤ　（笑）。皆で韓国に行って、逆に（スンハン君に現地を）案内して頂きたいですね。あとは、韓国のイベントとかね。 コウヤ　出たい！ ──最後に、タクさんはいかがですか？ タク　ここにきて（笑）！　なんか……皆でゆっくりしたいです、温泉旅行とか。 ──これから寒くなりますし、日本デビューの大仕事を乗り越えてからの慰安旅行など、良さそうですね。 タク　熱海！ フミヤ　僕らは箱根に行きます。 タク　いやいやいや、なんで別のところにいるの（笑）！ ──『Xtra』では2画面にして。 コウヤ　「その頃タクは……」 一同　（笑）。 タク　いらないいらない、そんなの（笑）。 ──（笑）。では、本当の締めは、スンハンさんにお願いします！　今後の野望について教えて下さい。 スンハン　いつかコンサートをするってなった時に、これまで関わって下さったXoulの方々、それから今後の活動にも関わって下さるであろうXoulの方々と一同に介して、同じステージに立ってみたいと思っています！

Qetic’s “Xtra”