日本の伝統芸能における“三道”と言えば、「茶道」「華道」「書道」。どの道にも長きにわたる歴史の中で脈々と受け継がれてきた技法や心得があり、それらを極めるには途方もない年月を要するものだ。しかし、伝統と革新は表裏一体。故（ふる）きを温（たず）ねて新しきを知る者が、いつの時代も現れる。

9歳から書道を始め、高校時代にはすでに書道家を志していた万美は、そのひとりと言えるだろう。伝統的な書道のスタイルに、グラフィティのエッセンスを溶け込ませた“MAMIMOZI”で頭角を表し、これまでにさまざまなアーティスト・企業・ブランドとコラボレーション。ヒップホップ界隈では、Shing02、DJ KRUSH、AwichなどのCDジャケットで題字を手掛けたことで知られている。また、日本のみならず、アジア・ヨーロッパ・アメリカ・オーストラリアなど世界各地で個展を開催し、パフォーマンスを披露してきた。

そんな万美が、2024年2月24日（土）・25日（日）に幕張メッセで開催される「Apex Legends Asia Festival 2024 Winter」の公式アンバサダーに就任し、オープニングセレモニーでコラボステージを披露することを発表。このイベントは、全世界で約1億7500万人のプレイヤー数を記録した大人気バトルロワイヤル × FPS（ファーストパーソン・シューティング）ゲーム「Apex Legends」の5周年を記念したものだ。

今回は、万美のこれまでのアーティスト活動を振り返りつつ、書道家としてのスタンスを再確認。加えて、イベントのコラボに至る経緯やパフォーマンスの内容、そして今後の挑戦についても話を聞いた。

──Qeticでのインタビューは初なので、万美さんの経歴から伺えればと。まず書道との出会いはいつですか？

小学校3年生の2学期から国語の授業で習字があって、そこで筆を持ったのが最初です。書道バッグを家で開けた瞬間に、キラキラって絵文字みたいなものが迫ってくる感覚があって。まず、道具に魅了されましたね。それで実際に授業で書いてみたらほかの子より上手だったし、褒めてもらえるのがうれしかったので、親にお願いして習字教室に通い始めました。両親が書道をやっていたわけではないですけど、母方の祖母は得意だったみたいで、小さいころに祖母から届く筆で書かれた手紙を見るのはすごく好きでしたね。

──高校生のときにはすでに書道家を志していたそうですね。

はい。中高はずっと陸上部で、運動が楽しかったのでその道に進もうと思っていましたけど、あるときに「一生現役でいたい」っていう気持ちが芽生えて。スポーツ選手はやっぱりピークがあるので一生現役ではいられない悔しさが残るけど、芸術だったら死ぬまで現役でいられる。それで美大を受けてみたいと思って学校の先生に相談したんです。ただ、美大ってめちゃくちゃありますよね。だったら自分は書道が得意だし、（業界自体の）人数が少ないので重宝されるかなと思って、上京して大東文化大学の書道科に入りました。

──大学で基礎から学んだあと、書道家としての第1歩目はどのようなスタートでしたか？

書道ってお金がかかってアルバイトだけでは賄えないので、それなら書道で稼いだお金で道具を買えばいい循環になると思い、最初は好きだったヒップホップの業界に売り込みました。自分が持っているCDでロゴをよく見ていたULTRA-VYBE（ウルトラ・ヴァイヴ）というレーベルに、「CDジャケットとかのタイトルがもし必要だったら私に書かせてください！」とメールを送ったのが18歳ぐらい。そうしたら返事をもらえて、ピンゾロ（ラッパーの鬼が率いる3ピースバンド）のCDジャケットのお仕事をいただけました。

──すごい展開ですね。ちなみに、万美さんの好きなラッパーを教えてください。

Shing02さんは大好きだし、BUDDHA BRANDさんやNORIKIYOさん、Awichさんも好きですし……たくさんいますね。上京してからはクラブによく行っていたので、その場で生まれた繋がりも多いです。

──これまでのアーカイブを拝見すると、ヒップホップのジャンル以外にも、さまざまな企業やブランドとのクライアントワークも手掛けていますが、自分のスタイルが確立され始めたのはいつごろですか？

最初のころは頂いた仕事を全部やっていたので、自分にはスタイルがあまりないと思っていました。ただ、見る人の中には「これは万美の匂いがする」みたいな感じで、自分が作品に応じて書き分けたものを嗅ぎつけてくれる人もいて。目の前のことをただただ一生懸命にやってきたけど、見る人は自分の微妙な癖とかを見抜いてくれるので、結果として自然と自分の個性がスタイルになっているのかなとは思います。

──過去の仕事や作品、展示などで、特に印象的だったものを教えてください。

今までやってきたものは全部と言っていいぐらいどれも印象的ですけど、特に2015年1月から2月にかけて行った最初の海外出張。パリ・ストックホルム・ロンドンを巡るヨーロッパツアーで、文化庁の後援で、日本の硯（すずり）を海外に広めようというプロジェクトでした。それまで海外に行ったことがなかったので、自分の中の世界が広がりましたね。それから海外のいろいろな都市に行って思ったのは、本当の意味で書道を評価してもらえるのは中国とか台湾とか香港とかで、大げさに評価してもらえるのは欧米なのかなと。

──メディアに出るときに万美さんのスタイルは、書道の「カリグラフィ（calligraphy）」とヒップホップの「グラフィティ（graffiti）」を組み合わせた“Calligraf2ity（カリグラフィティ）”と表現されることが多かったと思うのですが、その言葉というか概念が生まれたのはいつごろですか？

高校のときですね。中学のときにヒップホップを聴く流れでグラフィティを知り、さらに高校で書道が英語でカリグラフィというのを知って、“Calligraf2ity“という言葉を作りました。ただ、今はグラフィティ・ライターたちと仲良くなるにつれて、その言葉の意味を自分の中で噛み砕けなくなっちゃって。正直、今は“Calligraf2ity”ってあまり言ってないですね。「グラフィティと書道を融合させた」という文言も自分では言ってないし、何かの記事でそう書かれてから言われているだけなので、“Calligraf2ity”は使うけど、「融合させた」は使ってほしくないという気持ちです。

──改めて今回、「Apex Legends Asia Festival 2024 Winter」の公式アンバサダーに就任することになった経緯や、最初にその話を聞いたときの率直な感想などを教えてください。

以前、「Apex Legends」 3周年の映像コンテンツに出演したことがあり、今回で2回目のコラボレーションになります。私自身は「Apex Legends」どころかゲーム自体もこれまであまりやってきていないため、時間を作って挑戦している状況で、「Apex Legends」は実際にプレイしてみると自分にはめちゃめちゃ難しかった（笑）。上手い人がプレイしているみたいに、スムーズに武器を取ってスムーズに攻撃するみたいなのはすごいなって思います。

──今回のイベントではApex Legendsトレーラー「Only One King」の作曲家のTommee Profitt、歌手のJung Youth、和太鼓パフォーマーの彩、そして万美さんという4組がコラボレーションをして、オープニングアクトを務めるということが決定しています。

アンバサダーに関しては最初の依頼から二転三転していて、途中でもしかしたらパフォーマンスも……という話になり、（昨年の）11月か12月にはオープニングアクトの話が正式に決まっていたような気がします。あとそうだ、キービジュアルに入っている“東京”の文字は最初に依頼がありましたね。

現時点で決まっているのは、和太鼓パフォーマーの方とコラボすることと、私が書く文字は“決戦”だということ。最初は“決戦”を1分で書いてほしいと言われましたが、それは無理ですと伝えて、1分半に伸ばしてもらいました。あと私からの要望として、赤背景に白文字で書きたいと今ちょうどお願いしている段階です。

──これまでもコラボレーションでのパフォーマンスはけっこう経験していますよね？

そうですね。ビートボックスの大会で日本3連覇しているKAIRIは大親友でよくコラボしていますし、ほかにも鎮座DOPENESSさんやDJ MUROさんとご一緒させてもらうこともありました。あとヒップホップ以外にもバイオリンやピアノやアコーディオンの方とか、三味線の方も多いですね。

──これまでのコラボの中でも、今回は幕張メッセという大きなステージです。

そうですね。＜POP YOURS＞だと思って。自分としては過去最大規模のステージですね。実際にステージで書くサイズは、縦2m×横3mで提案しています。

──ゲームというある意味でアウェイなステージかもしれませんが、万美さんはこれまでいろいろなジャンルに飛び込んでいってコラボしてきた方なので、らしいと言えばらしい挑戦ですね。

今まで経験していない場所で書かせていただけるというのは本当にありがたいことですし、そこで全く違う世界を見られるというのもすごく楽しみにしています。パフォーマンスは書いたときに歓声が起こるとありがとうっていう気持ちになりますし、書いたあとにもう一度依頼が来ると何かが響いたのかなってうれしくなりますね。あとは書いた作品の前で記念撮影をしてくれるのも純粋にうれしいですよ。

──今後、万美さんが挑戦したいと思っていることがあれば教えてください。

VRのQuest 2を手に入れて、仮想現実内での書道を始めたので、もっとやっていきたいです。私自身、新しいテクノロジーにはすごく興味があるので、そういったものと書道を組み合わせて、今この時代だからこそできる形を作れたらいいなと。新しいことをやっても自分に書道の基礎があるというのはすごく強みですし、そこから派生する分にはどこまででも派生はできる──そんな自信を持ってやっていきたいです。

──万美さんが書道において常に大切にしていることは何ですか？

歴史を重んじること。歴史に則ったものを生み出す。サンプリングであり、温故知新。独りよがりの書道はやりたくないですし、これからも続く歴史の通過点に自分がなっていくようにしたいです。

──以前から口にしている「人間国宝になる」という目標は近づいてきていますか？

近づいているかと言われれば、まだまだ一歩も出ていないと思います。スタートラインのもっともっと奥の方で、靴紐を結んでいるぐらい。いや、靴紐を穴に通し始めたぐらいですね。

眼前で繰り広げられているのは、重要文化財である聖徳記念絵画館が、さまざまなカラー、さまざまなデザイン、さまざまなモチーフで彩られる一夜限りの七変化。 その光景は現実かと見紛うほどの圧倒的なリアリティとスケール感。訪れた者たちは、息を呑み、1分間のプロジェクションマッピングの数々を目に焼き付けていた。 11月11日（金）〜11月13日（日）に、明治神宮外苑を舞台に開催された“光の祭典”＜TOKYO LIGHTS 2022（トウキョウ ライツ ニーゼロニーニー）＞。その最終日に開催されたプロジェクションマッピング国際大会『1minute Projection Mapping Competition』授賞式の模様をレポート！

まず＜TOKYO LIGHTS＞とは、日本が世界に誇る国際都市・東京に新たな光を灯すことを目指し、エンタテインメントやアートを通して、世界中に希望を届ける“光の祭典”として2021年に発足したイベント。そして同イベントのメインコンテンツである『1minute Projection Mapping Competition』は2012年にスタートしたアジア最大級のプロジェクションマッピング国際大会であり、今年は記念すべき10回目の開催を迎えた。 その全体像やイベントが掲げているテーマなどは、2021年に筆者が行った「対談：＜TOKYO LIGHTS＞演出家・ 潤間大仁 × レーザーアーティスト・YAMACHANG」のインタビュー記事もぜひ参考にしてほしい。

話を戻そう。そもそも今年の＜TOKYO LIGHTS＞の開催スケジュールは、9月17日（土）〜9月19日（月・祝）。しかし、『1minute Projection Mapping Competition』の授賞式を予定していた19日がまさかの台風接近による中止に。そのため内容を一部変更して、11月11日〜11月13日に再開催される運びとなった。 今回のQeticのレポートで訪れたのは、最終日の13日。神宮外苑の銀杏並木を通り抜け、受付を通ったあとにまず出迎えるのは、“光の祭典”エリアだ。このエリアの総合演出を手掛けるのは、先ほどのインタビューで紹介した潤間大仁氏。今回は「CIRCLE OF LIFE」をコンセプトに、陸海空の3つの世界を巡る光の旅が表現されていた。

デジタルサウンドアート×リアルパフォーマンスの融合に没入しつつも、このエリアはまさに映えスポットの連続！ ケータイ片手に巡る来場者も多く、その数分後にはSNSのタイムラインは“光の旅”で埋め尽くされることに。 そして光の旅を終えると、目の前には荘厳な趣の聖徳記念絵画館がどどんと登場。ただし、まだその段階では、闇夜に鎮座するいつもの聖徳記念絵画館だ。それがまさか数分後には、あんな姿、こんな姿になるなんて──。

ついに、19時からは『1minute Projection Mapping Competition』の授賞式がスタート！ 今年は世界55の国と地域から241組のエントリーがあった中で、今回の授賞式ではコンペティションで最終選考に選ばれたファイナリスト19作品のプロジェクションマッピングが、聖徳記念絵画館に次々と投影された。 先ほどまでは花崗岩による一色の姿で佇んでいた聖徳記念絵画館が、1分というスピーディーかつ凝縮された時間内で、各国のクリエイターが表現するプロジェクションマッピングで次々と変化！ 現実にはありえない光景ゆえのカタルシス──個人的にはそこが、聖徳記念絵画館に映し出す最大の理由であり、魅力であるように感じた。

その点、準グランプリとオーディエンス賞を獲得したDecideKit（タイ）の「Owari（終）･Tsuzuku（続）（オワリ　ツヅク）」は、序盤の聖徳記念絵画館が崩れ落ちる様に現実では見られないからこその快感があり、さらにそこから建物全体が生命の繭となって羽化していく展開は、文字通り“破壊と再生”を描き出していて見事だった。 そして、グランプリ（東京都知事賞）に輝いたEPER DIGITAL（ハンガリー）の「Elemental constructions」は、ノミネート作品の中で明らかに異質だった。ヴィヴィッドな原色とシンプルな図形が音楽に合わせて躍動＆融合していく演出は、思考ではなく直感に訴えかける“SIMPLE IS BEST”な作品で、グランプリは満場一致だったはず。

入賞者の作品に共通しているのは、聖徳記念絵画館を“平面”ではなく“立体”として捉えているように感じたこと。単にプロジェクションマッピングを映し出すだけならば、聖徳記念絵画館ですらスクリーンの域を出ない。ただし、聖徳記念絵画館を立体として捉え、プロジェクションマッピングによって生まれ変わらせることこそが、この場所でやる意味であり、最も観客が見たいものであり、審査のポイントになっていたのではないだろうか。 昨年の『1minute Projection Mapping Competition』はオンラインでの授賞式だったが、今年は受賞したクリエイターたちが来日し、スピーチで作品に込めた想いや喜びのコメントを寄せた。そして審査員を務めたプロジェクションマッピングの世界的識者の石多未知行氏、クリエイティブディレクター・Melissa Weigel氏、演出家／クリエイティブディレクター・古屋遙氏らに加えて、ラストには小池百合子東京都知事も登場して授賞式は幕を閉じた。

こうやって携わる者たちが一堂に会することができたのも、2020年以降にコロナ禍となってからは、もはや一筋の“光”だ。来年はその光がさらに太く、長くなり、輝く未来を目指して新たな東京を照らすことに期待したい。

かつて、エル・テレサ（Elle Teresa）はこう歌った。《私がこれでお金稼ぐなんてあり得ないな／そんなことを言って踏みつけてたクソな大人／やりたくない仕事なんて全部やめちゃった／ゴミクズにエルのハート捧げられないわ》（“Envy Me”より）。覚悟を決めた人が書くリリックだと思った。腹をくくった人でしかできないラップだと思った。

ラッパーに必要なのはただ一つ、覚悟だ。ラップをするのに、覚悟以外いらない。しかし、その「覚悟を決める」ということがどれだけ困難か。当時、エル・テレサより評価されていたラッパーはたくさんいた。けれども、たった五年でほとんどいなくなった。ヘイターからの批判を浴びながらも屈しなかったエル・テレサは、四面楚歌な状況を脱しサヴァイブすることに成功した。あれよあれよという間にメジャーに移籍し、リル・キード（Lil Keed）とコラボまで果たした。

覚悟を決めたラッパーがやることは決まっている。ひたすらリリックを書いてラップするのみ。実際、エル・テレサが歩んできた道のりとは、どのようなものだったのだろう。今回届けられたニューアルバム『Sweet My Life』のこと、音楽漬けの毎日のこと、内に秘めた想い――。普段はあまり口にすることはないリアルな本音について、全て吐き出してもらった。

これは、「覚悟」を決めた人のインタビューだ。

──アルバム『Sweet My Life』のリリース、おめでとうございます。デビュー以来いくつか作品を重ねてきた中で、今回これまでと最も変えた点、新しい点はどこでしょう？

エル・テレサ（以下、エル）　このアルバム自体は、録り終わったのは3年くらい前なんですよ。コロナとか色んな理由があってこのタイミングでのリリースになってしまったんですけど。変わったのは、ビートがNever Child以外、全て海外の人たちという点ですね。それは今までのキャパだったらできなかったこと。ビートに関しては全然古さは感じない。でも、ラップはけっこう若さを感じます。今同じようなラップをやれって言われてもできないし、こういう素直で真っ直ぐ分かりやすいリリックも書けない。「イージーすぎるでしょ」という人もいるかもしれないけど、でもシンプルに書くのって一番難しいから。

──ということは、最近出していた色んなフューチャリング曲の方が作ったのは後で、リリックもちょっとひと捻りあるということですね。

エル　そう。“GOKU VIBES”の方が後に作ってるからね。20歳超えてからの一年一年って自分にとってすごく長くて、着実に毎年成長している実感もあるし、できる幅も広がった。だからこそ、この作品はもう今の自分には作れないし、フレッシュに聴こえます。

──具体的に、ご自身で成長したなと思うポイントはどこでしょう。

エル　私はトラップミュージックが好きなんですよ。なんで自分はトラップミュージックが好きなのか、ということをより自分で分かってきた気がするんです。バックグラウンドとして、自分でそれをちゃんと説明できるようになった。大抵の人って、「ラッパーです」「ラップしてます」「ヒップホップ超好きなんで」みたいな感じじゃないですか。それじゃ何も伝わらないな、と思うようになりました。エルは、昔からブラックミュージックのカルチャーが大好きで育ってきて。ヒップホップも、R&Bも、ダンスも、色んなのが好きだったんだけど途中から「なんか違うな」って思いはじめた。あれ、これって真似事じゃないかな？　って。そこから、トラップミュージックを自分の中で噛み砕いていったら（ニューアルバムを指しながら）こんな感じになるな、ってたどり着いた感じです。

──トラップミュージックにそれだけ惹かれる理由は？

エル　サウス系のサウンドが好きで、周りも普通に聴いてたからそれが自分の中でスタンダードだったんですよね。「もう、これしかない。これを基準に世界中の人が真似してるんだ」って思って。でも、エルは別に育ちが悪いわけでもないし、生きるか死ぬかの世界にいるわけではない。だから、そのままやったところで何にも響かない。マジで、何一つ響かないんですよね。じゃあそこで、自分でしかできないトラップミュージックって何だろうって考えに考えた結果、出来上がったのがこの音楽です。「こういうトラップよくあるじゃん、ラップは隙間あいてるしビートもシンプルだからできるよ」って言う人もいるかもしれないけど、それは絶対にない。どこの世界探してもこういうトラップミュージックはないから。それは自信がある。

──自分でしかできないトラップミュージックが、はっきりと自分で分かるようになったと。

エル　そうですね。チーフ・キーフ（Chief Keef）とかトラヴィス・スコット（Travis Scott）とか、アイコンじゃないですか。自分はそういったアイコンになりたいんですよ。色んなことをやれるようになってきて、でもそれによって自分が何者かが分からなくなることもある。だからこそ「この人は何やっても間違いないよね」っていう、アイコニックな存在になりたい。でもそういうのって自分で言うんじゃなくて知らない間に周りが言うものだから。うん……まだまだですよね……。もっと成長しなくちゃいけない。

──いま、何かぶち当たってる壁があるようですね。

エル　うーん……。エルって、面倒くさい人だと思うんですよ。今回のアルバムも、アートワークの写真一枚だけで何度もレタッチ戻して、色だけでも数えられないくらい直して。もう「何が違うか分かんないんだけど」みたいなレベルですよね。でもエルからしたら全くと言っていいほど違う。MVも、周りからは「これで可愛いじゃん」って言われるけど「全然可愛くない」って思ってやり直す。まぁ、そのたびに周りからはどんどん嫌われていきますよね。でもさ、違うものは違うんだよ。最近そこにすごく悩む。だからと言って絶対に曲げない。そこで曲げたら、エルじゃなくても誰でもいいじゃないですか。

──うんうん。

エル　でも、アイコンになるには一人ではできないから。周りが嫌になってしまったら、私はもうアイコンにはなれないんです。（アルバムのアートワークを指しながら）この写真一枚だけで「もう本当に〆切延ばせても明日までだから！」「でも本当にこれじゃ無理なんです！　絶対だめなんです！」っていうやりとりを超ギリギリやってて。逆に、初期の頃はもっと適当だったんですよ。今思えば、それで後悔してる。遊んでる男の子とかいたら、エルの昔の曲とか聴くじゃないですか。もう、本当にやめてって思う（笑）。

──どのくらいのタイミングで変わってきたんですか？

エル　『KAWAII BUBBLY LOVELY』くらいですかね。そこから自分でメロディを作るようになった。ずっと夢を描いてたんです。もしUSのスタジオで、自分の好きなラッパーたちと会えて一緒に曲作れることになったらどうしようって。そうなった時にちゃんと戦えるように、とにかく練習しようって思ってそこから毎日曲作るようになりました。今は、もうやれって言われたらできる。とにかく練習あるのみで、そういった準備を始めたのがこのくらいの時期。あの頃からしたら、もうどこまででも行けるなって思う。エイベックスと契約してメジャーに行くって誰が想像してました？　Lil Keedとコラボしてるなんて、あの時からしたらヤバすぎるじゃないですか。それはつまり、続けていけば成長できるってことなんですよ。もっともっと成長したいし、その姿をみんなに見せたい。

──私は、エルというラッパーの一番の強みはメンタルだと思っています。だって、デビュー当時、本当にヘイターだらけだったじゃないですか。ビートジャックで出てきてパクリだなんだと言われまくっていた。あの状況からの形勢逆転です。これほどまでの状況をひっくり返したラッパーは自分の知る限り国内にはいない。

エル　マジでそう（笑）。

──絶対忘れないですよ、あの頃みんながどれだけ袋叩きにしていたか。当時を知っているから、私はいまだに信じられないんです。今何が起こっているのか、まだ理解が追いついていない（笑）。

エル　でも、誰だって続ければこのくらいまでは来れますよ。

──って言うじゃないですか。それは正しいんです。でも、続けられないんですよ。みんなやめていく。

エル　そうですね。

──「ラップで生きていくわ」って言う人は多いですよ。でも色んな事情があるし、二年経ち三年経ってくるとほとんどの人が続けられなくなってくる。それに、ラッパーがこれだけ増えて、みんなもうそこそこスキルはあるわけです。みんな普通にラップは巧い。そうなると、結局大事なのはハートじゃないですか。コツコツやり続ける、ひたむきに努力する、毎日少しずつ成長する。当たり前のことを言ってますけど。

エル　本当にそうですよ。10代で今からラップやりたいっていう若い子たちは、今売れてるラッパーの人たちを見て派手だしモテそうだしお金持ってそうだしいいなって思うかもしれないけど、マジでそんな甘くない。これだけは言いたい、マジでマジで甘くないから。エルとか今でも絶対に毎日スタジオ行って曲作るし、とにかくずーっと音楽しかやってないからね。じゃないと生き残れない。こんなこと言うまでもないけど、今売れてるラッパーの人たちってみんなめちゃくちゃ努力してる。ラッパーって一瞬でダサくなれるし、一瞬で消えられるんですよね。続けていくのがどれだけ大事か。

──なんで続けられるんですか？　みんなやめていくのに。

エル　なんでだろう……やっぱりラップが好きだからかな。

──みんなそう言う。

エル　（笑）。なんでだろう！？　お金稼げるからかな？（笑）最初“CHANEL”でお金稼げて、こんなもらえるんだって思ってそれが続いてる感じ。あと、一人でいるからじゃないですかね。エル、友達とか多くないから基本一人でいるんですよ。東京にも住んでないし、沼津で音楽しかやってない。毎日音楽やってないと自分に不安になる。だから、とにかく毎日音楽だけを真面目にやってる。その積み重ねで、自分のやってきたことに対して自信もある。

──今日話されているような苦労話みたいなのって、リリックではほとんど出さないじゃないですか。だからこそこういったインタビューの場で語ってもらえるのはありがたいですね。

エル　楽してここまで来てると思われるのも嫌だし。それに、こういうことちゃんと言っていかないとこれからのヒップホップ業界にとってほんとに良くないと思う。たとえばUSとかって、努力しなくてももうグルーヴが全然違うラッパーがうじゃうじゃいる。マジで2秒でヤバすぎるラップ出してくるから。でも、うちらアジア人はスタート地点にすら立ってない。それなのに努力もしないでどうすんの？　って思うんですよ。後輩でも、ずっと一緒にやってきた子がレーベルやめちゃって。その子には「エルちゃんは今その立場だからいいよね」とか言われたんだけど……。いや、そんな甘くない……ほんとに甘くないから。

──国内でメジャーまで登りつめて、これからもっと売っていきたいですよね。

エル　今回のアルバムとかポップな一枚にはなってるけど、トラップミュージックがベースにあるからただのポップじゃないし。他にも、もっとゴリゴリのトラップで作ってる曲もたくさん溜まってて。それら全部が自分の一面だから、これからリリースしてどれかが当たったらいいなって。

──Lil Keedとのコラボはどういった経緯だったんですか？

エル　最初は一人でラップしてたんですよ。で、フューチャリング入れたいねって話になって「Keedがいい！」って言って（笑）。それで一年後くらいに決まって、Keedのヴァースが送られてきた時にマジで震えた。ヤバい！　って。だって、ずっと見てたラッパーじゃん！？　自分がやってきたことが間違ってなかったんだなって確信できた。エルは、同い年とかの友達がみんなクラブ行って遊んだりしてるの見て正直羨ましいなって思ってたよ。ていうか今でも思うし。自分も遊びたいなって。でも、それを我慢して自分がやるべきことを正解でも間違っててもいいから信じてやり続けた結果、今回のコラボに至ったと思う。だから、今回のことはエルにとっては大きいことだった。

──それに、表現の幅がかなり広がってきてますよね。Keedとの“Wifey”は猛々しいラップが新鮮ですが、他にも“Cow boy”などは高い声を使っていたり。最近、Bossman JPとの“Bousouzoku（Phone Call）”や“Hood In Your Life”などもフロウとしては新境地ですよね。

エル　逆に、もっと最近だと低い声でラップすることが多いんですよ。金髪から黒髪にして、ちょっと大人になったのかな。

──独特の語感のリリックは以前からエル作品の魅力としてありますが、今作では特に“DREAM*”でも「プッシー」「プリプリ」「ピチピチ」と、パ行の音が気持ちいいですね。

エル　それ言われるのは嬉しい！　そうなんですよ。“DREAM*”のプロデュースはNLE・チョッパー（NLE Choppa）なんです。めっちゃいい曲ですよね。

──そういった語感と繋がる話かもしれませんが、今回“Pancake”という曲もある通り、リリックにおいて食べ物が頻出するじゃないですか。エル作品にはラグジュアリーブランドやアニメキャラもよく出てきます。ブランドはFlexするため、アニメキャラは自身が同化したいイメージ。となると、食べ物はどういう理由があってリリックに使われてるんだろうと気になっていて。

エル　確かに、食べ物について書くことが多いですね。エロくてセクシーだからかな。食べ物は口に入れるじゃないですか。

──なるほど。やっぱりさっきの語感と同じで、その辺はセクシュアルなテーマという点で繋がってそうですね。それはエル作品の大事なポイントだと思っていて、SNSでも食べ物を接写してアップしています。その食べ物の切り取り方が非常に独特。

エル　確かに！　めっちゃ食べ物載せますね。写真の撮り方が独特っていうのはよく言われます。

──あのちょっとグロ可愛いセンスはどこから来てるのかなって。あの撮り方にエルのセクシュアルな感性が出ている気がするんです。

エル　でもそこ訊かれたの初めてで嬉しい！　食べ物ってラグジュアリーな感じしません？　寿司とか。それもFlexの一部なんですよ。

──これまでの作品のアートワークでも、キュートなものに加えて少しグロい、ホラーっぽいテイストが入ってますよね。私の中でエルの世界観は7割が可愛くて3割がホラーなんです。

エル　そうだね……！　そうかも！　知らなかった。なんでだろう……？　思い当たるとしたら、外見のことかな。私ちっちゃい頃に可愛い可愛いって言われて育てられたんですよ。それで、自分が一番可愛いって思ってたんです。でも、最初に曲を出した時にめちゃくちゃブスって言われまくった。それで、私けっこうびっくりしたんですよ。「エルってブスだったんだ」って。そこからどうやったら可愛くなるかずっと考えてるんだけど、顔をはっきり出すのが嫌になったんですよね。だから、実は顔をはっきり出してることってあまりない。今はもう自分に自信も持ててるけど、生々しい自分の顔の写真はちょっと嫌だし、暗くて病みっぽいビジュアルはそういう気持ちから来てるのかもしれない。出てきた当時にほんとに色々言われたし、自分では気にしてないって思っててもやっぱり気にしてたりするのかもね。

──実は、以前から暗い曲は多いですよね。そのあたりも、けっこうパーティ系の人って誤解されているところはある気がします。実はエモい曲が多いし、そういった曲にこそエルの醍醐味が詰まっていると思う。今回のアルバムも暗い曲が多いですね。

エル　これ作ってた時期に自分はすごく大きい恋愛をした相手がいたんです。学校とかあんまり行ってなかったから青春みたいなことって経験してこなかったんだけど、その人と一緒にいて、そういうのも楽しいじゃんって思ったんですよね。ラップやめてこの人と結婚するのも一つの幸せだなって思ったりもした。結局別れちゃったんだけど、そういう恋愛ってこれからもそうそうできるものではないだろうし、気持ちをちゃんと残しておきたかったんです。楽しいことも多かったけど、辛いことの方が多かったよ。でもそれは今思うと全部必要なことでもあった。

──エルの曲を聴いていると、幸せなことってずっと続かないよねって思うんです。それに気づいちゃってる人が書いてる曲だなって。刹那を知っている人だっていうのが伝わってきて、苦しくなる。

エル　そう、ほんとにそうなんですよね。幸せなことって続かないんですよ。ハッピーエンドとかそうそうないし、生きてて大体は辛いことばかりじゃないですか。でも、たまにご褒美で楽しいことがぽーんって来るけど、それも一瞬だし。でもね、その辛いのも後になったらいい思い出になるから。

──今回のアルバムは『Sweet My Life』っていうタイトルでこういうアートワークだからすごくポップでキュートな作品かと思って聴いたら、相変わらず暗いですよね。“I can’t feel it”とか“maybe love u”とか。Keedの訃報もありましたし……。

エル　Keedの件は私は普通にツイッター見てて知ったんですよ。えっ、どういうこと？　って思って。実は去年の終わりから、NYとLAの友達が二人続けて死んじゃってるんです。一人はODで、一人は銃。ずっと会ってなかったから現実味がなかったんだけど、死がこんなにも身近なんだって思って、最近すごく怖いし辛い。今でもKeedとの曲聴いたら心が痛むよね。だって2週間前に会ってた人だよ？　このアルバムは辛いことだらけで、最後にまでそんなことが待ってたなんて。でも、それも人生だから。辛いのも全部ひっくるめてのエル。エルの曲ってみんなで聴く音楽じゃないんですよね。エルと向き合って一対一で聴く音楽だと思う。だから、一人で向き合って聴いてほしいです。

──今日は、エル・テレサというラッパーのリアルに迫れた気がします。ありがとうございました。

──NAOさんは小さい頃はダンスを習っていたとか。

NAO AIHARA（以下、NAO）　そうですね。友達に誘われたのがきっかけで、小学4年ぐらいにジャズダンスみたいなところから始めて。高校からダンスの専門学校に行って、そこでヒップホップ、バレエとか基礎からいろいろ練習していました。

──音楽的な興味はどうだったんですか？

NAO　歌を始めたいと思ったきっかけは映画『バーレスク』を観たことです。そして、そのあとに『ドリームガールズ』を観て、「歌ってこんなに伝えられるんだと」思ったんです。もともと文章で自分の気持ちを伝えるのが好きだったんですけど、歌で伝えられたらいいなというのはその時に思いましたね。

──『ドリームガールズ』の特に誰からの影響が大きかったんですか？

NAO　どちらかというとビヨンセ（Beyonce）より、ジェニファー・ハドソン（Jennifer Hudson）に私は近しいものを感じました。今だったらビヨンセの“Listen”のを歌いたいって思うんですが、当時は、“Listen”よりジェニファー・ハドソンの“And I am Telling You I’m Not Going”を練習してた記憶があります。そこから掘り下げて、ジェニファー・ハドソンの曲を聴いたり、映画を観たりしましたね。またアレサ・フランクリン（Aretha Franklin）を聴き始めて、そこから『ブルース・ブラザーズ』を観て衝撃を受けたりもしたので、そこは今も繋がっているルーツだと思ってます。

──そこから具体的にはどういう活動を？

NAO　オーディション受けるまで、個人的に活動してたときはR&Bとかの洋楽をピアノやギターの方にサポートしてもらって歌ったりして、ライブに出たりしてました。でも、やっぱり『バーレスク』の印象が強すぎて、ダンスがやりたい気持ちがあり、ダンスもできるような曲もどんどん聴くようになっていました。それこそ『ヨルヤン』のオーディションの曲を聴いた時に、ソウルっぽさのある深い感じで歌えるような低音から始まり高音もあって、みたいな私の好きな要素が詰まってましたし、同時に行われていたダンサー・オーディションのダンスの振り付けもかっこよかったですし、自分がイメージできるところにハマってたんですね。密かに自信もありましたね（笑）。

──自信もあったので、って力強いです。話を戻しますが、ハイティーンの頃はどんなアーティストを聴いてたんですか？

NAO　洋楽で歌える曲が何曲かあったほうがいいなと思って、アリシア・キーズ（Alicia Keys）の“If I Ain’t Got You”とビヨンセの“Listen”、あとPiNKはめっちゃ練習しました。“Listen”は今も歌い上げられるまでになりたいなという目標があります、けど、やっぱり難しすぎて（笑）。

NAO　たしかに。歌詞を書かれたEmyliさんが課題曲ではボーカルとしても歌ってらっしゃって、それがうますぎて感動して、まず真似しようと思って練習しました。それから自分らしさをプラスできるところが割とスッと入ってきて、それですぐ歌えたというか。「あ、これ得意かも」と。だからちょっと自信があったんじゃないかな。

──そこで残れたんだと思います。ヴァースが得意な人とサビが得意な人に分かれそうな曲ですし。オーディションの課題曲としては、Aパート、Bパートという送り方になってて、デュオで歌う複雑な作りになっていましたよね？

NAO　そうなんです。「こんな曲、誰が歌えるんだ？」って、オーディションに来てた子がみんな言ってました。初めて聴いたとき「こんなん歌える人いないでしょ」「ガイドボーカル、越えられないでしょ」って（笑）。

──作家、プロデュサー、アーティストとしてのSOCIAL HOUSEに対するイメージはありましたか？

NAO　アリアナ（・グランデ）のイメージがすごくあって、強いトラックのイメージがすごくありました。“lighthouse”はSOCIAL HOUSEらしく、トラックがすごく重たくて心臓にくるような感じがあって、歌詞も相まって響くものもあるんだろうなって思います。

──トラックの強さも意識してオーディションで歌ってましたか？

NAO　そうですね。歌ってる時にトラックとか歌詞に引っ張られる部分は絶対ありますし、強い気持ちにさせてくれる曲だなというのは歌っていて感じていたことでした。

──歌詞についても訊かせてください。NAOさんが書き加えた部分はあるんですか？

NAO　 2番の歌詞は私の書いたものがベースとなっています。オーディションの合格が決まって、改めて1番の歌詞を聴いた時に、自分なりの歌詞の解釈で、“悩みもがいている先にあるもの”みたいなイメージが浮かんできたんです。自分にもその状況によく似てる時期があったので。普段から思ったことを歌詞のようにして書き溜めていたんですが、当時書き溜めてた歌詞を読み返して、それを少しずつ書き直しながらEmyliさんと一緒に書かせていただいた感じですね。

──《耳を塞いでも聞こえてくるの 言葉と視線のナイフ》以降ですね。人からの意見や視線を気にしなくてもいいのに、気にしてしまう、そんな内容ですが、「その状況」というのはアーティストとしての活動の前ですか？

NAO　そうですね、過去にグループで活動してたときに、自分がやりたいこともできず、意見も届かず、ずっとズレを感じている中で、もがいてるような時期があって…。そのときに苦しくて書いた歌詞なんですが、当時は、一番迷ってた時期なんですよね。だからその状況と合うなと思って、もう一回書き直してみようと。もがいているだけじゃなく、今、掴み取るものというか、目指すところがあるよっていうことを伝えたかったので。

──グループではどんな活動をしていたんですか？

NAO　演技やダンスの舞台をやっていました。そこでいろんな方々と関わったり、話を聞いたりして、それが自分の考え方の広がりにもなったと思います。人との関係性の持ち方とか、コミュニケーションという点では学んだ部分はとても大きかったし、そこがきっかけで全てが始まってはいるんですね。

R＆B、ソウルといった音楽や、好きになったミュージカルや映画も、その活動の中で巡り合ったものですし、歌もそこがあったから始めているのは絶対的にあるので、そのルーツには感謝しつつ、今の自分に繋げていけたらいいなって一番思ってますね。

──そのエネルギーを溜めて、今こういった形に。曲にマッチするわけですね。

NAO　だからこそ、ダークな部分も書きたいなと思って、曲もそういうイメージを汲み取ったので、自分の中で。だから繋げていきたいなと思います。

──そして、今回、s**t kingzのkazukiさんによるのコレオグラフですが、グループなのでストーリーがある感じですね。

NAO　kazukiさんは歌詞を汲み取って、振りを考えてくださった部分が多かったので、ダンスプラクティスの時には鳥肌と涙が止まらなくて。全部がフラッシュバックしたというか、ほんとに特別なものだったんだなと思いました。私が歌詞を書かなかったら今の振り付けになってなかったし、全てが重なってこの作品ができたというのはすごく嬉しく感じてますね。

──s**t kingzのダンスも観ていたんですか？

NAO　過去にkazukiさんのレッスンも受けたこともありました。もともとダンスから入った身なので、今回のことに関して言うとkazukiさんが振り付けすることが一番「ヤバい！」みたいな（笑）。

──高校生の私からしたら？

NAO　向こう側でしか見たこがとないkazukiさんがこっち側にいるっていうのが、もう感動したというか、それが一番「ヤバい！」って一番思ったところですね。

──オーディションで勝ち抜いて、この楽曲でデビューすることになってからの意識は変わりましたか？

NAO　はい。私自身、ダンスをしているということもあり、周りのダンサー子たちとも仲がいいんですが、今まで一緒にダンスをやっていて出会った子たちと、今の自分として出会うダンサーの子って全然解釈が違うなと感じています。当たり前なんですけど、ダンサーのみんなを引っ張っていかないといけないし、全体の中で突き抜けてないといけないというか、そうありたいと自分も思いましたし、いい意味で背筋が伸びた感じはしてましたね。

でも距離感として自分が「アーティスト！」みたいになりたくなかったんです。作品にも絶対、気持ちが入ると思ったので、ダンサーのみんなとは、一人ひとりとちゃんと話して。「こういう思いがある」という話は意識してやってたところはあると思います。

──ダンスにも重きを置いてるんですね。歌と同じぐらいやっていきたい？

NAO　やっていきたいですね。ずっとそうなんですけど、今またダンスに結構メラメラしてるので。ずっとダンスをやってた身として、「ダンス」でしか表現できないものっていうのも絶対あると思っています。私もそれで感動することが多かったし、今までいろんな人が作る「ダンス」で表現された作品を観て心動かされることが多かったので、そこの要素も自分の中に取り入れてやっていけたらいいなっていうのはすごく思います。

──NAOさんがここまで話してくれたことががほぼそうだと思うんですが、改めて目指したいアーティスト像はどんなものでしょう。

NAO　自分が表現したいことを自分らしい表現の仕方と言葉で、寄り添えるような、近すぎず遠すぎずのアーティストになっていきたいなと思います。あと、エンターテイメントが好きなので、単純に観て楽しいってだけじゃなく、「感動したなー」って思ってもらえるような、そんな存在になりたいですし、歌う歌にも説得力を持ちたいので、言動もそうだし、人間としての厚みを持って、自分の人生を歌っていけたらいいなと思います。

━━オーディションに合格しユニット結成以降、楽曲のレコーディングに臨んでみていかがでしたか？

大原きらり（以下、大原）　自分の強みは歌声を前面に押し出せることなので、オーディション時点では「どんな曲がきても負けないんじゃないかな」って思っていたんですよ。でも、いろんな音楽ジャンルの曲が用意されていたので、実際には全てを力強く歌えばいいだけではなかった。特に感情を込める部分は繊細に、静かに歌わなくちゃいけないことが難しかったです。

ただ、いろんな曲をレコーディングしていくにつれ、新しい歌い方を試行錯誤できるようになりました。特に“フェーダー”は私の出だしから始まるのですが「そんな歌い方したことない」ってくらい静かにゆっくりと歌わなくちゃいけなくて。気持ちを抑えつつも、聞いてくださるみなさんにきちんと届くように……っていう絶妙なラインを掴むことを意識しました。

━━全体的にみても、個々人においても表現の振れ幅がすごいですよね、このアルバム。ちなみにみなさんはどの曲が一番難しかったですか？

作山 由衣（以下、作山）　“パンデモミウム”ですね。符割りがかなり早口だし、音程の変化もすごく激しくて。“夜明け”も早口ではあるのですが、それ以上に難しかったのは“パンデモミウム”だったかもしれない。みんなで「この曲やばいね」って。あと、ハモりが段違いに複雑だったので苦戦しました。

よせい　でも、みんなお互いを信用してるから「どうせいけるだろう！」ってね。各々がレコーディングブースに入るたびに「頑張れ〜！」って見送ってました。

実果　“パンデモミウム”は難しいと同時にめちゃくちゃ楽しかったかも。作編曲を担当されていた椎乃味醂さんの楽曲をもともと聴いていたので、この楽曲が届いた時は「え、やばい……」って。いちファンとして嬉しかったです。

━━実果さんは過去のインタビューではレコーディング中に涙をこぼす瞬間もあった、とおっしゃっていたのですが、特に苦しかった瞬間はありましたか？

実果　レコーディングが本当に難しくて。特に“夜明け”は思い通りに歌えなくて、オーディションの『ヨルヤン』の番組内にも残っているくらい泣きました。ただレコーディングを重ねるごとに楽しむ余裕ができて。みんなで作り上げた実感はありますし、現時点で「このアルバムが自分の宝物になる」と確信しています。

あと“インベーダー”はオーディションの課題曲だったこともあって思い入れがあります。特にレコーディング中、最後の部分でフェイク（※音程やメロディに変化を加える歌唱技法）をさせてもらった時に「カッコいいね！」って言われたのが思い出深いです。

よせい　私はデビュー曲ということもあって、“夜明け”が一番刺さっているかもしれないです。自分の中でもすごく特別な楽曲。心に悩みを抱えていたり、不安を抱えていたりするときに歌詞が寄り添ってくれるんですよね。

私はもともと歌手になりたかったのですが、母親は大学への進学を強く望んでいたんです。本当に運良くオーディションに合格したものの、正直、両立ができるのか不安でした。「何が真っ当な人生なのか」を悩んでいた時だったので、この曲が自分に刺さりました。「自分はこれでいいんだ」と思えるようになったんです。

ゆゆん　思い入れでいうと、私は“アンバランス”かもしれないです。初めてmzsrzとして『ショコラの魔法』という映画の主題歌を担当させてもらったんですよね。歌唱パートの振り分けを見た際に、私が一番最初の歌い出しと一番最後のフレーズのソロだったんですよね。

正直、「私が、そんな重要なパートを務めていいのかな」って不安になりました。私は自己肯定感が低くて「私はこのグループに必要なのか」ってずっと考えてばかりで。だからこそ、この大役を務めさせていただいたことで「私が必要なんだ」ってやっと感じることができました。

━━今回のアルバムは昨年の夏頃から準備をスタートされたと伺いました。みなさんにとっては初めてフルアルバムのリリースとなりますが、最初に「アルバムを出す」ということが決まった時の印象を覚えてますか？

よせい　今まで好きなアーティストさんのアルバムを店舗で見て「形に残るのはいいな」と思っていたので、まさか自分たちもこうして作り上げてきたものを形にできる機会をいただけるのは本当に嬉しいです！ 皆様の手に渡る機会をいただけたことに対し、感謝の気持ちでいっぱいになりました。

━━では、実際に出来上がったCDを手に取った時はどんな感情が沸きましたか？

大原　すごく「mzsrzらしいな」って感じました。そして、よせいが言ったように「形に残る」っていうことがとても嬉しいです。発売後にCDショップで並ぶ姿を想像して楽しんでいました。

作山　 まだ未熟な私たちが、世の中に出ている著名なアーティストさん達と同じものを出せていることがすごく嬉しいですね。関わってくださった多くのみなさんや、何よりファンの方に感謝しています。

ゆゆん　私は未だに実感が湧かないんですよね。デビューして1年でアルバムって出来上がるんだな……って。でも、お店に並んだら「mzsrzのアルバムが置いてある！」って今とは違う感情が湧いてくるんだと思います。

━━オーディション時点ではメンバー同士の面識もなく、文字通り「見ず知らず」だったのに、なぜここまで結束力をもって一つのアルバムを完成させられたのだと思いますか？

よせい　お互いの「歌声」が好きだらこそ成り立っている関係なのかなって思っています。メンバーそれぞれの声に魅力と特徴があって、初めてお互いの歌声をオーディションで聞いた時にすごく惹かれたんですよね。そしてレコーディングを重ねていくにつれ「やっぱり自分1人だけだったら、自分自身の良さも出なかったな」って思う瞬間はありました。みんなの歌声が出会ったからこそmzsrzの楽曲になることができたんです。

━━今回の1st Albumを経て、次にmzsrzとしてトライしてみたいことがあったら教えてください。

大原　次はそれを手にとってくださる方々を生で感じたいですね。そしてこのアルバムはいろんな音楽ジャンルが混ざり合って構成されていますが、まだまだ駆け抜けていくためにもっと新しいこと……絶対に人間が歌えないような曲ができたらかっこいいなって思います。

作山　私はみんなで作詞作曲まで携わっていきたいですね。それを感じたのが最後にレコーディングした“Repeat”でした。この曲にはメンバーそれぞれの日常生活を録った音がアレンジとして組み込まれていて、それを聴いた時に「自分も制作に関わっている」っていう実感が湧きました。

歌声だけではなく編曲にも携わられていることを嬉しく感じたし、そこでみんながひとつのきれいな円となり重なりあえた感じがしたんですよね。あとは衣装やMVも自分たちでプロデュースしてみたいです。

実果　私は個人的には自然の中でMVを撮ってみたいです。ただ何より、ライブをしたいなっていう気持ちが強いですね。生で歌うからこそ得られる感覚もあると思うんです。自分が今まで観てきたライブで感じたこと、そして自分がライブをやる立場になって感じることを曲にしてみたい。早く応援してくれるファンのみなさんに会いたいです。

ゆゆん　私は個人的な願望になっちゃうのですが……いつかまたドラマの主題歌を歌わせてもらうことがあったとして、その時は、ドラマのワンシーンにださせてもらいたったりしたいな、と（笑）。

全員　あぁ〜！

ゆゆん　ライブのシーンがあったとして、その時にmzsrzが映ったりもしてね。そういう妄想をよくしています。そこで私たちをいろんな人に知ってもらい、そこらへんの道を歩くだけで「もしかして？」ってザワザワされるくらい知名度をあげていきたいです。

よせい　ドラマの最終話とかね（笑）。それぞれやりたいことは違ってくると思うけど、今後mzsrzとして「もっともっと飛躍していきたい」という気持ちは大前提にあると思うんです。声やイラスト、みんながいろんな才能を持っているなと感じています。

5人それぞれの才能がもっと伸びて、より魅力的になってたくさんの方に伝わればいいなと思っています。mzsrzとしては「micro music」というコンセプトのもと、聞いてくださる方、ひとりひとりに寄り添っていけるような音楽を続けていきたいです。もっともっと、mzsrzらしく進んでいきたいなと思います。

━━まずは＜TOKYO LIGHTS＞に携わることになった経緯からお聞かせください。

潤間大仁（以下、潤間）　最初は今年の3月ぐらいにイベントのプロデューサーさんからお声掛けがありました。そこから＜STAR ISLAND＞を作ってきたエイベックスのチームとして、どういう企画で提案しようかというところを詰めていったんです。東京都が描く3年、5年、10年にわたるビジョンと想いを踏まえた上で、僕らはどういうイベントを目指すのかというビジョン、コンセプト、そしてコンテンツをプランニングしました。

━━潤間さんはその時期に、＜東京 2020 パラリンピック＞の閉会式を、クリエイティブディレクターとして指揮されていましたよね？

潤間　そうですね。夏はまったく動けない状況だったので、本格的にスタートしたのは9月頃です。ただYAMACHANGには別のイルミネーションの企画があったので、夏前ぐらいに、ざっくり相談はしていました。レーザートンネルをやろうっていうのは6月ぐらいには企画として出す方向にしていたのですが、今までにやったことがないものだったので、検証として7月に大井競馬場へ行ってレーザーを試しましたね。とにかく“やったことがないものをやる”というスピリットは＜STAR ISLAND＞のときからあって。 日本オリジナルのエンターテイメントが海外に展開している例がほとんどない中で、それをエイベックスさんと＜STAR ISLAND＞で一緒に作ることができた。海外に行けばシルク・ドゥ・ソレイユとか錚々たるエンターテイメントのコンテンツがある中で、僕らとしても東京都からご依頼をいただいたときには「東京から世界へ発信していく」ことや、いずれインバウンドとして海外の人が再び東京に集まってきたときに「日本にはこれだけ魅力的な才能やコンテンツがある」ということを伝えられるようなイベントにしなければいけないなと。日本だけでなく世界に届くストーリーやメッセージ性も必要ですが、同時に興味を持っていただくためには、まずはあっと驚かせる、とっておきの武器みたいなものは絶対的に必要だと考え、それが今回はレーザーでした。

YAMACHANG　2020年の12月に、特殊なレーザーが主体のイルミネーションをやったときに潤間さんに見てもらって。僕もレーザーを散々やってきましたが、その時は「ここまでやっていいんだ！」ぐらいにやりました。そのインスピレーションのもと、まったく同じことはやりたくないから「東京で何をやるか？」と考えたときに、「レーザートンネルでしょ」となったんです。

潤間　それは別のイベントだったんですが、根本で言うと＜STAR ISLAND＞は東京以外にシンガポールとかサウジアラビアでも開催していて、海外の方が圧倒的にレーザーを使える。機材のパワーもそうですが、環境や制約もまったく違うので、海外で初めて「レーザーってこんなことできるんだ」っていうのを知ったんです。でも、レーザーの能力を最大限に発揮した状態を、海外で知るのってやっぱり悔しいじゃないですか。それに、これまでレーザーはどうしてもアーティストライブのお飾りのような使い方でしかなかったので、レーザーの能力を最大限に発揮できる演出を考えました。

━━YAMACHANGさんとしても、海外でレーザーの可能性への手応えはあったんですか？

YAMACHANG　僕は2018年シンガポールが初めての＜STAR ISLAND＞参戦で、日本のルールの中での機材プランを構築したのですが、いざプロジェクトが進んでいくと「もっとやっていいんだ」の連続で。公の場で本領発揮していいことを知り、とんでもないスケールでやらせてもらったものの、日本ではその規模感を実現することがやっぱりけっこう厳しくて。そこから改めて国内に関して1回調べてみたら、実はやっていいことが多いと分かったんです。

潤間　これまでは、レーザーをそれだけ大量に放射しようと考える人たちがいなかったり、主催者や地域住民の方のご理解が得られなかったり、そういうハードルもあったのかなと。海外だとむしろそういう新しいことを楽しんでくれる感覚があるし、かといって日本人の心が狭いってことじゃないと思いますが、どうしても「10万人が喜んでも、ひとりでもクレームを言う人がいたらやらない」という判断基準が日本ではあるのかなと。

YAMACHANG　これまでのルールは、レーザー業者がリスクを負いたくないという考えのもとで作られていたものが多かったのですが、今回の＜TOKYO LIGHTS＞では、そのあたりもレーザーでチャレンジしている部分であり、変えていきたい部分ですね。

━━ここからはショーのテーマと、実際にどのようなテクノロジーが使われているのかについて伺います。今回の＜TOKYO LIGHTS＞はプロジェクションマッピングの国際大会である＜1minute Projection Mapping Competition＞に加えて、屋外型XRテクノロジーを活用したエンターテインメントショーが披露されるとのことですが。

潤間　まず＜1minute Projection Mapping Competition＞の募集テーマでもある“希望”が今回の大テーマになっています。12月に入って日本も東京も少しずつ前を向き始めるタイミングになってきていますし、今まで耐えてきた2年間はどうしてもネガティブなニュースが多い中で、この2年間を否定するというよりは、良かった部分を振り返りながら前を向ける場になったらいいなと思っています。

━━“希望”という大テーマを踏まえた上でエンターテインメントショーの内容を深く聞きたいのですが、主要なコンテンツの内容と見どころをそれぞれお聞かせください。

潤間　大きなコンテンツとしては、まず入ってきたところに「MIRAI SANDO」というレーザートンネルがあり、それを抜けるとショーのステージが見えてきます。ステージでは1日4回公演で＜REFLECTION＞という体験型XR SHOWが行われ、その先には来場者参加型のインスタレーション「TOKYO LIGHTS」という光のモニュメント。そして、それらを見終わったあとに世界中から集まったプロジェクションマッピングの作品を御覧いただくという流れになっていて、この一連の流れを“光の旅”というストーリーで繋いでいます。

━━それらのショーで使われているテクノロジーの中で、＜TOKYO LIGHTS＞独自のものがあれば教えてください。

潤間　技術的にはYAMACHANGがレーザーをプログラミングしていて、使っているレーザーというのが、KASTという会社が開発しているファイバービームと呼ばれるもの。今まではどうしてもレーザーが目に直接当たったり、カメラに当たったりするとトラブルが発生する強い光だったんですが、KASTさんのファイバービームは至近距離でなければ浴びても大丈夫で、触れられるような距離感でレーザーを見てもらうことができる。

また、「MIRAI SANDO」はいわゆる神社の“参道”をイメージしています。参道のもともとの由来にお母さんから子供が生まれる“産道”が所説としてあるらしいのですが、「MIRAI SANDO」は、光で覆われた不思議なトンネルをくぐりぬけていく過程で、己を見つめる心の旅がはじまり、本当の心の内に気づいてくような没入体験ができる空間になってほしいと思って作っています。トンネルを抜けると、XRショーの舞台となるステージが現れ、同じファイバービームを使った無限にパターンを作れる12本のアームロボットがあります。それはもうレーザー万華鏡というか……。

YAMACHANG　アームロボットは、1本1本のアームにレーザーが付いていて自由にプログラムできるもので、それを使って＜REFLECTION＞というテーマに沿ったレーザーを構築しています。光源とその光が飛んでくるような感覚が今までのレーザーとはまったく違う。すごく今の時代っぽいというか、現実と非現実の境界線が分からなくなるような光になっています。

潤間　レーザーと聞くと線的な描写をイメージする人が多いと思うのですが、例えるのなら「何もない空間に立体物が浮かび上がる」。12本のアームが内向きにそれぞれ入ることで光が線ではなく面になるため、YAMACHANGとは「これ折り紙っぽいね」って話していて。空間に折り紙で立体物を作るようなイメージなので、YAMACHANGには実際に折り紙でパターンをいっぱい作ってもらっているところです。

YAMACHANG　実際に作っている折り紙を今日は持ってきました。チームでやっていますが、1辺1辺がどういう形をしていて、こう組み合わせるからこの形状になるとかを今はやっています。口で言うだけではうまく伝わらないとは思いますが。

潤間　表現が難しいですけど、“リアルバーチャル”というか。

YAMACHANG　この折り紙とかは実際にショーでやるものに近いと思います。こういうものが空間上に動くので、どこか立体アニメーションを作っている感覚になるんですよ。

━━これまでアームやファイバービームを使ったショーの前例はありますか？

YAMACHANG　ないと思います。ずっとレーザーをやってきましたけど、結局レーザーで皆さんに喜ばれるのって、すごく立体的な光なんです。だからプロジェクションマッピングとかも、もっとお客さんに対して没入感を出せないかと考えて、照明とかレーザーとかで何とかやっていましたが、それを完全に更新したタイムリーなテクノロジーが、KASTさんのファイバービームで実現できます。本来使う予定ではなかったですが、実際に見に行ったら「これを使わないわけないですよね？」ってなりまして。ここ1ヵ月ぐらいの話です。

潤間　「MIRAI SANDO」はやることが決まっていて、ステージの方はXR SHOWなのでHoloLens 2（※）を使って、パフォーマーと仮想現実を合わせたショーを考えていました。ただ、それだとHoloLens 2を付けている人だけしか楽しめないものになってしまうので、空間演出としてレーザーとか照明の使い方を考えていたのですが、なかなかしっくりこない。ただYAMACHANGとKASTさんのところに行って、この機材を見つけた時、10秒で決まりましたね、「これ絶対使いましょう」って。KASTさんとしても作った時点で自信はあったと思います。ただしレーザーとしての役割というか、その可能性を広げてくれる人がこれまでいなかったのだと思います。それで言うとYAMACHANGのやり方は独特なので、それに便乗してさらに僕もアイデアがどんどん出てきました。

YAMACHANG　舞台美術のセットとして使えないかとか。プログラミングしていて難しいけど楽しくて。加えてこの技術を生み出したのが日本のメーカーというのもポイントですし、もうファイバーの技術自体は10年前にはできていたそうです。当時から安全面で問題はなかったみたいですが、ここ2・3年でしっかり確証を取って、アームに関してもここ3年ぐらいで開発した自社の商品だと言っていました。

潤間　元々ファイバービームも機材の最小化を目指すための副産物らしく、結果的に目に優しいと。安全かどうかということを追求したわけではなかったらしいですけど、僕らにとってはビームを浴びていいという部分が革新的なテクノロジーなんです。

※MicrosoftからリリースされているMR（複合現実）デバイス

━━きっと日本にはそういう技術がまだまだあって、いろいろな表現方法ができる可能性を秘めていると思うと、今回のイベントがそういう意味での希望にもなるといいですよね。

潤間　そうですね。あとはパフォーマーに関しては神戸のダンスチームN’ismと、その主催をしている振付家の末澤紀子さんと一緒にやります。その子たちは名だたる世界大会で優勝しているチーム。今回さまざまな最新のテクノロジーは使いますが、生の人間でしか表せない繊細な表情、全身から発するエネルギー、そして想いといった、人間を通して伝えるというのは大事にしたい。そこはYAMACHANGもすごく上手くて、どうしてもすごい武器を手に入れてしまうと見せびらかしたくなるじゃないですか。そこをYAMACHANGはしっかり引き算というか、的確なところでちゃんと使ってくれる。観客の方にはすごい技術を使っていることを知ってもらう必要は無くて、ただ楽しんでいただき感動させたいというだけなので。そこはYAMACHANGとも共有しているところですね。

━━おふたりは＜TOKYO LIGHTS＞の核となる部分はどこにあると考えていますか？

YAMACHANG　今回に関しては「現実感をどうやって忘れさせるか」というのが大きなテーマになると思います。会場に入ってから光の塔に出会うまでは、すべてが拡張されている、光の中にいるような感覚なのかなって思います。

潤間　それはXR SHOWの＜REFLECTION＞というタイトルにも関わっていますが、お互いが持っている個性を光と捉え、共生する社会の中でお互いを輝かせ合うというテーマがありました。自分だけじゃなくて、周りの人を想いやる優しい気持ちになれたらいいですし、光のモニュメント＜TOKYO LIGHTS＞ではそういうことを思い浮かべながら、空を見上げてもらえたら素敵だなと。

YAMACHANG　コロナ禍になってなおさらですが、オンラインの共有の喜びってまだ最近の話で、確実な何かはないじゃないですか。確かにどっちも素晴らしいものだけど、やっぱり生の体験の方が古代から続いている確かなもので。

潤間　コロナ禍に入ってエンターテイメントの不要不急論が出ましたよね。絶対に必要とも言えない状況になっていたのが、次第にやっぱりないとちょっとさびしいという感じにもなってきて。その中でどうしても社会に必要であると言うには、ビジネスとして成立しているかというのは避けては通れないと思います。それこそ自分は、エンターテイメントは生きていく上で必要なことだと思いますが、どうしても一部の人のものでしかないという認識で留まっている。今回はテクノロジーがすごいから来てほしいというよりは、やはり誰かとどこかへ行ける場所を作りたいという気持ちが強い。

それに僕が生にこだわりたいのは、誰かと1つの空間を共有していることがすごく大事だと考えているから。エンターテイメントは効果的に共感性を生むことができるし、今こそ共感性が必要な時代だと思います。＜TOKYO LIGHTS＞では「こういうイベントが東京にあったらいいよね」っていうものを作りたいですし、そのイベントがさらにしっかりと経済効果を生んで、なおかつ日本の若手のクリエイターを発掘する場にもなってほしい。そして最終的に「クリスマスから年越しは日本で過ごしたいよね」って海外の人たちにも思ってもらえるようなイベントにしていくことで、ルール的なものもポジティブに変えていけるはず。アーティストやクリエイターの自己満足ではなく、理解してほしい人たちと一緒に作っていくイベントにしたい。そうじゃないと日本のエンターテイメント文化は終わってしまうのではないかなと思います。