━━まずは2枚のアルバムのうち『ANTI HEROINE』について訊かせてください。一曲一曲が異なる強い色を持つ、バラエティに富んだアルバムになりました。

以前から、さまざまな音楽性にチャレンジしたいという気持ちが強かったので、今回アルバムという形で想いを具現化できて、ほんとうによかったです。

━━今回は2020年9月にリリースされた“GAL-TRAP”以降のシングルからのチョイスと新曲で構成されています。確かに“GAL-TRAP”は、安斉さんが意識的に音楽性の幅を広げていく新章の始まりだったような気がするのですが、いかがですか？

“GAL-TRAP”で初めて作曲に参加したことで、そこから一気に世界が広がっていったような感触はありました。デビューした頃は、90年代リバイバルとかY2Kみたいなイメージが強かったのですが、今回のアルバムではそれも要素の一つくらいに、幅広くチャレンジできたと思います。

━━多様な音楽性を採り入れていくなかで、全体的にはモダンな方向に舵を切ったような印象もあるのですが、何か指針はありましたか？

私は新旧のロックも聴きますし、今のポップスやエレクトロも、イメージにはないかも　しれないけれどボカロも好きですし、そもそもジャンルや形式で音楽に触れてきたタイプではありません。だからいろんな音楽性を打ち出すことはある意味必然でした。そういったなかで全体の方向性として、今っぽいものを作ろうとか、そういう意識はほとんどなくて、ほんとうにその瞬間の気分でしたね。「こんなことがやってみたい」って提案したり、ディレクターから「こんなことやってみても面白いかもよ」ともらった意見を自分なりに咀嚼したりしながら、進めていくことができました。そこに錚々たるプロデューサーの方々のエッセンスが入ったことで、すごく贅沢で面白いアルバムになったと思います。

━━歌詞もけっこう変化しましたよね？

そうですね。最初はストレートで明快なメッセージが多かったのですが、それもやはり“GAL-TRAP”あたりから変化したんだと思います。曖昧で混沌とした世の中を受け入れてアウトプットできるようになったというか、例えば一見文脈がないような歌詞になっても、「それでいいんだ」って思えるようになってきたんです。言葉にならない感情、誰にでも伝わるように言えない極めてパーソナルな想いって、あるじゃないですか。

━━はい。

ネットで検索したり辞書で引いたりしても、いまいちしっくりこない。そんなときは造語でもいいし、読み返してちょっと疑問符が浮かぶような文章でもいいのかなって、考えるようになってから作詞がより楽しくなってきました。

━━ユーモアも皮肉もエッジもあって、なかでも“おーる、べじ♪”の歌詞がすごく刺激的で印象に残りました。《面倒な理不尽はKillして生きる》というフレーズは、アルバムタイトルの『ANTI HEROINE』ともリンクしてくると思います。例えば戦隊もののヒロインにしてもヒーローにしても、敵は倒しているけど同時に町も破壊している。たぶんそれで誰かが死んでいるみたいな。そういった突っ込みには蓋をして話が進んでいくじゃないですか。

おっしゃったような状況や矛盾って往々にしてあると思います。でもこの曲の歌詞は、すごく感覚的に出てきたというか、メロディに対する歌詞のはめ方や、文字数や語感を考えるためにのスタジオに入ったタイミングで、すらすら書けたというか、もはや書いてなくて。一気に愚痴を吐露したような感じでした。私は1曲の歌詞に1カ月くらい向き合うこともよくあるので、けっこう珍しいパターンでしたね。

━━そうだったんですね。

例えば《言葉の行き先を創造しないベイビー》の部分は、Twitterのアンチに向けて「なんでそんなに人を叩くことに時間を割けるの？」っていう気持ちが発端で、「ブーブーうるさいな、言葉の行き先を想像できない赤ちゃんたちは全員野菜になりなさい」みたいなことを言った言葉を最終的に書き起こして、あまりに言葉の汚いところは修正したり（笑）。PaleduskのDaisukeさんが作ってくださった曲の世界とも絶妙にマッチできたように思います。展開が多くて、すべてのフレーズが目立っていて、尖っている。この曲だから強く言えたことは、たくさんあると思います。

━━アンチというのは、安斉さんのアンチですか？

私も含まれるって感じですね。誰にでもいるじゃないですか。ある考え方に対してもそうですし。

━━はい。『ANTI HEROINE』というアルバムタイトルは、一方的な誹謗中傷だったり、勝手に持たれたヒロイン像、期待感への抵抗だったり、話を聞いてなおそういうことなのかと思いました。

ヒロイン＝正義とか、見た目にも持たれているイメージがあると思うんです。そして、それらのイメージや期待感とちょっと違ったことすると叩かれる。

━━安斉さん自身も、アパレル店員だった頃のイメージ、ドラマ『M 愛すべき人がいて』で主演を務められたときのイメージなどと、戦っていた時期はありましたか？

その時々で、安斉かれんにはこうあってほしいみたいなイメージは付いて回ります。でもそれに従って生きなきゃいけないわけではないじゃないですか。そこで、戦うとか抗うというより、違和感みたいなものはありましたね。「別にそれだけじゃないんだけどな」みたいな。だから今回は、イメージや期待をいい意味で裏切って、表現の世界を広げて提示したかったんです。

━━それが安斉さんにとっての『ANTI HEROINE』だと。

『ANTI HEROINE』という言葉は、テーマとして最初に置いたわけではなく、作品を作っていくなかで後から出てきたんですけど、その瞬間「私がやってきたことはそういうことなんだ。ここまでやってきてよかった」って、報われたような感覚を覚えました。

━━あらためて、ほんとうに個性的な曲が揃ったなかに、『ANTI HEROINE』なマインドの筋が通ったアルバムで、1曲目の“へゔん”から、驚きとともにがっちり掴まれました。

「これは絶対に1曲目だよね」って、ディレクターと話していたことを覚えています。天から降ってきたみたいなエレクトロサウンドで、オープンングっぽいなって。

━━頭から神様というワードが出てきますが。

サウンドから神様というワードが浮かんできたんですけど、この曲って神様を崇めている感じでもないじゃないですか。

━━そうですね。

私は別に特定の神様を信仰しているわけではないのに、ピンチが訪れると「神様仏様！」ってお願いしちゃうし、いいことがあると「神様、マジありがとう」とか思うわけですよ。上手くいかなかったときは「神様がこっち向いてくれなかったんだ」とか。神様という言葉を置くことで、どこかで気持ちの整理がつく、心の拠りどころになる、落としどころにも逃げ場にもなる。そのことについて、問いかけているようなイメージで歌詞を書いていきました。

━━2曲目の“ら・ら・らud・ラヴ”はアルバム中もっともエバーグリーンでキャッチーな曲ですね。

老若男女が楽しめるキャッチーなビートと元気の出るサウンドが好きですね。歌詞は、基本的に私がぜんぶ書くんですけど、この曲は共作なんです。自分一人だと、嘘をつくわけではないし等身大のつもりでも、やっぱりちょっとかっこつけたり話を盛ったり、恥ずかしくて書くのを止めたりすることもあります。でも今回はOHTORAさんと共作することで、私じゃ言えないけど私らしい言葉が出てきて、すごく興味深かったですね。《流し込んだ憂鬱　二日酔いで迎える朝》なんて、生々しくて自分じゃ書けない。でもすごく自分っぽいから歌いやすいみたいな。

━━今回はシンガーとしての表現の幅も大きく広がったように思います。“ギブミー♡すとっぷ”はその象徴だと感じたのですが、いかがですか？

この曲はダニー・L・ハール（Danny L Harle）と、チャーチズ（Chvrches）からローレン・メイベリー（Lauren Mayberry）とマーティン・ドハーティ（Martin Doherty）がプロデュースしてくれた曲で、仮歌のボーカルがローレンだったことにもびっくりしましたね。日本語で歌うことを前提としていないメロディで、おっしゃるように今までの私の曲にはなかった感覚。ちょっと難しいかもと思ったらまったくその逆で、他の曲よりもスムーズにレコーディングが進みました。それはたぶん、私が子供の頃からすっと洋楽を聴いて育ったからだと思います。英語と日本語がシームレスになるように意識したり、日本語だったらファルセットを使うところを鼻に抜けるような声で歌ったり。

━━アニメ『それいけ！アンパンマン』より“私はドキンちゃん”のカバーも新鮮でした。そしてドキンちゃんは『ANTI HEROINE』という言葉にもっともはまるキャラクターかと。

そうですね。『ANTI HEROINE』という言葉が出てきた段階で、“私はドキンちゃん”を歌いたいと思いました。ドキンちゃんは菌なので、世間からは悪者扱いされているわけですよ。でも「しょくぱんまん」という正義の味方に恋をして、でも自分は菌だから彼に触れることができない。それでも一途に想い続けていて、ずっと可愛くてキラキラしていて、私はそういう女子になりたいし、ドキンちゃんこそ私の中のヒロインです。

━━アレンジもすごくインパクトがあります。

ダークになりすぎないダークポップな感じが絶妙で、今っぽいエレクトロやベースミュージックの要素もあってカッコいいですよね。

━━“YOLOOP”はイントロがゴリゴリのオルタナロックで、そこから疾走して景色の開けていく流れがすごく良かったです。

“不眠症☆廃天国”を制作しているときに同時に作った曲で（※“不眠症☆廃天国”は2022年11月にリリースしたシングル。今回の『ANTI HERO』には“不眠症☆廃天国 – Hollywood Edits”を収録）、意識的にゴリゴリさせました。“不眠症☆廃天国”はけっこうゆったりした曲だから、なんか激しくてタフなロックサウンドが欲しくなってきたんです。直接的にリファレンスにしたわけでないんですけど、スウェーデンのバンド、スターマーケット（Starmarket）とか、エモっぽいものにハマっていました。かと思えば、最近はフランク・オーシャン（Frank Ocean）のアルバム『Cannel Orange』ばかり聴いていたり、ほんとうに同時進行でいろんな音楽が好きだし、モードが変わりやすいところがあるので、この先もいろんなことをやっていきたいですね。

━━楽しみにしています。

あとはコロナ禍などもあり、なんやかんやできていないライブをやりたい。デビューしてから曲はたくさん出してきたし、今回の『ANTI HEROINE』ではほんとうにいろんなスタイルの曲ができたので、それらをライブハウスに響かせてみたいです。

━━もう一枚のアルバム『僕らはきっと偽りだらけの世界で強くなる。』も併せて聴くと、ライブがますます楽しみになりますね。既発曲や既発曲の別テイク中心のセレクトのなかで、“てくてくカレンダー”のような安斉さんがサックスを吹かれた曲もインスト曲もあって。

デビュー曲“世界の全て的に感じて孤独さえ愛していた”が頭に入っていて、すごくエモい気持ちになりましたね。あの頃と比べて自分が成長した実感もあるし、あの頃にしか出せなかった輝きもあるし、あの頃があったから今があるし、みたいな。収録曲を見ていただいたらわかると思うんですけど、ベストアルバムというよりは今に繋がるメモリアル＆レアトラックスなアルバムになっているので、『ANTI HEROINE』と併せて楽しんでいただけたら嬉しいです。

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──前回、安斉さんにインタビューしたのは2020年9月。シングル“GAL-TRAP”をリリースされたタイミングでした。あれから2021年に入って、東京はまた緊急事態宣言とまん延防止等重点措置を繰り返す、アーティストや多くに人々にとって辛い期間に。その間はどのように過ごされていましたか？

いろいろ考えることはあったけど、私は「こればかりはしょうがない」と割り切れたというか、特に大きく落ち込むことはなかったです。仕事以外でも、映画を観たり音楽を聴いたり、絵を描いたり、動ける範囲でやれることを楽しみながら過ごしてました。

──前回のインタビューでは、はっきりとしたメッセージが強かった時期から、“GAL-TRAP”で《ねえ。曖昧なのが、世界のカタチなんだよね？》という冒頭の歌詞に象徴されるように、「曖昧」を歌うようになった心境の変化について話してくださいました。あれから約1年半が経ち、さらにご自身のなかで変わったことはありますか？

“GAL-TRAP”より前の曲は10代の頃に書いた歌詞が多くて、当時はいろいろあるけど前向きな言葉を歌いたいという気持ちが強かったんです。そこから20代になって、曖昧だったり、混沌としていたりする自分のメンタルや世の中の状況を受け入れて日々を過ごせるようになったんだなって。振り返ってみるとそう思うんですけど、前提にはずっと「等身大でいたい」という「変わらない気持ち」があります。だから考え方が「変わった」という感覚はなくて。そう考えるとちゃんと成長できているのかどうか、わからないですね（笑）。

──アーティストとしての音楽性の変化については、いかがですか？

“GAL-TRAP”までは90年代や00年代のJ-POP色が濃い曲をリリースしてきましたが、“GAL-TRAP”は最近のポップミュージックにアプローチしたトラックで、確かに変化としては大きかったです。そこから、次にリリースした“Secret Love”や“キミとボクの歌”では、ノスタルジックな雰囲気のJ-POPに戻りつつ、今回の7連続配信シングルでは、また“GAL-TRAP”の時のように自分の中で新しいことをどんどんやっています。今は方向性をはっきりと決めず、いろんなことにチャレンジしたくて。

──なぜ意識的にさまざまな音楽性にチャレンジしようとしているのですか？

好きな音楽や「やってみたい」と思った音楽性が、必ずしもシンガーとしての自分に合っているわけではないじゃないですか。

──そうですね。

例えば最近のプライベートでは、私がもともと好きだったロック熱が再燃していて、90年代のオアシス（Oasis）のアルバムなどをアナログ盤で聴いています。新しいアーティストだと今はルーカス・グラハム（Lukas Graham）がすごく好きです。でも、私が彼らのスタイルを真似ても、合わないと思うんです。ラップも好きなんですけど、韻を上手に踏みながら歌っている自分の姿は浮かばない。でもそこで「これはできない」って、限界を決めたくなくて。

だから、ポジティブに今までの「安斉かれんらしさ」みたいなものをいい意味で取っ払って、やりたいと思ったことや、私の個性を考えたうえでスタッフさんから提案してもらったことを、自己表現できるようにチャレンジしています。今回の7連続シングルで、もっともっと冒険できればいいなって。

──今回の7連続配信シングルリリースは、アートワークもミュージックビデオも、イラストと実写の安斉さんとの組み合わせで統一されています。そこに物語としてのコンセプトはあるのでしょうか。

いいえ。あえてコンセプトを言葉にするとしたら、「チャレンジ」や「冒険」ですね。そうやって私の歌の新しい引き出しが開くことを、私自身とても楽しんでいますし、同じように感じて楽しんでくれたら、嬉しいですね。

──ここまでの4曲で、特に新たな発見があった曲といえば？

ジャズテイストが入っている“夜は未完成”ですね。小学生の頃はお父さんの影響でローリング・ストーンズ（The Rolling Stones）やハノイ・ロックス（Hanoi Rocks）が好きで、彼らの曲はサックスが入っていることも多いじゃないですか。それがきっかけでサックスに興味を持って、ジャズも聴くようになりました。だからこのタイミングでトライすることができて感慨深かったですし、嬉しかったです。こういうスウィングしている曲は今まで歌ったことがなかったから不安もあったんですけど、やってみたら「このほうが歌いやすいかも」と思いました。ジャズは人間味のあるグルーヴが特徴だと思っていて。そこを意識したら、表現しやすくなりました。

──3作目の“現実カメラ”の作曲はチャーリーXCXが手掛けています。

これは新しいチャレンジというか、もうびっくりです。曲はチャーリーで、それをいろんなプロデューサーが仕上げてくれて。音数が多めでキラキラしていてすごくかわいい曲。そこに“現実カメラ”という私の頭の中にもともとあったワードがはまるんじゃないかと思って、歌詞をつけました。

──“現実カメラ”は、ディストピアとも取れる意味深な言葉だと思うのですが、それが「かわいい曲にはまる」とはどういうことですか？

確かにそういうニュアンスもなくはないんですけど、悲しい感情はあまりなくて。今は多くの人たちが、写真を撮って友達とシェアしたり、SNSにアップするときに加工するじゃないですか。それで、本当の自分を見失うというより、素の自分とのギャップを楽しんでるんじゃないかなって。それはそれでリアルだと思います。でも、対面で人と会うことがやっぱり一番リアルで特別なこと。

《“あなた”のシャッターだけ押していてよ》って歌詞があるんですけど、その「シャッター」は「瞳」にも置き換えられて、大切な人がほんとうの自分の姿をどう思っているのかが気になるっていう。そういうことをぜんぶひっくるめて、すごくかわいいなって。

──なるほど。歌詞は、どんなときに思いつくのですか？

前までは感じたことをすぐメモに書き留めて、歌詞を書くときに拾い集めてました。でも自分の身に起こったことだけだと限界があるんですよね（笑）。だから最近は映画からヒントを得たりしてます。何かの映画を直接的に参考にしているわけではないんですけどね。

──ご自身を主体にするのではなく、物語の登場人物という設定から世界観を広げていくようなイメージですか？

そうですね。でも、あまりに自分とかけ離れたことは書いてなくて、等身大でいることはどんな状況でも大切にしてます。私の場合は、そうでないと聴いてくれている人に響かないと思うから。だから、何年か前の歌詞を読み返すと恥ずかしくてしょうがないこともあるんですけど（笑）。まあ、それはそれでいいかなって。

──昔の曲が歌えない、といったことも生まれますよね？

そうなったら歌わなくていいんじゃないですか。今この瞬間、好きなものとか、やりたいことに素直だったらいいと思うんです。

──前回のインタビューでも、「大きな目標は持たないようにしています。好きなことを好きだって言える毎日が過ごせたらそれが一番」とおっしゃっていました。今も例えば「ポップスターになりたい」といった願望はありませんか？

今やりたいことをやらせてもらっていることが幸せ。それを続けていくためには結果が必要だという現実もあると思うけど、結局目の前のことに対して真剣に取り組むことが大切で。そうやっていれば成長できるだろうし、「好き」という感覚もアップデートされていくと思います。

──7連続配信シングルの残りの3曲も楽しみです。

また違った私の一面を見せられると思うので、楽しみにしていてください。

──ライブの予定はないのですか？

2019年にデビューしてから、まだ有観客でライブらしいライブやツアーをやったことがないんです。だから未知の世界ではあるんですけど、私の曲を聴いてくれてる方々の熱を直接感じられることは、すごく特別なことなんじゃないかと思っています。コロナ禍も続いていて、この先どうなるかわからないですが、みなさんの前に立ちたい気持ちはあるので、そのときはよろしくお願いします。

May J.の新たなプロジェクトのプロデューサーが篠田ミル（yahyel）だとアナウンスされた際、おそらくほとんどのリスナーに「？」が浮かんだだろう。そして同時に好奇心もそそられたのではないか。 そもそも思い起こされるのは、90年代ジャパニーズR&Bブームの終盤にデビューしたMay J.が、J-POPカルチャーの中でこのままベテランシンガーへの道を歩むのかという謎。一方で、近年のyahyelの楽曲において、硬質かつパッシブなエレクトロニックサウンドを構築している篠田が日本のチャートミュージックの世界になぜ足を踏み入れるのかという謎。 その謎解きはすでに5月、6月と連続リリースした楽曲“Rebellious”、“Can’t Breath”を聴くことである程度、明らかになったと思う。May J.が個人的には志向していたが、表出してこなかったダークなトーンと、篠田のトーンとの高い親和性を実感できるからだ。現行のオルタナティヴなR&Bトラックと並列しても違和感はない。 May J.はこのプロジェクトに「DarkPop」という象徴的な名前を与えた。彼女をJ-POPシンガーと認識していればいるほど、今すでに起こっている革新に驚きを禁じ得ないだろう。

──この新プロジェクト「DarkPop」に至った背景をお伺いしていいですか？ May J.　「DarkPop」は、あえて自分で名前をつけるとしたらというところで、つけさせてもらってるんですけど、始まりは、去年の３月ぐらいから。こういう曲を作りたいよねっていう話を（篠田）ミルくんと話してました。私自身、今までとは違うもうちょっとコアな、攻めた感じの曲を作りたいって思いがずっとあって。ミルくんはポップスの歌手の人と一緒にやりたいっていう願望があったので、お互い必要としてるものが合ってたんです。そんな時期に、そろそろ緊急事態宣言も始まるね、みたいな話もして。 篠田ミル（以下、篠田）　そうですね。その時期でしたね。 May J.　しばらく外も行けないし、ずっと家にいることになるから、この機会を使ってゆっくり音楽を作っていこう、みたいな。中々、今までの活動の中ではここまで時間をかけて作ることができなかったんですね。だから、ほんとに自粛期間だからこそできた曲たちなんじゃないかなと思います。 やっぱり自分一人で家にいて、全く外の世界をシャットダウンして書く曲になったので、自然と自分自身のもっと深い部分まで入り込んで、今まで言えなかったことをこの際に吐き出したくなったというか（笑）。 そんな状況の中で、ミルくんのトラックにそういったパワーをもらったんです。だから、ちょっとダークというか……今まであまり語れなかった部分、裏の部分っていうのを今回は軸に考えていきました。 ──篠田さんはいわゆるポップアーティストというか日本のチャートミュージックの世界で活躍するMay J.さんをどう見ていたんですか？ 篠田　結構、日本のチャートミュージックに対して、思うところはずっとあって。いい悪いという話ではなくて、90年代に確立された方程式みたいなものがまだまだ主流を占めている──タイアップとって、J-POP的なコード進行と展開の作り方とサウンドプロダクションがあって。もちろん今、一線で活躍されてる方もまだまだそれを踏襲されていて、そうじゃないものをもう少し自分がやれる隙間がオーバーグラウンドにもないかなっていうことをずっと考えていて。 例えばザ・ウィークエンド（The Weekend）って今の時代のマイケル・ジャクソン レベルのスターだけど、OPN（ワン・オートリックス・ポイント・ネヴァー）がプロデューサーとして入っていて。アメリカの（NFLの）ハーフタイムショーもOPNに任せちゃうとか、チャーリーXCX（CHARLI XCX）がA.G.クック（A.G. Cook）とずっとやってるみたいな、そういうコラボレーションのあり方──アンダーグラウンドでエッジの効いたものを突き詰めてきた人がそれを曲げるわけじゃなく、ちゃんとポップなものを作って、昇華している。そういう試みに興味があって。それをやってみたいなとずっと思っていたので、今回のお話は渡りに船でしたね。

──The Weekendしかりビリー・アイリッシュ（Billie Eilish）がこれほど売れたという現実もありますよね。実際の作業はどんなふうに始まったんですか？ May J.　全部LINEでした（笑）。あと、Spotifyで私が今好きな曲とか、こういうの作りたいっていうリファレンスをプレイリストにして共有してました。 篠田　それを聴かせていただいて。で、何となく自分の書きためていたデモみたいなものとか、１から書いたものをとりあえず何曲かMayさんにポンと投げて。 May J.　で、最初に「お？」って目についたのが“Can’t Breath”の楽曲でした。 ──メッセージとしてすごくオンタイムな感じで。 May J.　そうですね。私自身の一番闇の部分でもあって。７年前、『アナと雪の女王』の時に自分の夢を叶えて嬉しいはずなのに、そうじゃない人たちの書き込みを見て、思った以上にすごいショックを受けてたんですね。今でも実はその傷が全然癒えてない部分があって。 歌うときになんかつっかえてしまったりとか、急に息ができなくなっちゃったりとか、そういうトラウマみたいなものがずっと残るんですよね。でも、今まであんまり自分の口からは言わないようにしてたんです（笑）。火に油を注いでしまうし、本当に心配されちゃうし。ちょっと言いづらかったんですけど、今回、自分の言葉で歌いたいなという風に思いました。

篠田　“Can’t Breath”もそうですけど、このプロジェクトを通じて僕が感じているのはMayさんはパフォーマーとして一流でずっとやってこられた方なんだなと。それを感じつつ、作家として自分のことを掘り下げて出していくことを、今、まさにデビューしたというか始めている。僕はそこに携わっているんだなと思って、「もっと潜れ！」っていうのはずっと感じてますね。 ──コライトしているとそうですよね。「もっと言える」と思えたり？ May J.　ああ。それはあります。ミルくん自身、SNSを見てると思い切った発信が多いので。そんなミルくんの存在も「私も出していいのかな」って思わせてくれたきっかけではあります。 篠田　でも、ここ１〜２年で増えたなという感じがありますね。周りで声を上げる、表現者の人も普通の人も、それ自体、励まされるというかいいムードになってきてるなって感じますね。 ──確かに。実際の制作はどんな風に？ May J.　最初はトラックが届くんですが、私はレコーディングのキットが全くなかったので、初めてGarage Bandのアプリ使って、「は〜」「ヘ〜」とか（笑）　曲の雰囲気をラララで全部作って。送ったら、「いいね、めっちゃいいよ！」みたいにいつもアゲてくれるんで。「よっしゃー、いいの作るぞ！」って感じで歌詞を作っていって。 篠田　Mayさんはいろんな歌を歌ってこられて歌も上手なんで、多分、Mayさんから出てくるメロディの引き出しの数って、すごくあるだろうなと。なので、そこはもう預けちゃうというか。むしろトラックをぶん投げて（笑）、作っていきましたね。 ──すごく同時進行的に曲ができていってるのかな？　と感じるぐらい自然ですね。 May J.　好きなものが似てるのか？　って勝手に思ってるんですけど（笑）。 篠田　意外と暗いものがお好きっていう。 May J.　そう。暗い曲が好きっていう共通点があって。 篠田　全然、自分の書く曲は暗いと思ってないですけど、「暗い」って言われるんですよね（笑）。全然、暗い気持ちで書いてないんだけどなと思って。 ──暗いというよりかっこいい。yahyelの曲はパッシブですし。今、May J.さんはSpotifyに割と元気な感じのプレイリストをアップされてますが、あういう感じよりもっと暗いんですか？ May J.　普段聴く曲って本当は暗い方が好きなんですよ。でも、やっぱり自分が求められてる音楽というか、ね？　いろいろあるじゃないですか（笑）。もちろんアップテンポの曲も好きなんですけど、でも、自分で聴くってなったら暗い方が聴き心地がよくて。 ──例えばいつでも聴ける曲というと？ May J.　えーと、ビリー・アイリッシュの“Ocean Eyes”、永遠に聴ける（笑）。

──今回の試みは、今までやってなかったけど、すごく本質的なことだったのかもしれないですね。 篠田　お互い自己開発してる感じがあって（笑）。Mayさんは自分の自己を表現するってこと、自分の殻をぶち壊していくプロセスですし、僕は逆に作家としてやっぱりもう少し歌に寄り添ったものを作れるようになるための鍛錬というか、お互い開発してる部分はあるなと思います。 ──なるほど。ちなみに第一弾の“Rebellious”は今だからわかる感情、お父さんとの関係が主題ですね。 May J.　そうですね。歌にするときに、やっぱり今、自分が気にしてることとか、今にも泣きそうになることを歌詞にした方が歌声がすごい生きるんじゃないかなと思って。その時に一番自分が気にしてたことがお父さんのことだったので、それを歌にしました。いなくなってしまえば楽になるよな、いっそ、と思った時があったんですよね。その時のことをずっと覚えていて。 でも、今はやっぱり体も弱ってきて、いつまで一緒にいられるかわかんないって状態になった時に残された時間をどういう風に楽しく過ごそうかなとか、すごい考えるんですね。それで昔のことを思い出すと、ほんとに申し訳ないことをしたなって。そんな風に思ってしまった自分が嫌になったんですよ。後悔しても何も変わんないんですけど、その分を今度は親孝行というか、ちゃんと父親の夢をかなえてあげたりとか、そういう風にこれから一緒に楽しく過ごしていきたいっていう、両方の気持ちを歌ってますね。 ──この曲はギターが非常に良いですね。これ生音ですか？ 篠田　サンプリングです。Splice（サブスクリプション型のサンプル販売サービス）で「これだ！」ってサンプルがあって、そこから曲を組み立てていった感じで。Mayさんの挙げてくれてた最近好きな曲の中に割とギターを使ったトラップR&Bみたいな曲がちょこちょこあって。 僕もここ数年、グランジとかポストパンクにもう一回火がついてて、青春の音楽なんですけど（笑）。ただ、ギターとトラップのビートだけだと自分ぽくはないと思って、そこでちょっとシンセサイザーの上物を入れて組んでいった感じですね。

──今回これは表現しておきたかったことなんだなという気持ちが伝わりました。 篠田　Mayさんの殻破りのステージ的には、一番プライベートなとこにいったなと思うんで、そこまで潜っていけてよかったです。 ──そういう理解を含めた上での音像なのかなと。 篠田　確かにトラックを一回投げて、Mayさんに歌入れてもらって、また僕がやって、何ならレコーディング終わって後にまたやり直す、みたいな（笑）。 ──篠田さん、ミックスはしてないんですか？ 篠田　はい。ミックスはAtsu Otakiくん(EVOEL STUDIO)にお願いしていて、彼はヒップホップのプロダクションをやっている方なんです。ACE COOLとかjinmenusagiさんをやってるエンジニア兼トラックメーカーの方で。 個人的に仲が良くて、僕が作るとR&Bやヒップホップ的なサウンドメイクにならないので、そこの補強をお願いしました。僕はどうしても電子音楽かインディーロックの人なので。そこで絶対、彼だなと思ったんです。 ──それはやはり空気感なんですかね。 篠田　そうですね。多分、ヒップホップはヒップホップでやってる人が突き詰めてるエンジニアリングのテクニックとかがあって、低音に対する考え方、キックとかベースに対するミックスの考え方が、全然違います。そこはやっぱり現行のヒップホップとかR&Bの低音、電子音楽とはまた違う低音の作り方だと思っていて、そこがわかってる方がいいなと。 ──May J.さんはオリジナルのR&Bでデビューされたので、やはりそこにこだわりがあったんだなと、今回の「DarkPop」で思ったんです。 May J.　ああ、ありますね（笑）。あの時はまだ18歳だったので、自分が伝えたいこと？　っていうのはそれまでの人生の中ではなかなか難しかったんですけど。今回、その音楽性の中で、今伝えたいこととしてアップデートできたと思います。だから、ある意味、原点回帰してるんですけど、今じゃなきゃできないことなのかなっていう風には感じました。 ──そういう意味でも附に落ちて。 篠田 良かったです。なんかポカンとされそうで（笑）。どっちに対してもポカンてされそうって。

──そして第3弾の“DRAMA QUEEN”がリリースされますが、この曲は“Can’t Breath”とテーマ的につながってますか？ May J.　つながってます。例えていうなら、「それ違うよ」とか、「何だよ」って思った時に反論をツイッターで書きたくなるよね？（笑）　でも、これツイートしたらダメだな、ってお蔵入りしたものがいっぱいあって、それを歌にしました。自分も攻撃したら、もう一緒になっちゃうじゃないですか？　そうはなりたくなかったので。 一番言いたかったのは人のことをヤーヤー言う人って、まず自分の人生はどうなってるの？　って聞きたくて。充実してたらわざわざ人の悪口書いたりとか、話したりとかしないじゃないですか。その前に自分の人生をどうにかして、っていう気持ちを一番伝えたかった。 篠田　社会的なそういう誰かをサンドバッグにしなきゃいけない状態、その人たちを追い込んでる社会の構造というか、コミュニティのなさとか、包容力のなさを解決しないといけないですよね。

──第4弾で大きなテーマが来そうですね。タイトルが“Love & Hate”だし。 May J.　最後はBlack Lives Matterのことを歌いましたね。ちょうど書いた時期にずっとニュースになっていて。私自身、当事者じゃなくても「なんだ？」って思うことだったんですね。「もうこれ、やめない？」っていう。その自分の心の声を曲にしたんですけど。なんかBLMの素晴らしいところって、当事者じゃない周りの人も一緒に声をあげて助け合うところかなと思いました。 日本にいる私たちもこれからはそういう風にチェンジしていけたらいいことだなと思ったんですよね。やっぱり周りの人と合わせる美徳を学んできてるので。それがでも少しずつ最近、その壁が壊れてきてる感じはあるので、改めてメッセージとして伝えたかったんですね。 篠田　実は昨日までトラック直してたんですけど。 May J.　多分一番ミルくんぽい。一番、ぶっ飛んでるかな。どう？（笑） 篠田　最初、トラックは無難な暗い曲だったんです。でもなんか置きにいってんなって（笑）。MayさんもBlack Lives Matterのことに関してスピークアップしてるし、もうちょっと自分もやんなきゃって気持ちで。 レコーディングした後になってから、「いやー……」と思って。歌を入れた後ですね。一昨日ぐらいまでやってたんで、今、ミックスに出してる途中なんですけど。 ──お互いに鼓舞し合ってますね。 May J.　うん。「ミルくんやっちゃえ！」って（笑）。

──聴いてて「おお！」と思ったんですけど、どうしてもローの部分って、サブスクやテレビから聴こえてくるときに乗りづらいので避けがちで、上物で上げてってことが現在のチャートミュージックであると思うんですけど、歌を録ってミックス前に「やっちゃいなよ」って言われて変更されたと。 May J.　最初は全然違う曲調だったんです。 篠田　アンビエントR&B、トラップ調、ありがち、みたいな（笑）。暗い、チルい、みたいな。その時より確かに音数は減ってるっちゃ減ってる、ミニマムになってる。それは自分自身の成長もあって、こうしてMayさんと歌ものを作る機会があって、歌に対してどう当てていくか？　っていう技術的な試行錯誤をちょっとずつしているから、その学びもあるんです。本当に一流の方とくらべたらまだまだなんですけど。 でもローに関しては、自分がクラブミュージックカルチャーの中にいて、もうほんとにでっかいサウンドシステムで浴びるローが大好きなので、まぁJ-POPのルールとかわからないし（笑）。今の子、ちゃんとAirPodsで聴いてるし。AirPodsってすごく低音出るんで、「知らん」と思って（笑）。 ──それでよりソリッドな印象で、畳み掛ける「あ、yahyel」って印象になりましたね。 篠田　いろんな人の話聞いても、日本のメジャーのシーンのミックスとかマスタリング出すと、低音に対する考え方が違って、やっぱり削られちゃうって話はよく聞きます。 May J. 　Spotifyで、J-POPと海外のR&Bをミックスして聴くと、全然音が違いました。今までそれが私もすごく気になってたんですよ。電圧の違いなのかな？　とか、そもそもの声の音圧も違うし。アリアナとかこんな小さな声で歌ってるのにすごいインパクトがあるし、なんで日本でできないんだろう？　とずっと思ってたんですけど、ミルくんとAtsu Otakiくん(EVOEL STUDIO)のミックスが全部それを叶えてくれて。 篠田　うわ〜（嬉）。 May J.　「日本でできるんじゃん」って（笑）。 ──何年か前だったら一緒にやらなかったであろう人同士がケミストリーを起こしてますね。 篠田　なんかこういう並び、他所でももっと増えて欲しい。こういう感じ、「そことそこ？　面白い！」みたいな。 ──新たに増えることが大事だし、影響がある気がしますね。今、篠田さんがおっしゃったように、また違う座組みで一つの動きみたいになっていくと面白いし。 篠田　なんかちょっと感じるんですよね。宇多田さんと小袋さんもそうだし。青山テルマちゃんがAisho（Nakajima）くんとかとやってみたりとか。アイナ・ジ・エンドさんと三船さんとか。 でも、まだまだお互い伸び代があるので作り続けていきたいけど、多分ゴールとしてはMayさんがめっちゃ成長していって、「じゃあ私こういうことやりたいから、今回お前」みたいに、別のプロデューサーが呼ばれたりとか（笑）。今回はこいつとこいつ、みたいな。そうなっていけば面白いなと。 ──ジャンルは違うけど、テイラー・スウィフト（Taylor Swift）みたいな作り方とか。 篠田　そう。テイラーの『folklore』もすごく触発されましたね。だから、Mayさんと僕だけがやるんじゃなくて、なんか自分より若いプロデューサーとかも引っ張ってこようと思ってて。Lapistarくんていう、トラックメーカーがいて。彼はすごいR&Bが得意な方なんですけど、20代前半とかなのかな？　Daich Yamamotoさんの釈迦坊主との曲（“Simple feat.釈迦坊主“）とか作ってたり。そういう子をどんどん引き入れて。

May J.　今話してたLapiくんだったりとか、それこそラッパーと作りたい曲もありますし、Daichiさんとかできれば楽しいし、Aishoくんもやりたいね。 篠田　Mayさんに男性の声が絡むのは聴いてみたい気がします。プロデューサーが僕一人でやり続ける楽しみもあるんですけど、海外のプロダクションとか見てるとチームでやってる面白さもあるなと思ってて。チームMay J.（笑）。 May J.　今回実は裏テーマで「3.0」っていうのがあって、May J.の軌跡の「１.0」がR&Bの初期の頃で、「２.0」がJ-POPの時代で、「3.0」が今のこの「DarkPop」の感じっていうイメージ。今はMay J.と「DarkPop」のMay J.が別々なんですけど、いずれはここが一つの線に繋がっていってくれたらいいなと思ってます。

May J. May J.（メイジェイ） 日本、イラン、トルコ、ロシア、スペイン、イギリスのバックグラウンドを持ち、幼児期よりダンス、ピアノ、オペラを学び、作詞、作曲、ピアノの弾き語りをもこなす。圧倒的な歌唱力とパワフルかつ澄んだ繊細な歌声、そして前向きでポジティブなメッセージが共感を呼び、幅広い世代から支持を受けている。 2006年ミニアルバム「ALL MY GIRLS」でメジャーデビュー。 記録的な大ヒットで社会現象にもなった、2014年公開のディズニー映画「アナと雪の女王」の日本版主題歌（エンドソング）を担当。 同年の第65回紅白歌合戦に初出場。 2015年1月には自身初となる、日本武道館の単独公演を開催。 Official HP｜Twitter｜Instagram

yahyel 2015年東京で結成。池貝峻、篠田ミル、大井一彌、山田健人の4人編成。エレクトロニックをベースとしたサウンド、ボーカルを担当する池貝の美しいハイトーンボイス、映像作家としても活躍する山田の映像演出を含むアグレッシブなライブパフォーマンスで注目を集める。2016年、ロンドンの老舗ROUGH TRADEを含む全5箇所での欧州ツアー、フジロックフェスティバル〈Rookie A Go Go〉ステージへの出演を経て、11月にデビュー・アルバム『Flesh and Blood』を発表。翌2017年には、フジロックフェスティバル〈Red Murquee〉ステージに出演、さらにWarpaint、Mount Kimbie、alt-Jら海外アーティストの来日ツアーをサポートし、2018年3月に、さらに進化した彼らが自身のアイデンティティを突き詰め、よりクリアで強固なものとして具現化することに挑んだセカンドアルバム『Human』をリリース。その直後のSXSW出演を経て、フランスのフェス、韓国・中国に渡るアジアツアー、SUMMER SONICなどに出演。同9月にはシングル「TAO」をリリース。楽曲、ミュージックビデオの両方を通じて、yahyelの芸術表現が完全に別次元に突入したことを証明した。同じく11月には水曜日のカンパネラとのコラボ楽曲「生きろ」をリリース。2019年には再びSXSWに出演、数多くの海外メディアに紹介されるなど、ますますグローバルな動きを見せている。 Official HP｜ Twitter｜Instagram

――まず、Sobsというバンドの特徴について改めて教えてください。 ジャレッド・リム（guitar / 以下、ジャレッド）　僕たちはポップ・ミュージックが大好きなんだ。色んなジャンルの音楽を聞く。とっつきやすくてわかりやすい音楽を作りたい。 セリーヌ・オータム（vocal / 以下、セリーヌ）　そう、いろんな意味でね。 ラファエル・オン（guitar / 以下、ラファエル）　Facebookとかのプロフィール欄にも書いてあるように、僕らは自分たちの音楽を”Uncool Pop Music”（かっこよくないポップ・ミュージック）って呼んでる。ただポップな音楽を作りたいだけだ。 ――そのコンセプトはどうやって生まれたんですか？ ジャレッド　僕とラファエルが作ったんだ。僕は最初「クールなポップ・ミュージック」って書いてたんだけどね。 ラファエル　毎回ジャレッドが「クールなポップ・ミュージック」って書くたびに、僕が「かっこわるいポップ・ミュージック」って書き直したんだ（笑）。 ジャレッド　そうすると、僕がまた「究極にクールなポップ・ミュージック」って書き換えるという（笑）。 セリーヌ　それ覚えてる！　いまは”uncool”に落ち着いたね。 ラファエル　何かしらプロフィール文が必要だから作っただけなんだけど、今となってはみんなしっくりくると言ってくれてるよ。 セリーヌ　私たちのブランドになったの。 ――いいと思います！　みなさんは現在、Sobs以外にどんな活動をしているのでしょう？ セリーヌ　ジャレッドは同じシンガポールで、Subsonic Eyeっていう別のドリーム・ポップ・バンドをやってる。 ラファエル　僕はバンド活動と並行して、SobsとSubsonic Eye（サブソニック・アイ）が所属しているレーベルを運営しているよ。〈Middle Class Cigars〉っていう名前で、うちのベーシストがやってるCosmic Child（コズミック・チャイルド）と合わせて3組が所属してる。 セリーヌ　私は前まで他の仕事をしてたけど、今はツアーが忙しすぎてやってないわ。 ラファエル　じゃあ職業はミュージシャンだね（笑）。

――Sobsはどんな音楽に影響を受けているのでしょう？ ジャレッド　チャートにあるような音楽だけじゃなくて、ポップス要素があってキャッチーなメロディを意識してるインディー・バンドだ。そういう音楽に僕は惹かれる。このバンドをやりたい一番の理由だよ。 ラファエル　ポップな音楽って、退屈で深みがないってバカにしてる人が多いと思う。ポップ・ミュージックは何も悪くないって示したい。ポップスを楽しもうよって。 セリーヌ　そうね。私たちはインディーとポップスをかけ合わせてる。1曲の中にもいろんな音楽の要素を組み込めるの。 ――具体的に、ルーツと言えそうなバンドを挙げてもらえますか？ ジャレッド　Frankie Cosmos（フランキー・コスモス）やAlvvays（オールウェイズ）とか。 セリーヌ　私はCharly Bliss（チャーリー・ブリス）やCrying（クライング）が好き。 ラファエル　僕ら3人はそれぞれ違う音楽のテイストを持ってるよね。聴いてきた様々な音楽の影響が混ざってると思う。 ジャレッド　僕はフランキー・コスモスみたいなインディーポップなバンドが好きで、ラファエルはシューゲイザーが好きだよね。 ラファエル　そう、シューゲイザーは大好き。80’sのトゥイー・ポップも好きだね。 セリーヌ　私は90’sのロック・サウンドとトゥイー・ポップも好き。あと、私とジャレッドはCharli XCX（チャーリーXCX）が大好きなの。 ――どの名前も頷ける気がします。Sobsがバンド活動をする上で、いま一番刺激を受けているものは？ セリーヌ　ツアーで色んなところに行くこと。あと「悲しい感情」ね。自分自身の感情じゃなくても影響を受けるわ。話す価値のあることを経験している時期はそれを元に曲を書くけど、自分の人生で何も面白いことがない時は、誰かの人生で起こっている出来事を書くの。 ――経験談を聞くってことですか？ セリーヌ　そういう場合もあるし、誰かの状況を傍観して書くこともある。そういうときは、ただ客観的に読み取って書くわ。映画とかもそうね。 ラファエル　ツアーをたくさんしてると、新たな出会いがたくさんある。それが僕にとっては大きな刺激になっているね。世界には様々な人たちがいるんだ。近所の人も、他国の異人も、違うシーンの人も。職場にだって色んな人がいる。例えば日本だって、レーベルの人と一緒に仕事ができたり、写真家、映像家、監督とかに会えたり。彼らからたくさんのことを僕らは学んでる。それを自分たちの作品に反映させたい。

――3人にとって、自分たちが生まれ育ったシンガポールはどんな国ですか？ ラファエル　シンガポールはアジアの中でも、とても興味深い国だと思ってる。安定した国に住めて僕らはラッキーだ。みんな学校に行けるし、毎日生きていけるし。心配することなく夜道だって歩ける。平等に権利もある。こういう生活ができるのは素晴らしいことだよ。あと、シンガポールの食べ物はとても美味しい。 セリーヌ　私たちはまだ若いから、いろいろ物事を理解するための時間がたくさんある。 ラファエル　それに音楽シーンがとても新しい。そのおかげで、僕らは新しいことに挑戦する余裕がある。同じ地方のバンドと一緒にやったり、新しいサウンドを取り入れたりね。 ジャレッド　とはいえ、シンガポールの音楽シーンは発展途上でとても小さいし、バンドの数もそんなに多くないからね。ある意味で僕らにとっては好都合なのかもしれない。 ラファエル　小さいし窮屈だよね。 セリーヌ　シンガポールで名前を広めるのはそこまで難しくはないわ。 ――Sobsはシンガポールを超えて世界中で注目を集めていますよね。どうやって現在のポジションに辿り着いたのでしょう？ ジャレッド　とにかくインターネットのおかげだと思う。 セリーヌ　メディアの記事と、Spotifyのプレイリストに感謝ね。私たちの名前を広める手助けをしてくれた。 ラファエル　様々な国の人たちが、僕ら音楽を聴いててくれるから本当に驚いてるよ。 ――正直、日本にいると他のシンガポールのバンドについては見かけない気がします。Sobsと何が違うのでしょうか。 セリーヌ　私たちがとっつきやすい音楽をやっているからだと思う。シンガポールや私たちの文化を知らなくても、誰でも受け入れられて共感できる音楽にしたの。 ラファエル　僕たちは自分のことを「シンガポール人バンド」とは考えてないからね。ただのバンドだよ。音楽を作るときに国籍は関係ない。海外で聞かれることを狙ってなにか特別なことをしたわけでもない。ただ「聞きやすい音楽」ってのはいつも大事だと思ってる。まあ、強いて言うなら世界中の人とちゃんと対話するように心がけているかな。メールは必ず返すようにしてるし、世界中に新しい友たちを作ろうとしてるよ。 セリーヌ　それと実際、他にもシンガポールを飛び出すバンドが現れ始めてるし、（海外進出を）目標にするバンドも増えてきてるの。 ラファエル　例えば、Forests（フォレスツ）がそうだよね。彼らも以前日本にも来てたし、シンガポールの外でファンを増やし始めている。そんなふうにインターネットも活用しながら、幅広いジャンルを網羅したり新しいことにチャレンジするニュー・ウェーヴが少しずつ出てきているんだ。 ――シンガポールに住んでいる人は、みんなストリーミングを使ってますか？ セリーヌ　Spotifyを使っている人が多いわね。 ――日本ではどっちも人気ですね。シンガポールの人はみんなSpotifyを入れてるんですか？ ラファエル　月額料金を払える人は、ほぼみんな使ってるね。 セリーヌ　CDは誰も買わなくなっちゃった。 ラファエル　最近はYouTubeが、音楽に触れる一番主流のツールになっているね。僕らの音楽を見つけてもらう手段として、YouTubeはものすごく重要なんだ。いろいろなYouTubeのキューレーターがいるけど、彼らは現代の新しいレーベルと呼んでもいいと思う。音楽を紹介して、人々が音楽を探す手助けをしてるんだから。 ――シンガポールではどんな音楽が流行ってるんですか？ ジャレッド インディー・シーンの話？　それとも全国での流行？ ー両方でお願いします。 セリーヌ　普通の人たちはTOP40のチャートやトラップ、ヒップホップを聴いてるね。 ジャレッド　ヒップホップは大人気。 ラファエル　若い音楽ファンはみんなヒップホップとR&Bに熱中してる。シンガポールのヒップホップは急成長してるよ。 セリーヌ　インディー・シーンの人たちはマスロックをよく聴いてるね。 ラファエル　ミッドウェスト・エモも。シンガポールも日本と似ていて、とても忙しい国だからね。だからみんなマスロックが好きなのかも。日本と同じでみんな仕事に行くのがストレスだから！

※ミッドウェスト・エモ 90年代にアメリカ中西部で発生した、インディー／ハードコア寄りのエモ。 マスロック〜ポストロックとは隣り合わせの関係にある。

ー日本ではマスロックは、バンドマンや熱心な音楽ファンには浸透してますが、ライトな音楽ファンにはそうでもないかもしれないです。 セリーヌ　シンガポールではイージー・リスナーもプログレとマスロックを聞くわ。 ラファエル　と言っても、ライヴに足を運ぶようなインディー・キッズの話だけどね。マスロックのイベントはどこでもやってるよ。 セリーヌ　あとハードコアも人気ね。ちゃんとシーンができてる。それ以外だと、Beach Fossils（ビーチ・フォッシルズ）やBoy Pablo（ボーイ・パブロ）とかが人気かなあ。 ――いま現在、アジアの音楽シーンについてはどんなふうに見てます？ ラファエル　アジアで活動できるのはとてもラッキーだと考えてる。いまのアジアはたくさんの良いものが生まれてるからね。大きい国だけじゃなくて、アジア内の小さな町でもそう。南アジアをたくさんツアーしてるけど、そこから出てくる音楽が僕らは大好きだ。フィリピンのThe Buildings（ザ・ビルディングス）っていうバンドや、インドネシアの〈Kolibri Rekords〉っていうインディポップを扱うレーベルみたいにね。 セリーヌ　そうそう。今回のジャパン・ツアーだって、私たちが大好きなバンドたちと一緒にやらせてもらってるし。 ラファエル　17歳とベルリンの壁、For Tracy Hyde（フォー・トレイシー・ハイド）にLucie, Too（ルーシートゥー）とかね。中国でもワクワクする音楽がどんどん出てきてる。Chinese Football（チャイニーズ・フットボール）のメンバーは、たしか日本に住んでるんだよね。彼らもとても大好きだ。 ジャレッド　台湾の落日飛車（サンセット・ローラーコースター）とか。 セリーヌ　韓国のSay Sue Me（セイ・スー・ミー）もいいよね。 ラファエル　いまはこれまでで一番、アジアの音楽が世界のシーンで活躍していると思う。たくさんの若い音楽ファンがどんどんオープンになってるし、欧米の音楽やTOP40チャート以外の音楽も聴くようになってる。僕らとか君みたいなアジア人もいい音楽が作れるんだ。これから5年、10年後にはもっとアジアのバンドが活躍してると思うし、それは可能なはずだよ。 ――逆に、アジアの音楽シーンに足りないものはなんでしょうか？ ジャレッド　アジア人の音楽は聴かれるようになった。Japanese Breakfast（ジャパニーズ・ブレックファスト）、Jay Som（ジェイ・ソム）、Mitski（ミツキ）とか。僕らは大好きなんだけど、彼女たちはまだ国際的なシーンでは「アジア人」として見られたり、「アジア人がアジアで作った音楽」って見られてたりしている。 ラファエル　ただ別に、西洋のリーダーに認めてもらうために音楽を作る必要はないんだ。アジアにも良いリーダーがたくさんいる。西洋の国のために音楽を作る必要はなくて、アジアにいる自分たちのために音楽を作ればいい。 セリーヌ　でも同時に、誰でも共感できて楽しめる音楽にしたい。 ラファエル　だから、アジア独自のアイデンティティを見つけていきたいね。日本にはアイデンティティがちゃんとあると思う。日本の音楽はいつだって先進的だったしね。シンガポールや他のアジアの国は音楽のコミュニティがまだ若いから、これから自分たちのアイデンティティを探さないといけない。ただ西洋（のトレンド）に向かうんじゃなくて、国際的にアピールできる何かを見つけることが大事だと思ってる。Say Sue Meのように海外で大人気になるのも大事だけど、それだけが成功の物差しになってはいけない。 ――Sobsもアメリカで人気ですが、それについてはどう思いますか？ セリーヌ　嬉しいし、素晴らしいことね！ ラファエル　アメリカにファンがいるのはとてもクールだと思ってる。メールが来たりもするしね。2週間ごとくらいに物販を買いたいって連絡がくるから、配送料の10ドルを（自腹で）払って送ってあげてるよ。世界の反対側にいる人が僕らのグッズを着てるなんて、めちゃくちゃクールじゃないか！ ジャレッド　だから、いつかアメリカにツアーしに行きたいけど……なかなか難しいんだ。 ――アジア以外でツアーしたことは？ ジャレッド　東南アジア以外でやるのは今回の日本が初めてだ。 セリーヌ　実は、ジャレッドがもうすぐ徴兵に行っちゃうの。 ラファエル　シンガポールは2年間の徴兵制度があって、僕はこのまえ終えたんだけどジャレッドは今年からなんだ。だから日本のツアーをやっておきたくて、急いで実現させたんだよ。これからはツアーするのが難しくなってくるからね。 ――この先2年間、ツアーはしないんですか？ ジャレッド　一切できないわけじゃないなんだけど、遠くへ行くのは難しくなるね。

――国境を越えていろんな人たちがいろんな音楽を聴くようになった今、自分たちが世界に向けて発信したいことはありますか？ セリーヌ　アジア人が作る音楽は、西洋の音楽に負けないぐらいいいぞって伝えたいわ。 ジャレッド　西洋の音楽に対してなにか恨みがあるわけじゃないよ！　向こうの音楽を聞いて育ったし。 セリーヌ　もちろんそうよ。ただ言いたいのは、西洋のメディアに取り上げられることだけが成功の物差しじゃないってこと。 ラファエル　だからこそ、このジャパンツアーは僕らにとって非常に大事なんだ。仲間と繋がれるし、一緒にワクワクするような活動ができる新たな友たちも作れる。彼らがシンガポールに来たいなら同じように歓迎するよ。 ――音楽を広めやすくなった今、YouTubeやSpotifyを使って試してみたいことは？ ラファエル　ボーイ・パブロはYouTubeの使い方の秘訣を見つけた一人だね。彼やPeach Pit（ピーチ・ピット）は、口を揃えてYouTubeの重要性を教えてくれる。「The Lazylazyme」っていうYouTubeチャンネルが、ピーチ・ピットのアルバムをアップロードしたらものすごい広まって。2000万再生ぐらいだよ！　ピーチ・ピットのメンバーたちはそのチャンネルの人に「車でも買ってあげたい」と言ってたね。 セリーヌ　私たちはまだYoutubeの活用方法を模索中よ。一歩踏み出すごとに何が起こるか予測できないから。 ラファエル　みんなまだ模索だ。だから色々学べる。特に僕は、レーベルの仕事でPRとかもやるし学ぶことだらけだ。

Sobs - Astronomy (Official Video)

ジャレッド　僕らの”Astronomy”のミュージックビデオは、セリーヌが数週間前に日本で撮影した映像なんだけど、あれは「777tv』っていうYouTubeチャンネルから配信したんだ。ボーイ・パブロのレーベルだよ。こんなふうに、どうやってリスナーが音楽を探しているのか理解しようとしてる最中だ。 ――今後アジアの音楽シーンがどんな風になったらいいと思いますか？ セリーヌ　シンプルね。いい音楽がもっと出てきてほしいわ。あと、シンガポールにもっとライブハウスがほしい。 ジャレッド　本当にそのとおり！ セリーヌ　すぐに潰れちゃうの。警察が来て潰しちゃうのよ。 ラファエル　あとは、アジアを横断するコラボがもっと増えてほしい。多くのアジアのバンドは自分の国に留まっちゃうからね。たくさんの良いことや良いチャンスが外に転がってるよ。 ジャレッド　自分の国で音楽を作ってそれで終わりって考えてる人が多いからね。いい音楽を使ってできることはたくさんある。 ――最後に、Sobsがこれから2019年にやりたいことは？ ジャレッド　できれば今年中にEPをだしたいね。あとはツアーをもっとしたい。 ラファエル　もしかしたら日本にまた来るかもね。とても忙しい年になりそうだ。物事が物凄いスピードで進んでいく。活動開始してからまだ2年経ってないなんて信じられないや。