今年で7年目を迎える電子音楽とデジタルアートの祭典＜MUTEK.JP＞が12月7日（水）〜11日（日）の5日間、東京・渋谷を舞台に「LINE CUBE SHIBUYA（渋谷公会堂）」「渋谷ストリーム ホール」「Spotify O-EAST」「WOMB」「スクランブルホール（SHIBUYA QWS）」で開催される。

＜MUTEK.JP 2022＞は、『A/Visions』、『Play 1』、『Play 2』、『Nocturne 1』、『Nocturne 2』の5つのプログラムと渋谷「WOMB」とのコラボレーション・パーティによって構成。全43組の国内外アーティスト（26のパフォーマンス）の出演が決定した。

そして今年は12月8日（木）・9日（金）に、AI、XR、メタバース、WEB3などの業界の発展に寄与することを目的としたカンファレンスイベント＜MUTEK.JP PRO Conference＞も同時開催される。

数年前から希望、時には不安をも帯びる“AIブーム”だが、近年では、「AIチャット」や「画像生成AI」など、“エンタメとしてのAI”との距離も身近になりつつあるのではないだろうか。本記事では、そんなAIなどのテクノロジーを用いて先進的にアプローチし、拡張させて作品を生み出すアーティストたちを紹介。直前に控えた＜MUTEK.JP＞の予習としても参考にしてみては！

テクノロジーとサウンド、映像が融合するラージスケールのオーディオビジュアルに焦点を当てたプログラム『A/Visions』。LINE CUBE SHIBUYA（渋谷公会堂）にて、Sougwen 愫君 ChungによるFlora『Rearing Agricultural Network』、そしてRyoji Ikedaによる『ultratronics [live set]』が披露される。

Sougwen 愫君 Chung（スグウェン・チャン）は、中国系カナダ人アーティストであり研究者。また、人間と人間以外のコラボレーションを探求するロンドン拠点のスタジオ、Scilicet（※）の創設者兼芸術監督でもある。 ※共同ディレクターであるアーティスト兼研究者のTessa Nijdamは12月8日（木）のカンファレンスにも登壇。

MIT（マサチューセッツ工科大学）のメディアラボの元リサーチフェローであり、ヒューマンマシンコラボレーションの分野のパイオニアとしても活躍。近年も、芸術と科学における業績でモナコの『Monte-Carlo Woman of the Year Award in 2019』に選ばれたほか、Lumen Prize for Art in Technologyを受賞するなど様々なフィールドで注目されている。

人間とシステムのダイナミクスを理解するためのアプローチとして、手作業で作成されたマークと機械で作成されたマークを模索するSougwen 愫君 Chung。『D.O.U.G._1』（2015）では、小型のロボットアームがコンピュータビジョンを搭載したカメラを使って、アーティストの手で描くジェスチャーを模倣し、彼女に合わせて同期して描画するシステムを、『D.O.U.G._2』（2017）は、ロボットアームがスーゲンの描くジェスチャーをもとに学習したニューラルネットに基づいてスケッチを生成し、ロボットの記憶と機械学習を探求した作品を発表した。

今回披露される「Flora Rearing Agricultural Network」は、植物と機械が互いに織りなす自然と生体模倣型ロボット工学を探るものであり、孤立の中でその着想を得たもの。この作品は数年かけて制作が進められ、これまでに上海の「Pearl Art Museum」、「SØRLANDETS Kunstmuseet Kristiansand」、「Honor Fraser Gallery Los Angeles」、「Vancouver Art Gallery」で映像や作品の展示を行ってきたが、このたび東京のMUTEK.JPで初のライブパフォーマンスを行う。世界プレミア公開となる貴重な一夜をぜひお見逃しなく。

パリと京都を拠点とし、その精緻な構成によってリスナーの感覚を聴覚的／視覚的に拡張し続けるメディアアーティスト・Ryoji Ikeda。彼の作品には超音波や周波数などといった化学的な見地がしばしば持ち込まれ、サウンドの設計を起点とした他に類を見ないライブ・パフォーマンス／インスタレーションがそこには広がる。

80年代に設立されたアーティストグループ・ダムタイプの舞台音楽でも知られており、近年も自身のレーベル〈codex｜edition〉の立ち上げや弘前れんが倉庫美術館での大規模な個展の開催と、しなやかにその表現領域を広げている。DJ スプーキー（DJ Spooky）によるコンピレーション・アルバムへの参加やデヴィッド・シルヴィアン（David Sylvian）へのリミックス提供など、国内のみならず海外のアーティストからもリスペクトを集めている。

今回は2022年12月に〈codex｜edition〉と〈NOTON〉よりリリースされる、前作から約10年ぶりとなるオリジナルアルバム『ultratronics』に合わせた最新のオーディオヴィジュアル・コンサートを披露。10月にWWW Xで行われた最新セットの初演もチケットが完売するなど、より一層期待が高まるばかりだ。テクノロジーとサウンド、そしてビジュアルが溶け合う『A/Visions』で彼が描くスケープに、最大限の期待をしたい。

12月8日（木）は「渋谷ストリーム ホール」にて行われる、AIとクリエイティビティ、オーディオビジュアルに焦点を当てた『Play 1』。Montreal Life Support & Woulgによるロボットがチェロを演奏するインスタレーション『Empty Vessels』や、モントリオール拠点のデジタルアーティストMyriam Bleauによるオーディオビジュアル・パフォーマンス「Unsculpt」などカッティングエッジなパフォーマンスが並ぶ。

今回注目してほしいのは、アーティスト／DJ／研究者として活躍するNao Tokui。これまでに手がけた作品はニューヨークMoMA、ロンドン・バービカンセンター、NTT InterCommunication Center、アルスエレクトロニカなどで展示。音楽作品としては〈PROGRESSIVE FOrM〉などのレーベルからのリリースや、Nujabesとのコラボレーション作品。また2021年1月には、これまでの活動をまとめた『創るためのAI 機械と創造性のはてしない物語』（BNN）を出版し、2021年度大川出版賞を受賞したことでも知られている。

これまでにも“AIと音楽”という文脈の中で数々の作品を発表してきたNao Tokuiだが、「音楽界の異端児」とも評される作曲家・エリック・サティによって提示された「家具の音楽」よりインスピレーションを得た『家具の音楽たち 2021 —AI生成音楽インスタレーション』では、サティの楽曲を学習したAI音楽生成モデルを試みた。

そして近年彼が取り組んでいる「AI DJ」は、AIによるDJパフォーマンスの未来を探るプロジェクト。まずはAI DJとしてAIによる選曲システムを開発。第2弾では、ステージ上で数個のAIモデルを活用し、リアルタイムに記号音楽（MIDI）を生成することに成功した。その際、人間のDJ（徳井）が生成AIモデルやドラムマシンの各種パラメータを制御することで、音楽的な組み立てを行っていく。さらには、次なるステージとして彼が目指したのは、DJとAIがリアルタイムで展開することによる、即興的なパフォーマンスだ。

今回の公演『Emergent Rhythm』では、人間のDJはDisk JockyではなくAJ、つまり「AI Jocky」としてAIが生成するオーディオストリームをリアルタイムで手なずけ、ステージ上でほぼリアルタイムに音声を生成するAIモデルを展開させる。そこにはシンセサイザーもドラムマシンもなく、演奏中に聞こえてくるのはすべて純粋なAI生成音となる。ヒューマニティーとAIが盤上で出会う瞬間を味わっていただきたい。

また同日には、准教授を務める慶應義塾大学SFC、徳井直生研究室「Computational Creativity Lab」所属のビジュアルアーティスト・Santa Naruseと、アーティスト／ミュージシャンのReo Anzaiによるデュオで、『Afflatus Spectrum』と題するヴィジュアルノーテーションを用いた人間とAIによるオーディオヴィジュアル・パフォーマンスも披露される。こちらも併せて必見だ。

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実験的で多角的なアプローチによるサウンドとイマーシヴなビジュアルに焦点を当てたオーディオビジュアル『Play 2』。コンポーザー・France JobinとメディアアーティストでDerivative社のテクニカルディレクターとしても知られるMarkus Heckmann、Mars89とHexpixels（神田竜／比嘉了）のコラボレーション、YOSHIROTTENと音楽ユニットYATTの相方TAKAKAHN、INS StudioのBaku Hashimotoによる初のオーディオビジュアル・ライブパフォーマンスなど見逃せないタッグセットが豊富にラインナップされている。

そんな『Play 2』において、鮮やかな色合いや極細テクスチャー、ビートシンク、ホログラフィックをスタイルとするモントリオール拠点のVJ BunBunと、東京アンダーグラウンドシーンを軸に近年海外でも活躍する注目のライブパフォーマー・Kopyが共演することが決定。

BunBunはモントリオールを拠点に活動するVJ。彼女の作品は＜Bass Coast＞や＜C2＞をはじめとした、30以上の国際的なフェスティバルやカンファレンスで発表されてきた。またアリシア・キーズ（Alicia Keys）やアタリ・ティーンエイジ・ライオット（Atari Teenage Riot）、ブラック・コーヒー（Black Coffee）など、彼女は何百もの著名なアーティストと共にこれまでビジュアルパフォーマンスを行ってきた。

そしてKOPYは呉山夕子のエレクトロニックソロプロジェクト。2002年から2015年まで関西アンダーグラウンドシーンから飛び出してきたwater faiというバンドに所属し、ギターを担当した。現在はThe creamsでギターを弾いている。シンセサイザーノイズユニット・Turtle Yamaとしても活動中だ。

KOPY名義では2015年に自主でCDR『volume 1』を、2016年にライブバージョンのCDR『Live at forest limit』をリリース。2016年にヨーロッパツアーを行い、デュッセルドルフの＜Salon des Amateurs＞やアントワープなどでパフォーマンス。2018年のヨーロッパツアーでは＜Meakusma Festival＞でレーナ・ヴィリケンス（Lena Willikens）のショーケースに出演。2021年にはデュッセルドルフのフェスティバル＜Theater der Welt＞に出演した。また、鎮座DOPENESSとのコラボレーションや＜全感覚祭＞への出演など国内外のシーンを縦横無尽に駆け抜けている。今回はそんな両者が共演。VJと音楽という軸を持ちながらも、そこから絶え間ないイマジネーションで他の領域へ接近し続ける2人の邂逅を目撃してほしい。

エレクトロニックミュージックのリズムの魅力に特化したプログラム[Nocturne]。世界中で高い評価を集めるドイツ人プロデューサーPantha du Princeによる待望の初来日公演など、最終日まで見逃せない充実度となっている。なかでもHatis Noitの最新作が、Yuma Kishiとのコラボレーションで日本初ライブセットとなる今回は必見だ。

北海道知床出身、ロンドン在住の日本人ヴォーカリスト・Hatis Noit。雅楽／オペラ／ブルガリア語／グレゴリオ聖歌／アバンギャルド／ポップスなど、あらゆるジャンルのヴォーカルからインスピレーションを受け、独学で創り上げたという彼女の歌声は、原始的でありながら聴き手に潜在的な啓示を施す。

2017年にビジュアルアーティスト・Nobumichi Asaiとのコラボレーションプロジェクト「Inori」のライブを＜MUTEK.JP＞で初披露。2018年には最初のEP『Illogical Dance』を〈Erased Tapes〉からリリース。以降、＜2018SS MILAN COLLECTION＞、＜Manchester International Festival＞、ロンドン・コンテンポラリー・オーケストラとの公演をはじめ、ヨーロッパ各地でソロライブを行う。2022年6月には初のフルアルバム『Aura』をリリースし、多くの批評家たちから絶賛された。

そんなHatis Noitのカムバックステージを共にする岸裕真は、AIを用いてデータドリブンなデジタル作品や彫刻を制作し、高い評価を得ている日本の現代美術家。2019年に東京大学大学院工学系研究科修了・2021年より東京藝術大学先端芸術表現科修士課程在籍するバックグラウンドを持つ。彼の作品はナイキなどの有名ブランドやVogueなどの世界的雑誌で紹介され、日本国内で広く展示。昨年には「ポカリスエット 2021」のキャンペーンで話題となった、A_oの“ BLUE SOULS”MVや、Radwimpsの“FOREVER DAZE”のアートワークにも参加するなど、注目度は高まるばかり。

今年の2月には初の作品集『Imaginary Bones』を発表。書籍のみの通常版とNFTアート付きの限定版の2種類で販売されたことも記憶に新しい。彼は西洋とアジアの美術史の規範からモチーフやシンボルを借用し、美学の歴史に対する我々の認識を歪めるような絵画を制作。AI技術を駆使した彼の作品は、過去の名作絵画を引きつつも見る者の自己意識の一瞬のズレを呼び起こし、「今とここ」の間にあるリミナルな空間を作り出す。

[Nocturne]ではHatis Noitのニューアルバムのライブセットを日本初披露。電子的なリズムに重点を置きながら、あらゆる方向へ伸長してやまない独特な表現の数々を、ぜひ体感してほしい。

12月10日（土）には「Spotify O-EAST」にて、エレクトロニックミュージックのリズムの魅力に特化したプログラム『Nocturne 1』が開催。

ドイツ実験音響の最高峰レーベル〈Raster〉のショーケースとして、レーベル主宰のByetoneによるリズム、サウンド、レーザーを組み合わせたショー「Pluses」、Mieko Suzuki & Claudia Rohrmoserの実験的AVパフォーマンス、Kyoka & Shohei Fujimotoによる脳と自己の共鳴を試みる新作オーディオビジュアル作品「自己共鳴投影上映開始 CINEMA BLACKBOX」が公開。

そしてmachinaとAli M. Demirelの初コラボレーションが実現する。また追加ラインナップとして、2019年に開催された＜Digital Choc × MUTEK.JP＞以来の来日となるフランス出身の分野横断的なアーティストNSDOSが出演決定となった。

さらに同日夜はMUTEK.JPとWOMBのコラボレーション・パーティを開催。メインフロアでは、モントリオールのエレクトロニックミュージックシーンで絶大な支持を集めるプロデューサー・Prioriと、ここ数年で日本のトップDJのひとりへと躍り出たOcca、そして昨年のMUTEK.JPでライヴセット・デビューを果たした東京拠点のテクノプロデューサー・Risa Taniguchi、モントリオール拠点のlaced & LCL_Streamの4組が登場する。

サウンドやヴィジュアルといった区分を軽々と越境し、最先端のテクノロジーを組み込みながら観客に提示する＜MUTEK.JP＞。エクスペリメンタルやアヴァンギャルドと呼ばれる領域とも密接に関わり合いながら、それらは身体的な快楽や気づきをあなたにもたらすだろう。五感をフルに使うことによって得られる未知の体験を、ぜひ会場で浴びてほしい。

━━新曲はNAGAN SERVERさんとの共作“a little question - Shōtaro Aoyama Remix”ですが、オリジナルは未発表なんですか？

チョモ　オリジナルは俺のトラックなんですけど、青山さんのリミックスがカッコ良すぎたので、こちらを先に出すことにしました。

森　オリジナルもめっちゃかっこいいです。ミニマルでディープな感じ。

チョモ　そもそもの経緯は順を追って説明すると、まず俺らがNAGAN SERVERさんの大ファンなんです。俺らはNAGANさんが群馬の高崎でライブをやった時も客として観に行ってて。だから『4EP1』のリリースパーティーの時に出演をお願いしたんです。そしたら快諾してくれて。

森　そこからめっちゃ仲良くなったんです。NAGANさんはリリースパーティーの次の週には桐生に遊びに来てた。

━━人間的にもすごくあった。

チョモ　森との……。

森　ふざけが……。

チョモ　止まらないとまらないんですよ。それがめちゃくちゃ面白い。

━━チョモさんは加わらない？

森　加わるっすよ。でも俺とNAGANさんが早すぎる。

チョモ　そう（笑）。だから二人のやりとりをリスナーとして聞くって居場所を見つけました。

━━NAGAN SERVERさんというとクールでカッコいい人というイメージがあったんですが……。

チョモ　そこは間違ってないです。クールでカッコいい人。かつ……。

森　ふざけてる（笑）。マジでヤベー人なんです。後輩としてついていきたい人。めちゃくちゃカッコいい。俺は自分が相当ふざけた人間だと思ってますけど、NAGANさんと会って「こんなふざける人いるんだ」ってなりましたもん。尊敬しまくってます。

チョモ　森はNAGANさんを先輩として慕ってますね。同じような感じで、俺は青山さんからめっちゃ勉強させてもらってます。

森　それすごい感じる。NAGANさんはラッパーだから、俺にストリートのいろんなことを教えてくれるんです。「こういうことはしないほうがいい」とか。あと人間的に近いところがあるから、俺の個性を踏まえてかわいがってくれてる。俺、洋服が好きなんですけど、いろんな関わりを作ってくれたり。今回、青山さんにリミックスをお願いすることになったのもNAGANさんのアイデアなんです。

チョモ　その後NAGANさん、青山さんと四人で飲んで、三日後くらいにあのリミックスのほぼほぼ完成形が送られてきました。びっくりしましたね。

━━チョモさんはトラックメイカーとして青山さんからどんなことを教わったんですか？

チョモ　音楽との向き合い方ですね。何の為に音楽をやっているかというか。俺は今自分が好きな音楽を好きなように作ってる。けど、青山さんは自分の為だけに音楽をやり続けることには限界があると話してたんです。自分の好きだけを追求し続ける事というか。だから敢えて音楽をやる目的を外に向けることで大分気が楽になるって。

━━しかもあのクオリティのリミックスをすぐ送ってきてくれると、言葉の説得力も増しますね。

チョモ　間違いないです。

━━タイトルやテーマはどのように決まったんですか？

チョモ　俺が作ったオリジナルのビートの上で、二人がフリースタイルしてる中で出てきたんじゃなかったっけ？

森　そう。NAGANさんが着てきたシャツに小さいクエスチョンマークがついてたんですよ。そこきっかけに二人でフリースタイルしてたら、NAGANさんから“a little question”って言葉が出てきた。あとはノリですね。言うことも決めてない。録りもほぼ一発。

━━“a little question - Shōtaro Aoyama Remix”はどんぐりずにとって大きな意味のある一曲になったようですね。MVには青山さん、SIRUP、高岩遼（SANABAGUN.）、斎藤雄哉（yonawo）も出演されてるとか。

森　はい。NAGANさんが連れてきてくれました。かなりヤバいですよ。あとダンスが凄い。かなり見たことないタイプだと思います。めちゃくちゃオリジナル。てか、このMV見るとNAGANさんのイメージ変わると思います（笑）。

チョモ　とにかく明るいです。楽しそうな映像になってるんで。

森　曲は激クールだけどMVはチョケてる。おもしろい違和感になってると思います。

━━共演といえば、Campanellaさんとの2マンはいかがでしたか？

チョモ　めちゃめちゃ最高でしたね……。

森　夢。一個叶った。高校の頃から大好きで。

━━若かりしお二人がCampanellaさんと一緒に撮った写真を見ました。

チョモ　あれはCampanellaさんが地元のクラブに来た時に初めてライブを見に行って「一緒に写真撮ってください！」ってお願いしたやつですね。

森　５〜６年前？　たぶん『PEASTA』が出たすぐ後くらい。俺はMVで知って「この人（地元に）来るんだ」って。RAMZAさんもその時に知って。「やべーシーンだな」って思ったんです。その頃位から深くヒップホップにハマった。それくらいCAMPYさんが好き。

━━『PEASTA』もめちゃかっこいいアルバムですよね。

森　クッソいい。スルメ。ずっと好きです。

チョモ　この間のライブも自分の出番が終わった後、客席からCAMPYさんのライブを見てたんですけど、ぶち上がりすぎてめっちゃアンコールしてたところをお客さんに撮られてて、かなり恥ずかったです（笑）。

━━『4EP3』もめちゃ好きでした。“Oto mafia”はロニ・サイズ（Roni Size）を思い出しました。でもお二人がやるとノスタルジーじゃなくフレッシュなのが面白かったです。

チョモ　あの曲はまさにロニ・サイズとか90年代のドラムンベース、しかもちょっとジャングルっぽい感じをやりたいよね、と森と話しながら作りました。そうなると『4EP1』より早い四つ打ちが欲しくなって“Funky Grandma”も作ったり。

━━“Funky Grandma”もUKっぽいですよね。しかも森さんのラップパートがない。

チョモ　歌うことを想定しないで作りました。

森　俺、この曲好きなんですよ。超飛び道具。最近レイヴっぽい音がきてるし、さらに流行りそうじゃないですか。なんで先にやっとこうってノリはあったっすね。あと『4EP3』はデカい音っていうのがポイントなんですよね。

チョモ　それっ！　全体的にラップの曲を作るってイメージじゃなく、クラブでDJが流れの中でスポット的に選曲できるラップというか。

森　俺も今回はラップしようとしてないです。ループ感が大事で、そこに合う言葉を選んだ感じ。“Bomboclap”は特にそういうイメージ。

チョモ　うん。（DJプレイに）溶け込んでいく感じ。でも一曲の中にストーリーがある。スローになったり、ビートだけになったり。

━━“Bomboclap”のパーカッシヴなラップはCampanellaさんっぽいなと思いました。

森　確かにRAMZAさんや名古屋のFree Babyronia、shobbieconzの作る音ってめっちゃクラブっぽい。だから俺、超好きなんですよね。でも“Bomboclap”のラップに関しては、かなりUKガラージから引っ張ってるっす。

━━通常、曲作りはトラック先行なんですか？

チョモ　そうですね。ただ俺一人の中から出てきたものということではなく、「こんな感じのやりたいね」みたいな話を森とよくしてるんです。そこからお互いにリファレンスを見つけてイメージを共有してから具体的にトラックを作っていきます。

━━今年はMondo GrossoやBIMさんとも共作しましたね。

チョモ　声をかけて頂いてありがたいとしか言いようがないです。

━━それぞれどのように制作していったんですか？

森　Mondo Grossoとの“B.S.M.F.“はすぐトラックが送られてきました。「むっず」って（笑）。展開ヤバくて。

━━かなり複雑な曲ですよね。大沢伸一さんから歌割りの指定などはありましたか？

森　全然。勝手にやってって。かなりこねくりまわしました。何回かやりとりして完成した感じ。

━━チョモさんはトラックメイカーとして“B.S.M.F.”のトラックをどのように感じましたか？

チョモ　音がデカい。

森　デカい会場で鳴らすことを想定してる感じだったよな。

━━いまのどんぐりずのムードにぴったりですね。

チョモ　はい。すごくいい経験でした。

━━ 一方、BIMさんとの“Anchovy”はチョモさんのトラックですね。

チョモ　作った時期は“Anchovy”のほうが先なんです。

森　最初、俺にDMくれて。

━━もともと知り合いだったんですか？

チョモ　いや自分はただのファンでした（笑）。

━━こちらもかなり変わった曲ですが、制作はどのように進めたんですか？

森　まず俺らがBIMくんの地元に遊びに行ったんですよ。一緒に酒飲んで、めちゃくちゃくだらない話をいっぱいして。あと好きな音楽を聴かせあったり。

チョモ　お互いを知る時間って感じでしたね。BIMくんが溝の口のご飯屋さんに連れて行ってくれて、BIMくんも俺らの地元（桐生）に来てくれたので、お返しに美味しいお店を紹介したり。レコーディングは俺らのスタジオで、3人でわちゃわちゃやりながら作りました。

━━“Anchovy”はチョモさんのパートがものすごく高くてびっくりしたんですが、ライブでもあのラインを安定して歌っていてさらに驚きました。

チョモ　はじめはもっと普通の感じだったんですけど、作ってるうちにあの感じのボーカルでやりたくなって。実は俺、あの高さが一番出しやすいってことに気づきました（笑）。

━━最後に＜FUJI ROCK FESTIVAL'22＞への意気込みを。

森　かなり気合い入ってる。

チョモ　今年は5月位からめちゃくちゃ沢山ライブやフェスに出演したんです。正直怒涛のスケジュールでした。それが＜フジロック＞で一区切りつく。俺ら的には2022年の第一幕終了という感じだよね。

森　そう。だからやばい位楽しみにしてます。

チョモ　ここ一ヶ月位はフジロックのことしか考えてないです。練習も凄いしてる。俺らの出番は7月30日の深夜一発目のRED MARQUEEなんで、終わったら残りは泥のように遊び尽くすつもりです。

どんぐりず ラッパー森、トラックメイカー・プロデューサーのチョモからなる⼆⼈組ユニット。⾳源、映像、アートワークに⾄るまでセルフプロデュースを⼀貫。ウィットにあふれるグルーヴとディープなサウンドで中毒者を続出させている。

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NAGAN SERVER ヒップホップとジャズにルーツを持ち、ラッパー／ウッドベーシストという異⾊の肩書き／キャリアを持つ⾳楽家（ナガンサーバー）。これまでに3枚のオリジナル・アルバムをリリースしているほか、精⼒的にライブ活動を展開。2019年には『FUJI ROCK FESTIVAL』やGEZAN主催の『全感覚祭』に出演するなど、シーンやジャンルを横断し活動。2020年はコロナ禍以降も⼤型配信ライブ「BLOCK.FESTIVAL」への参加で注⽬を集め、困難な状況でもその歩みを⽌めることなく前進し続けている。他、イタリアを代表するカーブランドFIATのWeb CMに楽曲提供&出演。FRED PERRYが企画する「ブリティッシュ・サブカルチャー」で特集、adidas Originalsが発信する「TOKYO CREATORʼS INSPIRATION Vol. 1」 に取り上げられている。 21年7⽉ 安藤康平 a.k.a. MELRAW（Sax）、熊代崇⼈（Ba）、中村海⽃（Dr）と共にエクスペリメンタル・ヒップホップバンドDUENDE（デュエンデ）を結成。22年3⽉に開催されたBillboard Live Osaka プレミアム公演で成功を収めた。

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──日本初インタビューから6年経ちました。まずついに＜フジロック＞初出演ですが、心境はいかがでしょうか？

Go　心境はやっと来たなって感じで、嬉しいです。地元の国で一番大きなフェスに出れることは光栄だし、思い出にもなるし。バンドとして最後に母国でやる上ではこれ以上ないフェスだし。

──幾何学模様って、日本のフェスに出ようとしたら台風になったりして全然出れてないよね。2019年の＜朝霧JAM＞も中止で、＜全感覚祭＞がフェスとしては中止になって、ライブになり。2020年は＜GREENROOM FESTIVAL＞に出演が決まっていたけど、延期と。

Tomo　地震とか台風とか、自然現象に巻き込まれて吹き飛んじゃったね。フェスの会場で、お客さんのほとんどが日本人って場所であんまりやったことなくて。個人的にはライブが終わった後のお客さんの雰囲気が結構楽しみ。＜フジロック＞がすごく好きな人っていっぱいいるから、自分は行ったことない分、特別なものがあるのかなと感じてる。

──みんな＜フジロック＞行ったことない？

Go　Daoud（Gt.）だけモヒートバーみたいなところで働いたことあるよ。ボランティアとして働けるのあるでしょ？　うちらが初めて会った時ぐらいの話だけど。

──バンドとしてメンバーで見に行ったみたいなことはなくて、＜フジロック＞のイメージはあまり湧いていない感じ？

Tomo　全然わかんない。写真でしか見たことない。

Go　俺は映像。タワレコで＜フジロック＞に出るアーティストの特集コーナーがあって、それをチェックしたり。

──最初出会った頃、なんか日本のフェス出たいねって2人と話してて。やっぱり＜フジロック＞じゃない？　みたいな話をしてた。ルーキー枠（ROOKIE A GO-GO）があるって話をしたら、2人は何か違うかもっていう反応で。海外メインで活動し始めてた時だから、＜フジロック＞に出るんだったら、ルーキーじゃない枠で呼ばれたいなって。

Tomo　ルーキー出たくないとかじゃなくて、オファーを受けたかった。自分らの活動を見てくれて、オファーが来て出演できたら一番いい形だと思ったから。せっかく＜フジロック＞出られるならって思ってたし。

──それが今回実現して。もちろん作品やライブがいいからオファーがあったわけだろうけど、呼ばれるきっかけになったひとつの要因が、世界中のフェスに出演してきたという実績があるからだとも思う。世界中のフェスに出演してきて、どういう経験があった？

Tomo　2016年当時はまだうちら日本にいたんだよ。＜DESERT DAZE＞とか＜Levitation＞が＜Austin Psych Fest＞って名前でやってた時で。あの時は各地でサイケフェスが出てきて、サイケの流れからきてるバンドはそういうフェスに出れたの。うちらずっとそのジャンルのフェスにいたからさ。サイケロックだったり、メタルのサブジャンルごとのフェスにしか出てなかった。あと＜OZORA＞とか。とにかくサイケデリックで繋がるフェス。

Go　ヘビー系だったんだよ。サイケトランスとか（笑）。

Tomo　うちらがオランダに行こうとしていた2017年くらいから、＜Green Man Festival＞とかもうちょっと大きいインディーのフェスにも出るようになった。あとは＜Best Kept Secret Festival＞や＜Roskilde Festival＞。＜グラストンベリー（Glastonbury Festival）＞ほどデカくないけど、その中間くらいのフェスに出るようになってから、金銭面でももっとツアーもできるようになって。2016年からは年間100本以上ライブをやってる状態がずっと続いてた。

Go　1年間でアメリカ公演3回とか、ライブやりまくって。2017年から2019年までは、本当にがむしゃらに。ライブが決まってなくてオファーが来たら「ここに予定入ってる人？」ってメンバーに聞いて。次の年の夏の予定なんて決まってるやついないじゃん、普通（笑）。

Tomo　『House in the Tall Grass』を作る時ぐらいから少しずつそうなったんだけど、アルバムが出る前にもうライブがブックされてたの。しかも新しいアルバムが出るツアーみたいなさ。だからその前にアルバムを作んなきゃいけないってルーティンに変わっていくんだけど、それがすごく大変だった。日本だったら珍しいけど、うちらの界隈だったら年間アメリカ2回、ヨーロッパ3回とか回っているようなバンドはみんなそれを普通にやってるもんね。

──具体的にバンドでいうと、同じようなタイミングで同じようなフェスで一緒にいたのって、キング・ギザード＆ザ・リザード・ウィザード（King Gizzard and the Lizard Wizard）とか？

Go　キング・ギザードもそうだけど、頭文字Kのバンドが多いの。幾何学模様、クルアンビン（Khruangbin）とか。フェスとか出ると、アルファベット順に上とか下とかに必ずいる（笑）。だからうちらもKを探すのよ、初めに。

Tomo　クルアンビンも（当時は）年間4〜5回フェス出てるって言ってた。幾何学、クルアンビン、キング・ギザードとかめっちゃライブするバンドは、みんなから「Hardest working band」って言われてたよね。でもそのおかげもあって、みんなすごく有名になっていったけど。

Go　アメリカのバンドだよね、基本的に。だからアドバンテージがある。

Tomo　ヨーロッパや海外のバンドがアメリカでライブする時はUSビザが必要だから。アメリカのバンドは取らなくていいし、国内でめっちゃライブできるからね。逆にアメリカのバンドは海外でビザ必要ないから、ヨーロッパもどこでも行けるやん？　その分、アメリカのバンドがそれくらいやると、大きくなるスピードがすごく速い。

──それでいうとクルアンビンはアメリカだけど、キング・ギザードはオーストラリアで幾何学模様は日本拠点。それなのに、2バンドはクルアンビンと同じように回ってたってことだよね？

Go　キング・ギザードとうちらは、「やるぞー！」って感じだったと思うよ（笑）。

Tomo　しかも拠点がオーストラリアと日本よ。もう世界で見たら辺境の島国なのに。オーストラリアなんて、ヨーロッパ行くのにどんだけかかんねんって。毎回15時間とか。それでうちらと同じ3〜4回やる。オーストラリアでもやるから、年間100本くらいやってると思うと、３日に1回くらい。でもそんな感じで、うちらもあんまり覚えてないくらいツアーの日々だったよね？

Go　そうそう、本当2017年にこっち引っ越してからパンデミックまでは、そんなに記憶にない（笑）。もちろん1個ずつ思い返せばちゃんと出てくるし、1年1年ツアースケジュールを見ていけばわかるけど、感覚的には本当駆け抜けていった。2020年に目覚めたらパンデミックになってた。

Tomo　うちらが最近出したミュージックビデオ（“Cardboard Pile”）の感じ。年間100ショーって、90〜100都市くらいで、わけわかんなくなってくるから。夢見てもさ、3日前に会った人と1ヶ月前に会った人が同じ空間にいたり、国も違うわけ。そういうのを車の中でずっと経験してると、もうサイケデリックな感じになるやん。

──そういう中でメンタルは大丈夫だったの？

Tomo　楽しかったからね、単純に。

Go　俺とTomoは大丈夫だけど、他の3人やバンド全体でストレスを回避できてたかはわかんない。やっぱり全員初めての経験だからさ、訳わかってなかった。俺とTomoの盲目さが逆に自信になって、ついてきてくれてた感じだから。逆に「ちょっと疲れたな」「休もう」ってなると、みんながついてこないんじゃないかなって少し思ってたかも。そんな余裕なかったね。

──俺も横から見てて、よくみんな仲良くて元気だなってずっと思ってた。

Go　それは本当に恵まれてたし、仲悪くならないように気にしてたかな。誰かの調子が悪い時、その人だけが負い目を感じないように。なるべくみんなで歩調を合わせるために、俺とTomoで引っ張ってるけど、みんなでやってる意識をずっと作ってた。

──そこがすごい。自分たちでちゃんとマネジメントできている。普通そういうのって事務所なり、マネージャーがやったりもすることが多いと思うんだけど、そういう意味でも、幾何学模様は会社みたいな感じがする。

Tomo　まさにそうだと思う。現に「幾何学模様＝会社」みたいにビジネスでやって税金も払っているし。例えば大きいレーベルに入ったりして、毎月給料をもらう安定したミュージシャンっていうより、マネジメントごとうちらのやり方で起業したような感じ。

Go　1人だけで引っ張っていくんじゃなくて、俺とTomoの2人でやってることも大きいと思う。1人が何か作業してる時に、もう1人がメンバーと話したり。そうやってみんなが固まっていく。会社っぽさも、うちらからすると、これを続けるためにはどうするかっていうマインドだった。金銭面においても、ツアーやっていくには家賃払ってちゃんと生活しなきゃいけないし、それを払っていくにはどうするか、俺とTomoで考えながらやってた。

──幾何学模様の活動を見てると、既存のバンドとかアーティストのビジネスモデルに対してチャレンジしているように見える。それがバンドの根底にあるような気がしてて。既存のものを疑って自分たちで仕組みを作ってちゃんと回せるようにする、みたいな。

Tomo　俺とGoちゃんの作る遊び場が欲しかったから。レーベルだったり、自分たちの好きなミュージシャンが集まる場所。うちらがフェスやったらそれで繋がったり、ミュージシャン以外の人とも集まれるような。レーベルに入ると、そのオーナーの遊びになる気がして。

Go　やっぱりうちらの遊ぶ場所がないのよ。いきなり「イベントやろうぜ！」って無料で渋谷で好きな友達集めてできないじゃん。何十万もかかるし、お金もみんなで集めなきゃだし。そういう時にハードルを低くして、もうちょっと気軽に遊びやすい環境をね。「こういう作品を出したい！」「ツアーしたい！」って時にそれができたり。遊びの延長が仕事になるような「ずっと遊べる遊び場」を作る意味で、自然に俺とTomoが遊びながらできたのがバンドとレーベルだったって感じだよね？

Tomo　本当そう。＜TOKYO PSYCH FEST＞（幾何学模様主催のフェス）やるのだって、サイケ聴いてる人と東京で会いたいっていう俺とGoちゃんの想いからだもんね。〈Guruguru Brain〉（幾何学模様のGoとTomoが2014年に設立したレーベル）にいる人も、アーティストとレーベルオーナーの関係じゃなくて、みんな仲良い友達の延長線だしね。そこでようやくレーベルのアイデアとか、自分のバンドもそこから出せるねって繋がってきたから。

──そんな中で遊び場を作って全力で走る3年間があってから、コロナ禍で初めてバンドは立ち止まったと思うんだけど、どんな状況だった？

Tomo　すごくこれは幸運なことだけど、パンデミック前から2020年1月のオーストラリアツアーが終わったら、うちらは休もうと思ってたから。もう4年間走り続けてきたし、アルバムもツアースケジュールの中で、もう本当に頑張って作ったし。時間かけてアルバム作りたいって気持ちもあったから。＜GREENROOM FESTIVAL＞とかのフェスは出ても、その先大きいツアーはしないって決めてた。だから偶然だったけど、思ったより長かったって感じ。

──それで言うと、2018年の4枚目『Masana Temples』とその前のEP『Stone Garden』（2017）とかは走りながら作ってた？

Go　走りながらだね。

Tomo　『Masana Temples』とかやばかったよね？

Go　あれはインドネシアとか中国でツアーがあって、アメリカで1ヶ月、そのままポルトガルに１週間くらい行って。その後録ったから、本当ツアーの合間に作った。

──じっくり時間をかけて作った作品ではない、と。その前の『House in the Tall Grass』（2016）のリリース直前もそんな感じ？

Tomo　あれぐらいから忙しくなった。

Go　そのときは作り込むアイデアも、技術もないし。出来ることだったり、やりたいなって思える知識もないから。「もっとできたな」「こういうことできたな」って感覚よりは、とにかく毎回、その時あるものを全部出してた。消化不良ではないんだけど、アルバムを録る前にリリースが決まってる精神状態をなくして作りたい、って2019〜2020年の時に話してたのよ。

今回のアルバムは1年間ゆっくり曲作って、アイデアが出るのも楽しめたのね。みんなでオランダでやったり、日本の山の中で録音したり。あとはこういうプロデューサー入れてみようとか。今まではツアーのことしか考えてなかったから、音楽を作る楽しみをもうちょっと取り戻そうとしてたって感じかな。

──『クモヨ島』の話に移るんだけど、アルバムのコンセプトとかアイデアがどこから出てきたかを聞かせてもらえたら。

Go　当時はゆっくり作るつもりだったけど、2020年に入ってコロナが広がって。でも「パンデミックも夏までには終わるでしょ」って感じだったじゃん。＜GREENROOM FESTIVAL＞も出る予定だったし。そういうのもありつつ、集まる時に曲書いたりしようとしてたけど、それがいきなり遮断されちゃってさ。みんな（Go、Tomo以外のメンバー3名は日本に在住）もこっち来れるかわかんないし、うちらも簡単に日本行けないし。ライブどころの騒ぎじゃないってなった時に「ゆっくり作ろう」って思ってたのが、「別に作んなくても大丈夫じゃん」って。「来週までにやらなきゃ」とかそういうのもなくなって、余裕ができて。余裕ができるとスペースが生まれるから、みんな色んなこと考えたりして、一生懸命曲作ってた。

今まではツアーしながら3〜４割の出来の曲をライブで試してたんだけど、ツアーがなくなったからそれができなくなっちゃって。その作り方が自然に変わってきて、スタジオで合わせずにリモートで完成させるようになったのが違いだと思うよ。

Tomo　3作目と4作目を出して海外ツアーに行ってた時は旅行先の景色だったり、その時に聴いてる音楽だったり、ツアー中に得た経験がインプットになってたの。でも今回はそれがない状態でのインプットだから、自分の家の中のものや自分の好きなものがインプットになってた。それに全部想像で作ってた感じもあるから、アルバムのコンセプトもソファだったり、家で休める空間があったりするのかな。でも家なんだけど、ツアーしてた時の記憶を辿った自分たちの軌跡も落とし込んでたから、記憶と想像の世界と現実の行き来がアルバム全体を通してあるのかもしれない。リモートだったり想像であったとしても、あれだけツアーを回ってた分、うちらがツアーでやってきたグルーヴが共有できたと思う。

──今回のアルバムを聴いてて、日本語をもじったり言葉遊びが多いなと思ったんだけど、その辺はどんな意図があったの？“Monaka（もなかの中）”とか。

Go　 “Monaka”のリリックに関しては別に書かれてないし、Tomoのインプロだからさ。

Tomo　みんなで音楽作ってた時に、自分の家でどの発音が気持ちいいかとか、「この音気持ちいいな」って出てきた。そこで割と言葉遊びをするみたいな。

──あと他の曲だと、ポルトガル語の歌詞を英語に翻訳して日本語に変換した曲（エラスモ・カルロス（ERASMO CARLOSERASMO CARLOS）のカバーソング“Meu Mar”）もあるよね。そういう発想は？

Go　あれは〈LIGHT IN THE ATTIC〉っていうレーベルの企画でカバー曲を作ることになって。エラスモをやろうってなって全曲聴いたんだけど、ギターとか難しいからできる曲がアレくらいしかないのよ。あの曲だって宅録だからさ、みんなが離れた時にやったよね。

Tomo　そう。ほとんどGoちゃんがやったんじゃないかな。ウワモノは後から乗せたけど。

Go　歌詞はまずポルトガル語を日本語にすると意味わかんなくなるから英語にして。そしたら意味がわかるから、なんとなく日本語で通じるように俺が解釈して、Tomoにその場で教えて録ってもらった。

──それはバンドとしては初の試みだよね？　聴いてて新鮮だった。勢いの中で作ってたら絶対出てこないような感じだし、ライブで試すような曲でもない。そういう幾何学模様のクリエイティブな面が聴けた気がして、普段とは違う過程を経てきたからできたんだなって今思った。

Go　そうだね、録音も全部俺が弾くことは普段ないからね。みんなに弾いてもらう感じだから。

Tomo　あの曲は締め切りもあったしね。

Go　本当は4分くらいなのよ、カットされてシングル用になる予定で。あれって6分くらいあるんだけど、後ろの方に伸びてるわけ。俺は後ろの方は使わないと思って録ってるからさ。デモの勢いで適当にやってるのをTomoが「最後のところいいじゃん」って。「笛入れたらいいんじゃない？」とか意見くれて、ぐちゃぐちゃな感じがもっとカオスになったかな。尺によって曲の印象って変わるから、新鮮さはそういうところからきてるかもね。

Tomo　あとブラジル音楽って日本語で歌ってる感じが結構あるから、ちょっと歌謡曲ぽかったりもする。あとブラジルの歌は世界中の言葉でカバーされてるし。それもあったよ、日本語でやってみる案が出たのは。

Tomo　今練習してる！　しかもツアーも5月からあるから、現地行って各自練習してそのままリハでやってライブする。

Go　そもそも想像ってコンセプトの中で作った曲たちだから、ライブの演奏に関しても想像をしながらメイクセンスしてるかな。日本でやる頃には仕上がってるはず。最初の1〜２週間、アメリカで4、5回やってできるようになって、そこから「この部分ジャムしようぜ」ってみんな個人でアレンジし始めて、それからヨーロッパでやって、結構固まった状態で日本に来るから。

──じゃあ、＜フジロック＞ではさらにいい答えが見つかるってことね。

Tomo　全然できんかもしれんけどね。「あれ？　下手じゃね！？」って（笑）。うちらもライブでやってみて違うなって思うこともあるから。やってみてどうなるかは、うちらも楽しみなところ。

──アルバムタイトルの「クモヨ島」はどこから来たの？

Go　クモヨはうちらのマーチを作ってくれたよしつぐ君（YOSHITSUGU OYA／オオヤヨシツグ）って人がいて、アートワークをデザインしてもらった時に、デザインを見たら幾何学模様を「KIKAGA・KUMOYOU」ってアルファベットで分けてたのね。その分け方いいなって思って。うちらの発想じゃ絶対出てこないなって思ったし。

あとCloudsとかTemplesとかForestとかこれまでのアルバムでもそうだけど、いろんな場所をリスナーに対して想起させたいんだよね。聴きながらいろんなところにトリップするみたいな。うちら島国の出身だし、アイランド（日本）から出てきてアイランドに戻ってくるっていう自分たちの境遇にも重なったのよ。それに「クモヨ」は“幾何学模様“ってバンド名のお尻の部分でもあるから。今作が一番最後のアルバムになるし、その意味で「クモヨ」を使った。サークルがちゃんと閉じて綺麗に収まるように。

Tomo　アートワークも今までずっとイラストレーションだったけど、最終的に現実のものが入った写真になることによって、今まで記憶の中で作っていたものが「家」という現実に帰ってきたみたいな。でもやっぱり想像すれば、昔の記憶も蘇って来るし。だからそういう気持ちで聞いてくれると嬉しいです。

──最後のアルバムって話が出たから、そのあたりの話を聞かせてほしい。コロナ禍に入って、パンデミックになったけど、バンドとしては良い状態の中で作品づくりしていた最中なのに、突然の休止発表には本当に驚いた。

Go　去年パンデミック中にヨーロッパとアメリカでツアーしたんだけど、「本当にこれできんの？」っていう状態でツアーしてたのよ。毎回みんなPCR検査とワクチン受けなきゃいけないし、不安もいっぱいあったし。実際会場に来てみてライブやるってなっても、野外で椅子に座って鑑賞するみたいな。俺が風邪引いた時も「コロナじゃね？」って。すぐ薬局行ってセルフテストして、とかそういうストレスも大変だった。次のアルバムを考えた時に、これを続けていくってことは同じサイクルになっちゃうと思ったのね。今5枚目だけどアルバム作ってツアーしてっていうサイクルを今後10枚目までやるのか？　とか考える時間もできたし。

Tomo　Goちゃんと俺がバンド始めた時には世界中で出会えると思ってなかった素晴らしい人たちにも出会えて、いろんなことを共有できたし、勉強もできた。いろんなファンに愛されて、独立してもサポートしてくれて。やってきたなかで、全部自分たちの目標にしてたことを達成できたのが、活動休止の理由としては一番大きいかな。

Go　今まではこういうとこ出たいとか、キャパ大きくして、とかだったのよ。そこに100％向き合ってきたけど、それを今度は50、60％の向き合い方で生活できるのか、とか。そういうアジャストメントをした時、ロケットの状態であとどれだけ出来るんだろうと思った。アメリカだともう5、6回目だから新鮮味もなくなって、ルーティンに入ってくようになってるわけ。ルーティンになって、生活のため、仕事のためとかってやってると、どんどん遊び場がなくなってきて。ふざけながらトリッピーな感じで制作することが楽しかったのに、だんだん「何のためにやってるんだろう」……とまでは言わないけど、それに近いことも考えたし。自分たちのキャパを考えた時に、どれくらいのキャパが自分たちに合うのかもだんだんわかってきたんだと思う。

──これ以上大きくなったら自分たちが作ろうとしてた場所や遊び場より、そうじゃないことに向き合うことが増えてきたってこと？

Tomo　それが悪いわけではないし、なろうと思ってもなれるかどうかはわからないけど、そこの魅力より、自分たちがいいなと思う場所を見つけられたことが素晴らしいことだと思うから。自分たちが一番最高の状態で終われると、うちらはすごく嬉しいし。バンド始めた当初から全員友達で、多少喧嘩しても仲直りできる関係のまま、これだけツアーやってきても続けられている状態で、ドラッグやアルコール中毒にもならずに健康でいれて幸せですよ。

Go　逆にいうと、このままずっと続けてたらその関係性が変わるかもって感じたこともある。大きくなっていって何千人っていう規模でやるってなると、変わらなくちゃいけない。やりたいことが一番最初のエネルギーと変わってるから。パンデミックの状況下だと、これだけ離れてて普段一緒に遊べてなかったり、１週間に1回電話したりするだけだし、バンドのこと以外話す暇ってなくて仕事っぽくなるから。その感じで進めていっても、また次の壁があるしさ。

2人（Go、Tomo）がこっちにいて、あと3人が他の場所にいる環境で、次の成長につなげていくためにもう一度メンバーみんなと合わせてやることになった時、続けていくのは相当なエネルギーが必要だと感じたのよ。そのエネルギーが俺とTomoの中から溢れて、もう1回出来るかってなると、気持ちだけだとどうしようもない部分があって。そんな時にちょっと立ち止まって気づいたらもう10周年じゃね？　って。

Tomo　10年やれれば区切りとして気持ちいいし。ロックバンドとして10年やって次のステップに挑戦できるのもすごく楽しかったし、だからといってステイしたくないからね。うちら若い頃、上の世代に「早く交代しろよ」って思ってたから、自分たちがそこにステイするよりかはうちらの場所を空けて、うちらの音楽を好きな若い人たちがそれを原動力にして、空いた穴に入ってくるスペースを作りたい。それをここまで経験できたバンドとしてやるべきかなって俺は思う。若いバンドが出てくるのもすごく楽しみだし、応援したい。そうやって音楽はどんどん興味深くなっていくものだし、世代を通して化学反応が見られるのはすごく楽しいことだと思う。

Go うちらもそんなバンドが上にいて、教えて欲しかったよね。そういうバンドが当初いたら、もっと早く行けてたっていうのもあるし。

──初めは納得してなかったんだけど、こうやって改めて2人の話を聞いたら腑に落ちた。今後の2人の展望は？

Tomo　今って昔よりかは世界中の色んな地域の音楽がピックアップされるようになってるし、日本の音楽も昔と比べたらもっと浸透するようになってると思うのね。アジアの音楽もインターネットが普及してより世界に浸透してきて、海外に出るようなバンドも多くなってきているし。今後もっとそういう世界が広がるように、音楽とアートを通して何か新しいことをやっていければいいなって思ってる。いろんな文化が混ざり合って、いろんな音楽を見たり聴いたりできるような。でも具体的にはまだ分かんないかな。

バンドやめても5人でジャムしてるかもしれないし。幾何学模様っていうプロジェクトは終わって、また違う形でスタートしてるかもしれない。しかも、コロナも終わって時代も変わってくるから、新しい音楽もでてくると思うし、そういうのをこれから見たいと思ってる。それ以前に今年が楽しみかな。

Go　 バンドが終わるって言っても今年は一番ロケット乗らなきゃいけないから。実はガチガチでツアーがあるから、それが全部終わった時にスペースがみんなに生まれると思う。その時にもう1回この話をしたらまた違うビジョンがあるかもしれない。今はなんとなくやりたいことはあるけど、具体的なビジョンを考える余裕は今ないかな。

──＜フジロック＞でもしかしたら初めて聴く人もいるかもしれないし、今まで聴いてきてくれてる人も来てくれると思うから、そういう人たちに向けて何かメッセージを。

Tomo　楽しんでくれたら嬉しいよね。

Go　“Don't take it seriously.（重く捉えないで）”っていうのはある（笑）。バンドなんていくらでもいるし、10年以上やってるバンドもいくらでもいるし。いろんなバンドがあるから、バンドが終わるなんて日常茶飯事だし、そこまでシリアスなことじゃない。友達じゃなくなって喧嘩して終わるとか、誰かが病気になってとかじゃないからさ。最後だけど、こういうバンドがいたんだな、いるんだな、ぐらいでうちらはいいかな。この5人、友達でやってていいな、おれも友達とやりたいな、とか。素人で始めたんだ、素人でもこういう風にできるんだって思ってくれたらいいけど。それって始めた当初から変わってないからさ。最後だから、特別にこういう風に聴いてほしいっていうよりも、やっぱり楽しんで聴いてほしい。