私事で恐縮ですが、台湾の音楽について発信をはじめて約5年が経ちました。Qeticで記事の寄稿をはじめさせていただいてからは約4年でしょうか。「台湾の音楽をもっと広めたい！」という熱量は衰えない一方で、「台湾のアイデンティティをあえて強調せずとも良い音楽があることも広めたい」という気持ちもあり、すごく、とっても、かなり、試行錯誤しています。

というわけで今回は、、夏が終わる前にじっくり聞いていただきたい、選りすぐりの4作品をお届け。台湾インディーズ音楽の人気がいよいよ押し寄せる前に、是非チェックしてください！

台湾のインディーズリスナーではほぼ知らない人がいない、草東沒有派對 No Party For Cao Dongによる待望の2ndアルバム『瓦合 The Clod』。前作で1stアルバムの『醜奴兒 The Servile』（2016）は、Two Door Cinema Clubのようなダンスパンク、Closure In Moscowを彷彿とさせるオルタナ、あるいはグランジを土台としたサウンドと、無表情と激情を使い分けて現代社会への憂い、虚しさを歌うという構図が衝撃をもたらした。2018年ごろのライブでは時折「暗いサカナクションみたいだな…」と感じたものだ。

このたび7年越しにリリースされた本作は、気鋭のプロデューサー・Itun Chou（周已敦）を迎え、サウンド面が大きく変化。メタル・エモパンク的なアプローチで重力が増したギター、ベースに、技巧的でありながらひけらかさないBirdman（黃士瑋）のドラムが融合し、全体的にドラマチックに仕上がっている。さらにアクセントとして挟まれる打楽器がポップで、さまざまなリスナーに受け入れられる1枚となった。

2020年ごろから界隈で新アルバムの噂がありつつ、コロナ禍でさまざまな苦難と挫折があり、2023年5月20日に待望のリリースとなった本作。幽玄なシンセサイザーと2本のギターが絡み、その後叩きつけるようなドラムが印象的なインストゥルメンタルの#1“苦難精算師 Intro”は文字通り多くの苦難を吐き出し、心を震わせる生命体のもがきがインストゥルメンタルサウンドで表現されている。4分5秒という短い間で次々と変わる曲の表情を支えるSam（世暄 / vo&ba）のベースプレイに注目してほしい。

間髪を入れずにはじまる#2“缸 Pool”は現代の生活をプールになぞらえ「１，２，３でプールに飛び込んで欲望に向かって泳ぐのは誰か見てみよう」と無表情に不平を言い、最後は「プールをぶちこわし、大海に出よう」と、解放への切望で締めくくる。#3“空 Space”はストレートなパンク・サウンドで、自己への欲望を切実に訴える。「大人になる前に、自分を成長させたい／世界が飲み込まれる前に、自分を解放したい」。ジェットコースターのような展開を経て、#4“人洞山 The Human the Hole and the Mountain”は、引き続きダウナーだが音も歌詞も攻撃的ではない。マストドンやTOOLの優しい寄りのトラックを思い出す人もいるかもしれない。

前半だけでもわかるように、音楽的アプローチはこれまでと大きく変わりながら、バンドとしてのスタンスは不変。私たちを惨めで、自嘲的な気分に浸らせるのが本当に得意だ。

11曲中9曲でメインボーカルをとるのはWood Lin（巫堵、vo/gt）だが、Chu Chu（筑筑、vo/gt）が歌う#6“白日夢 Daydream”、#10“芽 Shoot”は、2019年に同名の心霊ホラーゲームのエンディングテーマとして作られた『還願』と同様に慎重に音楽的要素が重ねられ芸術的な雰囲気で、アルバムに緩急をもたらしている。

話は1stアルバムに戻るが、『醜奴兒 The Servile』収録の代表作“山海”“大風吹”は、静かなイントロから徐々に盛り上げてシンガロングを誘う…というレイアウトだった。しかし本作のリードトラックは冒頭からの温度がそのまま進んでいくという特徴がある。

床に横たわりながら外を見つめ悲しみに浸り、その悲しみにふさわしい傷を探す自己を俯瞰するエモロックの#7“床 Lie”。青春を支えていた世界の崩壊と去りし人への愛情、その後の人生を示唆するポップパンク#11“但 Damn”。前者は意識が内へ向かい、後者は外へ向かうが、ともにこのアルバムを支えるリードトラックである。余談だが“但 Damn”は、これまで台湾のバンドを聴いてきた人なら、ジャパニーズ・ポップパンク化する前のFire.EXに似た憂いを見出す人もいるかもしれない。

7月に東京・名古屋・大阪で行われた来日公演では、Perfumeの“Spending All my time”のメタルカバーを披露するなど遊び心も満載の彼ら。今後さらに大きい存在になることが期待される本作を是非チェックしてほしい。草東沒有派對の航海は続いていく。

横浜、神戸の中華街で形成される華僑のコミュニティがあるように、台湾では東南アジアからの移住労働者が形成したエスニック・グループがあり、週末になると台北駅周辺も東南アジアの人々で賑い、音楽シーンもあるという。「しかし一般的な台湾人の僕たちが、普段、移民のコミュニティと関わることはほとんどありません。彼らとの距離の遠さを、新アルバム『Tao Fire 道火』の制作を通して表現できたと思います」と、Mong Tongは語る。

2017年に結成された、ホンユー・ジュンチーの兄弟による音楽ユニット、Mong Tong。これまで70年代に中華圏で流行していた電子琴音楽と西洋のロック・サイケデリックミュージックに影響を受け、『秘神 Mystery』（2020）、『台湾謎景 Music from Taiwan Mystery』（2021）、『怪譚之四季故事 Four Stories of Four Seasons』（2022）など台湾の伝統文化とオカルト伝承にインスパイアされた音楽を発信した彼らは、2021年以降は視野を東南アジアにシフトしてきた。

2022年12月にインド音楽の要素とアンビエントを融合させた4曲入りEP『印 Indies』をリリース。そして、2023年6月30日にの4枚目のフルアルバム『Tao Fire 道火』をリリースした。電子音楽と西洋のロック、東洋の生音が巧みに融合し、彼らこだわりのビートを強化した13曲から成るフルアルバムで、DE DE MOUSEが好きな人にもおすすめ。

#1“Mystery Death 秘神之死”では、台湾の伝統的な文化『布袋劇（ほていげき）』の口上がスラッシュメタルのリフで見事に死を遂げ、1stアルバム『Mystery 秘神』で構築した世界の終わりと未来への期待を示唆。冒頭からこの組み合わせは暴力的とも言えるが、全体をまとめる台湾歌曲由来のリズムや打楽器の音色がコミカルな印象を残す。そしてベースの繰り返しがまるで湿気のようにまとわりつき、ポンチャックのようにも聞こえる#2“Tropic Sub 熱帯亞”が新しい世界へ誘う。その後#3“Areca 檳榔”、#4“Forest Show 森林木”では次々と東南アジア、台湾の音やモチーフが連なる。

中盤からはアルバムの流れが加速していくが、アジアのにぎやかな葬儀文化のキーボードサウンドをフィーチャーし、伝統音楽の北管（ベイグァン）を参考にした#8“Naihe Bridge 奈何橋”、民俗芸能「車鼓陣」の音楽をサンプリングした#9“Fire Wind Wheel 風火輪”では伝統音楽の要素と強いビートの融合が感覚に作用し、Mong Tongワールドへ没入できること間違いなし。続く#10“Gold Earth 金土”から最後の#13“Rainmaker 祈雨”まで、これまでとは一味違う奥深さを味わえるだろう。

Mong Tongはライブの力で台湾を超えていく。対日本でいえば、2022年11月に幾何学模様のPRE-FINAL SHOWで初来日後、2023年8月に山口と東京で開催されたイベント＜美麗島 Underground＞に落差草原 Prairie WWWW、百合花 Liliumとともに出演。本作を中心としたセットリストで、音源から大きくアレンジを加えたライブでオーディエンスの心を掴み、2023年の日本のシーンにも名を挙げた。その後8月後半にはオーストラリアでのツアーも経験し、11月からは江ノ島発のバンド・maya ongakuと共にEU/UKを巡回するツアーもはじまる。

世界をふわふわ爆走中の彼らを捕まえてインタビューができたので、今後公開予定。是非期待されたい。

ライフステージの変化とともに、仕事との向き合い方が変わることがある。ミュージシャンも決して例外ではない。

台湾のシンガーでポップスシーン出身のオリビア・イェン（閻韋伶 / Vo）を中心に、チェン・グァンイー（Dr./ 陳冠毅）、チェン・ガンハオ（Gt. / 陳冠皓）、リュウ・フォンウー（Ba / 劉鳳武）の4人による午夜午夜 Midnight Midnightが、2023年7月に3曲入りEP『The Journey of Love』をリリース。メンバーはジャズ、フュージョン、ジャズなど様々なバックグラウンドを持つが、全員に共通する好きなアーティストとしてHYBS、Olivia DeanなどのモダンなR&Bサウンドを筆頭に、Men I Trust、Yussef Dayesなどを挙げている。

全体を通した印象は、以前オリビアがポップシンガーとして歌っていた時のクールな表情から変わり、温かみのある仕上がりになっている。「以前は音楽を制作するとき、自分だけのことを考え、まわりの方と距離を取ろうとした時期もありました。でも結婚してからは私の気分は大きく変わりました。癒しのエネルギーを感じ、人生の明るい側面を感じられる音楽を作りたいです」と、オリビアは語る。

この変化から生まれた『The Journey of Love』は異なる愛のステージをコンセプトとした作品で、歌詞は全てボーカルのオリビアによるもので、楽曲はメンバーで話合いながら進められたという。#1“The perfect you”では幼い頃、誰かに初めて恋をするときの感覚がストレートなサウンドメイキングで表現されている。#2“Rounding”ではオリビアの囁くようで芯のあるボーカルが前に出て、愛の複雑かつ純粋な側面を表現。こなれたセッション風のイントロが心地よい#3“Flat Soda”には、過ぎ去った愛をガスの抜けたソーダにたとえ、「心の底にしまっておき、そのままにしておいた方が良いという感情もある」というメッセージが込められている。

この記事のために取材を申し込んだところ、レコーディング最終日のエピソードについて答えてくれた。

「その日、私は少し体調を崩しており、声の調子も良くなく、様々な方法を試しましたが解決できませんでした。その時ふと、自宅で寝転んで歌ったときに、すごく上手く歌えたことを思い出したんです。なので私は横になって再び録音することを提案し、試してみることにしました。驚くほどうまくいき、録音を終えました」

本作のプロデューサーは、Shi Shi（孫盛希）の『Someday or One Day』のピアノ・ストリングスアレンジなど数々の台湾ポップスの名作品に参加する名プロデューサー、ウィル・チェン（錢 威良）が参加。これにより、オリビアの中低音の良さが活きた上で各楽器がシンプルかつ丁寧に配置され、良い音が丁寧に鳴る完成度へと仕上がっている。台湾インディーという枠組みにはまらない、秋の訪れにも相応しい作品だ。

この記事を読んでいる方でharuka nakamuraを知らない人はいないと思うが、彼が台湾のインディー・ポップバンドとコラボレーションしたことをご存じだろうか。

その名もFour Pens 四枝筆樂團。2011年に国立台湾芸術大学で結成された、ソングライターのBibo（康秉豐）、女性シンガーのCandace（小四）、キーボーディストのSunny（咨咨）によるフォーク／インディーポップバンド。

“夏季悲歌 Summer Tragedy”は2016年にリリースされた夏の終わりをテーマとしたラブソングで、レコードのA面にオリジナル・バージョンが、B面にはharuka nakamuraによるリミックス・バージョンが収録されている。

リミックス・バージョンは原曲のオーガニックな温かさを活かしながら、ビートアレンジとしっとりとしたピアノの音色が体感温度を少し下げ、フレーズの感じ方がより大きな単位に変化。波のように去来するCandaceのボーカルとハーモニーが切なく連なり、夏の終わりに少し湿り気を帯びた風の温度が下がっていく瞬間を呼び起されるようなサウンドだ。

「台湾・フォーク」というキーワードを聞くと、つい土着のアコースティックサウンドをイメージしてしまうが、Four Pensのサウンドのルーツは西洋から来ている。ソングライターのBiboはLucy RoseやBon Iver、Of Monsters and Menなどの西洋のインディーポップ、フォークサウンドが好きだという。CandaceとSunnyは欧米の音楽に加え、台湾のポップ・ミュージックも聴いている。そして3人とも日本の音楽にも親しみを持っているという。

この3人の音楽性が重なることで、パキっとした西洋のサウンドをベースに、中国語歌詞を良く鳴らす台湾ポップスの優しい歌心があり、日本や台湾のリスナーにとって普遍的にも聞こえるという、独特の構造がある。特にEP『世界末日前的浪漫』収録の#1“冰山』”は彼らのスケールの大きさを味わえるので特におすすめだ。

9月には韓国のピアニスト・シンガーのKimpommeと4都市6か所を巡るW来日公演があり、これを記念してFour PensがアレンジをしたKimpomme作曲の“Another Season”がSoundCloudにアップされている。ツアー情報とともにぜひチェックしていただき、夏の終わりと秋の訪れを感じてほしい。

2022年12月3日、東京、この日で活動を休止する幾何学模様が、オープニング・アクトに起用したバンドがmaya ongakuだった。ほぼ無名な存在でありながらわずかな時間ではっきりと足跡を残した彼らが、ついにファースト・アルバム『Approach to Anima』をこの5月にリリースした。幾何学模様が主宰するレーベル〈GURUGURU BRAIN〉と、never young beach、Yogee New Waves、D.A.N.らを擁するレーベル〈BAYON PRODUCTION〉が手を組み、海外と日本の両面でのリリースとツアー活動をサポートする。これは異例の待遇でもあり、他に類を見ない展開だと言っていいだろう。 maya ongakuを構成するのは、湘南の街に生まれ育った3人のメンバー、園田努（Gt. ／Vo.）、高野諒大（Ba.）、池田抄英（Key.／Sax）。バンドを結成する以前からすでに幼なじみだったという彼らが育んできた自分たちの音楽を彼らがどうとらえているのか、そしてそこにどれほどの可能性が宿っているのか。〈GURUGURU BRAIN〉のGo（幾何学模様）とmaya ongaku3人の鼎談で何が解き明かされるのだろう？　進行を務める僕自身ドキドキしながら取材に臨んだ。

──maya ongakuの3人は10代からの幼なじみなんですよね？ 園田努（以下、園田）　音楽をやる以前からずっと一緒に遊んでる友だちだったんです。だんだん一緒に音楽を作るのが楽しくなってきてバンドを始めたんですけど、最初は地元の仲間6、7人くらいでジャムをしていただけなんです。たまにイベントに出て、長いジャムをやる。それくらいの活動でした。だんだん音楽に対する熱量があるやつが4人残って。最初はドラマーがいたんですが、彼が病気になっちゃって抜けて3人に。ちょうどその時期に〈GURUGURU BRAIN〉から「音源を出さないか」と連絡をいただいて、じゃあ作ってみようかという感じでちゃんと始まったんです。その連絡があったのは、コロナが始まってすぐだから、2020年かな。 ──Goさんはどうやってmaya ongakuを知ったんですか？ Go　たぶん、見つけたのはInstagramです。音源はSoundCloudに上げてたよね。 園田　そうですね。iPhoneのマイクで録ったジャムをSoundCloudにあげて誰かに聴いてもらえたらいい、くらいの感覚でした。 Go　上がっていたのは曲というよりジャムしてる録音みたいな4、5曲だけだったんです。でも、ジャムの音源だけを上げてるバンドって珍しいし、演奏にも光るものがあった。なので連絡をして「アルバムとか出す予定あるんですか？」と聞いたんです。彼らはその時点でもう幾何学模様や〈GURUGURU BRAIN〉のことも知っててくれていた。その流れで「アルバム作ったら、うちで出せるかもよ」という話をしました。

──それが結果的にファースト・アルバム『Approach to Anima』に結実するわけですが、その話が来るまではmaya ongakuとして、アルバムや正式な曲を作ろうという話はしてなかったんですか？ 園田　一応ありました。 池田抄英（以下、池田）　自主でやってみよう、みたいな。 園田　「アルバムを作る理由を探してる」みたいなところはあったかもしれないですね。でも、音楽的にもそこまで成熟してないし、1曲を形にして録音するところまで達してなかったんです。僕らは付き合いは長いけど音楽を始めたのは大学に入ってからで、まだ数年しか経ってないし、やってるのもジャムだから練習もあんまりしてないんですよ。感覚の擦り合わせだけは常にやっていたんですけど、曲をちゃんとレコーディングする過程とかは全然分かってなかった。 池田　あのときGoくんに声をかけてもらえなかったら、どこまでもジャムでやっていた1曲を追求し続けていたと思います。 園田　それが「maya」ってタイトルの曲だったんです。僕がアコギで作ったインプロの音源をみんなに送って「バンドでやってみない？」って誘ったのがバンドの始まりでもあったんです。 池田　ライブでも毎回違う曲とかじゃなく、いつもその1曲をやってました。ずっと完成しない1曲をきわめようとしていた。 Go　でも、「アルバム作ってみたら？」と持ち掛けたとき、バンドにはすでにアイデアがある感じだったよね？ 園田　「歌があるものを作ってみたいね」と話してましたね。ちょうどコロナ禍でみんな時間もあったし、わりと集まって新しく曲を作りたい意識があったんです。そういう意味では、話が来る前からアルバムを作るつもりはあったかもしれない。 池田　そうだね。今までの実験的なジャム曲はSoundCloudに乗せてるから、ギャップじゃないけど、ちゃんと作品として残したいなという意識はあったよね。 園田　うん。

──そこで歌が初めて登場するんですね。 園田　そうです。ジャムでは歌のない曲をやっていたので。 Go　だから、だいぶ印象が変わったよね（笑）。最初に聴いたジャム音源と、このアルバムとではだいぶ違う。でも歌が入ってもmaya ongakuっぽい音の感じはあるし、この3人のメンバーの近さみたいなところは変わらない。そもそもジャムをそのままネットにあげたり、自分たちだけでやろうとしてる感じは、僕らが幾何学模様を始めた頃の感じと近いものがあったし、自分と同じ匂いを感じたので、「どうなろうと大丈夫だな」という信頼を感じていたというのはあります。 ──でも、びっくりしますよね。Goさんが何か助言したわけでもなく、勝手に自分たちで進化していってたわけだから。 Go　そうそう。毎回デモを送ってくれてたんですけど、曲が増えていくたびにどんどん進化してる感じで、そのプロセスを見るのがすごい楽しかったです。 ──レコーディングのやり方も含めて、自分たちで試行錯誤して解決していった感じですか？ 園田　そうですね。作品は〈GURUGURU BRAIN〉がリリースしてくれるとして、完成までは自分たちでやらなくちゃいけなかった。イチから学びながら自分たちでRECしていきました。最初のうちは、「まずデモは自分たちで録って（あとでちゃんと録り直す）」くらいの感覚だったんですけど、やってるうちに「これ（デモ）でもういい」と思うようになった。レコーディングという作業も自分たちで面白くなってきたし、これから誰かに手伝ってもらう必要はないよねという感じになりました。 （制作を通じて）レコーディング自体がほぼ作曲の一部という感覚がめちゃくちゃ強くなったんです。「作曲」って、コード進行やリズムやメロディみたいな骨組みを作ることだけじゃない。音ひとつひとつに関心を持って記録することもすべて包括して「作曲」という感覚。フィールドレコーディングも作曲の一部だし、歌とコード進行と全部が同列にあるという感覚なのかもしれないです。 ──高野さんが、クレジットでは“All Field Recording By”となっています。 高野諒大（以下、高野）　そうですね。前に録っていたものもあったし、曲によって「この曲でこういう水の音が鳴ってるといいな」と思って新たに録ったものもありました。「この曲は森のイメージなので、鳥の鳴き声や自然の音が入ってるといい」とか。

──ジャム主体の演奏集団だった出発点から、レコーディングという体験を通じてmaya ongakuの音楽世界の内面も作られていくのは面白いプロセスですね。幾何学模様も、ある種同じ道をたどってきたという意識がGoさんにはあると思いますが、側から見ていてmaya ongakuにはまた違う部分も感じたりしますか？ Go　そうですね。レコーディングを作曲と見て、そこで作ったものを出してゆくのはすごい理に適ってるし、自分たちのバンドのアイデンティティを曲と一緒に創造して、どういうことがやりたいかをちょっとずつ解明してゆくみたいなところは、幾何学模様と似てると思います。曲に対する認識が柔軟なところも似てるかな。 ──3人が普段聴いたり接したりしてるものなど、バックグラウンドが近いということも大きく関係してそうですね。 園田　みんなが今どういう音楽を聴いてるかは、あんまり把握してないんです。レコーディングするときも別にリファレンス的な音源も用意しないし。でも、「こういうのやりたいよね」みたいな感覚の共通点はあったのかな。 池田　みなさんからもよく言われるんですけど、この湘南という土地柄のバイブスが結構そうさせてるのかなと思いますね。なんとなくみんなマイペースだし、出してる波の感じも似てる。家から海も近いし。細かく見ればそれぞれの違いはあるでしょうけど、生まれた街が一緒だからバックボーンがあえて言わずとも共有できてる部分は、音楽のみならず結構あると思いますね。 高野　僕はすごい都会っぽい音楽も好きだけど、そのなかでも自分に合わないものがある。好きなジャンルとか、どういうときにどういう曲を聴きたいかは違うと思うんですけど、わりと選ぶ感覚が近いのはあると思います。 ──越境的で不思議な音色や楽器のチョイスも印象的なんです。霧のなかにいるようにも感じる。その霧感は池田さんの管楽器が出しているようにも感じました。 池田　ありがとうございます。結構抽象的な音階が好きで、ジャズにある情緒的なフレーズよりは、メジャーやマイナーじゃない世界の音階をいろんなキーで試してみてます。エモーショナルな部分が排除されて、より抽象的な感じが出るところが霧みたいなイメージにつながるのかも。音階を聴いて細かい描写のイメージがしづらいけど、インナーワールドには入りやすい。そういうことをmaya ongakuでは挑戦してる気がします。 園田　みんなで森のなかに行って瞑想的な体験をしたこともあるし。「気持ちいい」はみんな共通してるかな。 Go　自然のエネルギーというか、出ている波の感じは共通してるし、（高野）諒大くんが言った「都会っぽさ」、たまに都会に出ることを楽しむ感じも音楽に入ってますよね。幾何学模様と比べると、やわらかさ、やさしさの感じがもっと全体にある。僕らは東京のど真ん中から出てきたから、もうちょっとえげつない感じがあった（笑）。自分たちのなかに毒味があって、それを発散するような音楽性があったんです。 maya ongakuのファーストを聴くと、そういう毒素はもう抜けていて、聴く人の毒素を取ってくれるヒーリング的な要素もあるじゃないですか。その感じは、自然が自分たちの近くにあって、それが体にすんなり入ってるから、音楽に出したときダイレクトに出てくるんだなと思います。ひとりだけ海のそばで育った人がそういうインフルエンスを持ち込むんじゃなく、みんながそういうところで育って、最初から確認しなくてもベースにある。 池田　僕ら、ジャムでも、2、30分くらい一定のペースをキープし続けることが多かったんです。起伏もそんなにない。普通ならもっとアゲにいこうとすると思うんですけど、僕らはそうしないし、アゲないことが苦じゃなかった。変化を起こそうとしなくてもずっとやれて、いつの間にか4、50分経ってしまってるみたいなことは不思議とあったね。 園田　確かに。 池田　流れを変に作ろうとせずに、ゆーっくり上がって、ゆーっくり下がっていくようなことが多かった。 園田　確かに、俺らのバンドに誰かが入ったり、誰かのバンドにぼくが入ったりすると、「大変だな」と思ったり、ストレスを感じたりすることがある。僕らだけでジャムってるときはスタジオを借りた時間全部を一個のジャムで使ってしまうくらいやれるんです。その長いジャムでは、曲がいつの間にか変わってく。それを自然と愛してたし、ずっとやってました。

──もちろんファースト・アルバムは曲ごとに分かれていて、3分とか5分とか曲ごとの時間はあるんですけど、なぜかそれ以上の時間を体験してるような気分になるんですよ。今言ってくれたようなことにヒントがあるのかもしれない。そのジャムも30分で終わるかもしれないけど、本当の終わりは明日とか1年後とかでもおかしくないような感じ？　そういう感覚のグルーヴから生まれるタイム感なのかも。 池田　ここ最近、フェスにもいろいろ呼んでもらうんですが、30分くらいの尺を守らないといけないのが結構難しいんです。僕らはやろうと思えばいくらでもできちゃうし、本来は自然とくるクライマックスを待つところを、フェスではぎゅっと凝縮しなくちゃいけない。 園田　フェスで40分の持ち時間だと3曲くらいしかできないんで。でも1曲1曲を短く切り詰めるよりは、曲数を切り詰めて、1曲を長くしていくほうがいい。だから。2曲くらいやったところで「最後の曲です」って言う。でもそこから15分くらいやるんですけどね（笑）。たくさんのお客さんの前での演奏はめちゃめちゃ楽しかったです。深夜のライブだと寝てる人もいれば踊ってる人もいる。コール＆レスポンスみたいなのがゼロだから「みんな楽しんでくれてないのかな」と思ったら、物販はめちゃ売れたりした。そんな体験を通じて、僕らができることへの気づきはありました。そこを追求していくことが、今後にある海外ツアーでも大事なんだろうなと思ってます。僕らが周りに合わせて変わっていく必要はなくて、今の感覚のままもっと深いところへ追求していくほうがやるべきことなんだろうなと。 Go　アメリカのメディアやエージェントからも結構いい反応があるので、これからが本当に楽しみです。レーベルとして幾何学模様のエネルギーをどうやって埋めるか、どうやって次のバンド、次の世代に僕らの知識や経験を伝えられるかを考えてたときに、自分たちと同じ匂いのするmaya ongakuがちょうど出てきた。それはすごいタイミング的によかった。彼らは日本語歌詞ですけど、音楽を聴いたときには彼らの気持ちよさは世界共通で伝わると思ってます。この音楽は世界に通じるし、もっといろんな人に聴いてもらいたい。 日本やアジアのバンドが海外に出る場合、普通は、ドメスティックなところを一生懸命やってから海外という流れになると思うんですけど、maya ongakuではもうちょっとそこのスピードを上げたい。日本では〈BAYON PRODUCTION〉、海外では僕ら〈GURGURU BRAIN〉という両立で一緒にやっていく初めてのチャレンジなんです。 池田　国内と海外の両立は3人とも考えているところなので。誰も同時には成し遂げられてないところを頑張ってやってみようと思ってるので。 Go　前例がない分、フォローできる成功の方程式がないので、僕もバンドもみんな試行錯誤しながらやってます。今まで他の誰かがやったことないことをチャレンジするのはいつでもエキサイティングなので楽しみです。 ──海外ではバンド名も不思議に響くと思うんです。エキゾチシズムに触れながら、和的なものもあるし、アルファベットにしても見栄えが良い。 園田　バンド名には全然こだわりがなくて。さっきも言った「maya」という曲をずっとやっていたんですよ。ライブでも「mayaでした」とはよく言っていて。 ──曲名が、ですよね。 園田　そしたら、友達のお客さんとかが「maya、次はいつライブあるの？」って聞いてくるようになったんで、「じゃあバンド名もmayaでいっか」と最初はなったんです。でも、ちゃんと活動していくならいろんなオーディエンスに聴いてもらいたいし、と思ったとき、Apple Musicとかで検索するとmayaって名前のアーティストが他にもたくさんいて（笑）。これじゃあかんと思って「ongaku」をくっつけたんです。でも、1950年代の終わりに「グループ・音楽」というバンド（小杉武久，刀根康尚，塩見千枝子らが提唱した集団即興グループ）が日本にいたんですけど、その名前がめちゃめちゃかっこいいなと思ってたことも理由です。 ──マヤ文明には関係ないそうですね。 園田　そうなんです。曲としての「maya」を作ったときに言葉も自分で作ったんです。自分に見えてる「視野」という言葉の「シヤ」の裏ってなんだろうと考えたときに「マヤ」を思いついて。視野で見えてない景色は自分で作ってるなと思ったんです。その部分のクリエーションって、意識的に芸術を作るみたいなのとは逆の無意識の創作で、勝手に自分たちが何も考えずに作っている。無作為や偶然で生まれる感覚を「マヤ」と名付けて、そういう曲を作りたいと思ったんです。 ──決まった情景に代弁させず、偶然の感覚を大事にする感覚は、このバンドの全体像とも共通してしますよね。新人バンドだし、アルバムはまだ1枚だけだから、ライブも40分しかできません、というのが普通なんですけど、maya ongakuの場合はそこからいくらでも世界が拡張しうる。 園田　アルバムは40分くらいの尺に収めることを想定して作ったので、今後ワンマンとかある程度時間に余裕があるときは5分の曲が10分になったり、10分の曲が20分になったり。そのときの僕らの気持ちよさやお客さんの空気とかいろんな要因で変動してゆく。曲が進化してる感じが自分たちでもしていて、すごく面白いですね。 でも、5月に2日で3本というスケジュールでフェスに出たんですが、実は、この3人になってからそのときまで５回くらいしか人前でちゃんとライブしてこなかったんです。EUツアーでは15回くらいやる。どんな感じになるんだろう？ Go　実は、僕も幾何学模様が最後に日本でやったライブ（2022年12月3日、めぐろパーシモンホール）で、彼らの演奏を初めて見たんですよ。一番最後のライブのオープニングアクトが、一度も見たことないバンドで、しかも音源もないし、ライブも３、４回くらいしかやってない、「超謎！」みたいな（笑）。でも、そういうサプライズをあの日はやってみたかった。 袖で見てても彼らは完全に3人の世界と空気を作ってました。これから出てくるバンドに僕らと同じエネルギーをどうやってパスしようか考えていたから、あの光景を見れたのは自分にとって幸せでした。これからこの3人のフレンドシップと音楽がどう成長するか、それを近くで見れるのは光栄なことです。5年後、10年後にどうなってるんだろう？　彼らからも聞いてみたいです。 池田　お客さんをぶち上げられるバンドになってたいですね。「maya ongakuはそっちでもいける」みたいな（笑）。 ──最初の頃はみんなシーンとして見てたのに、みたいな。 Go　「maya！　maya！」みたいなコールが起きてたり（笑） 園田　僕は、この3人でバンドを続けることを最近すごく意識してます。以前はソロでもやってみたい感覚もあったんですけど、最近はバンドのほうを大切に感じてます。おじさんとかになっても、音楽性がガラッと変わってても、この3人で続けられたら幸せだなと思ってますね。ニール・ヤングの『unplugged』（1993年）の映像を最近見て感動したんですよ。おじさんなんだけど、エネルギーがすごいあって、バンドとしてもコミュニケーションがある。僕らもああなれたらいいなと強く思いました。 高野　同じですね。10年後もバンドを楽しく変化し続けながら続けられたら最高です。 園田　諒大と僕は中学から一緒なんで、もう12年くらいですね。抄英とは高校からですけど、実はもうこの3人の関係はすでに10年くらいになってるんです。音楽なんかやってない遊び仲間だったのに、いつの間にかアートや生活の面でもみんなが同じ感覚を共有していた。面白いなと思います。10年後にGoくんも一緒にまた検証できたらいいと思います。 Go　楽しみですね。EUツアーでも彼らはいい意味で化学反応しそう。日本のフェスだとみんな静かに聴いてるけど、ヨーロッパは反応がダイレクトなので。僕たちも海外に出るまでは日本で10回くらいライブをやってなかったけど、そこから自分たちの音楽がだんだん変わっていくような体験をした。自分たちのよさを30分くらいで出さなきゃいけない経験をたくさん積んで、武器が増えていくんです。僕らもそこから短くてキラーな曲ができたり、ジャムでどんどん伸ばせる曲ができた。どういうふうに彼らがこれから変わるのか、ファンとしても聴いていきたいですね。

アジア随一のサイケデリックバンド、幾何学模様にとって活動休止前のライブとなる＜KIKAGAKU MOYO PRE-FINAL SHOW＞が行なわれた2022年11月28日、アジア発の新しいサイケデリック音楽ユニットが日本に上陸した。

この日、サポートアクトとして出演した「Mong Tong」は、2017年結成、台湾のホンユー（洪御）、ジゥンチー（郡崎）の兄弟による音楽ユニット。

2020年にGURUGURU BRAINから『秘神 Mystery』をリリースした後も精力的に作品制作を続け、2022年には幾何学模様のSPRING TOURに帯同。1か月で海外15か所を巡演した。中華圏の電子琴音楽と欧米のサイケデリックミュージックに影響を受け、台湾の80年代オカルト文化、ビデオゲームの要素を取り入れた彼らのステージは、ヨーロッパ各地に爪痕を残した。

初の日本ライブでは、満員の恵比寿ガーデンホールで演奏を披露。集まった人々は、幾何学模様の活動休止を惜しむ雰囲気の中でも、新たなサイケバンドを歓迎した。11月30日には幡ヶ谷Forestlimitで開催された＜K/A/T/O MASSACRE vol.401＞にSpecial guestとして出演。平日にもかかわらず、会場キャパを超えたオーディエンスが集まったという。

ミステリアスな2人に、来日を記念して話を聞いた。

──GURUGURU BRAINからリリースすることになったきっかけを教えてください。

ホンユー　先にGURUGURU BRAINから音源をリリースした、台湾のドローン・アンビエントユニットScattered Purgatory（破地獄）のベーシスト、リーヤンがつなげてくれたのがきっかけです。このタイミングで、台湾からはMong TongとPrairie WWWWのリリースが決まりました。

ジゥンチー　それ以前は台湾のインディーズ音楽の中でも限られた、ごく狭い範囲でしか聞かれていなかったんです。GURUGURU BRAINではプロモーション面でもかなりサポートをしてもらえて、音源の流通や現場を重視したやり方で、海外のリスナーに音楽が届いていることを実感できるようになりました。SNSでのコミュニティ作りやイメージ先行のプロモーションになりがちな台湾のインディーズシーンとの違いを感じました。

──2022年、幾何学模様の春ツアー帯同は、いつごろから準備していましたか。

ホンユー　ヨーロッパのツアーは2020年に計画していましたが、コロナで延期になって、2021年末くらいから計画が始まりました。待ちに待った2年でした。1か月で15回ライブがあって、幾何学模様のサポートアクトで13ヵ所と、対バン・1マンが一か所ずつ。限られた時間の中で自分たちのアイデンティティを知ってもらいたくて、『Mystery 秘神』収録曲や『Tiang Shi』などキャッチーなセットリストを中心に演奏し、逆にアンビエントは意識的に排除しました。

ジゥンチー　日本発の幾何学模様がUK／EUでツアーをして、サポートアクトが僕たち台湾のバンドで、GURUGURU BRAINのスタッフさんは全世界の人で。恵比寿ガーデンホールでも感じましたが、言葉は全然違うけど音楽でつながっている感じがあり、良い場だったなと思いました。お客さんの反応を見ていても、ヨーロッパでは音を受け止めて体が動いてる人が多かったですね。幾何学模様のライブで、サークルが起きたり、バク転したりしていて、すごく意外でした。

──改めて2人の思う「サイケデリックミュージック」を教えてください。

ホンユー　サイケデリックミュージックは外国から来た言葉と文化で、現在はシューゲイザーも「サイケ」と呼ぶ人がいますよね。中華民族のあいまいさを好む文化が今回の議論を引き起こしたのかもしれないですよね（笑）。

ジゥンチー　サイケには、基になった西洋発の文化が産んだルーツミュージック、そして聴いた時の手触りがあります。その手触りを僕らの言葉で言うと「聞いているとだんだん心が解放されていく感じ」があると思います。心が解放される、と感じる音楽は当然、アジアと西洋、人によって違います。ルーツミュージックは不変のものですが、国境を超えて時代が変わっている以上、定義を論じること自体に意味はなくなってきているのかなと。

──2人にとって「心が解放される感じ」を象徴する事象はありますか。

ホンユー　子供の頃、田舎の祖父母の家に帰ることがあって、父親が運転する車では70〜80年代の「電子琴音楽」と呼ばれるジャンルの音楽が流れていました。そして祖父母の家に着くと、台湾の伝統的な文化があって…僕らにとってはその一連の流れが、サイケデリックな空間ですよね。

ジゥンチー　一方で、Sun Arawのライブスタイルにも大いに影響を受けていたり、僕はTHE DARKSIDEが好きですし。だから「サイケ」と言われるのは否定しない。けど、西洋と東洋の定義は違っていていいのかなって。それこそ日本の「シティポップ」みたいに、僕たちのような東洋発の音楽が新しいジャンルとして名付けられたらいいのにな、とは思います。

──改めて、Mong Tongを結成したときのことを教えてください。

ホンユー　それぞれ別のバンドを10年やってきたのですが、ふと「新しい音楽を作ろう」と思ったんです。それで台湾の文化や、伝統的な音楽性を取り入れたいと思っていたんだけど、より多くの人に聞いてもらえる可能性を秘めた、キャッチーで、Popな形に進化させたくて。

ジゥンチー　ちょうど2017年、2018年にかけて起きた世界中で独立運動に注目していて、その周辺で音楽をやっている人たちが、伝統、民族性をアピールするだけではなく現代的なサウンドにブラッシュアップしていると感じました。台湾の文化やアイデンティティを皆に知ってほしいのであれば、「現代の耳」に受けられる音楽としてアップデートしていくべきだと確信したんです。

──ライブでのトレードマークとなる、赤い目隠し布。物販でも売っていましたが、どんな意味がありますか。

ホンユー　中国語で「觀落陰」と呼ばれる道教の秘術で、簡単に言うと「目を赤い布で結んで儀式を始めると自分の魂が霊界に赴いて、亡くなった方を訪ねるなどの体験ができる」というものがあって、それをモチーフにしています。台湾発で世界でもヒットした映画『返校』でも道教の世界がたくさん描かれるので、ヨーロッパのごく一部では「返校とMong Tongが関係あるのでは！？」という説も出ました（笑）。

ジゥンチー　一緒につけたのは台湾でよく見るお守りを模したもので、ネックレスのように身につけている人もいます。1台湾ドルと『Tiang Shi』のダウンロードコードが入ってます。

──素朴な疑問なんですが、目隠しをするとライブ中、楽器もお客さんも見えないのでは？

ホンユー　僕たちは普段は一般人なのですが、この布を身に着けると別人格になって、第三の目が額に表れるんですよ。

──なるほど（笑）最後に、今後のリリース予定を教えてください。

ジゥンチー　これまでは台湾の文化を現代的なアプローチで発信していましたが、次回は更に視点を広げて、東南アジアの音楽や楽器も取り入れる予定です。

ホンユー　今年中にリリースするつもりで準備を進めていたんですがツアーが忙しくて、殆ど出来上がってはいるんですが、来年のリリースを目指しています。

──楽しみにしてます。ありがとうございました。

──＜フジロック＞にまつわるお仕事ですと、エチケットやルールをまとめた「OSAHO」という動画の音楽を担当されてましたよね。 OSAHOのビデオは元々、1980円（イチキュッパ）っていうユニットをやってて、そのメンバーのくろやなぎてっぺいくんっていう映像作家と一緒に作ったんです。

──NHKの『デデデデザインて何?!』という番組などでも、音楽を担当されていたりもしますよね。 そうですね。昔からテレビ、CMの曲はちょくちょく作ってて、その流れで依頼をいただいたりしてます。 ──映像がある場合、ふだん音楽を作るときは別の視点で作っていくんですか？ 映像がまずあって、そこに合わせていく感じ。あとは向こうから、テーマをもらって作るってパターンもあります。「このテーマで」「自然っぽい感じで」って、お題をもらって作るのが昔から結構好きなんですよね。 ──クラブでプレイされることも多いと思いますが、VJの方とコラボすることもあったり。 VJとして出演している方がやってくれたりとか。アート系のイベントで、VJの方と一緒にライブしたり、DJしたことは何回かあります。 ──食品まつりさんがBOILER ROOMに出演されたときのVJのインパクトがすごくて、とても印象に残ってます。 あれは2016年にアメリカで撮影したんですよ。BOILER ROOMのスタッフの方から、撮影の前に「FOODMAN（食品まつり）の好きなものはあるか」って聞かれて（笑）。うどんやラーメン、銭湯とか、色々言ったら、それを向こうが汲んでくれて、日本のCMとかをサンプリングしてくれたんですよ。

──それがあの混沌とした映像に繋がったんですね。最近だと、アルバム『YASURAGI LAND』を＜Hyperdub＞さんからリリースされました。いろんな表情のある、すてきな作品だなと思うと同時に、やはり食品まつりさんのジュークを強く感じました。そこでふと、＜フジロック＞でジュークのアーティストが登場するのは初めてなんじゃないかと思いまして。今回はどういったセットになるのでしょう？ かもしれないですね！　今回は真夜中のダンスの時間なので、ジュークを結構やろうかなと思ってます。ライブでしかやったことない、まだリリースしてないのをやろうかなと。高速のやつです。 ──高速（笑）。作品のリリースパーティーでは、水風呂とサウナという、ふたつのテーマでそれぞれ違うテーマのフロアがありましたよね。食品まつりさんは高速もやる一方で、ハウスセットだったり、アンビエントもやる。その振り幅がすごいなと。 水風呂フロアとサウナフロアを作りました（笑）。水風呂フロアはアンビエント系の方にやってもらったり、サウナフロアはテンション高めなアーティストに出演してもらって、自分もそのときは速いセットでした。 ──音楽的には遠くて近いような、一見極端なところを行ってますよね。だけど、食品まつりさんのTwitterを見ると、すごく日常的だと思うんです。アジフライやボラについてツイートしたり、いちファンとして降神の“帰り道”のライブ動画について「超気合い入る」的なことを呟いていたり......。 そうですね（笑）。降神はやっぱりもう......好きで。志人くんとかは昔からちょくちょく交流はあったりもするんですよ。あの方のスタイルはすごくて。 ──最近の志人さんのアルバム（『心眼銀河-SHINGANGINGA-』）は買われましたか？ビートはすべてYAMAHAで作っていることと、「山の葉」という言葉をかけていて、CDなどを山の葉で包んだパッケージングで、衝撃的な作品でした。 送っていただいたんですよ。一枚一枚手作りで、衝撃を受けましたね。匂いもすごいんですよ。その感じもまたリアルだなって。あれはくらいましたね。 ──今回リリースされた作品はCDとレコードも作られたと思うのですが、手に取れるプロダクションだからこそのこだわりはありますか？ アルバムはなるべくレコードで出したい気持ちがあるんですけど、なかでもジャケットを音のイメージと合わせたくて。今回は＜Hyperdub＞の方が紹介してくれたデザイナーの人と作りました。こっちもアジフライとか銭湯の写真とかを送って、イメージを共有しました。前作のアルバムは自分で全部ジャケを書いたりとかもして。 ──絵もすごい描かれてますよね。 そうなんです。最近、なかなか絵を描く時間がないんですけど。2019年に個展をやったことがあって、近いうちまたやりたいです。

──食品まつりさんが描く絵はすごく綺麗だけど、暴力的でもあってすごく魅力的です。話を戻すのですが、＜フジロック＞は今回初出演とのことで。 今回、遊びに行くのも、会場に来るのもはじめてです。今日ライブしている幾何学模様さんは、一回共演したことがあるんですよ。2017年に仙台でツーマンをやったことがあって。あとはラッパーのJPEGMAFIAさんもすごく気になりますね。 ──さきほど幾何学模様のGoさん、Tomoさんにインタビューしてたのですが、TomoさんがいまDJもやられているそうで。「DJでプレイしたい曲はなんですか？」と聞いたら、ルパンのテーマの7インチを33回転で再生するとめっちゃカッコいいという話を伺いました。 ヤバそうですね（笑）。 ルパンのテーマの33回転はぜんぜんイメージが湧かないですけど、すごそう（笑）。やっぱりサイケ感がありますね。 ──ですよね（笑）。食品まつりさんも、サイケだったり、トランスっぽいイメージがあります。 そうですね。ふわっとした感じでトランス感を入れてみたりとか。あとアンビエントも好きなので、そのフィーリングも入れてみたり。今回のライブはハードなんですけど、イメージ的には「見た目よりもさっぱりしたラーメン」みたいな。「このラーメン、見た目よりもイケる」みたいな感じです。普通にばくばく食べられる、スッって入ってくる感じ。 ──去年掲載されたインタビュー（エレキング）でアフリカのシーンに注目してると話されてましたよね。アフリカ以外で、いま注目してるシーンはありますか？ 今日のライブに関していうと、シンゲリっていうアフリカ発祥のジャンルもやろうかなって。速くて軽いやつですね。あとは他の国だと、ポルトガルのリスボンにもちょっとアフロハウスっぽい感じのシーンがあるんですよ。パーカッションも結構入ってて、シンパシーを感じるというか。自分もパーカッションを結構使うので「なんかすごいわかるな」って。好きになりました。あとは中国とかも......面白いアーティストはいっぱいいますよね。 ──食品まつりさんの作品やDJ、ライブを聴いてると、パーカッションへのこだわりが垣間見えますよね。「速くて軽い」音の主軸にパーカッションがありつつ、芯にはジュークのバイブスがあって。 ジュークは最初に聴いて衝撃を受けたから作り出したってのもあって、ジュークは基本にあるんです。でも、ジュークにないような、パーカッションを使った音楽も好きなんですよ。いろんな国のパーカッションの音楽、ブラジル音楽だったり、アフリカのジャンベ、日本の太鼓とか中国の銅鑼など、パーカッションにすごい興味があって。

──太鼓とジュークのセッションなんてあったら、とんでもない高揚感が生まれそうですね。ちなみにいま、食品まつりさんの興味という話だと、音楽以外ではアジフライとかサウナ......最近はボラの写真をよくツイートしてますよね。 ボラにハマってたときがあって。ボラがどうというより、ボラの顔が面白いんですよ（笑）。ボラって釣り人に嫌われてるというか、汚い川や海にいて、臭いんですよね。あと、大量にいるからレアでもないし、釣りたくないのに群れでくるから針に引っ掛かっちゃったりして、結構嫌われてるんですよ。それで、ちょっと大人になってからボラの顔を見たら、やっぱり変な顔してるんですよ（笑）。それからちょっと調べていくと、結構おいしいらしい。白身がおいしいって。それで興味持ったからといって、追求するとかはないんですけど。それからしばらくして、アジフライ。 ──いまもアジフライは絶賛推してますよね。 アジフライのことをTwitterで呟いたり曲も作ったりしてたんですけど、よく行ってたアジフライの店があったんですよ。そのアジフライがなくなっちゃって。 ──よくインタビューで話されてる、パーキングエリアのアジフライですか？ そう。いまアジが獲れないらしくて......ちょっと値段が上がってる。全国的にアジフライをやめてるところが多いという話をちょくちょく聞いてたんですよ。もう自分でアジ買ってきて作るしか……ぶっちゃけそこのパーキングエリアのアジフライが好きで、そこばっか行ってたんですよ。家から近いし、なんか腹減ったらすぐ行ける。そこが無くなっちゃうと、アジフライを食べる理由が......。 ──世知辛いですね。『YASURAGI LAND』の曲名を見たら、「Parking Area」や「Michi No Eki」とか、＜フジロック＞の道中にあるものばかりで。たぶん、アジフライも含めほとんどあったと思います。＜フジロック＞はもちろんライブもありますが、どういう風に楽しむ予定ですか？　ライブで全国各地に行ったり、昨今は少なくなったけど国外に行かれることもあったり、さまざまな場所を回っている食品まつりさんならではのフェスや旅の楽しみ方を教えてほしいです。 フードが気になりますね。＜フジロック＞がラーメン出してたりするとこあるんですよね。自然の中で食べるラーメンは美味しい。あと、今日人生ではじめて＜フジロック＞の会場に来て、想像よりも大きいなと。なので、色々歩けるだけ歩いてみて、見て、味わって、お風呂入って、ゆっくりしてライブをしようかなと（笑）。

──ありがとうございます。最後に、この箱に入ってる質問に答えていただきたくて。2つほど引いていただけますか？　最初は.......「好きなラッパーの歌詞」！ おぉ！　これはいっぱいありますね。ラップ好きなんで。THA BLUE HERBのファースト・アルバムに入っていて、路上でラップしているような“孤噴”という曲があるんですけど、その中で「お前一人で来いと言ったろ」っていうリリックがあって。ハードボイルドで好きです。 ──ありがとうございます。最後の質問は「子供のころの夢」です。 ゲームクリエイターになりたかったですね。ゲームが好きだったんですよ。RPG、『ファイナルファンタジー』とか『クロノ・トリガー』やってて、キャラクターとかを描いたりしてたし、ゲームのストーリーも好きだった。それで、『RPGツクール』って、自分でRPGを作るゲームがあったんですよ。買ってやったんですけど、向いてないなと思って諦めました。 ──ゲーム音楽は作られたことはありますか？ 2回ありました。スノーボードのゲームとその続編のVRゲームの曲を作りました。BGMなので、ゲームの裏で流れてる感じですよね。ほかにもあればもっとやりたいなって思ってます。

──＜フジロック＞は久しぶりの来日ライブでしたよね。FIELD OF HEAVENはいかがでしたか？ Go　とにかく暑くて（笑）。景色がすごくよかったです。山の中でやることはあまりなかったので、すごく気持ちよかったですね。 ──幾何学模様はあらゆるフェスに出演されますが、山に囲まれるようなフェスは数少なかったと。 Go　スイスにアルプスの上でやるフェスがあるんですよ。規模は小さくて、1日2バンドぐらいしか出ないんです。一週間くらい開催されて、その期間はみんなそこに滞在する。標高は全然違うんですけどね。気温は＜フジロック＞より全然涼しかったです。 ──なるほど。幾何学模様はいろんなフェスに出演されてきたかと存じますが、 とくに印象に残っているエピソードなど教えていただけますか？ Go　大変なことはよくありましたよ。今回も飛行機の遅延で機材が届いてなかったんです。それで急遽機材を手配しました。今回は僕のスネアとドラムのいくつかがなくて。 ──大変なことも多いなかで、各地を回る楽しみもあると思うのですが、幾何学模様なりの楽しみ方ってありますか？ Go　まあ、仲が良いんですよ。もともと一緒に住んでいたり、シェアハウスしてたりとか、近いところから始まってることもあって、それがそのまま移動しているイメージです。ツアーしてまた家に戻ってくる。でも、5人それぞれが違う景色をずっと観てる。ステージでも横を見ると同じ顔なんだけど、それぞれが見てる景色が全然違う。そういうことですね。

──素敵です。つぎに、GoさんとTomoさんが主催されているレーベル〈Guruguru Brain〉について、教えていただきたいです。南ドイツ（Minami Deutsch）というバンドがリリースしていたり、シンガポールのアンダーグランドなアーティストのコンピレーション（『Sounds of Lecak Vol. 1』）を発表されたりしていますよね。 Go　アジアの音楽というコンセプトでやってます。再発とかじゃなくて、現行のアジアのバンド、音楽を外に出していく。 ──その辺の、アンテナの効かせ具合っていうか、どの国がどういう音だとか、なんとなく個性がわかってきたりするんですか？ Tomo　国ごとにいろいろな音楽がありますけど、ずっとコンスタントにディグってるので、そこでいいなと思った音楽を出す。自分の直感を信じてます。 ──おふたりにとって、アジアの音楽の魅力はなんですか？ Go　ロックや西洋の音楽が入ってきた歴史や文脈は国によって違うし、もちろん文化も違って。それが音楽に個性に出てるバンドもいれば、そうでないバンドもいたりして。 Tomo　そのなかで自分たちが思う、オルタナティブな音楽を出しています。〈Guruguru Brain〉でレコードを出すだけじゃなくて、音楽で世界を回る方法を伝えたい。自分たちが繋がったブッキングエージェントだったり、実際ツアーでヨーロッパやアメリカを回るにはどうしたらいいのか。アジアとヨーロッパ、アメリカの音楽業界は違うんですよ。アメリカの業界から見ればヨーロッパやアジアの回り方はわかるけど、アジアからしてみれば分からない。どうやってツアーに行けばいいって、そもそも誰がやっていて、どのくらいのお金かかるのか。自分たちは自分たちでやって、その情報が分かっているので、知恵をシェアしたい。自分たちの知識や経験から、彼らをサポートしたい思いがあるんです。 ──実際、幾何学模様さんがアジアに行って、現地のバンドと共演したりもしているんですよね？ Go　この間のヨーロッパツアーではMong Tongっていう台湾の兄弟デュオ（落差草原 WWWW（Prairie WWWW）のメンバーでもあるHom YuとJiun Chi兄弟による2人組。11月28日のライブにも登場）をオープニングアクトとして呼んで、1ヶ月回ったりもしました。 Tomo　そうすると、今後自分たちでツアーをやったりする、最初のステップが作れるので。 ──これまでの活動で得てきた知見を、プッシュしていきたいバンドやアーティストたちに共有してきたということですね。バンドとレーベルの活動は表裏一体で、これからバンド活動はストップするかもしれないけど、シーンへの貢献はこれまでとは少し違う形で行っていくと。とても楽しみにしています。バンドとしては9月からアメリカを回るツアーを控えていて、12月の東京公演がラストショーになると。 Go　自分たちが始めた場所で終わるっていうね。 Tomo　バンドは最後まで5人のメンバーで変わらずやってきました。だから1曲1曲「あ、これが最後なんだ」って思いながらライブをする経験をしたことがない。だから、自分たちも実際、どうなるのかわからない。けど、その感情をうまく音にして、良いライブができたらすごい楽しいし、日本でそのライブができるということも特別ですよね。 ──ありがとうございます。今後の活動も楽しみにしています。最後に時間が許す限り、この箱に入ってる質問に答えていただけますでしょうか？

──Goさんへの質問は「子供の頃の夢は？」ですね。 Tomo　わはは〜！ Go　一昨日、日本に帰ってきて、実家帰ったときに親に「これ、捨てる？　どうするの？」って物のがいくつかあって。そのなかで、中2の頃の文集みたいなのが出てきて、そこに将来の夢が書いてあったんですよ。そこに「海外で生活したい」って書いてあって。「それが夢が現実で終わるかは努力次第」って、自分で書いてたんですよ（笑）。あ、叶ったなと思って。

──うお〜！　すごいですね！　Tomoさんへの質問は「DJでプレイしたい曲」。 Go　お〜、いいじゃんいいじゃん！ Tomo　僕は偶然、今年からバイナルでDJをやってて。イギリスのインターネットラジオ局、Worldwide FMで番組を持たせてもらってるんですよ。 ──ジャイルス・ピーターソン（Gilles Peterson）主宰のラジオ局ですね。 Tomo　です。なので、かけたい曲はいっぱいあるんですよ。 ──では、＜フジロック＞でかけるとしたらどうですか？ Tomo　＜フジロック＞でかけるとしたら、ルパンのテーマ。33回転にして、遅くするんですよ。7インチがあるんですけど、あれを遅くすると、よりヘビーに、音が重くなって、超グルーヴィーになるんですよ。なんとなくルパンかなぁって思いながらも、フュージョンっぽくなって。 Go　「ヅクヅクヅクヅク」ってね。 ──聴いてみたいです！　DJはラジオ局以外でもやっていたりするんですか？ Tomo　1回、サンフランシスコでライブのオープニングアクトが決まらなかったときに、やったことあります。ツアーに行くとレコ屋がたくさんあるので、シングルだけ集めて。 ──日本のクラブなどでも聴いてみたいです。現在は7インチだけでやってるんですか？ Tomo　いまは7インチだけですね。楽しいですよ〜。