昨年2022年に20周年を迎えたSAはパンクバンドという枠に収まりきらない、さまざまな音楽をかき鳴らしてきた。その飽くなき探求心こそ、底抜けにハッピーで常に前を向いて突き進んできたバンドの生き様そのものであり、それは新ドラマー・ANNYの加入によりますます加速している。10月に全国リリースされた最新作『hopes』を聴けば、これまで以上の音楽性の振り幅とバンドの懐のデカさがしっかりとパッケージされていることがわかるはずだ。 しかしながら、その背景には大きな困難があったという。 自らのファンを“コムレイズ”と呼び、戦友として共鳴しあってきた彼らにとって、新型コロナウイルスによるパンデミックという未曾有の事態、制約のあるライブ状況は大きな壁として立ちはだかった。そうした苦境の中で作り上げられた『hopes』。 「最後の作品になるんじゃないか──」 そこまで追い詰められた心境だったと明かすTAISEI（Vo）が、その胸中を余すことなく語ってくれた。どのようにして苦境の壁を乗り越えたのか、新しい扉を開く11月のワンマンへの想い、その熱き闘志を感じ取ってほしい。

──オフィシャルYouTubeの、最新作『hopes』についてメンバー4人が語る＜Message from 『hopes』＞の中で、「コムレイズのための音楽を作ったら終わると思った」というTAISEIさんの発言がすごく印象的でした。 この3年間のコロナ禍で、虚勢を張っていた部分があってね。例えば、もうコロナが終わったような曲を作ろうとか、もっと言えば「こんな中でも俺はやれてるんだぜ！」といった、コムレイズに対して強くいなければいけないという強迫観念みたいなものがあって。それを作品にしてたんだけど、もういよいよそんなことも言っていられないところまで追い込まれていたんですよ。それに、ここ何年かのメジャーでの作品ではいろんなタイプの曲を作ってきたんだけど、どこか奇を衒っているというか、変化球みたいものをあえて作ってたような気がするんですね。 ──メジャーというのは意識しないと言いつつもそうなっていた。 「これはちょっとノーザン・ソウルみたいにやろうよ」とか、そういう楽曲ありきみたいなところがあったんだけど、今回『hopes』は言葉が先に出たっていうのが大きかった。この言葉だったらこういうサウンドがいいんじゃないかとかね。その言葉も昔だったら「俺たちが一番だ！」みたいなことだったけど、さすがにこの3年間の中で僕は折れてたと思うんですよね。だから、これが最後の作品になるんじゃないかくらいの気持ちだった。SAとしての作品はこれが最後……そう思ったときに、コムレイズのことよりも自分のことだろうっていうところに行き着いた気がしましたね。それが「コムレイズのために作品を作ったら終わる」っていうことに繋がるのかもしれない。 ──SAはライブをはじめ、バンドとコムレイズの熱のぶつかり合いみたいなところでずっとやってきたバンドだと思うんです。だからこそコロナ禍の声が出せない状況において、TAISEIさん自身がSAの在り方について深く考えてしまったわけですか。 それが大きかったですね。この3年間での活動はやっぱり疑問符が共にありましたよ。声を出せない、コムレイズの熱量が感じられないライブを自分の中で正当化するわけです。「これもSAのライブなんだ」って。SAはダイブやモッシュがなくても成立する曲があるし、自画自賛するわけじゃないけども、僕らは演奏も歌も上手いと自負してるんでね。だから、いわゆる“ギグ”ではなくて“コンサート”っていう形が取れるのもわかってるんですけど、どこかで疑問があった。そんな3年間を過ごしてきたわけだから、普通だったらめちゃくちゃパンクのアルバムを作ると思うんですよね。でもそこじゃなかった。悪しき3年間から扉が開いた今、完成したアルバムがシンガロングやモッシュやダイブが起こるようなパンクロックではなかったということに、自分の中で「あー、なるほどな」っていう納得があるんですよね。

──アルバムが完成してみての気づきであり、疑問に対する答えがそれだった。 「もうすぐコロナ明けるぞ、客が大暴れするような曲を作らなきゃ」だったらコムレイズ側に立ってるんだけど、僕が作りたかった、歌いたかったものは今回の『hopes』みたいな曲だったということです。だから狙ったわけではないし。6曲というのもよかったかもしれない。 ──厳選に厳選を重ねられた曲、という精鋭感があります。 デモは12〜3曲あったので、フルアルバムっていう形にもできたんですけど。でもここは今言われたように、厳選したかったっていうのはありますね。 ──コムレイズのための音楽じゃないものを、という意識は、NAOKI（Gt）さんをはじめ、バンドとして共有していたところでもあったんですか。 いや、正直な話、今回は僕1人の暴走であることは確かだと思いますね。プライベート含め、非常にいろんなことがありましてね。その中で自分は音楽家として何を統括するべきかということを昨年くらいからすごく考えて。乱暴な言い方をすれば、メンバーのこともコムレイズのことも考える余裕がなかったというか。自分で作らなきゃっていう使命感みたいなところだけだった気がします。なので、メンバーに渡すデモはギターもベースもドラムもコーラスも、構成から何から何まで完璧な状態で渡しました。だからメンバーはもう少し自分たちの入る余地も欲しかったと思ってるかもしれない。そこまで来ちゃってたのかもしれないですね、僕は。 ──かなり追い詰められている心境であったと。 うん。でも今、この曲たちをライブで演奏してるわけですけど、共有できてるんですよね。メンバーともコムレイズとも。だから間違ってなかったなと思いますよ。

──TAISEIさんの出した答えがSAとしての答えでもあって、それがコムレイズにもちゃんと伝わって、手応えを感じられている。 感じられてますね。SAはいろんな音楽をやるパンクバンドとして活動してきたんですよね。ジャパニーズパンクの型にハマった、古典芸能みたいなことをやることに対して僕はすごく否定的だから。もっといろんないいものを吸収するパンクバンドでありたくて。だから肩肘張って突っ走ってきたところもあるんです。でも今はすごく肩の力を抜いてそれができてるんですよ。 ──本当の意味で、自分が純粋にバンドと音楽を楽しめている。 楽しめているし、続けるにあたって自分に対する決着をつけなきゃいけないところに立ったと思うんですよね。後になってどういう形になろうが、自分でケツを拭けるものを作らないとな、という意識は強くあります。速いビートでみんなが歌えて、ハッピーでアツくて男臭くて強いっていう、それがSAっぽい曲なのかなとも思うんですけど、どこかに弱い自分だっているわけです。ひとりの人間としてね。そういうところを包み隠さず書きたいなっていうのは今回ありましたね。コムレイズには「TAISEIはいつも強くて、いつも俺たちを引っ張ってくれて、背中を押してくれる」と思われてるのかも知れないけど、僕だって押して欲しいよっていうときもありますから。 ──TAISEIさんの歌詞は、過去を振り返らず常に前を向いてるし、他者に強制はしないですよね。問い掛けや励ましはしても、ああしろこうしろとは言わない。 ああ、そうですね。男性も女性も歌詞に共感してくれることは多いんだけど。でも共感してもらうために書いてるわけじゃなくて、自分に言ってるんですよ。自分に対して「お前、どうするんだよ！」って。それを歌にすると、コムレイズに訴えかけるように聴こえるのかもしれない。そこがいい塩梅なのかなって思いますね。 ──己を鼓舞することが他者にも力を与えることになっているのは、表現者として嬉しいですよね。本作の“明日さえあれば”はタイトルからしてストレートで前を向いているところでもあって、聴こえ方は柔らかいけど《やさしい戦いの歌》と歌っている。強い曲ですね。 強いけど弱さも同居してる、いわゆるラブソングですよね。SAは今までいろんな曲を作ってきましたが、正真正銘のラブソングはこれを含めて数曲しかない。あえて避けてきたんですけど、今年56歳になりまして、そういうことも歌いたいなって、楽に考えるようになってきたんだと思うんですよ。 ──そういった心の変化や弱さでいうと、リード曲の“敗れざる者”。強いイメージのあるSAが敗者を掲げたタイトルというのがすごくいいなと思いまして。「負け犬の美学」は極端ですけど、強がりというか、弱いからこそ強くありたい、強く見せたいところだと思うんです。 うん、そこですよね。僕はずっとそういう人間だったと思いますよ。周りからは、すごく強くて、イケイケでオラオラで、というイメージなのかもしれないけど。でも、ずっとビビって生きてきたと思います。だから虚勢を張ってきたような気がするんですよ。それでみんなを騙せてるのかもしれない。本当は弱いっすよ。 ──だからこそ、バンドをやっているというのもありますよね。 かもしれないですね、うん。

──昨年12月に吉田豪さんの配信番組＜猫舌SHOWROOM『豪の部屋』＞に出演されて。ああいうTAISEIさんの人間的な部分は、ステージでの“SAのTAISEI”しか知らない人にとっては新鮮だったのではないかと。 素でよかったって、友達からもすごく評判良かったんですよ。カリスマとか、ロックスター、パンクヒーロー像みたいなものがあるのかも知れないけど、そんなことはない。中身は「普通です」っていう。ただ、ステージに出たら「勝ちたい」っていう気になるんですよね。それがスイッチなんでしょうけど。前に、いわゆる裏社会の怖い人がSAのステージを観てくれて、「TAISEIさん、“かかってこいや！”って言ってるけど、もし僕みたいなのがかかっていったらどうするんですか？」って訊かれたんですよ。で、僕は「ステージ下だったら謝るけど、ステージに立ってたら戦う」と答えたわけです。そのくらいステージでは勝ちたいと思ってるんでしょうね。

──自分の居場所を守る、というところですね。 自分の存在意義というかね。 ──そういう意味でも、バンドのフロントマンとしての意識もコロナ禍で変わったところはあります？ ありますね。バンド4人で運命共同体みたいなところはあるんですけど、ボーカリストはみんなの目と表情を見て、感情を読み取って歌で伝えるわけです。NAOKIもKEN（Ba）もANNY（Dr）も、コロナ禍でそれぞれ傷ついて凹むわけですよ。でも彼らは音を鳴らすっていう、ある種の逃げ道があるけど、僕の場合は断絶された中で歌を届けることができない現実に叩きのめされた。そういう意味でボーカリストっていうのは孤独だなって。よくほかのバンドのボーカリストと話をすると、「独りぼっちになるときがある」みたいな話になるんですよ。それをこのコロナ禍でまざまざと感じましたね。 ──本当の意味で“自分の声”で勝負しなきゃいけない、身を削っていくしかないところはありますよね。 歌を30年やってきてね、本当に自分の存在意義に気づいた、歌を歌うことの意味がわかったのはここ3年、4年ぐらいですよ。コロナ禍で鍛えられましたね。これは変な話ですけど、歌がヘタなやつはやっぱダメですもん。パンクは吠える、シャウトだっていうのはあるかもしれないけど、ヘタはダメよっていう。そこはコロナで露呈したんじゃないでしょうか。売れてる連中も売れてない連中も横並びになった。そこから逃げてライブをやらないやつもいたけど、僕らはやりましたから。そういう意味でも、そこら辺の連中より絶対上手いよっていう自信はありますね。 ──いろんなものがバレちゃったコロナ禍でもありましたよね。オーディエンスのパワーに頼れないところもあって、誤魔化しが効かなくなったし。 パンクバンドは露骨ですよ。ヒット曲でダーッと客がダイブしてモッシュしてみんなで大合唱するんだけども。大合唱もできないモッシュもできない、そこでどうやって勝負するの？　って。やっぱ、歌と演奏で勝負するしかないですから。 ──SAとしてのの大きな変化でいえば、今年2月にドラマーのANNYさんが正式加入しました。 ANNYの前のドラマーが入ったとき、「これで4人一致団結、大花火だ！」なんて言っていた矢先のコロナ禍だったわけです。それでメンバーの仲もガタガタになっちゃったし。疑心暗鬼というか、精神衛生上よくないことになっちゃって。それで案の定、ドラムが辞めた。ANNYはサポートとして1年やったんですけど、それでいいかなと思ったんですよ。「4人のメンバーで」はもういいかなって。ただ、ジャパニーズパンクだけではないグローバルでいろんな音楽性を取り入れたいと思ったときに、ANNYというドラマーが入ってアコースティックライブをやったら、彼の中の引き出しがすごく多いことに感動したんですよ。それによって僕の歌も曲も、もっと良い色が出せるようになった。彼は曲のイメージからすぐにドラミングを考えられるんですよね。サポートミュージシャンとしてもいろいろなところでやってる人なので、すごく勉強になりますね。

──SAの音楽的な振り幅をさらに広げるにあたって、大きく貢献しているんですね。 それに彼は言葉をすごく理解したがるタイプでね。「どういう気持ちでこの歌詞になったんですか？」って訊いてくるんですよ。それを説明するとドラミングに反映されるんです。今まではこれはスティッフ・リトル・フィンガーズだ、これはランシドだ、っていうサウンドで感じ合っても言葉は違ったりしたんです。だからそこを汲み取ってくれるのは、ANNYのドラマーとしてのいいところだなと思いますね。 ──ドラマーとしては珍しいタイプですね。アコースティックライブの話も出ましたが、SAにとってのアコースティックライブはどのような位置付けなのでしょうか？ アコースティックは初代のドラムの時代もレコードショップのイベントスペースでやることもあった。でもそれはエレキが鳴らせないからっていう“なんちゃって”なんですよ。カホンとアコースティックギターとアコースティクベースでやって、それでもみんなで「オイ！オイ！オイ！」と叫んだりする。でもANNYが入ったことによってそうじゃないものができるようになった。ちゃんとお金が取れる、なんちゃってじゃないもの。うちはバラードもありますし、フォーキーな曲もあるんで、アレンジをガラッと変えてね。NAOKIは最初嫌がったんすよ、ガラッと変えることを。でも僕の中にはもうアイディアがあったから。結果、すごく素晴らしいアコースティックスタイルができた。今後はアコースティックも力入れていきたいなって。それがいろんなことができるSAっていうところかなっていう。僕はそっちで歌うのもすごく楽しいんですよ。まぁ、年齢もあるんでしょうけどね（笑）。

──ここに来て、バンドの新たな可能性を見い出せたというのは素晴らしいことですね。 本当ですよ。SAは今年で21年目なんですけど、普通は失速してますよね。SAは落ちそうになると、ご褒美があるんすよ。アメリカツアーや台湾ツアーが成功したり、日比谷野音だったりとかね。だから、もう1回ご褒美が欲しいなぁ（笑）。 ──バンドとして上向きになっていると。そういう幅の広がりがバンドの余裕でもあって、それが今回“敗れざる者”をリードにしようと思ったところに現れているような気がします。 これはデカいですよね。いつもだったら“BRING BACK HOME”か“NO RAIN,NO RAINBOW”になるはずなんですよ。“敗れざる者”は6分くらいあるし、普通だったらリードにしないです。でも僕はもう曲ができたときから「これをリードで！」ってメンバーを説得して。自分がグッとくるもの、歌っていて泣ける歌でないと嫌なんですよね。もうパンクバンドだろうがロックバンドだろうが、何でもいいから自分を感動させたいっていう。今回、レコーディングは1月にやったんですけど、昨年の8月くらいからもうデモを作ってましたから。レコーディング自体も早かったですよ。6曲を2日で歌いましたし。だから、ノってたんですよね。ノってるとガーッと、イケるんすよね。 ──その熱量は作品から充分に感じます。 僕は今までずっとキャッチーなものであるべきだと思って曲を作ってたんです。でもポップで明るいものだけがキャッチーなわけじゃないなっていうところ至った。僕みたいなMTVや歌謡曲で育った人間は、どこかで“ポップ＝キャッチー”と思っていて。でも“破れざる者”は、後半はすごくキャッチーになるけどAメロとBメロはすごく平坦でね。昔だったらもっとメロディをつけちゃう。メロディがあるものがいいっていう時代に生まれたから。だけど、この曲は洋楽的に平坦なメロディをギリギリまで持ってきて、サビでキャッチーを活かしながら大サビでもっと、みたいな。挑戦だったけど、いい感じに落とし込めたと思いますね。 ──確かに洋楽と邦楽のいいとこ取りみたいな雰囲気があります。そういう楽曲の幅やアコースティックも然りなんですけど、何をやってもSAになるという自信をこれまで以上に感じます。 やっぱ、僕が作ってるからSAになるよね（笑）。だからこそギターソロはNAOKIちゃんに任せようっていう信頼もあるし。それが僕らの21年なんじゃないですかね。

──あと、演奏は実際抜群に上手いですけど、“上手く見せない上手さ”っていうのもものすごくあるなと思ってるんですよ。 ああ、上手く見せないね、確かに。そこってすげえ大事。それも裏を返せば、上手くないのに上手く見せようとしてるのかもしれない（笑）。ロックバンドっぽいっすよね、そういうの。あとは「いなたさ」じゃないかな。NAOKIの弾くギターソロみたいなのって、今の若い子は弾けないですよね、ああいうフレーズ出てこないでしょ。僕から言わせれば古臭いんだけど（笑）。そこが良さだったりする。 ──ライブに関してですが、コロナも明けつつ状況が戻ってきた感覚とまた新しいライブの形が生まれる予感、その両方があるんじゃないのかと思います。 みんなでシンガロングすることはSAの武器でもあったから。「そうそう、この感覚」ってのはあるんですけど、そのエナジーの種類が違うというか。昔はもっと食ってかかる、狂気乱舞するところがあって。それこそモッシュやダイブであったりとかね。でもコロナ禍で、どっかでクールダウンしたのかなっていうのはありますね。熱量があって暴れるけど、どっかでやっぱちゃんと聴きたいなっていう感じ。「あ、ええ曲やな」っていう気づきを得たというね。 ──ちゃんとライブを観る、歌を聴く、演奏を聴くことでの新たな発見はリスナー側に大きくあったと思います。 3年ぶり、4年ぶりにライブに来ましたっていう連中も多いんですよ。その中でやっぱり、音楽で心を動かす、背中を押すことができるんだなっていうことを改めて感じますね。「仕事でいろいろ悩んでるんですけど、3年ぶりにライブ来てよかったです、決心がつきました」なんて言われたら、やっててよかったなと思いますよ。たった1人でも人生の背中を押せれたっていうのがあるだけで、歌う意味があるんだなって。「まだやるぞ！」っていう気になれます。

──演者側も観客側も、ある意味でリセットされたところがあるのかもしれないですよね、ライブに対する想いや求めるものが。 ここからパンクのライブが戻ってきた、またダイブしよう、モッシュしようってなるのかもしれないけど、「音楽の本質って何なんだろう？」と気づくやつもいるでしょうね。だから今また新たな一歩を踏み出せている気がします。そういう意味では、コロナの3年間はいい勉強になったと思いますよ。 ──そして、＜『hopes』 Release Special Night＞と題したワンマンライブが、11月12日に大阪・Live House ANIMA、16日に東京・渋谷CLUB QUATTROで開催されます。どんなライブになりそうですか？ 『hopes』を出して、ちゃんとした全国ツアーができてなくて。何せ後先考えずにアルバム作ったところがあるから。でもやっぱりリリースパーティーはやりたいなっていうのがあってね。今年の2月16日に20周年の区切りのQUATTROワンマンをやって。QUATTROは僕らにとって非常に大事なハコであって。そこでコムレイズやコロナで離れてた連中が、もう一回新しいSAのライブの見方を模索してもらえるものもいいし、踊りたいやつは踊ればいいし。2月はまだコロナがギリギリのときだったから。今回はもう自由にやってくれっていうライブができると思うんでね。そういう場所をSAと一緒に楽しみながら、まだ言うか！？っていうくらい「もう1回、上へ行こうぜ！」っていうのを共有したいな。 ──改めてお互いを確かめ合う場であり、コロナ禍3年間の気づきを証明する場でもある。 それはデカいよね、コロナで見つけたことを見せたいし。スカしたりはもういらない。現在のSAの120パーセントを全部見せるよっていう感じでやろうと思ってます。面白いのが、今リハーサルやってますけど、結成当時の曲中心のセトリかといえばそうでもないんですよ。昔だったら初期の曲をみんなで歌う、そういうことがメインだったところがあるんですけど。大人になったのかな（笑）。 ──バンドが常に前に進んでいるということでもありますよね。長く続けていると演者もファンもどうしても懐メロを求め合いがちですから。 本当、それなんですよね。そこにいつもにジャパニーズパンクへの疑問があって。懐メロ合戦、古典芸能のライブね。こないだパンクイベントがあったんですけど、みんな30分メニューの最後は盛り上がるヒット曲で終わる中で、僕らは“敗れざる者”で終わるっていうね。それで周りは「SAは挑戦してる」なんて言うんですけど、いや、それは当たり前でしょっていうね。 ──やっぱり常に新曲が一番カッコいいと自信を持って活動したいですよね。 だから僕らのレーベルは〈NEXT-ONE RECORDS〉っていうんですよ。これはチャップリンの言葉で、「あなたの最高傑作は何ですか？」って訊いたら「The Next One（次の作品）」と答えたという。そこから取ってるんです。だから僕らの最高傑作は『hopes』の次の作品です。

現在進行形、今のSAが持つ魅力を最大限に表現したい！　共に歌い拳を挙げようぜ！　帰り道は希望が見えます様に！

ANNY

煩わしかった時が過ぎ、あの頃の我々のライブが戻ってきた！ その中で約3年振りとなるニューアルバム『Hopes』、それを引っ提げてのスペシャルライブだ、そりゃもう楽しみ！ 鼻息荒いよ！（笑） 大阪アニマ＆渋谷クアトロ、アツく激しくブチ上げようぜ！

NAOKI

俺たちとみんなの歌！ 大阪アニマと渋谷クアトロで大声出して一緒に歌おう！！！！ 笑顔のみんなに会えることをすご〜く楽しみにしてます^^

KEN

大型音楽フェス＜VIVA LA ROCK＞（通称：ビバラ）が2023年5月3日（水・祝）〜7日（日）に開催。そして、今年もリアル開催と同時に、『ビバラ！オンライン 2023』の開催も決定している。ライヴの模様はフジテレビが運営する動画配信サービスFODのPPV（ペイ・パー・ビュー）にて配信。また本PPVでは見逃し配信もあり、各日程の翌日10時から1週間後の23時59分まで見ることができる。

※PPVとは、番組単位で視聴権を購入するサービス

本記事では、そんな＜VIVA LA ROCK 2023＞＆『ビバラ！オンライン 2023』という、現地でも配信でも楽しめる“ハイブリッドな”魅力についてご紹介！ FOD配信はこちら

今年で開催10回目。さいたまスーパーアリーナで開催される大型ロックフェス＜VIVA LA ROCK 2023＞が、5月3日（水・祝）～7日（日）の5日間にわたって開催される。ロックファンの間ではシーンの現在を体感できるフェスとして浸透している＜VIVA LA ROCK 2023＞には、全国のフェスに引っ張りだこの人気アーティストから話題のニューカマーまで計116組が揃い踏み。

入場無料の屋外フリーフェス＜VIVA LA GARDEN＞も展開しており、ビアガーデンやフェス飯などの飲食ブースや、4つ目のステージ＜GARDEN STAGE＞、子供たちが遊べるキッズランド「あそビバ」、ワークショップなど様々なブースが集まっている。

2020年には新型コロナウイルスの影響でゴールデンウィークに開催することを断念、代わりに有料生配信イベントを夏に行ったが、その時のノウハウを生かし、2021年以降は現地と配信どちらでも楽しめるフェスとして開催。FODでは開催期間中、＜VIVA LA ROCK 2023＞出演アーティストのライヴの模様を配信する。様々な事情があり会場に足を運べない人も＜VIVA LA ROCK 2023＞の熱気を画面越しに体感できるだろう。また、各日ライヴ翌日から1週間見逃しアーカイブ配信を視聴できるため、当日会場にいた人が後から観ることも可能。「観たいアーティストのタイムテーブルが被ってしまった！」というフェスにはつきものの悩みを解消することもできる。

現時点で発表されている配信ラインナップは総勢61組（トーク2組を含む）。バンドでは、昨年末に『第73回NHK紅白歌合戦』に初出場し、その名を全国に知らしめたSaucy Dog。現在全国ツアー中で、勢いに乗った演奏を届けてくれるであろうDISH//。盛り上げ番長としての手腕がフェスに出るたびに話題になるORANGE RANGE。今年2月に凄腕ドラマーが加入し、新体制となったSuspended 4th。さらに、Chilli Beans.、黒子首、サバシスター、ヤングスキニーら期待の新鋭まで網羅されている。

“ちゅ、多様性。”が若者を中心に流行中、今年4月から『オールナイトニッポン0』のパーソナリティを務めるなどマルチに活躍するanoや、世界レベルのスキルを持つヒップホップユニット・Creepy Nutsのライヴも見逃せないだろう。加えて、CHAIや4s4kiなど海外からも評価の高いアーティストのライヴを体感できるのも嬉しいポイント。SKY-HIがプロデュースするボーイズグループ・BE:FIRSTや、さいたま市大宮を拠点とするお笑い芸人ユニット・大宮セブンがどのようなパフォーマンスを見せてくれるのかも気になるところだ。

また、FODでは他にも様々なコンテンツを配信中。音楽コンテンツは、韓国を代表する音楽番組『SBS人気歌謡』、アニメ『五等分の花嫁』や『あんさんぶるスターズ！』などの過去のイベント映像、マイケル・ジャクソンやクイーンのドキュメンタリーなどジャンル問わず充実。なかでも、FODオリジナル音楽番組『PARK』は必見だ。＜VIVA LA ROCK 2023＞にも出演するCHAIをはじめ、リーガルリリー、WONK、カネコアヤノら様々なアーティストのスタジオライヴ＆インタビュー映像が配信されている。

さらにFODでは、フジテレビのドラマやバラエティを中心に膨大な数の作品を取り揃えている。＜VIVA LA ROCK 2023＞出演アーティストと関わりの深い作品だと、Vaundy（※）の“まぶた”が主題歌で今年3月に地上波放送を終えたばかりのドラマ『女神の教室～リーガル青春白書～』、Creepy Nutsが主題歌を提供したアニメ『よふかしのうた』、Panorama Panama Townが主題歌を担当＆カメオ出演したドラマ『ギヴン』などが配信中だ。

今年のゴールデンウィークはぜひFODで＜VIVA LA ROCK 2023＞を楽しんでみてはいかがだろうか。

（※）『ビバラ！オンライン 2023』ではVaundyのライヴ映像配信はございません。

今回の『ビバラ！オンライン 2023』の配信方法は、“PPV（＝単独番組の購入）”のみで、FODプレミアムに入会している方でも単独番組として購入が必要となっているので、お間違いなく。

まだFODプレミアムに入会していない方も、ゴールデンウィーク期間の5月8日（月）17:59までに新規入会すると初月200円になり、さらにクーポン1,000ポイントプレゼントキャンペーンも実施中！

この機会にFODプレミアムに入会し、そのクーポンを使ってPPV購入するという方法もあるので、こちらも合わせて要チェックだ。

2020年、新型コロナウィルス感染症が世界中で猛威をふるうなか、さまざまな芸術文化は苦境に立たされた。各種公演や試合などは中止になり、長年身体に経験を積み重ねてきた表現者の多くも、活動継続をあきらめなければならない状況に陥った。

そうしたなか、身体芸術の新たな表現の場を開拓するとともに、経験を宿した身体の価値を未来に伝えようという想いから『VIRTUAL NIPPON COLOSSEUM バーチャル身体の祭典』が、バリアフリーなオンライン劇場「THEATRE for ALL」を起点に始まった。

総合演出を務めるのはAR三兄弟の川田十夢。ファッションや音楽、アート、芸能など、さまざまな領域でARによる拡張現実をつくりあげ、デジタルデータがもつクリエイティブな可能性を社会に提示しつづけてきた。そんな川田だからこそ、ジャンルで区切ることなく、多様な表現者たちを集めた祭典をつくりだした。

第1弾ではアオイヤマダ / 加勢鳥 / 男性ブランコ / 前川楓 / 前田順康（鼓童） / 西矢椛 / 村松卓矢（大駱駝艦）と、芸術・芸能・スポーツの垣根を超えた表現者たちを集め、彼らの身体とモーションのデータをアーカイブし、バーチャル空間で一つのパフォーマンス作品をつくりあげた。

分け隔てなく誰もが楽しむことができる「真の祭」も目指して完成した作品は、AR技術を活用したアプリ「社会実験」によって鑑賞者のいる場所に投影して楽しむことができるほか、日本語字幕・音声ガイド・手話通訳・多言語対応などを施したバリアフリーオンライン型劇場「THEATRE for ALL」で創作過程のドキュメンタリーやこれまでの動画作品が配信されている。

そして2023年2月には『VIRTUAL NIPPON BODIES 2023 バーチャル身体図鑑』が予定されている。公開に先立ち、同プロジェクトを通じて見えてきた可能性などについて、企画の発起人である川田十夢（総合演出・開発者）と金森香（プロデューサー）に話を聞いた。

金森香（以下、金森）　プロジェクトの構想から約3年、作品づくりは2年目を迎えましたが、今あらためて、『VIRTUAL NIPPON COLOSSEUM』のプロジェクトの意味を川田さんはどのように感じていらっしゃいますか？

川田十夢（以下、川田）　技術はこの2～3年だけ見てもかなり変化しています。たとえばプロンプトエンジニアリングと呼ばれる最新の技術を使えば、AIが3Dモデルまでつくってくれます。ただ、そういう最新の技術の前提はあっても、ポリゴン数をあげてつくり込むとなると学習材料が必要なんです。だから、身体の3Dモデルとモーションのデータを同時に取っているこのプロジェクトは、技術の変遷に左右されずに原材料として有効なものだと改めて感じています。

一方で、今年度挑戦しようとしているのが、データの使い方・売り方の提案です。昨年度も取ったデータの販売はしてみたんですけど、まだ3Dモデルのデータが一般には普及していないことを痛感したんですよ。魚屋にイルカが売られているみたいな状態。

金森　魚屋にイルカ？！

川田　たとえが良くないかもしれない（笑）。実際にイルカの切り身が売られている地域はあるらしいんですけど、でも、ほとんどの人はイルカが売られていても調理の仕方がわからないじゃないですか。そうしたら買わない。

3Dモデルも、「データを公にしていこう」という動きは、海外でも日本でも結構あるんですけど、公にされたところでどう使ったらいいか分からないと思うんですよね。だから僕らが「こういう使い方をできるんですよ」っていうパターンを示していこうと思ったんです。

金森　2月に行われるイベントの時にも、データの使い方や売り方の可能性について、ディスカッションをできればと思いますが、川田さんたちが今すでに取り組んでいる「使い方の例」もご紹介いただけますか？

川田　議論の起点になるようなプロトタイプを二つ作っています。一つは、「標本ポスター」です。ARや3Dならではの標本や図鑑の見せ方を提案したいと思っています。

図鑑って、たとえばペンギンのページを見たら、ここが口で、ここが翼のフォルムをしたヒレで……とかって、名称や機能がフォルムと紐づいて見られますよね。でも印刷物の図鑑では、動き方はわからない。テキストで説明されていても、ペンギンを見たことがない人だったら、イメージしきれないと思います。それがARの図鑑だったら、ペンギンを見たことがない人でも、動きまでわかるようなものをつくれるわけです。

そういうふうに、図鑑の機能そのものをアップデートできるようなものを見せないと、ガジェットがいくら進化しても、次のインターフェースは育たないし、3Dのモデルやモーションのデータを取っていくことの意味も拡張していかないと思うんです。こうやって活用できるんだっていう一例として、今回の「標本ポスター」をつくっています。

金森　もう一つはいかがでしょう？

川田　「経験トレーディングカード」をつくっています。これまで我々が記録してきた身体としての3Dモデルのデータと、経験としてのモーションのデータを、自由に、そして簡単に、組み合わせられるようなカードゲームです。

たとえば初年度、力士とバレリーナのそれぞれの身体と動きのデータを取ったんですけど、そのバレリーナの動きを力士の身体に宿してみたら、力士が軽やかに『白鳥の湖』を踊り出して、すごくユニークで面白いかったんですよ。

今年度は、人形浄瑠璃の演目『義経千本桜』に出てくる「いがみの権太」の人形を、それを動かす黒衣とともに記録したのですが、「いがみの権太」の動きは人形浄瑠璃の世界（文楽の劇場）で見た時には、すごく自然で、まるで生きているように見えるぐらいなんです。ところが、その人形の動きのデータをそのまま人間に宿してみると、すごく変なんですよ。人間としてはありえない動きをしている。でもそうやって人間に宿してみることで、人形浄瑠璃の演出の妙とか、技術としてのデフォルメの幅みたいなものがわかってくるわけです。

今つくっている「経験トレーディングカード」では、同じように、身体のデータとモーションのデータを、好きなように選んで組み合わせて、その動きを見ることができます。同じ身体のなかに、多様な経験を宿すことの面白さを、皆さんにも感じてもらえるんじゃないかと思っています。

金森　「経験トレーディングカード」は2月11日のイベントでは来場者の方に先着100名様に１枚づつプレゼントすることになりました！「標本ポスター」とこの「経験トレーディングカード」のセットも、このイベントのみの限定販売が予定されてます。

金森　今、身体のデータからできることの面白さについて、一つお話しいただきましたが、今回のプロジェクトにかぎらず、身体のデータを記録し続けてきた川田さんが感じる、その意義や面白さについて、他にも何かあれば教えていただけますか？

川田　以前「NO BORDER※」というプロジェクトで、車椅子YouTuberの寺田ユースケさんの3Dモデルをつくって、寺田さんのアバターに踊らせるということをしたのですが、それを見た寺田さんは勇気が湧いて、義足のチャレンジに繋がった、と後日聞きました。※ ARであれVRであれ、自分の身体つきをしたものが動いた瞬間に、自分ごとになるっていうことがあると思っていて、それは一つの拡張だなと思うんですよね。一方で、さっき話したカードゲームのように、自分の動きをまったく別のものに宿す楽しみもあって、そういう2軸の拡張があるんじゃないかなと、このプロジェクトをやりながら改めて思っています。

※最新3Dスキャナーで3Dモデルを作成し、観客自身のアバターが主役となり、ステージ上でダンスを踊る超新感覚エンターテインメント。土屋敏男さんが企画・総合演出、AR三兄弟が企画・技術開発をおこなった。

もう一つは、昨年度も今年度も、地域に残っている祭りや民俗的な動きを作品に入れているんですね。今年度だと、「おわら風の盆」っていう富山市八尾地域の民謡行事と、「チャンココ」っていう五島列島の伝統的な念仏踊りです。 そういうものの多くが、まちが過疎化して、後継者が不足していて、ややもするとなくなってしまうかもしれないんですよ。でもそうしたもののモーションのデータを3Dとしてアーカイブしておけば、万が一継承が途切れてしまったとしても、再現性があると思うんです。それは面白い可能性だなと思っています。

金森　ちなみに今回のプロジェクトを通じて、さらにこんなことができるんじゃないかとか、挑戦してみたいと思ったことは何かありますか？

川田　あらゆるものをアップデートしたいですね。たとえば教科書。「いがみの権太」は鎌倉時代の義経の系譜の話なんですけど、歴史の教科書で義経のことが説明されているページを開いたら、今回記録した「いがみの権太」のARがぽこっと立ち上がるとか。

金森　それは楽しそうですね！

川田　いろんなものに水平的に使えるようにしていけたらいいなと思います。日本だと3Dモデルは歴史とは縁遠いものだと、勝手に線引きをされてしまいやすいんですけど、そういう固さを取り払って、いろんなものを一緒くたにすることで生まれるものがあるんじゃないかと思ってます。

金森　今回のプロジェクトでは、テクノロジーの面でのコンセプトに加えて、私たちTHEATRE for Allを起点にはじまったプロジェクトでもあり、いかにしてバリアを取り除くか、誰しもに目を向けて排除しない、という点も大事にしていますよね。実際、家から外出しなくても日本に渡航しなくても、アプリからはお祭りやパフォーマーを間近で鑑賞できます。また、昨年度も今年度も、芸能・芸術・スポーツまで横断し、身体を軸に多ジャンルの方々に出演者として協力をしていただいてます。普段交わらないような異なる世界の方々を集めて、調和のある一つの「祭り」につくりあげるために、川田さんが大事にしていることはありますか？

川田　まさにこのプロジェクトを通じてやりたいことは、そこですよね。みんながそれぞれに一番やりたいことをやっていて、いろんな人がいろんなままに存在していて、でも、みんなが同じ一つの方向に歩いているっていうことを目指しています。「パレード」ですね。みんなが違うばらばらなことをやっていても、同じ方向に歩いているだけで、一つのまとまりがあるものになると思うんですよ。

その時に一つ大事なのは「列に入るな」とは言わないことです。どんな人か、どんな領域かは関係ない。伝統芸能だからありがたく保存するとかではなく、最新の芸能も同じように、くまなくデータ化していく。それを一続きの、一つの形をもった作品にすると、自ずと多様で調和のあるものになるんじゃないかと思います。

金森　今年度も、先ほど話にあった「いがみの権太」も収録していれば、小林幸子さんや芸人のヨネダ2000さんも収録していますよね。

川田　小林幸子さんとは、12～3年前に一度共演したことがあったんですけどね。今年で芸能生活59年なんですよね。もはや伝統芸能じゃないですか。今回は記録できる範囲の豪華な衣装をスキャンさせてもらったんですけど、同時に、彼女に宿っている声や振る舞いも記録しておきたいと思っています。

ヨネダ2000さんも、「動きの笑い」をしている人たちなんですよね。日本の芸能の起こりを考えてみると「動き」なんですよ。祭りや神事としてやられてきたことって、動きの連続性の妙なんです。

だから、民俗的な記録という意味では、ヨネダ2000さんみたいな最先端の芸人の動きもちゃんと残しておくことが、同じように意味があるんじゃないかと思っています。

金森　線引きをせずにあらゆる人のデータを記録する、という今のお話もそうですし、収録したデータをオープンにしていくということもそうですが、川田さんはご自身の取り組みを、みんなに開いて、シェアすることを大事にされている印象があります。その姿勢はどういう想いから生まれているのでしょうか？

川田　少し前までは3Dモデルをつくるのに何百万円もかかったんですよ。それがどんどん安くなってきていて、もう少ししたら、スマートフォンで3Dモデルをつくれるぐらいにまでなるだろうと思います。そうなったときに、誰かがつくったものを面白がるだけじゃなくて、自分でつくって世の中に出すっていう楽しみも、持ってほしいんですよね。

金森　消費する側ではなく、創造する側に立ってほしいと。

川田　いまは一部の力を持った人たちだけのもののようになってしまっていますが、絵の具や積み木で遊ぶように、誰もが楽しんで使ってほしいです。僕らは一つの使い方のパターンを出していますが、これだけが正解でもないので。

金森　もっとARやVRの世界を面白くしたいからこそ、いろんな人に入ってきてもらいたいということですかね。

川田　最近は、なんでもかんでもAIがやってくれて、創造的なものも全部AIがやってくれるんじゃないかっていう極論も出てきていますからね。いやいや、人間がテクノロジーを駆使したら、こういうものも創造できるんだぞっていうことを、ちゃんと示してゆきたいです。

金森　多くの人にテクノロジーが広がっていくことの面白さがある一方で、使い方によっては誰かを傷つけたり、倫理的な問題を生じうる面もあるのではないかと思います。川田さん自身がテクノロジーを使う上で、これはやるけど、これはやらない、といった基準は何かもっていらっしゃいますか？

川田　僕、なんでもやっているようで、実はやっていないんですね。やらなかったことの一つを挙げると、「震災の恐怖を、その場所で再体験できるようにしてくれ」っていうオファーですね。何度かあったんですけど、断りました。

金森　想像したらすごい鳥肌が立ちました……。

川田　それぐらい怖いことができてしまうテクノロジーなんですよ。削除できないぐらいの強い記憶が人の体に残ってしまっているのに、それを上塗りするようなことはテクノロジーでやるべきではないんです。はっきり言って、やる意味がない。

最近は恐怖で伝えようとするのが一つの流れとしてある気がするんですけど、僕らはユーモアをもって、伝えるべきものを伝えたいと思っていますね。ウケるっていうことは、わかるっていうことなんです。人ってわからないものには笑わない。何か腑に落ちたときに人は笑うんです。

金森　川田さんがよく「爆笑をとりたい」って言っているのはそういう考えからなんですね。

川田　ただ目立ちたいわけではないんですよ（笑）。ウケたい。でも僕らのようにウケたいと思ってテクノロジーをやっている人はなかなかいないんですよね。クールに、かっこよく見せたい、というほうが強い。そうするとテクノロジーの怖いほう、とがっているほうに向かっていくと思うんです。僕は、テクノロジーと飲みに行きたい。

金森 テクノロジーが人格化された（笑）！

川田　AIの研究者は、ディープラーニングのためのデータをAIに渡すことを「学習材料を“食わせる”」ってよく言うんですけど、そんな家畜のように扱っていたら、僕はやがて恐ろしい目に遭うんじゃないかと思って、「どうぞ召し上がれ」って言っています（笑）。

金森 一方で、笑いだけを突き詰めて、純粋にエンターテインメントだけに向かうこともできますよね。そうではなくて、社会性×面白さに川田さんがこだわるのはなぜなのでしょうか？

川田　笑っちゃうっていうことに社会性がもう含まれていると思うんですよ。最近は、いつ戦争が起きてもおかしくないっていうことがよく言われていますけど、そういうことを、笑いをとろうと思った時に無視できないんですよね。社会情勢をふまえて、重いものを軽くするのが笑いなので。僕らはこれからもそういうなかで、テクノロジー×社会×ユーモアを探求しつづけていくと思います。まずは2月11日開催のイベント、ぜひご注目ください。