今年のフジロックを振り返るにあたって、深夜のレッド・マーキーに触れないわけにはいかない。長谷川白紙、きゃりーぱみゅぱみゅ、ジンジャー・ルートといった人気者から、オーヴァーモノ、ロミー、ティーシャなど旬のクラブ系アクトまで目白押し。この時間帯のブッキング担当を務めたスマッシュ高崎氏も「自信がある」と語っていたように、朝まで踊り明かしたくなる大充実のラインナップが揃った。

かくして初日の夜、Ryoji Ikedaらしいノイズの洪水が鳴り止むと、転換中のスクリーンに楕円で囲まれた「Vegyn」のロゴが映され、DVDメニューを思わせる穏やかなループが流れだす。フジロックの興奮をクールダウンさせる束の間のひととき。

フランク・オーシャンとのコラボで知られ、トラヴィス・スコットによる話題の最新作『UTOPIA』にも参加しているヴィーガン。昨年のジャパン・ツアーおよび朝霧JamはDJセットでの出演で、自身の楽曲に加えてケミカル・ブラザーズ“Star Guitar”、ダフト・パンク“Digital Love”といった大ネタや、プレイボーイ・カルティやケンドリック・ラマーなどのヒップホップ・アンセムも投下するなど、幅広い音楽的バックグラウンドに裏打ちされたプレイを披露していた。

2度目の来日となる今回のフジロックは、満を持してライヴ・セットでの登場。結論と本音を先に言わせてもらうと、これこそが本当に観たかったヴィーガンのステージだ。未だ謎多き天才プロデューサー／レーベル〈PLZ Make It Ruins〉主宰の頭のなかを覗くような60分間は、チルとエキサイティングの狭間にある不思議な高揚感に満ちていた。

定刻どおり24時ぴったりに姿を現したヴィーガンの「ライヴ」は、水滴のように跳ねるビートとクリック音、AI音声みたいなJeshiのラップが印象的な“I See You Sometimes”（2021年のEP『Like a Good Old Friend』収録）で幕をあける。ライヴ・セットといってもラップトップとミキサーを操作するだけなのだが、それだけで唯一無二の世界観が伝わってくるのは、彼独自の柔らかく透き通ったアンビエンスと、記憶を錯乱するようにランダムな光景を映し出すVJに因るところが大きい。そこに不定形のビートが重なると、レッド・マーキーへと吸い寄せられるように観客が集まりだす。

ヴィーガンの魅力は、その名状しがたいサウンドとフィーリングにある。“Cowboy ALLSTAR”は2000年代エレクトロニカのリヴァイヴァルを感じさせる曲調だが、そこから未発表のドラムンベース・ソングを挟み、同曲のカップリング“Blue Verb”ではトラップを通過したビート感を発揮する。特定のジャンルに縛られないというより、まだ名前がついていない未知の音楽をスケッチするかのようだが、終始一貫しているのはメロディの温かみ。その抽象的でノスタルジックな響きは、先ごろ新作をリリースしたエイフェックス・ツインにも比肩する美しさだと思う。そんなヴィーガンの極め付けというべき名曲が、2019年の傑作『Only Diamonds Cut Diamonds』に収録された“It’s Nice To Be Alive”。あの望洋としたイントロが流れたあと、原曲より焦らしたアレンジを経て、ついにビートが鳴りだすと大きな歓声が上がる（どの曲も音源とは一味違うライヴ・アレンジが施されており、非常に聞き応えがあった）。

VJに目をやると、TikTokやインスタをスクロールするように、いくつもの景色が急スピードで流れていく。そこではマイケル・ジャクソン本人の姿も、彼みたいにダンスするどこかの国のキッズも、日本で撮ったと思しき景色も映し出される。メランコリックで意識が遠のきそうな旋律は、ボーズ・オブ・カナダの名曲“Olson”のカヴァーだ。ここまでくるとヴィーガンの独壇場。その後も心地よく踊らせ、最後は“Debold”で締めると、観客に一礼してステージを去る。そして、彼の背後にあった「Vegyn」のロゴは少しずつ消散していった。

今回のセットリストには、3つの未発表曲も含まれていたようだ。2022年に75曲収録のミックステープ『Don't Follow Me Because I'm Lost Too!!』を発表しているように、多作家でもあるヴィーガン。はたして次はどんな景色を見せてくれるのだろうか。

──日本初インタビューから6年経ちました。まずついに＜フジロック＞初出演ですが、心境はいかがでしょうか？

Go　心境はやっと来たなって感じで、嬉しいです。地元の国で一番大きなフェスに出れることは光栄だし、思い出にもなるし。バンドとして最後に母国でやる上ではこれ以上ないフェスだし。

──幾何学模様って、日本のフェスに出ようとしたら台風になったりして全然出れてないよね。2019年の＜朝霧JAM＞も中止で、＜全感覚祭＞がフェスとしては中止になって、ライブになり。2020年は＜GREENROOM FESTIVAL＞に出演が決まっていたけど、延期と。

Tomo　地震とか台風とか、自然現象に巻き込まれて吹き飛んじゃったね。フェスの会場で、お客さんのほとんどが日本人って場所であんまりやったことなくて。個人的にはライブが終わった後のお客さんの雰囲気が結構楽しみ。＜フジロック＞がすごく好きな人っていっぱいいるから、自分は行ったことない分、特別なものがあるのかなと感じてる。

──みんな＜フジロック＞行ったことない？

Go　Daoud（Gt.）だけモヒートバーみたいなところで働いたことあるよ。ボランティアとして働けるのあるでしょ？　うちらが初めて会った時ぐらいの話だけど。

──バンドとしてメンバーで見に行ったみたいなことはなくて、＜フジロック＞のイメージはあまり湧いていない感じ？

Tomo　全然わかんない。写真でしか見たことない。

Go　俺は映像。タワレコで＜フジロック＞に出るアーティストの特集コーナーがあって、それをチェックしたり。

──最初出会った頃、なんか日本のフェス出たいねって2人と話してて。やっぱり＜フジロック＞じゃない？　みたいな話をしてた。ルーキー枠（ROOKIE A GO-GO）があるって話をしたら、2人は何か違うかもっていう反応で。海外メインで活動し始めてた時だから、＜フジロック＞に出るんだったら、ルーキーじゃない枠で呼ばれたいなって。

Tomo　ルーキー出たくないとかじゃなくて、オファーを受けたかった。自分らの活動を見てくれて、オファーが来て出演できたら一番いい形だと思ったから。せっかく＜フジロック＞出られるならって思ってたし。

──それが今回実現して。もちろん作品やライブがいいからオファーがあったわけだろうけど、呼ばれるきっかけになったひとつの要因が、世界中のフェスに出演してきたという実績があるからだとも思う。世界中のフェスに出演してきて、どういう経験があった？

Tomo　2016年当時はまだうちら日本にいたんだよ。＜DESERT DAZE＞とか＜Levitation＞が＜Austin Psych Fest＞って名前でやってた時で。あの時は各地でサイケフェスが出てきて、サイケの流れからきてるバンドはそういうフェスに出れたの。うちらずっとそのジャンルのフェスにいたからさ。サイケロックだったり、メタルのサブジャンルごとのフェスにしか出てなかった。あと＜OZORA＞とか。とにかくサイケデリックで繋がるフェス。

Go　ヘビー系だったんだよ。サイケトランスとか（笑）。

Tomo　うちらがオランダに行こうとしていた2017年くらいから、＜Green Man Festival＞とかもうちょっと大きいインディーのフェスにも出るようになった。あとは＜Best Kept Secret Festival＞や＜Roskilde Festival＞。＜グラストンベリー（Glastonbury Festival）＞ほどデカくないけど、その中間くらいのフェスに出るようになってから、金銭面でももっとツアーもできるようになって。2016年からは年間100本以上ライブをやってる状態がずっと続いてた。

Go　1年間でアメリカ公演3回とか、ライブやりまくって。2017年から2019年までは、本当にがむしゃらに。ライブが決まってなくてオファーが来たら「ここに予定入ってる人？」ってメンバーに聞いて。次の年の夏の予定なんて決まってるやついないじゃん、普通（笑）。

Tomo　『House in the Tall Grass』を作る時ぐらいから少しずつそうなったんだけど、アルバムが出る前にもうライブがブックされてたの。しかも新しいアルバムが出るツアーみたいなさ。だからその前にアルバムを作んなきゃいけないってルーティンに変わっていくんだけど、それがすごく大変だった。日本だったら珍しいけど、うちらの界隈だったら年間アメリカ2回、ヨーロッパ3回とか回っているようなバンドはみんなそれを普通にやってるもんね。

──具体的にバンドでいうと、同じようなタイミングで同じようなフェスで一緒にいたのって、キング・ギザード＆ザ・リザード・ウィザード（King Gizzard and the Lizard Wizard）とか？

Go　キング・ギザードもそうだけど、頭文字Kのバンドが多いの。幾何学模様、クルアンビン（Khruangbin）とか。フェスとか出ると、アルファベット順に上とか下とかに必ずいる（笑）。だからうちらもKを探すのよ、初めに。

Tomo　クルアンビンも（当時は）年間4〜5回フェス出てるって言ってた。幾何学、クルアンビン、キング・ギザードとかめっちゃライブするバンドは、みんなから「Hardest working band」って言われてたよね。でもそのおかげもあって、みんなすごく有名になっていったけど。

Go　アメリカのバンドだよね、基本的に。だからアドバンテージがある。

Tomo　ヨーロッパや海外のバンドがアメリカでライブする時はUSビザが必要だから。アメリカのバンドは取らなくていいし、国内でめっちゃライブできるからね。逆にアメリカのバンドは海外でビザ必要ないから、ヨーロッパもどこでも行けるやん？　その分、アメリカのバンドがそれくらいやると、大きくなるスピードがすごく速い。

──それでいうとクルアンビンはアメリカだけど、キング・ギザードはオーストラリアで幾何学模様は日本拠点。それなのに、2バンドはクルアンビンと同じように回ってたってことだよね？

Go　キング・ギザードとうちらは、「やるぞー！」って感じだったと思うよ（笑）。

Tomo　しかも拠点がオーストラリアと日本よ。もう世界で見たら辺境の島国なのに。オーストラリアなんて、ヨーロッパ行くのにどんだけかかんねんって。毎回15時間とか。それでうちらと同じ3〜4回やる。オーストラリアでもやるから、年間100本くらいやってると思うと、３日に1回くらい。でもそんな感じで、うちらもあんまり覚えてないくらいツアーの日々だったよね？

Go　そうそう、本当2017年にこっち引っ越してからパンデミックまでは、そんなに記憶にない（笑）。もちろん1個ずつ思い返せばちゃんと出てくるし、1年1年ツアースケジュールを見ていけばわかるけど、感覚的には本当駆け抜けていった。2020年に目覚めたらパンデミックになってた。

Tomo　うちらが最近出したミュージックビデオ（“Cardboard Pile”）の感じ。年間100ショーって、90〜100都市くらいで、わけわかんなくなってくるから。夢見てもさ、3日前に会った人と1ヶ月前に会った人が同じ空間にいたり、国も違うわけ。そういうのを車の中でずっと経験してると、もうサイケデリックな感じになるやん。

──そういう中でメンタルは大丈夫だったの？

Tomo　楽しかったからね、単純に。

Go　俺とTomoは大丈夫だけど、他の3人やバンド全体でストレスを回避できてたかはわかんない。やっぱり全員初めての経験だからさ、訳わかってなかった。俺とTomoの盲目さが逆に自信になって、ついてきてくれてた感じだから。逆に「ちょっと疲れたな」「休もう」ってなると、みんながついてこないんじゃないかなって少し思ってたかも。そんな余裕なかったね。

──俺も横から見てて、よくみんな仲良くて元気だなってずっと思ってた。

Go　それは本当に恵まれてたし、仲悪くならないように気にしてたかな。誰かの調子が悪い時、その人だけが負い目を感じないように。なるべくみんなで歩調を合わせるために、俺とTomoで引っ張ってるけど、みんなでやってる意識をずっと作ってた。

──そこがすごい。自分たちでちゃんとマネジメントできている。普通そういうのって事務所なり、マネージャーがやったりもすることが多いと思うんだけど、そういう意味でも、幾何学模様は会社みたいな感じがする。

Tomo　まさにそうだと思う。現に「幾何学模様＝会社」みたいにビジネスでやって税金も払っているし。例えば大きいレーベルに入ったりして、毎月給料をもらう安定したミュージシャンっていうより、マネジメントごとうちらのやり方で起業したような感じ。

Go　1人だけで引っ張っていくんじゃなくて、俺とTomoの2人でやってることも大きいと思う。1人が何か作業してる時に、もう1人がメンバーと話したり。そうやってみんなが固まっていく。会社っぽさも、うちらからすると、これを続けるためにはどうするかっていうマインドだった。金銭面においても、ツアーやっていくには家賃払ってちゃんと生活しなきゃいけないし、それを払っていくにはどうするか、俺とTomoで考えながらやってた。

──幾何学模様の活動を見てると、既存のバンドとかアーティストのビジネスモデルに対してチャレンジしているように見える。それがバンドの根底にあるような気がしてて。既存のものを疑って自分たちで仕組みを作ってちゃんと回せるようにする、みたいな。

Tomo　俺とGoちゃんの作る遊び場が欲しかったから。レーベルだったり、自分たちの好きなミュージシャンが集まる場所。うちらがフェスやったらそれで繋がったり、ミュージシャン以外の人とも集まれるような。レーベルに入ると、そのオーナーの遊びになる気がして。

Go　やっぱりうちらの遊ぶ場所がないのよ。いきなり「イベントやろうぜ！」って無料で渋谷で好きな友達集めてできないじゃん。何十万もかかるし、お金もみんなで集めなきゃだし。そういう時にハードルを低くして、もうちょっと気軽に遊びやすい環境をね。「こういう作品を出したい！」「ツアーしたい！」って時にそれができたり。遊びの延長が仕事になるような「ずっと遊べる遊び場」を作る意味で、自然に俺とTomoが遊びながらできたのがバンドとレーベルだったって感じだよね？

Tomo　本当そう。＜TOKYO PSYCH FEST＞（幾何学模様主催のフェス）やるのだって、サイケ聴いてる人と東京で会いたいっていう俺とGoちゃんの想いからだもんね。〈Guruguru Brain〉（幾何学模様のGoとTomoが2014年に設立したレーベル）にいる人も、アーティストとレーベルオーナーの関係じゃなくて、みんな仲良い友達の延長線だしね。そこでようやくレーベルのアイデアとか、自分のバンドもそこから出せるねって繋がってきたから。

──そんな中で遊び場を作って全力で走る3年間があってから、コロナ禍で初めてバンドは立ち止まったと思うんだけど、どんな状況だった？

Tomo　すごくこれは幸運なことだけど、パンデミック前から2020年1月のオーストラリアツアーが終わったら、うちらは休もうと思ってたから。もう4年間走り続けてきたし、アルバムもツアースケジュールの中で、もう本当に頑張って作ったし。時間かけてアルバム作りたいって気持ちもあったから。＜GREENROOM FESTIVAL＞とかのフェスは出ても、その先大きいツアーはしないって決めてた。だから偶然だったけど、思ったより長かったって感じ。

──それで言うと、2018年の4枚目『Masana Temples』とその前のEP『Stone Garden』（2017）とかは走りながら作ってた？

Go　走りながらだね。

Tomo　『Masana Temples』とかやばかったよね？

Go　あれはインドネシアとか中国でツアーがあって、アメリカで1ヶ月、そのままポルトガルに１週間くらい行って。その後録ったから、本当ツアーの合間に作った。

──じっくり時間をかけて作った作品ではない、と。その前の『House in the Tall Grass』（2016）のリリース直前もそんな感じ？

Tomo　あれぐらいから忙しくなった。

Go　そのときは作り込むアイデアも、技術もないし。出来ることだったり、やりたいなって思える知識もないから。「もっとできたな」「こういうことできたな」って感覚よりは、とにかく毎回、その時あるものを全部出してた。消化不良ではないんだけど、アルバムを録る前にリリースが決まってる精神状態をなくして作りたい、って2019〜2020年の時に話してたのよ。

今回のアルバムは1年間ゆっくり曲作って、アイデアが出るのも楽しめたのね。みんなでオランダでやったり、日本の山の中で録音したり。あとはこういうプロデューサー入れてみようとか。今まではツアーのことしか考えてなかったから、音楽を作る楽しみをもうちょっと取り戻そうとしてたって感じかな。

──『クモヨ島』の話に移るんだけど、アルバムのコンセプトとかアイデアがどこから出てきたかを聞かせてもらえたら。

Go　当時はゆっくり作るつもりだったけど、2020年に入ってコロナが広がって。でも「パンデミックも夏までには終わるでしょ」って感じだったじゃん。＜GREENROOM FESTIVAL＞も出る予定だったし。そういうのもありつつ、集まる時に曲書いたりしようとしてたけど、それがいきなり遮断されちゃってさ。みんな（Go、Tomo以外のメンバー3名は日本に在住）もこっち来れるかわかんないし、うちらも簡単に日本行けないし。ライブどころの騒ぎじゃないってなった時に「ゆっくり作ろう」って思ってたのが、「別に作んなくても大丈夫じゃん」って。「来週までにやらなきゃ」とかそういうのもなくなって、余裕ができて。余裕ができるとスペースが生まれるから、みんな色んなこと考えたりして、一生懸命曲作ってた。

今まではツアーしながら3〜４割の出来の曲をライブで試してたんだけど、ツアーがなくなったからそれができなくなっちゃって。その作り方が自然に変わってきて、スタジオで合わせずにリモートで完成させるようになったのが違いだと思うよ。

Tomo　3作目と4作目を出して海外ツアーに行ってた時は旅行先の景色だったり、その時に聴いてる音楽だったり、ツアー中に得た経験がインプットになってたの。でも今回はそれがない状態でのインプットだから、自分の家の中のものや自分の好きなものがインプットになってた。それに全部想像で作ってた感じもあるから、アルバムのコンセプトもソファだったり、家で休める空間があったりするのかな。でも家なんだけど、ツアーしてた時の記憶を辿った自分たちの軌跡も落とし込んでたから、記憶と想像の世界と現実の行き来がアルバム全体を通してあるのかもしれない。リモートだったり想像であったとしても、あれだけツアーを回ってた分、うちらがツアーでやってきたグルーヴが共有できたと思う。

──今回のアルバムを聴いてて、日本語をもじったり言葉遊びが多いなと思ったんだけど、その辺はどんな意図があったの？“Monaka（もなかの中）”とか。

Go　 “Monaka”のリリックに関しては別に書かれてないし、Tomoのインプロだからさ。

Tomo　みんなで音楽作ってた時に、自分の家でどの発音が気持ちいいかとか、「この音気持ちいいな」って出てきた。そこで割と言葉遊びをするみたいな。

Go　あれは〈LIGHT IN THE ATTIC〉っていうレーベルの企画でカバー曲を作ることになって。エラスモをやろうってなって全曲聴いたんだけど、ギターとか難しいからできる曲がアレくらいしかないのよ。あの曲だって宅録だからさ、みんなが離れた時にやったよね。

Tomo　そう。ほとんどGoちゃんがやったんじゃないかな。ウワモノは後から乗せたけど。

Go　歌詞はまずポルトガル語を日本語にすると意味わかんなくなるから英語にして。そしたら意味がわかるから、なんとなく日本語で通じるように俺が解釈して、Tomoにその場で教えて録ってもらった。

──それはバンドとしては初の試みだよね？　聴いてて新鮮だった。勢いの中で作ってたら絶対出てこないような感じだし、ライブで試すような曲でもない。そういう幾何学模様のクリエイティブな面が聴けた気がして、普段とは違う過程を経てきたからできたんだなって今思った。

Go　そうだね、録音も全部俺が弾くことは普段ないからね。みんなに弾いてもらう感じだから。

Tomo　あの曲は締め切りもあったしね。

Go　本当は4分くらいなのよ、カットされてシングル用になる予定で。あれって6分くらいあるんだけど、後ろの方に伸びてるわけ。俺は後ろの方は使わないと思って録ってるからさ。デモの勢いで適当にやってるのをTomoが「最後のところいいじゃん」って。「笛入れたらいいんじゃない？」とか意見くれて、ぐちゃぐちゃな感じがもっとカオスになったかな。尺によって曲の印象って変わるから、新鮮さはそういうところからきてるかもね。

Tomo　あとブラジル音楽って日本語で歌ってる感じが結構あるから、ちょっと歌謡曲ぽかったりもする。あとブラジルの歌は世界中の言葉でカバーされてるし。それもあったよ、日本語でやってみる案が出たのは。

Tomo　今練習してる！　しかもツアーも5月からあるから、現地行って各自練習してそのままリハでやってライブする。

Go　そもそも想像ってコンセプトの中で作った曲たちだから、ライブの演奏に関しても想像をしながらメイクセンスしてるかな。日本でやる頃には仕上がってるはず。最初の1〜２週間、アメリカで4、5回やってできるようになって、そこから「この部分ジャムしようぜ」ってみんな個人でアレンジし始めて、それからヨーロッパでやって、結構固まった状態で日本に来るから。

──じゃあ、＜フジロック＞ではさらにいい答えが見つかるってことね。

Tomo　全然できんかもしれんけどね。「あれ？　下手じゃね！？」って（笑）。うちらもライブでやってみて違うなって思うこともあるから。やってみてどうなるかは、うちらも楽しみなところ。

──アルバムタイトルの「クモヨ島」はどこから来たの？

Go　クモヨはうちらのマーチを作ってくれたよしつぐ君（YOSHITSUGU OYA／オオヤヨシツグ）って人がいて、アートワークをデザインしてもらった時に、デザインを見たら幾何学模様を「KIKAGA・KUMOYOU」ってアルファベットで分けてたのね。その分け方いいなって思って。うちらの発想じゃ絶対出てこないなって思ったし。

あとCloudsとかTemplesとかForestとかこれまでのアルバムでもそうだけど、いろんな場所をリスナーに対して想起させたいんだよね。聴きながらいろんなところにトリップするみたいな。うちら島国の出身だし、アイランド（日本）から出てきてアイランドに戻ってくるっていう自分たちの境遇にも重なったのよ。それに「クモヨ」は“幾何学模様“ってバンド名のお尻の部分でもあるから。今作が一番最後のアルバムになるし、その意味で「クモヨ」を使った。サークルがちゃんと閉じて綺麗に収まるように。

Tomo　アートワークも今までずっとイラストレーションだったけど、最終的に現実のものが入った写真になることによって、今まで記憶の中で作っていたものが「家」という現実に帰ってきたみたいな。でもやっぱり想像すれば、昔の記憶も蘇って来るし。だからそういう気持ちで聞いてくれると嬉しいです。

──最後のアルバムって話が出たから、そのあたりの話を聞かせてほしい。コロナ禍に入って、パンデミックになったけど、バンドとしては良い状態の中で作品づくりしていた最中なのに、突然の休止発表には本当に驚いた。

Go　去年パンデミック中にヨーロッパとアメリカでツアーしたんだけど、「本当にこれできんの？」っていう状態でツアーしてたのよ。毎回みんなPCR検査とワクチン受けなきゃいけないし、不安もいっぱいあったし。実際会場に来てみてライブやるってなっても、野外で椅子に座って鑑賞するみたいな。俺が風邪引いた時も「コロナじゃね？」って。すぐ薬局行ってセルフテストして、とかそういうストレスも大変だった。次のアルバムを考えた時に、これを続けていくってことは同じサイクルになっちゃうと思ったのね。今5枚目だけどアルバム作ってツアーしてっていうサイクルを今後10枚目までやるのか？　とか考える時間もできたし。

Tomo　Goちゃんと俺がバンド始めた時には世界中で出会えると思ってなかった素晴らしい人たちにも出会えて、いろんなことを共有できたし、勉強もできた。いろんなファンに愛されて、独立してもサポートしてくれて。やってきたなかで、全部自分たちの目標にしてたことを達成できたのが、活動休止の理由としては一番大きいかな。

Go　今まではこういうとこ出たいとか、キャパ大きくして、とかだったのよ。そこに100％向き合ってきたけど、それを今度は50、60％の向き合い方で生活できるのか、とか。そういうアジャストメントをした時、ロケットの状態であとどれだけ出来るんだろうと思った。アメリカだともう5、6回目だから新鮮味もなくなって、ルーティンに入ってくようになってるわけ。ルーティンになって、生活のため、仕事のためとかってやってると、どんどん遊び場がなくなってきて。ふざけながらトリッピーな感じで制作することが楽しかったのに、だんだん「何のためにやってるんだろう」……とまでは言わないけど、それに近いことも考えたし。自分たちのキャパを考えた時に、どれくらいのキャパが自分たちに合うのかもだんだんわかってきたんだと思う。

──これ以上大きくなったら自分たちが作ろうとしてた場所や遊び場より、そうじゃないことに向き合うことが増えてきたってこと？

Tomo　それが悪いわけではないし、なろうと思ってもなれるかどうかはわからないけど、そこの魅力より、自分たちがいいなと思う場所を見つけられたことが素晴らしいことだと思うから。自分たちが一番最高の状態で終われると、うちらはすごく嬉しいし。バンド始めた当初から全員友達で、多少喧嘩しても仲直りできる関係のまま、これだけツアーやってきても続けられている状態で、ドラッグやアルコール中毒にもならずに健康でいれて幸せですよ。

Go　逆にいうと、このままずっと続けてたらその関係性が変わるかもって感じたこともある。大きくなっていって何千人っていう規模でやるってなると、変わらなくちゃいけない。やりたいことが一番最初のエネルギーと変わってるから。パンデミックの状況下だと、これだけ離れてて普段一緒に遊べてなかったり、１週間に1回電話したりするだけだし、バンドのこと以外話す暇ってなくて仕事っぽくなるから。その感じで進めていっても、また次の壁があるしさ。

2人（Go、Tomo）がこっちにいて、あと3人が他の場所にいる環境で、次の成長につなげていくためにもう一度メンバーみんなと合わせてやることになった時、続けていくのは相当なエネルギーが必要だと感じたのよ。そのエネルギーが俺とTomoの中から溢れて、もう1回出来るかってなると、気持ちだけだとどうしようもない部分があって。そんな時にちょっと立ち止まって気づいたらもう10周年じゃね？　って。

Tomo　10年やれれば区切りとして気持ちいいし。ロックバンドとして10年やって次のステップに挑戦できるのもすごく楽しかったし、だからといってステイしたくないからね。うちら若い頃、上の世代に「早く交代しろよ」って思ってたから、自分たちがそこにステイするよりかはうちらの場所を空けて、うちらの音楽を好きな若い人たちがそれを原動力にして、空いた穴に入ってくるスペースを作りたい。それをここまで経験できたバンドとしてやるべきかなって俺は思う。若いバンドが出てくるのもすごく楽しみだし、応援したい。そうやって音楽はどんどん興味深くなっていくものだし、世代を通して化学反応が見られるのはすごく楽しいことだと思う。

Go うちらもそんなバンドが上にいて、教えて欲しかったよね。そういうバンドが当初いたら、もっと早く行けてたっていうのもあるし。

──初めは納得してなかったんだけど、こうやって改めて2人の話を聞いたら腑に落ちた。今後の2人の展望は？

Tomo　今って昔よりかは世界中の色んな地域の音楽がピックアップされるようになってるし、日本の音楽も昔と比べたらもっと浸透するようになってると思うのね。アジアの音楽もインターネットが普及してより世界に浸透してきて、海外に出るようなバンドも多くなってきているし。今後もっとそういう世界が広がるように、音楽とアートを通して何か新しいことをやっていければいいなって思ってる。いろんな文化が混ざり合って、いろんな音楽を見たり聴いたりできるような。でも具体的にはまだ分かんないかな。

バンドやめても5人でジャムしてるかもしれないし。幾何学模様っていうプロジェクトは終わって、また違う形でスタートしてるかもしれない。しかも、コロナも終わって時代も変わってくるから、新しい音楽もでてくると思うし、そういうのをこれから見たいと思ってる。それ以前に今年が楽しみかな。

Go　 バンドが終わるって言っても今年は一番ロケット乗らなきゃいけないから。実はガチガチでツアーがあるから、それが全部終わった時にスペースがみんなに生まれると思う。その時にもう1回この話をしたらまた違うビジョンがあるかもしれない。今はなんとなくやりたいことはあるけど、具体的なビジョンを考える余裕は今ないかな。

──＜フジロック＞でもしかしたら初めて聴く人もいるかもしれないし、今まで聴いてきてくれてる人も来てくれると思うから、そういう人たちに向けて何かメッセージを。

Tomo　楽しんでくれたら嬉しいよね。

Go　“Don't take it seriously.（重く捉えないで）”っていうのはある（笑）。バンドなんていくらでもいるし、10年以上やってるバンドもいくらでもいるし。いろんなバンドがあるから、バンドが終わるなんて日常茶飯事だし、そこまでシリアスなことじゃない。友達じゃなくなって喧嘩して終わるとか、誰かが病気になってとかじゃないからさ。最後だけど、こういうバンドがいたんだな、いるんだな、ぐらいでうちらはいいかな。この5人、友達でやってていいな、おれも友達とやりたいな、とか。素人で始めたんだ、素人でもこういう風にできるんだって思ってくれたらいいけど。それって始めた当初から変わってないからさ。最後だから、特別にこういう風に聴いてほしいっていうよりも、やっぱり楽しんで聴いてほしい。

トランスコスモスが掲げた新しいオフィスのコンセプトは、「Open & humanity」。リモートワーク中心の業務スタイルを進める中で課題となる、発想・アイデア、信頼関係、共同ワーク、雑談の4つに対する活用が想定されています。オンラインにはまだない臨場感や、垣根のない情報共有や情報発信をテーマにした7Fは、まだ知らないモノゴトとの出会いを促し、仕事に必要なインスピレーションを得ることができるフロアとなっています。 在宅体制にシフトしているため、受付に置いてあるのはiPad1台のみですが、そのスクリーンには「WE ARE OPEN.」の文字が。そこには、開店しているよ、という意味と、このフロアの「Open & Humanity」を体現するために、自分たちはOPEN（な姿勢）だよ、という2つの意味が込められているそう。その言葉通り、エントランスからはガラス越しにフロアの様子が一望できます。オフィスの内部には一切壁や扉がなく、天井までもスケルトンに統一された「オープン」な空間が広がります。

フロアに入って、すぐに目に飛び込んでくるのが、上品ながら遊び心のある家具の数々。「Simple & Flexibility」をテーマにしたこの家具は、椅子を除いてソファや本棚やテーブル全てを岩沢兄弟の手によってオリジナルで製作されました。弧の形で統一されたソファ、本棚、カウンター、パーティションは全て同じアーチ状のデザインとなっていて、自由自在に組み合わせ可能。シーンに合わせて使い方を変えられるようになっています。

フロアの中心には、プロジェクター3台を利用し合成させた大型サイネージを配置。専用のiPadで操作することでPCの画面やTVも流すことができるので、イベント・セミナーやチームミーティングを実施したり、スポーツ大会を流すこともできるそう。

その他にも、フロア内にはいくつか特徴的なエリアが設けられています。セミナーやチームミーティングにピッタリな、スタジアムの観覧席のような座席が設置されたスペース、眺めの良い窓際席、大型のテーブル席、本棚を向かいに設置したバーカウンターのようなスペースなど。いずれの場所もポップかつオシャレでありながら、密を避けるためのゆとりにも配慮された、快適性と機能性が両立するエリアとなっています。

今回、Qeticがトランスコスモスの新オフィス7Fに用意した仕掛けは、ART・BOOK・MUSICの3つ。仕事にインスピレーションや刺激をもたらし、モチベーションを上げてもらうべく、一目見ただけでその全体像から一気に脳に刺激が流れ込む強力なツール『ART』、書いた人の人生や先人の知恵が、読むだけで共有できる優れたツール『BOOK』、人の気持ちに寄り添い、その時の感情をプラスにもマイナスに増幅してくれる不思議なツール『MUSIC』の3点をチョイスすることに。第一線で活躍するアーティスト・クリエイターの方々とコラボレーションして、それぞれの部門で作品提供・選出にご協力をお願いしました。

オリジナルで制作された木製ブースの内側を色彩豊かに飾るのは、気鋭のイラストレーター・デザイナーによるウォールプリント。JUN OSON、GraphersRock、Utomaru、WALNUTがユニークな感性を表現してくれました。

こちらはあえてテーマを指定せず、アーティストのインスピレーションを重視したデザインをお願い。オフィスに彩りを加え、社員のクリエイティブな面を刺激するアート作品群となっています。

GraphersRock / アートディクター・グラフィックデザイナー 岩屋民穂によるデザインプロダクション。インディーズからメジャーレーベルまで様々なCDジャケット、音楽まわりのデザインを中心に、アパレル、広告等、幅広い分野にアートワークを提供。様々な企業、ブランドとのコラボレーションでプロダクトを展開し続けている。

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コメント： グラフィックという表現の根源を辿っていくと、様々な宗教画や記録画などの壁画にたどり着き、ここから私は多くのインスピレーションを得てきました。そんな壁画のマナーを抽出したグラフィックをオフィスにインストールすることで、また別の誰かのインスピーションの源になれば幸いです。

JUN OSON / イラストレーター・アーティスト 鎌倉市在住。広告やアニメを中心に装丁や挿絵、グッズデザインなどジャンルを問わず幅広く活動中。主な仕事にメトロ文化財団が制作する「東京メトロマナーポスター」、NHK Eテレ「あはれ！名作くん」キャラクターデザイン、星野源ツアーグッズデザイン、ZARAとのコラボレーションなどがある。最近では北京でも個展を行うなど、オリジナルアートワークの制作にも力を入れている。

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コメント： 二人が掴もうとしているもの、それは集中力。できる人、できない人の差は集中力のコントロールに左右されると思っています。集中するときはギュッと集中して、休むときはできる限り弛緩させる。ダラダラしてても、あまりのめり込み続けるのもよくありません。こちらがコントロールするのです。掴むのです。

Utomaru（THINKR） / イラストレーター・アートディレクター 日米のポップカルチャーの影響を色濃く受けたキャラクター造形と色彩表現が特徴の作家。CDジャケット、MV、雑誌への作品提供から、キャラクターデザイン、コスチューム原案、漫画制作、プロダクト開発など幅広く活動中。アメコミを彷彿とさせるポップなイラストレーションで、ポップカルチャーシーンで活躍するアーティストへのアートワーク提供も行なう。

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コメント： オフィスは透明な器のようなもので、その中でどんな人たちが働いているのかによって様々なカラーに変化していくものではないでしょうか。時間や場所が変わっても、いつも刺激的でありながらも心地よい、働くあなたのための空間であれば良いなと思っています。

WALNUT / イラストレーター・アーティスト 東京都在住。ノルウェー・南アフリカ・スペインなど世界各国のミュージシャンのグッズデザインを担当するほか、さまざまなファッションブランドのイベントにイラストが起用されるなどジャンルを問わず幅広く活動中。 2018年から世界中を旅しながら制作を続けている。

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コメント： アートウォールが設置されるスペースから、自分とは違った個性を持った人たちとの色々な意見の交換や交流を通してあたらしいものが生まれる、というイメージで今回このイラストを描かせていただきました。この場を通していい流れができたらいいなと思います。 中央にいる男性の洋服に、ワンポイントでトランスコスモスさんのロゴが入っているところもぜひチェックしてほしいです。

フロアのいたるところに配置したのは、様々な業種・業界で活躍する選者にセレクトをお願いした本の数々。選書してくれたのは、池澤あやか（ソフトウェアエンジニア・タレント）、市原えつこ（メディアアーティスト・妄想インベンター）、尾崎世界観（ミュージシャン・小説家）、草野絵美（アーティスト・タレント）、コムアイ（歌手・アーティスト）、佐藤健寿（フォトグラファー）、たなか（アーティスト・俳優・やきいも屋）、ヨシダナギ（フォトグラファー）の8名です。

選書にあたっては、枠外のインスピレーションとなるべく、「Creative」「Vitamin」「Social」という3つのテーマでお願いしました。各選者が影響や刺激を受けた本は、小説、エッセイ、研究書、ビジネス本、漫画、写真集などなど、多岐にわたる並びとなりました。また、それぞれの本について、どのように刺激を受けてどう感じたのか、選者本人からコメントも頂いています。

池澤あやか / ソフトウェアエンジニア・タレント 1991年7月28日 大分県に生まれ、東京都で育つ。慶應義塾大学SFC環境情報学部卒業。2006年、第6回東宝シンデレラで審査員特別賞を受賞し、芸能活動を開始。現在は、情報番組やバラエティ番組への出演やさまざまなメディア媒体への寄稿を行うほか、フリーランスのソフトウェアエンジニアとしてアプリケーションの開発に携わっている。著書に『小学生から楽しむ Rubyプログラミング』（日経BP社）、『アイデアを実現させる最高のツール　プログラミングをはじめよう』（大和書房）がある。 Twitter｜Instagram コメント： 自分の中のものづくりの新しい扉を開いてくれたと感じた書籍を中心に選書してみました。「三万円で日々暮らす家が立つ？！」「手芸に電子工作要素加えると、新しいなあ」「私が大好きなあのビール会社はこんなふうにできたんだ」等々、私自身驚きながら読み進めた本ばかりです。アイディアのイマジネーションを広げる参考にぜひ読んでみてください。

市原えつこ / メディアアーティスト・妄想インベンター Yahoo! JAPANでデザイナーとして勤務後、2016年に独立。日本的な文化・習慣・信仰を独自の観点で読み解き、テクノロジーを用いて新しい切り口を示す作品を制作する。アートの文脈を知らない人も広く楽しめる作品性と、日本文化に対する独特のデザインから、国内外から招聘され世界中の多様なメディアに取り上げられている。主な作品に、家庭用ロボットに死者の痕跡を宿らせ49日間共生できる「デジタルシャーマン・プロジェクト」など。第20回文化庁メディア芸術祭エンターテインメント部門優秀賞、世界的なメディアアート賞であるアルスエレクトロニカで栄誉賞など受賞多数。2025大阪・関西万博の日本館基本構想策定に有識者クリエイターとして参画。

HP｜Twitter コメント： 会社員時代、規律正しい日々や身の周りの常識に息苦しさを覚えた時には「わからなさ」「謎」「世界の不条理」に触れることで安らぎを得ていたことを思い出し、過去や未来など遠い時間軸の文化や、異国の人々の視点を追体験できそうな本を中心にセレクトしてみました。お忙しい日常からひととき抜け出し、世界を新鮮な目で見つめ直すための処方箋になれば嬉しいです。

尾崎世界観 / ミュージシャン・小説家 1984年、東京都生まれ。ロックバンド「クリープハイプ」のボーカル・ギター。2012年、アルバム『死ぬまで一生愛されてると思ってたよ』でメジャーデビュー。2014年、2018年に日本武道館公演を開催し、音楽シーンを牽引する一方、2016年には半自伝的小説「祐介」を刊行するなど、執筆活動でも注目を集める。 Twitter

草野絵美 / アーティスト・タレント 1990年、東京生まれ。慶應義塾大学環境情報学部卒業。東京藝術大学非常勤講師。歌謡エレクトロユニット《Satellite Young》を主宰。歌唱・作詞作曲・コンセプトワーク・MVディレクションを担当しており、2017年には世界最大の音楽フェス「SXSW」に出演。個人の活動としては、テクノロジーと人をテーマにメディアアート作品を手掛ける傍ら、広告代理店勤務の経歴を活かし、コンセプトプランニングやミレニアル向けコンテンツのコンサルティング、執筆、コメンテーターとしても活動。Adobe「Premier Rush CC」のWEB CMに起用されている他、BS日テレ「SENSORS」では、2018年度MCアシスタントを担当。

HP｜Twitter｜Instagram コメント： 古典のSF小説から世の中の事象をキャッチアップするための新書まで、未来を見据えて世界と向きあえる本を選ばさせていただきました。 私自身もこれらの本を通して、変化は避けられないことを胸に刻み、知的好奇心を持ち続けられるそんな大人でいれることを目指したいと思います。

コムアイ / 歌手・アーティスト 1992年生まれ、神奈川育ち。ホームパーティで音楽活動の勧誘を受け歌い始める。「水曜日のカンパネラ」のボーカルとして、国内だけでなく世界中のフェスに出演、ツアーを廻り、その土地や人々と呼応しながらライブパフォーマンスを創り上げている。好きな食べ物は南インド料理。趣味は世界各地に受け継がれる祭祀や儀礼を見学すること、唄や踊りを習うこと。音楽活動の他にも、モデルや役者、ナレーターなど、様々なジャンルで活動している。 2019年4月に屋久島からインスピレーションを汲み上げながらプロデューサーにオオルタイチを迎えて制作したEP「YAKUSHIMA TREASURE」をリリース。同名のプロジェクト「YAKUSHIMA TREASURE」のワンマンライブ映像がYouTubeにて公開中!

HP｜Twitter｜Instagram｜YouTube コメント： 自分の本棚を見返して、新しい世界を開いてくれたとおもう本を選びました。仕事の合間に少し時間があるとき、手に取りやすいのは写真や絵が多いものかなと思い多めにしています。

佐藤健寿 / フォトグラファー 世界各地の“奇妙なもの”を対象に、博物学的・美学的視点から撮影。著書は写真集『奇界遺産』、『世界不思議地図』など多数。

HP｜Instagram コメント： 選書テーマは「視点を広げる」こと。クリエイティヴに行き詰まった時に程よくアイデアを探すための単なる「便利なネタ本」ではなく、思考の射程そのものを広げる上で参考になりそうな書籍を集めました。

たなか / アーティスト・俳優・やきいも屋 98年生まれ。やきいも屋。文筆業なども行なっている。前職はぼくのりりっくのぼうよみ。

HP｜Twitter｜Instagram コメント： すこし気を抜くと、馴染みあるものだけで世界を作ってしまう。見えない壁のようなものを張り巡らせて生きてしまう、僕たちはそういう生き物だと思います。 だから、いまの自分との距離があればあるほど、触れる価値があるはず。 短編を主に、小説、漫画、短歌集、哲学書と様々なジャンルの書籍を選びました。クリエイティブの直接のきっかけにはならずとも、無数の世界がすぐそばにあることを思い出せるように。個人的には、天球儀がとても好きです。絵も物語も独特の手ざわりがある。古いのにずっと新しい。

ヨシダナギ / フォトグラファー 1986 年生まれ。独学で写真を学び、2009年より単身アフリカへ。以来アフリカをはじめとする世界中の少数民族を撮影、発表。唯一無二の色彩と直感的な生き方が評価され、2017年には日経ビジネス誌で「次代を創る100人」、雑誌PEN「Penクリエイター・アワード 2017」へ選出。講談社出版文化賞 写真賞を受賞。2025年大阪・関西万博では公式ロゴの選定委員に就任。近年は阿寒湖イコロシアター「ロストカムイ」キービジュアル撮影。山形県「ものつくり」プロモーションのムービーディレクション、タヒチ航空のプロモーションビジュアル撮影など、国内外での撮影やディレクションなどを多く手がける。

HP｜Twitter｜Instagram コメント： 『視点を変えると、世界のあり方が変わる』 そんな示唆を与えてくれる本たちをセレクトさせていただきました。 知らない間に視点が固定されてしまっていないかという 自己確認も込めつつ、皆さまにもご紹介させていただきます。

フロアに流れるBGMは、水曜日のカンパネラでメンバー兼サウンドプロデューサーとして活躍するKenmochi Hidefumiの特別書き下ろし。「気持ち良さ」「透明感」「さわやかさ」というキーワードをもとに制作された音楽は、さりげなくも瑞々しく洗練されたインストで、仕事のお供にピッタリです。

Kenmochi Hidefumi / サウンドプロデューサー・トラックメイカー・作詞家・作曲家 2000年代より『Kenmochi Hidefumi』名義でインストゥルメンタルの音楽を作り、クラブジャズ系のシーンで活動。Nujabes主催のHydeout Productionsよりアルバムをリリースした。2012年よりポップユニット＜水曜日のカンパネラ＞を始動。それまでのクールなイメージとは一線を画した路線で、作詞作曲を含めサウンドプロデュース兼メンバーとして所属。ベースミュージックを経由した中毒性の高いトラックと独創的なリリックを組み合わせ、新境地を開拓する。現在は新人アーティストxiangyuの全面プロデュースも手掛けながら、2019年5月に自身の9年ぶりのニューアルバム『沸騰 沸く ～FOOTWORK～』をリリースし勢力的に活動を再開。2020年6月26日にデジタルアルバム『たぶん沸く〜TOWN WORK〜』をリリース。

HP｜Twitter コメント： オフィスのBGMを担当させていただきました。 制作を始めるにあたり、まず最初にオフィスのイメージ資料をいただいたのですが、ノビノビとした開放感、自由な空間設計に驚きとワクワクを感じました。こんな場所でこんな音楽が流れていたら、きっと楽しく仕事や打ち合わせができるだろうなぁと想像を巡らせながら作成しました。 ゆったりとしたグルーヴとメロディでリラックスしつつ、時折出てくるちょっと荒削りで遊び心のある音で、ユニークな発想や新しいアイディアを刺激してもらえればうれしいです。

選曲してくれたのは、大比良瑞希、紗羅マリー、オカモトレイジ（OKAMOTO’S）、AAAMYYY、CHAI、chelmico、D.A.N.、Kan Sano、mabanua、tofubeats、U-zhaanの11名。同じシーンでも選曲者によって全くイメージが異なるプレイリストになったのはもちろんのこと、それぞれの選曲に込められた本人からのメッセージも掲載されています。

AAAMYYY SSW/トラックメイカー。2017年からソロとしてAAAMYYY(エイミー)名義で活動を開始。2018年6月に”Tempalay”に正式加入。国内外の様々なアーティストとのコラボレーション、木村カエラ、DAOKO等への楽曲提供、CM歌唱提供等幅広い活動で注目を集める。2017年から2018年にかけてEP3部作「WEEKEND EP」「MABOROSI WEEKEND」「ETCETRA EP」をテープ＆配信でリリース。2019年2月6日(水)に待望の1stフルアルバム「BODY」、2020年5月に配信シングル「HOME」、7月に「Leeloo」9月に「Utopia」をリリースしている。

HP｜Twitter｜Instagram コメント： オフィスでコーヒーを飲んで一息ついたり、会議室でアイデアを絞り出したり、趣味や好きなことを考えているときに閃きに導かれることがある。凝り固まった形式に囚われる前に、いったん陽気な音楽でも聞いて脳を少しリラックスさせれば、自分の中にあるアイデアたちがうずうず外に飛び出したくなるかもしれない。眉間のシワをほぐして肩の力を少し抜くための優しくて陽気な曲たちを集めました。

大比良瑞希 東京出身のシンガーソングライター。2015年、ミニアルバム「LIP NOISE」のリリースでソロ活動をスタート。2016年、1stフルアルバム「TRUE ROMANCE」をリリース。2017年「アロエの花」「Real Love」「見えない糸」 の連続配信が人気を博し数々のプレイリストに選ばれバイラルヒット。 冷静と情熱のあいだとでもいうべき、感情的でもありクールにも響く温度感のある歌声と、エレキギターを爪引きながら歌うという独自のスタイル。それが唯一無二の世界観を描き、聴くものを楽曲の中に逃避させる。 その音楽への評価は高く、「FUJI ROCK FESTIVAL」や「SUMMER SONIC」「GREENROOM FESTIVAL」などの大型フェスへの出演も多数。CMへの楽曲提供や、tofubeats、LUCKY TAPES、Gotch、STUT+ABS、Awesome City Clubなど、様々なアーティストのサポートなど多岐に渡って活躍。 2020年6月3日には待望の2ndアルバム「IN ANY WAY」をリリース。親交の深い七尾旅人とのデュエット・ソング『ムーンライト』や、客演を務めた蔦谷好位置のプロジェクト “KERENMI”の 『からまる』(テレビ東京・木25ドラ「電影少女-VIDEO GIRL MAI 2019-」主題歌)、tofubeatsプロデュースの『無重力』、さらにはフィッシュマンズの大名曲「いかれたBABY」のアダルトなムード漂うレゲエカバーなども収録されるほか、各方面でそれぞれ大活躍のバンドメンバーを率いたオリジナル楽曲に、エレキギターのリフが特徴的な一人弾き語りの曲まで、バライティ豊かなベスト盤のような仕上がり。ソウルフルかつオルタナティヴな新時代のシティ・ポップを紡ぐサブスクリプション・ストリーミング時代を体現するシンガーソングライターとして注目を集めている。 2020年10月21日には、尾崎裕哉の1stフルアルバム『Golden Hour』の中の2曲を、大比良瑞希がゲストボーカル参加も務めた。

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オカモトレイジ（OKAMOTO’S） 1991年生まれ、東京都出身。中学校の同級生で結成された4人組ロックバンドOKAMOTO'Sのドラマー。2010年CDデビュー。デビュー当時は年間平均100本を超えるライブを展開し、海外公演等も積極的に実施。幅広い音楽的素養を生かし、DJとしても活動中。 さらにファッションモデルとしての活動やMVのプロデュース、また、自身でエキシビジョンを手がけるなど、クロスジャンルな活躍で現代のカルチャーシーンを牽引。 2020年には、OKAMOTO'S初のベストアルバム「10'S BEST」をリリースし、フジテレビ“ノイタミナ”ほか各局で放送されたTVアニメ『富豪刑事 Balance:UNLIMITED』のエンディング・テーマ「Welcome My Friend」を含むEPを8月26日にリリースをし、ますます加速を続け精力的に活動している。 Twitter｜Instagram｜YouTube

Kan Sano キーボーディスト／プロデューサー。バークリー音楽大学ピアノ専攻ジャズ作曲科卒業。 リリースした4枚のソロアルバムや、メンバーとして参加している“松浦俊夫 presents HEX”は国内のみならずアジア、ヨーロッパでもリリースされ話題となり、FUJI ROCK FESTIVAL、RISING SUN ROCK FESTIVAL、朝霧JAM、Monterey Jazz Festival、フランス World Wide Festivalなど国内外の大型フェスに出演。 新世代のトラックメイカーとしてビートミュージックシーンを牽引する存在である一方、ピアノ一本での即興演奏ライブも展開。ジャズとクラシックを融合したような独自のスタイルが話題となっている。 プロデューサー、キーボーディスト、リミキサーとしてChara、UA、平井堅、絢香、m-flo、SKY-HI、七尾旅人、Uru、SING LIKE TALKING、土岐麻子、大橋トリオ、藤原さくら、RHYMESTER、KIRINJI、iri、向井太一、Mrs. GREEN APPLE、SANABAGUN、Seiho、佐藤千亜妃 (きのこ帝国)、Shing02、そしてMadlib、Eric Lau、Ruth Kolevaといった海外アーティストまで、国籍もジャンルも越えてライブやレコーディングに参加。 さらにカネボウ、TOYOTA、LION、カルピス、CASIOなどのCM音楽やLINEとのコラボ曲リリース、J-WAVEのジングルなど、様々な企業に楽曲を提供。 2020年11月、ニューアルバム『Susanna』をリリース。 “Kan Sano”の名は、様々なシーンに破竹の勢いで浸透中！

HP｜Twitter｜Instagram コメント： 生活に溶け込みやすい音楽ってありますよね。まず日本語じゃない方がいい。言葉が聴き取れない外国語の方が耳の意識を持っていかれずに仕事に集中できます。歌い方がウィスパーだと更に良いです。インストも良いのですが、今回は敢えてボーカル曲のみでまとめました。ボーカルも含めてすっと身体に入って抜けていくようなサウンドで、程良く乗れるアップテンポの曲を選びました。

紗羅マリー 1986.12.12生まれ 愛知県出身164cm。 2015年まで10年間「ViVi」専属モデルを務めて卒業。多数の雑誌やショーに出演し、同世代から絶大な人気を誇る。 現在は「InRed」「Gina」に出演中で、ハイブランドからのイベント出演オファーが絶えない。女優としてもミュージカル「RENT」（2017年）でデビューし、映画「ニワトリ☆スター」（2018年）で初出演・初ヒロインを見事に演じた。 一方、自身のアパレルブランド「irojikake」のデザイナーとして、バンド「LEARNERS」のシンガーとして、1児のママとして、多岐に渡って精力的に活動中。 Twitter｜Instagram コメント： そこが どれだけ人が居ようと 静かな自分だけの空間に 私が聴いている楽曲をプレイリストにしました。 暖かいココアを飲みながら 結露した窓を眺めて 静かに静かに仕事をする。 私の１年で一番好きな時間 一番静寂な時 集中が切れた時に聴いてみてください。 ゆったりとしたメロディーに 女性たちの揺れた生々しい声 きっと自然に整い仕事に戻れるはずです。

D.A.N. 2014年、櫻木大悟(Gt,Vo,Syn)、市川仁也(Ba)、川上輝(Dr)の3人で活動開始。2016年4月に1sアルバム『D.A.N.』をリリースしCDショップ大賞2017の入賞作品に選出。7月には2年連続でFUJI ROCK FESTIVAL’16に出演。2017年2月にJames Blakeの来日公演でO.Aとして出演。 4月にはミニアルバム『TEMPEST』をリリース。11月に初の海外公演をLONDONで行い、滞在中にはFloating Pointsのスタジオで制作活動を行う。現地のジャイルス・ピーターソンのラジオ番組〈Worldwide FM〉に出演しスタジオライブを敢行。2018年2月、UKのThe xx来日東京公演のO.Aを務める。5月にUK TOURを敢行し“THE GREAT ESCAPE’18″に出演。7月には2ndアルバム『Sonatine』をリリースしFUJI ROCK FES’18へ3度目の出演。9月からのリリースツアーは、上海、北京、深圳、成都、台北、高雄、バンコク、香港Clockenflap Fesなど出演含むASIA TOUR、日本国内9都市と全17箇所を巡り、ファイナルは初の新木場スタジオコースト公演をSOLD OUTで終える。 2020年は最新曲を、Mogwai、Airhead、食品まつりがRemixを手掛け3週連続でリリース。またユニクロやNOVAのCM楽曲や、Netflixで全世界配信された渡辺信一郎監督による「キャロル＆チューズディ」の劇中楽曲の制作、D.A.N.として、UKのElder Island、カクバリズムのVIDEOTAPEMUSICのRemixを制作するなど外部の創作活動も精力的に行う。不定期で行う自主企画〈Timeless〉ではこれまでLAからMndsgn、UKからJamie Isaac、デンマークのErika de Casierなど海外アーティストを招聘して開催している。

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chelmico RachelとMamikoからなるラップユニット。2014年に結成。 インディーズで2作を残し、2018年にワーナーミュージック・ジャパンよりメジャーデビュー。 ライブの評価も上がりワンマンツアーは軒並みSOLD OUTに。 2020年、NHKアニメ「映像研には手を出すな！」のOPテーマ「Easy Breezy」が話題となる。 全国ワンマンツアー、夏フェスが相次ぐ中止となる中、最新アルバム「maze」リリース。

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CHAI ミラクル双子のマナ・カナに、ユウキとユナの男前な最強のリズム隊で編成された4人組、『NEO - ニュー・エキサイト・オンナバンド』、それがCHAI。 2017年1stアルバム「PINK」が各チャートを席捲、音楽業界を超え様々な著名人からも絶賛を受ける。2018年には日本テレビ系「バズリズム02」の「コレはバズるぞ2018」1 位、第10回CD ショップ大賞2018 入賞など、各所より高い評価を得る。 3rd EP「わがまマニア」はApple Music/ iTunesオルタナティブランキング1位を獲得。 海外の活動も活発で、2018年2月にアメリカの人気インディーレーベルBURGER RecordsよりUSデビュー、8月にイギリスの名門インディーレーベルHeavenly RecordingsよりUKデビューを果たし、4度のアメリカツアーと、2度の全英ツアー、アメリカ、ヨーロッパ各国のフェスへの出演、中国・香港・台湾・韓国などアジアツアーも果たす。 2019年2月13日にはタイアップ曲など話題曲満載のセカンドアルバム「PUNK」をリリースし、世界の音楽ファンから最も信頼を受ける音楽サイトPitchforkで8.3の評価を得たのを筆頭に、様々な音楽サイトで軒並み高評価を獲得し、アメリカ、UK/ヨーロッパ、日本を回る初のワールドツアーを大成功に収める。 また2020年1月には世界的なスターMac DeMarcoのオーストラリアツアーのサポートアクト、1月から2月にかけては世界から絶賛されているUSインディーバンドWhitneyのサポートアクトに抜擢される。 彼女たちに触れた君の21世紀衝撃度No.1は間違いなく『NEOかわいい』バンドCHAIだよ！

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tofubeats 1990年生まれ神戸出身。中学時代から音楽活動を開始し、高校3年生の時に国内最大のテクノイベントWIREに史上最年少で出演する。 その後、「水星feat.オノマトペ大臣」がiTunes Storeシングル総合チャートで1位を獲得。 メジャーデビュー以降は、森高千里、の子（神聖かまってちゃん）、藤井隆ら人気アーティストと 数々のコラボを行い注目を集め、4枚のアルバムをリリース。 ドラマ「電影少女-VIDEO GIRL AI 2018-」や映画『寝ても覚めても』の主題歌・劇伴を担当するなど活躍の場を広げ多方面で注目されている。 2020年は3月27日にデジタルミニアルバム「TBEP」を発表し、8月にはシカゴハウスの名門レーベル〈DJ INTERNATIONAL〉のTC Crewに所属するTyree Cooperのカバー楽曲「I CAN’T DO IT ALONE」をデジタルリリース。 9月4日には「RUN REMIX (ft. KREVA & VaVa)」を含むミニアルバム「RUN REMIXES」を発表。

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mabanua 日本人ドラマー／プロデューサー／シンガー。 ブラック・ミュージックのフィルターを通しながらもジャンルに捉われないアプローチで全ての楽器を自ら演奏し、国内外のアーティストとコラボして作り上げたアルバムが世界各国で話題に。また、プロデューサーとして100曲以上の楽曲を手がけ、多数のCM楽曲や映画、ドラマ、アニメの劇伴も担当。 またToro y Moi、Chet Faker、Madlib、Thundercatなど海外アーティストとも多数共演。 さらに、Shingo Suzuki、関口シンゴとのバンド “Ovall” としても活動し、大型フェスの常連となっている。

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U-zhaan オニンド・チャタルジー、ザキール・フセインの両氏からインドの打楽器「タブラ」を師事。00年よりASA-CHANG&巡礼に加入し、『花』『影の無いヒト』など4枚のアルバムを発表。10年に同ユニットを脱退後、U-zhaan × rei harakamiとして「川越ランデヴー」「ミスターモーニングナイト」等をリリース。14年には坂本龍一、Cornelius、ハナレグミ等をゲストに迎えたソロ名義のアルバム『Tabla Rock Mountain』を発表した。17年に蓮沼執太との共作アルバム『2 Tone』をリリース。20年はインド・アーメダバードで開催されたインド音楽フェス「Saptak Annual Festival of Music」に出演した。最新リリースはBIGYUKIとの共作曲「City Creatures」。

HP｜Twitter｜Instagram コメント： 「仕事のひらめきにつながるプレイリスト」とのことなので、普段はあまり聴かないような音楽を耳にすることが発想の転換を生むのではと考え、思い切って北インド古典音楽のみのセレクトにしてみました。お役に立てたらいいのですが。しばらく流していれば、少なくとも「そうだ、今日の夕飯はカレーにしよう」というひらめきには繋がるかもしれません。

このプレイリストは、Spotify上で公開しており、リモートでもオフィスでも同じ音楽を聴いて体験を共有できるという、新しい繋がり方の提案にもなっています。

現在、急激に働き方が変わる中で、オフィスが果たす役割も自然と変わりつつあります。新たな価値・新たなサービスを生み出すために、枠外からのインスピレーションや刺激をもらえる新しいオフィスの形を――。トランスコスモスの新オフィスには、そんな想いとアイデアが詰まっていました。

──Michael Kanekoさんはあいみょんさんのファーストアルバム『青春のエキサイトメント』に収録されている“RING DING”にサウンドプロデュースとアレンジで参加されていますね。 あいみょん　制作がとても楽しかったことを覚えています。キャラクターとして、マイキーさん（Michael Kanekoの愛称）ってすごく印象に残る方じゃないですか？　とりあえず、英語が話せるから、とにかく発音を教えてもらいました。「マクドナルドって言って」とか（笑）。 Michael Kaneko　英語の先生みたいになってました（笑）。 あいみょん　逆に「漢字は難しい」って言ってましたよね？　すごく覚えてるのが、“RING DING”は元のタイトルが「元気が出る歌」だったんですけど、レコーディングのときに譜面を見たら「THE GENKI SONG」って書いてあって、それが忘れられないです（笑）。

──Michael Kanekoさんはあいみょんさんに対してどんな印象を持ちましたか？ Michael Kaneko　まず歌がとても上手いなって思っていました。レコーディングのときって、僕の場合だとパート毎に分割して歌って、気になるなって思ったらパンチインしたりするんですけど、あいみょんさんは一曲通してガーッと歌って、それを5テイクくらいやって終わり。それがとても印象的で。 あいみょん　それは未だに変わらなくて、何ならもっと減りましたね。今回のアルバムだと、3テイクだけの曲もあります。 Michael Kaneko　その中から選ぶの？ あいみょん　選ぶし、ほとんど直してないのもあります。 Michael Kaneko　すごい……。でも、昔のアーティストはパンチインとかできなかったわけですもんね。最近、歌録りは家でやっちゃうんですよ。その方がリラックスできるし、時間もかけられるので。 ──“RING DING”のアレンジに関しては、どんなやりとりがあったんですか？ あいみょん　割とお任せでしたよね？ Michael Kaneko　そうですね。「青春ロック」みたいなイメージだけあって。 あいみょん　直接お会いしたのはレコーディングが初めてで、「お若いんですね」って……私の方が若いですけど（笑）。 Michael Kaneko　〈origami PRODUCTIONS（以下、origami）〉にいる他の人は結構上ですもんね。 ──あいみょん作品ではお馴染みの関口シンゴさんは、もう少し歳上ですよね。 あいみょん　関口さんとは私が19歳の頃からご一緒していますね。インディーズの頃からなので、〈origami〉にはずっとお世話になっております。今年の外出自粛期間が明けて、一発目のレコーディングも〈origami〉のスタジオで、「ただいま！」って感じでした（笑）。 ━━最初にあいみょんさんから送られてくるのは弾き語りのデモなんですか？ Michael Kaneko　そうです。曲自体がよかったので、アレンジしてても楽しかったですね。曲が自分にガシッと来ないと、アレンジが難しいこともあるんですけど、“RING DING”はすぐイメージが見えました。 あいみょん　ファンのみんなもすごく大好きな曲です。 Michael Kaneko　ライブであの曲を演奏してるのを初めて観たときに、お客さんがとても盛り上がっていて、すごく感動しました。 あいみょん　アップテンポの楽曲は他にもあるんですけど、ああいうポップで、青春感のある曲って、当時は他になかったんです。なので、自分にとって新しい音楽のジャンルを開いてくれたというか、「ありがとうございます！」って感じでした。 Michael Kaneko　僕の方こそ、資料に「あいみょんをプロデュース」って書けるから、ホントにありがとうございます（笑）。

──Michael Kanekoさんはプロデュースの仕事もやりつつ、もちろん元々はシンガーソングライターなわけで、あいみょんさんから見たシンガーソングライターとしてのMichael Kanekoさんの魅力をお伺いしたいです。 あいみょん　やっぱり、シンプルに歌声がすごくないですか？　この歌声は自分には絶対出せないなと思います。私は声色を使い分けたりするタイプなんですけど、マイキーさんはそういうタイプではなくて、「ずっとマイキー」みたいな（笑）。歌声が柔らかいですよね。もしかしたら、英語が日本語より柔らかい発音なので、そう聴こえるのかもしれませんが、とにかく自分にはない歌い方だし、情緒の出し方をしてるなって思います。 Michael Kaneko　何を歌っても自分っぽくなっちゃうっていうのはあって、日本語の曲をカバーしても、「マイキーだね」とは言われます。 あいみょん　今回のカバーアルバム（限定盤に付属されているカバーEP『Sounds From The Den EP vol.2：Acoustic Covers』）を聴いても、やっぱりマイキーですもん（笑）。生まれ持った才能だと思うし、いいなと思いますよ。 ━━でも、Michael Kanekoさんがちゃんと歌い始めたのは大学生になってからなんですよね？ Michael Kaneko　もともとバンドでギターだけをやっていて、アコギで曲書いて歌おうかなって思ったのは大学に入ってからです。19歳の時のデモを聴くと、すごく恥ずかしいんですよ。今の歌い方はブレッシーなんですけど……さらにブレッシーで（笑）。 あいみょん　あははははは。でも、みんなそうですよね。私の昔のデモもめっちゃひどいですよ。iPhoneで録ってたんですけど、気合い入れて近づき過ぎて音割れてるし、歌い方も元気過ぎて……、恥ずかしいですよね。 ──お二人の共通点はシンガーソングライターであり、「弾き語り」をベースにしていることだと思うんですけど、改めて、弾き語りの魅力をどう感じていますか？ あいみょん　私は原点に弾き語りがあって、歌詞も、自分の歌声も、一番素直に届くものだと思ってます。最終的に自分がバンドを背負えなくなっても、これさえあればできるんだぞっていう、意思表示にも近いと思います。 Michael Kaneko　僕も一緒です。本当に弾き語りが原点だし、そこがベースです。でも、フェスとかに出演すると、周りがみんなバンドで、僕だけ弾き語りになったりするんですよ。 あいみょん　わかるー！ Michael Kaneko　昔はそれがすごく寂しくて、物足りないというか、盛り上がらないなって思っていました。けど、最近はそんな言い訳はせずに、バンドに負けないくらいのパフォーマンスを残そうって考えるようになりましたね。 あいみょん　私もフェスだと一人だけ弾き語りで、すごく追いやられたようなステージだったりして（笑）。当時はアコギを持って歌うことがコンプレックスでもありましたが、だからこそ、もっと磨こうとも思えました。 ──ある種の反発心があったと。 あいみょん　ありましたね。今よりMCも尖ってました。フェスで人の気を引きたくて、大声出したりもしてましたし……、いろいろ鍛えられましたね。 Michael Kaneko 僕も別のバンドがとても盛り上がってる中で、セットリストにわざとバラードをたくさん入れて、「こっちは聴かせてやる」とか思ってましたね。 あいみょん　バンドを背負ってる今でも当時の悔しさみたいなのって残ってますか？ Michael Kaneko　今はもうないかなあ。ありますか？ あいみょん　私はいまだにちょこっとあるんですよね。今は自分もバンドを背負ってツアーを回ってるんですけど、やっぱりシンガーソングライターとして見てほしい気持ちもあって。「弾き語りでも私は強いんやぞ」って、改めて見せたくなるんですよね。 Michael Kaneko　それはすごくわかる。「俺はギター1本でもできるぞ」みたいな気持ちっていうか（笑）。 あいみょん　だから、私バンドのツアーでも絶対に弾き語りパートを設けていて。 Michael Kaneko　自分もワンマンのときは絶対入れます。 あいみょん　シンガーソングライターとして、アコギ一本でやっていたことを忘れたくない気持ちはありますよね。 ──あいみょんさんは初めての日本武道館でのワンマンを弾き語りでやってるくらいですからね。 Michael Kaneko　あれはめちゃくちゃかっこいいなって思っていました。あんなことやる人他にいないじゃないですか？ ──あれも明確な意思表示でしたよね。 あいみょん　やっぱり、シンガーソングライターであることを忘れたくないんです。

──同じシンガーソングライターでも、曲の作り方はそれぞれですよね。Michael Kanekoさんは基本セルフプロデュースで、アレンジから楽器演奏まで一人でやるのに対して、あいみょんさんは分業制というか。 あいみょん　一人でやるってすごいですよね。私は作詞作曲にすべてを注ぐタイプです。あとはそれこそマイキーさんだったり、関口さんだったり、自分にない知識や才能を持ってる方が近くにいらっしゃるので、その人たちの力を借りて、いい音楽を一緒に残すっていう方法が自分には合っていました。でも、一人で全部できるのは本当にすごいと思います。どうやってやってるんですか？ Michael Kaneko　部屋に籠ってやってます（笑）。でも今回一人でやった理由は、一人でやらないと進まないから、録音とかアレンジも勉強したって感じなんです。今後は海外のアーティストみたいに、自分でもプロデュースするけど、ちゃんとしたプロデューサーにも別で入ってもらって、アレンジを一緒にやったりする形でもやってみたいなと思っています。 ──関口シンゴさんをはじめ、〈origami〉の人たちは基本セルフプロデュースですよね。 Michael Kaneko　その影響はすごくありますね。〈origami〉に入って、音楽で食べていくには、シンガーソングライターとしての活動以外のこともできた方がいいよっていうのは言われました。 あいみょん　いい環境ですよね。ある意味、スパルタな感じもありつつ、実際、周りのみなさんのご活躍もすごいですし。 Michael Kaneko　セッキー（関口シンゴ）さんとかすごく真面目じゃないですか？　だから、僕ももっとやらないとっていう気持ちになるんですよ。 あいみょん　いいことですよね。向上し合ってるというか。やっぱり、同じシンガーソングライターでも作り方はそれぞれ違いますね。 ──あいみょんさんはアレンジや演奏を他の人にお願いすることで、自分の中のイメージとのずれを感じたりすることはないですか？ あいみょん　そういう場合はもちろん話し合いますし、でもそれこそ〈origami〉のチームもそうですし、田中（ユウスケ）さんもそうですけど、長く一緒にやらせてもらってるので、私の癖もわかってるし、言わなくても伝わるようになっていたり、関係性ができています。 ──さきほども言っていたように、関口さんとはインディーズ時代からですもんね。いろんなアレンジャーさんがいる中で、関口さんはどんな存在だと言えますか？ あいみょん　関口さんはとりあえず優しいです。〈origami〉のあの空間って、本当に居心地がいいんです。もちろん、切羽詰まるときもありますけど、でも、みなさんニコニコしてくれていて、「すごくいいのができたね」って言ってくれるあの感じって、私にとってはすごく大事。ピリついた中ではやりたくなくて、関口さんと一緒にやっていてピリついたことは全くないですね。そういう空間でできることが第一で、〈origami〉の空間に甘えているのかもしれないけど……、一緒にやるチームって大事じゃないですか？ Michael Kaneko　とても大事ですね。ケミストリーが重要だから、音楽のことだけじゃなくて、普通に一緒にいるときに楽しくいれるかとか、そういうこともすごく大事なんですよ。

──Michael Kanekoさんの新作『ESTERO』について、まずはあいみょんさんに聴いた感想をお伺いしたいです。 あいみょん　特に好きな曲が2曲あります。まず一曲目の“Breakdown feat.Daichi Yamamoto”が最高。あと“Voices”もすごく好きでした。全体的にはアップテンポな曲は少なめで、わりと柔らかい楽曲が多い印象で、それがマイキーさんの今のモードなのかなって思いました。私のマイキーさんのイメージって、一曲目みたいな、ちょっとノリノリな感じなんです。前作の"Lost In This City"もそうだったので、この感じはやっぱり好きですね。 Michael Kaneko　“Voices”が好きって言ってくれたのは嬉しいです。僕の中で、一番日本っぽさのある曲だと勝手に思っていて。特別意識したわけじゃないんですけど、書いた後に、日本っぽさがあるメロディーだなと思っていました。

──Michael Kanekoさんの影響源としては、ジョン・メイヤー（John Mayer）だったり、海外のアーティストの名前が挙がることが多いと思うんですけど、日本のアーティストで影響を受けた人とかっていますか？ Michael Kaneko　どうだろう……、シンガーソングライターでいうと、ハナレグミさんや、大橋トリオさんは結構聴いているので、無意識に影響されている可能性はありますね。ただ、ジャーニー（Journey）とかカーペンターズ（Carpenters）って、洋楽だけど日本っぽさがあるじゃないですか？　“Voices”もそういったイメージなんです。 ──逆に、あいみょんさんの影響源としては日本人アーティストの名前が挙がることが多いと思うんですけど、海外のアーティストからの影響というとどうですか？ あいみょん　一番聴いたのはマイケル・ジャクソン（Michael Jackson）……マイキーなんですよ（笑）。 Michael Kaneko　今回のジャケット、ちょっとマイケル・ジャクソン感あるでしょ？ あいみょん　『This Is It』っぽい！ Michael Kaneko　そうそう、80年代感あるよね。 あいみょん　マイケル・ジャクソンがポール・マッカートニー（Paul McCartney）と一緒に歌ってる”Say Say Say”とか”The Girl Is Mine”でポールのことを知って、そこからビートルズ（The Beatles）を聴いて。その後にハマったのはジャクソン・ブラウン（Jackson Browne）。少しテイストが近いですよね。 Michael Kaneko　ウェストコーストサウンドだからね。 あいみょん　あとはボブ・ディラン（Bob Dylan）とか。やっぱり、アコギと男性の声の組み合わせが邦楽でも洋楽でも関係なく好きなんですよ。 ──今挙がった名前は、Michael Kanekoさんにとっても大事な名前ばかりですよね。 Michael Kaneko　そうですね。でも、ジャクソン・ブラウンはそこまでメジャーなアーティストじゃなくないですか？ あいみょん　ジャクソン・ブラウンは私が好きな浜田省吾さんの曲の歌詞に出てくるアーティストで、”Late For The Sky”を初めて聴いて、なんていい曲なんだって思ったんです。 ──お二人が感覚を共有する部分が垣間見えた気もします。マイキーさんには『ESTERO』というタイトルの由来もお伺いしたいです。 Michael Kaneko　20歳くらいのときに、交換留学でカリフォルニアに帰ったことがあるんです。当時は周りが就活を始めていて、でも自分は将来何になりたいのかがよくわからなくて。そんな気持ちのままアメリカに行ったんですけど、むこうで仲良くなった友達が遊びで音楽をやっていたんです。 しかも、ルームシェアをしている一軒家の中にたくさん楽器が置いてある部屋があって、そこでほぼ毎日セッションをしていたんですよね。そのゆるい感じがすごく楽しくて、やっぱり音楽をやりたいなって思い、日本に帰っても音楽を頑張ろうって決めたんです。その一軒家がカリフォルニアのサンタバーバラにある「ESTERO ROAD」の道沿いにあったので、そこからタイトルにしました。ファーストアルバムなので、「自分の原点」みたいな意味合いですね。

──あいみょんさんの新作『おいしいパスタがあると聞いて』に関しても、まずはマイキーさんから感想をお願いできますか？ Michael Kaneko　全曲シングルみたいな、いい曲ばかりですね。一曲目の"黄昏にバカ話をしたあの日を思い出す時を"からかっこよくて、ちょっとマンドリンが入っていたり、いわゆるロックでもないし、ジャンル的にも面白いなと思いました。あと全体的に、洋楽っぽい音楽をやってる自分からしたら、絶対書けないメロディーだなと。 あいみょん　それはきっとお互い、ないものねだりしちゃうところかもしれないですね。私は絶対にマイキーさんの作るメロディーは出てこないです。「こうやって動くの？」みたいなのあるじゃないですか？ Michael Kaneko　そうそう。コード進行も「こういくんだ」とか、全曲通してそんな感じでした。あと、やっぱり弾き語りを大事にしているからか、きっとアレンジを全部抜いても成り立つ曲だなと思いました。今ってトラックメイカーが作るトラックがあって、その上にメロディーを書くこともわりと一般的ですよね。それはそれでいいんですけど、この場合はメロディーがそこまで強くなくても、トラックで成立させる、みたいな曲もあって。でも、ギターで曲を書いていると、メロディーがよくないとそもそも曲として成り立たなくて、それは全曲通して感じたことです。 あいみょん　嬉しいです。私は歌詞とメロディーを同時進行で作るので、メロディーに上手く言葉が乗らないと気持ち悪くて。ある程度弾き語りの時点で曲を完成させるっていうのは、意識してるというよりも、そうじゃないと作れないんですよね。

──Michael Kanekoさんが言った「全曲シングル」みたいなことは意識してますか？ あいみょん　いや、ないですないです。 Michael Kaneko　逆にここからどうやってシングルを選ぶのかなって。セッキーさんがプロデュースした曲も、全然シングルっぽいなって思いました。 あいみょん　“裸の心”は初めてストックの中から選んだシングルだったんですけど、普段のシングルは書き下ろすことが多いんですよね。今回のアルバムの曲もストックの中から選んでいて、とにかく自分が今一番いいと思う曲を選んだだけなんです。2～3年前の曲でも、今聴いて一番いいと思える、届けたいと思える楽曲を選んでいるので、今思う最強メンツ、神メンツを集めてる、みたいな感覚ではあります。 ──現時点でストックって何曲くらいあるんですか？ あいみょん　400曲くらいです。 Michael Kaneko　まだ出してない曲で？　すごいな。 あいみょん　でも、いつかはストックが尽きますし、全部が表に出るわけじゃないと思うので、ずっと作り続けてはいます。 Michael Kaneko　エド・シーラン（Ed Sheeran）も同じ感じらしくて、めちゃくちゃ曲がたくさんあるらしいです。 あいみょん　エド・シーラン、同世代なんですよね。 Michael Kaneko　タメだと思う。 あいみょん　エド・シーランとタメ、なんかすごい（笑）。

──さきほどMichael Kanekoさんが挙げた“黄昏にバカ話をしたあの日を思い出す時を”は《余裕のある生き方がしたい でも鐘のなる方へは行かないぞ〉や《もっと刺激を もっと混乱を もっと人生を〉といった歌詞も印象的で、意思表示的な一曲目だなと思いました。 あいみょん　2～3年前にできていた曲なんですけど、今の自分が言いたいことを昔の自分が言ってくれてるなって思って、絶対一曲目にしたいと思いました。《鐘のなる方へは行かないぞ》っていうのは、煌びやかな方、お金がある方へは行かないぞ、だまされたくない、みたいな意味ですね。アーティストとして活動していて、キラキラした世界だなって思うけど、どこかに落とし穴がある気がしていて。 もう少し自分を不幸にししなければというか、自分にちょっとしたトラブルが起これば、10代のデビュー前の頃みたいに、「まだまだやってやるぞ！」って、燃え上がれる気がするんです。捻くれてるとも思うけど、それを3年前の自分が言ってくれてたので、その気持ちは大事にしたいなって思いました。「あいみょんのこと知らない人なんていないよ」みたいに言われたりもして、嬉しいけど、その状況に甘えてはいけないので、常に「こんなのは今だけ」って思いながら、落とし穴に落ちないように進んでいかなきゃなっていうのは思ってますね。 ──Michael Kanekoさんも前作からの3年で活動の幅がグッと広がったと思うんですけど、そんな状況に対してどう向き合っていらっしゃいますか？ Michael Kaneko　めちゃくちゃハングリーですよ。自分の音楽も、仕事としてやる音楽も、できるだけのことをやろうと思ってます。 あいみょん　満たされた瞬間とかってありますか？ Michael Kaneko　ないですね。ありますか？ あいみょん　ないですね。ゴールがない世界じゃないですか？　たまに「燃え尽きた」みたいなことを言う人もいますけど、その感覚はまだわからないです。 Michael Kaneko　今のゴールってありますか？　「こうなりたい」とか。 あいみょん　「家族に自慢されたい」とか「甥っ子が喜んでくれるようなことをしたい」とか、結構身近なところですね。「天下取るぜ！」みたいな大それた感じじゃなくて、家族とか身近な人が喜んでくれたらそれが嬉しい。さっき、マイキーさんが「あいみょんプロデュースって書ける」って言ってくれましたけど、そうやって自分が誰かの力になれたり、身近な人がそういうことを言ってくれるのが嬉しくて。その積み重ねの先にゴールがあるのか……、それもわからないですけどね。マイキーさんはゴールありますか？ Michael Kaneko　ないかなあ。きっとそのゴールを達成しても、またすぐ次の目標がきて、きっと納得しないんでしょうね。 ──Michael Kanekoさんとしては3年ぶりの新作が遂に完成したわけですけど、それでもできてしまえばすぐにまた次へ向かうというか。 Michael Kaneko　そうですね。もう「次はこういう感じでやりたいな」とか考えていますね。 あいみょん　作品を作り終わったらもう次のこと考えちゃいますよね。できちゃったら、この子は旅立つだけなんで、あとはこの子の実力と、スタッフさん次第（笑）。スタッフさんが日々やってくれていることに対して、「ありがとうございます！」って思いながら、私はもっといいものを作るための作業に入る。きっとその繰り返しなんです。

Michael Kaneko 湘南生まれ、南カリフォルニア育ちの日本人シンガーソングライター。 2015年、TOYOTAのCMにシンガーとして起用されYouTubeで740万回以上の再生回数を記録。 その後 Panasonic、Nissan、Pioneer、SHARP、BACARDIなどのCMに起用され問い合わせが殺到。 自宅でレコーディングし、パソコンで焼いて販売していたデモCD『Sounds From The Den EP』は1日50枚ものバックオーダーが来るようになり、パソコンはクラッシュ。累計2,000枚を販売し、iTunesシンガーソングライターチャートで1位を獲得。 CDデビュー前にもかかわらず、FUJI ROCK FESTIVAL、SUMMER SONIC、朝霧JAM、GREENROOM FESTIVAL など数々のフェスに出演。 また、タワーレコード“No Music, No Life?”キャンペーンに大抜擢。CDが店頭にないまま大型のポスターに登場するという異例の盛り上がりを見せる。 さらにはJ-WAVEのジングルを歌い、デモCD収録の楽曲が「テラスハウス」の挿入歌として使用される。 プロデュース、コーラス、ギター、楽曲提供などで さかいゆう、あいみょん、SING LIKE TALKING、藤原さくら、Rude-α、足立佳奈、majikoなどとコラボ。 また、映画「サヨナラまでの30分」「ママレード・ボーイ」、フジテレビ系ドラマ「僕たちがやりました」、アニメ「メガロボクス」などの音楽も手がける。 そして、その声はついに海外へ。覆面ユニットAmPm (アムパム) にボーカルで参加した楽曲がSpotifyで3,900万回を超える再生回数を記録 (しかも再生は90%が海外！)。インドネシアのフェスでは1万人規模のオーディエンスが大合唱。 フェス、ネット、CM、ラジオ、TVドラマ、全てを累計すると5,000万人に声を届けることに成功。 そんな中、2017年10月にデビューEP『Westbound EP』をリリース。 先行シングル「Lost In This City」は全国21のラジオ局でパワープレイを獲得。 J-WAVE「Spotify TOKYO VAGABOND」のマンスリーパーソナリティやFMヨコハマ「FUTURESCAPE」に“小山薫堂氏の今一番会いたいアーティスト”として出演依頼を受けるなど各局の番組に登場。 また、スペシャルゲストに藤原さくらを迎えたLINE LIVEの視聴者数は約26万人を突破。 テレビ朝日系「関ジャム 完全燃SHOW」、西野亮廣（キングコング）がMCを務めるフジテレビ「ハミダシター」など、数え切れないほどのメディア出演を果たす。 その話題は日本にとどまらず、Spotifyではアジアやヨーロッパを中心に15の国と地域の“New Music Friday”プレイリストにもピックアップされ、各国のバイラルチャートにもランクイン。さらにハリウッド女優クロエ・グレース・モレッツがお気に入りとしてSNSに投稿、瞬く間に世界中へ拡散される。 ウィスパーながらも芯のあるシルキーヴォイスが話題となり、活躍の場を世界規模で広げている。

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あいみょん 兵庫県西宮市出身シンガーソングライター。 16年11月にシングル「生きていたんだよな」でメジャーデビュー。17年5月に2ndシングル「愛を伝えたいだとか」、8月に3rdシングル「君はロックを聴かない」 を発表し、9月にリリースした1stフルアルバム「青春のエキサイトメント」は現在もロングセールスを記録中。6月には初の海外公演を台北Legacyにて行いSOLDOUT。11月からは札幌を皮切りに全国ツアー「AIMYON TOUR 2018 -HONEY LADY BABY-」を開催、即日ソールドアウト。2018年紅白歌合戦への出演も果たした。 2019年2月には2ndアルバム「瞬間的シックスセンス」を発売。同月には初となる武道館公演を開催。5月からは対バンツアー「AIMYON vs TOUR 2019 “ラブ・コール”」、10月からは自身最大規模のワンマンツアー「AIMYON TOUR 2019 -SIXTH SENSE STORY-」を開催。2019年は「Billboard 2019年年間TOP ARTISTS」を獲得し「オリコン年間ストリーミングランキング 2019」でも1位を記録し”2019年 1番聴かれたアーティスト”となった。 2020年、日本テレビ「news zero」の1月からの新テーマ曲して書き下ろした楽曲、「さよならの今日に」を2月14日に配信限定でリリース、そして6月17日にはTBS系 火曜ドラマ「私の家政夫ナギサさん」主題歌10thシングル「裸の心」をリリース、9月9日（水）には3rdアルバム「おいしいパスタがあると聞いて」の発売も決定。

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━━最近、コロナ禍で家にいることが増えたのもあって、自宅にいいスピーカーとサブウーハーを導入したんです。それで改めて実感したんですが、THE ALEXXの低音の鳴りは素晴らしいです。ここ最近のトラップにありがちな凶暴なサブベースというよりも、奥行きのあるダブやクラブミュージックの低音が鳴っている。 杉浦 英治（以下、杉浦）　ありがとうございます。なにしろエンジニアのzAkさんのミックスはすごいですから。 ━━改めてTHE ALEXXの成り立ちから聞ければと思うんですが、これは杉浦さんからはじまったプロジェクトなんですよね。 杉浦　そうです。 ━━SUGIURUMNとは別の表現方法を必要としたということでしょうか？ 杉浦　もっと違うことをやってみたかった、という感じです。やっぱり、僕も今の世の中に対してやりたいことが沸き上がってくるタイプなので。もちろんSUGIURUMNを辞めるつもりもないけれど、それとはレーダーが違う感じだったんじゃないかな。 ━━筒井さんとtontonさんとの３人組になった由来は？ 杉浦　最初は別の子をヴォーカルにたててやっていたんです。でも、その子は素晴らしい才能のある子だったんだけど、もっとインプロビゼーションみたいな感じでやっていきたいから同じ曲を何度もやるのはちょっと無理ということになりました。レコーディングも終盤だったから「え？ 今！？ どうしよう？」となって、tontonに声をかけたんです。 ━━筒井さんはElectric Glass Balloon時代からということなんで、杉浦さんとは長い付き合いですよね。 筒井 朋哉（以下、筒井）　会ってからは一番長いですね。でも、連絡を取り合っていない時期も結構長かったです。 ━━筒井さんとしては、杉浦さんから声をかけられて、どんな第一印象だったんでしょうか。 筒井　嬉しかったですね。6年前ぐらいにSUGIURUMNのアルバムにギターで僕が参加したことがあって。その時にも杉浦くんが書いた曲にギターを乗せる作業をしたんですけど、すごくしっくりいったんですよね。昔一緒にやっていただけあって、気心が知れた中でやっているので、やりやすいですよ。 ━━tontonさんもSUGIURUMNのいろんな曲にヴォーカリストとして参加してきたわけですよね。 tonton　はい。いろんな曲で参加させていただいていたので、杉浦さん節は染みついています。プロデュースもしてもらったことがあるので。 杉浦　結果、気心の知れた3人になって、よかったなと思っています。 ━━THE ALEXXは去年にデビューアルバム『VANTABLACK』をリリースしたわけですが、その手応えや反響はどんな感じでしたか？ 杉浦　まずマイナス面から言うと、去年の＜朝霧JAM 2019＞が台風で中止になってしまって、今回の＜フジロック＞も延期になってしまったので。僕らだけじゃないんだけど、初っ端からバンドを知ってもらってステップアップしていく機会である大きなイベントがなくなっちゃったというのは大きかったです。ただ、Electric Glass Balloonからこれまで、THE ALEXXのここまでダークな音楽性みたいなものはやっていなかったので、確実に世界は広がりました。

tonton　私にしても、今まで自分の中になかったものなので、周りからもすごく好評ですし、今までにない可能性を感じています。いろんなことをやっていいんだって、すごく楽しく向き合える音楽ですね。 筒井　僕はずっとギタリストとしてやってきたわけですけれど、THE ALEXXは今までやってきたこととは違う空気感を封じ込めるような作り方で。それが僕としてはチャレンジだったし新鮮でした。そうやって作ったアルバムをいろんな人が聴いてくれて、褒めてくれたり、認めてくれたのは、とても嬉しかったです。自信になりましたね。 杉浦　曲を作る時に、アイディアを持ち寄らない、手癖を使わないって決めていたんです。本当にゼロから、瞬間のひらめきから作っていく。だから、どんな音楽ができるかもわからないし、曲によってはリズムから作ったり、持つ楽器を変えてみたり、これまでとは全然違うやり方でした。うまく言えないですけど、きれいな水だけで作ろうとしたというか。そういう瞬間を見逃さないように作った感じです。 ━━THE ALEXXの音源を聴いてライヴを観たときに感じたのは、ダブやトリップホップやサイケデリックロックのような今に至るまでのロックやクラブミュージックから陶酔感、トリップ感を抽出して構築しているような感覚だったんですね。杉浦さん自身いろんな文脈を通ってきているとは思うんですが、そういったカルチャーとのリンクは意識していましたか？ 杉浦　もちろん、たとえば「チャラい奴はやらない」とか、当たり前に決めていたことはあったんですが、曲ができてみて初めて感じたことはめちゃくちゃあります。でも作っているときは、最初から引き出しを広げて始めたわけじゃなかったんです。むしろ偶然とかハプニングがきっかけで、その後の引き出しが増えてくるような感じだった。5個サイコロを振って同じ目が出ないようなのと同じで、もう一回最初から同じものを作れないことをやってるなって思ってました。

━━新曲の“Outsider”はどういうところから制作がスタートしたんでしょうか。 杉浦　“Outsider”に関しては、原石のようなものがTHE ALEXXをやる前からあったんです。もともとは僕とtontonでやろうとしていた曲があって、それを筒井くんにも聴かせたら「これ、いい曲だよ」って。そこから膨らませていった感じです。 ━━THE ALEXXとしては初めての日本語詞の曲になるわけですけれど。 杉浦　僕たちが所属しているのは〈Rexy Song〉という日高さんと豊間根（聡）さんのレーベルなんですけど、去年の＜フジロック＞が終わってアルバムを出した後くらいに日高さんから「なんで日本語でやんねえんだよ」って言われて。 僕が今までの人生で出会った人間で一番すごい人って日高さんなんですけど。『ONE PIECE』の伝説の海賊王みたいな迫力のある人、いわゆる神が言うんだからそれでやるしかないだろうって思いました。で、この曲は日高さんに捧げる曲にしようと思って、それで“Outsider”というタイトルにしたんです。アウトサイダーというのは、要するに反逆者。だから、筒井くんが弾いたギターとか、上モノは全部逆回転にしたんです。 ━━逆回転になってるんですね。 杉浦　やっぱり反逆者だからね。 筒井　どんどん音を入れていってたんですけど、途中で「これ、逆回転したらどうなのかな？」って杉浦くんが言って。そうしたら思いのほかよかった。そこから全部逆回転にしようという話になりました。風景のバックに何かが流れているみたいな感じの音になっていると僕は思っていて。結果よかったなと思っています。僕ひとりならそういうアイディアは出てこないんで。 ━━歌詞は杉浦さんが書いたんでしょうか？ tonton　そうですね。杉浦さんが日高さんを思い浮かべながら書きました。 杉浦　『やるかFuji Rock 1997-2003』（日高正博による著書）を机に置きながら書きました。でも、捧げている対象は日高さんだけど、それだけじゃないところもあって。やっぱり音楽をやるというのは、根底に世界をひっくり返してやるんだという気持ちがないと、とてもできないことだと思うから。こんなにいい音楽がいっぱいあるのに自分たちがやるっていうことは、多かれ少なかれ、そういうことだと思うんです。特に今は、時代的にも「夜明け前感」みたいなものがあるから、そういう感じが出てきている曲だと思います。 ━━THE ALEXXはダークでトリッピーですけれど、根底のところにパンクから来ているレベルミュージック感があるような感じがします。 杉浦　ありがとうございます。あと、tontonの日本語がいいよね。 tonton　英語で歌うのも好きなんですけど、やっぱり日本語だと言葉のきれいさもあって、歌っていて気持ちがいいですね。言葉も、杉浦さんの歌詞が素晴らしいので、歌っていてもスーッと筋が一本通っている感じがします。「英語じゃないの？」みたいな感じもなく、すっと入ってくるし。あの曲はお気に入りですね。

━━6月には”Something Great”もリリースされていますが、コロナ禍のここ数ヶ月はどんな風に活動されていましたか？ 杉浦　バンドはずっと途切れずに動いてます。スタジオに入ったり、集まって作り続けたりもしていたので。 ━━3月には青山にある犬のペットサロン「Dogman Aoyama」で無観客ライブをやっていましたが、あれはどういうアイデアだったんでしょうか？ 杉浦　あれも、実はコロナでこういう状況になるからやったわけじゃなくて。なにか面白いことをやろうというので始まった企画だったんです。そうしたらみんな無観客ライブの配信を始めちゃって。最初に思いついていたのに、時代に追い抜かされちゃいました（笑）。

━━犬だけが観客という不思議なライブ映像になってますね。 杉浦　卓球さんが言っていたんだけど、ジョイ・ディヴィジョン（Joy Division）の最初のライブのお客さんって人間2人と犬１匹だったらしくて。「犬の数ならお前らが勝ってたな」って（笑）。 ━━今後のTHE ALEXXとしての表現方法や活動については、どんなふうに考えていますか？ 杉浦　とりあえず、いい曲を作ることですね。みんながびっくりするような、目が覚めるような曲を作りたい。まずはそれですね。もちろん今年の＜フジロック＞を目標に頑張ってきたので、それがなくなっちゃったのはショックではあるけれど。 ━━tontonさん、筒井さんはどうでしょう？ tonton　私も杉浦さんも１人でずっと音楽をやっていたので、こういう3人、仲間がいると、コロナ禍でも楽しく音楽ができるし、すごくありがたいなって。本当に音楽が楽しく感じます。 筒井　やるたびに発見があるし、新鮮でフレッシュなんですよ。よく話すんですけど、引き算の美学というか、大事なものだけ音に込めるというのをTHE ALEXXは大事にしているので。 ━━杉浦さんとしても、THE ALEXXでやれることがどんどん広がっている感じはありますか？ 杉浦　なんでもできますね、この感じは。強力な3人だとは思っているので。完全に僕はこっちにシフトしちゃってます。本当に次が楽しみで仕方ないです。バンドを始めて、家で聴く音楽もコロナ禍とか関係なしに完全に変わってきているんです。最近はThe 1975ばっかり聴いてたんですけど、DJだけやっていた時には聴いてなかったものも含めて、いろんな音楽を聴くようになりました。 ━━“Beatwave”は石野卓球さんのリミックスバージョンもありましたけれど、逆にTHE ALEXXが誰かの曲をリミックスするのも面白そうですね。 杉浦　そういうのもやりたいですね。ほんとにこのバンド、なんでもできちゃうんですよ。例えば“Something Great”のダブミックスもバンドで作ってるし、“Outsider”もライブではもっと長いバージョンでやっているので。すごく自由な感じです。

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━━ペンギン・カフェのライブを＜朝霧JAM＞で観ることを楽しみにしていたのですが、台風接近のため中止になってしまいました。残念でなりません。 うん。写真を見て、すごく楽しそうなフェスだなと楽しみにしていたので、本当に残念だよ。 ━━やはり自然の力は恐ろしいものですね。 そうだね。ときどきそうやって自然が猛威をふるい、その怖さを人間に思い出させるんだね。 ━━あなたは2005年にBBCの企画のため北極圏のグリーンランド氷床で3ヵ月過ごしたそうですが、そのときも自然の力を実感したんじゃないですか? そう、あれはすごい体験だったよ。体重が25キロも減ったからね。初めは8人のチームだったんだけど、2週目で１人脱落。環境はハードだし、天候は読めないし、未知の要素が多すぎて思うように動けないんだ。で、2週目に嵐が来て、もう無理じゃないかと思ったりもしたんだけど、それを切り抜けたら少しずつその環境にも慣れていった。とにかくあれは自分にとって忘れられない体験になったよ。 ━━そのときの体験がずっと頭に残っていて、それが今回のアルバムに繋がっていったところもあるんですか? あるけど、初めからあの体験と今作とを結びつけて考えていたわけではないんだ。このアルバムは2018年にグリーンピースからの依頼を受けて作ることになった。それで南極ペンギンをイメージした曲を作るべく、スタジオで極地の映像を繰り返し見ていたんだけど、そのときに“この映像、前に見た記憶があるな。あ、そりゃそうだ。自分自身の目で実際に見てきたんだから”って思いあたってね。そうしたら2005年に実際見た雪や氷の音と匂いがブワ～っとよみがえってきたんだよ。 ━━なるほど。でも、そこにペンギンはいなかったんでしょ？ そうなんだよね。グリーンランドにはペンギンもシロクマもいなかったよ（笑） ━━グリーンピースからの依頼を受けて作ることになったということですが、そもそもどういった依頼だったんですか? グリーンピースが「プロテクト・オーシャン」というプロジェクトを進めていて、それは世界のあちこちの海を保護しようと各地のエージェントに働きかけるもので、今回は南極海がその対象となった。石油などの資源を掘り起こしにいくひとがたくさんいるけど、なんとかそれを守ろうという働きかけだね。その一環で僕のところにも話がきた。「南極を守り、ペンギンを守ろう」ということを音楽で伝えてほしい、と。それでまずは、そのテーマ絡みのコンサート用の音楽を作るところから始めたんだ。

━━グリーンピースはあなたのペンギン愛をわかっていたわけですね。 そうそう。いままで不思議とこういう話はどこからも来なかったんだけどね（笑）。それでグリーンピースが現地の映像と音を提供してくれて。それを見たり聴いたりしながらいろいろリサーチしていくなかで、4種類のペンギンの個性なんかがわかってきた。厳密に言うとペンギンは17種類に分けられるんだけど、アデリーペンギン、ヒゲペンギン、コウテイペンギン、ジェンツーペンギンの4種は違いが明確で、その4種について調べたり考えたりしていたら、それが物語の登場人物のように思えてきたんだ。 ━━その4種類のペンギンが、あなたの頭のなかで動き出した。 うん。だからその4種類のペンギンの名前を冠した曲を作ってみたんだよ。そして“彼ら”が冒険する様も曲にしてみた。例えば“At the Top of the Hill, They Stood…”は、狩りにでかけた相方が戻るのを丘の上で待つペンギンをイメージして、遠いところから故郷を見ている僕自身を思い浮かべながら曲にした。また“Chapter”は、ペンギンが刑事になって犯罪を解決すべく動いているイメージを思い浮かべて作ったんだ。 ━━アルバム1枚が一編のストーリーになっているというよりは、1曲1曲にいろんな情景、いろんなイメージが反映されているということですね。 そう。広大な極地で撮ったスナップを並べてみた感じだね。

━━あなた自身がペンギンと同化するような感覚で書いた曲もあったりするんじゃないですか? 例えば“Adelie”という曲。これはあなたがアデリーペンギンになって海の底を泳いでいる感覚なのかなと思ったんですが。 ああ、なるほど。僕がアデリーペンギンと同化しているわけではないけど、アデリーペンギンと一緒に泳いでいるという視点は確かに入っているかもしれないね。アデリーペンギンはとても小さなペンギンなんだけど、陸上ではなく水の中で生きていて、僕には4種類のペンギンの中でもっともマジカルに感じられる。そんなアデリーペンギンの、ある1日を曲にしたんだ。 ━━アルバムは“Winter Sun”で始まり、“Midnight Sun”で終わります。“ある1日”といまおっしゃいましたけど、まさに日が昇って沈むまでの1日を描いたアルバムという捉え方で合っていますか? イエスと言いたいところなんだけど、ちょっと複雑でね。“Winter Sun”という曲での太陽は北半球を中心とした考え方であって、南極の12月は真夏なわけだよ。南半球と北半球とで季節が逆になるから。で、“Midnight Sun”で表現している南極の夏の太陽は、日の出前には空の低い位置にあって、水平線に沈まない。白夜だね。要するに太陽は昇って沈むとは限らないってことで、それを僕自身が2005年にグリーンランドで体験した。それってなんだか夢の世界にいる感覚なんだ。暗くならなくてもおかしくないって頭では理解できるんだけど、どうしても“これは現実じゃないんじゃないか”って気がしてしまうわけ。その感覚をアルバム1枚通して表現したかった。“Midnight Sun”という、普通はありえないタイトルの曲で終わりたかったのはそのためなんだ。

━━1日が始まって終わるという感覚がなくなってしまうわけですね。 うん。ずっと地に足がついてない感覚というか。終わりがなく、続いていく感じというか。 ━━話は変わりますが、今作のサウンドに関してはどういったことを意識しましたか? 明らかにオーケストラとわかる音とか明らかにエレクトロニックとわかる音ではないものにしたかったんだ。誰もが聴いたことあるはずだけど、なんだか正体不明な音というか。“これって、もしかしてシンセ?”みたいな感じ。前作もある程度はそういうものだったけど、今作のほうがその傾向が強まっている。 ━━あなたがグリーンランドで体感した“非現実ではないけども、現実とは思えない感覚”を、そういう音で表したかったからなんですかね。 うん、そうだね。そういうことだと思う。所謂、道しるべ的な音は一切入れないようにしたんだ。 ━━ところで、このアルバムを聴いたうえで過去の作品を振り返ってみたとき、ペンギン・カフェ・オーケストラが1993年に最後のスタジオレコーディング作として残した『Union Cafe』（2017年にサイモン・ジェフスの没後20周年でリイシュー）にどこかで繋がっているような感覚があったりもしました。そう言われて思い当たるフシはありますか? うん。2年前のクリスマスに父であるサイモンの没後20年ということで『Union Cafe』を再現するコンサートをロンドンでやったんだ。もちろん僕は全曲よくわかっているつもりだったんだけど、いざ演奏してみたら、「あれ？ この曲のここってどうなってるんだ？」って戸惑ったりする部分がけっこうあってね。わかっていたつもりだったけど、完全にわかってるわけじゃないってことに気づいて、あのアルバムの奥の深さを改めて知ることができたんだ。その経験は自分でも面白かった。確かにそれが今作に繋がっていったところはあるね。

━━まだまだお父さんの音楽は探り甲斐があるなと。 そうそう。新しい発見がまだまだたくさんあると思う。 ━━ところで、今作のジャケットのアートワークですが、これってあなたが2005年にグリーンランド氷床で過ごしたときの写真なんですか? そう。これが嵐を耐えたテントだよ。ここにいるペンギンはあとから足したものだけどね（笑）

Penguin Cafe 元々はイギリスの作曲家サイモン・ジェフスによって結成された楽団。民族音楽、フォークサウンド、現代音楽などを取り入れた楽曲で1976年にブライアン・イーノ運営のOBSCUREからデビュー。6枚のアルバムを発表後1997年にリーダーのサイモンが死去。その後2009年から息子のアーサー・ジェフスが父の遺志を引き継ぎメンバーも一新し活動を再開。2011年には復活後、初のアルバムをリリースし、2012／2014年には来日も果たす。そして2017年にニルス・フラーム、ピーター・ブロデリック、オーラヴル・アルナルズなどが所属するErased Tapesより新作『ザ・インパーフェクト・シー』をリリース。2018年にグリーンピースより依頼を受けた南極のペンギンをイメージした楽曲を発表。その楽曲制作から構想が始まったアルバム『ハンドフルズ・オブ・ナイト』を2019年10月4日にリリース。

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──WORLDWIDE FMが設立されて3年が経ったことについて、どのような所感をお持ちですか？ この3年の間に、自ら発信して道を切り開いていく、そういったコミュニティーは世界中でどんどん拡張していて、僕はそれを予想してなかったんだ。その流れの中で、頭角を現し始めているミュージシャンやヴェニュー、DJ、新世代のアーティスト、新しいプラットフォームにとって、WORLDWIDE FMが重要なものになっていることを誇りに思うよ。 ──その間、そういった流れと同調するように、世界情勢も大きく変化したかと思います。 今がとても複雑な時代であることは、みんなも感じているはず。それに対して、アートや音楽、ファッションのコミュニティーからはいつも興味深い反応がある。それぞれ不満を感じ、政治的にも敏感になっていて、そのことが音楽表現に反映されているんだ。より多くの議論を重ねて意見を交換することでクリエイティブ活動が活発になってきているから、現状をある意味では良く捉えることができる。例えば70年代のパンクシーンのようにね。音楽が政治を再び内包し始めているんだ。 ──なるほど。自ら発信していくことに重きを置いている人が多くなり始めていると先ほどおっしゃっていましたが、10代の頃、自宅の庭に海賊レコード局を作ってらっしゃったとお伺いしました。今でも自身が大事であると考えるDIYの要素はありますか？ DIYの強みは、外部に頼っていないことなんだ。誰からも支配されたり指示されることがない。そして自ら実行に移すことによって、目標のためにどのように動いて、いかに物事を整理するべきか、その一連の流れをスムーズに自分たちで学ぶことができる。 イギリスでシーンが大きくなった理由は、シーンに関わっている人々が演奏できるだけでなくイベントを計画することができたからなんだ。ヴェニューを押さえて、自分たちの空間を作り出したりと、一からプロデュースすることができた。もしくは、自分たちの力でマスタリングやミクシング、音を作ってからレコードをカットすることができる。例えばEzra Collectiveはレコードレーベルを持っていないけど、全て自分たちでやっているんだ。対照的に、〈Brownswood Recordings〉や〈Ninja Tune〉、〈Blue Note〉など、すでに存在しているレーベルから出すためにどうすれば良いかを考えるアーティストもいる。DIYで重要な点は、誰も実権を握っていないことなんだ。イベントのオーガナイズからレコーディングまで、全て自分たちがやる。

──DIYシーンではストリーミングなど、デジタルの普及も大きな役割を果たしています。インターネット環境とデバイスがあれば誰でも音楽にアクセスできるようになった一方で、フィジカルの人気も高くなっていますよね。 DJとして、レコードは買い続けているけど、デジタルでプレイすることもある。今、フィジカルに趣をおいて、レコードのみでリリースする人たちも多い。でも僕は音が良ければレコードには限定しないでDJをするよ。一方でレコードでDJをするのはとても好きだよ。iTunesで曲のリストを作ると、それに沿ってプレイするけど、フィジカルがあると、DJの流れが変わるから。それはフィジカルの持つ一つの魅力だよ。 僕はDJをするとき、持ち時間は長ければ長いほど良い体験を届けられると思ってる。DJの経験を積んできて、幅広いジャンルの曲をかけてきた。だからハウス、テクノ、ジャズ、ブラジル音楽からエレクトロニックをミックスするには2時間は短くて、最低6時間はやりたいと思っているよ。

──ジャンルレスなミックスは、WORLDWIDE FMの大きな魅力の一つですよね。紹介される音楽は実験的な要素も多いですが、現在人気の高いLofi Hip Hopのように、ずっと聴いていられるようなビートが意識されているように思えます。現行シーンで聴く機会の多いビートの質感についてはどう思いますか？ Kieferなどが活躍しているビートシーンは、ドラムンベースなどのようにソリッドなものだと思う。もしくはジャズやクラシックなテクノのように、ずっとあるものだよね。毎夜、僕は新しい音やアーティストをチェックするんだけど、そこでトリップ・ホップの音に近づいていると思ったんだ。Massive AttackやPortishead、DJ Shadowなどオールドスクールとされていた彼らの存在は、新しい世代に再び影響を与え始めている。ビートシーンは僕らがやっていることの基礎にあると思うし、ラップやハウス、全てのジャンルを支えている要素でもある。WORLDWIDE FMでももっと取り上げるべきだね。 ──今日はMoodymannのTシャツを着用されていますね。彼は今年LPをリリースしましたが、2019年で魅力的だと思った作品を教えてください。 彼の『Sinner』はとても良いレコードだったよ！　他だとシカゴの〈INTERNATIONAL ANTHEM〉というレーベルがとても良かった。彼らがリリースする作品は素晴らしいと思う。新しいイギリスの音楽だと、SAULTというグループは注目だね。今年、すでに2枚のアルバム『5』『7』をリリースしているんだ。ポストパンクでありつつ、ジャズやサイケデリックの要素もある。ニューヨークのESGやシカゴのRotary Connectionに似ているかもしれない。加えて、ラジオでもかけやすくて、多くのレーベルが契約したがっているはずさ。それにみんな彼らとイベントをやりたいって言ってるよ。

──日本のアーティストで注目している方はいますか？ DJのPowderはとても良いね。ロンドンに住んでいるKoichi Sakai、WaqWaq Kingdom、CHURASHIMA NAVIGATOR、GONNO…...、あとAkiko Kiyamaもすごく良いよ。彼女はエクスペリメンタルだね。僕が主宰する＜Worldwide Festival＞でもプレイしてくれた。それにMIEKO SHIMIZU、akiko×林正樹。Kikagaku Moyo（幾何学模様）というバンドも。あと小瀬村晶は大好きだよ！　コンテンポラリーなクラシックなんだけど、彼はまだ若い。来年の＜Worldwide Festival＞にはKikagaku Moyoも出演してほしいと思う。あとは日本のレジェンドプレイヤーの日野皓正、それと松浦俊夫もね。あげればキリがないな（笑）。