初来日、そして衝撃のステージ。ロンドンからやってきた3人組バンドのバー・イタリア（bar italia）は、事前情報の少ない新人バンドでありながら、超満員のWWW Xをエレガントにジャックしていた。

去年〈Matador Records〉から『Tracey Denim』と『The Twits』の2作品をリリースし、くぐもった独特の音像とダークな感性で世界中のインディー・ファンを振り向かせたバー・イタリア。突然変異のように出現した彼らはどこかミステリアスで、過去に作品を発表していたレーベル〈WORLD MUSIC〉主宰のディーン・ブラントや、その作品に参加していたミカチューことミカ・レヴィなど、周囲の人物の不可思議な雰囲気と呼応する“ただものではない”風格を放ち続けている。

だからこそ、今回の来日公演で見せたダイナミックなステージングは衝撃だった。ジェズミ・タリック・フェフミとサム・フェントンのふたりがギターで生み出す不穏なうねりの中を、ピンボーカルのニーナ・クリスタンテが漂いながら歌う。クールと激情は紙一重であり、緊張と緩和に支配されたフロアはひたすらに圧倒されていた。＜Coachella＞や＜Glastonbury Festival＞といった大型フェスのラインナップにも名を連ねているバー・イタリア、その真髄が余すところなく放出された途轍も無い一夜だった。

今回は東京公演翌日の3人にインタビューを敢行。昨年のデビューから今回のツアーを経て生じた変化や美学について、そのライブ・パフォーマンスに焦点を当てて話を聞いた。彼らの言葉を追いながら、この異形のロックバンドがどこに向かうのかを見届けたい。

──まず、昨日のWWW Xでのショーの感想から聞かせてください。チケットはソールドアウトでしたね。

ジェズミ・タリック・フェフミ（以下、ジェズミ）：自分がどこにいて、そして何をしているのかを実感した時に感動が込み上げてきたよ。自分は今、東京にいて、満杯のフロアで演奏をしている。そのことで胸がいっぱいになったね。

サム・フェントン（以下、サム）：そうだね、本当にエモーショナルだった。暖かいオーディエンスに支えられていることを感じたし、それに全力で応えなきゃなって思ったよ。普段からそうするべきなんだろうけど、昨日はいつもとは違う感覚だったかな。

ニーナ・クリスタンテ（以下、ニーナ）：「オーディエンスに支えられている」っていう感覚はあった。ショーの前は期待と不安が混ざったような気分になって、昨日も最初はそうだったんだけど、途中からオーディエンスと自分との間に信頼関係が築けていることがわかって、そこから緊張が解けた。お互いにリスペクトを持てたというか、すごくエモーショナルな瞬間だったかな。それに、私に歓声を投げかけてくれる人もいたしね。

ジェズミ：そうだね、パーソナルなファンだね。

ニーナ：うん、一人だけいたね（笑）。

──過去の映像と比べても、昨日はアクションやステージの使い方がダイナミックで、観ている側としてもエモーショナルな魅力を感じました。

ニーナ：前より自然に振る舞えるようになったかな。

ジェズミ：自信がついたんだと思うよ。前よりもショーを楽しめるようになったんだ。もちろんステージは毎回スペシャルだけど、「次回もある」っていう安心感が自信を与えてくれるんだ。それに、演奏を重ねる中で、ミスをする恐怖が減れば減るほど、本来持っていた感情がより前面に出る。クリーンな状態で演奏できるようになったんだ。

──4月の＜Coachella＞や6月の＜Glastonbury Festival＞をはじめ、今回のツアーではフェスにも多く出演しますよね。以前よりも大きなステージでのパフォーマンスとなりますが、心境には変化はありますか？

ニーナ：それについて少し前に3人で話したことがあって。今までは小さいステージに固まって、コンパクトに演奏することによって音楽的な繋がりを感じることができた。だから小さいステージが好きだったんだけど、大きなステージでの演奏を重ねていくに従ってその範囲が広くなった。それはジェズミがさっき言ってたように、自信がついてきたんだと思う。

サム：もちろん、小さいステージは今も好きだよ。そこでしか引き出せないパフォーマンスもあるし、音の反響も早いしね。ただ、大きいステージになると自分たちの音の聞こえ方も変わってくる。建物全体がバンドを包み込むような聞こえ方になるよね、それもトランシーで気に入ってるよ。

ジェズミ：うんうん。小さいステージだと、ギターは一つの音の塊として認識されがちだよね。ただ、大きなステージでは空間を構成要素としてサウンドに組み込むことができる。＜Coachella＞で演奏した時にも感じたけど、そういう聞かせ方の違いを活かすのは楽しいし好きだよ。

──そういった様々なステージでの経験が普段の創作などにフィードバックされている実感はありますか？

ジェズミ：そうだね、人生で音楽制作とショーしかやることがないし、フィードバックがないと困るよ（笑）。

サム：自分たちの作品にどんな影響があるのか楽しみだよ。アーティストは作品を出したらPR活動をしなきゃだし、ツアーもする必要がある。もちろんそれも楽しいけど、やっぱりプレッシャーのかからない場所で進める静かな制作も大事だよね。今はそのためにいろんな経験を集めている最中かな。

──ここまではプレイヤーとしての話をお聞きしましたが、ここからはリスナーとして感じたバンドの魅力についても伺いたいです。というのも、昨夜のショーが作品を聞いた時の印象よりも遥かにダンサブルだったからです。実際に踊っているオーディエンスも多かったですが、そういった反応をステージの上からどのような気持ちで見ていましたか？

ジェズミ：最高。

ニーナ：自分たちのショーで踊ることは必須じゃないし、来た人が自由に楽しめばいいとも思う。ただ、オーディエンスがひたすら固まっているだけの日もあるから、そういう点でも昨日は素晴らしかったね（笑）。

サム：「日本のオーディエンスが感情を表に出すことは少ないぞ」って、東京でのショーの前に言われたんだ。だから覚悟はしていたんだけど、いざショーが始まってみたらそんなことはなかった。みんな楽しんでくれていたよね？

ジェズミ：あぁ、本当にそうだね。昨日みたいに、オーディエンスが音楽の中で迷子になること（lost in music）こそが最もピュアで美しいと思うよ。他人からの目線を忘れて、音楽に没頭したまま動いているのが良かったね。

──素晴らしい表現ですね、僕も音楽の中で迷子（lost in music）になりました。

ジェズミ：うん、何よりだね。

──例えば＜Coachella＞などでも、様々なジャンルのアクトがオーディエンスを踊らせています。その上で、バー・イタリアが「ロックバンド」というフォーマットを採用しているのはなぜですか？

ジェズミ：思い返してみると、僕はギターミュージックでずっと踊ってたな。3人とも踊るのは好きなんだけど、テクノとかヒップホップよりもギターミュージックに対して体を動かすことがとにかく普通だったんだ。ただ、とにかくバー・イタリアは踊るのが好き。今でもパーティーで3人になったらダンスしちゃうよ。

ニーナ：私はなんでも踊っちゃうし、ヒップホップも好きなんだけど（笑）。自分の中ではジャンルの区別が明確についているわけじゃなく、とにかく「踊れる音楽」というものがあるだけ。だけど、この3人で最もフィーリングを共有できて、それを外側に表現できるのが今のバンドの形だとは思う。

サム：例えばテクノみたいに、踊ることに最適化された音楽を聞くのも好きだよ。ただ、そのためだけにデザインされた音楽でダンスのうねりに飲み込まれることはないかな。それはこれまでに出会った様々なバンドに感動して、叫んだり動き回ったりした記憶が関係していると思う。例えばプライマル・スクリームとかね。だから今もロックバンドとして活動しているんだと思うよ。

ニーナ：バー・イタリアは色んな環境で楽しめるしね……そうそう、ここで聞いてみたいかも！（一枚の紙を差し出す）ここ知ってる？

──渋谷の「名曲喫茶ライオン」ですね。ヴァンパイア・ウィークエンドのエズラ・クーニグも通っていたと聞きました。

ニーナ：そうなんだ。ここはヴァイナルだけがかかっていて、音響も最高だって聞いたんだよね！　こういう場所で楽しむのもいいかもね、とにかくデカい音で踊ってほしい。レーベルのオフィスで『Tracy Denim』のヴァイナルがかかっていた時に感動したんだよね、そういうフィーリングを共有してみたいかな。

ジェズミ：まぁ、このツアーが終わったら休暇に入るんだけどね（笑）。

サム：そうだね。とりあえず、自分が感銘を受けたものをゆっくり消化して、次の作品に活かそうと思ってるよ。

ニーナ：でも、ある程度の音源はもう作ってあるんだよね。これからリリースされると思う、楽しみにしててね。

ボノボが主宰するクラブイベント＜OUTLIER＞が、5月18日（土）に渋谷O-EAST + DUO + AZUMAYAにて日本初開催。その中でもコアなハウスミュージックのファンたちが来日を待ち望んでいたのがソフィア・コルテシスだ。彼女が昨年〈Ninja Tune〉よりリリースしたデビューアルバム『Madres』は、ルーツであるペルーで体験した幼少期の記憶をダンストラックへと昇華した傑作として、各方面より大絶賛。＜Glastonbury＞をはじめとした世界中のフェスティバルからも招かれるなど、まさにトップDJへの道を駆け上がるタイミングでの来日公演となった。

＜OUTLIER＞開演の数時間前、ソフィアは自身のトラックを通してオーディエンスと繋がる時間を「まるで天国みたい（Just like heaven）」と表していた。まさにその通り、＜OUTLIER＞で彼女がDJブースの上に立って満杯のオーディエンスと共に『Madres』のタイトルトラックを歌っている瞬間は、今・ここにしかない楽園として煌々と輝いていた。自身のルーツであるラテンの陽性なサウンドとベルリン仕込みのハードなベースが入り乱れる極上の2時間。今回はソフィアのユーモラスな人物像に触れつつ、ルーツを組み込む意義や自身のトラックへの想い、さらには映像方面にも関心を抱いているという彼女の今後の展望まで訊いた。

──今回の＜OUTLIER＞で来日する前にも、何度か日本を訪れたことがあるとお聞きしました。

コロナが流行する前に訪れたことがあります。日本の文化が好きなんですよ。特に田舎の方で聞いた日本の伝統的な邦楽が忘れられません。とても疲れた日に聞く、日本の伝統的な歌だけが入ったプレイリストがあって、それを流して休日を過ごしたりしてます。あと、邦画も好きなんです。

──どんな邦画を観たんですか？

ソフィア・コッポラの『Lost in Translation』！　実際に日本へ来た時に、ビル・マーレイやスカーレット・ヨハンソンが体験したことに共感しました。今回の旅の間も、映画みたいに日本で迷子になりたい（Lost in Japan）気分というか（笑）、色々な場所を訪れたいですね。新譜が既に完成しているので、それに関連した仕事もこなしつつ、フィールド・レコーディングを行う予定です。

──日本を離れた後もツアーで世界を回るんですか？

そうです。まずはジョージアに行って、次にスペインの＜Primavera Sound＞へ出演する予定。その後に控えているのがイギリスの＜Glastonbury＞、個人的に重要なステージなのでとても緊張してます。『ロッキー』の主人公みたいに鍛えておかなきゃ……両手にMPCを持って筋トレしてます（笑）。MPCジムに通わなきゃ！

──（笑）。今回のツアー中に観たいアクトはいますか？

ラナ・デル・レイ、アルカ、それにパルプ。パルプの“Common People”を聞いたことはありますか？　あれはギリシャからイギリスに来たクレイジーな女の子の歌なんです。実は私もギリシャにルーツがあるんですよ。だから“Common People”が好きなんです、一度はライブで聞いてみたいですね。私もスーパーマーケットに連れていかれたい（笑）。

──ソフィアさんはギリシャとペルーにルーツを持っていて、歌詞や過去のインタビューでも幼少期の記憶によく言及していますよね。特にペルーに住んでいた頃のトピックが多い印象です。DJ／プロデューサーとして活動するまで、どのような音楽を聞いていたのでしょうか？

幼少期はキューバ発祥の「トローバ」という音楽を聞いていました。詩的かつ政治的な音楽で、響きも完璧でしたね。

あとはサルサやロックも同時期に聞いていました。その後に両親がクラフトワークを聞いていた影響でエレクトロニカにハマりました。それと、以前はベルリンでライブのプロモーターとして働いていたんですけど、そこで出会ったプレイヤーたちのことがとても好きになりましたね。

──具体的に、どのような人たちとプロモーターとして接していたんですか？

ボブ・ディランにカイリー・ミノーグ……それとフェニックス！　フェニックスはバックヤードでも礼儀正しくて気さくだったし、大好きになりました。インディーバンドはみんな慎ましくて、接しやすかったですね。元々ずっと聞いていましたし、思い出もあります。

──様々な人やサウンドと触れ続けてきたんですね。昨年公開された『Madres』リリース時のPitchforkのインタビューでは、ご自身のスタイルを「salsa electrónica」と形容していました。

ハハハ、多分緊張して変なことを言ったんだと思います（笑）。Pitchforkのインタビューって緊張するんですよ……（笑）。

──（笑）。トローバや邦楽などのローカルな音楽を自分の作品にフィードバックさせることはありますか？

もちろんあります。ただ、創作にローカルな要素を持ち込むのならば、できる限りその歴史について知らなければなりません。それがインディーロックでも、エレクトロニカでも、レゲトンでも。

ただ、実際に制作を進めている期間はクラシックや映画音楽しか聞きません。フォー・テットやフレッド・アゲインが作ったダンストラックを聞くと、それに引っ張られちゃうんですよね。普段はそんなことないんですよ、バッド・バニーとかも聞きます。

──バッド・バニーは昨年の＜Coachella＞で自身のルーツにある文化をレペゼンするようなステージを披露しましたよね。ソフィアさんが仰られたように、ローカルな歴史を重要視しています。

すごく良いことですよね。特にプエルトリコは政治的な問題を多く抱えた国ですし、そこからバッド・バニーのようなスターが誕生して地元を盛り上げることはとても意義深いと思います。クレイジーな曲も多いけど、彼はプエルトリコの子供達へ寄付をしているんです。そういったコミュニティへの還元は、同じラテンアメリカの市民として素晴らしいと思います。

それに、例えばアメリカのラジオを聞いていても、スペイン語圏の音楽はごく普通に選曲されています。10年前ではありえなかった現象です。そういった意味でも、ローカルで伝統的なサウンドへの回帰は進んでいると感じています。

──ローカルな要素に加え、ソフィアさんは家族のエピソードをはじめとしたパーソナルな出来事を歌詞に組み込んでいますよね。そういった楽曲がビートを通じて多くのリスナーと共有される現象について、どのようにお考えですか？

とってもユニークですよね。フロアのみんながシンガロングしているのは少しシュールだけど、特別な時間。まるで天国みたいですね。

だからこそ、この後出演する＜OUTLIER＞が楽しみなんです。オーディエンスがどのような反応をしてくれるのか、とても期待しています。サイモン（ボノボ）はもちろん、初めて見るケリー・リー・オーウェンスのDJプレイも気になります。ステージでMPCを持って踊っちゃうかも（笑）。

──それは楽しみです（笑）。では、今回のツアーを終えた後の活動で、具体的に決まっていることがあれば教えてください。

まずは、先ほど話した通り、新作のリリースが控えています。それに、今は映画の脚本を書いている最中なんです。実は既に書き上げているものもあって、撮影まで貯めている段階ですね。まだ詳しくは言えないけど、音楽に関する映画の脚本です。

──音楽と同じくらい映画にもパッションを注いでいるんですね。

そうなんです、いつか映画監督もやってみたいですね。

──個人的にはソフィアさんが監督したMVを観たいです。

私自身も非常に興味があります。今は新作を作り終えたばかりだし、ツアーの真っ最中なので、十分な時間が確保できていないんです。ただ、年末に1ヶ月ほど休暇があるので、その期間でMVと映画の製作を進める予定です。

──なるほど。単純な興味なのですが、最後にソフィアさんの生涯ベスト映画を教えてください。

そうですね……『ロストボーイ』というヴァンパイア映画が好きです。カリフォルニアで撮影された、クラシカルな作品ですね。あとはフランシス・コッポラの『ゴッドファーザー』シリーズ、ギレルモ・デル・トロの『パンズ・ラビリンス』、NYのブロンクスが舞台の『ウォリアーズ』もよく観ます。どれもサウンドトラックが素晴らしいんですよね。それと、スパイク・ジョーンズって知ってます？　彼の作る映像はどれも美しくて、音楽のセンスも最高なんです。

──スパイク・ジョーンズはMVも多く手がけていますよね。

そうなんです。もし今度スパイク・ジョーンズに会うことがあったら、私の名前を出してください（笑）。彼の作品にサウンドトラックを提供したいんです！

──僕からも推薦しておきます（笑）。

よろしくね！

5月25日（土）と26日（日）に横浜赤レンガ地区野外特設会場にて開催される日本最大級のサーフカルチャーフェスティバル＜GREENROOM FESTIVALʻ24＞。19回目の開催となる今年は、JUNGLEやTONES AND Iといった海外アクトから、KREVAやPUNPEE、Awich、RIP SLYME、羊文学など国内の豪華アーティストが出演。チケットは全券種ソールドアウト、アート作品やショップが並ぶ無料エリアも充実の内容となっており、まさに日本を代表する都市型フェスだ。

「Save The Beach, Save The Ocean」をコンセプトに、様々な歴史を潜り抜けてきた＜GREENROOM FESTIVAL＞。今回はそのオーガナイザーであり、＜Local Green Festival＞などのフェスティバル運営も手掛けるGREENROOM CO.（株式会社グリーンルーム）の代表取締役である釜萢（かまやち）直起に対談インタビューを敢行。お相手は小学館クリエイティブより著書『フェス旅　～日本全国音楽フェスガイド～』を刊行したばかりのFestival Life編集長・津田昌太朗。古くから＜GREENROOM FESTIVAL＞を知る津田と共に、その歴史を辿りながら、確固たるブランドを築いた背景、そして来年に控える20周年への構想などを訊いた。

──まず、改めて＜GREENROOM FESTIVAL＞がどういうフェスなのか、お伺いできますでしょうか。

釜萢直起（以下、釜萢）　＜GREENROOM FESTIVAL＞は「Save The Beach Save The Ocean」をコンセプトにしていて、サーフカルチャーやビーチカルチャーをテーマにした音楽とアートのカルチャーフェスティバルです。MUSICの部分にはライブがあり、ARTは今年でいうと24名のアーティストがアートギャラリーエリアで展示しています。外にはツリーハウスや流木で作ったトーテムポールなど、フィールドアートがある。そして、サーフマーケットにはいろんなサーフブランドやセレクトショップが立ち並んでいて、マーケットも充実しているフェスティバルですね。何か一つにこだわっているというより、音楽とアートという全体を通して海のカルチャーを伝えていくことを大切にしています。

──世界中のフェスに足を運んでいる津田さんにお伺いしたいのですが、＜GREENROOM FESTIVAL＞にはどういった特徴があると思いますか？

津田昌太朗（以下、津田）　海をテーマにしていて、「Save The Beach Save The Ocean」といったコンセプトを打ち出している音楽フェスって世界的にもあまり見かけません。また、日本にもコンセプトやテーマがあるフェスはあるけど、全面的にそれを打ち出してるフェスは実はそこまで多くない。音楽フェスなんだけど、音楽以外のコンセプトをしっかりと打ち出しながらこの規模で行われているフェス、ということ自体がすごく突出してるんです。そのコンセプトをベースに、＜Greenroom Beach＞や＜Local Green Festival＞などを展開しているのもユニークな点です。釜萢さんは音楽フェスではなく、「アートとカルチャーのフェスなんだ」ってよく言いますよね。

釜萢　カルチャーフェスを作る方向性はずっと変わらずですね。

津田　軸がありつつ、ラインナップは旬のアクトや常連がいて、お客さんも毎回入れ替わっているような気がするし、他のどのフェスにも似ていない雰囲気がある。定着しすぎて見落としがちだけど、なぜ＜GREENROOM FESTIVAL＞だけはこれが成立するんだろうというようなことがフェスの細部にたくさん散りばめられている。もちろん運営面などで国内のフェスカルチャーがベースにあるとは理解しつつも、日本のフェスの影響をそこまで感じないというか。

それと＜GREENROOM FESTIVAL＞は海外のアクトも多く出演しますよね。今回、釜萢さんに一番聞きたかったのは、海外のアーティストの流れです。今年は世界的に「ヘッドライナー不足」「アーティストのフェス離れ」ということが語られていたりすることもします。個人的にはその論調にはまだ懐疑的なのですが、日本目線に立つと、円安や物流などの影響で、海外のアーティストを呼ぶのは以前より厳しくなっているように感じます。

釜萢　円安の影響はありますよね。それと、コロナ禍でコール＆レスポンスができないような状況になってから、お客さんとどう楽しむかを考えたときに、ダンスミュージックの存在がすごく大きくなってきたと感じています。それで今年はJUNGLEやSG Lewisなどが出演したりと、コロナ禍の影響があってもみんなで楽しめる方向に向かっていきました。Fred Again..がフェスのヘッドライナーを務めていたり、世界的にもダンスミュージックの存在は大きくなっているし、各フェスのオーガナイザーも同じようなことを感じていたのではないかなと思います。

津田　その中で、JUNGLEとTONES AND Iはずっと狙っていた感じですか？

釜萢　JUNGLE、めちゃ踊れるでしょ。彼らは初期の頃からずっと呼びたくて、今年うまくいってオファーを受けてくれた。前回の来日は2018年、渋谷のWWWだったかな。BRIT AWARDS 2024ではGroup of the Yearだったし、勝負の年だよね。

津田　彼らがデビューした頃、僕はイギリスに住んでいたんですが周囲の音楽好き、フェス好きの反応もとても良くて、特にイギリス国内ではフェスバンド的な扱いで、どんどんプロップスが上がっていって、どのフェスでも話題をかっさらった感じがありました。でもそれ以降、しばらくは大規模フェスでいうとラインナップの三列目くらい、中堅から上がらない感じもあった。そして、コロナ禍を経てから徐々に良いラインに入るようになってきて、今年は特にJUNGLEにとって大事な年なのかなと。「フェスでよく見るバンド」から、どう進化できるか。そんな中でJUNGLEをヘッドライナーとして呼んでいる意味は大きいですよね。

釜萢　TONES AND Iに関しては、＜GREENROOM FESTIVAL＞が延期・中止を繰り返して頃に、彼女の曲を一番聴いてたんですよ。“Dance Monkey”がラジオとかでも流れてたりしていて、シンプルに音楽の力を感じた。コロナ禍の混沌とした中で助けられた部分があったから、コロナ禍が明けてからも、ぜひ呼びたいと思っていて、オファーをさせていただきました。

津田　もともと2020年に来る予定だったけど、コロナ禍でなくなってしまったんですよね。あのときに来ていたら“Dance Monkey”が中心になっていたかもしれないけど、時間を経て、それだけではない彼女が観られるのも楽しみです。

釜萢　自分はオーストラリアに留学していた経験があって、なかでもバイロン・ベイがものすごく好きなんですよ。去年出演してもらったTASH SULTANAだったり、TONES AND Iはバイロンやメルボルンのカルチャーがベースにあるから、自分の中では繋がりのあるブッキングだと思います。

津田　グリーンルームというか、釜萢さんはオーストラリアのアーティストをフックアップして、日本に紹介する流れというか、そういう狙いを持っていると昔から感じます。最近だとTASH SULTANAもそうだし、初期だとBLUE KING BROWNも、＜GREENROOM FESTIVAL＞がいち早く日本にプレゼンテーションした感じがあった。

釜萢　バイロンでは＜Splendour In The Grass＞や＜Byron Bay Bluesfest＞といったフェスもあるんですよね。音楽の街であり、サーフィンの街でもある。

津田　釜萢さんと話すと、その2つのフェス、そして開催のきっかけにもなったカリフォルニアの＜Moonshine Music Festival＞の話題がよく上がります。そういうフェスのブッキングや歴史を見ていると、グリーンルームが作ってきたものとリンクする点もあって面白いんです。

──全体のラインナップに関してはいかがですか？

津田　今年のラインナップは抜け目なく、すべての層を網羅していると感じました。まさにオールジャンルフェス。そして初日はヒップホップ勢も充実しています。

釜萢　今年はPUNPEEさんに初めて出演していただける、というところですね。

津田　PUNPEEさんのライブは本当に楽しみです。横浜だからこそ、初出演だからこその何かに期待したい。あと同日に出演するKREVAさんと何かあるかなあとか。僕は主催者じゃないから、お客さん目線で何でも言っていこうと（笑）。

──（笑）。

津田　そもそも＜GREENROOM FESTIVAL＞のブッキングはどう進めているんですか？

釜萢　リストを作ってどんどん当たるという、昔から変わらないやり方で、シンプルに自分で選んでる。基本はこちらからオファーを出します。

津田　普段はどう音楽をチェックしているんですか？

釜萢　ライブを観に行くのが原則ではあるけど、SpotifyやYouTubeもよくチェックしてるし、世界中のフェスのラインナップもみてる。それと、ミュージックビデオが好きで。そこで全体のクリエイティブを見るというのが一番大きいかな。アーティストのカラーやトンマナがわかりますよね。

──＜GREENROOM FESTIVAL＞のラインナップは、毎年きれいなグラデーションがありますよね。

津田　フェスには縦の並び（同じステージに前後誰が出るか）と横の並び（同じ時間の別ステージとの重なり）があるじゃないですか。ステージやタイムテーブルに関して、何を大事にしていますか？

釜萢　縦と横の両方、意識的に組んでいます。メインステージ「GOOD WAVE」でのライブが終わったら、「BLUE SKY」「RED BRICK」のどちらかにいくという選択肢がちゃんとある。それがちゃんとチョイスできるということが、フェスとしては重要なポイントだと思ってます。「GOOD WAVE」にヘッドライナーが出演する時間は、他のステージの音は全て止めてます。フィナーレはメインステージで、ヘッドライナーで踊ろうぜというスタイルですね。

津田　各ステージにトリがいて、メインステージと同じ時間に横並びでライブが行われるフェスも多いですが、＜GREENROOM FESTIVAL＞はヘッドライナーを最後みんなに観て欲しいという意思が感じられるタイムテーブルなんですよね。たとえば初日はJUNGLEがヘッドライナーで、横のアクトはいない。実はそれって＜GREENROOM FESTIVAL＞の大きな特徴かなと思います。最後はみんなで集まって楽しもうよというメッセージみたいな。

釜萢　そうなんです。そこに演出も合わせていて、今年はディスコ仕様になります。年々アーティストも大きくなりブッキングのハードルは上がっているし、19年間続けてきてそのことを強く感じているので、ヘッドライナーを迎えるにあたって、オーガナイザーとしては世界のフェスに負けないクオリティやステージスペックを準備すべきだと思っています。

──アーティストからもオーディエンスからも、ラインナップのジェンダーバランスなどに対するフェスティバルの姿勢はかなり重要視されていますよね。＜GREENROOM FESTIVAL＞では環境問題への取り組みが注目されています。

釜萢　そうですね、海岸へのゴミ箱の設置やビーチクリーンをやっています。フェス当日はノープラスチックの活動をしていて、バイオマスの容器を使ったり、今年から新たにリフィルでアルミカップを採用してます。プロバスケチームの試合に行ったりすると、アルミカップにビールを入れてくれたりするんですけど、その形式になります。アルミカップにはロゴが入っていて、記念品として持ち帰ってもらえたりもする。極力、捨てるゴミを減らすようにしています。

コンテンツとしても、たとえばアートギャラリーのペインターたちは海からインスパイアされていて、海の大切さをアート作品を通じて常に伝えている。ミュージシャンも海から影響を受けている方も多くて、さまざまな取り組みが集約されていると思います。

津田　イギリスの＜Glastonbury Festival＞もペットボトルの使用を廃止して、水もアルミ缶で提供されたりしていますね。それと去年、北欧のフェスに行ったんですが、環境に対する意識の高さを体感しました。ノルウェーのではそもそも車を使わないように自転車での交通を推奨して、フェス会場の真横に大きな駐輪場が用意されていたり、フェス全体でもクリーンエネルギーを使っていたり、会場内の食事にも環境意識の高いお店が多かったりと、フェスをどうサステナブルに継続するか、そして社会に貢献していくかみたいな意識が高い。

津田　スウェーデンの＜Way Out West＞は、アーティストグッズは販売されていたけど、フェスのオフィシャルとしてはグッズを売ってなかった。その代わり、古着や無地のTシャツを買って、バックプリントを入れるサービスがある。なぜかというと、フェスという一大産業の中で何千枚というTシャツを作ること自体が環境への負担が大きいんじゃないかという考えがあるから。でもフェスのTシャツって、とても大きい収益でもある。その葛藤はあるだろうけど、ある意味フェスのメッセージとして、既存のTシャツ販売をやらないことに踏み切った。全部のフェスがそうなるべきだとも思わないけど、そのフェスが打ち出すメッセージに共感してよりファンになっていくみたいなことはあるんじゃないかと。＜GREENROOM FESTIVAL＞も日本の他のフェスに比べると、オフィシャルの物販はほとんど作っていないですよね。

釜萢　そうだね。＜GREENROOM FESTIVAL＞のオフィシャルを買ってもらうことよりも、カルチャーとして、サーフブランドやセレクトショップが出店しているから、そこを楽しんでほしい。ブランドが協力しあって、みんなで作ってるお祭りだからね。

津田　フェスではどうしても大量生産・大量消費が発生してしまう。スタッフTシャツとか、必要なものもたくさんある。もちろん一気には変えられないけど、日本でも少しづつ兆しはあって、例えば、着なくなったバンドTやフェスTを回収したりして、そのお返しがあるフェスも出てきています。そういった取り組みを意識的に行っていることで、印象も変わっていきますよね。

物販の話を続けると、面白いのが＜Coachella＞は5年前くらいから物販に並ぶという文化が定着しました。以前と比べると、並ぶ時間は3倍以上になったんじゃないかなかと。客層が変わって、「コーチェラに行ったことを自慢したい」みたいな気持ちからマーチが飛ぶように売れるようになったのだと思います。ちなみに＜Glastonbury＞は5分で買える（笑）。国やフェスによっても全然違うんですよね。

釜萢　そうなんだ。最近、刺繍サービスも増えたね。

津田　昨年タイで開催された＜Rolling Loud Thailand＞に行った時にいいなと思ったのは、リーバイスが出店していて、何百種類ものワッペンやプリントを用意していて、ラインアップやロゴを購入したTシャツやアウターに付けたりできる。自分だけのオリジナルなものが作れて思い出にもなる。もし仮にTシャツが売れ残っても、店舗にはプリントされていない真っ白なものが残るので、別のフェスやイベントでも使えて無駄も少なくなる。物販を見るだけでもそのフェスや出店しているブランドのメッセージや意思みたいなものが感じられるのもフェスの面白いところかなと思います。

──GREENROOM CO.では海への愛や環境問題への意識を軸に、さまざまなフェスをやられていますよね。

釜萢　5月に＜GREENROOM FESTIVAL＞があり、7月には＜OCEAN PEOPLE＞を稲毛海浜公園の「SUNSET BEACH PARK INAGE」でやります。＜OCEAN PEOPLE＞は完全にリニューアルして、プールとビーチのフェスティバルにしたいんですよ。海岸と稲毛海浜公園プール（INAPOO）というすごく大きなプールがあるんですが、そこを全て使ってやる。イビザなど、ビーチとプールをあわせたフェスをやってる場所はいくつもありますよね。やっぱり水着とかになると、すごく自由を感じる。でも、日本ではプールフェスが根付いてこなかったんですよ。挑戦ですね。

津田　＜OCEAN PEOPLE＞は代々木公園でも毎年盛況で成功しているように思っていましたがどうでしょう？

釜萢　＜GREENROOM FESTIVAL＞のコンセプトにより近づけていくためには場所もすごく重要で、プールとビーチが目の前にある環境で、それを肌で感じないと伝えられないんですよ。＜OCEAN PEOPLE＞は当初から海にふれあうきっかけを作っていくことがコンセプトにあるから、思い切って。水着を着て、プールでライブを楽しんだ後、そのまま海にも出れる。マーケットもあればフードもある。夏のいい思い出がちゃんと作れるんじゃないかなって。

釜萢　8月には＜MARINA SUNSET＞があって、これは＜GREENROOM FESTIVAL＞のアフターパーティーという立ち位置。＜GREENROOM FESTIVAL＞の規模が大きくなってきた中で、原典的なイベントをやりたいと思っていて、今年はDJに加えてバンドライブもあります。

また、今年からアートギャラリーのエリアも作って、湘南のアーティストの作品を展示したり、逗子や葉山、鎌倉のアパレルブランドによるマーケットもあります。よりコンセプチュアルにしたいんですよね。会場のリビエラ逗子マリーナは、とにかくサンセットが群を抜いて綺麗ですよ。

津田　それと、今年は＜Local Green Festival＞が9月から11月に移動します。

釜萢　＜GREENROOM FESTIVAL＞のあとに開催するフェスは、それぞれ制作期間がかなり短いんですよ。それを前から考えていたのと、9月が暑すぎる。秋のフェスとして立ち上げたのに、9月はもはや夏じゃないですか。植物をテーマにしていて、いろんな植物屋さんに出店してもらってるけど、暑すぎると植物が枯れちゃうんだよね。植物にとって、2日間はものすごいダメージになってしまう。そういった観点から、日本では＜朝霧JAM＞が最後のフェスと呼ばれていたけど、それよりもさらに後ろ倒しにして新しく作り変えたいと思っています。その時期、アーティストはワンマンツアーを回っていることが多いので、ブッキングしにくいという点はもちろんあるんだけど、チャレンジしたい。晩秋って、食べ物も美味しいじゃん。

津田　日本の夏が暑すぎる問題はありますよね。先ほどおっしゃっていたように、10月の＜朝霧JAM＞が夏フェスからの流れの締め括りで、それ以降は野外だと11月頭に＜FRUE＞がある。それからは少し落ち着きつつも、屋内開催のものを中心年末まで繋がっていくけど、大きいフェスはやはり少ない。昔は＜Hostess Club Weekender＞などもありましたが、11月には日本にフェスが少ない。そこで、11月の中旬、横浜の屋外での開催はチャレンジですよね。それに新しい市場を作る可能性を秘めていると思います。

11、12月は海外アーティストが単独ツアーで回ってきて、香港は＜Clockenflap＞、インドネシアは＜Joyland Festival＞、タイは＜Mahorasop Festival＞などがあるタイミング。＜Local Green Festival＞は邦楽メインだと思うんですが、その辺りの展望はありますか？

釜萢　ある。海外のフェスとの連携は年々増えていて、＜GREENROOM FESTIVAL＞でいうと＜Seoul Jazz Festival＞がある。より深く連携して、いいアーティストを招聘できるのであれば積極的に組んでいきたいと思っています。

──11月と海のカルチャーはどう関係しているのでしょうか？

釜萢　＜Local Green Festival＞のテーマは植物ですが、海を綺麗にするには緑が絶対必要なんです。海の水が蒸発して山に雨を降らせ、川になって流れていくという循環がある。山と川は綺麗だけど、街を通ると汚れてしまい、海はその最終地点になってるんですよ。ビーチクリーンを19年もやっていると、海という最終地点でゴミを拾ってるだけでは解決しないことを痛感するんです。だから根本的な部分から取り組んで啓蒙できることはないか、という思いが詰まっています。

＜Local Green Festival＞は＜GREENROOM FESTIVAL＞ほどまだ知名度が高くないから、これからがっちり作り込んでいきたい。＜GREENROOM FESTIVAL＞は19時まで明るいから、21時まで2時間しか夜はない。でも11月は17時から日が落ちるから、夜の演出も増やせる。星も綺麗だし、野外でクリスマスソングとか聴いてみたいよね。

津田　もうひとつ訊きたかったのは、釜萢さん的に＜SUMMER SONIC＞のタイ進出をどう捉えていますか？

釜萢　とてもすごいことだと思います。＜GREENROOM FESTIVAL＞も以前ハワイで5年間やっていた経験があるので、難しさも分かるから。自分もチャンスは感じていて、ハワイでの＜GREENROOM FESTIVAL＞は復活させたい。

津田　僕は個人的な話になりますが、世界中回っているのに、ハワイは行ったことないんです。デビューは＜GREENROOM HAWAII＞にしようと思っています。ハワイ、いつ復活させましょう？（笑）

津田　2010年代を経て、＜GREENROOM FESTIVAL＞はフェスシーンで圧倒的な存在感を示したし、たくさんのフェスに影響を与えたと思います。フェスという文化が、現在のように一般化するのにもかなり貢献したと僕は捉えています。そんな＜GREENROOM FESTIVAL＞の次の10年の展望が気になります。

釜萢　そんなことないですよ。これからもクオリティーを上げていきたいし、まだ満足できてない。まだ届いていない部分がある。理想としているものには、20年やり続けてもまったく届かないくらい。赤レンガのキャパシティから考えると、巨大フェスのやり方を求めていくのは難しいから、あのキャパシティでベストなものを作る方向になりやすくて、それはある種、完成系に近づけていくという作業に近い。

でももう一方で、より大きく展開したい願望もある。例えば、みなとみらいの街一体で考えて、＜Austin City Limits Music Festival＞や＜Lollapalooza＞のような形にしたらいいかとか、どこまでチャレンジできるのかも含めて、模索していますね。