━━おふたりは初対面とのことですが、それぞれの経歴や通ってきたカルチャーなどを辿ると、もしかしたらどこかで接点はあったのかなと感じました。 米原康正（以下、yONE）　たぶんどこかで会ってはいるけど、喋ったことはないですね。僕はデウス（＝Deus Ex Machina）をやっている社長と関係があって、以前はよく行っていたので。 Tappy　そのデウスというブランドに僕はスポンサーされているので、きっとどこかのタイミングで同じ空間にはいましたよね。 yONE　自分たちの年代は、辿ると実は被っていたっていうことがよくあると思います。 ━━共通点で言うと、米原さんが以前に受けていたインタビューを拝読したところ、サーフィンを10代後半からやっていたそうですね。 yONE　18から28歳までの10年間。18歳からは毎年バリにも行っていました。そのときはチャングー（※）がまだ掘っ建て小屋ひとつみたいな時代で、この前チャングーへ行ったら全然違う街になっていましたね。 （※チャングー：元々はサーファーのみぞ知る穴場スポットだったが、近年は急激に開発が進み、カフェ・レストラン・ヴィラなどが広がるバリ島屈指の観光エリアに変貌中） ━━米原さんは1970年代から1980年代にかけてのパンクやニューウェーブなどの音楽が好きで、東京＝パンクだらけと思っていたけど、実際は「サーファーじゃないとモテない」と知ってサーフィンを始めたエピソードが好きです。 yONE　当時はモテたいと思っていろいろ行動していて、大学で東京に出てきてパンクがウケると思っていたけどまったくモテなくて。70年代後半ぐらいから80年代にかけては、完全に第2期のサーフィンブームでした。

━━音楽で言うと、たしかTappyさんもその時期のパンクが好きだとか。 Tappy　そうですね。70年代から80年代のパンクやニューウェーブが好きで、最初に聞いたのはザ・クラッシュ（The Clash）。 yONE　自分はセックス・ピストルズ （Sex Pistols) を76年とかに聞いて、上京してからはサーフィンしながら新宿のツバキハウス（※）で遊んでて。海に向かうときは大瀧詠一、帰るときはパンクやニューウェーブを聞く、そういう時代でした。 （※ツバキハウス：＜LONDON NITE＞など数々の伝説的なイベントが開催されたディスコ。のちの東京カルチャーをけん引するクリエイターたちが通っていた） ━━Tappyさんがサーフィンを始めたのはいつごろですか？ Tappy　小6からです。始めたのが早かったので、米原さんと僕の歳の差だと、同じぐらいの時期にサーフィンをしていたかと。ツバキハウスも行ったことがあります。 ━━やはり接点はありましたね。ここからはクリエイターとしての原体験をお聞きしたいのですが、まずTappyさんがボードビルダーを志したきっかけを教えてください。 Tappy　きっかけは、僕の姉の彼氏がプロサーファーでボードも作っていて、彼のところに遊びに行けば海に行けたこと。藤沢まで自転車で行って仕事が終わるのを待ち、波がないときは一緒にクルマでその人の地元の茨城まで行きました。 そのころからサーフボード工場に出入りして、そのまま働き始めて、高校は途中でドロップアウト。音楽やアートに興味が出てきたのはそのころでしたね。というのも、当時の日本のサーフィン業界はまったくアーティスティックじゃなかったんです。音楽もサーフィン＝この音楽みたいな決まりもあって、ダサいと思っていました。僕はツバキハウスとかに行っている子たちと仲良くなったり、当時の彼女がデヴィッド・ボウイ（David Bowie）が好きだったりしてそういう影響を受けていましたが、サーフィン業界自体はサブカルチャーと繋がっていない時期が長かったです。 ━━その時代に自分の中で何が響いて、ボードビルダーになろうと思ったのですか？ Tappy　そのときはサーフィンに行けるからやっていただけで、正直なところあまり響いていませんでした。ただあるとき、10代の時期にアートスクールに行っていたことを思い出して、そこで学んでいたことって面白かったなと。それでほじくり返したのが30歳になってから。それまでの10年ぐらいは自分で書いたり作ったり、アート活動をしていました。だから今の道に辿り着くまでには、けっこう時間が掛かっています。

━━それは意外でした。一方で米原さんのクリエイティブの原体験はいつですか？ yONE　元々は大学のときに編集のバイトをしたり、ライターとして文章を書いたりしていました。芸能人のインタビューなどをしていたときに岩城滉一さんと出会って、そこから“モテ道”を含め、がっつり遊びを教えてもらいましたね。「岩城さんは特別なので、同じことをしてもダメ。岩城さんの逆をやってモテるにはどうしたらいいか」など、考えることなどを学びましたよ。 ━━Tappyさんにはそういう師匠的な存在の方はいましたか？ Tappy　僕の場合は海外を含め、いろいろなところに勉強しに行きました。シェイパーはあまり自分の仕事を見せてくれない人が多かったのですが、カリフォルニアやオーストラリアに、1週間から最長で3ヵ月とか行ったりして。海外のシェイパーは聴く音楽もカッコ良かったですし、そういったところからの影響が大きかったですね。当時、日本ではサーフィン業界のことしか知らない人が多かった。だからサーフィン業界にサブカルチャーを最初に取り入れたのは、僕たちの世代だと思います。 yONE　僕の場合、サーフィンはすごく好きでしたが、性格的にサーフィンしかしなくなっちゃう。今はもうまったく一緒に考えていますけど、そのころって仕事は仕事、趣味は趣味みたいに考えていて。まあ、乗る波が変わっただけで、今は“夜の波”とかをサーフィンしていますよ（笑）。

━━今回の対談のメインとして、「冒険心×CREATIVE」というテーマがあるのですが、まず“冒険心”という言葉を聞いて、率直に何を思い浮かべますか？ Tappy　僕にとっては非日常な今日も冒険。サーフボードを作ることも冒険ですし、その中で新しいものを生み出すことも冒険といえば冒険。日常との境目はないですね。 yONE　新しいことを考えるとか、新しいことを始めるとか。「今までこうだったから、こう考えなきゃいけない」っていうことをやめるのがきっと冒険。「もうずっとこれでいいや」と思ったらダメだと思います。ちなみにTappyさんはこれまでサーフボードを完璧に作れたことはありますか？ Tappy　100％は絶対ないです。というか自分の中で何%かもわからないですね。 yONE　自分の思い描く100%に向かってずっとやり続けるみたいな？ Tappy　それもあるかもしれないですし、全然違うことをしたくなるかもしれない。 yONE　でもそれって飽きないですよね？ Tappy　飽きないですね。大好き。ほとんど休まないです。自宅が作業場で、物を削る道具は庭、仕上げる工場は10分くらい離れたところにあります。そこにスタッフが4人いて、1日で2本か３本、ロングボードは2時間半、トータルで10時間ぐらいは働いています。朝起きるのも早いので、工場に行くのも僕が最初。夏の波がいいときは海に入って、工場に行って、家に戻って削ってみたいな生活を毎日繰り返しています。 yONE　きっとTappyさんも気持ちが新しくて、日々同じようで同じじゃない。僕は今、編集者として新しいアーティストをキュレーションして展覧会を開くというのを、毎月3本ぐらいやっています。なおかつ常に新しいアーティストを探す作業をしているので、1日中調べていたり、知り合いのイベントに顔を出したり。「どこにでもいますね」ってよく言われるけど、「それが仕事だから当たり前だろう」って話で。どこにでもいないやつの方がおかしい仕事をしているのに、今の編集者は誰も来ないし、何も見に来ない。そんなやつに「どこにでもいますね」って言われたくないですよね。僕は人に会うのが当たり前の仕事だし、Tappyさんはボードを作るのが当たり前の仕事。それが大変なわけない。 Tappy　それが楽しい。仕事は仕事ですけど、好きなことなので。 yONE　『egg』っていう雑誌を昔作ったときにも、「ヨネちゃんは女子高生が好きだからな〜」って言われて。いやいや、好きっていっても仕事だし、ちゃんと面白いと思ってやっているわけで。好きなことをやっている人は、普通の人から見ると変に見えるときがありますよね。それに多くの人は趣味と仕事を分けて考えるけど、Tappyさんは分けてないですよね？ こういうインタビューのときも、どこかでボードのことを考えてないですか？ Tappy　そうですね。明日、何をしようかなって。

━━趣味も仕事も分け隔てなく、好きなことが日常に溶け込んでいますね。 yONE　それは最初からですね。 Tappy　ただ僕は食えるようになったのが遅かったし、いろいろうまく回り始めたのは最近なんです。昔はコンペ志向のボードがほとんどでしたが、今はオルタナティブボードといって、いろいろな形を何本も所有する文化が定着しました。僕はその文化がないときに、周りから「そんなの作って売れるのかよ」って馬鹿にされながらやってきたので。 ━━そういったカウンター精神も、“冒険心”という言葉には含まれていると思います。その意味でも、おふたりのクリエイティブには共通点が多い。 Tappy　光栄です。 yONE　真面目な話、周りを見るとね、どんどんそういう冒険心みたいなものがなくなっていく。30代でもうすでにない人もいるし、40代や50代になるとさらにそういう人が増えていくので、自分はそうはなりたくないなと思って。 ━━ちなみに変化に対しては、抵抗感よりも興味の方が強いですか？ yONE　僕は仕事の対象がずっとハタチ前後の女子なので、「今のハタチの子は何が好きなのか？」というのは常に意識しています。あとは今日みたいなインタビューのときは別として、基本的に昔話をしないようにしているのと、知らないことがあれば若い子に聞く。子どものころは知ったかぶりする大人が嫌いだったはずなのに、周りを見渡すとね。 Tappy　知ったかぶりしていますね。あとは自分の武勇伝とか、悪いこと自慢とか。 yONE　ちゃんと今を生きているのかどうかを常に考えていると、新しい情報も自然と入ってくる。「それってホントに人気なの？」みたいな感じで疑ってかかる年寄りはダメですよね。 Tappy　今だったらSNSもあるし、僕の場合は人づてでけっこう来てくれる。その子たちが僕の庭で削ったボードを見て、キャリアだけ長いおっちゃんたちよりも、若いこいつらの方がすごいなって感じることも多いです。自分ぐらいの年齢になると歳上で目標になる人も減ってくるので、米原さんみたいな人はすごく刺激になります。 yONE　ありがとうございます。自分たちみたいな人は周りから見ると不真面目に見えるかもしれないけど、ちゃんと面白いことを続けるためにすごく真面目ですよね。

━━おふたりにとってクリエイティブが湧き出てくる瞬間はありますか？ yONE　ありますね。面白いものを見つけたら関わりたいので、すぐ連絡したり会いに行ったりしますね。あと年齢的に後ろを振り返るよりも先の方が短いので、「今やりたいことをやっておかないと」っていう気持ちが昔よりもあります。躊躇することはもうやめようと。躊躇っていろいろな理由を付けてただやらないだけだと思うし、だったらもうとにかく動くっていうのを、歳を取ればとるほどやるようになりました。明日死んで「あの子ともっと話しておけば……」とかは嫌なので。女の子だけではなくて全部そうですよ。まあでもそう考え始めたのも60過ぎてからで、そうしていれば急に衰えないだろうなって。 Tappy　自分の周りも年下の方が老けてきているけど、僕は今が気持ち的にも一番元気な気がします。アイデアの引き出しもまだまだあるので。 yONE　ボードを削るときに、これは譲れないみたいなコンセプトはありますか？ Tappy　なんでしょう。ただ今は、世界的に見ても若くて才能を持った子がたくさんいるので参考にすることはあります。あと調べてみるとその子の親が同じ世代でサーフィンやっていたり、アーティストやミュージシャンだったりすることもあって面白いですよ。 ━━プロダクトを生み出すときに踏むプロセスがあれば教えてください。 Tappy　できればその人の情報があったほうがいいですけど、全員が全員会えるわけじゃないので、ボードの場合はオーダー表にイメージを書いてほしいと伝えます。身長や体重とかではなくて、その人の好きな音楽とか趣味とかの情報をくださいと。要はその人の好みですね。そういう情報からイメージしてカラーやデザインを決めます。 ━━今回のglo™コラボのデザインやカラーはどのように決めましたか？ Tappy　元々は僕がレジン（樹脂）アートを施したスケートボードがあって、それがベースです。質感は少し違いますが、デザインやカラーはサーフボードに表現したものを、ほぼそのままに落とし込みました。

━━デザインやカラーなどはテーマ性を持って決めますか？ Tappy　テーマ性はないですね。毎回そうですが、決めて作るとできなくて。前はデザイン画とかを書いていましたが、今はもう全然ですね。 朝になって、ボードに向き合ったときのフィーリングで決める。このカラーもいつかの朝のフィーリングです。 ━━米原さんにもそういったフィーリングで決める感覚はありますか？ yONE　僕は基本的にSNSでアーティストを探すときもフォロワー数とかは関係なくて。その人や作っているものが、自分の感覚で面白いと思える人を追いかけることを心掛けています。どんな仕事をしている人でも、言葉で説明できない部分はありますよね。 Tappy　人間の種類なのか。頭の中に設計図がしっかりあるような人もいますし、そういう人を見ると自分はまったく違う人間だなと思います。ただ米原さんは自分とすごく近い気がして、めちゃくちゃ親しみを感じています。 yONE　ありがとうございます。 ──日々の中のフィーリングで生み出されるアイデアが、今回のglo™のプロダクトにも落とし込まれていると思うと、より特別なものに見えてきます。 Tappy　そう思ってくれるとうれしいですね。僕はサーフボードとかも、削ったあとはすぐに新しいものへ気持ちが移ってしまう。自分の使っているボードも何回か乗ったら誰かに譲りますし、いつも自分を新鮮な状態に保つようにしています。

━━予定ではインタビューの最後に、今後挑戦したいことを聞こうと思っていましたが、それもおそらくおふたりにとっては毎日変化し続けているわけですね。 Tappy　はい、答えられないですね。最近でも面白いと思ったものがあるはずだけど、思い出せない。でも、それで言うと、「あってほしい」とはいつも思っています。自分がサーフカルチャーを広げていきたいみたいな気持ちはまったくないですけど、この業界に携わって生活できる人が増えてほしい。まだまだすごく狭い世界だから、自分と同じようなことをやっている若い子たちが、しっかりと食えるようなカルチャーになってほしいです。 yONE　海外では最近だと中国は特にそうですが、アーティストにちゃんとお金が回っている。ただし日本はアートブームといっても、一部の上の人たちだけが儲かっているだけなので。流行っている人だけを追いかけるのではなく、それ以外の部分に目を光らせて底上げしていかないと、サーフィンだけでなくすべてのジャンルがブームで終わってしまう。 Tappy　日本ではブームに追いついていく若いビルダーが少ない。さらに生活ができないからいろいろな事情で辞めていく。海外みたいな二世とか三世が出にくい土壌があります。 yONE　カルチャーでちゃんと繋がっている人たちが、日本でも出なきゃ難しい。反射神経でフォローやいいねとかじゃなくて、ちゃんと根本的なところで繋がっていかないといけないなって思いますけどね……フフフ、何か笑いで最後落とそうと思ったら真面目になっちゃった。でも、やっぱり自分が今、一生懸命やっているものが一番面白かったりする。その先にまた違うものが出てきてそっちに移るかもしれないけど、そんなことすらも考えずに、今を一生懸命やっていた方がきっと人生楽しいですよね。 Tappy　そうですね。続けながらの変化だし、続けていくことが一番大変だと思うので。たまにいろいろやりすぎだって言われることもありますが、自分の中では根本ですべて繋がっているので、「それの何が悪い」と思って今でも変わらずやり続けています。

DJ/プロデューサーのLawrenceことPeter Kerstenからインフォメーションが届いたのをきっかけに取材の準備を始めた。10月7日から17日の10日間に渡り、コンベンションセンター「ICC Berlin」にて開催された＜THE SUN MACHINE IS COMING DOWN＞は、ベルリン在住のクリエイターたちが次々と写真や動画をソーシャルメディアにポストするほど話題となった。

誰もが写真を撮ってポストしたくなるようなアイコニックな建物は、1979年に建築家ラルフ・シューラーによって設計された。28,000平方メートルを誇る敷地内には、大小を含めた80ホールがあり、マップを見ながら移動しないと迷子になるほど。レトロフューチャーなSFデザインも相まって方向感覚が狂ってしまうほどだ。維持費の問題から取り壊しの可能性が浮上していたとのことだが、2019年9月には歴史的建造物として登録されたのち、＜Berliner Festspiele（以下、ベルリン芸術祭）＞主催のプロジェクト開催によって、ようやく息を吹き返した。

ベルリン芸術祭では、音楽、演劇、パフォーマンス、ダンス、文学、ビジュアルアートなどの分野における独立したフェスティバルや展覧会、イベントを多数開催しており、＜Berlin Jazz Festival＞もその一環である。70年間続いていることに驚いたが、今回の＜THE SUN MACHINE IS COMING DOWN＞はその集大成とも言える数え切れないほど多くのプログラムが盛り込まれていた。残念ながら全てを網羅することは出来なかったが、その中でも特に印象に残ったものを紹介したい。

大ホールでは、アートコレクターでソーシャライトとしても有名なユリア・シュトーシェックの美術館「Julia Stoschek Collection」によるフィルム上映が行われた。サイバーパンクなデザインと終わりが見えないほど高い天井に圧倒されながら、レトロなライトが印象的な座席に着くとすぐに、世界的ビデオアーティストのエド・アトキンスの映像作品が流れ出した。生身の人間に近いアバターやリアルな架空世界をCGで生成し、スタイリッシュで洗練された映像を作ることで高い評価を得ているアトキンスだが、作品のコンセプトを知らないまま観てしまったため、シュールでシニカルといった印象しかなかった。私のようなデジタルアートに疎い人間にとっては事前に予習する必要がある。

デザイン的にも1番好みだったバーで休憩をしている際に、どこかから声と音楽が聴こえると思っていたら、同じフロアに展示されていたロボットパフォーマンスだった。腹話術人形を彷彿させる人間とネコの頭だけが天井から吊され、奇妙な会話をし出すというユニークな仕掛けは、『Suspended Delirium』と題されたモニラ・アル・カディリとラエド・ヤシンとのコラボレーション作品。

別のホールでは、LawrenceがグリーンのLEDと多数の観葉植物に囲まれたステージで、アンビエントミュージックのライブパフォーマンスを披露。大ホール同様に高い天井から吊るされたスピーカーから出る音が素晴らしく、ビートこそ少ないが心地良い音波が身体に響いてくる。当然ながらこの日は踊れる音を目的に来たわけではない。しかし、他のライブパフォーマンスを観ることはできなかったため、Lawrenceのステージが唯一となったが、美しいサウンドに最も酔いしれ、安堵することができた

見逃してしまったプログラムもあったが、正直なところもう少し大胆なアプローチを期待していた。よりコンテンポラリーにフォーカスしていたのかもしれないが、謎めいたものが多いように感じてしまった。しかし、このレポートで1番伝えたいことは、ベルリンにはまだまだ知らない文化が潜んでいるということだ。壁があった時代にICCのような”奇妙でスケールのおかしい宇宙船のような物体”を創ってしまうこの街は、やはりクレイジーだと思う。そして、建築、歴史、用途などすべてにおいておもしろい。