「これまでにない音楽フェスティバル」として、2023年に幕を開けた＜GMO SONIC＞が、1月25日・26日の2日間にわたり＜GMO SONIC 2025＞を開催する。

＜GMO SONIC＞は、過去2年間で、ZEDDやBlack Eyed Peas、The Chainsmokersといった世界的アーティストから、LE SSERAFIMやaespaなどK-POPのスター、そして日本の実力派アーティストまで、ジャンルを超えた豪華なラインナップで音楽ファンを魅了してきた。

3回目の開催となる今回は、その豪華なラインナップがさらにスケールアップ。クラブミュージックシーンのスーパースターからグローバルポップスター、さらに国内外の新進気鋭アーティストまでが顔を揃えたことで、開催前から大きな反響を得ている。

そこで本稿では、開催を控える＜GMO SONIC 2025＞の予習として、過去2回の＜GMO SONIC＞に参加してきた筆者が、アーカイブ映像とともにこれまでの感動的な瞬間を振り返りながら、その魅力を紹介する。

＜GMO SONIC＞の魅力として、まず挙げられるのが世界基準のパフォーマンスと観客の一体感だ。記念すべき初年度は、世界的なEDMスターの競演が大きな話題を呼んだ。

まだコロナ禍の影響が残るこの年のヘッドライナーを務めたThe Chainsmokersは、全世界トータル楽曲再生数290億回超えの実力を存分に発揮。当時の最新曲“High”から“Paris”といった往年の名曲まで、幅広い選曲のセットリストを展開。代表曲“Closer”では、メンバーのドリュー・タガートによる生歌唱も披露されるなど、ファンの期待に応えるパフォーマンスが会場を大いに沸かせた。

同じくヘッドライナーを務めたMarshmelloは、シグネチャーサウンドである「トラップ」に加え、当時人気が再燃したばかりの「ジャージークラブ」なども織り交ぜた斬新なDJプレイを披露。代表曲“Alone”など世界的EDMヒットの数々で、会場の熱狂を最高潮に導いた。

K-POPシーンからは、LE SSERAFIMが圧巻のパフォーマンスを披露。“FEARLESS”のライブ映像からは、グローバルに活躍する彼女たちの実力の高さが伝わってくる。

さらにJO1の“SuperCali”、NOAの“Just Feel It”といった映像で見られる、海外アーティストに引けを取らない日本発のグローバルアーティストたちの躍動感は必見だ。

また、この年はAlan WalkerやKep1er、Ian Dior、&TEAMなど、国内外の実力派アーティストたちが印象的なパフォーマンスを披露し、初開催ながら充実した内容となった。

2年目となる2024年は、より多彩なラインナップで観客を魅了した。初日のヘッドライナーを務めた「ダンスミュージックの天才」Zeddは、代表曲“Spectrum”やAriana Grandeとのコラボアンセム“Break Free”で会場を熱狂させた。

世界的ポップスターBlack Eyed PeasはJ. Rey Soulを加えた編成で登場。“Let's Get It Started”“Boom Boom Pow”など、数々のヒット曲を披露。特に“I Gotta Feeling”では、会場全体が一体となった大合唱も起こり、伝説的なステージとなった。

2日目のヘッドライナーを務めたKygoは、自身のシグネチャーサウンドである「トロピカル・ハウス」の真髄を見せつけるステージを展開。特に代表曲“Firestone”をピアノとストリングス隊の生演奏付きで披露するという贅沢な演出に観客は酔いしれた。

また、2年連続出演となったSteve Aokiは、この年もパーティーモンスターぶりを発揮。日本の「ヒップホップクイーン」Awichを迎え、“GILA GILA”を披露するなど、サプライズ込みの観客の度肝を抜くアッパーなパフォーマンスは文句のつけようがない。

さらにこの年は、国内から水曜日のカンパネラが出演。ヒット曲“エジソン”など特有の世界観を持つ楽曲でフェスに新たな色彩を加えた。

また、この年はGalantis、Timmy Trumpet、Chris Lake、aespa、RIIZEなど、初年度同様、EDMとK-POPシーンから実力派アーティストたちが出演。さらに日本を代表するヒップホップアーティスト、KREVAも出演するなど、フェスとしての更なる進化を見せる内容となった。

次に「和」をキーワードにさまざまな趣向を取り入れた演出も＜GMO SONIC＞の大きな魅力と言えるが、過去にこの演出の中核を担ってきたのが、THE FACTORYとDRUM TAOだ。

日本の伝統芸能を現代的に解釈したチーム・THE FACTORYは、2023年の初開催から2年連続で出演。着物やメイド服を着たパフォーマーたちがアリーナやステージに姿を現し、和楽器と電子音楽が融合した革新的なサウンドで観客を魅了してきた。また、＜GMO SONIC 2024＞では、ステージに設置された花道でエアリアルを披露するなど、さらに進化したパフォーマンスで注目を集めたことは記憶に新しい。

一方、＜GMO SONIC 2024＞に出演した和太鼓演奏集団・DRUM TAOは、華やかな和装のパフォーマーたちとともに生命力みなぎる和太鼓の響きで会場を圧倒。鮮やかなLED照明など最新のステージテクノロジーと伝統的な和の要素が見事に調和したパフォーマンスは、＜GMO SONIC＞が目指す"日本文化の世界への発信"を体現するものだった。

こうした日本文化の伝統とエンターテイメントが融合したGMO SONICならではの世界観は、公開されている過去の映像を見れば、つぶさに伝わってくる。

ちなみにDRUM TAOは＜GMO SONIC 2025＞への出演も決定しており、さらなる進化を遂げたパフォーマンスへの期待が高まっている。

このように回を重ねることで独自の世界観を確立してきた＜GMO SONIC＞だが、3回目となる今年は、SkrillexやMartin Garrixを筆頭に、ANYMA、Peggy Gou、Metro Boominなど、クラブミュージックシーンの最高峰に立つスーパースターが集結。一方で、今年は例年よりもK-POPアーティストが少なくなったが、その代わりに今やK-POPの枠を超えてグローバルポップスターとして音楽シーンを席巻するROSÉの出演は、この豪華ラインナップにおいても、目玉と言えるほど大きなインパクトを放っている。

また、過去2度出演しているJO1からは、川西拓実、河野純喜、與那城奨の実力派ボーカリスト3人が特別ユニットとして出演するなど、このフェスだけのスペシャルな試みにも注目が集まっている。こうした豪華かつジャンルレスなラインナップの実現は、＜GMO SONIC＞が目指す"これまでにない音楽フェスティバル"が、新たなステージへと歩みを進めたことを印象付ける。

2年間の軌跡を振り返ると、＜GMO SONIC＞が単なる音楽フェスティバルを超えて、日本発の新しいエンターテインメントの形を提示してきたことが改めてよくわかる。3回目となる今年も数々の観客の記憶に残る感動的なステージが生まれることだろう。ぜひ、当日は、会場で進化した"これまでにない音楽フェスティバル"を体験してほしい。きっと他では体験できない＜GMO SONIC＞ならではの感動を味わえるはずだ。

なお、＜GMO SONIC 2025＞のラインナップの詳細や見どころについては、「クラバーがGMO SONIC 2025に行くべき4つの理由」で詳しく紹介しているので、そちらもぜひチェックしていただきたい。

5月25日（土）と26日（日）に横浜赤レンガ地区野外特設会場にて開催される日本最大級のサーフカルチャーフェスティバル＜GREENROOM FESTIVALʻ24＞。19回目の開催となる今年は、JUNGLEやTONES AND Iといった海外アクトから、KREVAやPUNPEE、Awich、RIP SLYME、羊文学など国内の豪華アーティストが出演。チケットは全券種ソールドアウト、アート作品やショップが並ぶ無料エリアも充実の内容となっており、まさに日本を代表する都市型フェスだ。

「Save The Beach, Save The Ocean」をコンセプトに、様々な歴史を潜り抜けてきた＜GREENROOM FESTIVAL＞。今回はそのオーガナイザーであり、＜Local Green Festival＞などのフェスティバル運営も手掛けるGREENROOM CO.（株式会社グリーンルーム）の代表取締役である釜萢（かまやち）直起に対談インタビューを敢行。お相手は小学館クリエイティブより著書『フェス旅　～日本全国音楽フェスガイド～』を刊行したばかりのFestival Life編集長・津田昌太朗。古くから＜GREENROOM FESTIVAL＞を知る津田と共に、その歴史を辿りながら、確固たるブランドを築いた背景、そして来年に控える20周年への構想などを訊いた。

──まず、改めて＜GREENROOM FESTIVAL＞がどういうフェスなのか、お伺いできますでしょうか。

釜萢直起（以下、釜萢）　＜GREENROOM FESTIVAL＞は「Save The Beach Save The Ocean」をコンセプトにしていて、サーフカルチャーやビーチカルチャーをテーマにした音楽とアートのカルチャーフェスティバルです。MUSICの部分にはライブがあり、ARTは今年でいうと24名のアーティストがアートギャラリーエリアで展示しています。外にはツリーハウスや流木で作ったトーテムポールなど、フィールドアートがある。そして、サーフマーケットにはいろんなサーフブランドやセレクトショップが立ち並んでいて、マーケットも充実しているフェスティバルですね。何か一つにこだわっているというより、音楽とアートという全体を通して海のカルチャーを伝えていくことを大切にしています。

──世界中のフェスに足を運んでいる津田さんにお伺いしたいのですが、＜GREENROOM FESTIVAL＞にはどういった特徴があると思いますか？

津田昌太朗（以下、津田）　海をテーマにしていて、「Save The Beach Save The Ocean」といったコンセプトを打ち出している音楽フェスって世界的にもあまり見かけません。また、日本にもコンセプトやテーマがあるフェスはあるけど、全面的にそれを打ち出してるフェスは実はそこまで多くない。音楽フェスなんだけど、音楽以外のコンセプトをしっかりと打ち出しながらこの規模で行われているフェス、ということ自体がすごく突出してるんです。そのコンセプトをベースに、＜Greenroom Beach＞や＜Local Green Festival＞などを展開しているのもユニークな点です。釜萢さんは音楽フェスではなく、「アートとカルチャーのフェスなんだ」ってよく言いますよね。

釜萢　カルチャーフェスを作る方向性はずっと変わらずですね。

津田　軸がありつつ、ラインナップは旬のアクトや常連がいて、お客さんも毎回入れ替わっているような気がするし、他のどのフェスにも似ていない雰囲気がある。定着しすぎて見落としがちだけど、なぜ＜GREENROOM FESTIVAL＞だけはこれが成立するんだろうというようなことがフェスの細部にたくさん散りばめられている。もちろん運営面などで国内のフェスカルチャーがベースにあるとは理解しつつも、日本のフェスの影響をそこまで感じないというか。

それと＜GREENROOM FESTIVAL＞は海外のアクトも多く出演しますよね。今回、釜萢さんに一番聞きたかったのは、海外のアーティストの流れです。今年は世界的に「ヘッドライナー不足」「アーティストのフェス離れ」ということが語られていたりすることもします。個人的にはその論調にはまだ懐疑的なのですが、日本目線に立つと、円安や物流などの影響で、海外のアーティストを呼ぶのは以前より厳しくなっているように感じます。

釜萢　円安の影響はありますよね。それと、コロナ禍でコール＆レスポンスができないような状況になってから、お客さんとどう楽しむかを考えたときに、ダンスミュージックの存在がすごく大きくなってきたと感じています。それで今年はJUNGLEやSG Lewisなどが出演したりと、コロナ禍の影響があってもみんなで楽しめる方向に向かっていきました。Fred Again..がフェスのヘッドライナーを務めていたり、世界的にもダンスミュージックの存在は大きくなっているし、各フェスのオーガナイザーも同じようなことを感じていたのではないかなと思います。

津田　その中で、JUNGLEとTONES AND Iはずっと狙っていた感じですか？

釜萢　JUNGLE、めちゃ踊れるでしょ。彼らは初期の頃からずっと呼びたくて、今年うまくいってオファーを受けてくれた。前回の来日は2018年、渋谷のWWWだったかな。BRIT AWARDS 2024ではGroup of the Yearだったし、勝負の年だよね。

津田　彼らがデビューした頃、僕はイギリスに住んでいたんですが周囲の音楽好き、フェス好きの反応もとても良くて、特にイギリス国内ではフェスバンド的な扱いで、どんどんプロップスが上がっていって、どのフェスでも話題をかっさらった感じがありました。でもそれ以降、しばらくは大規模フェスでいうとラインナップの三列目くらい、中堅から上がらない感じもあった。そして、コロナ禍を経てから徐々に良いラインに入るようになってきて、今年は特にJUNGLEにとって大事な年なのかなと。「フェスでよく見るバンド」から、どう進化できるか。そんな中でJUNGLEをヘッドライナーとして呼んでいる意味は大きいですよね。

釜萢　TONES AND Iに関しては、＜GREENROOM FESTIVAL＞が延期・中止を繰り返して頃に、彼女の曲を一番聴いてたんですよ。“Dance Monkey”がラジオとかでも流れてたりしていて、シンプルに音楽の力を感じた。コロナ禍の混沌とした中で助けられた部分があったから、コロナ禍が明けてからも、ぜひ呼びたいと思っていて、オファーをさせていただきました。

津田　もともと2020年に来る予定だったけど、コロナ禍でなくなってしまったんですよね。あのときに来ていたら“Dance Monkey”が中心になっていたかもしれないけど、時間を経て、それだけではない彼女が観られるのも楽しみです。

釜萢　自分はオーストラリアに留学していた経験があって、なかでもバイロン・ベイがものすごく好きなんですよ。去年出演してもらったTASH SULTANAだったり、TONES AND Iはバイロンやメルボルンのカルチャーがベースにあるから、自分の中では繋がりのあるブッキングだと思います。

津田　グリーンルームというか、釜萢さんはオーストラリアのアーティストをフックアップして、日本に紹介する流れというか、そういう狙いを持っていると昔から感じます。最近だとTASH SULTANAもそうだし、初期だとBLUE KING BROWNも、＜GREENROOM FESTIVAL＞がいち早く日本にプレゼンテーションした感じがあった。

釜萢　バイロンでは＜Splendour In The Grass＞や＜Byron Bay Bluesfest＞といったフェスもあるんですよね。音楽の街であり、サーフィンの街でもある。

津田　釜萢さんと話すと、その2つのフェス、そして開催のきっかけにもなったカリフォルニアの＜Moonshine Music Festival＞の話題がよく上がります。そういうフェスのブッキングや歴史を見ていると、グリーンルームが作ってきたものとリンクする点もあって面白いんです。

──全体のラインナップに関してはいかがですか？

津田　今年のラインナップは抜け目なく、すべての層を網羅していると感じました。まさにオールジャンルフェス。そして初日はヒップホップ勢も充実しています。

釜萢　今年はPUNPEEさんに初めて出演していただける、というところですね。

津田　PUNPEEさんのライブは本当に楽しみです。横浜だからこそ、初出演だからこその何かに期待したい。あと同日に出演するKREVAさんと何かあるかなあとか。僕は主催者じゃないから、お客さん目線で何でも言っていこうと（笑）。

──（笑）。

津田　そもそも＜GREENROOM FESTIVAL＞のブッキングはどう進めているんですか？

釜萢　リストを作ってどんどん当たるという、昔から変わらないやり方で、シンプルに自分で選んでる。基本はこちらからオファーを出します。

津田　普段はどう音楽をチェックしているんですか？

釜萢　ライブを観に行くのが原則ではあるけど、SpotifyやYouTubeもよくチェックしてるし、世界中のフェスのラインナップもみてる。それと、ミュージックビデオが好きで。そこで全体のクリエイティブを見るというのが一番大きいかな。アーティストのカラーやトンマナがわかりますよね。

──＜GREENROOM FESTIVAL＞のラインナップは、毎年きれいなグラデーションがありますよね。

津田　フェスには縦の並び（同じステージに前後誰が出るか）と横の並び（同じ時間の別ステージとの重なり）があるじゃないですか。ステージやタイムテーブルに関して、何を大事にしていますか？

釜萢　縦と横の両方、意識的に組んでいます。メインステージ「GOOD WAVE」でのライブが終わったら、「BLUE SKY」「RED BRICK」のどちらかにいくという選択肢がちゃんとある。それがちゃんとチョイスできるということが、フェスとしては重要なポイントだと思ってます。「GOOD WAVE」にヘッドライナーが出演する時間は、他のステージの音は全て止めてます。フィナーレはメインステージで、ヘッドライナーで踊ろうぜというスタイルですね。

津田　各ステージにトリがいて、メインステージと同じ時間に横並びでライブが行われるフェスも多いですが、＜GREENROOM FESTIVAL＞はヘッドライナーを最後みんなに観て欲しいという意思が感じられるタイムテーブルなんですよね。たとえば初日はJUNGLEがヘッドライナーで、横のアクトはいない。実はそれって＜GREENROOM FESTIVAL＞の大きな特徴かなと思います。最後はみんなで集まって楽しもうよというメッセージみたいな。

釜萢　そうなんです。そこに演出も合わせていて、今年はディスコ仕様になります。年々アーティストも大きくなりブッキングのハードルは上がっているし、19年間続けてきてそのことを強く感じているので、ヘッドライナーを迎えるにあたって、オーガナイザーとしては世界のフェスに負けないクオリティやステージスペックを準備すべきだと思っています。

──アーティストからもオーディエンスからも、ラインナップのジェンダーバランスなどに対するフェスティバルの姿勢はかなり重要視されていますよね。＜GREENROOM FESTIVAL＞では環境問題への取り組みが注目されています。

釜萢　そうですね、海岸へのゴミ箱の設置やビーチクリーンをやっています。フェス当日はノープラスチックの活動をしていて、バイオマスの容器を使ったり、今年から新たにリフィルでアルミカップを採用してます。プロバスケチームの試合に行ったりすると、アルミカップにビールを入れてくれたりするんですけど、その形式になります。アルミカップにはロゴが入っていて、記念品として持ち帰ってもらえたりもする。極力、捨てるゴミを減らすようにしています。

コンテンツとしても、たとえばアートギャラリーのペインターたちは海からインスパイアされていて、海の大切さをアート作品を通じて常に伝えている。ミュージシャンも海から影響を受けている方も多くて、さまざまな取り組みが集約されていると思います。

津田　イギリスの＜Glastonbury Festival＞もペットボトルの使用を廃止して、水もアルミ缶で提供されたりしていますね。それと去年、北欧のフェスに行ったんですが、環境に対する意識の高さを体感しました。ノルウェーのではそもそも車を使わないように自転車での交通を推奨して、フェス会場の真横に大きな駐輪場が用意されていたり、フェス全体でもクリーンエネルギーを使っていたり、会場内の食事にも環境意識の高いお店が多かったりと、フェスをどうサステナブルに継続するか、そして社会に貢献していくかみたいな意識が高い。

津田　スウェーデンの＜Way Out West＞は、アーティストグッズは販売されていたけど、フェスのオフィシャルとしてはグッズを売ってなかった。その代わり、古着や無地のTシャツを買って、バックプリントを入れるサービスがある。なぜかというと、フェスという一大産業の中で何千枚というTシャツを作ること自体が環境への負担が大きいんじゃないかという考えがあるから。でもフェスのTシャツって、とても大きい収益でもある。その葛藤はあるだろうけど、ある意味フェスのメッセージとして、既存のTシャツ販売をやらないことに踏み切った。全部のフェスがそうなるべきだとも思わないけど、そのフェスが打ち出すメッセージに共感してよりファンになっていくみたいなことはあるんじゃないかと。＜GREENROOM FESTIVAL＞も日本の他のフェスに比べると、オフィシャルの物販はほとんど作っていないですよね。

釜萢　そうだね。＜GREENROOM FESTIVAL＞のオフィシャルを買ってもらうことよりも、カルチャーとして、サーフブランドやセレクトショップが出店しているから、そこを楽しんでほしい。ブランドが協力しあって、みんなで作ってるお祭りだからね。

津田　フェスではどうしても大量生産・大量消費が発生してしまう。スタッフTシャツとか、必要なものもたくさんある。もちろん一気には変えられないけど、日本でも少しづつ兆しはあって、例えば、着なくなったバンドTやフェスTを回収したりして、そのお返しがあるフェスも出てきています。そういった取り組みを意識的に行っていることで、印象も変わっていきますよね。

物販の話を続けると、面白いのが＜Coachella＞は5年前くらいから物販に並ぶという文化が定着しました。以前と比べると、並ぶ時間は3倍以上になったんじゃないかなかと。客層が変わって、「コーチェラに行ったことを自慢したい」みたいな気持ちからマーチが飛ぶように売れるようになったのだと思います。ちなみに＜Glastonbury＞は5分で買える（笑）。国やフェスによっても全然違うんですよね。

釜萢　そうなんだ。最近、刺繍サービスも増えたね。

津田　昨年タイで開催された＜Rolling Loud Thailand＞に行った時にいいなと思ったのは、リーバイスが出店していて、何百種類ものワッペンやプリントを用意していて、ラインアップやロゴを購入したTシャツやアウターに付けたりできる。自分だけのオリジナルなものが作れて思い出にもなる。もし仮にTシャツが売れ残っても、店舗にはプリントされていない真っ白なものが残るので、別のフェスやイベントでも使えて無駄も少なくなる。物販を見るだけでもそのフェスや出店しているブランドのメッセージや意思みたいなものが感じられるのもフェスの面白いところかなと思います。

──GREENROOM CO.では海への愛や環境問題への意識を軸に、さまざまなフェスをやられていますよね。

釜萢　5月に＜GREENROOM FESTIVAL＞があり、7月には＜OCEAN PEOPLE＞を稲毛海浜公園の「SUNSET BEACH PARK INAGE」でやります。＜OCEAN PEOPLE＞は完全にリニューアルして、プールとビーチのフェスティバルにしたいんですよ。海岸と稲毛海浜公園プール（INAPOO）というすごく大きなプールがあるんですが、そこを全て使ってやる。イビザなど、ビーチとプールをあわせたフェスをやってる場所はいくつもありますよね。やっぱり水着とかになると、すごく自由を感じる。でも、日本ではプールフェスが根付いてこなかったんですよ。挑戦ですね。

津田　＜OCEAN PEOPLE＞は代々木公園でも毎年盛況で成功しているように思っていましたがどうでしょう？

釜萢　＜GREENROOM FESTIVAL＞のコンセプトにより近づけていくためには場所もすごく重要で、プールとビーチが目の前にある環境で、それを肌で感じないと伝えられないんですよ。＜OCEAN PEOPLE＞は当初から海にふれあうきっかけを作っていくことがコンセプトにあるから、思い切って。水着を着て、プールでライブを楽しんだ後、そのまま海にも出れる。マーケットもあればフードもある。夏のいい思い出がちゃんと作れるんじゃないかなって。

釜萢　8月には＜MARINA SUNSET＞があって、これは＜GREENROOM FESTIVAL＞のアフターパーティーという立ち位置。＜GREENROOM FESTIVAL＞の規模が大きくなってきた中で、原典的なイベントをやりたいと思っていて、今年はDJに加えてバンドライブもあります。

また、今年からアートギャラリーのエリアも作って、湘南のアーティストの作品を展示したり、逗子や葉山、鎌倉のアパレルブランドによるマーケットもあります。よりコンセプチュアルにしたいんですよね。会場のリビエラ逗子マリーナは、とにかくサンセットが群を抜いて綺麗ですよ。

津田　それと、今年は＜Local Green Festival＞が9月から11月に移動します。

釜萢　＜GREENROOM FESTIVAL＞のあとに開催するフェスは、それぞれ制作期間がかなり短いんですよ。それを前から考えていたのと、9月が暑すぎる。秋のフェスとして立ち上げたのに、9月はもはや夏じゃないですか。植物をテーマにしていて、いろんな植物屋さんに出店してもらってるけど、暑すぎると植物が枯れちゃうんだよね。植物にとって、2日間はものすごいダメージになってしまう。そういった観点から、日本では＜朝霧JAM＞が最後のフェスと呼ばれていたけど、それよりもさらに後ろ倒しにして新しく作り変えたいと思っています。その時期、アーティストはワンマンツアーを回っていることが多いので、ブッキングしにくいという点はもちろんあるんだけど、チャレンジしたい。晩秋って、食べ物も美味しいじゃん。

津田　日本の夏が暑すぎる問題はありますよね。先ほどおっしゃっていたように、10月の＜朝霧JAM＞が夏フェスからの流れの締め括りで、それ以降は野外だと11月頭に＜FRUE＞がある。それからは少し落ち着きつつも、屋内開催のものを中心年末まで繋がっていくけど、大きいフェスはやはり少ない。昔は＜Hostess Club Weekender＞などもありましたが、11月には日本にフェスが少ない。そこで、11月の中旬、横浜の屋外での開催はチャレンジですよね。それに新しい市場を作る可能性を秘めていると思います。

11、12月は海外アーティストが単独ツアーで回ってきて、香港は＜Clockenflap＞、インドネシアは＜Joyland Festival＞、タイは＜Mahorasop Festival＞などがあるタイミング。＜Local Green Festival＞は邦楽メインだと思うんですが、その辺りの展望はありますか？

釜萢　ある。海外のフェスとの連携は年々増えていて、＜GREENROOM FESTIVAL＞でいうと＜Seoul Jazz Festival＞がある。より深く連携して、いいアーティストを招聘できるのであれば積極的に組んでいきたいと思っています。

──11月と海のカルチャーはどう関係しているのでしょうか？

釜萢　＜Local Green Festival＞のテーマは植物ですが、海を綺麗にするには緑が絶対必要なんです。海の水が蒸発して山に雨を降らせ、川になって流れていくという循環がある。山と川は綺麗だけど、街を通ると汚れてしまい、海はその最終地点になってるんですよ。ビーチクリーンを19年もやっていると、海という最終地点でゴミを拾ってるだけでは解決しないことを痛感するんです。だから根本的な部分から取り組んで啓蒙できることはないか、という思いが詰まっています。

＜Local Green Festival＞は＜GREENROOM FESTIVAL＞ほどまだ知名度が高くないから、これからがっちり作り込んでいきたい。＜GREENROOM FESTIVAL＞は19時まで明るいから、21時まで2時間しか夜はない。でも11月は17時から日が落ちるから、夜の演出も増やせる。星も綺麗だし、野外でクリスマスソングとか聴いてみたいよね。

津田　もうひとつ訊きたかったのは、釜萢さん的に＜SUMMER SONIC＞のタイ進出をどう捉えていますか？

釜萢　とてもすごいことだと思います。＜GREENROOM FESTIVAL＞も以前ハワイで5年間やっていた経験があるので、難しさも分かるから。自分もチャンスは感じていて、ハワイでの＜GREENROOM FESTIVAL＞は復活させたい。

津田　僕は個人的な話になりますが、世界中回っているのに、ハワイは行ったことないんです。デビューは＜GREENROOM HAWAII＞にしようと思っています。ハワイ、いつ復活させましょう？（笑）

津田　2010年代を経て、＜GREENROOM FESTIVAL＞はフェスシーンで圧倒的な存在感を示したし、たくさんのフェスに影響を与えたと思います。フェスという文化が、現在のように一般化するのにもかなり貢献したと僕は捉えています。そんな＜GREENROOM FESTIVAL＞の次の10年の展望が気になります。

釜萢　そんなことないですよ。これからもクオリティーを上げていきたいし、まだ満足できてない。まだ届いていない部分がある。理想としているものには、20年やり続けてもまったく届かないくらい。赤レンガのキャパシティから考えると、巨大フェスのやり方を求めていくのは難しいから、あのキャパシティでベストなものを作る方向になりやすくて、それはある種、完成系に近づけていくという作業に近い。

でももう一方で、より大きく展開したい願望もある。例えば、みなとみらいの街一体で考えて、＜Austin City Limits Music Festival＞や＜Lollapalooza＞のような形にしたらいいかとか、どこまでチャレンジできるのかも含めて、模索していますね。

前作シングル『こっから』をリリースしたのが、6月14日のこと。それからわずか3週間足らず。詳細は後述するが、SixTONESがまたしてもサプライズで、本当に“しれっ”と新曲情報を解禁してきた。

ということで、SixTONESが8月30日、11thシングル『CREAK』をリリースする。表題曲は、メンバーの松村北斗が、なにわ男子・西畑大吾とともに主演を務めるミステリードラマ『ノッキンオン・ロックドドア』（テレビ朝日系）主題歌に起用。ドラマがクランクインしたタイミングで、SixTONES公式Instagramでは、西畑が松村についてどれだけ詳しいかを試すクイズ企画「ノッキンオンマツムラドア」に挑戦したのだが、なんの前触れもなく新曲情報が明かされたのもここでのことである（こうした楽曲解禁サプライズの振り返りも記事としていつかまとめたいものだ……）。

そして、本稿の本題はここから。今回のシングルの初回盤A・初回盤Bには、ファンであるteam SixTONES待望だった、デビュー以来初となるメンバーソロ楽曲を収録。初回盤Aでは、松村、髙地優吾、ジェシーが自分の内面、仲間への感謝、人への愛情など“愛”を歌う楽曲を。初回盤Bでは、京本大我、森本慎太郎、田中樹が意中の相手への想いや、うまくいかないもどかしさなどの“恋”を歌った楽曲を楽しむことができる。

ただ、田中樹のセルフライナーノーツに記載されていた通り、メンバーソロ楽曲といえど、1人のアーティストとしてではなく、あくまでもSixTONESの世界観を個々に表現し、メンバー全員の想いを背負うことに挑戦したという意識が強いようだ。すでに8月12日より、各楽曲のメイキング映像が公開されているが、今回はメンバーソロ楽曲のみに焦点を当ててレビューしていきたい。

松村北斗に感じる、触れたら壊れてなくなってしまうような──だからこそ、その影に惹かれてしまう危うさ。まるで“ガラス”のようである。

今年10月公開予定の映画『キリエのうた』で松村と共演し、本楽曲の作詞作曲を手がけたアイナ・ジ・エンドもまた、7月18日放送のラジオ番組『SCHOOL OF LOCK！』にて、今回の制作を振り返り同様のことを語っていた。「感性が芽吹いてて、歌にまったく同じフレーズがない」「歌うたびにどんどん変わっていくし、どんどん色んな挑戦をしてくださるので、テイク選びにすごく悩みました」と、レコーディングの際にはかなりの試行錯誤があったようである。

そんな楽曲の全体像は、ストリングスが胸をきゅっと締める抒情的なバラード。かつて「わたし」で発揮されたような、松村の儚い恋愛が似合ってしまう歌声にこれ以上ない最適解を提示してくれている。折角なので、この楽曲のテーマについてはあえて隠しておきたいのだが、タイトルにあるガラス花は、大切な人への想いの欠片や涙。そして明確に“ある物”のメタファーとなっているのだが……《僕》と《君》の想いが2番から対比的に切り替わる歌詞を読み、その正体を想像してみてほしい。本当に、松村北斗という人間に対する、アイナ・ジ・エンドの解像度の高さには脱帽だ。

髙地優吾は、こんな音楽を聴いて育ってきたに違いない。そんなことを考えてしまう、心温まるラップミュージック。サウンドやラップのフロウは、2000年代のヒップホップを踏襲したもので、後述する田中樹“Sorry”よりもポップス寄りなぶん、普段聴きしやすいかもしれない。ラップの発音も、バースではトラックに叩きつけるように。フックではメロディを歌いながら伸びやかに。こうした歌声の切り替え方や、フックの後に英語詞×コーラスのようなメロディでもうひと伸びをする楽曲構成など、まさしく当時のレガシーを追いかけたものといえる（筆者はKREVAを思い出した）。

楽曲で歌っているのは《夢果たすため来たFrom港町》という出身地＝神奈川・横浜から始まる、自身の半径1メートルにあるものを描いた物語。2番以降では、SixTONESやteam SixTONESを強く意識した言葉が並ぶのだが、自分たちはどこまでも行ける。自分以外のメンバーや、ファンの声すら、自分の内側から鳴っている音楽なのだ。そんな宣言をしてくれるようなエールソングで、本当に一言一句、余すところなくチーム愛に溢れている。

日常の頑張りどころではもちろんだが、個人的にはいつかグループで活動した日々を振り返ってお互いを讃えあう日など、タイムカプセルのように大切にしまっておき、節目のタイミングでこそ聴きたいとも思えてしまった。

「本当にずっと待ってたから」「オレもデビューできて、同じ土俵というか、ステージに行けたから」と、この楽曲の制作が誇張抜きで“念願”だったと、メイキング映像にて深く語るジェシー。映像内では、8〜9年以上前から、“この人と曲を作りたい”と繰り返していたとも明かされている。その人物は、事務所の先輩である堂本剛。

堂本といえば、ENDRECHERI名義での活動が思い浮かぶのだが、今回の楽曲はファンク路線ではなく、むしろ“スペーシー”と呼ぶのが相応しいだろうか。レビューの意義に反して申し訳ないのだが、この楽曲だけはあえて雰囲気や展開について詳しく明かさず、ぜひ前情報なしでフルコーラスを体感してほしい。とはいえ、全体像について少しだけ話すとすれば、満ちては引いていく、波のようなピアノバラードの印象がある。太いベースに支えられつつ、ボーカルやギターソロを含め、エコーなど奥行きあるエフェクトを多用しているのが面白い。

また、Aメロが1ループ終わるタイミングのスキャットの唸り方や、全体的な哀愁漂う歌声の揺らし方に、堂本のそれに限りなく近いものを感じた。長年、相手を見てきた間柄からこそ実現できる表現の域。改めて、堂本は最高な先輩で、ジェシーは最高な後輩であると感じさせられる。濃密な音楽体験を、ぜひとも。

今回のソロ楽曲企画で、メンバー唯一の自作曲を携えて挑んだのが京本大我。7年前に1人で制作した原曲から、生バンドと10名以上のオーケストラによって、サウンド面で生まれ変わりを見せながらも、メロディは完全に当時のまま。歌詞もアレンジを加えたのはたった1割ほどだという。分厚い音のロックチューンながら、どこか柔らかな印象は忘れない。ハイトーンな京本の歌声とも好相性だが、それは自作曲だからという理由が大きいのかもしれない。

歌詞の内容は、自分の見ている世界のすべてを捧げたって構わない。かつての失恋を引きずりながらも、大切な人を想う気持ちは過去の時間軸を語ったものではなく、現在進行形で、いまも変わらずに育み続けられているものであるという、既存のラブソングの枠組みを越えようとする気概を感じられる。どこか若く、青く、壮大すぎるくらいに聞こえてしまう歌詞もあるかもしれない。しかしながら7年前の京本を思えば、当時の彼にとってそれが何よりもリアルであり、“そうでもしないと表現できない”とただ一点を信じ抜き、表現を突き詰めることもまさに若さともいえる。

形は変われど、当時の意志は変わらず。京本がこの楽曲に懸ける想いには、楽曲の主人公が大切な人に抱くそれと重なる部分が大いにあるはずだ。

気遣い、思いやり、懐の広さ──筆者は、SixTONESがかつて新横浜ラーメン博物館までのドライブ企画（【SixTONES】ゆるっと…久々の6人だけで横浜ドライブ!!）を行なった際、運転できるメンバーが舞台などで多忙な時期だったことから、“森本がそれとなく普段履きのサンダルではなく靴を履いてきたのでは……？”という説が大好きなのだが、森本慎太郎の気遣い、思いやりや懐の広さを表すには、ぴったりなエピソードではないだろうか。

そんな彼の人柄が滲み出るのが、高校生時代から憧れてきたという平井 大からの提供曲“Love is…”。大切な人に抱いた愛情と、そこで過ごす毎日を「ストーリー」だと捉えるロマンチックな歌詞は、まさに森本慎太郎という人を等身大で捉えたラプソングだろう。瑞々しい印象のトラックは、極上のポップミュージックとして、楽曲の主人公のみならず、我々の生活にも潤いを与えてくれるように鳴り響く。仕事が長引いてしまったものの《ごめんね、遅くなって 眠ったキミの頬に そっと触れてみればほら》と、帰宅後に何気ない幸せを噛み締める経験なんて、日常生活で誰もが最も憧れるシチュエーションではないだろうか。

そのほか、森本の男気を象徴するような、いなたいギターソロも注目ポイント。日常とラブロマンスのちょうど間のところに舞い降りた名曲“Love is…”に、ぜひ期待してみてほしい。

2010年代のR&Bとヒップホップの絡み合った進化を分析する際に、そこには明快なルールがただ一つだけある。お金の流れを追いかけるか、Ty Dolla $ignの動きを追いかけるかだ──。

“Sorry”を聴き終えて、まず思い浮かんだのが、一部では有名なこのテキスト。ラッパー＆シンガーとして君臨するTy Dolla $ignの新曲かと思ったら、まさかの田中樹だった。スモーキーメロウなトラックは、もともとSixTONESのデモ楽曲のなかでもお気に入りとしてストックしていたものとのこと。今回の楽曲化にあたり、これまでに“love u...”などを制作してきたTSUGUMIと共作する形で、自身でラップ詞を綴ったという。

リリックで描いたのは、恋の終わりと自身の未練。合計3バースのなかで、強気だった田中がだんだん弱気に移り変わっていく様子を、リリックとフロウの双方で描き出すのが巧みである。例えば、序盤は《あれから Stopした Calling 俺不足だろ？ Shorty》など、“-ing”や“-ty”といった伸びのよいライムを、大回しな超仕上がりのフロウで強調。いわゆる“俺様”な印象を受けるのだが、2バース目以降はライムを強調せず、歌声のトーンを下げて言葉を詰め込み、3バース目でも張り裂けそうな後悔の想いを、あくまでも語るようにラップしていく。まるでどこか弁解をしているような印象だ。

フックの面でも、《Baby you can call me Anytime you want me》と楽曲内で何度もループするのだが、聴き進めていくにつれて“好きなときに電話しなよ”という調子のよさから、“いつでも電話を待っています”という願いを秘めるかのように、受け取る際のニュアンスが変わってくるはず。そのほか、いい意味でのチャラさやウィスパーなど、表現の幅が豊富なアドリブ（ガヤ）も聴きどころなので、ぜひ意識してチェックしてみてほしい。

国内最大規模のヒップホップフェスティバル＜POP YOURS＞（主催：（株）スペースシャワーネットワーク）が5月27日、28日に幕張メッセ国際展示場9〜11ホールで開催された。コロナ禍で初開催した昨年は全席指定で声出しNGなど多数の規制があったが、今回はオールスタンディングでアルコール販売も解禁。チケットは前売りで早々に完売、二日間の来場者数は昨年の1万6000人から3万人に倍増した。YouTubeでの生配信は37万人が視聴し、110万回以上再生された。

1日目はnasthugのオープニングDJから幕を開けた。舞台背面とDJブースには超巨大LEDが舞台を覆うように設置され、大迫力の映像でパフォーマンスを演出した。

最初のアクトは梅田サイファー。大所帯があちこち動き回るクルーはやはり見ていて楽しい。R-指定は「こんだけバカデカい会場にすごいメンツが集まってるけど、（出演者は）みんな自分たちが田舎の小さいクラブでやってきたことを忘れてないから」と話した。これは昨年の出演者たちの多くがMCで口にしていたことだが、数万人単位の観客がヒップホップアーティストを観るためだけに集まっていることにそれぞれ感慨があったようだ。

以降、午前中の出演者はElle Teresa、Skaaiに、「NEW COMER SHOT LIVE」にChoppa Capone、Ashley、Yvng Patra、STARKIDSが出演した。フレッシュなメンバーが場内のテンションを上げていく。そして昨年このコーナーに出演していたMFSは、今年はしっかりと持ち時間をゲットした。続くYo-Seaは沖縄の美しい美しい海を想起させるヴォーカルで観客の耳を魅了し、客演のC.O.S.A.、Gottzも多いに観客を盛り上げた。

現在もさまざまなラッパーたちからリスペクトされるSEEDAはバックDJにDJ TY-KOHを迎えた。SEEDAの魅力はクレイジーで繊細でフレンドリーで予測不能なところ。登場するや否やステージからフロアに降りて、観客の中でラップするパフォーマンスを見せた。

今年が初出演となるguca owlとWatsonは新世代を牽引するラッパーだ。その証拠に彼らの曲はほぼ全曲観客が大合唱していた。またWatsonのパフォーマンスが終わると、Bonbero、LANA、MFSが登場して＜POP YOURS＞のオリジナルソングで大きな話題になってる“Makuhari”をライブ初披露した。

IOはLEDも利用して、視覚的にもインパクトのあるステージを作り上げていた。またYo-SeaとGottzをゲストに招いた“Sunset（remix）”を歌った後、「俺らがどこの町から来たのか知ってっか？」とMUDを呼び込んで、KANDYTOWNの“Last Week”をラップ。OMSBは昨年発表した傑作アルバム『ALONE』の収録曲“大衆”などを駆け抜けるように歌った。その自信に満ち溢れたパフォーマンスは、場内の多くの人を惹きつけて、歌が終わった後には自然と大きな拍手が巻き起こった。

DJ RYOWは名古屋の仲間を中心にさまざまなアーティストをステージに招いた。SOCKS、次はCYBER RUIとMaRI、さらにC.O.S.A.。また時代が変わっても継承すべき希代の名ラッパー・TOKONA-Xの“WHO ARE U?”や“知らざあ言って聞かせやSHOW”といったクラシックもプレイした。

Red Eyeのステージにはリスペクトする大先輩・D.Oが登場。一緒に“悪党の詩（Remix）”を歌った。昨年も出演したOZworldは、同じアーティストとは思えないほど成長した姿で＜POP YOURS＞に戻ってきた。ラップやヴォーカル表現の安定は言わずもがな、さらに立ち姿、観客との距離感、自分の見せ方など、パフォーマーとしてのあらゆるスキルをバージョンアップしたように感じられた。初登場のMonyHorseはIOとの“TOKYO KIDS”を歌う。この舞台で二人が共演したことに観客からはため息が漏れた。

1日目のクライマックスはここから。PUNPEE＆BIMは“夢追人”でKREVA、“Jammin'97”でZeebraをそれぞれ呼び込んだ。PUNPEEは「こういうフェスのいいところは普段会えない人に楽屋で会えることだよね。去年はトイレでLEXくんと会って挨拶して、今日は廊下でguca owlくんに握手してもらった」と話した。それを受けて、BIMは「今日ここに観客としてラッパーやDJとして来てる人たちがいたら、来年は楽屋で会いましょう。俺らも来年も出られるように頑張ります」と話した。

LEXもとてつもなく大きくなって帰ってきた。ラッパーである彼こそが若い世代にとってのポップスターなのだと確信できた。年齢も性別も関係なく、みんなが心を奪われる。2023年の尾崎豊のようだった。この時代に響く言葉を、最新かつ王道の音で歌う。いそうでいなかった。その光景を見て、PUNPEE＆BIMのライブでZeebraがラップした「“俺らの”カルチャーが世界を席巻」がリフレインした。それがいままさに目の前の＜POP YOURS＞で起こっていた。

BAD HOPのライブは驚きだらけだった。1曲目でいきなりLEXとJP THE WAVYが客演し、さらに当初ヘッドライナーとしてラインナップされていたが「いろいろあって」キャンセルになった¥ellow Bucksもサプライズで登場。このアイデアはYZERRから¥ellow Bucksに「かまそうぜ」と提案されたのだという。そして終演後にはまさかの解散発表。凄まじいライブの直後だっただけに、観客も皆心底驚いていた。

興奮冷めやらぬ2日目のオープニングDJはDJ DISK。午前中はeyden、Bonbero、Tokyo Young Visionが目の覚めるようなステージを見せた。

お昼帯の「NEW COMER SHOT LIVE」にはPeterparker69、$MOKE OG、MaRI、SugLawd Familiarがラインナップ。さらに「1年前の＜POP YOURS＞はみんなの側にいた」と話したLANAもステージに立つ。ダンサーを従えた彼女は、立ち振る舞いや細部の振り付けにまでこだわっていた。続くCandeeは「昨日、BAD HOPが解散を発表したね。川崎にはKOWICHIさんやSCARSさんもいる」と地元をレペゼンし、「次は誰だ？　俺に任せとけ」と気持ちの良いボースティングで会場を盛り上げた。

CreativeDrugStoreのステージにはBIM、VaVa、in-d、JUBEE、dooooが登場。BIMは「それぞれ10年くらい活動してるけど、CreativeDrugStoreとしては新人だし、初めての曲もあるから盛り上がるか不安だった」と心境を語り、年内にはCDS名義での作品をリリースすると明言した。

ゆるふわギャングは“SPEED”や“Escape To The Paradise”といった代表曲に加え、鎮座DOPENESSをゲストに呼び込んだ“MADRAS NIGHT PART2”も披露した。ハイセンスでソリッドなステージの後は一転してピースで楽しいジャパニーズマゲニーズに。孫GONGの軽妙なトークを交えながら、観客を自分たちの世界に引き込む。“最後の1本”では大合唱となった。

その後、ABEMAのオーディション番組「ラップスタア誕生 2023」で王者になったばかりのShowyVICTORが一発かまして、4代目王者のralphにバトンタッチ。MIGHTY CROWNのシャウトを入れたイントロから代表曲“Back Seat”につながり、JUMADIBAを呼び込んで“Kick Up”、“Get Back”で会場は大爆発。“Jitsuryoku”ではHideyoshi、Leon Fanourakisも参加した。次のC.O.S.A.は、“My Field”、“Su Su Su”などライフストーリーをリリカルに魂を込めて歌った。

「俺は12歳から、もう23年ラップやってるんだけど、日に日に大きくなる日本のヒップホップを見て、すごいわくわくしてます。毎日新しいアーティストが出てきて、毎日新しいアンセムが生まれて。みんなと同じように日本のヒップホップを毎日聴くのが楽しみで。こういうフェスのいいところって推し以外の、名前は知ってたけど曲は聴いたことなかったアーティストを見られることだと思う。もしそういう出会いがあった人は、また明日からそのラッパーをサポートしてくれると嬉しいです」と話した。「俺のこともサポートしてくれると嬉しいです」と付け加えて照れ笑いすると、場内から大きな拍手が起きた。そして最後はralphを招いての“POP KILLERS”。歌い終えると二人は7月1日にツーマンを開催することを発表した。

LEDが真っ赤に染まるとJin Doggの姿が浮かび上がった。「調子どうよ？　馬鹿野郎ども」と挑発してTAKABOと“ON MY MAMA”を歌い、さらに「思い出してほしいやつがいる」とREAL-Tの映像を流し“街風”へ。Jin Doggは大合唱する観客の中を堂々と闊歩した。

＜POP YOURS＞もそろそろ終盤戦。JP THE WAVY、KEIJU、JJJら人気と実力を兼ね備えたラッパーたちが次々と現れ、圧巻のパフォーマンスを見せていく。ダンスしながらラップしたJP THE WAVY、IOとともにKANDYTOWNのYUSHIにシャンパンを捧げたKEIJU、ISSUGIやCampanellaも駆けつけたJJJと楽しい時間はあっという間に過ぎていく。

STUTSの出番には数多くの＜POP YOURS＞出演者たちが駆けつけた。BIMとNENEの“Presence”や、JJJとの“Changes”に加え、当日の朝に出演オファーしたPUNPEEが“夜を使いはたして”も歌った。

STUTSが横に揺れるグルーヴならTohjiは縦に飛び跳ねるノリ。“GOKU VIBES"や、gummyboyも加わって、Mall Boyzの“Higher”など代表曲を歌う。彼らのライブの魅力は、その場にいると一緒に参加したくなってしまうエネルギーだ。どんどんダンスのパワーが高まっていく様子はまるでお祭りのようだった。

大ラスはAwich。この二日間＜POP YOURS＞は日本のカルチャーの震源地となっていた。みなそれぞれベストといっても過言ではないライブを見せた。Awichはそれらをすべて引き受けてステージに立った。 ＜POP YOURS＞オリジナルソングとして制作された“Bad Bitch 美学”にはNENE、LANA、MaRIに加えて、なんとAIをフィーチャー。ヒップホップのおもしろさとはいろんな考えのいろんな人がいろんなところでいろんなことをしてるということ。その複雑な螺旋をありのまま受け入れる。そんな器の大きさがヒップホップの本質のひとつである。

Awichは横浜のKアリーナで単独公演開催を発表したあと、前日のBAD HOPについて言及。「……やだ。マジ解散しないでくれ。そう思ったよ」と語ったあと、“GILA GILA”のスペシャルバージョンを歌った。AwichはYZERRのパートをカバー。BAD HOPへの愛とリスペクトを凝縮したリリックで、日本のヒップホップの多様化を提示した2023年の＜POP YOURS＞は幕を閉じた。（文・宮崎敬太）

SixTONESが11月2日に発売する8thシングル『Good Luck!/ふたり』。グループ史上初となる両A面シングルとして表題を飾る2曲は、ジェシーと京本大我のそれぞれが自身初主演を務める連続ドラマ主題歌に。今年6月発売の7thシングル『わたし』もまた、松村北斗が出演を務める連続ドラマ挿入歌に起用されていたように、メンバーによるここ最近の舞台〜ドラマ関連での活躍ぶりには目覚ましいものがある。そうしたグループの表現面での総合力や、つまるところアーティストとしての“幅広さ”が、コントラストのある表題2曲を備えた本シングルでは特に表現されているようだ。

そこで本稿では、今回の表題曲“Good Luck!”“ふたり”のほか、通常盤のみ収録のカップリング曲より、代表して“わたし -Lo-Fi ChillHop Remix-”をレビュー。文字量の関係上、もう一方のカップリング曲“Sing Along”に触れられず恐縮だが、楽曲にまつわる情報を深く知れば知るほど、SixTONESの音楽作りに向けた哲学を体感できる“わたし -Lo-Fi ChillHop Remix-”について、ぜひとも深掘りさせてもらいたい。

大切な試験や新生活、あるいはここぞという頑張りどき……人生の重要な場面で何度でも聴き倒したい胸に沁みる王道の応援ソング。ジェシーが主演を務める今秋放送の連続ドラマ『最初はパー』（テレビ朝日系）主題歌に起用された、SixTONESには珍しいど直球のブラスポップである。

特徴的なのは、メンバーのファルセットを用いた歌声。曲中に飛び交うコーラスや、情熱的ながらも印象としては涼しげなハーモニーは、応援ソングによくある“背中を押す”という表現より、自分の肩にのる重荷を軽やかな風でそっと払い去ってくれる……という表現の方が似合うようにも感じられた。その要因は、サビの2フレーズ目《最後はやっぱり笑って踊ろうぜ》をブレス抜きで、どこか切なさを含めて流れるように歌ってくれるところにあるのだろう。そのほか、田中樹がカマしまくる楽曲後半のラップパートから大サビへの繋ぎの巧みさと心地よさが異常すぎる。

まったく別の話になるのだが、ヒップホップというジャンルを紹介する際、自身の格好よさを100通りの違う言葉で表現するものだと語られることがある。この楽曲においては、歌詞全体を通してありとあらゆる言葉を尽くして“Good Luck!”を別に言い換え、何度でもそのメッセージを伝えようとしている点は同様だろう。《明日は明日の風に乗ってさ ありのまま進め》。《今の君がNo.1 胸張っていこう》。つまりは、聴き手の健闘を祈る、“Good Luck!”を届けたいのである。大切なことは何度でも言う。なんたる力強い楽曲だろう。

ここまで我々を応援し、素晴らしい楽曲を届けてくれただけでもすでに感謝なのだが……楽曲終盤には、SixTONESからの贈り物といえる歌詞が。それは《Don't stop the music! Weʼll never stop it》という部分。聴き手の努力を支えるように、彼らがしてくれるのは“音楽を止めないこと”。ここでの“We”はあの頼もしい6人を示すのかも知れないし、はたまた我々を含めてのものかもしれない。いずれにせよ、SixTONESの音楽が鳴り続ける限りは、我々の足取りも止まらないのである。たとえ格好悪くとも、人生はありのままで進み続けるものとは、SixTONESが「Good Luck!」を通して改めて教えてくれたところだ。

日常に感じるかけがえない幸せや、想いが強くなるほど感じる儚さを描いた純愛ラブソング。京本大我が主演を務める今秋放送の連続ドラマ『束の間の一花』（日本テレビ系）主題歌に起用された、ストリングスがすべてを包み込むような極上のバラードである。

曲中の《ほら、迷わず進もう いつもあなたの そばにいるから》のフレーズでは、たとえ《どんな明日》が待ち受けているとしても、躊躇わずに進み続けようと約束する想いを、楽曲を通して唯一、ボーカルの拍子を変えて強く印象付けたり。はたまた《うるさいほどに鳴り響く秒針》をサウンドで描いたり。近年のスタンダードとなっている、打ち込みのハイハットを加えたり。落ちサビでは、ジェシーのボーカルに歪ませた加工を加えて、そこから京本のパートで一気に開放感を増幅させたり。ただ普通に歌っても“いい曲”として成立しそうなところを、しっかりとプログレッシブなアレンジも織り交ぜるあたりが、SixTONESらしいところだ。

ボーカル面についてもう少し掘り下げると、この楽曲で浸れるのはメンバーの優しさと切なさが同居した歌声。その表情は、同じ優しさでも“Good Luck!”とは異なる性質で、楽曲の物語を雄弁に語るピアノに引っ張られるように、メンバー全員の感情表現も豊かになっている。特に、落ちサビ以降の京本による上ハモやフェイクを交えた歌唱は、彼の持ち味を存分に活かしたところ。もしこの楽曲が京本主演のドラマ主題歌でなくとも、彼はこの重要な役割を担っていたに違いないと思わせられるくらいに。

また、本来的に持つ意味とは少し異なるのだが、あくまで『束の間の一花』のあらすじを把握した上で楽曲を聴いて、“カーテンコール”という言葉がふと思い浮かんだ。舞台などの終幕後に観客が拍手をし、退場した出演者が舞台に呼び戻されるカーテンコール。“ふたり”を通して、残された時間を名残惜しむ、あるいは舞台を見た上で何かに納得しようとするような感覚を感じたのだ。

今日がもし最後の日でも最高と言える。大切な人との何気ない一瞬一瞬を、そんな想いで過ごしていきたいと思わされる。『束の間の一花』でこれから描かれていくだろう物語の展開に想像を膨らませると、同ドラマの主題歌として“ふたり”がこれ以上なく相応しい楽曲だと確信できることだろう。

原曲は、松村が出演した今年春に放送の連続ドラマ『恋なんて、本気でやってどうするの？』（カンテレ・フジテレビ系）挿入歌。今回のリミックスでは、アナログ感ある温かなサウンドが世界中で愛され続けるジャンル“ChillHop”を採用しており、スムースでアーバンメロウなトラックはドラマとの親和性も考えたものだろう。最終話を終えた今だからこそ、物語のストーリーにまた違った深みや味わいをもたらしてくれるはず。

それにしても、ピアノとシンセの音色が心にじんわりと溶けて広がっていく、バスルームやベッドルームでじっくりと流したい一曲である。リミックスとしてさまざまなアレンジの選択肢が考えられるなかで、誇張抜きにベストチョイスだったのではないだろうか。

また、SixTONESによるボーカルを聴かせることを第一にしていることも評価ポイントといえる。リミックス音源にありがちな、歌声がトラックにかき消されるということも、原曲のメロディや構成の素晴らしい部分を潰してしまうということもない。タイトルで“Lo-Fi”を謳いながらも、“Lo-fi Hip Hop”の特徴である強めのスネアの使用を避けているあたり、ボーカルへの配慮を特に感じられた。

そんな“わたし -Lo-Fi ChillHop Remix-”の制作には、井上惇志 （showmore）、磯貝一樹、熊井吾郎の3名が参加。そのジャンルを好む人間が見れば、“このメンバーが介する楽曲がそう易々と存在するのか”と驚くだろう錚々たる布陣である。順に、井上はジャズやヒップホップをベースとするポップユニット・showmoreのキーボード担当で、今回のリミックスでもキーボードを演奏。これまでに、ラッパー・KEIJU（KANDYTOWN）「Falling」や、変態紳士クラブの大ヒット曲“YOKAZE”で演奏に参加するなど、信頼と実績のあるプレイヤーだ。

磯貝は、ヒップホップやネオソウルを得意とするギタリスト。今年4月には、ジャズやヒップホップを扱うグループ・SANABAGUN.に加入して活躍の場を広げているほか、直近ではKEIJUと同じくKANDYTOWN所属のラッパー・Ryohuのワンマンライブに出演予定。そんな彼らのまとめ役を担うのが、DJ／トラックメイカーの熊井。ラッパー・BIM “Time Limit”など数々のトラックメイクをはじめ、あのKREVAのバックDJを務めるほどの人物である。

上記3名がメインで活躍するヒップホップ界隈でもなかなか実現しないだろう理想のキャスティング。そんな理想を、自分たちのテーブルに広げて叶えてしまうSixTONES。こうした才能のクロスオーバーを大切に意識しているところもまた、このグループのすごいところである。

SixTONESの音楽は“ノンジャンル・ボーダレス”だと謳われることが多いが、今回のシングルはまさに、今年1月発売のアルバム『CITY』で体現してきたことを、シングル単位に凝縮したものといえる。その最大値となる楽曲が“わたし -Lo-Fi ChillHop Remix-”なのだ。本シングルが対極的な楽曲を並べた両A面になった意味や、楽曲の制作陣について深く掘れば掘るほど、SixTONESが大切にする“幅広さ”の輪郭を、ますますリアルな感度でなぞってもらえるのではないだろうか。