SUNSET BREEZE｜3pmのオーナー・wisteria / TATSUYAが語るGAKUとのメロウな関係と唯一無二のビジョン

 

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PROFILE

ソロアーティストとして活躍するwisteriaと同じく、ソロアーティストであり、俳優、タレントとして活躍する伊藤 楽 (Gaku Ito) とのユニット。

夕日のそよ風のようなメロディが響く、 SUNSET BREEZE (サンセット ブリーズ) な音楽世界。2人が生み出すゆるくGroovinな楽曲は、夕日を見ながら聴きたくなるような心地よくエモーショナルなサウンドになっている。

出会いは、当時伊藤楽がシェフとして働いていた東京港区のカフェの横にあるハンバーガー屋 3pm。そこの店主も務め、そしてアーティストであるwisteriaと出会い、日々のセッションを繰り返していくなかで、夕日を見ながら海を感じれるような曲を一緒に作りたいと意気投合し、2022年ユニット、SUNSET BREEZEとして楽曲を制作するという2人の方針に。結成の翌年2023年にデビューシングル『SUNSET』をリリース。今年2025年夏に、1stEPをリリースした。

LABEL

レーベルbpm tokyoを運営するダンス・ミュージックを中心に取り扱いを行うミュージック・クリエイティブ・カンパニー。HIPHOP、R&B、REGGAE などストリート・ミュージックを中心に、より現場に密着したアーティストの原盤の制作、ディストリビューション、アーティスト・プロモーション、マネージメントサポートを展開。国内マーケットは元より、アジアを中心に世界の音楽マーケットを視野に、グローバルDSP、海外ドメスティックDSP とのリレーション、海外原盤制作チームとのリレーションを強め、アジアから世界にヒットコンテンツの創出をする事を目指している。

Official HP：https://ksr-corp.com/ Officeial X：https://twitter.com/ksr_jpn

Tempalayとしての活動やソロライブを精力的に行いながら、2児の母として日々を過ごすシンガーソングライター／トラックメイカーのAAAMYYY。最新作『THANKS EP』は、妊娠・出産を経た彼女のリアルな日常と、その中で見つめ直した“創作”と“人とのつながり”が、全編を通して反映された作品だ。

子育てによる時間的制約、心身の変化、家族や周囲への感謝の気持ち──そうした感情を抱えながら、時には寺にこもって制作に向き合った経緯や、chelmicoや鎮座DOPENESSとの共作エピソード、パートナーに向けた楽曲「救世主」に込めた想いまで、本作にまつわるさまざまな背景を語ってくれた。

──今回の作品『THANKS EP』には、妊娠・出産の影響が色濃く表れています。まずは、ここ最近の心境や近況、この作品が生まれるまでの流れについて教えていただけますか？

AAAMYYY：昨年はTempalayの活動も多かったですし、自分のライブもあって、かなりライブ中心の1年でした。その合間での制作だったのですが、長女の保育園のお迎えがあったり、土日は預けられなかったり、なかなか制作に集中できる時間が取れなくて。ゼロからトラックを作るには、やはり“余白”の時間が必要でした。一人でぶらぶら歩いたり、ぼーっとしたり、ゆっくり休んだり。そういう“何もしない時間”が、実はすごく大切なんだなと改めて感じましたね。

しかも子育ては、毎日ずっと続いていくものじゃないですか。この先どうやって制作と折り合いをつけるかを家族と相談していたのですが、7月にビルボード大阪でライブがあった際、「そのまま関西に滞在しちゃえば？」と提案してもらったんです。それで、大阪在住のバンドTAMIWのメンバーが持っているお寺のスタジオに1週間こもらせてもらいました。その間、子どもは家族にお願いして、いろんな曲の原型を作ることができたんですよね。他のアーティストに提供した楽曲もいくつか生まれたし、自分でも驚くくらい久しぶりに「たくさん作れた！」と思えました。

──今回のEPは、コラボレーションの多さも印象的でした。“一人で作るのではなく、いろんな人の力を借りて作る”ことが、一つのテーマだったのかなと感じたのですが。

AAAMYYY：最初は単純に時間が足りなくて、人の力を借りざるを得なかったんですけど、そこから“全部を自分で抱え込まない”というスタイルが自然とできていって。結果的に、それが作品全体のテーマにもつながった気がします。

──歌詞にも、感謝や愛があふれている印象を受けました。それと同時に“変化”や“成長”、さらには“人生の旅”や“終わり”といった視点も感じられて。そのあたりは、お子さんを育てる中で芽生えた感覚だったのでしょうか？

AAAMYYY：それはすごくありますね。特に「拝啓生きとし愛おしきあなた」は、その気持ちが色濃く出ている曲です。たしか書き始めたのは、第一子が生まれて1年か1年半くらい経った頃。初めての出産で右も左も分からず、目の前の状況をどうにか乗り越えるような毎日で。睡眠不足もすごかったし、“この子の命を守らなきゃ”という感覚が常にあって。

自分がちゃんと見ていないと、生きていけない存在がそばにいる。その事実が、ものすごく重くて……。栄養や睡眠環境にも神経質になっていたし、悪夢もよく見ていました。そういった心の状態が、そのまま曲に出ていると思います。

──〈いつかは必ず来るさよならの時はできるなら／ありがと愛してるって笑ってたいからさ〉という一節が印象的でした。育児や日々の忙しさの中でも、人の死や人生の終わりに思いを馳せるような感覚が込められている気がします。

AAAMYYY：もちろん、今一緒に生きている子どもへの思いが一番にあります。でも同時に、これまでの時間がどんどん遠ざかっていくような感覚もあって。

──というと？

AAAMYYY：たとえば、以前は気軽に行けていた飲み会も、今はそう簡単には行けない。昔は（小原）綾斗たちと朝までどうでもいい話をして笑い合っていたけど、その時間があまりにも当たり前すぎて、「今日は行かなくてもいいか」なんて思えていたんですよね。

でも出産して育児が始まってから、ふと「ああ、またああいう時間を過ごしたいな」と思うようになりました。思い出がじわじわとよみがえるというか、「あの瞬間、すごく楽しかったな」「またみんなに会いたいな」って、気持ちの向け方が少しずつ変わってきた気がします。

──第一子と第二子で、気持ちの違いもあったのでしょうか？

AAAMYYY：まず、心の余裕がまったく違いました。1人目のときは“理想の母親像”みたいなものを自分の中に抱えていて、それに近づこうと必死で頑張っていたんです。

でも、思った通りには全然いかなくて。産後って記憶力や集中力が落ちたりすることがあるんですよ。私も実際に忘れっぽくなったりして、「なんでこんなにできないんだろう？」って自分でも信じられない状態が続いて……。

──それが産後うつを引き起こすこともあると聞きました。

AAAMYYY：まさにそうです。パートナーに強く当たってしまうようなこともありましたね。「私ばっかりやってるのに、なんであなたは？」みたいに、つい比べてしまう。その差を埋めようと無理に“対等でいよう”として、でもそれってすごく不自然なバランスじゃないですか。結果的に、相手を責めるような言い方にもなってしまうし、攻撃することで自分の“正しさ”を確認しようするのは、自分を守るための本能みたいなものだったのかなと。

──子育てをされている人たちで、AAAMYYYさんのお話に共感する人はきっと多いと思います。

AAAMYYY：あと、当時の自分は“社会的な正解”みたいなものにすごく囚われていた気がしますね。さっきも言ったように、いわゆる“古き良き母親像”、。“こうあるべき”という価値観を無意識に引きずっていたんですよ。今はもうまったくそう思わないですけど。

もちろん、理想を持つこと自体は悪いことじゃないと思います。大事なのは、自分が苦しくなるような“正しさ”からは、ちゃんと距離を取っていいんだということですね。

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──子育てを通して、他に何か気づいたことはありますか？

AAAMYYY：“人に頼ること”が自然とできるようになったことです。もちろん、ご迷惑をかけている面もあるとは思います。が、まわりの方が本当に優しく受け止めてくださっていて。ありがとうって思う瞬間が、毎日の中にたくさんあるんです。日々、感謝の連続というか。

──その感覚は、「リラックス」の歌詞にも表れていますよね。〈なんといってもこればっかりは／お陰様お互い様〉とか。

AAAMYYY：あれは鎮座DOPENESSさんが考えてくれたリリックなんですけど、本当に象徴的だなと思いました。言葉にしなくても、こっちの大変さをちゃんと汲んでくれていて、さりげなく寄り添ってくれるような。鎮座さんならではの優しさが詰まっていて、リリックを読んだとき本当に感動しましたね。

──先ほど、お寺にこもっていた時期の話をしてくれましたが、お子さんが2人になって、日々の生活の中で制作時間を作るのも大変ではないですか？

AAAMYYY：ほんとにそうですね。今回のEPのリリックがしっかり書けたのも、お寺合宿とは別に、実はお正月の5日間だけもらえた“ひとり時間”があったからなんです。12月末から年始にかけて、家族や周りの人にお願いして子どもを見てもらって、その間は家でのんびり過ごしてました。銭湯に行ったり、サウナに入ったり、サウナのテレビで箱根駅伝を観たり（笑）。「HAPPY」のリリックも、実はそのお正月のタイミングで浮かんだんですよ。実家に子どもを預けて草津温泉に1人で行って、雪景色を見ながら温泉に入ってたら、「あ〜最高！」って、やっと力が抜けて。その瞬間にリリックがどんどん湧いてきて。

世の中って「どれだけ頑張ったか？」が評価されがちだけど、「ちゃんと休むこと」「自分を緩めること」も同じくらい大事なんだなって、そのとき強く感じました。まわりを見ていても、そういうのはわかってるのに、忙しさに流されて自分を追い込んでしまう人が多いなと感じます。頑張りすぎてうつになってしまったり、自分を責めたり……。そんな人たちに向けて、「セルフケアしていいんだよ」「自分を大事にしていいんだよ」「あなたは幸せになるに値するよ」という気持ちを込めたのが「HAPPY」のリリックです。

──この曲はchelmicoさんの普段の楽曲とはまた違ったテイストで、とても新鮮でした。お二人の新しい一面も引き出されていて、異色だけど印象的な1曲だと感じました。AAAMYYYさんご自身の楽曲としても、これまでにない浮遊感や明るさがあったように思います。

AAAMYYY：この曲のトラックは、お寺での合宿の時に作りました。これまでの自分の曲は、どちらかというと暗めで単調なものが多かったので、「もっとアゲアゲな曲もあっていいよね」という気持ちがあって。そこにさらに“陽”の要素を加えてくれる存在として、「これはchelmicoしかいない！」と思ってオファーしました。

私、彼女たちの曲がすごく好きなんですけど、今回はいつもの雰囲気とは違うこともやってみたくて。たとえばメロディを一緒に歌ってもらったりして、ふだんとは少し違うアプローチで、彼女たちの“今までにない魅力“を引き出せたらいいなという、ちょっとした下心もありましたね。

──「救世主」も、メッセージ性の強い、とても印象的な曲でした。

AAAMYYY：これは、完全にパートナーに向けて書いた曲です。さっきも話したように、私は当時“社会的な正解”を信じていて、それと“自分にできる現実”とのギャップを受け入れるのに結構時間がかかりました。もしかしたら、最初に産後うつっぽくなってしまったのも、それが大きかったのかもしれません。

そんな私に対して、パートナーもその家族も、本当に誠実かつ思いやりを持って接してくれました。自分の家族以外で、あんなふうに自然に優しく受け入れてくれる人たちに出会ったのは初めてでした。だから、「救世主」だなって思ったんです。

さっきも言ったように、昔の私は社会に絶望してるような暗い曲ばかり書く人間だったんですけど、彼らとなら自分も楽しく生きていけるかも、と思えるようになった。この曲は、そんな彼らへの感謝と、そうした気づきを込めた1曲です。

──トラックはMONJOEさんとの共作ですか？

AAAMYYY：今回は、MONJOEくんにほぼ丸投げでした。一応「こんな感じで」とリファレンスを渡していて、それはNewJeansだったんですよ。とにかくこの時はポップな曲が作りたくて。

彼は今すごくアクティブで、自費で韓国のソングライティング・キャンプに毎週のように参加しているくらい、制作が楽しくて仕方ないみたいなんですよ。私のソロライブでもDJをしてくれているので、音楽性や好みもよくわかってくれていて。「こういう感じで」と伝えたら、すぐにこのトラックが返ってきました。

──「そのまさか」では、冒頭にソーシャルメディアの話が出てきますよね。以前のインタビューでも、Xなどから距離を取っているとおっしゃっていましたが、最近はSNSとの向き合い方に変化はありましたか？

AAMYYY：私はもう、自己顕示欲がほとんどなくなっちゃって。“着飾る”とか“盛る”みたいな感覚が、自分の中からすっかり消えたんです。多分それは、“自然体でいる”ことに対して、今の自分がすごく肯定的になれているから。Xを辞められたことが、大きなきっかけだったと思います。今はInstagramも、上げたいときに上げるくらいの距離感。ビジネス的にはダメかもしれないけど、私にとってはすごく健やかなバランスなんですよね。

──この曲の〈はたから見たら外れた世界だが／誰も見れない景色が俺たちを待ってると／信じながらもまぁ気楽にいこうZ〉という一節が印象的でした。

AAMYYY：ミュージシャンって、ある意味水仕事だなって思っていて。Pecoriもちょうどこの間Number_iの「BON」って曲にラップ提供で参加して、それがすごく跳ねたんです。彼にとっても、大きな手応えだったんじゃないかな。ODD Foot Worksでずっと活動してきて、急にアリーナクラスのアーティストの曲に関わることになって。桁違いの規模を目の当たりにして、「ああ、音楽って本当にギャンブルなんだな」って。だから、あの歌詞にもそんな実感が滲んでいるのだと思います。

──Pecoriさんのリアルな感覚が反映されていたのですね。

AAAMYYY：音楽をやってる人って、極端な話、音楽しかできない人が多いと思うんですよ。私もそうで、音楽以外のことを人並みに器用にできない。でもなんとかこの世界でやってきていて、でも外から見たら“売れてないミュージシャン”もしくは真逆で“有名人”って思われがちだったりして。

──誰かに「音楽をやっている」と話すと、「食べていけてるの？」と聞かれることが多いという話はよく聞きます。

AAMYYY：そうそう。この間Tempalayが武道館をやった時も、今まで音楽にまったく興味がなかった親戚のおじさんが「武道館！？」って急に盛り上がってくれて。もちろん、作品を作ってそれでちゃんとご飯を食べていけるのが一番いいと思うんですよ。とはいえ、売れたら売れたで別の大変さも出てくる。そういうのを見ていると、程よく、楽しく、健康に音楽を続けるって、何より大切なことだなって思うようになりました。

もちろん、私一人じゃなくて、支えてくれるスタッフさんもいるので、その人たちがきちんと生活できるよう、みんなが音楽で食べていける健全なチームでいたい。そういう意味での熱量は、ちゃんと持ち続けていますね。そんな温度感で、これからもやっていけたらと思っています。

──AAAMYYYさんご自身のソロ活動には、今どんなスタンスで向き合っていますか？

AAAMYYY：最初の頃は、「ガーと行くぞ！」みたいな勢いでやっていました。でも、今は自分の状況もありますし、「ちょうどいいペースで続けていけたら」と思うようになりました。音楽って常に変わっていくものですし、そのときどきの自分のスタンスが一番色濃く反映されいてると思うんですよね。トラックも、歌詞も、その時の“ベスト”がそのまま出てくるというか。

インプットに関しては、子どもができてからは童謡やアニメの曲に触れる機会も増えましたし、音楽をじっくり聴く時間がなかなか取れないので、友達に「最近いい曲ある？」と聞いて、なるべく情報を集めるようにしています。リスニング量は減ったけど、そのぶん「人づての音楽」はすごく大事にしていますね。

──お子さんができたことで、たとえば子どもが好きな音や反応する音色・リズムを意識するようになった部分はありますか？

AAAMYYY：まだ成長の途中なので、好みも時期によって変わると思うんですが、今は実験段階という感じです。たとえば今は、車の中で私の昔のアルバム『BODY』を流すと気に入ったフレーズを何度も繰り返して歌ったりして。『バーバパパ』のサウンドトラックもよく一緒に聴いていますし、車のCDプレイヤーに入れている小原綾斗とフランチャイズオーナーのCDの中に、“同じことをずっとリピートしている曲”があって、それを延々と歌ってたり（笑）。

ちゃんと流行りもキャッチしていて、「Bling-Bang-Bang-Born」や「APT.」なんかも踊りながら聴くし、もちろんアンパンマンも大好き。でもだからこそ、自分が「これはいいな」と思って育ってきた音楽や作品も、ちゃんと触れさせてあげたいなと思っていて。親の好みも、さりげなく混ぜ込むようにしています。

エレクトロニカ／ポストロックシーンを代表するアメリカのアーティスト、TYCHO（スコット・ハンセン）が、8月にアルバム『Infinite Health』をリリース。1月に約8年ぶりのジャパンツアーを敢行し、東京と大阪でライブを行った。

スコットはISO50名義で活動するビジュアル・アーティストとしても有名であり、言わずもがなTYCHOのビジュアルも手掛けている。今回は、グラフィックアーティストとして活動する日本の気鋭アーティスト、ポセイドンを招いて、TYCHOのビジュアルについて話し合ってもらい、その魅力を追求する。

ポセイドン：はじめまして、東京を拠点にPoseidon（ポセイドン）という名義で活動しているグラフィックアーティストです。アナログとデジタル、両方の手法をミックスさせて制作をしています。デジタルでの作業時に偶然発生するバグやノイズを作品に使っているので、自分の絵は近くで見るとピクセルで描かれているようになっているんです。このやり方を4年ほど続けていて、どんなビジュアルを生み出すことができるのか、ある種、実験のようなことをしているんです。今日は自分の作品も持ってきたので、ぜひ見てください！

スコット・ハンセン（以下、スコット）：ありがとうございます。いいですね！　紙やプリントの質感も好きです。“Stipple”みたいなスタイルだと思いました。いわゆる点描画のような絵のことですが、そこに通じるものがあると思います。美しい。ちなみにアプリケーションは何を使っているんですか？

ポセイドン：Blender（3DCGなどが作れるソフトウェア）やPhotoshopです。輪郭か形を描くときにBlenderを使うんですが、元は写真を使って原型を構築していくような感じです。

スコット：Blenderですか！　いいですね。たいていはPhotohopかIllustratorで制作しているので使ったことがないんですよ。私も3Dのデザインを習得したいと思うんですが、どのように始めたんですか？

ポセイドン：まずは2Dから始めて、作品を作るうちに3Dの世界にのめり込んでいったんです。とにかく誰もやったことがない表現を探求したくて独学で学んだんです。ですが、まだまだ実験段階というか新たな表現を探しているところなんですよ。

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スコット：なるほど。なかなか面白い表現に挑戦していますね。３Dはまったく新しい世界に思えるけど怖くてなかなか始められなくて（笑）。

──TYCHOのアートワークもそうですが、スコットさんがPhotoshopを使用されているのは知られるところですね。改めてグラフィックデザインを始めたきっかけやルーツについて教えてください。

スコット：子供の頃から絵を描くのが好きで点描画などをよく描いていたんです。Photoshopを使い始めたのは大学生の頃で、そこでデジタルの面白さに気づきました。それまでグラフィックデザインというものを意識したことはなく、そもそも、その言葉を知らなかったくらいなんですよ。強く惹かれるようになったきっかけは音楽でした。アルバムのアートワークやライブのポスターなどを見ていくうちに自分もそういうものを作りたいと思うようになったんです。

──その後、すぐにグラフィックデザインをやるようになったんですか？

スコット：いえ、最初はソフトウェア関連の仕事に就いて、徐々にTシャツやポスターなど印刷物の制作を始め、それが仕事になっていったんです。並行して音楽活動もやっていて、ある時に今後10年は音楽に専念しようと決意したんです。TYCHOのプロジェクトでは、音楽だけでなくライブのビジュアルやアルバムのアートワーク、グッズのデザインなども表現における重要な要素です。なので、単純に音楽だけをやっているのではなく、オーディオビジュアル作品として打ち出しています。今もデザインを手掛けていますが、自分をグラフィックデザイナーだとは思っていないんですよ。デザイナーは毎日デザインについて考え、手を動かし続けるものだと思いますけど、今の私はそこまで日々デザインに向き合っているわけではないですからね。でもアルバムが完成してからは、再びビジュアル制作に多くの時間を費やしていて、その作業を楽しんでいるところなんです。

ポセイドン：音楽とビジュアルの関連性をどのようにうまく結びつけながら制作を進めてらっしゃるんですか？

スコット：大体の場合、音楽が先にあり、アルバムのアートワークはその後に制作しています。その方が自分にとって自然な流れなんですよ。幼い頃からビジュアルアートに親しんできたので、音楽に合わせてデザインを考える方が得意なんです。だからこそ、デザインのために音楽を作るのではなく、音楽に寄り添う形でグラフィックを作る方が自分には向いているんですよね。そのようにしてビジュアルを通じて音楽自体に新たな視点を加え、オーディエンスにより深い音楽体験を届けたいと考えているんです。

──TYCHOのアルバムではサークルのモチーフを使用することが多く、ニューアルバム『Infinite Health』も、どこかの惑星を連想させるようなビジュアルになっていました。サークルを使う理由や、今作のビジュアルについて教えていただけますか？

スコット：サークルは無限性を感じられる完璧な形で、ずっと惹かれてきたモチーフですし、すべてのアルバムのアートワークにおける核となる要素なんです。過去作でもサークルをメインに用いてきましたが『Infinite Health』では初めて三次元空間を表現しましたね。三次元空間の合成写真のように感じられるようにしたいと思って。

ポセイドン：三次元的なアプローチにしたいと思ったのはなぜですか？

スコット：例えば、『Dive』（2011年発表のアルバム）などのアルバムでは写真をコラージュしながらイラスト調のビジュアルを作ってきたんですけど、今作は他と違っていて、より人間的なアルバムにしたいと考えたんです。それこそがコンセプトで、過去のアートワークの流れを受け継ぎつつ、進化したものとして、異なる時代や空間を象徴するようなクラシックな雰囲気を持たせたいと考えたんです。音楽もアートワークも同時に作り出したもので、アルバムの世界観に深く入り込んでいたので、音楽のコンセプトと強く通じるものがあるんです。

ポセイドン: TYCHOの音楽からアートワークやビジュアルが生まれているわけですよね。今作『Infinite Health』を聴いて感じたのは、超自然的で現実を超えた表現をしているということだったのですが、それを表現しようと考えたきっかけは何ですか？

スコット: 以前、パタゴニアへハイキングに行ったことがあるんですが、そこにはるでSF映画のような景色が広がっていたんです。見たことのない奇妙な形をした木々が生い茂っていて、私が知っている自然とはまったく異なる風景が広がっていました。同じ地球にいるはずなのに、初めて見る地球の姿に圧倒され深く感動したのを覚えています。この経験から影響を与えられた部分はすごく大きくて、その感覚を模索しながらイメージしていくことが、自分のクリエイションに対するテーマになっているんですよ。だから、自然的な表現も非現実的に感じたんじゃないでしょうか。

──音楽的に見ても、『Infinite Health』は『Dive』のようなメロディ感があるようにも聴こえます。そういった意味で、今作は原点回帰の集大成的な作品でもあるのかと思ったのですがいかがでしょう？

スコット：そういう側面はあると思いますよ。『Dive』は特に、明確なコンセプトを持たず、ただ曲を書きながら自然に形になっていった作品でした。そこからボーカルを入れた作品が作りたくて『Weather』（2019年発表のアルバム）へと繋がっていったんです。一方で昔作っていたような音楽を作らなくなり、随分と離れてしまったなと思う部分もあるんのですが、同時に、すべての作品には共通する要素があり、繋がりがあるとも考えています。今回の『Infinite Health』では、自分にとって心地よく、流れていくような作品にしたいと考えたんです。あまりコンセプチュアルなものにこだわらず、大きく方向性を変えるのではなく、一度リセットし、再調整するような感覚で制作に向き合いました。そういった意味で原点に戻ったと感じられる部分があるんだと思います。今作を作ったことで、今後は再びコンセプチュアルな作品に挑戦できると感じています。

ポセイドン：その流れていくような感覚というのは、僕は聴いていて感じたことです。『Infinite Health』の音楽に没頭すると、多面的に感じられて音が幾層にも連なって聴こえ、いろんな表情が感じられたんです。そんな風に、どんな音を積み重ねて楽曲を作り上げているのかを考えながら聴くのが楽しかったです。

スコット：それはポセイドンがアーティストだから、どんな風に作られているのかを分析したくなるってことなんでしょうね。没頭してありのままを楽しむのもいいし、どのようにして作られたのかを想像しながら聴くのにも、他とは違った楽しさがありますよね。

──最後に、今後のTYCHOの動きについて教えてください。

スコット：実は今、別のアルバムに取り組んでいるんです。2、3年かけて完成させたいアルバムが2枚あって、楽曲の中にはCautious Clayがフィーチャリングで参加してくれた「Infinite Health」のようなボーカルとのコラボ曲もいくつか予定しているんですよ。ですが、まずはアルバムのツアーに専念しようと思います。夏にはまた日本でライブしますし、秋にもクラブでやりたいと考えています。とりあえず、ライブのことを考えるのが楽しみです。

*またTYCHOは、7月25日（金）、26日（土）、27日（日）に新潟・湯沢町 苗場スキー場で開催される＜FUJI ROCK FESTIVAL ’25＞の初日に出演することが決定している。

その日、恵比寿LIQUIDROOMは物々しい低音とカオスなシンセサイザーの波動で充満していた。熱狂の輪の中心にいたのはファット・ドッグ（Fat Dog）。今年9月に〈Domino〉からデビューアルバム『WOOF.』をリリースし、瞬く間にサウス・ロンドンのライブシーンで熱狂的な支持を得た彼らは、その狂騒を満杯のLIQUIDROOMに丸ごと召喚したのだ。スペシャル・インタレスト（Special Interest）やマンディー・インディアナ（Mandy, Indiana）といった現行のインダストリアルなダンスパンクにも通じる重量感、彼らの“狂犬”たる所以が表現された一夜であった。

来日公演の数時間前、フロントマンでありバンドの首謀者であるジョー・ラブ（Joe Love）にインタビューをすることができた。夜に行われるライブが熱狂的なものになることは明明白白、ならばジョー自身が体験してきたライブの記憶をじっくり訊こう……そう思い彼のルーツについて質問すると、『マインクラフト』や『スーパーマリオ64』といった意外な単語が飛び出してきた。ケミカルな激しさを伴うファット・ドッグの魅力、その補助線として読んでいただければ幸いだ。

──ファット・ドッグの話をする前に、まずはジョーさん自身の音楽体験について聞かせてください。最初にライブハウスへ行った日の事は覚えていますか？

15か16歳の時、確かロンドンのサウスバンク・センターだったかな。友達がアメイジング・スネイクヘッズ（The Amazing Snakeheads）っていうパンクバンドのライブに連れていってくれたんだ。ファット・ホワイト・ファミリー（Fat White Family）にも参加してたギタリストのバンドで、デビューしてから1年くらいで解散しちゃったんだけど、それがとにかく良かった。ステージの横から男がふらふら出てきて、そのままマイクを握って歌って、最後は客席の柵を飛び越えて暴れてたんだ。とにかく生々しかったし、初めてのライブで大当たりを引いたと思ったよ。その時に、もし自分がバンドを組んでレコード会社と契約するなら（アメイジング・スネイクヘッズが所属していた）〈Domino〉が良いと思ったんだ。

──ずっと激しいバンドが好きだったんですか？

いや、俗っぽいダンスミュージックばっかり聞いてたよ。アヴィーチー（Avicii）とかデッドマウス（Deadmau5）とかね。それと、当時は『マインクラフト』にハマってたから、そのサウンドトラックもよく聞いてたね。

──そういえば“Wither”のMVはPCゲーム風でしたよね。ファット・ドッグの作品にはそういったゲーム作品やチップチューンからの影響もあるのでしょうか？

そうだね。『Stickman RPG』って知ってる？　インターネット初期のオンラインゲームなんだけど、サウンドトラックがマジで良くて。思わずサンプリングしたよね（笑）。あとは『バンジョーとカズーイの大冒険』とか『スーパーマリオ64』も大好き、NINTENDO64でずっと遊んでたよ。ふたつともゲームのサウンドトラックがサンプルパックになってて、誰でもダウンロードすることができるんだ。ちょっと聞くだけでノスタルジックになるよね。

──レディオヘッド（Radiohead）やエイフェックス・ツイン（Aphex Twin）をNINTENDO64風のサウンドでカバーする動画もありますもんね。

そうそう！　ナイン・インチ・ネイルズ（Nine Inch Neils）のカバーとか最高だよね。MIDIでああいうサウンドを構築するのは本当にクレイジーだし、色んなバリエーションがあるよね。

──ジョーさんの中で、そういった音楽と今の激しいライブのスタイルはどのように重なっていったのでしょうか？

インターギャラクティック・リパブリック・オブ・コンゴ（The Intergalactic Republic Of Kongo）っていうバンドが好きだったんだ。8人組のバンドで、エレクトロニックミュージックとパンクのサウンドを融合させたようなライブをしてた。彼らのスタイルは今のファット・ドッグのベースになってると思うよ。

僕は「エレクトロニックミュージックとパンクの融合」っていうスタイルがとにかく好きなんだ。例えばデス・グリップス（Death Grips）とか、あとはNYのリップ・クリティック（Lip Critic）っていうバンドとかね。（リップ・クリティックは）ツインドラムでギターがいなくて、その代わりにキーボードでディストーション・ギターみたいな激しさを演出するんだ。めちゃくちゃ好きだし、音色をコピーして自分のバンドに組み込もうともしたよ。そういう意味では、バイアグラ・ボーイズ（Viagra Boys）からも影響を受けたね。彼らみたいな曲を書こうとしたことがあるよ、好きな曲をコピーしたがるのは僕の癖なんだ。

──様々なプロジェクトから影響を受けている最中だとは思いますが、今の時点で判明している「ファット・ドッグらしさ」とはなんですか？

そうだな……まず、僕は色々なものをコピーするけど、それを単なるパクリにとどめる気は全然ない。例えば、デヴィッド・ボウイ（David Bowie）は様々な作品の手法をコピーして、そこから自分らしい音楽に落とし込む天才だったと思うんだ。自分のやってることはそういうことだと捉えるようにしているよ。

その上で、「ファット・ドッグらしさ」っていうのは、国とかエリアによって解釈が異なるものなんじゃないかな。例えばポーランドだと、自分たちと近いハイエネルギーなバンド──『ユーロビジョン』に出場するようなバンドだね──が80年代から広く聞かれているから、ファット・ドッグはあまり新鮮ではないのかもしれない。ただ、ウィンドミル（注：ファット・ドッグが拠点としているサウス・ロンドンのヴェニュー）では別の解釈をされる。そういうズレこそが音楽のエキサイティングな部分でもあると思うよ。

──なるほど。デビューアルバム『WOOF.』の曲はパンデミックの最中にジョーさんの家で書かれ、それがライブハウスで多くの人に開かれていくというプロセスを経ましたよね。今話していた「音楽の聞かれる環境」という話題に関連づけると、部屋に籠って作る音楽とダンスミュージックとしてオーディエンスが一つになって踊る音楽は、ある種の対極にあるとも思うんです。この二つはジョーさんの中でどのように繋がっているのでしょうか？

パンデミックの最中はとにかく孤独だった。だからこそ、一人で静かに聞くような音楽じゃなく、みんなで楽しく踊ったりとかできるような曲を書きたいと思ったんだ。自然な流れだと思うよ。

ただ、ロックダウンが明けた後のロンドンはライブ中に着席する必要があったんだ。少しでも客席から立ち上がったら、セキュリティに即注意されるんだ。僕はそんな状況に全く合わない音楽ばかり作ってしまった、ちょっと後悔したよね（笑）。

あぁ、2021年だったかな。その後に状況が緩和されて、最初に普通の状態に戻った時のライブはよく覚えてるよ。小さい会場だったんだけど、みんなが観に来てくれたことが本当に嬉しくて。つい興奮して客席に降りていったら、もみくちゃにされて、足首を捻ってね（笑）。それが2曲目だったから、残りの曲は何事もなかったようにやり過ごしたけど、それから10日ぐらいは歩けなかったよ。ただ、その怪我をするだけの価値はあったね。

──ファット・ドッグのライブはステージと客席がとても近いですよね。単純な疑問なんですけど、客席に入るときって何を考えているんですか？

ステージからだと、オーディエンスとアイコンタクトが取れない。だからみんなとコミュニケーションをして、より踊らせるために客席の中に入ってるんだ。ただ、最近はパンパンなフロアが多くなったから、あんまり降りれてないんだよね。この前のロンドンのライブなんか、最後の曲で完全に押しつぶされて、もう散々だったよ（笑）。

──そういう激しいスタイルと『マインクラフト』とか『スーパーマリオ64』が繋がっているのも、「ファット・ドッグらしさ」の一つだと個人的には思います。

そうだね。『マインクラフト』のサウンドトラックってアンビエントでリラックスできるし、もしかしたらファット・ドッグの2ndアルバムもそうなるかもね（笑）。

ALIがニューシングル“NEON feat. The Crane”を12月4日にリリースする。台湾のシンガーソングライター・The Craneをフィーチャーしたこの曲は、LEOが台湾で目にしたもの、感じたことを真空パックされているという。今回は来日中のThe Craneもキャッチして、“NEON”の制作秘話を中心に2人がこの楽曲に込めた感情やストーリーを忌憚なく話してもらった。

──今回のコラボはどんな経緯で実現したんですか？

LEO　俺、3年くらい前からかなりの頻度で台湾に呼んでいただいてるんです。台湾の＜FUJI ROCK FESTIVAL＞みたいなフェスでメインステージに立たせてもらったし、何度かワンマンもやらせてもらえた。台湾の人たちはみんな優しい。街並みも美しい。飯もうまい。俺は台湾が大好きになってしまった。だから現地で感じたことを真空パックにした曲を作ろうと思いました。そしたら、今日も通訳をしてくれてる友達の女性がThe Craneを紹介してくれて。彼女は台湾のイケてるやつらとみんな友達なんです。

The Crane　台湾は日本と比べてコミュニティが小さいんです。みんなが集まる遊び場は3軒くらいしかない（笑）。音楽シーンもメジャーとインディーの2つくらい。僕はインディーアーティスト。飲み屋に行けば大体友達がいます。だから台湾人から見ると日本には本当にいろんな音楽があって、しかもそれぞれがシーン化していてすごいと思います。

LEO　まあ良くも悪くもって感じだよ。俺からすると、クリエティブの中枢にアクセスしやすい台湾は素晴らしいと思うしさ。あと台湾ってすごい有名な人でも全然調子に乗らないんですよ。超フラット。そこもびっくりした。The Craneもそういう人たちの中の1人。いまアジアでヒップホップ／R&Bのすごいやつらがたくさん出て来てて、The Craneはその中の1人という感じですね。

──ALIはなぜ台湾で人気があるんですか？

LEO　日本ではまだまだこれからなのに（笑）。

The Crane　そんなことないでしょ（笑）。ALIを知ったきっかけは『呪術廻戦』のエンディング曲“LOST IN PARADISE feat. AKLO”でした。その後、昨年ALIが台湾でライブを行い、間接的な知り合いが主催したこともあり、ライブの前後で口コミが広がり、音楽仲間や友人の間で自然と話題になりました。私は当日のライブにも足を運びましたが、本当に素晴らしいパフォーマンスで、非常に強い印象を受けました。

LEO　シンプルなんですよ。イケてる音楽を作るとイケてるやつに届くっていう。かっこよく遊んで、かっこいい音楽をプレイすると、かっこいい仲間たちが集まってくる。

──LEOさんが「台湾を真空パックにしたい」と感じた背景をもう少し詳しく教えてください。

LEO　それこそちょっと難しい話になっちゃうけど、この曲にはもともと“The Garden”って仮タイトルが付いてたんです。3年前っていうと、アジア全体が今よりも不安定で。俺の知ってる美しくて優しい台湾が変わってしまうかもしれないという雰囲気すらあったんです。だったらせめて音楽で残したいと思って、音楽の楽園というニュアンスで“The Garden”という曲を作ってたんです。同時にその段階から台湾のネオンもイメージしてました。

──“NEON”というワードにはどんな意味を込めたんですか？

LEO　暮らしの明かりのこと。どんどん点いて、どんどん消える。悲しみも非難も消えることはないけど、手を取り合う選択肢もあるよねって。俺はそれが音楽だと思ってる。“NEON”はもしもお互いの故郷がどうにかなってしまっても、俺たちは音楽の中で側に居続けようという誓いの歌です。だって俺たちは愛こそが全てだって知ってるわけじゃん。なのに世界中のどこかでいつも戦争が起こってる。なんなんだよって。どんだけの時間を過ごさないと人類は理解できないんだよって。愛と平和の歌だけど、俺の中のやるせない気持ちも入ってます。

The Crane　僕は“NEON”がシンボルになってるのがすごく好きです。明かりのあるところに人が集まってくるじゃないですか。僕はLEOさんから聞いたテーマを踏まえて、台北と東京の印象を歌詞に落とし込みました。

LEO　ほんとThe Craneはパーフェクトでした。すぐにヴォーカルパートを送ってくれて。

The Crane　いえいえ。最初にお話しをいただいた時は、僕とALIでは音楽性が違うので、クリエイター性がどう噛み合うか不安な面があったんですよ。でもコンセプトが最初から明確だったのと、常にプロジェクトをリードしてくれたのですごくやりやすかったです。

──トラック制作はどのように進めたんですか？

LEO　The Craneにヴォーカルをいれてほしい箇所だけ空けて俺が作りました。でもそんな難しくなかった。台北の街を絵で描くような感覚。あと台湾の人のあたたかさも。制作自体はかなりスムーズでした。一番時間がかかったのは副題かな。

The Crane　“萬千霓虹”。意味はさっきLEOさんが話した内容と同じだけど、台湾人が見てもかっこいいと思える言葉の並びにしたかったんです。副タイトルやカバーフォントについて話し合っている際、LEOが王家衛（ウォン・カーウァイ）の映画ポスターを例に挙げました（笑）。それを聞いて、私たちはみんなすごく共感しました。

── リリースまで3年かかったのはなぜですか？

LEO　実際に制作にかかった時間は1年くらいなんです。でもはっきり言ってめちゃくちゃ大変だった。The Craneは全然関係ない。ALIとしての問題。やることが多すぎたけど、投げ出さずにやり遂げることができた。

──「ALIとしての問題」の内訳を差し支えない範囲で教えてください。

LEO　シンプルにバンド内の問題ですね。俺ら本当に貧乏で、しょっちゅう喧嘩もしてました。サポートメンバーたちにもギャラを払わなきゃいけないし。何度も投げ出しそうになったけど諦めずに音楽を続けていたら新しい出会いがあった。“NEON”はそういう状況の中で作った曲。こうやってリリースにまで持っていけたことは自分にとって誇りです。

The Crane　大変さで言ったらLEOさんとは比べ物にならないんですが、少し前に甲状腺の手術を受けました。10年ぶりに悪性腫瘍が再発したのですが、幸いなことに、摘出手術を受けた後はしっかり休養を取れば完治する見込みです。でもLEOさんとポジティブなメッセージの“NEON”を作れたことは僕にとっても励みにました。

──制作で印象に残ったことはありますか？

LEO　The Craneは音楽に対してものすごくストイックな人だと思いましたね。ミックスひとつとっても完全に納得がいくまでやり続ける。だから彼の作品はあんなにクオリティが高いんだなって納得できました。あがってきた音源を聴いて驚きましたもん。ほんと完璧でした。

The Crane　僕は制作を通じてLEOさんのパーソナリティを知ることができたのが嬉しかったですね。最初にお会いしたのはALIが台北でライブした時だったんですが、彼はいわゆるロックスターだったんです。汗も唾もいっぱい撒き散らしてて、エネルギッシュで本当にかっこよかった。でも実際にプラベートでお話しすると本当に優しい。あと音楽に対して一生懸命です。さっき台湾の人は優しいと言ってたけど、それはLEOさんが優しいからだと思います（笑）。

──ALIがいろいろなアーティストとコラボするのはなぜですか？

LEO　うーん。なんか単純に面白いかなって。「俺が！　俺が！」っていうより一緒に遊ぼうよって感覚。ALIは俺にとって3つ目のバンドなんです。俺の人生って挫折だらけで。スタッフなんかは自信のない俺の姿も知ってる。不安な時のほうが多かったし、頑張りがすべて報われたわけじゃない。そもそも俺らが客演を呼ぶようになったのは、当初在籍してたラッパーが抜けちゃったからだし。「じゃあ誰が良いかな？」と思った時、AKLOくんにオファーしたら快諾してくれて。それが“LOST IN PARADISE”だったりするんですよ。運命に逆らわずにやってたらこうなったって感じ。

── The Craneさんにとって二回目の日本人アーティストとのコラボになります（一回目はSIRUP）。今後日本でも活動していきたい気持ちはありますか？

The Crane　もちろんです！　もっと多くの人に私の音楽を知ってもらいたいと思っています。これからも自分が好きな作品を作り続け、さらに多くの素晴らしい音楽家たちとコラボする機会があればと願っています！

LEO　日本も台湾も島だけど、世界の一部でもあるんだから、もっとワールドワイドに自分たちの音楽を届けたいよね。そこはお互いにシンパシーを感じてる。矛盾するようだけど、俺は同時に日本で成功することを絶対に諦めない。俺が世界に何かを発信したとしても、日本で成功してないと見向きもされないから。今の世の中、物騒なニュースばかりだけど、まずはアジアからユニティしていきたい。俺は中目黒から新宿に行くように、台湾に行きたい。別に「みんなで手を取り合っていこうぜ」みたいな大袈裟なことじゃなくて。ダサいやつらにバレないようにこっちはこっちでカッコよくやろうぜって。この感覚がわかる人に“NEON”が刺さったら嬉しいです。

The Crane　この曲はいろんな言語で歌ってるけど、今日話したようなエネルギーを感じてくれたら最高です。音楽は最高です。あと僕はもっと日本語を練習します（笑）。

2024年、沖野修也・沖野好洋による兄弟ユニット・Kyoto Jazz Massive（以下、KJM）の年表に新たな歴史が刻まれた。30周年記念アルバム『KJM COVERS KYOTO JAZZ MASSIVE 30th Anniversary Compilation』が、12月4日（水）にリリースされる。

急きょ録音した未発表曲も含め、彼らがプロデュース、リミックスした「カバー曲」をコンピレーションした本アルバム。DJ／プロデューサーとして国内外のジャズシーンを盛り上げてきた彼らだからこそ描ける、「KJMらしさ」を凝縮した作品集に仕上がった。

今回、QeticではKJMの2人にメールインタビューを実施。アルバム制作の経緯と過程、そして「今までの10年」と「これからの10年」について話を伺った。

10周年の際には参加アーティストの書き下ろしによる新曲で構成されたコンピレーションアルバム『10th Anniversary “FOR KJM”』(2004年)を発表。20周年では過去5年の間に手がけた作品を集約した『KJM WORKS～Remixes＋Re-edits』『KJM PLAYS～Contemporary Classics』(2014年)を2枚同時リリースしたKJM。

30周年となる2024年に彼らが挑んだのは、未発・既発を含むカバー曲を集約したコンピレーション・アルバムの発売だった。どういった経緯でカバーアルバムの構想に至ったのだろうか。

「以前からカバー作品に焦点を当てたアルバムを作りたいとは思っていました。ただ、ライブバンド録音の作品とプログラミング録音の作品をどう融合させるか、既発曲と新曲のバランスはどうするのかといった、いくつかの課題があって。なかなか踏み込めず、タイミングを見計らっていたんです。

30周年という節目を迎えた今年は、まさに構想を実現するのに絶好のタイミング。兄（修也）とも『カバー曲をまとめて作品化しよう』と具体的な話が挙がり、制作に着手しました」（弟・沖野好洋／以下・好洋）

今年6月にリリースされたEchoes Of A New Dawn Orchestra（EOANDO）とのコラボEP『KJM EOANDO - Kyoto Jazz Massive 30th Anniversary Edition』を制作していた時点で、既にカバー・アルバムの内容はある程度決まっていた。

EP制作中もEOANDOのメンバーに、アルバムの収録候補曲を聴いてもらっていたという2人。そもそもKJMは「カバー曲を制作する否か」という判断基準を、どこに据えているのだろうか。

「基本的には我々が気に入ってDJでも使っている曲、長くかけ続けている曲の中から、レコーディングしたい曲を選んでいます。あとはKJMがフィーチャーするボーカリストの声とマッチするかどうかも、重要な判断基準のひとつです」（兄・沖野修也／以下・修也）

「KJMのフェイバリット曲をクラブ仕様にアレンジしたいから、自分たちのテイストに合うから……など、個々の楽曲がレコーディングに至るまでの決め手はさまざま。ただ、KJMらしいサウンドが生み出せる楽曲かどうかや、収録される作品のコンセプトに合うかどうかは、選定の重要なポイントになっていると思います」（好洋）

では、彼ら自身が捉える「KJMらしいサウンド」とは。KJMのアイデンティティについて、修也は「クロスオーバー」というキーワードを挙げる。

「ジャズとファンクの融合はもちろんのこと、ゴスペルとブギー、スピリチュアル・ジャズとフュージョン、ブラジルとソウルといった異なる音楽をクロスオーバーさせること。その『交える感覚』こそがKJMのスタイルだと捉えています。

さらには原曲の良さを活かしつつ、オリジナルが生まれた当時にはなかった現代的なサウンドをアレンジに加えることも、KJMらしさに繋がると考えています。

今回のアルバムに収録した11曲は、いずれもオリジナルの時点で複数のジャンルが組み合わさっている楽曲ばかり。ハイブリッドなサウンドに、さらにハウスやテクノ、ブロークンビーツを取り込み、縦軸と横軸の広がりを作ることは常に意識しています」（修也）

これまでも「KJMがカバーする意味」を慎重に考えながら、カバー楽曲の制作を手がけてきた2人。メロディーの良さを活かすボーカリストのセレクションや、使用する楽器のチョイスにも「KJMらしさ」を垣間見ることができる。

その一方、制作の現場では「複数のジャンルを横断しながら、新旧のバランスも整えてカバーを成立させる」という絶妙なバランスを攻め込みたいがために、難航する場面もあった。

「新旧のバランスをとる塩梅が特に難しかったのは“No Cross No Crown”ですかね。オリジナルがリリースされたのは1979年。 ただリバイバルの影響もあってか、原曲のスラップベースが既に現代的に聴こえて。新たなエッセンスを加える隙がないように感じました。

どうやってKJMらしさを新たに付与するか。レコーディングでは弟（好洋）やベーシストのROOT SOULとかなり協議を重ねましたね。最終的にスウェーデンのプロデューサー・Opolopoにアレンジしてもらうことで、ゴスペルブギーだった原曲をエレクトリックなファンク・ソウルに変換しました」（修也）

また今回のアルバムリリースにあたり、急いでレコーディングを行なった楽曲も。“Kowree Sambazzi”はマスタリングの納期が2週間後に迫る中、急遽収録が決定した楽曲とのこと。ボーカリストやエンジニアの予定が1日だけ揃い、その場で完成まで漕ぎつけた、いわば「奇跡の一曲」だ。

「アルバムの制作を進めるうちに『既発のカバー曲だけではなく新録も入れよう』という話になったんです。そこで僕は兄がDJでよくプレイしていた“Kowree Sambazzi”を推しました。

オリジナルはスピリチュアル・ジャズ／ファンクと、ブラジリアンが融合した作品。まさに兄と弟の得意分野が融合したKJMらしい曲なんです。改めてベストなチョイスだったと感じます」（好洋）

アルバムには既発曲と新録曲に加え、あえてライブバージョンをチョイスしたトラックも収録。“Black Reneissance”と“Love is Everywhere”は、KJMがライブ活動を再開したことも記念し、晴れてライブ版がアルバム入りを果たした。いずれもフロアの熱気が伝わってくる、臨場感あふれる仕上がりとなっている。

「“Black Reneissance”はライブのイントロで一度だけプレイした曲で、まさにKJMのレアトラック。“Love is Everywhere”は既発のリミックスした作品を入れる案もありましたが、やっぱりこのライブバージョンが好きなんです。会場の盛り上がりがプレイにも反映されているんですよね」（好洋）

今回のアルバムを聴くと、30年もの長い時間を経て「KJMらしさ」が醸成されていったことが、言葉で説明せずとも伝わってくる。ただ、特に20周年から30周年に至るまでの10年間で起きた変化も、2人の紡ぐ音に強く影響を与えたように伺える。2014年から2024年に至るまでの軌跡を、彼らは次のように振り返る。

「僕自身がレコードショップを経営しているのもあり、クラブミュージックの存在がセールス含めてさらに厳しくなっていることを痛感した10年でした。ただ、中古盤市場の成長を感じた10年でもあります。現場で使えるクラブミュージックだけではなく、今後何十年も残っていくクラシックスも生み出そう、と考えるようになりました。

KJMが打ち込みのハウスやクロスオーバーから、生バンドを起用したレコーディングにシフトしたのも、ある種の必然的なものだと捉えていて。とにかく模索を重ねた10年間だったと思います」（好洋）

「この10年で起きた日本のクラブジャズの収束／UKジャズの勃興とともに、KJMも再始動し、ヨーロッパでのライブを活性化させていったんです。我々にとって重要な期間だったと思います。

同時にコロナの影響で、リスナーの音楽体験が変化したのも印象深い出来事でした。踊れるジャズの需要が減ると同時に、踊れないジャズへの関心が高まった。そしてサウンド・バーやレストラン、ホテルといった『クラブではない場所』でジャズDJが活動するようになったんです。活躍の場が広がる瞬間を感じました」（修也）

そしてこの10年間で、修也はUKやUSの若い世代を中心に、ジャズやソウル、ファンクが注目されつつあると指摘。次の10年に向け、よりシーンが拡大していくことを期待する。

「アンダーソン・パークやサンダー・キャットたちが来日するたびに、渋谷のザ・ルーム（修也がプロデュースするクラブ・バー）を訪れてくれるんです。我々がやっている事は間違いではないし、むしろ今の時代にリンクしていると感じます。

実際、日本のジャズ・シーンでも若いDJが台頭してきています。僕がかつてバンド時代のMONDO GROSSOと結託していたように、彼らも国内の若いミュージシャンと連動し、同世代のファンを開拓してほしいです」（修也）

2024年11月現在、KJMは既にサードアルバムのデモ制作を進めているという。過去のインタビューでは「KJMは100年くらい続くだろう」と語っていた2人。来たる10年後、2034年のデビュー40周年に向けて、彼らはどのように歩みを進めていくのだろうか。

「セカンドアルバム『Message From A New Dawn』（2021年）をリリースした時、海外の反応を目の当たりにしたんです。やはり作品を出すことの大切さを実感しました。

だからこそ、とにかく次の10年は、これまで出した曲よりも良い曲を作ることに尽くします。それしか考えていません。KJMがレジェンド枠に入ることや、100年続くブランドになることは、その結果でしかないと思っています」（修也）

「40周年までKYOTO JAZZ MASSIVEが存在するのかは正直分かりません。ただ、兄・沖野修也が構想するKJMの未来像は、もはや兄弟ユニットの域を越え、ワールドワイドな広がりを見せていると思います。

94年のデビュー作品が、KJMをコンセプトとした周辺アーティストたちのコンピレーションであったように、今後はさらに若い世代のDJ/プロデューサーたちを巻き込んでいきたい。そして我々の意志を継ぐアーティストたちの発掘・サポートに努めていきたいです」（好洋）

2013年に刊行されると、そのふしぎな世界観が子どものみならず、大人たちの心もつかみ、現在では全世界で累計発行部数が1100万部を超える大ヒットシリーズとなった「ふしぎ駄菓子屋 銭天堂」（廣嶋玲子・作、jyajya・絵）。2020年にはアニメ映画化・テレビアニメ化もされている同作品が、このたび待望の実写映画を果たし、12月13日（金）に公開を迎えることとなった。

監督を務めるのは、『リング』『仄暗い水の底から』『クロユリ団地』『スマホを落としただけなのに』など、ジャパニーズホラーをはじめとする数々の名作を手掛けてきた中田秀夫。中田監督はかねてから「ふしぎ駄菓子屋 銭天堂」の実写映画化を熱望し、今回の実現に至ったという。

そして映画を彩る主題歌は、水曜日のカンパネラの“願いはぎょうさん”（11月13日リリース）。プロデューサーのケンモチヒデフミが映画のために書き下ろした楽曲で、映画を観終わったあとに、「みんながポジティブな気持ちになれたら……」という願いを込めて制作され、作品のストーリーに寄り添った歌詞とキャッチーかつ中毒性のあるメロディーが水カンらしい一曲だ。

今回は監督を務めた中田秀夫と、プロデューサーとして水曜日のカンパネラの世界観をプロデュースするケンモチヒデフミの対談を実施。両者の視点から「ふしぎ駄菓子屋 銭天堂」の魅力と映画の見どころ、水曜日のカンパネラとの世界観のリンクなどについて語ってもらった。

──まずは、映画「ふしぎ駄菓子屋 銭天堂」に携わることになった経緯から教えてください。

中田秀夫（以下、中田） 僕は自分から実写映画化したいと提案しました。基本的にはオファーを受けることが多いので例外と言えば例外ですが、自分の家族から「銭天堂」を実写化したら面白いと思うよ！」と言われたのでやってみようかと。原作者の方とKADOKAWAにお願いして、僕のチームに任せてくださることになったのですが、そのときに原作の廣嶋玲子さん、jyajyaさんからひとつだけリクエストがあって。それは「ホラーにはしない」こと。実はこれは願ってもないことでした。ホラー、サスペンスではない映画、観終わりが温かい気持ちになるような映画はこれからぜひともやっていきたいと思っていましたので。もちろんよどみの方にはドキッとする描写を入れてはいますが、あまり“おどろおどろしく”ならないようには意識しました。

ケンモチヒデフミ（以下、ケンモチ） 私も「銭天堂」という作品を元から知っていて、主題歌のお話をいただいてから改めて読んだのですが、今の子どもたちはこんなに有用な児童書というか、大人にも学びがあるような作品に触れて大きくなっていくのかとうらやましく思いました。友人の姪っ子も「銭天堂」がすごく好きで、小さいころに読み聞かせをしていたそうです。そういう素敵な作品の映画に、主題歌という形でご一緒にできてとてもうれしいです。

──実写化するにあたって、最初のハードルはどういった部分にありましたか？

中田　原作と先行しているアニメのファンの人たちが観て失望しないようなものにしなきゃいけないし、それらをそのまま真似するわけにもいかない。例えば映画の中の招き猫を、アニメーションに近い形でやると少し違和感があるかもなと。なぜかというと、映画の場合は、実写の人間と共存しなきゃいけないので。紅子を演じる天海（祐希）さんが抱っこをするときにアニメーション的な招き猫のままだと、アニメの世界に天海さんが入っているように感じられるかなと。そのバランスはやっていく中で改めて難しさを感じました。あと実際は長身でスリムな天海さんを、いかに紅子のイメージに近けるかというのも、特殊メイクを何回もやり直して実現しました。ビジュアルイメージが先行してあるということが、実写化にあたっての最初のハードルでしたね。

──資料を拝見すると、天海さんの特殊メイクに毎回3時間はかかったそうですね。

中田　ポンっとマスクをかぶって終わりではないので、顔のパーツごとに分けて、繋ぎ目がわからないように貼り付けていきました。顔だけでなく手や体つきなどもこだわって、自然に着物を着た状態で紅子になるように仕上げると、やっぱり3時間ぐらいはかかりましたね。

──キャストのみなさんからは「熱量のある中田監督」「中田監督の情熱やバイタリティ」「こだわり抜かれたヘアメイクと衣装」などの賞賛のコメントがありました。

中田　撮影期間中はちょっと寝不足気味なので、眠気覚ましで現場では必ずハチマキを巻くんですよ。それで号令をかけるからかな。あと日本映画の現場は、アメリカとかと比べると時間的にせわしない部分もあるので、「さあ、どんどん撮るぞ！」という熱は出やすいかもしれない。でもすべては俳優さんたちが「銭天堂」の世界観を理解して、自分の役の意味合いを理解できれば、僕がやることはしっかりと見るだけなんですよ。僕がいつも思っているのは、ああしてこうしてって難しいことを自分の中では考えるけど、現場でそれを言葉で俳優さんに伝えるよりも、演じる俳優さんが気持ち良く集中できる状態を作って、あとはしっかり集中して見る。その上で見てなにか違うと思ったことを言うと。僕は監督だけど、ありがたいことに世界で初めての、自分の映画の観客でもある。その自分の“観客心”をいい意味で刺激してくれる場面が撮れれば、それでOK。だから本来、何も言わずに事が進むのが一番気持ちいいけれど、なかなかそうはいかないですよね。

──そうですね。ケンモチさんとしては主題歌を担当するにあたって、映画「ふしぎ駄菓子屋 銭天堂」という作品のどういった部分にフィーチャーして楽曲を制作しましたか？

ケンモチ　僕は撮影したシーンを観させていただいて曲作りを進めたのですが、さすが中田監督がやられているだけあって、ホラーではないかもしれませんが、すごくリアリティを感じました。あと物語はファンタジックだけど、それが現実世界と違和感なくシームレスにリンクしているのが印象的だったので、そういった部分を意識して楽曲制作に取り組みました。作品の主題である、“願いごと”を叶える上での“リスク”みたいことも意識しましたし、駄菓子がメタファーとしても面白いなと。駄菓子に子どもが惹かれるのって、どこかで背徳感があるからだと思うんです。甘いし、色もきれいだし、かわいらしいし。でも食べすぎると良くないみたいな。

──作品に登場する駄菓子はどれも、大人の目から見ても魅力的に映りました。それが願いごとともリンクしていて、リスクがあっても、思わず食べてしまう。

ケンモチ　この作品でも願いごとを持つこと自体はいいことだけど、それが人に言えない方法で、黙って自分だけでこっそり叶えようとすると失敗してしまう。でもそれって現実社会でもそうですよね。だから願いごとや言えないような悩みがあったら打ち明けようみたいなところに、僕はこの作品の主題があるような気がして、“願いはぎょうさん”の歌詞に起こしていきました。それと「銭天堂」は子どもが読みやすい絵や世界観の中に、大人が読んでもためになる深い気づきがある。それをモチーフに曲にするなら、入り口はすごくポップな感じで間口が広いけど、どんどん曲が進行していくにつれて出口がきゅっと狭まって、聞き終わったころには「深いことを言ってる曲だった」と思ってもらえるような曲にしたくて、ああいう曲と歌詞の構成にしました。

中田　お祭りっぽいにぎやかな感じとか、願いの中には「他人を出し抜きたい」というドロドロした欲望もあるとか、曲に関してそういうお話はして。ケンモチさんには映像を大きなスクリーンで観ていただいて、たくさん話し込んだわけではないですが、すぐに作品の世界観を理解していただいているなという感触があったので、安心して主題歌をお待ちしていました。

──作品の中で願いごとを叶えるために、駄菓子を食べるキャラクターが何人か登場します。その中で、中田監督とケンモチさんは特に誰に対して感情移入しましたか？

ケンモチ　僕はやっぱり伊原（六花）さん演じる相田陽子ですかね。伊原さんの鬼気迫る演技もすごかったですし、陽子の転落っぷりが印象的でした。大人が観てもヒヤッとするような描かれ方をしていて、特にそういうシーンを意識しながら曲に落とし込んでいきましたね。

中田　「銭天堂」はファミリー向けの映画だけれど、子どもたちだけではなく、その親の世代や、１0代、20代の若者たちにも届けたい。その意味で駄菓子で願いを叶えたい人物として、雄太や藍花といった小学生、まどかや百合子といった高校生、そして陽子のような大人など、いろいろなお客が登場します。中でも陽子は映画ならではのキャラクターですし、伊原さんには相当振り切って演技してもらった。僕も陽子の、両方の店の駄菓子に翻弄される人間臭さはとても好きですね。

──陽子が食べた“おしゃれサブレ”は、原作では書影や本文で名前が登場しているのみで物語化されていないということから、ファンとしてもうれしい演出だと思います。

中田　改めて人間の欲って真面目に考え出すと、すごく深い、思いテーマだなと。陽子は周りから認められたいという欲のために、まずはおしゃれになりたい。それ自体はまっとうな願いだけれど、目的を見誤って手段が極端になっていくことには気をつけないといけない。

ケンモチ　陽子さんのファッションも、最初に買った服はおしゃれだったけど、最終的にはもはやおしゃれではなくなっているっていう。服を買うのは自分のセンスを良くしたいためだったのに、逆に服を買うっていうことの方に目的がいってしまった。さらに渦中にいる陽子さん本人は、欲望のグラデーションの変化に気がつかないっていう恐ろしさがありましたね。

──もし中田監督やケンモチさんが子どものころに戻ったとしたら、どんな駄菓子を食べたいですか？ 銭天堂でも、たたりめ堂でも、登場していない駄菓子でも構いません。

ケンモチ　やっぱり子どもだったら、クラスの人気者になれる駄菓子がいいですね。でも大人になった今だと、“ヤマ缶詰”が最高だなって。曲を作ったり、エンタテインメントのコンテンツを考えたりするときに、大衆に何が受けているのかは今でも手探りなので。曲を作るときにピアノの鍵盤が浮かび上がって、「これか！」みたいにわかる“ヤマ缶詰”があれば買います。

中田　僕らの世界でも、今から25年ぐらい前の僕が監督として駆け出しのころは、まだまだコンピューター技術が発展していなかったけど、「コンピューターで薔薇色の未来が」みたいな時代で、ゆくゆくは勝手にシナリオを書いてくれるらしいみたいな話がありました。それが今やAIでいろいろなことができる時代ですからね。話を戻すと、僕は小学校のときに巨人のピッチャーになりたかったので、エースピッチャーになれる駄菓子があったら食べたかったな。

──ここまでお話を聞いてきて、改めて「銭天堂」の世界観や作品に込められたメタファーが、“願いはぎょうさん”の歌詞とすごくリンクしているなと感じました。

中田　ちなみに“たくさん”ではなく、“ぎょうさん”という言葉を選んだのはなぜですか？ 僕は岡山出身で、子どものころから“ぎょうさん”という言葉はけっこう使っていましたが。

ケンモチ　役柄的に「◯◯でござんす」というような話し方の紅子さんに似合うのと、“ぎょうさん”の方が聞きなれない言葉で特別感があり、ニュアンス的にも“たくさん”よりも“ぎょうさん”の方がものすごく多い雰囲気がある。言葉として発音したときも面白いなと思いました。

中田　すごくいいし、作品にも合っているなと。おそらく漢字だと“仰”ぎ見る“山”で「仰山」。たしかに “たくさん”よりも“ぎょうさん”の方が、感覚的にとても多い印象が出ますね。

──映画は12月13日（金）に公開を迎えますが、一足早くまず完成した映画を観て、主題歌を聴いて、キャストやスタッフの方たちからはどんな反応がありましたか？

中田　キャストとスタッフみんなで観る試写で、僕の前の席が天海さんでした。顔は見えないけど、途中で笑ったりしている様子は少しだけわかるぐらいでしたが、エンドロールで“願いはぎょうさん”が流れたら、天海さんが音楽に乗ってリズムを取り始めたんです。それを見て「やった！」となりましたね。映画も曲も素晴らしいと思ってくれたからこそ、そうやって乗ってくれたと思うので。

ケンモチ　そのエピソードは初めて聞きました。すごくうれしいです。

中田　エンドロールに関しては、物語が終わって黒味がどれだけあって、何秒後に主題歌を流すのかを、何度も時間を測って試しました。ただ何回やっても、しっくりくるのは「3秒半」。そういうのは半秒ズレても気持ちが悪いものなんです。映画のための書き下ろしの楽曲であっても、本当にしっくり来ることはそうそうないので、素晴らしい主題歌を作っていただけたと思っています。

──“願いはぎょうさん”に関する詩羽さんのコメントにもありましたが、映画も主題歌も、最終的には「ポジティブな気持ち」になることは大切なテーマでしたか？

ケンモチ　この作品は、願いを持つこと自体がネガティブなのではなくて、「それをどうするのかはあなた次第」というメッセージがあるように感じました。なので観終わったあとにお客さんに「楽しかったね」って言ってもらえるトーンでいこうと思いましたし、駄菓子屋さんは子どもにとって“非日常の遊園地”のようなものなので、そのイメージは音作りで参考にしましたね。あと僕が水曜日のカンパネラで曲を作るときは、複雑なメッセージは言わないようにしています。ただ今回、「銭天堂」という作品の伝えたいメッセージを、水曜日のカンパネラの世界観に落とし込んで曲にできたので、改めて素晴らしい機会をいただけたことに感謝しています。

中田　僕とずっと一緒にやってきた助監督に、「中田さん、これからはこういうあったかい映画が向いてますよ」って言われましたね。僕も自分ではそういうほんわかした部分がある性格だと思ってはいます。改めて、映画の本編が終わったあとに、そこからさらにもう一段気持ちが高揚して終われる曲を作っていただけました。ありがとうございます。

2024年10月19日（土）、20日（日）に福島県あづま総合運動公園で開催された音楽フェス＜LIVE AZUMA 2024＞。今年で3回目を迎え、2日間で49組ものアーティストを迎えるこの福島県最大級の音楽フェスには、音楽以外にもアート、地元をはじめ東北に縁のある約100店舗が軒を連ねるマーケットが展開され、さまざまなエンターテイメントが楽しめる複合的な催しとなっている。本稿では両日でのべ3万7000人もの動員を記録し大きな盛り上がりを見せた＜LIVE AZUMA 2024＞のハイライトを振り返ってみよう。

＜LIVE AZUMA 2024＞は福島あづま球場をステージとしたAZUMA STAGEと、隣接する緑豊かなPARK STAGEのふたつの会場でライブが行われる。AZUMA STAGEのトップバッターを飾ったのは、６年ぶりの再結成を果たしたAqua Timez。「虹」、「千の夜をこえて」、「決意の朝に」といった往年のヒット曲で、早くから会場に集まったファンを魅了していく。続く水曜日のカンパネラは、福島県在住の小中学生からなるダンスチーム約40名をバックダンサーに迎え、「たまものまえ」で“コンココンダンス”を披露。

突如降りだした雨にも負けずオーディエンスを盛り上げたLucky Kilimanjaro。昨年に続いての出演となったフレデリックは、新曲「CYAN」で進化を遂げたバンドサウンド、そして美しいロングトーンで成長した三原健司のボーカルを証明して見せた。大きな歓声に迎えられ登場したJO1は、デビュー曲「無限大」をはじめ、「WHERE DO WE GO」といった最新のナンバーで、11人のエネルギッシュな歌とダンスを披露する。

スチャダラパーは“心のベストテン第１位”、「今夜はブギー・バック」を歌唱し老若男女のシンガロングを誘う。グルーヴィーなサウンドで降り出した雨の滴りさえも音楽体験に変えてしまうgo!go!vanillasも強い印象を残した。＜LIVE AZUMA 2024＞DAY 1のヘッドライナーを務めたクリープハイプは、尾崎世界観によるアカペラではじまる「ナイトオンザプラネット」でライブをスタート。「HE IS MINE」、「栞」といったキラーチューンのほか、尾崎が福島の銘菓をもとに作ったという「愛の標識」では、〈今週君は帰る／生まれ育った福島へと〉と歌詞を変え、大きな歓声を誘った。

DAY 1のPARK STAGE、口火を切るのはU-zhaan×環ROY×鎮座DOPENESS。インド発祥の打楽器タブラとラップの掛け合いが心地よい。注目の新鋭MFSは最新作より「Combo」などをパフォームし、ダンサブルで迫力のあるライブを見せた。続いて登場のCampanellaは全14曲の濃密なパフォーマンス。「I DON’T KNOW」には客演にMFSを迎え、オーディエンスを沸かす。

昼下がりの時間帯に出演したのはTENDRE。人気曲「DOCUMENT」などを披露し、屋外ならではの気持ちよさを演出した。急遽出演が決まったVaVaはアグレッシブなステージングで観客を魅了。観客にコール＆レスポンスやジャンプを促し、ライブ巧者としての面目躍如だ。

PARK STAGEが翳る17時すぎに登場したのはEGO-WRAPPIN’。この日は中納良恵と森雅樹のふたりのみのアコースティックセットだ。ギターと歌声のみで豊かな歌世界を表現するさまはこの日の白眉であったろう。そしてトリを務めたのは、昨年は電気グルーヴとしても出演した石野卓球によるDJセット。アップリフティングなテクノのグルーヴにフロアは大歓喜。PARK STAGEを一瞬でレイヴ会場に染め上げた。

2日目のAZUMA STAGEのオープニングを飾ったリーガルリリーは、代表曲となるオルタナティブ・ロック「リッケンバッカー」でバンドの核となる衝動を見せつける。「swim」を筆頭にメロディックパンクで集まったオーディエンスを激しく揺らした04 Limited Sazabysも強い印象を残した。

indigo la Endはノスタルジックな「夏夜のマジック」をパフォーマンスし、しっとりとした空気を作っていく。続く堂本剛によるクリエイティブプロジェクト.ENDRECHERI.では、壮大なファンクネスを展開。堂本の「福島の風と一体化して楽しんでもらえたら」というMCからはじまった20分に及ぶフリーセッションは圧巻の一言。

2年ぶりの出演となるDragon Ashは、Kjが「Straight Up」でThe BONEZのJESSEを呼び込み、続けて「Fantasista」では2022年と同様にJUBEEのゲスト参加が実現し、会場をこれでもかと揺らす。HYDEは「PANDORA」や「夢幻」などの最新楽曲に加え、L'Arc〜en〜Ciel「HONEY」のほか、「GLAMOROUS SKY」といったヒット曲をヘビーなサウンドにアレンジして圧倒的なパフォーマンスを見せた。

MAN WITH A MISSIONは、代表曲「FLY AGAIN」のほか、「Raise your flag」、「Take Me Under」、「絆ノ奇跡」、「I'll be there」といった鉄板のセットリストを披露し福島の聴衆を沸かす。そして＜LIVE AZUMA 2024＞の大トリを飾ったのは、昨年に続き2度目の出演となる羊文学。海外に活躍の場を広げている彼女たちが、さらに飛躍して福島の地に戻ってきた。「more than words」や「Burning」といった代表曲で、シンプルでありながら力強いオルタナティブサウンドを星が煌めく福島の夜空の下で響かせた。

PARK STAGEの2日目は今年7月にメジャーデビューアルバムを発売したばかりの新鋭、Newspeakからスタート。爽やかでパワフルなサウンドが鳴り響く。勢いそのままに登場したのはこちらも若きスリーピースバンド、LET ME KNOW。「偽愛とハイボール」のヒット曲などをパッションフルに演奏し観客にアピールする。福島でははじめてのライブと語るMONO NO AWAREは朗らかなバンドカラー同様、ピースな空気感でPARK STAGEを彩った。

昨年はSTUTSの客演として＜LIVE AZUMA＞に出演したdodoがソロで出演。前年からの延長線でラインナップを楽しめるのもこのフェスの魅力だろう。ヒット曲「Im」では多くの観客が集まりステージを盛り上げる。快晴のなか、ジャジーでスウィートなサウンドを響かせる鈴木真海子。chelmicoでのはつらつとした印象とはまたちがう大人なライブで午後のまどろみに華を添えた。

オープンリハーサルからサービス精神を見せてくれたKan Sanoによるバンドセットライブも素晴らしい。音楽を通して聴衆とさまざまなコミュニケーションを取ろうとする姿が印象的だ。夕方過ぎに登場したRyohuは「All in One」や「Forever」、「Thank You」など代表曲をバンドセットでソリッドかつアグレッシブに披露。PARK STAGEの大トリを任せられたWONKは11月に発売が迫る最新作、そしてリリースツアーの片鱗を垣間見せるような新鮮なパフォーマンス。バンドの充実っぷりを見せつける演奏でラストを見事に締め大団円を迎えた。

さて、この２日間の＜LIVE AZUMA 2024＞を早足でレポートしたわけだが、いかがだっただろう。上記のライブアクト以外にも、会場入り口付近の入場無料のPARK LIFE DJステージにオカモトレイジ、ZEN-LA-ROCK、JUBEE、grooveman Spot、セク山、okadada、Shōtaro Aoyamaら豪華なDJ陣が出演し、ヒップホップやハウス、テクノ、ロックなどさまざまなジャンルの音楽が鳴り響き、聴衆の耳を引いた。

そして11月19日の深夜には＜LIVE AZUMA＞と連動したイベントが福島Club NEOで開催されるなど、さまざまな楽しみ方が提案された音楽フェスであった。

地産の料理が楽しめるフードエリアは今年も大盛況。なかでもラーメン女子の監修による東北拉麺屋台村はどの時間帯も行列ができる人気ぶりであった。そのほか、さまざまな飲食店が並ぶ東北市場酒場、緑に囲まれた敷地で福島牛のBBQが味わえるAZUMA Terraceなど、友達やカップル、家族同士など、多様な層が楽しめるエリアとなっていた。

また、金子潤やHEART BOMB、Hirottonら、地元にゆかりのあるアーティストによるアート作品の掲示、アパレルや書籍、陶器など多彩な商品が並ぶマーケット、ここでしかできない体験ができるワークショップなど音楽以外のトピックも豊富で、地元近郊以外の人にもおすすめしたいイベントだ。ひとまずは＜LIVE AZUMA 2024＞の余韻を噛み締めながら、来年の開催を楽しみに待ちたい。