俳優、モデル、コンテンポラリーダンサーとしてマルチなフィールドで活動し、近年ではメンズ美容のアップデートを牽引する存在としても注目を集めるRyo Ogata（緒形 龍）。彼がプレイヤーの枠を超え、自らプロデュースを手掛ける新たな映像シリーズ番組『Signal』をMEDIA QETICとコラボレーションにてローンチする。 俳優、ダンサーとして活動している彼が、なぜいま『Signal』をプロデュースするのか。MEDIA QETIC初登場となる今回、彼の表現のルーツであるアメリカ留学での原体験から、自身のアイデンティティに隠された葛藤、ひとつの枠にとらわれないRyo Ogataとしての生き方、そして新番組に込めたメッセージまで、ローンチ・インタビューを届ける。

――俳優、モデル、コンテンポラリーダンサー、美容連載など、非常に多彩なフィールドで活動を広げていますね。まずはRyoさんの活動のベースとなるルーツや、表現を志すきっかけとなった原体験からお聞かせください。 Ryo Ogata（以下、Ryo） 今の自分につながる、大きなキッカケとなったのは、小学生の頃に出会った海外のエンターテインメントなんです。僕たちの世代は全員が『ディズニー・チャンネル』に夢中で、マイリー・サイラスやセレーナ・ゴメスが黄金期を迎えていた時代でした。小学2、3年生の頃かな。映画『ハイスクール・ミュージカル』に出会ったことで、僕の価値観はガラリと変わりました。 そこで描かれていた、日本と海外のコミュニケーションの差っていうんですかね。子どもながらに衝撃を受けたんです。先生と生徒の距離感の近さや、生徒同士の気さくで裏のない関係性に強く惹かれました。当時の学校生活にすごく問題があったわけではないのですが、人とのコミュニケーションにどこか違和感を覚えはじめていた頃で、「海外へ行きたい、アメリカの学校に入りたい」と思うようになったんです。親には子どもの夢だと思われていたかもしれませんが、その気持ちはずっと変わらなくて、中学3年生の時に「やっぱり行きたい！」と伝えて、アメリカ留学を決めました。 ――強い意志を持っての行動だったのですね。最初はどのような環境だったのでしょうか。 Ryo 最初の1年は、バーモント州のとても寒い田舎町で英語の勉強に集中していました。ただ、このままでは自分が内向的になってしまうという危機感を持って‥、ここから出ようと決めました。そこで、LAにあるアートスクール（芸術専門の高校）を自分で調べたんです。アメリカ全体でもハイスクールのアートスクールは10校ほどしかなく、その中の一校へ自分で資料やオーディションテープを送って、合格することができました。 2年目からはそちらに移り、ダンスとファッションデザインを専攻しました。そこがまさに、小さい頃に画面越しに観て憧れた『ハイスクール・ミュージカル』そのものの世界だったんです。ダイニングホールで突然ミュージカルコースの生徒たちが歌い出したり、ダンスが始まったり。多様な人種やバックボーン、異なる宗教、ときには戦争のある国から来ている生徒など、本当に広い世界、新しい価値観に触れました。あのアートスクールでの日々が、間違いなく僕の原点です。

――Ryoさんは、お父様に緒形直人さん、おじい様に緒形拳さんを持つ、表現者の家系に生まれています。物心ついた頃から「自分も表現の道へ進むのだろう」という予感はあったのですか。 Ryo いいえ、むしろ「自分はこの家族にふさわしくないのではないか」と思って生きていたんです。僕自身、周囲からは「上品だね」、「品があるね」と言っていただける機会も多くありましたが、自分だけが知っている自分の内側には、ネガティブな要素やドロドロとした部分が強くあるように感じていて。その褒めていただける言葉に対して、違和感を感じるようになるというか‥。 でも僕は、本当に愛情豊かな家庭で育ちましたし、やりたいことを何でも応援してくれる家族で、本当にありがたい環境だったからこそ、「なぜ自分はこんな思考を持ってしまうんだろう」「普通って何だろう」と、常に葛藤し、家族に対して申し訳なさを抱えていましたね。 ――その内面の葛藤が、ご自身の「自己表現」と結びついていったのでしょうか。 Ryo そこは明確に結びつきましたね。アートスクールでは全ジャンルのダンスを網羅して学ばなくてはならなかったんですが、その中でもコンテンポラリーダンスが自分が一番やりたいと思ったんです。コンテンポラリーダンスは、怒りや悲しみといった普段は表に出しづらい複雑な感情を、あえて身体表現に落とし込むダンスなんです。僕は昔から、悲しみや苦しみ、人間のぐちゃぐちゃな部分を持っている人ほど、どこか“美しい”と感じてしまう感性があるんですが、その人間の複雑な感情を表現できるのがコンテンポラリーの魅力だと思いました。 本格的に役者をやりたいと思った決定的なきっかけも、海外にいた時に日本の映画『ヒミズ』を観た時です。狂気的で衝撃的、でも美しさや希望も感じさせる作品でーー。他にも『ヘルタースケルター』『渇き。』のように、きれいなものの内側にある人間のドロドロとした複雑な感情が見えたときに、強い美しさを感じる。その答えが一つではない、アート的な領域に向き合うことこそが、自分が役者をやる意味なのだと確信しました。 ――その感性が“Ryo Ogata”として、そして役者としてのスタンス、姿勢になったわけですね。 Ryo そうですね。特に最近の出来事で、日本では上映禁止とされていた、祖父である緒形 拳の出演作『Mishima: A Life in Four Chapters』を初めて観たんです。そのときに、言葉を選ばず表すと「ぶっ壊れてる」と感じて、凄まじい衝撃を受けました。それと同時に、「ああ、僕は、祖父の血とコネクトしているんだ」と強く実感したんです。 先ほど話をした幼少期からの違和感、自分の中にあるドロドロした感情を「自分だけが感じてしまっている、気持ち悪いもの」だと思って蓋をしていました。だから家族にも申し訳ないと感じていてーー。でも祖父の作品を観たときに、「おじいちゃんもきっと、こういう引き裂かれるような思いを抱えていて、それを表現していたんだ」と腑に落ちたんです。父や母から引き継いだものとはまた違う、祖父からの、精神的な血が自分の中でつながった感覚がありました。いまこのタイミングでそれを深く理解できたことにも、大きな意味を感じています。

――現在は個人事務所で自ら道を切り拓いています。新人期に個人で活動をマネジメントしていくのは、非常に異例ですし、リスクもある決断だったかと思います。 Ryo 自分のやりたいビジョンを伝えても否定されてしまう環境とか、近しい大人との関係の中で深く傷ついたり、実は一時は人間不信になって誰とも話せなくなって、引きこもってしまった時期もありました。大人の世界で感じてしまった感情に、自分自身も飲み込まれそうになりましたが、勇気を出して一歩を踏み出して活動をはじめました。 業務提携という形でエージェントとは繋がっていますが、テレビ局への資料送付や営業、オーディションの獲得などはすべて自分で行っています。第三者を介さずに、僕と先方という「人と人」のダイレクトな関係で直接やり取りをするのは、いまはとても心地いいし、やりがいを感じています。行動力さえあれば、新人であっても、一度落ちた人間であっても、自分の力で上がっていけるんだということを自らの姿勢で証明したいんです。新しいシーンを作る一人になりたいと思ってチャレンジしてます。 ――過去の苦しい経験さえも、現在のバイタリティに変えているのですね。 Ryo 自分を勇気づけてくれる言葉があるんです。メリル・ストリープの言葉で「傷ついた心をアートに変えて（Take your broken heart, make it into art.）」。僕の大好きなフレーズで、モットーにしています。 僕は「現在が未来を変える」のではなく、「未来が過去、現在を変える」と思っているんです。あの時の苦しみがあったから、今の自分に必要な行動力が生まれて、当時の大人たちを「あっ」と言わせるような、原動力になっていると思うんです。過去の辛い経験も、素晴らしい未来にたどり着くための意味のあるプロセスだったと、今の自分の一つひとつの選択によって書き換えていきたいですね。ネガティブをポジティブなアートへ昇華させるというか、ようやく、そのスタート地点に立てた気がしています。

――その新たなスタート地点からローンチされるのが、ご自身がプロデュースする映像シリーズ『Signal』ですね。プレイヤーであるRyoさんが、プロデューサーという視点を持ってこの番組を立ち上げた背景を教えてください。 Ryo 僕の中では、表現における「表」も「裏」も言葉の通りには思っていなくて、その両方が地続きで、どちらもすごく重要だと思っています。以前、某ファッション雑誌の編集長アシスタントを経験させていただき、企画をプロデュースする方々の素晴らしいチームワークを見て、その方々の仕事があってこそ、演者側が輝くのだと肌で知りました。 一時期は大人が信じられなくなっていましたが、ここ2、3年で、心から信頼できる魅力的な人たちとたくさん出会うことができたんです。その方々と対話する中で、僕は昔から人と付き合うことや、誰かの深い話を聴くことが大好きだったと思い出させてもらいました。僕の大切な周りの人たちのバックグラウンドを丸裸にして、お互いにネガティブな部分も共有し合えるような場所を作りたい。そう思ったのがプロデュースの初期衝動です。

――『Signal』というタイトルには、どのような意味が込められているのでしょうか。 Ryo 番組の立ち上げ期に、打合わせを兼ねて、QETICチームと韓国レストランに行ったんです。そこに、本物の信号機が飾られていたんです。僕の席がちょうど、その信号の光が強く当たっていて、僕が話し始めるとちょうど赤信号に変わったりして（笑）。そこからインスピレーションを得て、人の言葉の浮き沈みや人生の転換点を表す言葉として、「信号‥、他に言い換えるとなんだろう‥、シグナル‥‥！」となり、タイトルになりました。 実際、”シグナル”という言葉には「兆し」や「眼差し」という意味があったり。ゲストとしてお迎えする方々の「過去・現在・未来の眼差し」を対話の中で丁寧に聞いていく。ただのインタビュー番組ではなく、ゲストが普では語らないような深いパーソナリティに触れ、視聴者の方々はもちろん、ホストである僕自身も強烈なインスピレーションを受け取って一緒に成長していく、そんな化学反応が起きる場にしたいと考えています。 この番組自体も、まさに「未来が過去を変える」を体現するような、一種の対話の場でありアートのような空間にしていきたいですね。 ――栄えある第1回目のゲストには、ダンサー、HAL（ハル）さんが登場しますね。 Ryo HALさんはプライベートでも仲良くさせていただいているのですが、「こんなにも強くて美しい女性がいるんだ」とリスペクトの気持ちを込めて、第1回目にオファーさせていただきました。彼女は日本のダンスシーンを牽引するダンサーの一人なのですが、HALさんのダンスには、心の奥にある強い意志がそのまま表れています。 でも、その圧倒的な「強さ」の裏には、人知れない悲しみや苦悩もあるはずで。彼女の表現を外見やフィルターをかけた眼鏡で見るのではなく、その内側にある真のパーソナリティを見てほしいんです。日本で難しいジャンルであるヴォーグを牽引し続けているHALさんの「強さと優しさの理由」を、この『Signal』の対話を通じてぜひ目撃していただきたいです。

――最後に、Ryoさんのこれからの展望と、番組に出会ってくれた視聴者へのメッセージをお願いします。 Ryo これからは役者という枠だけに捉われず、職業「Ryo Ogata / 緒形 龍」として、さまざまな場所で、見たこともないような新しい花を咲かせたいと思っています。自分で掴み取った作品や、この『Signal』という番組が世に出ることで、観てくれた誰かの新しい発想の転換のきっかけになれたら嬉しいです。 視聴者の皆さんには、ぜひご自身の中にある固定観念や色眼鏡、目のフィルターを一度すべて外して、まっさらな、赤ちゃんのような気持ちで（笑）、この『Signal』に触れにきてほしいです。 僕自身、さまざまな国の人やカルチャーに触れてきて、偏見を持たないことを大切にしてしてきました。肩書きや枠組み超越して、一人の人間同士が境界線なく向き合う難しさと美しさを、皆さんと一緒に学び、共有していけたら幸いです。ここから始まる『Signal』という記録を、どうぞ楽しみにしていてください。

DJ KRUSH

GRANDBROTHERS

SHÖKA

NATHAN FAKE

MEITEI (冥丁)

COLA REN

6月27日（土）Time Table

Text by 漂流音楽

EVENT INFORMATION

NU Festival 2026

日時： 6月26日（金）12:00-22:30 6月27日（土）12:00-23:00 6月28日（日）12:00-23:00 ※各プログラムごとに実施時間は異なります。 アーティスト： ACTRESS / ACTRESS & SUZANNE CIANI / COLA REN / DAITO MANABE / DJ KRUSH / GRANDBROTHERS / 鏡民 (KYOMI) / 冥丁 (MEITEI) / みんなのきもち (MINNA-NO-KIMOCHI) / NATHAN FAKE / SAKURA TSURUTA / SAPPHIRE SLOWS / TWO SHELL / WILLIAM BASINSKI / AKIE / CHLOÉ JULIETTE / DJ EMERALD / KEIGO TATSUMI (LIVE) / MASAAKI HARA / SHÖKA (LIVE) / NICK LUSCOMBE / ROKUDAI SPECIAL LISTENING / SHHHHH / HIKO・KONAMI / OUSMANE BÂ AND MORE.. 会場： 〈NULive〉TAKANAWAGATEWAYConventionCenterLINKPILLARHall 〈NUArt〉MoNTakanawa:TheMuseumofNarratives(Box300/Tatami) 〈NUStation〉高輪ゲートウェイ駅南改札外3Fテラス 〈NUPark〉高輪ゲートウェイ駅前GatewayPark 1 Day 6月26日（金） ¥9,000 1 Day 6月28日（日） ¥9,000 2 Days 6月27（土）& 6月28日（日） ¥15,000 1 Day Under 23 6月27日（土） ¥5,000 1 Day Under 23 6月28日（日） ¥5,000 チケット購入： ローソンチケット https://l-tike.com/nufestival/ イープラス　　　 https://eplus.jp/nufestival/ チケットぴあ　　 https://w.pia.jp/t/nu-festival-2026/ ZAIKO　　　　　 https://nufestival.zaiko.io/e/nu-festival-2026 ※本フェスティバルは6月26日（金）、27日（土）、28日（日）の3日間開催されます。 ※6月26日（金）はMoN Takanawa (Box300 / Tatami)で入場無料のプログラムを実施。 ※6月27日（土）、28日（日）の「TAKANAWA GATEWAY Convention Center」と「MoN Takanawa(Box300/Tatami)」は有料です。 ※「高輪ゲートウェイ駅 南改札外3Fテラス」および「Gateway Park」はフェス期間中、無料でお楽しみいただけます。 ※「LUFTBAUM 28F 翠の庭」のプログラムは、フェス期間を含む6月26日（金）〜7月5日（日）の全期間、どなたでも入場無料です。 ※「高輪SAUNAS」でのDJイベントは、通常のサウナ入館料のみで入場可能です（フェスのリストバンド提示で入館料が1,000円OFF）。 注意事項： ※規定枚数に達した場合、当日券の販売はございません。 ※ご入場の際にIDチェックを行います。写真付き身分証明書をご持参ください。 ※中学生以下は入場無料です。ただし、保護者同伴に限ります。 ※Under 23（23歳以下）チケットをご購入の方は、ご入場時に身分証明書の確認を行います。身分証明書をご提示いただけない場合は、当日料金との差額をお支払いいただきます。

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漂流音楽

漂流音楽（Hyoryu Music）は、2022年2月16日に国内外の音楽を紹介するメディアとしてInstagramを拠点に活動を開始。新譜情報を中心に、フェスやライブ情報も発信している。活動開始同年には初の紙媒体『漂流音楽マガジン VOL.1 -too many music to follow...-』を刊行。以降も制作を続け、現在はVOL.4まで刊行している。DJコレクティブとしての顔も持ち、渋谷 club bar FAMILYにて自主企画イベント「NEIGHBOR」を毎月開催中。ジャンルの壁を超えた音楽体験を届けることを軸に、メディア・出版・イベントの三つの軸で活動を展開している。 Instagram

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https://qetic.jp/music/fields-so-good-2026-2/475797/ https://qetic.jp/music/fields-so-good-2026-2/475797/ https://qetic.jp/music/fields-so-good-2026-2/475797/#respond Tue, 16 Jun 2026 13:45:37 +0900 6 https://qetic.jp/?p=475797

今年9月20日（日）〜21日（月・祝）、長野県八ヶ岳農業大学校にて開催される＜FIELDS SO GOOD 2…

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今年9月20日（日）〜21日（月・祝）、長野県八ヶ岳農業大学校にて開催される＜FIELDS SO GOOD 2026＞が出演アーティスト第3弾を発表。 八ヶ岳農業大学校を舞台に、自然のなかで農と音楽を楽しむ新たな大地の祭典＜FIELDS SO GOOD 2026＞。Kan Sano、君島大空、Ovallらに続き、今回、GLIM SPANKY、石崎ひゅーい、奇妙礼太郎、スチャダラパー、SPECIAL OTHERS ACOUSTICの出演が発表。八ヶ岳の大地で“心を耕す”極上の体験を、ぜひ会場で味わってみてほしい。 ＜FIELDS SO GOOD 2026＞のチケットは、現在絶賛販売中。これから続々と発表される追加情報もぜひお見逃しなく。

EVENT INFORMATION

FIELDS SO GOOD 2026

日程：9月20日（日）〜21日（月・祝） 会場： チケット： 【1DAY PASS】⼊場パス 8,000円 【2DAYS PASS】(2⽇通し券) ⼊場パス 15,000円 【U-12 1⽇券（12歳以下対象）】⼊場パス 1,000円 駐⾞場・キャンプ区画チケット販売情報 【CAMP PASS・Grassland】8m×8m区画 / 最⼤6名まで利⽤可能 / 駐⾞場付：30,000円 【CAMP PASS・Seedbed】4m×4m区画 / 最⼤4名まで利⽤可能 / 駐⾞場付：20,000円 【PARKING PASS】駐⾞場 1DAY 3,000円 / 2DAYS 5,000円 オープンエリア・体験チケット販売情報 ※7⽉以降販売開始予定 チケットぴあ https://w.pia.jp/t/fsg26/

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5月14日に幕を開けた『Suchmos The Blow Your Mind TOUR 2026』は、全国9都市18公演におよぶ対バン形式のライブツアー。遡るとSuchmosの対バンツアーは2020年に開催予定だったが、新型コロナウイルスのパンデミックの影響で中止を余儀なくされ、その当時の想いはSuchmos自身も、関係者も、ファンも同じテンションで共有していたことだろう。それもあって本ツアーの開催が発表されると、Xなどでは「あのときのリベンジ！」という声があふれた。 Suchmosがリスペクトするアーティストを各地の公演ごとにゲストとして迎える本ツアーは、単に自分たちの楽曲を披露する巡業ではなく、異なる背景と音楽性を持つ表現者たちと共鳴し合うことで、新たなステージを切り拓こうとする挑戦とも捉えられる。そして何と言っても、ゲストの顔ぶれが同じ時代を駆け抜けた戦友から憧れの先輩まで実に多彩かつ豪華で（神奈川・IO、愛知・GLIM SPANKY、大阪・くるり、福岡・長岡亮介、北海道・cero、宮城・ハナレグミ、広島・GRAPEVINE、新潟・The Birthday、東京・Fujii Kaze）、チケットの争奪戦は凄まじかったようだ。 今回のKT Zepp Yokohamaでの2DAYSは文字通りツアーの出発点で、ゲストは日本のHIOPHOPシーンで独自の立ち位置を築くラッパーのIO 。Suchmosと同じく都市の空気と向き合ってきた表現者であり、両者は若き頃から定期的に交流があったという。本稿では、SuchmosとIOの両者が“現在進行形”の音楽を携え、交差し、共鳴し、そして更新した夜をレポートする。 〈過去記事〉 LIVE REPORT：Suchmos The Blow Your Mind 2025 新たな未来へと歩み始めた復活の夜 振り返るフジロック2025｜Suchmos 変わるもの　変わらないもの　そのすべてがSuchmos LIVE REPORT：Suchmos Asia Tour Sunburst 2025 横浜アリーナ・フジロック・Zepp Hanedaを経て 辿り着いたSuchmosというバンドの現在地

開演時刻の19時をやや過ぎ、場内の照明がゆっくりと落ちていく。Suchmosの対バンツアー初日、その幕開けを託されたのは、ラッパーのIO。昨年リリースしたアルバム『JUST ALBUM』と同じく、始まりの“Just intro”のビートと共にステージ上に現れたIOは、過剰な煽りも、演出的な前振りもなく、ほとんどそのままの佇まいでステージを見渡す。まだはっきりと見えない、暗闇に浮かぶシルエットだけで、観客を納得させる──それがIOのズルいまでのカッコ良さだ。 “本牧カーチェイス”は、曲の輪郭がはっきりと浮かび上がる。横浜という街の具体的な地名、夜の匂い。IOが紡ぐ言葉は抽象的な都市論ではなく、生活の延長線上にあるストリートの感触そのもので、KT Zepp Yokohamaというライブハウスは一瞬にして“どこかの街の夜”へ。続いて「横浜行けますか！」の煽りから“Spotlight”へ。ここまで3曲はアルバムの曲順と同じで、レーザーのライトがタイトル通りのスポットライトになり、照らされた観客の手も自然と上がった。 オープニングから「むむ？」と思ったが、サックスをはじめとした演奏陣が次々と見せ場をつくるこの“Kidy”で、IOのバンドメンバーが“ヤバい”ことを確信した。MELRAW（Sax./Gt.）、熊代崇人（Ba.）、大樋祐大（Key）、荒太洸（Dr.）、KORK（DJ / MP）という、この対バンに臨むIOの本気度が伝わる布陣。「堀米みたいに付ける金」「ここが生まれ死ぬ街」とTOKYOとHIPHOPをREPする“1942”では、哀愁漂う極上の演奏にIOも満足気な様子で、余裕な素振りで客席をゆっくりと見回す。

続く“Racin’”が放たれるころには、オーディエンスの熱は高まり、自然と声が上がる。さらにその熱は、Kohjiyaの登場で急沸騰。「シャバイ事してる……」のリリックに、「暇ねぇよ！」と大声で答えるヘッズたちの純粋さが眩しい。そして“Mamacita”から“Trust Me”（feat. MALIYA & Shurkn Pap）と“Lowkey（feat. MALIYA）”では、メロウな曲調に浸る時間が訪れた。 IOのステージのハイライトは、次の“Say My Name”。松葉杖で現れたRyohuを見て、もちろんいい意味で“ズルい”と心の中でつぶやいた。ただし、さすがに立ちっぱなしはしんどいのか、ステージに用意された椅子に座ってタイトなラップを披露。そのパフォーマンスの貫禄に、松葉杖が“王笏”、椅子が“玉座”に見えた（のは自分だけか）。さらに、Ryohuが残って“All in One（feat. IO）”。KANDYTOWN、言わずと知れた関係値。盟友との時間にIOの表情が柔らかい。 「Suchmos、呼んでくれてありがとうございます」と穏やかな口調で告げたIOは、ラストナンバーの“左利きのBenz”へ。 この曲が持つ疾走感と内省性は、IOの二面性を表している。成功を手にしながらも、自分自身を疑い続ける視線。その葛藤を作品として差し出す覚悟が、聴く者の胸に深く刺さる。曲が終わった瞬間に残ったのは、言葉にしきれない余韻と静かな納得感だ。 この夜が「対バンツアー」であることを考えると、IOの役割は極めて重要だった。彼は会場を温めるためにステージに立っているのでもなければ、Suchmosの前座として存在しているわけでもない。むしろ、この夜全体のリアリティを先に提示するという役割を、完璧に果たしていた。IOのステージで鳴らされた言葉とビートが、あとに続くSuchmosの音楽をより現在進行形のものとして浮かび上がらせる。その土台をIOは確実に築き、この夜が“本物”であることを証明した。

IOのステージが終わり、転換の時間が訪れる。言葉とビートが刻んだ余韻がフロアに残る中、観客は静かに、しかし確かな期待を持って次の瞬間を待っている。20時10分、照明が落ち、SEが鳴り始めると空気が変わる。しかしそれは、IOの余韻を断ち切るような変化ではない。むしろ彼が提示した現実の上に、もう一層、異なる質感のレイヤーが重なっていくような感覚だった。

そしてステージにSuchmosのメンバーが登場。YONCEは深々とお辞儀をした。 「Suchmosです。どう楽しむか見させてもらいます。ご自由にどうぞ」 その言葉に続いて始まった1曲目は“MINT”。グルーヴはしなやかで、どこか抑制されている。それでいて、音のひとつひとつが確実に身体へ染み渡り、首を揺らす。過去にライブで何度も演奏されてきた楽曲でありながら、その響きはどこか新しい。それはアレンジの刷新だけによるものではない。バンド全体が今のテンポで呼吸していることが、ナチュラルに伝わってくる。「気の抜けたコーラでも飲んで」のときにコーラを掲げる、1階席・観客のシンクロ率は今日も100％。「破けたジーンズで良い」と歌うYONCEのジーンズが、しっかりと破けているのも100点だ。 続く“Alright”が持つポジティブなムードは健在だが、過剰な高揚感はなく、むしろ落ち着きがある。TAIKINGとRen Yamamotoがステージ最前線に移動して観客を煽るとともに、曲の後半で見せたアレンジも新鮮だった。音の余白がより際立つ“Whole of Flower”では、ドラムの一打、ベースラインのうねり、ギターのカッティングが主張しすぎることなく、しかし確実に存在感を放つ。フロアの観客は盛り上がるというよりも、浸るようにSuchmosの音を受け取っている。

そしてYONCEにアコースティックギターとスタンドマイクが用意され、その流れの中で披露された新曲（タイトル未発表）が深い印象を残した。昨年リリースのEP『Sunburst』収録の“Marry”と同じ世界線にあるような、フォーク＆ブルース感。“Marry”では「君らしい君でいてほしい」と歌っていたが、この新曲でも「何も言わず 何かしている 君を見ているだけでいい」と直球の愛を歌う。今後、Suchmosでこのテイストの曲が増えていくのかなと思いを巡らせた。 「今日は初日、横浜です。来てくれてありがとう。あと何より出演を快諾してくれたIOくんと、彼のバンドメンバーに大きな拍手をお願いします。ロックとヒップホップ。違うようで、まあハッキリ言って、俺は一緒だと思っています。だから今日、言ったらどちらのお客さんもいる、ぐちゃぐちゃに混ざっている状況が、僕にとってはすごく心地が良いです」（YONCE）

さらに「喋りすぎたぜ〜今から歌〜う」とYONCEが“Pacific”を歌い始めると、会場の雰囲気が変わる。この曲が持つ浮遊感はやはり格別で、KT Zepp Yokohamaというハコに夜の海風が吹き抜けるような気持ち良さを感じた。その余韻に浸ろうとした瞬間、OKのタイトなドラムが響き、こちらもタイトル未発表の新曲に突入。「片隅のメモリー」「気が向けばプレイバック」「気がつけばフラッシュバック」などの歌詞や曲調も含め、どこか昭和の歌謡曲のような響き。観客はその新鮮な変化を正面から受け止めていたし、この曲からはSuchmosの今のテンションを感じた。

「あと5曲」とYONCEが告げて始まる後半戦。ライブ中盤までにSuchmosが提示したのは抑制や洗練、そして静かな自信だった。だがライブはここから先、このバンドが長年かけて培ってきた「熱の扱い方」のようなものが姿を現す。“GAGA”はリズムセクションの音が前に出ることで、グルーヴの輪郭がより明確になり、フロアの観客の身体が自然と揺れ始める。この曲が持つミニマルな反復性とじわじわと高まっていく高揚感は、ライブという空間でこそ真価を発揮した。 続く“YMM”では、空気が一転。この曲が持つポップネスは健在だが、その鳴らされ方はどこか落ち着いていて、成熟したバンドが選び取った余裕が感じられるアプローチだ。Ren Yamamotoはステージ中央で堂々とリズムを刻み、TAIKINGのギターはいつも以上に吠えていた。さらに終盤のTAIHEIのキーボードの音色とKaiki Oharaのスクラッチは、いつ聴いても惚れ惚れする。

そして“STAY TUNE”へ。この楽曲が持つ象徴性を考えればライブの山場になりそうなものだが、ここで鳴らされたのはアンセムというよりは、時間を経たからこそ鳴らせる1曲として異なる表情を見せていた。感情を前面に押し出すのではなく、あくまでグルーヴに委ねる。マイクをくわえ、「グッナーイ」をふざけて歌って自分で笑ってしまうところもYONCEらしかった。 本編ラストに向けて、“A.G.I.T.”でフロアのテンションは一気に跳ね上がり、“VOLT-AGE”でその熱はピークに。それらの曲が鳴るときに会場はひとつになるが、それは予定調和の盛り上がりではない。これまで積み重ねられてきた流れの上に、必然として生まれたクライマックスだ。 メンバーがはけると、観客はもちろんアンコールを求める。文字通り「アンコール！」と声に出して呼ぶのは珍しかったが、手拍子に呼ばれてSuchmosが再びステージへ。「お得なビジネスのご案内」（YONCE）という言葉で、2027年3月から5月にかけて仙台・福岡・横浜・神戸で開催される全国アリーナワンマンツアー『Suchmos BAY SIDE TOUR 2027』が発表された。

そしてここまでの文脈を振り返れば、アンコールで披露される曲は決まっている。そう、feat.呂布の“GIRL”。彼らの言葉を借りるなら、“百億光年ぶり”にライブでやる曲だ。実際にこの日は急遽やることを決めたという経緯もあり、曲が始まるとメンバー同士で顔を合わせながら、丁寧に演奏をしている様子が伺える。そして「出会いは11年前だった。あのころの俺たちは明日のことなんて知らない。何も持たない男たちだった」というYONCEの口上に誘われて、呂布with松葉杖が再登場。呂布はピースなラップを届け、ラストはYONCEと向かい合って踊り、肩を組んだ。 和やかな空気のまま、あと5分で全国アリーナワンマンツアーの先行販売が始まるタイミングで、オーラスは“Life Easy”。観客は充足感に満ちた表情で、穏やかなフィナーレを迎えた。

この日のライブで感じたのは、本ツアーは「現在を更新する旅」であるということ。現にSuchmosの活動再開後、横浜アリーナ・フジロック・Zepp Hanedaといった要所のライブを追いかけて感じるのは、「ライブで鳴る音が、今が一番カッコいい」というシンプルな事実だ。 このあと対バンツアーは、7月2日にゲストでFujii Kazeが登場するZepp Hanedaまで続いていく。異なるフィールドと方法論で自らを磨いてきたアーティストたちが、同じ時代、同じ空間で鳴らす音楽。その貴重な交差点に立ち会える感動を、日本各地の会場でぜひ味わってほしい。 2026年、Suchmosが選んだ“Blow Your Mind”の旅は、まだ始まったばかりだ。

Text by Rascal （NaNo.works） Photo by Yukitaka Amemiya

音楽フェスが全国各地にあふれ、規模や話題性だけでは差別化が難しくなった現在においても、独自の存在感を放ち続けているのが横浜・赤レンガ倉庫で開催される〈GREENROOM FESTIVAL〉以下、GREENROOM）。“Save The Beach, Save The Ocean”をテーマに掲げ、音楽とアートを軸にしたカルチャーフェスを20年以上にわたって続け、「都市型フェスの理想形」とも言える立ち位置を築いてきた。その背景には明確なコンセプトと、時代に合わせて進化を続けてきた柔軟なスタンスがある。本企画では同フェスのオーガナイザーである釜萢直起氏へのインタビューから、〈GREENROOM〉が支持されている理由と、都市型フェスが持つ思想や在り方をひも解いていく。

──釜萢さんは地元が町田で、原体験としては中高でサーフィンやスケボーに夢中になり、大学時代にはサーフィン目的でシドニーに留学。フェスに関しては、〈MOONSHINE FESTIVAL〉（アメリカ・ラグナビーチ）に影響を受けて〈GREENROOM〉を始めた、と過去のインタビュー記事で仰っていました。 〈MOONSHINE FESTIVAL〉に行ったのは2004年。『The Surf Gallery』のWill Pennartz（ウィル・ペナーツ）や、『The Moonshine Conspiracy』というクリエイティブ集団のChris Malloy（クリス・マロイ）などがオーガナイザーで、アーティストだけではなくフィルマー、ペインター、ギャラリーのオーナー、ミュージシャンのマネージャーなど多様な人とカルチャーが混ざり合う現場に影響を受けました。〈MOONSHINE FESTIVAL〉を見て帰国したのが2004年の9月。そこからすぐに準備を始めて、2005年の2月に第1回目の〈GREENROOM〉を開催しました。 ──サラッと語っていますが、帰国から開催までの期間がかなり短いですよね。 そのときは火がついていたので。〈MOONSHINE FESTIVAL〉のオーガナイザーに「このフェスを日本でもやれないか」という話はしていて、初めは〈MOONSHINE FESTIVAL JAPAN〉のような形をイメージしていました。ただし資金難でフェス自体がなくなってしまって、途中からは「自分たちでやろう」という方向にシフトして、オリジナルの名前で開催することになりました。なので〈GREENROOM〉は〈MOONSHINE FESTIVAL〉の意思を引き継ぐフェスです。 ──〈GREENROOM〉開催に至るまで、特にどのような点で苦労しましたか？ フェスを開催する前、GREENROOMという会社はブランドのブランディングや編集プロダクションがメインの事業で、自分としても以前は『warp MAGAZINE』という雑誌で働いていて音楽やライブは近いものでしたが、音楽イベントを開催したことは1度もありませんでした。 〈GREENROOM〉の制作を受けてもらうためにいろいろな会社にお願いしましたが、こちらはフェス界隈ではまったく無名でしたし、素人が来たみたいな感じでどこもダメでしたね。なので自分たちでなんとか作っていって、第1回目の〈GREENROOM〉を開催しました。

──第1回目の〈GREENROOM〉で特に印象的なエピソードを教えてください。 いま振り返ってもなぜと思いますが開催は2月。雪が降る中で100名ぐらいが並んでくれたのは印象的でしたし、すごく感動しました。初回はTommy Guerrero（トミー・ゲレロ）やRay Barbee（レイ・バービー）など海外のアーティストと、日本のバンドが半々くらい。当時は海外アーティストを招聘する難しさも素人すぎてわかっていなかったけれど、出版やブランドの事業でサーフィンやスケートボード界隈の繋がりはあったので、とにかくパッションでオファーしました。 ──今回は〈GREENROOM〉の現在のお話をメインにお聞きしたいので少し駆け足になりますが、そこから5年・10年・15年とフェスを続けていく中で感じた変化は？ まず開催場所が、大さん橋から赤レンガに移ったのが大きな変化ではありましたね（2010年〜）。あとはブッキングを含めお客さまに喜んでもらうクオリティを上げることに邁進してきた20年ではありますが、フェスはプロモーターがブッキングを担当しているのが多い中、自分たちはインディペンデントなやり方だったので、最初はなかなか苦戦しました。 それでも10年目ぐらいから流れが変わって、海外の旬なアーティストを呼べるようになったり、ペインターやアーティストたちが作品を出してくれるようになったりして。あと赤レンガに移ったことでマーケットも拡大していきました。〈GREENROOM〉は無料エリアにもライブステージがあって、DJがいて、いろいろなブランドの出店がある。フェス自体が“ひとつの街”のようになってコミュニティが強くなり、そのお祭りとして毎年遊びに来てくれるようになりました。 〈GREENROOM〉は“Save The Beach, Save The Ocean”をテーマとして掲げていますが、やっぱり海はオープンなものなので、フェスとしてオープンサイドにいることを大事にしてきましたし、そのテーマが「無料エリアの充実」という方向に繋がっていったと思います。

──〈GREENROOM〉を続けて、横浜という街の見え方は変わりましたか？ そうですね。〈GREENROOM〉を開催するエリアって赤レンガ倉庫のほかにも、少し足を伸ばせば野毛や中華街、みなとみらいなど魅力的なスポットがたくさんあります。海沿いなので景色も朝昼夜といろいろな顔を見せてくれるので、横浜はずっと変わらず好きですね。あと赤レンガ倉庫という歴史的価値がある場所でフェスを表現できていることに意味があると思うので、場所の持つパワーはすごく重要ですし、〈GREENROOM〉を通じて横浜の魅力も伝えていきたいです。 ──年々、会場に遊びに来る人の層も多様化している印象を受けます。 初めは男性ばかりのイベントで、コンテンツもマニアックなものが多かった。ただ海のカルチャーをより多くの人に知ってほしい気持ちがベースにあるので、それを広げるためにどうやったら知らない人たちに届けられるのかを考えていった結果、いまの形になっていきました。 マーケットもサーフブランドだけではなく、いろいろなジャンルのセレクトショップが入ってきてくれたことで広がっていきましたし、アーティストがアーティストを呼んでくれたり、コラボしてくれたり、自発的にどんどん発生してきたことも大きい。そういうのはこちらとしてもうれしいですし、〈GREENROOM〉は関わる人たちみんなで作ってきた感はありますね。 ──〈GREENROOM〉は数ある都市型フェスの中でも、圧倒的に行きやすいし、参加しやすい。横浜散策と合わせてフェスに遊びに行くこともできますし、なんならフェスの途中でちょっと街に繰り出してもいい。参加するハードルの低さが魅力でもあると思います。 例えばサーファーは海も街も近い感覚でONとOFFを楽しんでいて、マリブとハリウッドや、留学していたシドニーもボンダイやマンリービーチからタウンも近くて、そのまま夜はみんな繰り出すのが普通だと思っているので。エシカルなイベントにしていく方向性ではもともとないですし、自然を大事にするというメインコンセプトは重要ですが、カルチャーとしてはそこだけではない。自然と遊び、その両方の面白さをフェスの中に入れて作ってきたという感じですね。 逆にその方が伝わりやすいと思いますし、アカデミックに海のことを言い続けてもなかなか伝わらない。去年の20周年のときに、Jacob Collier（ジェイコブ・コリアー）が素晴らしいライブで自然の良さを伝えてくれたりもするし、いろいろなクリエイターやアーティストが海にインスパイアされた作品を残してくれるので、それをちゃんとエンタテインメントとして伝えていきたいと思います。 ──昨年の開催が終わったあとに、釜萢さんはインスタグラムで「Jacob Collierの自由な素晴らしいライブ、本当に感動した、あらためて俺自身、みんなに届けたいことがクリアに再確認できたと思う」と綴っていたのですが、いま仰っていたような部分ですか？ そうですね。Jacob Collierのライブはみんなで合唱するのも含めて一体感が素晴らしかったですし、なんで自分はフェスを作っているのかという点も含めて、Jacobにわからされたというか。生の体験の重要さを再確認できたことで、改めてフェスを作り続けたいと思いました。 ──釜萢さんは20年以上、フェスを毎年開催するライフスタイルを送っていますが、その年のフェスが終わったあとは少しだけでもクールダウンする期間を設けていますか？ やっぱり少し間を空けないと頭がこんがらがってしまうので、断つというとあれですけど、離れる時間も必要ですね。でもフェスベースでやっぱり日々が動いていきますし、その年の開催が終わると、すぐに次の年のブッキングが海外勢は始まっていくので。あといまはアジアのフェスと連携して、アーティストもアジアツアーのような感じで動いていくことが増えましたね。

──21年目という新たな始まりとして、今年の開催に向けて思うことは？ うちはもともと会社ができたのが先で、そのあとに社名を付けたフェスを立ち上げたので、そういう意味ではみんなにとっても僕にとっても特別なものというか、まさに社運を賭けているような感覚ではありますね。フェスがなくなるときは、会社ごとなくなるときなので。

──今年のラインナップの中で、特に注目してほしいアーティストは？ 今年はJON BATISTE（ジョン・バティステ）をベースに進んできました。コロナのときにNetflixで彼のドキュメンタリーを見てからずっと呼びたいと思っていて。去年のJacob Collierは“音楽の神の子”だとすれば、BATISTEは“音楽の神”そのもの。僕の中ではすべてがナンバーワンですね。 その前に出演するJANELLE MONÁE（ジャネール・モネイ）は、2月にキャンセルを発表したEzra Collective（エズラ・コレクティブ）に変わって急遽出演を決めてくれて。助けてもらったことも含めて思い入れは強いです。あとはロンドンを拠点に活動するEmma-Jean Thackray（エマ＝ジーン・サックレイ）もカッコイイので楽しみにしていてください。 邦楽ではGEZANがRED BRICKステージに出るのが〈GREENROOM〉らしいですし、GADOROのような新しいアーティストも楽しみ。それとTribe Sampler Collective – Nujabes Tribute Set –は鎌倉にスタジオがあって自分も鎌倉に住んでいますし、海岸で聴く彼らのサウンドは合うでしょうね。KREVA、Dragon Ash、スカパラといった定番のメンツも出てくれますし。

──20年以上にわたって続けてきた結果、〈GREENROOM〉は街の風物詩になっていますし、会場から漏れる音を聴く人々も、ある意味で風景として定着しているというか。 めちゃくちゃいますね。でも来年、チケットを買ってくれるかもしれないですし、昔からそういうこともポジティブに捉えてきたので。チケットを買って入ってくれれば最高のライブを観られますが、まずは無料エリアのマーケットなどを目当てにでも遊びに来てほしいです。 ──ちなみに近年の日本のフェスシーンに対して、思うことはありますか？ いまって日本にも500個ぐらいのフェスはあると言われている時代なので、逆に独自路線を生み出すのが難しくなっているとは思います。その点、〈GREENROOM〉は有料・無料エリアがあるカルチャーフェスという形でずっと20年やってきました。あとフェスはこれからも増え続けていくと思いますが、洋楽と邦楽の両方を楽しめるフェスという意味では日本はそれほどまだ増えていないので、そのスタンスはこれからも変えずにやっていきたいという感じですね。 ──釜萢さんは今後、〈GREENROOM〉をどのようにしていきたいですか？ 過去のインタビューでは、「エリアをもっと広げていきたい」というようなことを仰っていました。 やっぱり〈GREENROOM〉は大さん橋で始まったフェスなので、次の周年とかには赤レンガと大さん橋をくっつけたいなと。大さん橋と赤レンガの間には象の鼻パークや広場などもあるので、そういった場所も使いながらいろいろなコンテンツをやっていきたいなとは考えています。あとは横浜みたいな街がほかの地方にあれば、そういうところでも開催してみたいですね。 ──釜萢さんにとってフェスは、もはや切っても切り離せないものだと思います。 いまは主催のフェスと受託のフェスがあるので、そういう意味では1年中、フェスを作っています。自分は場づくりが好きですし、空間も好きなので、みんなが楽しめる場所を作りたい。それが数日で終わる儚さも含めて、自分はそういうのが性に合っているのだなと思います。 ──フェスのオーガナイザーの方にインタビューさせていただくときは、ベタなのですが毎回、最後にこの質問を聞いているのでお願いします。あなたにとってフェスとは？ ちょうど昨日、クリエイティブマンの清水（直樹）さん（〈SUMMER SONIC〉のオーガナイザー）とJ-WAVEの『YOU ONLY LIVE SONIC』で対談したのですが、話していて自分もそうだと思ったのは、やっぱりどこか“ネジが外れている”。フェスはハイリスクなエンタテインメントであり、前を見ることや上を見ることを続けないといけなくて、守りに入ってしまうと停滞していずれはなくなる。 その意味で〈GREENROOM〉は20年間ずっと、ブッキングもコンテンツもアクセルを踏み続けてきましたし、それがオーガナイザーとしての境地なのかなと。それはフジロックの生みの親である日高（正博）さんも、先ほど名前を挙げた清水さんもそう。コーチュラだってずっと踏み続けているし、一方でアーティストはコーチュラのステージで最高のものを揃えてくる。 そういう意味で踏み続けることが重要。先のことはわからないですが、呼べていないアーティストはたくさんいるので、〈GREENROOM〉はまだまだ先があるのかなと思います。

Interview & text by Rascal （NaNo.works） Photo by Shunichi Oda

世界最高峰のスケートボードリーグ＜SLS TOKYO 2026＞が、11月14日（土）に東京・有明アリーナで開催される。東京大会の開催は2年ぶり、今回で3回目となる。 STREET LEAGUE SKATEBOARDING（以下、SLS）は、2010年に設立されたストリートスケートボーディング史上初のプロリーグ。世界最高峰のスケーターたちがオリジナルコースで競い合う大会として、世界中のスケートシーンから注目を集めてきた。

2024年大会では、男子の部で白井空良が優勝、堀米雄斗が2位、女子の部では赤間凛音が2位、吉沢恋が3位と、日本人選手が躍進。世界トップクラスのスケーターたちによるハイレベルなトリックの応酬は、大きな話題となった。

SLS最大の特徴は、ストリートスケートボーディングを競技としてだけでなく、ショーとして成立させている点にある。 各都市ごとに異なるオリジナルコースが設計され、世界トップレベルのスケーターたちが、最大級の賞金をかけて競い合う。観客は、わずかなミスも許されない緊張感と、一発で空気を変えるビッグトリックを間近で体感することになる。 SLSでは、45秒間で複数のトリックを繋ぐ「ライン・セクション」と、一発勝負となる「シングル・トリック・セクション」によって得点を競う。さらに、9.0以上の高得点を記録した選手のみが到達できる『9CLUB』は、スケーターにとって最高栄誉のひとつとして知られている。

2026年大会では、新たにミネベアミツミ株式会社がプレゼンティングパートナーに就任する。 同社は、ミニチュア・小径ボールベアリング分野で世界をリードする精密部品メーカー。スケートボードにおいてボールベアリングは、ウィール内部に組み込まれ、スピードや滑走性能、安定性を左右する重要なパーツとなっている。 ミネベアミツミの技術は、スケートボードだけでなく、自動車や航空機、精密機器、家電製品など幅広い分野で活用されており、世界中の“回転”を支える存在でもある。 大会を支える精密技術と、世界最高峰のスケーターによるパフォーマンス。その親和性もまた、本大会の見どころのひとつと言えそうだ。

パリ五輪を経て、さらに注目を集めるスケートボードカルチャー。SLS TOKYOは、単なる競技大会ではなく、世界中のスケートカルチャーが交差する場としても機能してきた。 堀米雄斗や白井空良をはじめ、日本人スケーターたちが世界のトップと肩を並べる現在、その熱狂を国内で体感できる貴重な機会となりそうだ。

Text&Edit by Qetic編集部