エイジアン・ダブ・ファウンデイション（Asian Dub Foundation ：通称・ADF）が活動30周年を記念して、イギー・ポップやパブリック・エナミーのチャックDなどとのコラボレーションをコンパイルしたアルバム『94-Now: Collaborations』をリリース。さらには2025年1月には11年ぶりの来日公演が開催されることが決定した。

アップリフティングなジャングル／ドラムンベースにバングラを融合したブレイクビーツ、タフなダブのベースライン、ワイルドなギターに戦闘的なラップを重ねるエキサイティングなスタイルで90年代初頭より確固たる存在感を築いたADF。活動初期よりDJをメンバーに配していることもあり、ブリットポップに対するカウンターとしての“ミクスチャー・バンド”の先駆として知られるようになったが、バンドのギタリストである中心人物のチャンドラソニックは近年のインタビューで「伝統的なロックはあまり好きではなかったが、ティナリウェンやエムドゥ・モクターのようなマリ、ニジェールのギターバンドは例外だった」と明かしており、編成やジャンルとしてのカテゴライズよりも、パンク的なDIY精神と社会的リアリズムを追求するその姿勢こそが重要だったと思われる。来年の1月には、20年以上にわたり定期的に行っている企画として、マチュー・カソヴィッツ監督の映画『憎しみ』（1995）の上映に合わせてライブでサウンドトラックを演奏するパフォーマンスを行う予定であり、自らのルーツとコミュニティーを大切に、メンバーチェンジを続けながら現在まで精力的な活動を続けている。

今回リリースされる結成30周年記念アルバム『94-Now : Collaborations』はベストアルバムと呼んでもさしつかえない選曲。全11曲ともにリマスターまたはリワークが施されており、アルバムトータルとしての統一感も申し分ない。そのなかで唯一の新曲となるのが、若きMCであるチャワーマンをフィーチャーした“Broken Britain”だ。バンドは今年7月のイギリス下院議会総選挙で反移民政策を掲げるナイジェル・ファラージの政党「リフォームUK」が支持率を伸ばしたことに危機感を抱き、彼らの活動の出発点となったイースト・ロンドンの「コミュニティ・ミュージック」で制作された。《移民を非難　それがあいつらの方針／小船が来るせいで国民の半分が貧困だと言う／ヘマをやらかせば隠蔽　謝罪する気もない》と政府を痛烈に批判するリリックと怒涛のパンキッシュなグルーヴは、うわべだけの理想ではなく、常に現実の社会問題にヴィヴィッドに反応し実践していくADFの面目躍如たる仕上がりとなっている。

本作にはADFの行動力のもっとも顕著な例である、プライマル・スクリームとの“Free Satpal Ram”も収録されている。彼らは97年頃より、正当防衛で白人を殺害し投獄されていたUKエイジアンの労働者であるサトパル・ラムの釈放のためのキャンペーンを展開。内務省への投稿などを呼びかけ、英国内外の多くの人々による支援により投獄から15年後の2002年に仮釈放を実現させた。ADFのメッセージを届けることに大きな貢献を果たしたプライマル・スクリームもまた、ポリティカルな新作『Come Ahead』を今年リリースしたのは偶然ではないだろう。

またエイドリアン・シャーウッドのプロデュースのもと、シネイド・オコナーとレディオヘッドのエド・オブライエンが参加した“1000 Mirrors”は、チャンドラソニックが自身の家庭内暴力の経験に基づいて作曲し、長年にわたり虐待を受けた夫を殺害した罪で終身刑を宣告されムスリム女性のズーラ・シャーにインスパイアされている一曲だ。2023年7月に死去したシネイドについて、チャンドラソニックは「私たちの世代のニーナ・シモンだった」と賛辞を惜しまないが、この曲のデモを聴いてシネイドが歌うことを快諾したことは必然だったと言えるだろう。1992年にアメリカのテレビ番組「サタデー・ナイト・ライブ」でローマ・カトリック教会内の聖職者たちによる児童虐待に抗議するためにローマ教皇の写真をカメラの前に掲げて破り捨てたパフォーマンスは未だに語り継がれる勇気ある行動であったし、彼女自身も幼少時に母親からの虐待を受けたことを明かしていた。罪を犯した人を告発し、声を奪われた人々、傷を負った人々を癒やし、肯定する。鋭い切っ先と包み込むような優しさと同居する。これこそがADFの真価であり、彼らのメッセージ性が時代を超越していることを証明する。未だに家父長制がはびこり、選択的夫婦別姓が実現しない現在の日本でこそ響いてほしいナンバーだ。

日本からリクル・マイとドライ＆ヘビーを迎えた“Raj Antique Store”、オーディオ・アクティブが参加し《皆でひとつになるんだ》と繰り返される“Collective Mode”が収録。彼らにとって世界のアーティストとのコラボレーションはまさに「共闘」であったことが感じられる。なお日本盤には、写真集『STRUGGLE Reggae meets Punk in the UK』を上梓した石田昌隆による解説が収録されている。自身の豊富な実体験に基づく視点から各曲の背景が触れられているので、歌詞カードとともに読みながら聴いていただくことをお勧めする。

ADFはこれまで幾度となく来日しているが、個人的に最も印象深いのは2008年の＜FUJI ROCK FESTIVAL＞だ。リー・ペリー、エイドリアン・シャーウッド、マーク・スチュワートとレゲエ／ダブの重鎮が揃い踏みしたこの年、最終日のクロージングアクトを含め2日連続出演を果たしたADFとフジロックのオーディエンスと相思相愛とも言えるエネルギーの交換は忘れがたい。バンドとファンがまさしく共同体であることを感じられる、多様なグルーヴが混在する祝祭的なステージ。しかし、ヘドニズム一辺倒ではなく、直面する問題を共に考えていこう、というポジティブなヴァイヴがそこには流れている。

彼らが活動を開始した90年代よりもグローバリゼーションはさらに拡大し、差別と不正義は一向に収まらない。先見の明といってもこれは喜ぶことではないのだが、彼らの危惧はいまだ現実のものとなっている。決してノスタルジーではなく、現代的な問題意識を持った、今こそ聴かれるべきアクトだと言っていい。恥ずかしながら、自分はADFの発信するメッセージの数パーセントも理解できていなかもしれない。だが、そんなリスナーすらも受け入れてくれる懐の深さがADFにはある。プライマル・スクリームのボビー・ギレスピーから「英国最高のライブアクト」と称賛されたそのパフォーマンスをぜひ体感してほしい。

コロナ禍で韓国エンタメにハマり、最終的に韓国映画やドラマなどの記事も書くようになった私がK-POPアイドルを知るきっかけは、専ら映画・ドラマである。そこから該当するアイドルにハマっていくかというと、そうでもない。俳優のファンクラブやファンミーティングに課金している身であり、K-POPにまで手を広げたらすでに足りないお金と時間がスッカラカンになりそうだからだ。そのため、今回韓国の大手芸能プロダクション〈SMエンタテインメント〉主催のコンサート＜SMTOWN LIVE 2024 SMCU PALACE ＠ TOKYO＞（以下、SMTOWN）をレポートするとなった際も、知っていたのは、最近観たドラマ『もうすぐ死にます』に出ていたシウォン（SUPER JUNIOR）のみ。急いで出演する全13組55名のプロフィール情報を調べ、MVを数曲ずつチェックするが、全く覚えられない。さすがに心許ないので、Kカルチャーの師として慕っている知人の八重樫夏美さんに同行してもらい、東京ドームへと向かったのであった。

韓国ドラマは『ロマンスは必要2』から、K-POPは神話からハマったという夏美さんは、〈SMエンタテインメント〉の動向も長年追い続けている熱狂的なファン。「新しい経営陣になって初の＜SMTOWN＞だから、どんなイベントになるか楽しみ！　今年無事開催できて本当に良かった〜」と期待を膨らませている。どうやら大人の事情が色々あったらしく、この恒例イベントが次回いつなのかとヤキモキする日々を過ごしていたのだとか。それにしても生憎の雨模様にも関わらず、ものすごい人、人、人。東京ドーム周辺を完全にジャックしたファンダムの強さに舌を巻く。

入場して渡されたのは、Bluetoothと連携して光る腕輪。出演者のイメージカラーや演出などに合わせて光る仕組みだという。設定をしていると、隣でガサゴソとせわしなくなる夏美さん。「これは東方神起、これはaespa、これはSHINee……」と、これまで手に入れたペンライトのコレクションを披露してくれた。観客席に煌めく他の光を見ては、「あれは赤色だから東方神起のファンかも」、「aespaの中身はエンブレムがカスタムできるんだよ。あの人のはウィンターだよ」と嬉しそう。一つ、また一つと輝きが増していく会場を目にし、未知なるイベントへの期待が高まっていく……！

最初に登場したのは、この日デビューしたNCT WISH。NCTと冠の付くグループは複数おり、彼らはそのNCT最後のユニットだという。アップビートなダンスナンバー“NASA”を披露して会場を温めた後、目を輝かせて「先輩たちみたいにかっこいいアーティストになりたい」と展望を語る姿が眩しい。この時にはストリート感ある衣装や振り付けだったが、後半の“WISH”では無垢さを感じさせる白い衣装で愛くるしい振り付けに。私が想像する男性アイドルグループ像そのもので、プロデューサーがBoAだと知って妙に納得。「BoAは日本市場をよく知っているから、日本の人々に受けやすい“可愛い”を取り入れて展開していくのかもね」と夏美さん。未来に希望を抱くメンバーたちに前向きなメッセージ性の楽曲、そこにBoAの情報が加わったことで、今後彼らの動向を見守っていこうとひっそり決意する。

2番目に登場したのはHYOYEON。中毒性のあるビートに乗せて「You know what I deserve（私が何に値するのか分かっているでしょ）」と強気に歌い踊る彼女があの少女時代のメンバーだと知って驚く。さらにその少し後、TAEYEONも登場。HYOYEONとはまた異なる方向性で、ギターの音色が切ない別れの曲を歌い上げていた。私の中で”Gee“で記憶が止まっている少女時代。あの頃から彼女たちは一人ひとりどのような道を歩んでいるのか……、早くも探究欲が刺激されまくりである。

この流れでガールズグループに言及すると、この日はRed Velvetとaespaが出演。Red Velvetは時にクラシックもサンプリングしたロマンティックな曲に細やかな振り付けを合わせたガーリッシュなスタイルで、aespaはヒップホップ調の曲と大胆な踊りを組み合わせて“強さ”を前面に出したかっこいい系。それぞれ世界観が明確に構築されており、登場するや否や会場を自分たちのムードへと持っていく様がお見事だった。特に、Y2Kファッションからパンク感あるドレスまで着こなし、生歌も披露したaespa。いずれの曲もロックなアレンジになっており、それが彼女たちの高音ヴォーカルにバシッとハマっていて最高に痺れた！

尋常でない歓声が上がっていたのは、RIIZEとNCTの面々だ。昨年デビューしたRIIZEはカレッジ風のカジュアルな衣装や手足の長さを活かした元気いっぱいな振り付けで、とにかくフレッシュ。「可愛い」という叫び声が終始飛び交っており、私もいつしかウォンビン（※SM史上1の顔面と言われているらしい）がスクリーンに映るたび、身を乗り出して応援するように。NCTでは、”We Go Up“のような型にハマらぬ魅力のNCT DREAM、セクシーなパフォーマンスを披露しつつ素は天然っぽいWayVもそれぞれ印象的だったが、会場からこの日一番のうねりを感じたのはNCT 127。激しいダンス中でもファンサービスに抜かりなく、まさに脂が乗っている様子。単独ライブでたっぷり彼らのパフォーマンスも観てみたい、とオタク気質が揺さぶられた。

ソロでは、テン（WayV／NCT U）とテヨン（NCT 127）が頭に焼き付いている。単にエレクトロ調の楽曲（“Nightwalker”）自体を気に入ったというのもあるが、なめらかな動きに合わせて衣装がキラリと輝くテンは、常人では醸し出せない色気……！　華のあるパフォーマンスですっかり虜に。一方、（プレデビューチーム）SM ROOKIESメンバーの中でもダントツで活動の場が多かったと言われているテヨンは、踊る時の力の抜き加減が絶妙。自信に満ち溢れ、客席を“打てば響く”状態にさせるほどの凄まじいオーラで、ただただ圧倒！

と言いつつも、私の一番の好みはベテラン2組である。2人の歌と踊りをたっぷりと“魅せる”スタイルの東方神起からは王者の風格を感じ、時折披露する高音シャウトで沼落ち……！　SUPER JUNIORは9人組だがそれぞれキャラが際立っており、「覚えたい」と思うほど、曲も踊りもかなりキャッチー。“Sorry Sorry”の隣で激しく振り付けを再現し始めた夏美さんが羨ましくなった。彼女曰く「バラエティ番組の常連で全員YouTubeチャンネルを運営している」という彼らはトークも面白く、与えられた3分間のMCタイムに各々好きなことを喋り尽くして終わらせる、というカオスな光景を繰り広げてバッチリ笑いも取っていた。

＜SMTOWN＞の醍醐味と言えば、グループの垣根を超えたコラボレーションだという。付け焼き刃の知識であれど、会場の反響具合と合わせて「凄い組み合わせなのだろうな」と感じるステージが幾つも繰り広げられていた。特に衝撃を受けたのは3組。リョウク（SUPER JUNIOR）とソヒ（RIIZE）のデュエットは高音のハーモニーが本当に美しく、特にソヒの突き抜けるような透明感ある歌声を一聴した際には、思わず目を丸くした。彼にはぜひ今後、韓国ドラマのOSTを担当してほしい！　SUPER JUNIORとNCT WISHのコラボレーションは、登場前からワクワクした。事前に1階アリーナ後方の未使用ステージに“何か”がスイーッと運ばれてきたのを目撃したからだ。そして周囲から熱い眼差しが注がれる中で登場したのが、NCT WISH。SUPER JUNIORの“U”をパフォーマンスし始め、メインステージに現れた先輩たち＝SUPER JUNIORへとバトンタッチ、最終的に全員で踊り遂げる。“尊敬”や“継承”など、彼らの様々な想いが交錯しているようで、何だか感動的……！

この日はイェソン（SUPER JUNIOR）によるOfficial髭男dism“Pretender”や、ウェンディ（Red Velvet）とウィンター（aespa）によるあいみょん”空の青さを知る人よ“といった日本人アーティストのカバーも披露されたが、強烈なインパクトを放っていたのがチャンミン（東方神起）とキュヒョン（SUPER JUNIOR）とショウタロウ（RIIZE）によるYoasobi“Idol”カバーだ。パープル、ピンク、ブルーの衣装に身を包み、キュンとさせる振り付きで歌う本物のアイドルたちは最強！　ここですかさず夏美さんが解説してくれた。「キュヒョン率いる“ギュライン”というのがあって、これはワイン・漫画・ゲームの3つが好きな仲良しメンバーのグループなの。＜SMTOWN＞では必ずこのギュラインでパフォーマンスをするのがお決まりなんだよ。今回は日本で開催されたし、他のメンバーであるSHINeeのミンホとかが不在だから、ショウタロウがあえて抜擢されたのかもね。」次回までに所属グループの縦と横の繋がりをひと通り抑えることが、私の新たな目標になったのは言うまでもない。

この日は約4時間全48曲とかなりの長丁場ではあったが、その分満足度の凄まじさたるや。トップクラスのアイドルたちの競演は見応えがあり、そのとてつもないエネルギー量に、帰宅後は夕飯も食べずにベッドに倒れ込んでしまった。＜SMTOWN＞は〈SMエンタテインメント〉の知識が乏しくても、K-POP初心者でも大丈夫。新旧問わず様々なコンセプトのグループやソロアーティストが出演するので、あまりよく知らなかったとしても、私のようにきっと新たな推しに出会うことができるはず！　ちなみに夏美さんは新たなガールズグループの予告映像が流れたことがハイライトの一つだと振り返り、「噂通り3月デビューかも」と予想していた。長年のファンにとっても、最新情報も得られる貴重な場であるようだ。とにかく今は、次回開催決定のニュースを心待ちにしている！

EXILE SHOKICHIが名義をSHO HENDRIX（ショー・ヘンドリックス）に改め、心機一転ソロ活動を再始動。新作アルバム『DOZEN ROSES』を11月15日にリリース。

『DOZEN ROSES』は東京とLAの2箇所で制作され、音楽性もこれまでにない多彩さで、リリックでは深く様々な愛の形を表現した作品に仕上がった。

プロデューサーとしての仕事も含め、制作活動をさらに加速させているSHO HENDRIXに新作について、そしてアーティストとしての現在について話を訊いた。

──今作『DOZEN ROSES』は東京のプライベートスタジオで制作された6曲、ロサンゼルスのAvex Houseで制作された6曲を合わせた合計12曲のアルバムとなっています。制作の流れはどのようなものでしたか？

最初の段階でアルバムのタイトルを決めたんです。12本の薔薇のような、12の愛を歌うアルバムを作りたい、様々な愛の形をコンポーズしてパッケージしたいという想いで『DOZEN ROSES』と。ただ、今までは作りたい曲、そしていっしょに制作するアーティストが先行していたことが多かったんですけど、今回は何が出るかわからないような形で制作してみたいと思って。その日、そのときのテンションやマインド、その瞬間に自分から出てくる感覚を大事にしながら作ってみたかったんです。

半分は東京で半分はLAで、自分のインスピレーションにまかせた音楽を作ろうと。だからLAで共に作業したクリエイターたちは全員初めて会う人でした。そういう環境で何が生まれるのか、自分の運試しも兼ねてやってみた。LAで6曲作った後、「こういう曲も欲しかったな」という自分の中の『DOZEN ROSES』というアルバムの足りないところを東京で補ったり、ブラッシュアップしていきました。

──かなりセッション的要素に溢れたアルバムなんですね。

セッションの要素はかなり強いです。LAで作った曲は歌詞も含めて全部その場で書いているんです。例えば“Balloon in the sky”という曲は、休みの日で、車でハイウェイを走っていた時にたまたま風船が空を飛んでいたのを見たんです。最初はLAの空は気持ち良さそうだなと思って見ていたんですけど、よく考えるとそこには風船を手放した人がいて、手放された風船がある。一体どんな物語があったんだろうと。それを人に例えてみて、恋人を邪険に扱っていて、「もういらない」と手放されてふわふわ浮遊するようなイメージが湧いてきたんです。永遠だと思っていたものを蔑ろにしてしまったことで失ってしまったというか。

こういった自分が見て感じたインスピレーションとその日の感覚、過去の記憶、脳内で作り出すストーリー……それらを掛け合わせてできた曲がアルバムにはたくさん入っているんです。

──たくさんの国内アーティストが日本以外の場所での制作を行いますが、現地に適応していくのに苦戦する場合もありますよね。これまでのキャリア、経験ももちろんあると思うのですが、SHOKICHIさんのようにオープンマインドでいられる秘訣のようなものはありますか？

僕も若い頃に苦戦したんです。初めて海外に制作で行ったときは向こうの空気に飲み込まれてしまったり、ソングライティングの実力に圧倒されたり、歌の上手さに驚かされたり、そういった経験を経てきたからこそ、全く臆することなく制作に臨めたんだと思います。LAのクリエイターと比べて、僕の方が全然年上だったりするんですけど、「はじめましてー！ 若いんだね、君！」くらいのテンションです（笑）。

以前は海外で制作するとき「こういう曲を絶対作る！」という目標を決めていて、失敗できないという気負いもあったから、サウンドもある程度決めてから行くことが多かった。でも今の自分ならどう転んでも良いと思える方向に持っていける、どんなクリエイターと仕事をしてもリードできるだけの積み重ねがあった。だからすごく楽しくできましたね。

向こうのクリエイターには、日本人にこれだけ引っ張られることはあまりないらしく驚かれましたね（笑）。僕は自分からどんどん指揮を取って制作を進めて、提案していって、それによってスタジオにすごく良い空気を作れたと思います。「すごくやりやすい！ 明日も来ていい？」と聞かれることもあったくらい（笑）。みんなとも仲良くなれた気がします。

──『DOZEN ROSES』はR&B、ヒップホップ、ネオソウル、ファンク、レゲトン、ラテン・ハウス、フォーク、シティ・ポップなど多彩な音楽性を持った作品でもあります。

アルバム制作当初はもっとリラックスして全体をネオソウルで統一するというか、引っ掛かりのないアルバムにしたかったんですが、作っていくうちにやりたいことが増えて、最終的にハウスも入れました。自分のそのときどきのムードやインスピレーションを大切にした結果ジャンルレスな作品になったんです。それこそ昔は「こういうアルバムにするぞ！」というゴールに向かっていたんですけど、そういう気負いがなく作れました。

──制作初期はネオソウルのアルバムを作る予定だったとのことですが、そのきっかけになった作品はありますか？

これまでのソロの曲もグループの曲も、自分の音楽には大きいステージがあって、LEDが後ろにたくさんあって、ダンサーもいっぱいいて、隙のないエンターテイメントを見せるというのが前提にあったと感じていて。コロナ禍ではオンラインライブも多かったと思うんですけど、そこで自分の曲が披露しにくい感覚があって、1人でどこでもフラッと演奏できるような曲が意外と少ないなと気づいたんです。もう少し肩の力を抜いて、どこでも披露できるような、そんなアルバムが作りたかったんです。ディアンジェロ（D'Angelo）の作品もめちゃくちゃ好きだったので、そんなアルバムを作れたら本当に最高だろうなと思ってトライしていった。おこがましいですけど、そこと自分のマインドを掛け合わせた新しいものを作りたかったんです。

──アルバムのグルーヴ感はたしかにディアンジェロの影響を感じさせます。このようなグルーヴにボーカルを乗せるとき、意識の変化はありましたか？

今までは録音ブースに入って、力んで「よし、やるぞ！」という感じだったんですけど、今回はスタジオで椅子に座って、めちゃくちゃリラックスした状態で録るようにしましたね。

──影響を受けたというB.I.G. JOEさんとの“空、冬の曙”もそうですが、北海道への愛を歌っているのも今作の胸を熱くする瞬間の一つです。これまでもSHOKICHIさんは地元をとても大事にした活動をしてきたと思うのですが、地元への愛の形は年齢やキャリアを重ねていく中でどのように変わっていったのでしょう？

実を言うとこういう曲はもっと早くやりたかったんです。なかなかタイミングが掴めずにいたので「ここだ！」という感じで今回挑戦しました。B.I.G. JOEさんの音楽を札幌時代は毎日のように聴いていたので、まさかオファーを引き受けてくださるとは思わず、感激でしたね。本当に音楽をやっていて良かった。

──B.I.G.JOEさんのリリックも熱く、SHOKICHIさんのリリックも感動的です。

B.I.G.JOEさんのリリックにはかなり胸が熱くなりました。友を想う気持ちが滲んでいて。もう完全にお任せしてこのヴァースがきたんです。自分のヴァースのあとにB.I.G.JOEさんの声が入っているのを聴いて、すごく曲が深くなったのを感じました。曲が喜んでいましたよ。冬の雪が降り積もる北海道で、寒い日に、道民の皆さんに暗いところで聴いてほしいですね。

僕のリリックには羊ヶ丘通りという道の名前も入れているんですけど、そこがクラブに通う道だったんです。クラブ帰り、本当に深夜に、B.I.G.JOEさんの『THE LOST DOPE』（2005年）をそのときの自分の相方といっしょに聴いていました。それが今の自分の音楽の基礎を形作ったものでもあるんです。オーストラリアから札幌に『THE LOST DOPE』は届いたんですけど、それに本当に興奮したので、「札幌に降る“Dope”」というリリックでそのときの喜びを表現していますね。

──フォーキーな“Emishinokuni”も北海道の曲ですよね。

これだけちょっとどうしようか迷うくらい毛色の違う曲なんですけどね（笑）。これも北海道を歌うバラードが欲しかったというか、地元に帰ったときにギター1本あればパッと歌える曲が欲しくて作ったんです。フットワーク軽く、ソロだからこそできる曲なのかなという感じです。自分の人生の学びを地元のいろんなものと掛け合わせながら作れて、良い曲になったと思いますね。

──この曲には山木将平さんという札幌を拠点に活動するギタリストが参加しています。

少し前からの知り合いなんです。北海道のミュージシャンと1曲作れたら素敵だと思って「ぜひ何かやってみないですか？」と提案したら快く引き受けてくれて。それで自分がたまたま札幌に行ったときにホテルにギターを持って来てくれたんです。そこでこの曲のベースを作って東京でレコーディングしました。

──はじめに伺った“Balloon in the sky”のエピソードもそうですが、かなりご自身の身近なところからのインスピレーションや繋がりを大切にした作品なんですね。

そうですね。例えば“6.5 Days”は知り合いとの会話がベースになっているし、“Super Market”も「こういうストーリーがあったんだよ」とお話しを聞いたのがベースになっていたり、自分の脳内が作り出すストーリーだけではなく身近なところや外側からの影響も取り入れて、自分の中でそれを膨らませてロマンチックにして作り上げています。

ちなみに去年の大晦日、生まれて初めて台湾でカウントダウンを迎えたんですけど、“6.5 Days”に参加している台湾のシンガーソングライターのEve Ai(艾怡良)さんはそのとき同じイベントに出ていたんです。初めて拝見して衝撃を受けて「この人誰？　めちゃくちゃかっこいい！」という感じで。すごくドープな曲を歌っていたんです。2017年にLDH ASIAが設立されて以来、アジアの他の国での活動も増えてきているので、台湾のアーティストといっしょにできたら楽しそうという想いもあってオファーさせていただきましたね。彼女の声はすごく特殊で、もの哀しくなるような、感情を揺さぶってくれるものですね。素晴らしいアーティストと出会えました。

──“6.5 Days”はレゲトン的な1曲ですよね。過去のインタビューなどでもかなり雑食的なリスナーとしての側面は見えていたかと思いますが、最近聴いている音楽について教えていただけますか？

レゲエ、レゲトンも流行とともに聴いてきました。ショーン・ポール（Sean Paul）が流行ったときはすごく聴いていましたし、最近でもレゲトン、アフロビーツあたりは熱いですよね。たぶん僕のアルゴリズムを考えているAIは困っていると思います（笑）。アニソンも聴くし、レゲトン／ラテン・トラップ系だとバッド・バニー（Bad Bunny）が最近出したアルバム『nadie sabe lo que va a pasar mañana』も良かったですし、ケンドリック・ラマー（Kendrick Lamar）もちょうど僕がLAに行っているときに新作をリリースしていて「もう最高！」という感じで。制作の最終日くらいにジョングク（JUNG KOOK）の“Seven”も出たりして驚いていましたね。

──今回、LAにはどのくらい滞在していたんですか？

2週間くらいです。だからその間にリリースされたものもあったので、「ヤバい！ こういうのもやりたい！」という感じで引っ張られそうになったりもして。制作期間中も常に新しい曲をチェックしてますね。

──今回のアルバムはリリック面でも様々な愛の形が届けられます。そんなアルバムの中でもラストソング“No is No”は前向きな1曲です。サウンド面でのスムーズさ以外にもこうした感情の流れも意識していますよね？

ずっとドープなものが続いていると思うので、最後こういうので終わるのも良いのかなと。この“No is No”という曲もLA滞在先でお世話になった女性の言っていた言葉が基になっているんです。彼女が友達から些細な頼みごとをされたときに、スケジュールは空いていても「でもちょっと無理かな」と断ったという話をしていて。それについて「すごいですね」と彼女に伝えると「だって理由がなくてもノーはノーでしょ」って。それってすごいことじゃないですか。日本人だとそうはいかない気がします。「時間はないけどしょうがないな」という感じになると思う。だから生きる上で、意外にすごく大切なメッセージかもしれないと感じて、そういうところからも引っ張ったりしているんですよね。

──身近なエピソードやインスピレーションはどのようにストックしてどのように音楽に昇華させているんですか？

人から聞いた話、映画を観て受けたインスピレーション、本を読んで感動したこと、常にアンテナを張ってそこに引っかかったら全部ストックしていて。そのストックの中から、このトラックにこのセンテンスを使ってみようかなとか、そういった掛け合わせ方ですね。だからずっとネタ募集中というマインドですね。

──常にインプットとアウトプットが行き来している状態なんですね。

そうですね、アウトプットの機会がめちゃくちゃ多いので、それにインプットが負けないように一生懸命何かを取り入れています。アニメや映画を見たり、漫画や小説を読んだり、人と話したり……インプットを探して迎えにいっています。

──次の作品のことがいつも頭の片隅にあるということですか？

次の何かを作りたいというのもそうなんですけど、とりあえず無心で、何かに使えそうというものを探しているというか。ずっと制作をしている内にそういう生き方になってきたんですよね。

──そういった面でも変化があったんですね。

モノの考え方が昔は違っていたと思います。今は全部に対して貪欲というか、日常の些細なことからも何かゲットできないか探しています。制作期間に旅行に行った時も、途中で寄り道して、海に行ったんです。そしたら偶然そこが月の引力を感じる場所と言われているらしく、すごく干満の差が激しい場所をそう表現している看板があって。“Rose”のリリックを書いているときだったので、人生の波、上がったり下がったりを一幕として取り入れていたりします。

──そういった激しいインプットとアウトプットは精神的に大変だったりしませんか？

たしかに心は忙しかったりするんですけど、段々とそれがライフスタイルになってきて、そういう癖が付いてきたんですよね。それが今は自然なんです。でもここまでしっかり身体に馴染んできたのはここ最近のことです。ここ3～4年かな。それまではもっと「書こう！」と思って書くというか、「さあ、やるぞ！」と気合いを入れて制作に向かっていたと思います。あとありがたいことに今はプロデュースもさせてもらっていたり、常に何かのクリエイティブに携わっているので、だからこそずっとこういう状態でいられる。とてもミュージシャンとして呼吸がしやすい。インプットとアウトプットがずっと繰り返しできているので、ミュージシャンとしてのリズムがいいんです。ちょっと止まってしまったりすると「あれ？どうやって書いていたんだっけ？」というモードになってしまったりするので。

──では逆にコロナ禍でライブがなかった時期は難しかったですか？

あの頃は大変でした。あらゆるものが止まったので、曲なんて書ける気がしなかったですね。LAではスタジオに入った6日間、1日1曲作っていたので、帰ってきてリリックを読み返したら、よくこんなことを瞬時に思いついたなと感心します。だからLAで書いたリリックは持ち帰ってからほとんど直していないんです。これまではメモして、東京のスタジオにこもって書くこともあったんですけど、今回はLAでサラサラっと出てきたんです。これはもう積み重ねだと思いますね。ここまでやってもまだまだ成長できることを学びました。

──アーティスト名の「SHO HENDRIX」は半ば勢いで決めたと伺ったのですが、プロジェクトを進めていく中で、そこに新たな意味合いが出てきたりしていますか？　“Emishinokuni”にも「まだ道半ば」というリリックがありますが、この先に大きなヴィジョンが見えているのでしょうか？

そうなんです、バーの名前から来ていて。もちろんジミヘンも好きですけど、ジミヘンから取ったと言うのは恐縮してしまいますね（笑）。最初はアルバムごとにSHO HENDRIXのHENDRIXの部分を変えていくのが面白いかなと思っていたんです。名前を変えて次はフォーキーな作品を作ってみたら楽しいかもしれないなとか。でもこのSHO HENDRIXという名前に愛着が湧いてきてしまって（笑）。自分の身体の中に入ってきた感じがします。少しずつSHO HENDRIXの音楽というものがこのネーミングにも引っ張られて形成されていっている気がしますね。じわじわとやって良かったなと感じています。

叶うなら、もう1枚くらいアルバムを出したいなと思ったりしていますね。ただそこも今後の生き方、人との出会いや別れ、社会情勢などで自分のインスピレーションは変わっていくと思うので、そういう流れの中で、音楽との出会いで楽しみながら変えていけたらいいですね。

──SHOKICHIさんにはこれまで音楽面でもグループを引っ張ってきた印象もあります。EXILE SHOKICHIという存在やご自身に求められていることなどは今回のプロジェクトでどのように意識していましたか？　

ずっと応援してくださっているファンの皆さんに向けています。なんなら、そこのみと言ってもいい。もちろんここから自分の音楽に少しでも興味を持ってくれる方がいたら嬉しいとも思っていますが、基本的にファンの皆さんに良い作品を届けられるようにというのがモチベーションです。形はどうであれ、みんなが応援してくれる限りずっと音楽をやっていたい。ファンの皆さんが僕をきっかけにいろんな音楽に出会って、そこで楽しめるような提案はしたいといつも考えているので、今回の『DOZEN ROSES』はまさしくそういったアルバムを作れたんじゃないかなと思っています。

──今後のライブのイメージはいかがでしょうか？

今回やらせてもらうEXILE SHOKICHI LIVE TOUR 2023“BRAIN”はEXILE SHOKICHIとしてやるんです。EXILE SHOKICHIのライブでSHO HENDRIXの曲もやるようなイメージ。ライブのヴィジュアルも少し奇抜というか、“BRAIN”というタイトルなので、自分の脳内にいる指揮役のSHOKICHIが表現するたくさんの今まで作ってきた音楽、というライブになると思います。いつかはSHO HENDRIXとしてだけで披露できるようなライブもやりたい。ブルーノートやコットンクラブなどのジャズクラブでもやってみたいですね。

この夜、ロミーはDJブースのなかから何度も何度も胸の前にハートマークを作り、オーディエンスに手を振った。ジェイミー・xx（Jamie xx）、オリヴァー・シム（Oliver Sim）に続いてソロキャリアの道を歩み始めた彼女の満を持してのファースト・アルバム『Mid Air』リリースを前にして、ザ・エックス・エックス（The xx）として何度もステージに立ったフジロックで、彼女が初めてのソロアクトでDJセットを選んだのは必然と言えるし、彼女が新作で伝えたかったメッセージにふさわしい。

フジロック2日目深夜を祝祭の場に変えたDJセットは、アルバム収録曲“Weightless”でスタート。キングス・オブ・トゥモロー（Kings Of Tomorrow）“Finally”といったハウス・クラシック、バイナリー・ファイナリー（Binary Finary）“1999”に代表されるトランス、そこに前日出演したオーバーモノ（Overmono）の“So U Kno”、ペギー・グー（Peggy Gou）“（It Goes Like） Nanana”を挿し込んだり、ポップとアンダーグラウンドの間を行き来し進んでいく。その多幸感に満ちた流れには、ザ・エックス・エックスでのクールでスタイリッシュな佇まいとは趣を変え、カジュアルなTシャツ姿でブース内で踊りながらプレイする姿と同じく、穏やかなパーソナリティがにじみ出ている。決してマニアックになりすぎず、誰もが知っている定番の曲を新鮮に聴かせるスキルは、かつてロンドンのクィア・クラブでDJを務めていた頃に得たものであろう。

中盤でヒューゴ（Hugo）“Love Tape”に、“Enjoy Your Life”のアカペラを重ねミックスしていく瞬間には、「母は私に“人生を楽しみなさい”という」というリリックが、リズムとともに体に染み渡っていく。『Mid Air』はコミュニティとしてのクラブへあらためて感謝を伝えるために生まれた作品だけに、これまでシングルとして聴いてきた“Lifetime”、“The Sea”、“Strong”も、あるべき場所で鳴っていることを実感する。深夜のRED MARQUEEが醸し出す自由なムードのなかで彼女の音楽を聴くことのできる至福を味わう。中盤のディープハウス色強い場面でザ・エックス・エックス“Hold On”のジェイミーによるリミックスがプレイされたときには、2013年ホワイトや2017年のグリーンのステージを思い出す人は少なくなかったと思う。

90分に及ぶセットの最後に用意された、トランシーな高揚感に一旦ブレイクを置いて鳴らされた“Loveher”の切実さに胸が熱くなった。ロミーのDJはその包容力あふれる音楽と同じく、ハッピーでロマンティックではあるのだけれど、孤独を感じながらダンスフロアで踊っている人たちへ差し伸べられた温かい手のようだった。