ボノボが主宰するクラブイベント＜OUTLIER＞が、5月18日（土）に渋谷O-EAST + DUO + AZUMAYAにて日本初開催。その中でもコアなハウスミュージックのファンたちが来日を待ち望んでいたのがソフィア・コルテシスだ。彼女が昨年〈Ninja Tune〉よりリリースしたデビューアルバム『Madres』は、ルーツであるペルーで体験した幼少期の記憶をダンストラックへと昇華した傑作として、各方面より大絶賛。＜Glastonbury＞をはじめとした世界中のフェスティバルからも招かれるなど、まさにトップDJへの道を駆け上がるタイミングでの来日公演となった。

＜OUTLIER＞開演の数時間前、ソフィアは自身のトラックを通してオーディエンスと繋がる時間を「まるで天国みたい（Just like heaven）」と表していた。まさにその通り、＜OUTLIER＞で彼女がDJブースの上に立って満杯のオーディエンスと共に『Madres』のタイトルトラックを歌っている瞬間は、今・ここにしかない楽園として煌々と輝いていた。自身のルーツであるラテンの陽性なサウンドとベルリン仕込みのハードなベースが入り乱れる極上の2時間。今回はソフィアのユーモラスな人物像に触れつつ、ルーツを組み込む意義や自身のトラックへの想い、さらには映像方面にも関心を抱いているという彼女の今後の展望まで訊いた。

──今回の＜OUTLIER＞で来日する前にも、何度か日本を訪れたことがあるとお聞きしました。

コロナが流行する前に訪れたことがあります。日本の文化が好きなんですよ。特に田舎の方で聞いた日本の伝統的な邦楽が忘れられません。とても疲れた日に聞く、日本の伝統的な歌だけが入ったプレイリストがあって、それを流して休日を過ごしたりしてます。あと、邦画も好きなんです。

──どんな邦画を観たんですか？

ソフィア・コッポラの『Lost in Translation』！　実際に日本へ来た時に、ビル・マーレイやスカーレット・ヨハンソンが体験したことに共感しました。今回の旅の間も、映画みたいに日本で迷子になりたい（Lost in Japan）気分というか（笑）、色々な場所を訪れたいですね。新譜が既に完成しているので、それに関連した仕事もこなしつつ、フィールド・レコーディングを行う予定です。

──日本を離れた後もツアーで世界を回るんですか？

そうです。まずはジョージアに行って、次にスペインの＜Primavera Sound＞へ出演する予定。その後に控えているのがイギリスの＜Glastonbury＞、個人的に重要なステージなのでとても緊張してます。『ロッキー』の主人公みたいに鍛えておかなきゃ……両手にMPCを持って筋トレしてます（笑）。MPCジムに通わなきゃ！

──（笑）。今回のツアー中に観たいアクトはいますか？

ラナ・デル・レイ、アルカ、それにパルプ。パルプの“Common People”を聞いたことはありますか？　あれはギリシャからイギリスに来たクレイジーな女の子の歌なんです。実は私もギリシャにルーツがあるんですよ。だから“Common People”が好きなんです、一度はライブで聞いてみたいですね。私もスーパーマーケットに連れていかれたい（笑）。

──ソフィアさんはギリシャとペルーにルーツを持っていて、歌詞や過去のインタビューでも幼少期の記憶によく言及していますよね。特にペルーに住んでいた頃のトピックが多い印象です。DJ／プロデューサーとして活動するまで、どのような音楽を聞いていたのでしょうか？

幼少期はキューバ発祥の「トローバ」という音楽を聞いていました。詩的かつ政治的な音楽で、響きも完璧でしたね。

あとはサルサやロックも同時期に聞いていました。その後に両親がクラフトワークを聞いていた影響でエレクトロニカにハマりました。それと、以前はベルリンでライブのプロモーターとして働いていたんですけど、そこで出会ったプレイヤーたちのことがとても好きになりましたね。

──具体的に、どのような人たちとプロモーターとして接していたんですか？

ボブ・ディランにカイリー・ミノーグ……それとフェニックス！　フェニックスはバックヤードでも礼儀正しくて気さくだったし、大好きになりました。インディーバンドはみんな慎ましくて、接しやすかったですね。元々ずっと聞いていましたし、思い出もあります。

──様々な人やサウンドと触れ続けてきたんですね。昨年公開された『Madres』リリース時のPitchforkのインタビューでは、ご自身のスタイルを「salsa electrónica」と形容していました。

ハハハ、多分緊張して変なことを言ったんだと思います（笑）。Pitchforkのインタビューって緊張するんですよ……（笑）。

──（笑）。トローバや邦楽などのローカルな音楽を自分の作品にフィードバックさせることはありますか？

もちろんあります。ただ、創作にローカルな要素を持ち込むのならば、できる限りその歴史について知らなければなりません。それがインディーロックでも、エレクトロニカでも、レゲトンでも。

ただ、実際に制作を進めている期間はクラシックや映画音楽しか聞きません。フォー・テットやフレッド・アゲインが作ったダンストラックを聞くと、それに引っ張られちゃうんですよね。普段はそんなことないんですよ、バッド・バニーとかも聞きます。

──バッド・バニーは昨年の＜Coachella＞で自身のルーツにある文化をレペゼンするようなステージを披露しましたよね。ソフィアさんが仰られたように、ローカルな歴史を重要視しています。

すごく良いことですよね。特にプエルトリコは政治的な問題を多く抱えた国ですし、そこからバッド・バニーのようなスターが誕生して地元を盛り上げることはとても意義深いと思います。クレイジーな曲も多いけど、彼はプエルトリコの子供達へ寄付をしているんです。そういったコミュニティへの還元は、同じラテンアメリカの市民として素晴らしいと思います。

それに、例えばアメリカのラジオを聞いていても、スペイン語圏の音楽はごく普通に選曲されています。10年前ではありえなかった現象です。そういった意味でも、ローカルで伝統的なサウンドへの回帰は進んでいると感じています。

──ローカルな要素に加え、ソフィアさんは家族のエピソードをはじめとしたパーソナルな出来事を歌詞に組み込んでいますよね。そういった楽曲がビートを通じて多くのリスナーと共有される現象について、どのようにお考えですか？

とってもユニークですよね。フロアのみんながシンガロングしているのは少しシュールだけど、特別な時間。まるで天国みたいですね。

だからこそ、この後出演する＜OUTLIER＞が楽しみなんです。オーディエンスがどのような反応をしてくれるのか、とても期待しています。サイモン（ボノボ）はもちろん、初めて見るケリー・リー・オーウェンスのDJプレイも気になります。ステージでMPCを持って踊っちゃうかも（笑）。

──それは楽しみです（笑）。では、今回のツアーを終えた後の活動で、具体的に決まっていることがあれば教えてください。

まずは、先ほど話した通り、新作のリリースが控えています。それに、今は映画の脚本を書いている最中なんです。実は既に書き上げているものもあって、撮影まで貯めている段階ですね。まだ詳しくは言えないけど、音楽に関する映画の脚本です。

──音楽と同じくらい映画にもパッションを注いでいるんですね。

そうなんです、いつか映画監督もやってみたいですね。

──個人的にはソフィアさんが監督したMVを観たいです。

私自身も非常に興味があります。今は新作を作り終えたばかりだし、ツアーの真っ最中なので、十分な時間が確保できていないんです。ただ、年末に1ヶ月ほど休暇があるので、その期間でMVと映画の製作を進める予定です。

──なるほど。単純な興味なのですが、最後にソフィアさんの生涯ベスト映画を教えてください。

そうですね……『ロストボーイ』というヴァンパイア映画が好きです。カリフォルニアで撮影された、クラシカルな作品ですね。あとはフランシス・コッポラの『ゴッドファーザー』シリーズ、ギレルモ・デル・トロの『パンズ・ラビリンス』、NYのブロンクスが舞台の『ウォリアーズ』もよく観ます。どれもサウンドトラックが素晴らしいんですよね。それと、スパイク・ジョーンズって知ってます？　彼の作る映像はどれも美しくて、音楽のセンスも最高なんです。

──スパイク・ジョーンズはMVも多く手がけていますよね。

そうなんです。もし今度スパイク・ジョーンズに会うことがあったら、私の名前を出してください（笑）。彼の作品にサウンドトラックを提供したいんです！

──僕からも推薦しておきます（笑）。

よろしくね！

日本においてヒップホップが一過性の流行やブーム、消費される商品だけにならないのは、BESやGRADIS NICEのようなプレイヤーが創意工夫を忘れずに音楽を作り続けているからだろう。したがって、1978年生まれの東京のラッパー・BESと、昨年、10年間を過ごしたNYから帰国した1984年生まれのビートメイカー・GRADIS NICEの共作『STANCE』は“ブームバップ”と説明されてしまうのかもしれないが、そうした分類は本質的な話ではない。

そもそも、客演のラッパー、5lackがライムを連射する“RAP ATTACK”の俊敏なキックとスネアのコンビネーション、酒を主題にした“WATAS POOL”のパーカッションのように細かく刻まれるハイハットとスネア、あるいは、街角に立ち商売したかつての経験を事細かにつづる“CORNERS”のリズムの細分化やビートの配置は巧妙で、そう簡単に分類できるものではない。

「街の動きに合わせるつもりはない／時代遅れか？／まあしょうがない／俺に出来る事を探すのみ」（“LIKE THIS”）。BESは決意と諦念を往復するそんな詩を歌うが、流行のモードが常に音楽的に斬新とは限らない。それもまたひとつの真実だと確認した上で本作に向き合うと面白い発見があるはずだ。

インタヴューは約1時間、レーベル〈WDsounds〉のLil Mercyも同席して、2人がかつて同じ時間を過ごした東京・池袋のクラブ、BED付近の喫茶店で行った。『STANCE』については無論、GRADIS NICEのNYでの経験や、BESのラップ・スタイルの構築の話は非常に興味深かった。BESによる、ヒップホップとレゲエの融合とBusta Rhymes、The RootsやCommonなどのコンシャス・ラップについての言及は、本人のラッパーとしての進化ともシンクロしている。ともあれ、まずは2人の出会いの話からだ。

──お2人の出会いは？

BES　たぶんBED（池袋にあったクラブ）の＜セクソ（THE SEXORCIST）＞（00年代後半からBEDで行われていた東京のヒップホップの伝説的なパーティ）のときですよね？

GRADIS NICE　たしか＜THE SEXORCIST＞っていうパーティ名が決まる前ぐらいだったと思います。

BES　じゃあ、だいたい15年前ぐらいですね。＜セクソ＞の黄色いフライヤーに出演者の名前がブワーーーッて載っていて、フロアにも出演者しかいないころを思い出します。

GRADIS NICE　そうですね。でも、そんなにしゃべってはいなかったです。

BES　俺も人とあんまり話すほうではないんで。GRADISくんが出ているビート・バトルにも遊びに行っていました。

──GRADISさんは、K-MOON Xの名義で、GOLDFINGERS KITCHEN（ゴールドフィンガーズ・キッチン）に2008、9、10年と出場していますね。

BES　だから、付き合いは古いし、ビートを提供してもらったことは何度もありますけど、2人で1枚のアルバムを作るのは初めてです。

──どういう流れで作ることになりましたか？

BES　最初EPを出したくてMercyくんに相談していて。「じゃあ、〈WDsounds〉でやりましょう」と言われ、「じゃあ、お願いします」って（笑）。

GRADIS NICE　僕はMercyくんに「誰とやりたい？」って訊かれて、「BESくん！」と即答しました。

Lil Mercy　それでGRADIS NICEがBESくんにビートを送ってくれて、BESくんとビートを決めて行ったんですよね。制作過程で新しいビートも聴きたいって連絡して完成へと向かって行きました。

──GRADISさんはなぜ今回BESさんとやりたかったんですか？

GRADIS NICE　BESくんはリズムもすごいしリリカルじゃないですか。ラップを聴けば、ラップをめちゃ研究しているのがわかる。

BES　あざす。若いときは韻の数とかも数えていましたから。２小節のなかに3つの母音を散りばめて韻を踏んでパンチラインをたくさん作ったり。例えば、Big Pun x Fat Joe“Twinz（Deep Cover 98）”のBig Punの畳みかけるラップがあるじゃないですか。ああいうのもやりたかった。ZeebraさんとREC（録音）したときにその狙いがバレたっすね。スタジオでレコーディングの準備をしていたら、「あれだろ、Big PunとFat Joeのあの曲の感じをやりたいんでしょ？」って言われて。

GRADIS NICE　僕はSWANKY SWIPE『Bunks Marmalade』（2006）で日本語のラップをちゃんと聴くようになったかもしれない。なぜなら全部がグルーヴィーだったから。また、当時も今もKRUSHさんのドラムのグルーヴや鳴らし方は普通の日本人とは思えないですね。僕らが作っている音楽は雰囲気が重要だと思います。キックの音が丸いとか、そういう音ひとつひとつの質感が大事。そういう個性のある質感を持っているビートメイカーがすごいと思います。

──GRADIS NICEさんは1999年ころにDJとしてキャリアをスタートして、2002年に大阪でCoe-La-Canthというグループを結成、00年代中盤以降はヒューマン・ビート・ボックスのグループ、INCREDIBLE BEATBOX BANDとして国境を超えて活躍されます。その後、NYに移住して、2022年に帰国しました。NYへ行ったのは、やはり本場の環境で音楽をやりたかったからですか？

GRADIS NICE　それが大きいですね。10年ぐらいいました。行った当初は金がなくて半分ホームレスみたいな生活していましたけど、基本は金を稼いで、家で音楽を作って、ビート・バトルに出る。そういうサイクルで生活していました。

──どこに住んでいましたか？

GRADIS NICE　ハーレムやクイーンズにも住んでいましたけど、一番長いのはブルックリンのフラットブッシュでした。

BES　フラットブッシュだったんですか！

GRADIS NICE　ジャマイカ系のコミュニティなのでレゲエがめっちゃ流れていました。

──NYでの印象的な出来事はありましたか？

GRADIS NICE　向こうのビート・バトルで優勝したことですね。審査員はSki BeatzとGhostface Killahでした。それがきっかけで、Ghostfaceのマネージャーと知り合って「ビートを送って来い」と言われて、僕のビートでGhostfaceがヴァースをレコーディングしたらしいんですけど、実際にリリースされるかはわからないです。

BES　アメリカのラッパーは、アンリリースドでアルバム何枚分とかある人もいますよね。

GRADIS NICE　そうです。何百曲も作ってアルバムの完成度を高めていくんですよ。いずれにせよ、僕が知るアメリカのヒップホップはすべては実力勝負ですね。Instagramのフォロワーが2人だろうが、ビートがヤバいかどうかで判断される。

──BESさんはNYに行ったことはありますか？

BES　1回だけ、1998年に1ヵ月ぐらい行きました。クイーンズやブルックリンに行きましたね。ブルックリンの奥の方まで行ったら、スミフン（Smif-N-Wessun）“Wrekonize remix”のMVみたいな風景で高いビルが1個もなかった。街中のマックのブレイズの兄ちゃんがストッキング被ってるし、道端のおっさんに「わあぁ！」って驚かされたり、傷のある上半身の裸のヤツに「カモーン！」って声かけられたり、まあそういう体験でした。

──BESさんはNYのヒップホップにどんな影響を受けてきましたか？

BES　最初聴いていたNYのヒップホップはSHOW & AG、Mobb Deep、ビギー（The Notorious B.I.G.）とかだと思う。その後、Cypress HillやGoodie Mobを聴いて手探りだった時期に、SWANKY SWIPEのEISHIN（ビートメイカー）がWu-Tang ClanやMETHOD MAN『TICAL』を聴かせてくれて、NYに戻してくれて、それからはNYのヒップホップばかり聴いてましたね。ウータンのマークが入っているレコードは一時期全部買っていて。それで失敗もしました。「これはさすがに聴けねえな」っていう内容のものもありましたよ（笑）。

──具体的にラップのフロウで影響を受けたりした人はいますか？

BES　すごく簡単に説明すると、レゲエのリズムを日本語に応用したかったんです。だから、Busta Rhyme（ブルックリン／イースト・フラットブッシュ出身）は神様だと思います。だって、“Dangerous”とかヒップホップって言ってるけど、レゲエじゃないですか。最初はサラっとしていてほしいですけど、耳にベタ～とこびりつくようなだみ声だったり、煙たいかんじだったりが好きですね。そういうのにすごい影響を受けましたね。

──ele-kingの仙人掌との対談（https://www.ele-king.net/interviews/005642/）でもヒップホップとレゲエの融合の話はしてくれましたね。

BES　自分のラップのスタイルを作って行く初期の実験段階ではいろいろ試しましたよ。レコード屋で新譜を買ってきて、DJがインストをジャグリング（2枚使い）して、ONE WAY（一つのビート／トラックで複数の人が歌い、ラップすること）でテープを作ったり。ルーツ・レゲエのテープを買って聴いて、ヒップホップのフックで使われているレゲエの曲を学んだり。Amigo Gunshot Crewさんたちが出ているようなレゲエのイベントにも行きましたね。

──そういう基盤があってラップしてきたBESさんですが、特に本作『STANCE』に関してはどういう意識でビートにアプローチしようと考えて制作されましたか？

BES　いまは当然SCARSの『THE ALBUM』（2006年）のときみたいな生活をしているわけじゃないですから。だから、いちばんは、これまでの人生で得たもの、失ったもの、気づいたこと、そしていまの生活と希望を、もらったビートでいかに歌うかですよね。本当の話です。酒について歌った“WATAS POOL”も実話ですよ。酒もあんまり飲み過ぎると死ぬぞ、という警告をギャグも込めて歌っている。“WATAS POOL”を聴いた人から変な噂が流れたのか、森田（貴宏）さん（FESN代表）から「お前、いまアル中なの？」って言われて、「いやいやいや、昔の話ですよ（笑）」って。

──昔の出来事をいま曲にして多くの人が聴くと、そういう誤解も生まれるんですね（笑）。あの曲は昔の経験をいま曲にしているわけですよね。“CORNERS”もまさにそういう過去の経験の話です。

BES　あれも実話です。これはすぐに書けました。中で書き溜めたリリックもここには入っているので。ここでやりたかったのは、The Loxのような感じじゃなくて、The Rootsのような視点でコーナーについて歌いたかったんです。俺はバリバリのギャングスタじゃないから、事実ではあるけど、客観的な視点を含めて書いて歌いたかった。

──俯瞰した視点を入れるということですね。

BES　そうです。でも。ある方からは「お前はドラッグについて歌うといちばんいいな」って言われちゃったりして（笑）。「ドラッグ芸人だ」みたいな。

──なるほど……。

BES　ははははは（笑）。たしかに、当時やっていた仕事をこれほど事細かにラップしたのは“CORNERS”が初めてです。「スニッチャー実刑からむと口を開く」って歌っていますけど、本当にいろいろありましたし、よく当時あんな仕事をしていたなという思いを込めて書きました。ただ、それだけではなくて。例えば、バリバリのギャングスタは「KEEP IT REAL」が信条だから絶対弱いところは見せないじゃないですか。でも、そういうラップじゃなくて、弱いところも、ダメなところも、上手く行かないところも見せてラップすることで違う表現をできるラッパーに変わって行くわけじゃないですか。それがやりたかったですね。そこには人生の教訓も入っていますし。例えば、Commonが耳の聞こえない女の子に紙芝居をみせて、想いを伝えるMVがあるんですけど、ああいうイメージもありました。

──なるほど。

BES　頭のなかにいままで自分がやってきたことと、それにたいしての向き合い方の変化が潜在的にあって、そういうのが表現されているんでしょうね。

──BESさんは近年、本当に精力的にラップをして、作品を残して行っていますよね。ハングリー精神を感じるというか常に挑戦している印象があります。BIMやMETA FLOWERといった若いラッパーとも制作していますし。

BES　ラップはいつできなくなるかわからないし、できるうちにやっておこうという気持ちはあります。元々は、好きで始めたラップと音楽で食って行ければいいと思っていましたけど、いまは続ける限りは続けていく。そういう気持ちです。だから、いまでもラップの仕事が来るとテンションが上がります。頑張ろうって。最近はできるだけ表現が似ていても、言葉が被らないようにしようとか、違う書き方をしようとか、そういうことを考えていますね。だから最近本でも読もうかなと思っています。中にいるときに、たくさんもらったので。

──5lackとやっている“RAP ATTACK”は本作のなかでいちばんアグレッシヴな曲です。

BES　この発案はMercyくんですね。ラップをガンガンはめて、高め合って行く感じの曲にしようと。

Lil Mercy　この2人がやるのであれば、とにかくラップの曲が聴きたいというシンプルな理由ですね。このビートであれば、そういうラップが乗れば完璧な曲ができると思ったので。

──5lackのヴァースはいくつか録ったラップを重ねて繋ぎ合わせているようでさり気なく斬新かなと思ったのですが。

BES　うん、何本か録ってますよね。こういうアプローチする人は珍しいです。

GRADIS NICE　新しかったですね。

Lil Mercy　あと曲順に関しては、俺も意見を言わせてもらって、その意見も反映させてもらった感じですね。

──2分半ぐらいある“OUTRO”ではいろんな人たちのネーム・ドロップをしていくのが印象的でした。

BES　昔はけっこうありましたよね。SEEDAの『花と雨』の最後もラップが入りつつ、ビガップもしていくアウトロじゃないですか。そういうヒップホップのアルバムの最後っていまあるようでないし、やる人ってあまりいないじゃないですか。Mercyくんの名前を3回ぐらい言ってますからね。

一同　ははははは。

──そして、最後はやはりIKB（池袋BED）で締めています。

BES　俺はあそこで出会った人たちとともに培ってきたものでいろいろできて広がっていまここにいますから。

──Please tell us about the "Bergmál" mask that Björk wore during the first week of Coachella.

James　Yes, the inspiration for this particular mask was to make something that would radiate outwards from the head, like a soundwave frozen in air. I spend a lot of time sculpting these pieces in 3D software - playing with particular forms and shapes until they produce something I find interesting. So it is often a mixture of accident and intention.

For the Bergmál headpiece I was exploring spirals and trying to produce a shape with one continuous edge that would rotate around its own axis, folding back in on itself many times. Once I had created that form I realised that it looked like a soundwave, so I pushed it further in that direction knowing that it could fit well into Björk´s sonic world.

────I feel that the word "Bergmál", which is also the title of this mask, reflects some kind of unique Icelandic values. What do you think about the word "Bergmal" and its values? Do you ever experience those values while living in Reykjavik?

James　Bergmál has always been one of my favourite words in Icelandic. It literally translates to “mountain language” - because of the way an echo bounces down a valley, as if the mountains are speaking to each other. I love that image evoked by the word. I have lived in Iceland for almost 10 years now, but the culture still reveals itself to me bit by bit - through the language as I learn it, the books I read and the music I listen to.

──Next, I would like to ask about the "Ossein" mask that Björk wore during the second week of Coachella.

James　The form of the Ossein mask was a product of many experiments in the 3D sculpting phase, and turned out to be one of the most complex things I have sculpted. I was amazed that it was even printable. My intention with the references and inspirations was more concerning the texture - I really wanted it to look like cartilage or fishbones, something with a very organic translucency to it.

──I see, so the distinction wasn’t made intentionally. The characteristics of this mask are clearly evident from the source of its inspiration, but I think one of its characteristics is that it turns blue when exposed to a certain type of ultraviolet light, in order to reproduce the glow of living organisms underwater.

James　I had originally planned for these masks to include some LED lights, moving around and flashing inside them like an underwater sea creature. However, early on in the sculpt I realised that this was going to be difficult to achieve without sacrificing a lot of the design elements, so I decided to use UV light instead. I had used UV threads a lot in some of my first early embroidered pieces, which glowed under certain stage lights - so it was an aspect I was keen to revisit in the 3D printed iterations. I´m very happy we ended up going in this direction, as this gave the mask a more organic and bioluminescent feeling (wheres LED might have become too “disco”!)

──These two masks were created with the secca team. How did you feel when you actually held the mask that they had created?

James　I was totally overwhelmed! Their meticulous craftsmanship and alchemical ability to make some beautiful textures really brought the pieces to life in a way I could never have expected. I travelled to Kanazawa to visit them and it was such a great experience - getting to know them personally and professionally was a lot of fun, and I am so proud of what we made together.

──This time, you used 3D printing to carve these two masks. What is your thought behind incorporating these new technologies into your design project with Björk?

James　Since I started making masks, I have always moved between different mediums almost unintentionally just as a result of wanting to evolve my designs. At first they were all embroidered, then I started to use wire and beadwork, then silicone sculpting, and then into metalwork and silversmithing. 3D printing was a very natural extension of that journey, particularly as I had also started to 3D sculpt and programme my masks as AR filters.

I really enjoy switching between the physical and digital worlds when I work now - and I find that the two disciplines can accompany and enhance each other, rather than compete. The last few masks i have made have come out of a back and forth between the two, designing by hand in quite a traditional silversmith practice and then putting that into 3D sculpting software and manipulating it there, and then back again into the physical world. 

──Generative AI is currently gaining popularity around the world, but many people question its existence. As technology develops. What do you think about the future where technology coexists with art?

James I think we have lived with AI for a while now, as an integrated function of all sorts of softwares and technologies that we didn't necessarily call AI until recently. But rather than perceive it as a threat, I take it more like a challenge - if your concepts or aesthetics can be so easily replicated by an algorithm, then I would rather use that as an impetus to keep evolving and think of something new that the machine can't do.

99.99% of the AI art that I have seen is quite homogenised, unless someone is doing something clever with it or incorporating it their existing practice rather than just relying on it entirely. As with any other tool or technology I am most interested when an artist finds their own idiosyncratic way to use it and lean into the glitches, making the nature of the medium part of the artwork but bending it towards their own world.

──When you started the production of the masks did you start with the design presented by James?

Sugano　James is responsible for the overall art direction of the project and the design of the masks. James presented us with a concrete design that was digitally sculpted using 3D data, and we were responsible for how to make it a physical 3D print with the quality that Björk and James wanted. I was involved as a technical director, and the secca team was in charge of production, and they demonstrated their craftsmanship to the fullest. We follow a process where we make adjustments to areas that need to be carefully adjusted during implementation, such as the strength of the live performance, without damaging the original design, then print them out and refine them.

──Did you have a concept for each mask already decided when you received the 3D data from James?

Sugano　If anything, we had a specific design image from the beginning, and we started by figuring out how to make it a reality. James was the one who directly discussed the concept with Björk, but I was able to fully understand the important parts of the concept from James' design. It doesn't look like a digital design at all, it feels very organic. The design is inspired by things that are close to living things, or rather things that are natural. Based on my experience with previous projects with Björk, I knew from the beginning that even though this design was implemented using the latest technology, I had to make it look extremely organic and not give the impression that it was implemented using the latest technology. I think we started off by properly aligning our understanding with the secca team.

Uemachi　What really deepened our understanding was when James came all the way to Kanazawa, where we are based. By talking to him in person, face-to face, we felt like we were able to figure out what quality we should improve on and what we should propose. Just like his attitude toward this project, he was very polite and careful about how he treated us. During our exchanges, I learned that the beauty of Iceland's natural beauty that he sensitively observes on a daily basis is a source of inspiration for him, and that the beauty in nature is an expression of himself. I could feel that he was trying to embody that through his costume. It feels like part of your skin rather than something you wear. That's the kind of costume James and Björk were looking for.

──Were you able to print the prototype with a 3D printer when James came to Kanazawa?

Uemachi　Yes we were. By the time James came to Kanazawa, the secca team had had detailed discussions, adjusted the data, and printed out samples. While analyzing the rough data we received in advance, we realized that there were many parts that were physically difficult to reproduce. It was only 0.3mm thick, and there were parts where I thought it would break if I moved it around during a live performance. We also create works using 3D modeling on a daily basis, but when we look at the parts that we thought were beautiful on screen, when we hold them in the actual space, we find that they are far from what we imagined, and there is a gap between them. It is a series of tasks such as filling in the information, printing it out, and checking it again. When James came to Kanazawa, he was able to see the test printed samples and was able to give his opinions directly. We were able to share a concrete image of how we wanted the product to look and fine-tune it, allowing us to make solid adjustments. For example, we said things like, “If we want to make it look that way, let's keep it thick here and make it thicker in other areas”, and we worked out what areas we couldn't compromise on and where we could compromise.

────Sugano-san wrote on Instagram, “the 3D data sent by James was beautiful in every way, and secca was just amazing!’.

Sugano　As Uemachi-san mentioned, when we looked at the data, we felt that it would be difficult to achieve the strength of the masks due to the relationship with the material and shape. There were some parts that needed some work to make sure they would be fixed. This is because both masks were designed by calculating backwards from an ideal picture surface, so it was assumed that if things remained as they were, it would be physically difficult to put the masks on the face in the first place. Despite this, the secca team has taken the initial inspiration and implemented it in a way that enhances it without compromising its design at all. I felt that secca's ingenuity was wonderful in that respect.

In addition, this mask cannot be completed simply by printing it out with a 3D printer; it requires a considerable amount of manual labor by craftsmen in order to achieve the ideal appearance, including texture and transparency. It is not something that can be learned in a few days. It is difficult, even for experienced engineers, to realize the designs and concepts conceived by world-class creatives such as Björk and James without sacrificing any of them. In other words, both digital engineering skills and artisanal manual skills are required. In addition to having experience and an understanding of the work, you also need the ability to not give up to the limit, which is a psychological thing. The secca team was perfect in all aspects, so we owe Uemachi-san and his team a huge thank you that we were able to make it happen this time.

────Uemachi-san previously said that when secca produces crafts, it strives to achieve an expression of art and functionality as a product used in everyday life. I thought this story might have some similarities to that.

Uemachi　That may be the ultimate thing. For example, when it comes to tableware for everyday use that is mass-produced, the people who use it and the situations in which it is used are diverse, so in order to satisfy each person who picks it up, it may be necessary to reduce it to an average design to meet the diverse needs of each person who uses it. This time, I made it just for Björk, so I focused on how she could concentrate on her performance at her best, and I was most conscious of making sure the mask didn't create noise. If the mask itself were to break, or come off during the performance, something would be ruined, including the time and value of the experience for those attending the concert. That's what I was most afraid of, because it will effect matters even after the show.

──So, Sugano-san, when you first became involved with Björk in the music video for "Mouth Mantora" in 2015, is there anything that stands out to you through that experience?

Sugano　First of all, the most important thing is being very careful and taking the time and effort to make creative decisions. The music video for "Mouth Mantra", which I helped out with, was a very difficult idea to visualize the inside of the mouth. The live video for "Quicksand" that I also helped out at exhibition which was held in Tokyo was streamed in real time using a live camera, but after that, we had to carefully consider and have a lot of creative interactions before releasing the archived work. I remember there were lots of creatives discussions about it.

Another thing that struck me was when I asked Björk about the relationship between art and technology during our conversation was that, she told me that she really likes incorporating new technology, and she gave examples of traditional instruments that have become commonplace in modern times, such as the piano and violin. She says, “when the piano and violin were created, they were the latest technology”. As for the piano, the technology itself was treated as the subject matter of a song. However, in modern times, the use of the piano is rarely the main theme of music. At first, the use of technology may be touted and become a theme, but before you know it, the technology will disappear and only the music and the emotions it brings will remain. She says, “When it comes to expressing emotions, playing the violin in a certain way allows you to express your emotions. Performance methods and expressions have been cultivated over a long period of history. In other words, the violin is like an old computer. What artists have to do is express themselves by using the tools that we take for granted, which are unique to the era in which we live. I think it's an artist's job to put their heart into technology.” Those words really impressed me and stuck with me.

Sugano　Björk's attitude toward technology is the same when it comes to creations that use cutting-edge technologies such as 3D printing, which is the specialty of the secca team. One of the reasons we invited secca to join our team was because, even though they are skilled at creating things using the latest technology, they do not emphasize that as the main aspect for the final product. It is obvious that there is new technology behind the scenes when you understand the process by which the design was created, but the intervention of technology never comes before the design. I thought that this really matched the feeling I had gained through my communication with Björk.

──That sounds like a very important and interesting topic. When we previously interviewed Uemachi-san, you said that using technology is not the purpose for expression, but rather, technology is primarily a tool for realizing expressions.

Uemachi　Yes. We are also conscious of the exact same thing, whether it moves our hearts or not. I think this is the most important point that creates value. Therefore, I view things in this order: experience is necessary to move the mind, and things exist as interfaces for that experience. We learn from what people in the past have done and make use of it, but if we just do the same things as people in the past, we won't create much value. The times are changing, and the sensibilities of the recipients are also changing, so if we pursue new experiences, experiences that fit the present, and experiences that we want to deliver only to that person, we will inevitably find ways that people in the past could not choose. There are often hints. For example, if 3D printing existed in the Edo period, I think it would definitely be used by craftsmen and artists. If there are tools in front of us that people in the past couldn't choose, and if there's a destination beyond that that people in the past couldn't reach, we should actively try them out. We are working with this attitude.

What impressed me when I worked with James this time was that even though we each have different identities and values, we can connect non-verbally through creation. It was difficult for me to communicate verbally because I can’t speak English well, but I think we were really in sync with each other in terms of what we think is beautiful and what moves us. This may have been a big realization that I gained behind the scenes of this activity.

Sugano　I am the creative director of the entire project for over 90% of the work I am involved with, and secca is of course in the same position, and they usually work on their own signed ideas and creations. Secca is by no means a company that only handles technical direction and 3D printing. This time we were not the ones leading the project; Björk is the creative director and James is the artist and designer. What Uemachi's realized is something that was possible because someone else was leading the project rather than himself. The question was - how can we support the creations of a rare artist like Björk and make them realize what they want to do? Although the thinking process is different than usual, we take what Björk and James want to do very seriously, and want to understand their vision, and then help them implement it. It was new and a lot of fun. The vision we all had in common this time was what kind of emotion we wanted to convey to the audience through our creations. The secca team that I know are good at expressing this, and I think they have world-class talent when it comes to achieving this. I wanted many people to know this fact.

It's extremely rare that a project by a world-class artist like this involves a domestic craftsmen like secca who are well versed in traditional Japanese techniques that have been passed down for a long time and are able to handle cutting-edge technology. I hope that by conveying the greatness of secca's participation in a world-class project with a different approach from their usual main work, they will be able to shine a light on it from a different angle than usual. If people understand what kind of valuable work they do, their recognition will expand. I'm sure more and more people will become interested in their products and work, and I sincerely hope for that.

2022年11月、福岡を拠点に自身もDJとして活動する写真家のCAYO IMAEDAが、ヒップホップ・プロデューサーにフォーカスを当てた写真集『DAILY OPERATION』を発表した。黒を基調としたミニマムなデザインのハードカバーで、精悍に装丁されたこの本には、日本とNYで活躍する15人のプロデューサーの姿が収められている。

この本を手に取るとその存在感に驚くだろう。影の立役者として語られることの多いビートメイカー／プロデューサーたちの姿を重厚なハードカバーに収めた背景には、CAYOの絶対的な確信が感じ取れる。彼ら以外に成し遂げることができないその偉業を静かに切り取り、惜しみなく編纂し、シンプルかつ大胆なレイアウトでまとめ上げられている。ブックデザインは〈SOUL NEWS PAPERZ〉のSPECDEEが手がけた。

トーンはどこか冷たい空気を放っていて、一貫して生々しい。プロデューサーたちの音楽を知っているリスナーからすれば、写真をから無限の世界を覗き込めるはずだ。それらの写真は森羅万象から音を抽出して自らのアイデンティティと紡ぎ合わせ、ひとつの物語を生み出してきた瞬間に連なっているから。

その一瞬を切り取るべきなのは、確信を持つCAYOに他ならない。彼女は本写真集をなぜ制作することになったのか。そこには、数多の出会いを通して、音のように振動してきた衝動の連続がある。本記事では、そんなCAYOのインタビューをお届けする。

──まずはヒップホップやカルチャーへの出会いをお伺いしても良いですか？

中学生のときに先輩の車で聴いたのが初めてです。思い出せるのはギャング・スター（Gang Starr）やトライブ（A Tribe Called Quest）とか。田舎だったけど、演歌歌手の等身大のパネルが置いてあるようなレコード屋にヒップホップのコーナーが一応あって。でも本当に有名なやつしか置いてない。ナズ（Nas）とか。

高校の近くにレコ屋があって、大体3時間目になったらレコ屋が開くんです。だから大体3時間目に抜け出してレコ屋に行ってレコードをチェックしてから、また学校に戻ったりしてましたね。俯瞰して見れば、女子高生が毎日制服で11時くらいにレコ屋に来て、とにかく新しく入荷されたものを試聴機で聴いてたんだろうなって（笑）。

──すごい光景ですね（笑）。

高2くらいまではテープに好きな順番で曲を並べて配ったりしていたんですけど、その後ターンテーブルでレコードを繋げられることを知りました。それからDJを始めました。ターンテーブルは高くて買えないから、安いレコードプレーヤーで聴いてたんですけど、高3のときにタンテを持ってる友人の家に通って、自分のレコードを持って練習したりして。

──最初はどんなレコードをかけてたんですか？

20歳くらいの時に買ったレコード振り返ったとき、結構ジェイ・ディー（Jay Dee｜J Dilla）のレコードがあって。それで「私、この人のこと好きなんだ」って気づきました。だから結構ジェイ・ディーの曲はかけてましたね。

──いまでも思い出に残ってる一枚はありますか？

いっぱいあるな。それまで90年代のニュースクールみたいな曲ばっかり聴いていたけど、〈ローカス（Rawkus）〉があった時、当時リリースしていたレコードに衝撃を受けました。ハイテック（Hi-Tek）の初期音源は記憶に残ってますね。もう持ってるのに、中古屋に行って安いから何枚も買っちゃうみたいな（笑）。

──“救出”してたんですね。DJでクラブに出始めたのはいつですか？

高3のときに何回かクラブでやって、あとは18歳の頃から。高校を卒業してから美容師の専門学校行ってたんですよ。母親が美容師だったから、美容師になると思い込んでたんです。しかもちょっとストイックな、有名な学校に入っちゃって。でもそれ無視してDJして。

──DJを続けていく中で、大きい出会いがいくつもあったとお伺いしました。FREEZさんやDJ GQさん、BASEの存在です。

あのとき、あの場所にいた人たちはみんな大きい存在です。BASEで働くことになる前、DJでBASEに出演したときガンガン音出してたんですよ。そしたら、カノさん（FREEZ）が向かいの卓でずっと音を下げてた。それで何回かブースに来て「もうちょい下げて」みたいな（笑）。DJ終わってブースを降りたら、カノさんが歩いてきた。「あー、怒られるわ」って。そうしたら一言「働いて」って。でも私、一滴も酒を飲まないんですよ。酒も作れないし、飲めないから無理ですって言ったんだけど、そんなのは関係ないって。酒作るのも濃ゆければ良いと思ってましたからね。薄いよりも濃い方が良い、そういうバイブスでやってて。

平日からかなり音を出してたし、みんなでひたすらDJとか、B2Bしてました。BASEにはカーテンがあって、その裏に狭い空間があるんですよ。とにかくその場所から始まる。ある時期にはみんな幽霊が出るって話ししてて。ある日、DJをやっていたら血だらけの男性が目の前に立っていてダルいなと思っていたら、ふつうに生身の人間だったり……すごいいろんなことがありました。あの場所で色んな意味で相当鍛えられましたね。

──そのときからカメラはやってたんですか？

カメラは26くらいから始めました。BASEの店員を辞めてから、仕事でブライダルの写真とか撮ってたんですよ。でも当時、DJはDJ、写真は写真、全く別のものとして捉えていたんです。

そのとき、90年代のNYで写真を撮ってた女性の日本人フォトグラファーのYURI SHIBUYAさんという方が、MIYUKI HIRAIさんというフォトグラファーとThe Northe Faceのツアーで全国を展示で回っていたんです。その展示でコモン（Common）の超ヤバい写真が、超デカく飾ってあった。それでふと、私これできるんじゃない？って。カメラも持ってるし、音楽もある。もはや私にしかできないと。周りにすごい人いっぱいいるし。それから写真と音楽が重なり始めました。

──最初の写真集を作ることになったのはいつくらいだったんですか？

BASEがなくなったとき。私はずっとBASEで写真を撮り溜めてたんですよ。それでSQUASHというグラフィティショップ兼ギャラリーで、オーナーのユースケさんが「（その写真を）展示して本作れば？」と言ってくれたんです。それから、SQUASHで初めて展示をしたり、本を作ってもらった。

でも、撮り溜めていたときも、何かのためには撮ってなくて、ただ撮りたいから撮ってた。ただカメラを持ってその場所にいく。構えすぎると向こうも構えちゃうから、自然体で撮るようなスタンスですね。そのときも写真でやっていこうとかはあまり思わなかったですね。そのときの写真集はほぼデジタルでした。

──フィルムに移行したタイミングってどこだったんですか？

AKIRA TAKATAさんという、もう亡くなってしまった方なんですが、スケーターやライターを撮ってらっしゃるフォトグラファーがいたんです。私の弟がスケーターで、その人の写真ヤバいから展示を観に行こうって言われて熊本まで行ったんですよ。そこでくらったんです。全然別物だったから。デジタルって画像だけでプリントにならないこともあるじゃないですか。AKIRA TAKATAさんはフィルムで撮った写真を自分で手焼きで焼いてたんです。

それで、そのときに本人に聞いたんですよ。そうしたら「このカメラ買いな」って。私もそれ鵜呑みにして「明日買います！」って（笑）。それがCONTAX T3だったんです。今はかなり高くなってるけど、そのときは6万くらい。それで「T3が欲しい」って色んな人に言ってたら、カメラ好きのおじさんが「これ3万であげるよ」って（笑）。 で、「あの人と同じカメラだ！」 と思って、それ一択。今も使ってますね。フィルムで撮影した写真は自分でプリントするようにしています。

私はまだまだプリントを全然操れないんです。色々と不確かなんですよ。だけど操れないのもたまによくて。思ってるのと違うのが上がってきた時、たまにめちゃめちゃカッコいいモノになってたりするんですよ。

──CAYOさんは暗室も持っているんですよね。

始めは大学がやってた週一の暗室講座みたいなのに通ってたんですよ。今はもう大学とかで暗室作業とかを教えないらしくて、その暗室が閉まってしまうと。設備を捨てるなら欲しいって言ったら、国の持ち物だから渡せないと……それからは想像にお任せします。それから、CONTAXといい、自分が欲しいと思ったカメラがすぐ手に入ったり、何かとカメラ運だけはよくて……。

──運と行動力が結びつきまくってますね（笑）。2016年には東京のフォトグラファー、Goro Kosakaさんと展示をやっていますよね。

GoroさんがBASEに遊びに来てて、自分で作った作品を置いていったんですよ。それを見つけて、同じ年代でなんかめっちゃ似ているものを撮っているなって。その人と展示したら絶対おもしろいと勝手に思っていたんです。その気持ちを抱えたまま3ヶ月くらいハワイに行っていて、帰ったら絶対Goroさんと一緒に展示しよう、と。面識はなかったんですけど、さんどろん（Kieth Flack）づてに電話番号を教えてもらって「展示したら面白いと思うんですよね」って話して、2017年に福岡のSQUASHと沖縄の波の上MUSICで展示させてもらいました。

それから、2018年から1年くらい、写真を教える仕事でバリ島に行ったんですよ。2019年に帰国して、今回出したプロデューサーの写真集『DAILY OPERATION』で動こうとしたら、コロナが流行ってしまった。

──なぜプロデューサーにフォーカスした写真集を出そうと思ったんですか？

まずバリ島にいるとき「本を作りたい！」って思って。サンデーマーケットといって、日曜の朝に子供たちが自分のいらないものを売るフリーマーケットに行ったんですよ。そこで超いい絵本見つけて。買って家で見てたら、多分80年代くらいのブルックリンかブロンクスの図書館の押し印が押してあって。80年代に出ていた絵本をバリで白人の女の子が売っていて、私が日本に持って帰った。その物語がめっちゃヤバいなと。本を作ったらこんな風に旅させれるんだと思って。だから、日本に帰ったら本を作ろうって思った。絶対ハードカバーで作りたくて、それに似合う内容にしたかった。それに似合うのはプロデューサーたちしかいない。そこで初めて何かのために写真を撮ろうと思いました。

──ハードカバーに似合う内容として、ビートメイカーとプロデューサーに繋がったんですね。それで2年間、撮影してきたと。

物事が出来ていく過程が好きなんですよね。職人も好きで。何かに向き合う人の姿に魅力を感じます。クラブでライブを撮影していて、空気が変わる瞬間みたいなのがあるんですが、ビートを作っている時もそういう引き寄せられる瞬間があるんですよね。あとは単純に人が何かに集中している姿は全部かっこいいです。この本を作ったことで、よりヒップホップと写真が好きになりました。

これからLAに行きますけど、帰ってきたらいろんなところで展示だったり、今回一緒にやったデザイナーのSPECDEEに写真をシルクで刷ってもらったり、レーベルの〈SOUL NEWS PAPERZ〉と色々とやりたいですね。

この日の取材は三軒茶屋で行われた。取材の翌日、CAYOはLAに飛び立つ。その後、彼女のInstagramには、彼女が撮影したLAアンダーグラウンドシーンのレジェンド、エヴィデンス（Evidence）の写真がアップされていた。なぜ彼女はエヴィデンスを撮影できたのか──直感を疑わず機運をたぐりよせてきたCAYOは、『DAILY OPERATION』の個展をHELLRAZORが運営するギャラリー・RAZEにて開催する。場所は三軒茶屋で、期間は4月1日（土）から4月8日（土）まで。その秘密を、自分の目で確かめてほしい。

個展では、〈SOUL NEWS PAPERZ〉のSPECDEEによるシルクスクリーンやデザイン技術が集約。『DAILY OPERATION』の世界が展示会場・RAZEに拡張されている。なお、4月1日はレセプションとして16時にスタートし、写真集でも大きな存在感を放つ16FLIPとDJ SCRATCH NICEのDJプレイも堪能できる。さらに同日夜には三軒茶屋・PATROLでアフターパーティーが開催。ゲストDJとして16FLIP、DJ SCRATCH NICE、DJ GQ、DJ SHOE、ZONOが出演するほか、〈SOUL NEWS PAPERZ〉からDBK、GERMM、KRZT、SPECDEE、YUDAIが一夜をメイクする。ぜひお見逃しなく。

──あなたの出身地であるノルウェーのモスにあるクラブミュージックシーンについて教えてください。

モスは人口2〜3万人ほどの小さな町で、クラブシーンというものは存在しなかったんだ。街の中心部にはロックやパンクのバンドが集まる場所がいくつかあり、また所謂大人向けの小さなジャズ・シーンがあって、いくつかのバンドがそこでプレイしていた。1999年から2001年頃には、バーやクラブでDJがラジオのヒット曲や当時ノルウェーで流行っていたユーロトランスをプレイしていた。僕はその音楽には興味無かったけど、土曜日の夜に飲みに行くと嫌でも聴くハメになったんだ。

故郷であるモスの北側にあるカンボでは、ヒップホップ、それもラップだけでなく、ファンク、フュージョン、エレクトロ、ソウル、ディスコといったB-BOYミュージック、つまりオールドスクール・ヒップホップが最大の共通「ミュージックシーン」だった。ブレイクダンスのコミュニティもあって、週に何回かみんなで集まってミックステープやDJを聴いていて、中にはダンスのスタイルやムーブの練習をするやつもいた。僕はブレイクダンサーでは無かったけど、兄や友達の多くはブレイクダンサーだった。グラフィティと音楽が好きだったから彼らとつるんでいたんだ。時々、市内や近郊でジャムがあり、そこには毎回良いDJがいたんだ。中でもモスのDJ Andyは、技術的にも選曲的にも最高のDJだった。その後、彼はレコードの販売も行うようになったんだけど、彼から受けたインスピレーションには今でも感謝しているよ。

2001年から2003年にかけて友人のDJ Tompagnetsjo（きっと彼は名前を間違えていても許してくれるはず……）と一緒にパーティをはじめたんだ。不定期な開催だったけど、小さなムーブメントを起こすには十分だった。まだ本当のクラブシーンはなかったけど、いくつかのバーや古いロッククラブでプレイすることができたんだ。パンクス達は僕らの音楽を嫌っていて、邪魔をしたり、レコードを蹴飛ばそうとしたり、一部の古いロックのやつらはいつも文句を言っていた。

2001年か2002年に地元のバーSin Cityでプレイした時、地元では有名な“ロック・レジェンド”で、全国的にも知られていたMorten Henriksenが一晩中バーに座っていて、僕らがプレイを終えた後、最後にビールを飲んで「本当にかっこいい“長い曲”だった」と言ったんだ。彼は僕らのプレイを全部で長い１曲だと思っていたんだ。Isoléeの"Beau Mot Plage”やBoscoの"Everybody On The Dance Floor（Cosmo Vitelli Remix）"、Milton Bananaの"Cidade Vazia"とかをプレイしたのを今でも覚えているよ。プレイした曲に一つとして同じものは無かった。でも自分のプレイを聴いてもらうのは本当に楽しかった。グラフィティを描くのと同じように、多くの熱意を捧げ、少しイリーガルなタッチで、例えそれが僅かな人にしかウケなくても。

2002年から2005年の間、「Fan Club」というイリーガルな会場兼スタジオがモスにあったけど、そこでのストーリーはまた別の機会で話すよ。

──What was the club music scene like in your hometown of Moss, Norway?

There has never really been any club scene in Moss, it's a small town with about 20-30.000 people. In the city center there were a few places with Rock and Punk bands, there was also a tiny and very adult Jazz scene with a few bands. Around 1999-2001 some bars and night clubs had DJ's playing radio hits and Euro-Trance as that was popular music in Norway at that time. This was never my interest but if you went out drinking on Saturday it was impossible to avoid.

In Kambo, the north side of my hometown Moss, the biggest communal “music scene” was Hip-Hop, not only Rap, but more B-Boy music like Funk, Fusion, Electro, Soul, Disco, basically Old School Hip-Hop. There was a Breakdance community there so a few times a week we would all meet and listen to mixtapes or DJ's while some were practicing their dance styles or moves. I was never a Breakdancer but my brother and many of my friends were. Personally I was really into graffiti and music so we were all part of the same Hip-Hop circle nevertheless. Occasionally there was also Hip-Hop jams (gatherings) in the city or close by, and they always had good DJ's. DJ Andy from Moss was one of the best DJ's at that time, technically and also with selection of music. Later he also sold records and I still appreciate all the inspiration I got from him!

Between 2001-2003 I made parties with my friend DJ Tompagnetsjo (he knows it's his fault if I don't remembers his name properly...). The nights were sporadic but enough to create some small movements. Still there was no real club scene, but we could play in a few bars or in an old Rock club. The punks hated our music and tried to interfere or kick our records away, also some old Rock people always used a lot of time complaining. One of the best complaints was after a night at the local bar Sin City in 2001 or 2002, Morten Henriksen, a local “rock legend” with some national status sat in the bar the whole night and when we packed up he had one last beer and said “That was ONE really cool LONG song guys...” – him referring to the whole night as one song as everything sounded the same for him. I still remember playing Isolée “Bau Mot Plage”, Bosco's “Everybody On The Dance Floor (Cosmo Vitelli Remix)” and Milton Banana “Cidade Vazia” or somem other track like that – you make up your mind if it all sounds the same. But it was really fun having to work for your music to be heard, and not so different from how people make graffiti, lots of hustling and always with a bit of an illegal touch, and not to forget few people liked it.

There was also a place called Fan Club in Moss between 2002-2005, an illegal venue and music studio. But that's a different story.

──カンボでは具体的にどの様な音楽がプレイされてましたか？　またどのような影響を受けたのでしょう？

ヒップホップ・コミュニティのDJは、クラシックなブロックパーティの音楽を主にプレイしていて、James BrownやKraftwerkが多くプレイされていた。今でもカンボのローカル・パーティーを盛り上げようと思ったら、Jimmy Castor Bunchの“Just Begun”やAretha Franklinの“Rock Steady”、Cybotronの“Clear”、Booker T. & M.G. の“Melting Pot”、The Blackbyrdsの“Rock Creek Park”、Lonnie Liston-Smithの“Expansions”、Ronnie Lawsの“Always There”なんかをかければ、みんな笑顔になるよ。

だけど、それ以外にも音楽の場はあった。ラジオでは、DJ StrangefruitとDJ Abstractが土曜日の19時から24時まで、新鮮なダンスミュージックをプレイしていた。ここでは、ハウス、テクノ、ドラム＆ベースなど、よりクラブライクなスタイルの音楽を聴く事が出来たんだ。リスナーの中にはお互いに影響を与え合う地元の人々や友人もいた。12歳のとき、Kambo Super Sound（地元のダブ／レゲエサウンドシステム・クルー）の一人の導きでダブを知ったんだ。これは僕にとって大きな発見で、音楽制作を始める何年も前から、制作に対する考えを形成していく重要な要素になった。

DJとしては、若い頃から様々なジャンルの音楽をミックスできることを教えられてきた。ヒップホップでは、硬くて冷たいエレクトロと、温かくてパーカッシブなソウルやファンクがシームレスにミックスされていた。それが常にスタンダードだったんだ。僕はヒップホップとテクノのDJスタイルをミックスし、60分から8時間のセットに落とし込んできた。僕には本当に好きな音楽を使いながら、より深く、よりオブスキュアに、よりエッジの効いたプレイをするための経験とそれから培った実力があるんだ。

──What kind of music was being played there and how did it influence your current production and Djing?

I'd say the DJ's in the Hip-Hop community mostly played classic block-party music, James Brown and Kraftwerk were big. And if you want to rock a local party in Kambo (Moss) even today, it's safe to play Jimmy Castor Bunch's “Just Begun”, Aretha Franklin's “Rock Steady”, Cybotron with “Clear”, Booker T. & M.G.'s “Melting Pot”, The Blackbyrds “Rock Creek Park”, Lonnie Liston-Smith's “Expansions” or even Ronnie Laws “Always There” to put a big smile on peoples faces.

But there were other sources of music too. On radio we used to listen to DJ Strangefruit and DJ Abstract that played new fresh dance music on Saturdays from 19:00 – 00:00. Here we could discover House, Techno, Drum & Bass and other more club oriented styles. And there we're also local people and friends who influenced each other. When I was 12 years I discovered Dub with one of the guys from Kambo Super Sound (the local Dub/Reggae sound system crew). That was a big discovery and shaped my idea for production many years before I started making music.

As a DJ I was shown at a very young age that one can mix most types of music. In Hip-Hop they seamlessly mixed hard and cold Electro directly into classic warm and percussive Soul or Funk. So that has always been the standard. You can argue I mixed the styles of Hip-Hop and Techno dj-sets and stretched it from 60 minute to 8 hour sets. With me there's a lot of time and space to go even deeper, more obsure or really edgy, all with music I truly love.

──あなたにとっての名盤をいくつか教えてください。

僕の家には大好きなレコードがいっぱいあるんだけど、DJ Sotofettの名盤を定義するのはお客さん次第かもしれないね。17歳で初めてギグをしたときは、Atjazzの"Wind & Sea"、Boris Gardenerの"Melting Pot"、Nick Holderの"I Once Believed In U（Plastic Avengers Remix）"、Bjørn Torskeの"Sexy Disco（Erotic Dub）"、Upsettersの"Popcorn"などをかけるのが楽しみで仕方がなかった。あとSt. Germain'sの“Rose Rouge”が好きで、Laurent Garnierの“Man With The Red Face”とよくミックスしていた。この組み合わせは最高だね。今でもプレイしてる大好きなレコードだよ。

──What are some of your classic records?

I have my home full of records I love, and maybe it's up to the audience to define what the classic DJ Sotofett records are. But when I was 17 years old and prepared for my first gig I was really looking forward to playing Atjazz “Wind & Sea”, Boris Gardener “Melting Pot”, Nick Holder “I Once Believed In U (Plastic Avengers Remix)”, Bjørn Torske “Sexy Disco (Erotic Dub)” and Upsetters “Popcorn”. Also in the early days I loved to play St. Germain's “Rose Rouge” and used to mix it with “Man With The Red Face” by Laurent Garnier, not only two classics but also a very classic combination. I still play and love these tunes a lot.

──Bjørn TorskeやDon Papaといった伝説的なノルウェー人アーティストが、あなたのレーベル〈Sex Tags Mania〉からリリースしていますが、彼らとはどのようにして知り合ったのでしょう？

Bjørnの音楽は昔から知っていたけど、初めて会ったのは、2003年から2004年にかけて僕がベルゲンに住んでいた頃だった。ベルゲンは小さな街だから、同じ様に音楽をやっている人たちとはたいてい会うことになるんだ。ハウス、ディスコ、テクノ、ダブ、そしてその周辺のすべての音楽に対する情熱と、彼が実にユーモアのセンスを持っていることが、おそらく僕らが意気投合した理由だろう。

またこれが最も重要なポイントなんだけど、活動初期の頃、僕は多くの人に音楽を一緒にやらないか、リミックスをやらないかと声をかけた。でも、やってくれた人はほとんどいなくて、ほとんどBjørnだけが音楽を受け取って作業してくれていたんだ。彼は耳がよくて、いいトラックのアイデアさえあれば、誰にでもオープンだった。もし興味があれば、〈Sex Tags Mania〉からリリースしている『As'besto』（MANIA 05）と 『The Abu$er EP』（MANIA 06）をチェックして、Bjørnとの初期のコラボレーションを聴いてほしい。

一方、Don Papaは子供の頃から知っている。彼は僕の出身地のヒップホップ・コミュニティにいて、グラフィティや音楽に関連したクールなものをたくさん見せてくれたんだ。彼は特別なエネルギーを持っていて、いつも子供や若者と仲が良かったし、年齢に関係なく同士として接してくれた。それに彼は、自分が好きな音楽や、自分が作った音楽を熱心に見せてくれて、またどうやって作ったのかも教えてくれたんだ。僕のウォークマンやミニディスクプレーヤーをポンと叩いて録音してくれたことも何度かあった。その中にはレコードになっているものもあるよ。

また、DJとして、あるいは作品制作において、トラックをランダムにカットする手法についてもいつも話してくれた。そうすることで、リスナーは衝撃を受けてリズム感が狂い、ハマっていくというものだ。この“トリック”は僕にとって第二の天性となり、正直なところ週に数回、この作業をするたびに彼のことを思い出す。これ以上の贈り物はないだろう？　Don Papaと僕が音楽をリリースし始めたのは、彼のトラックは素晴らしいだけでなく、とても特別なものだったから。それをリリースするのは当然のことだったんだ。2008年当時、誰も彼の曲をリリースしていなかったし、気にもしていなかったから、友情とコラボレーションの完璧なサークルになったんだ。日本のリスナーが彼を伝説的な存在として認めていることを彼に必ず伝えるよ！

──How did you get to know the legendary Norwegian artists like Bjørn Torske and Don Papa, who have also released on your label Sex Tags Mania?

Bjørn's music I know since a long time, but first met him in Bergen 2003/04 when I lived there. It's a small city so you end up meeting most people that are into the same music. The passion for House, Disco, Techno, Dub and everything around it, plus the fact that he has a really good sense of humor, is probably why we hit it off. It's also important to understand that in my early days I asked many people if they wanted to work with me or remix my music, and very few did it – actually almost only Bjørn took the music and worked on it. So he has a good ear and seemed to be open minded to whoever it was as long as the idea for a good track was there. If someone is curious they should check “As'besto” (MANIA 05) and “The Abu$er EP” (MANIA 06) on Sex Tags Mania for some early collaborations with Bjørn.

Don Papa on the other hand I know since I'm a kid. He was in the Hip-Hop community where I'm from and he had loads of cool stuff to show us, mostly graffiti and music related. Don Papa has a very special energy and was always very good with kids and young people, he always treated you as a likeminded person no matter age. He would eagerly show us music he loved and also music he made, but also show us how he made it. Several times he just snapped my Walkman or MiniDisc player and recorded some stuff on it – some of those recordings are now on record. He also always talked about how to cut tracks randomly as a DJ or in his productions. He did this so the listener would get a shock and loose sense of rhythm, and then get back into it. This “trick” has become second nature to me and I think about him everythime I do it, which is probably several times a week to be honest. Can you imagine a greater gift? When my brother and I started releasing music it was only natural to put out his tracks as they are not only great, but very special. Nobody released or cared much about his music back in 2008 so it became a perfect circle of friendship and collaboration. I will definitely tell Don Papa that someone in Japan recognizes him as legendary!

──〈Sex Tags Mania〉からは、Benzo、Madteo、Dynamo Dreesen、Svnなど多くのアーティストがリリースしています。レーベルからリリースする際に、作品に求めるものは何ですか？

僕は個人的に知っている人、基本的には友達の音楽しかリリースしないんだ。その中だとBenzoだけは個人的に知らないかな。友達のLaton（Franz PomasslとAnna Ceeh）から彼の曲をもらってリミックスを作り、レーベルとLatonのスプリット盤でリリースしたんだ。

Madteoは〈Sex Tags Mania〉ではなく〈Wania〉からリリースしてる。この違いがみんなにとって重要かどうかはわからないけど。彼とは音楽における深い友情が生まれ、長い間、お互いにとても良いバランスで付き合ってきた。彼が作った最高なトラックのいくつかは〈Wania〉からリリースされているけど、それぞれ違った音楽的側面が垣間見える。〈Wania〉からリリースされた彼とSensationalの“Special Offer”を是非チェックしてみて欲しい。

僕が音楽をリリースしようと思ったときに求めるものは、時代とともに変化している。僕が音楽制作やポストプロダクションに参加しないことは非常に稀で、最終的には僕のプロジェクトでなければならないし、逆にそうでなければ誰でもリリースすることができるよ。

最初の数年間は、自分たちが好きな音楽を作って発表することがとても楽しかった。その後、非常に活発な時期（2007年〜2019年）があったけど、振り返ってみると、2005年〜2010年にヨーロッパを支配していたテック・ハウスやミニマル・テクノという堅苦しいクラブミュージックと対をなしているように思える。僕は、音楽的なオープンマインドをダンスフロアに強制的に戻した世代の一人で、何百ものリリースとリミックスを、すべてヴァイナルでリリースして、これを実現してきた。テック・ハウスは「素晴らしいのか、くだらないのか」ではなく、「正しいのか、間違っているのか」と投げかけるようなスタイルなので、当初はとても不利な状況だったんだ。

一方で僕らは、ラフで、ジャム。ベースで、すごくサイケデリックで、「技術的に良い音」というよりも「カッコいい音」を重視した音楽をよくプッシュしていた。今はまた状況が変わり、「ローファイ・ハウス」などつまらない流行りのスタイルが長い間、支配的になりすぎている。人々はクリエイティブではなく、長年にわたって現在の音楽スタイルに安住しすぎているんだ。曲はより短く、よりストレートでキャッチーに、そしてよりテクニカルにスタイリッシュでなければならないかもしれない。僕にとって音楽に他の価値観を見出すタイミングでもあるし、シーンが生まれ変わるべきタイミングでもある。シーンを変えるのは常に特別な音楽でなければならない。つまりすぐには他人に必要とされない物だ。

──Benzo, Madteo, Dynamo Dreesen, Svn, and many more have released on 〈Sex Tags Mania〉. What is it that you look for in your work when releasing on the label?

I only really release music from and with people I personally know, friends basically. On the list above the only ones I don't personally know is Benzo – I got his material from my good friends from Laton (Franz Pomassl & Anna Ceeh) and made remixes that are released on a Sex Tags Mania and Laton split release. And Madteo has released on Wania, not Sex Tags Mania, I'm unsure if the difference matter for most people. With Madteo a deep friendship in music developed and we did balance each other out very well for a long time. If you ask me several of his best releases are on Wania, they tend to show a different musical side of him. Check the “Special Offer” album on Wania with him and Sensational!

But exactly what I'm looking for when I decide to release music changes with time. It's very rare that I'm not part of making the music or doing post-production, in the end it has to be a bit my project, or else anybody can release it. The first few years of productin and releasing records it was just great to make and put out music, whatever we enjoyed. Then there was a extremely active period (2007-2019) that in retrospect can be looked at as a counterbalance to the stiff and rigid club music called Tech-House and Minimal Techno which was ruling Europe in 2005-2010. I'm part of a generation that forced musical open mindedness back to the dance floor, and we did this with hundreds of releases and remixes, all on vinyl. Tech-House is a style that makes people say “this is right or wrong”, not “this is great or funky”, that's initially why it's so bad. We on the other hand pushed a lot of music that was rough, jam-based, very psychedelic and often with more focus on a “cool” sound rather than a “technically good” sound. But now things have changed again and “lofi house” and other boring trendy styles have been too dominating for a long time. People are not creative and have for many years been too comfortable with current musical styles. It's again time for the scene to change, and for me that means finding other qualities in music, maybe tracks have to be shorter again, more straight to the point or catchy, and also more technically stylish. But it always have to be special music – something that is not necessarily picked up by others immediately.

──レーベルからリリースされた作品の中で、特に印象に残っているものは何でしょうか？

これはリスナーが決めることだけど、僕にとっては、誰も真似できないようなコラボレーションに真の強さがあると思ってる！　Madteoとの“There's Gotta Be A Way”や、Karolin TampereとMaimouna Haugenとの“Nondo”をリリースできたのはラッキーだったね。これらの曲が僕たちの音楽で人々を納得させられることを証明したんだ。

──What are some of the most impressive releases on the label?

This really has to be up to the listeners to decide, but for me there is true strength in some collaborations that nobody can copy! I feel very lucky to have made “There's Gotta Be A Way” with Madteo, and obviously “Nondo” with Karolin Tampere and Maimouna Haugen. These tracks showed that we could make people shut up and listen.

──昨年リリースされたTRESORの『SPUTTERS』はLNSとのコラボで、デトロイトやUKテクノのクラシックな影響が感じられました。今作はどのような意識で制作されたのか、お伺いしてもよろしいでしょうか？

すべてのコラボレーションは異なっていて、LNSとは様々なスタイルの音楽を一緒に作ってきた。そして、クラシックなデトロイト・テクノとエレクトロは、僕たち2人が深く共有する情熱だと言っていい。『Sputters』は、TR-808やTR-909、TR-606、MPC2000XL、E-Mu Orbit and Carnaval、Oberheim Matrix-1000、MikroKorgなどのテクノやエレクトロのフィールドに簡単に引き込める特別なスタジオセットアップで2、3年間に作られたトラック・コレクションなんだ。でも僕たちがソフトウェアやソフトシンセを使っていないと思わないでくれよ。多くの人がそう思っているみたいなんだけど、それは大きな間違いなんだ。フリーソフトシンセのHelm（By Matt Tytel）がなかったら、このアルバムに収録されている “Tidbit”や“Synchronic Bass Blort”はなかっただろうね。

個人的には、制作の中で音楽のスタイルを変えることが重要なんだ。エレクトロとアフロダブでは全く異なるアイディアを実現することができるし、それぞれの優れたアイディアには専門的な方法論が必要だと考えている。『Sputters』をよく聴いてみると、各トラックは明らかにエレクトロとテクノの流れを汲んでいるが、リズムのバリエーションが多く、同じフィールドの新しく典型的なレコードと比べるとその差は歴然だ。

トラック“Vitri-Oil”のドラムプログラミングは音を入れず、MPCのBPMもわからず、どのサウンドバンクをロードし、パーカッションサウンドがMPCのパッドのどこに配置されているのかもわからない中で作られた。これは無作為の「盲目の試み」であり、リズムはその恩恵を受けている。LNSとの相性は抜群で、彼女はメロディーとハーモニーに優れた耳を持っているし、僕はレコーディングのエッセンスを抽出するのがとても速いんだ。ただの“トラック”ではなく一つの“楽曲”として、エレクトロやテクノを作るには良いプロセスだと思っている。とにかく、『Sputters』は答えを打ち出したものではなく、より明確なスタイルの始まりなんだ。2023年4月には〈Tresor〉から4曲入りのEPをリリースする予定だが、これはそのコンセプトをさらに推し進めたものなんだ。

──Last year's TRESOR release "SPUTTERS", a collaboration with LNS, showed the influence of classic Detroit and UK techno. May I ask what was your mindset when you created this album?

Every collaboration is different and even though I have made many different styles of music together with LNS it's fair to say that more classic Detroit Techno and Electro is a passion we both deeply share. “Sputters” is a collection of tracks made during 2-3 years with a particular studio set up that easily draws you towards the Techno and Electro field, think TR-808, TR-909, TR-606, MPC2000XL, E-Mu Orbit and Carnaval, Oberheim Matrix-1000, MikroKorg etc. But don't think we are not using software or soft-synths, it's a common misperception people have of especially me, and it's very very wrong. Without the free soft-synth Helm (by Matt Tytel) we wouldn't have the tracks “Tidbit” or “Synchronic Bass Blort” on the record. Personally it's important for me to change style of music in my productions, I can execute very different ideas with Electro than with Afro-Dub, and each good idea deserves its dedicated home. If you have a closer listen to “Sputters” each track is obviously kept in the vain of Electro and Techno, but there is a lot of variation in rhythm compared to most new typical records in the same field. The drum programming on track “Vitri-Oil” was made with no sound on and also no knowledge of what BPM the MPC had, I didn't even know what sound bank was loaded or where the different percussion sounds where aligned on the MPC pads. It was a random “blind attempt” and the rhythms really benefitted from it. For me it's also great to work with LNS as she has a good ear for melodies and harmonies while I'm very quick at extracting the essence in recordings. It's a good process for making Electro and Techno, as the music doesn't only become “tracks” but more “songs”. Anyway, “Sputters” is not a conclusion, it's the beginning of a more defined style, and in April 2023 we'll release a four track EP on Tresor that takes the concept a bit further.

──〈WANIA〉、〈Sex Tags Mania〉、〈SEX TAGS AMFIBIA〉、それぞれの今後の予定を教えてください。

来年は『Jimi Tenor & Kabukabu meets DJ Sotofett “No Warranty Dubs”』という、JimiとKabuKabuバンドのプロデュースとミックスを担当した15曲入りアフロ・ダブ・ジャズ・アルバムをリリースする予定だよ。バンドの録音をほぼ自由に扱えたから、プロデューサーとして画期的な作品になった。このレコードのテストプレスは2年以上かけて行い、最終的に〈Sex Tags Amfibia〉からリリースされる。とても楽しみにしているよ。同じく〈Sex Tags Amfibia〉から、Kambo Super Soundとの12インチも2023年にリリースされる予定だ。

──What are your future plans for WANIA, SEX TAGS MANIA, and SEX TAGS AMFIBIA, respectively?

Next year I will release Jimi Tenor & Kabukabu meets DJ Sotofett “No Warranty Dubs”, a 15 track Afro/Dub/Jazz album were I produced and mixed Jimi and his KabuKabu band. It's a landmark for me as a producer as there was freedom to do almost anything I wanted with the band recordings. The testpress for this record I had for more than 2 years and I really look forward to this finally being released on Sex Tags Amfibia. On the same label there will also be a 12” with Kambo Super Sound out in 2023, it's also one of these white labels that have been circulating for years.

──今、DJをする上で心がけていることは何ですか？

人に音楽を聴かせるというのはとても光栄なことで、そのことを大切にしながら、万人がすぐに満足できるようなものばかりではない、本当に良いものを提示することを心がけている。ヒット曲や旬の人気曲をプレイすることもできけど、クラブミュージックにはそのような一般的なアプローチよりももっと幅広い側面があると思うんだ。

DJは、常に人をある方向に誘導しながら、特別な音の空間や雰囲気を作り出す必要があると思う。部屋の中の音をコントロールできることは、僕にとってとてもポジティブな刺激になるし、圧倒的な周波数で音を聴かせるのはとても楽しいことだ。僕は良し悪しついて非常に強い意見を持っているけど、それは純粋なルールではなく音楽やパフォーマンスを通して輝くフィーリングから来るものなんだ。ダンスフロアを前にすると、次の正しい一手はなにか、どのレコードをかけるべきか、簡単に感じられるが、それは心と体の反応だ。

この「感覚」を大切にすれば、自分が気に入らないトラックをプレイすることはないだろう。多くのDJは選曲にこだわりがなく、流行の音楽や、機能的だからとプロモで手に入れたものをたくさんかけている。これは時間の無駄だし、音楽に対する情熱が感じられないやり方だと思っている。22年間で、嫌いな曲を2、3曲かけたことがあるけど、正直言ってその曲はそんなに悪い曲ではなく、ただあまり好きではないだけなんだ。

だから僕はいつも本物のDJで、他の多くのDJはエンターテイナー、模倣者、偽者、あるいは単にキャリア・ハンターなのかもしれないね。また、良いミックスと展開を作ることは僕にとって重要で、常にスタイルとサウンドを変えながらフロアを熱狂させることができるよ。僕のDJプレイを聴いた人は、レギュラーDJにはとてもできないことをやってのけたと思うだろう。一方、僕は熱心すぎるあまりに、これまでに何度も悲劇的なミックスをしたことがある。ハイヒールを履いたホビットが、スプーンでゆで卵を運びながら、赤い線の上を歩いているような音だったね。

──What do you keep in mind when DJing at the moment?

It's a privilege to play music for people and I cherish that by trying to present something actually good, which doesn't always mean instantly satisfying for everyone. We can all play hit after hit or the most well liked music at the time, but I think there's a much broader aspect to club music than that popular approach. A DJ should generate a special sonic space and atmosphere while always trying to nudge people in a certain direction. Being able to control the sound in a room is something that is very positively triggering for me, and sonically exposing people to overwhelming frequencies is extremely enjoyable as well. I have very strong opinions about what is good and bad, but this comes from a feeling that shines through the music or a performance, not purist rules. When being in front of a dance-floor it's easy for me to feel what the next right move or record should be, and that's as much a reaction from the body and soul as the mind.

Keeping this idea of “the feeling” in mind there is no chance that I'll play a track I don't like. Many DJ's are not so engaged in their selection or play lots of currently trendy music, or things they got as promos because it's functional. For me this is a waste of time and an approach that lacks genuine passion for music. I have maybe played 2-3 tracks I don't like in 22 years, and to be honest those tracks weren't that bad I just don't really like them so much. That's maybe why I'm always a real DJ and many others are entertainers, copycats, posers or simply career hunters.

Also making good mixes and transitions is important to me, while always changing style and sonics and keeping the floor intense. People that heard me on a good day would probably agree that I've done things very few regular DJ's can manage. Then again I have many times been too eager and splashed out one catastrophic mix after another, surely sounding like a hobbit in high heels trying to walk on a thin red line while carrying an unboiled egg with a spoon.

──日本ではどのようなDJプレイをする予定ですか？

今回のツアーでは、自分の未発表作品とリミックスだけをプレイする予定だ。ライブごとに違うものなると思うけど、エレクトロ、ハウス、テクノ、そして長いセットではジャズ、ダブ、アフロ、ディスコもプレイするかもしれない。過去4年間で約1000曲の新曲とリミックスを制作してきたが、これは僕の日本復帰を望む人たちへの素敵なプレゼントになると思っている。

東京のCube、札幌のPrecious Hall、大阪のDaphniaでのライブに加え、東京では違うコンセプトのシークレットライブもあるので、楽しみにしていてくれ！

──What kind of DJing do you plan to do in Japan?

On this tour I will only play my own unreleased productions and remixes. It'll be different on each gig but people can expect Electro, House, Techno, and also Jazz, Dub, Afro and Disco on the longer sets. The past four years I produced about 1000 new tracks and remixes and felt this is a nice gift to the people who want me back to Japan. In addition to the gigs at Cube in Tokyo, Precious Hall, Sapporo and Daphnia in Osaka there will be a secret gig in Tokyo with a different concept so be on the look out for flyers and info about that!

さらに日本最大のフェス情報サイト Festival Lifeでは本フェスに出演するDREAMS COME TRUEの中村正人さんと、SOIL＆“PIMP”SESSIONSから社長のよるスペシャル対談を掲載。本フェスへの意気込みや社長のドリカム愛、この日限りとなるDREAMS COME TRUEと上原ひろみとのコラボ出演の裏話も。

▼2人のスペシャル対談はこちら LOVE SUPREME JAZZ FESTIVALスペシャル対談 | 中村正人（DREAMS COME TRUE）× 社長（SOIL & "PIMP" SESSIONS）

日本を代表するバンド、DREAMS COME TRUEが世界的ピアニスト・上原ひろみやチャカ・カーンやプリンスのサポートメンバーとして知られるドラマー・Chris Coleman（クリス・コールマン）、ギタリスト・古川昌義、J-SQUADのメンバーであるサックスプレイヤー・馬場智章というスペシャルメンバーと共に登場。

「“beauty and harmony” Special Session」として、吉田美和のソロアルバム『beauty and harmony』『beauty and harmony 2』を中心とした選曲を予定しているという。全てにおいて貴重なこのパフォーマンスは、絶対に見逃せない。

【MEMBER】 DREAMS COME TRUE : 吉田美和（vo）／中村正人（b） Musicians : 上原ひろみ（pf）／Chris Coleman（ds）／古川昌義（g）／馬場智章（sax）

ブラジル音楽の巨匠ピアニストで、これまで50回以上の来日経験のある親日家のSERGIO MENDES。2008年にはドリカムが彼のアルバム『ENCANTO（邦題：モーニング・イン・リオ）』に参加したこともある。秩父ミューズパークという大自然でに囲まれた環境で体験する、心踊るリズムと美しい旋律は想像しただけでも気持ちが高揚する。R&Bやソウル、ヒップホップなどの枠を超え様々なポップスを折衷した、まさに至福の音楽体験が届けられるはずだ。

【MEMBER】 ※後日、発表

全員がソロアーティスト／ミュージシャン／プロデューサーとして活動するShingo Suzuki、mabanua、関口シンゴによるトリオバンド、Ovall。いまや話題作のクレジットで名前を見かけないことがない彼らが、村岡夏彦 （key）、別所和洋（key）を迎え、久々の5人編成で登場。さらにステージにはOvallの新曲“It's all about you”でコラボしたSIRUPをはじめ、盟友さかいゆう、“Vox Humana”でリミックスを担当したことも記憶に新しい佐藤竹善（Sing Like Talking）という3名のシンガーも参加決定。風通しの良いなかで弧を描くようなグルーヴに歌声が重なる、あたたかい季節の訪れを祝福するようなステージに期待が高まる。

【MEMBER】 Shingo Suzuki （b）／mabanua （ds, vo）／関口シンゴ （g）／村岡夏彦 （key）／別所和洋（key） Guest : SIRUP（vo）, さかいゆう（vo）, 佐藤竹善（Sing Like Talking）

昨年発表したセカンド・アルバム『cure』では、国内外から注目のシンガーや新鋭のプロデューサーとコラボレーションを果たし、2022年ではOvallとのコラボシングルやYears & Yearsのリミックスでも話題のSIRUP。最先端のサウンドを自在に乗りこなし、R&Bを基調にした独自のポップスへと昇華する彼のステージでは、歌心に、そしてアンサンブルに心を鷲掴みにされること間違いなし。人柄に魅了されること間違いなし。最高のムードに惚れ惚れすること間違いなし。＜FUJI ROCK FESTIVAL’21＞ではメインステージ「GREEN STAGE」で圧巻のパフォーマンスを魅せた彼は、＜ラブシュプ＞でどんなスペシャルを届けてくれるのでしょうか？　ぜひお見逃しなく。

【MEMBER】 ※後日、発表

国境を超えて活躍する、日本を代表するトランペッターのひとり、黒田卓也が率いる大編成バンドaTak。日本音楽シーンの重要人物が勢揃いし、アフロビート、ファンク、またソウルミュージックでフロアを激しく、優雅に揺らすライブは凄まじくエモーショナルで、絶え間ない音の渦に引き込まれること確実。代わる代わるに披露されるメンバーのソロやジャムも醍醐味のひとつで、彼らの息遣いや掛け声……なにからなにまで目が離せない、圧倒的なステージをお楽しみに。

【MEMBER】 黒田卓也（tp）／西口明宏（t.sax）／吉本章紘（t.sax）／浦ヒロノリ（a.sax）／馬場智章（b.sax）／陸悠（b.sax）／荻原亮（g）／小川翔（g）／篠奈々子（per）／山下あすか（per）／クンクン（b）／菅野知明（ds）／Hiro-a-key（vo）／FiJA（vo） 他

『BLACK RADIO III』から10年、待望のシリーズ3作目となる『BLACK RADIO III』を2022年2月25日世界同時リリースしたロバート・グラスパー。現代ジャズ界の最重要人物であると同時に、モス・デフやビラル、レディシー、カニエ・ウェスト、ジル・スコット、エリカ・バドゥらとコネクトする現代音楽コミュニティの中心人物の来日が決定した。これまでグラミー賞では、最優秀R＆Bアルバム賞、最優秀R＆Bソング賞、最優秀トラディショナルR＆Bパフォーマンス賞、最優秀コンピレーション・サウンドトラック・フォー・ビジュアル・メディア賞に9回ノミネートされ、4回の受賞。現役の伝説的ミュージシャンが日本初開催の＜LOVE SUPREME＞に出演する、それだけでもエポックメイキングな時間になることは想像に難くない。

【MEMBER】 ※後日、発表

シンガー・ソングライターのJQがトータルプロデュースするNulbarich。日本だけでなく、中国、韓国、台湾など国内外で50ステージを超えるフェスに参加する彼が＜LOVE SUPREME＞に参戦する。ビートメーカー出身でもある彼は、生演奏やそれらのサンプリングから作り出すグルーヴィーなサウンドと、バイリンガルならではのリリックが特徴的だ。ソウル、アシッド・ジャズからの影響を感じさせる音楽性が注目を集め、これまでKREVA、BASI（韻シスト）、Vaundy、n-bunaなどジャンルに捉われないコラボも展開している。アメリカ・LAに生活の拠点を移してからも、作品をリリースするごとに進化し続けるNulbarichが「日本でのジャズフェス」出演でどんな進化をみせるのか。

【MEMBER】 JQ（vo）／ヤマザキタケル（key）／カンノケンタロウ（g）／サトウカツシロ（g）／Takayasu Nagai（b）／今村慎太郎（ds）

エクスペリメンタル・ソウルバンド、WONK。メンバーそれぞれがソウル、ジャズ、ヒップホップ、ロックのフィールドで活動しながら、プレイヤーやプロデューサー、エンジニアとしても活躍。また、これまでにも国内有数の音楽フェス出演や海外公演、ジャンルや世代を超えた国内外アーティストへ楽曲提供・リミックス・演奏参加など、その音楽性はジャンルを横断して注目を集めている。本フェスのラインナップにおいても、そのミックスされたユニークな音楽がどんな体験を届けてくれるのか見逃せない。

【MEMBER】 長塚健斗（vo）／江﨑文武（pf）／井上幹（b）／荒田洸（ds）

世界最大級のフェスティバル＜グラストンベリー＞、＜モントルージャズフェスティバル＞、＜ノースシージャズフェスティバル＞など、数々のビッグフェスに出演を果たす日本を代表する新世代ジャズバンド。踊れるジャズ「DEATH JAZZ」をテーマにさまざまなアプローチを披露してきた彼らが、＜LOVE SUPREME＞の日本上陸に駆けつける。2021年3月にはバンドの源流を辿る初のJAZZカバー作品『THE ESSENCE OF SOIL』をリリースし、核となる音楽性を打ち出した彼ら。本フェスではゲストにラッパー、トラックメイカー、プロデューサーなど幅広く活動を行うSKY-HIを迎えてパフォーマンスを披露する予定だ。間違いない期待感と、想像を超える緊張感をぜひ現場で体感してほしい。

【MEMBER】 社長（agitator）／タブゾンビ（tp）／丈青（pf）／秋田ゴールドマン（b）／みどりん（ds）／栗原健（sax） Guest：SKY-HI（vo, rap）

現役大学生で、作詞・作曲・アレンジからデザインや映像までセルフプロデュースを手がけるマルチアーティスト、Vaundy。幅広いジャンルの楽曲群がSNSを中心に話題を集め、サブスクリプションサービスでのバイラルヒット、CM楽曲タイアップ、さらにLAUVのグローバルリミックスアルバムへ参加など国内外で活動を広げている。これまでに開催したライブは全て即完しており、＜FUJIROCK FESTIVAL’21＞の参加も話題となった。オリジナリティある声と、シーンを横断するメロディセンスで若い世代を中心に人気の的となっているVaundyが、ジャズフェスという舞台でどんなステージを繰り広げるのか期待が高まる。

millennium parade、くるりのドラマーをはじめ、CLNUP4、SMTK、Songbook Trioを率いての活動や、KID FRESINO、YUKI、中村佳穂などのライブ・レコーディングに参加するなど、現在の音楽シーンで確かな存在感を放つ石若駿のプロジェクト、Answer to Remember。ジャズとクラシックを背景に持ちながら、現代音楽やヒップホップなど、多彩な音楽性で表現し続けている。ゲストにはこれまでにもコラボレーションを重ねてきたKID FRESINO（rap）、ermhoi（vo）、Jua（rap）、黒田卓也（tp）といった豪華な顔ぶれを迎えており、彼らによるジャズフェスティバルでのステージパフォーマンスにも注目だ。

【MEMBER】 石若 駿（ds）／MELRAW（sax）／佐瀬悠輔（tp）／中島朱葉（sax）／海堀弘太（key）／若井優也（pf）／Marty Holoubek（b） Guest：KID FRESINO（rap）, ermhoi（vo）, Jua（rap）, 黒田卓也（tp）

DREAMS COME TRUE・中村正人、SOIL＆“PIMP”SESSIONS・社長から、LOVE SUPREME JAZZ FESTIVALへの意気込みも

DREAMS COME TRUE・中村正人 2022年＜LOVE SUPREME＞に昨年のリベンジを叶えるべく参加決定。転んでもただでは起き上がらないドリカムは、吉田美和の盟友、上原ひろみをはじめとする「こんなメンバーありえない！」というすっごいアーティストたちと絡みまくります。しかもドリカム楽曲ではなく、吉田美和ソロ楽曲でセトリを組み立てるというわけがわからない大胆不敵なプラン。いったい俺は何をすればいいんだ？　そっか。ベース弾けばいいじゃない。ってことで、乞うご期待！！！

SOIL＆“PIMP”SESSIONS・社長 LSJFというひとつ憧れのあった看板のもとに音を出せるということがとても楽しみですし、SKY-HI日高くんとも初めて一緒に音を出すのがこのステージ上になるという、この瞬間がまずどうなるか自分たちとしてもわからないし、何かが生まれるんじゃないかなってこの日を楽しみにしております。