オルタナティブフォークバンド・SIS（シス）が前作「死生」をリリースしてから4年。その間、メンバーそれぞれの人生には大きな変化があり、バンドは5人体制へ進化を遂げて再始動。そして2024年9月から続く、連続デジタルシングルリリースを経て、ついに完成したのが最初にして最新のフルアルバム『MEMENTOPIA』だ。

タイトルに込められた想い、楽曲に刻まれた経験、そして新たなメンバーとともに広がる音楽の可能性。SISが歩んできたこの4年間を、中目黒にあるメキシコ料理店Baja（バハ）にて、アルバムの発売を記念して展開中のクラフトビール「MEMENTOBEER」を飲みながら、バンドのフロントマンであるTxBONEと沢庵にじっくりと語ってもらった。

──いよいよアルバムリリースが4月16日（水）に迫りました。僕は昨年から、連続デジタルシングルリリースのプレスリリース用の文章を書かせてもらっていましたが、まずあらためてここに至るまでの過程や思いを聞かせてください。

沢庵：4年前というと、ちょうどコロナ禍に慣れた時期。世の中が一度暗いムードになって、夜明けを感じ始めている頃合いで、その期間は生きることと死ぬことについて、深く考えていました。

TxBONE：個人的な話だと、結婚も離婚も経験して、子供も誕生して、EPをリリースしてから目まぐるしい4年間だったよ。

沢庵：バンドや音楽関係以外の、クリエイティブな異業種の人たちと新しい出会いもたくさんありました。

TxBONE：新体制になり、自分たちで1からやっていく中で、いろんな人たちから力を貸してもらいました。バンドはメンバーが2人増えたね。 バンドとしてのコアはありつつ、いろんな人と関わることで得た、新しいエッセンスがバンドにもアルバムにも入ったなと思う。

──世界情勢や国内に目を向けると時代感として「死」がより身近に感じられるようになった気がしますが、いかがでしょうか？

沢庵：そう思います。同時に、新しい命の誕生もまたリアルに感じました。今までこの世に誕生してなかった命に出会ったり、一方でお別れもありました。 生き死にだけのお別れじゃなくて、自分たちの人生で疎遠になってしまうという意味でのお別れ。そして音楽を作ることも、一つの「命を生む」ような感覚があります。今回のアルバムは、そんな生と死の間で生まれた作品です。

──ライブで歌われていた楽曲たちが、新しいアルバムに多数収録されてます。曲自体は前作をリリースした4年前から徐々に作っていったんでしょうか？

沢庵：種はあったんですけど、結局この4年がないと完成しなかったんだと思います。最初から出来上がっていて、出すのに時間かかったっていうよりは、納得のいく出来に仕上がるまでに時間がかかりました。

TxBONE：インスト曲も含め、内容は最後まで悩み抜いたね。

──制作自体はいつ頃から、動き出したんですか？

沢庵：アルバムのレコーディングとして、最初に楽曲のドラムを録ったのは一昨年（2023年）の9月頃。その年の年末にかけて数曲、ボーカルも録っていったけど、拓歩（TxBONEの本名）と2人で喉をやられちゃって。めっちゃカルボシステイン*を飲みまくっていた記憶があります（笑）。

*＝気道粘液を調整して痰や鼻汁を出しやすくする薬

TxBONE：カルボシステインが欠かせなくなってた（笑）。声がガラガラで、気に入らなくて結局全部録り直したもん。

──アルバムタイトル『MEMENTOPIA』についても聞かせてください。

沢庵：もともとバンドの新しいプロジェクト名の候補として考えていたものなんです。“MEMENT”（＝過去を思い起こさせるもの）と“TOPIA”（＝場所）を組み合わせた造語で、気に入ってくれた拓歩が、足の指にガッツリ彫っていて。

TxBONE：バンドの名前とは別に、プロジェクト名を設けるべきじゃないかと模索してた候補の1つ。めっちゃいいじゃん！　かっけーって。ちょうど10文字だから、10本に収まってさ。ほら（足の指を見せてくれる）。このタトゥーと共に地に足つけて人生歩んでいくみたいな思いで足の指に入れたんだよね。

沢庵：SIS（死生）を言い変えて、スケールアップしたイメージ。前回のEPが「死生」だったんで、次の作品としてちょうど良いフレーズが見つかった。 “生きる”ことを、よりシリアスに考えさせられる今の時代にもぴったりかなと思います。

──制作にあたって、ターニングポイントになった楽曲はありますか？

TxBONE：まず、スペースシャワーさんのディストリビューションが決まって、最初に「腐る」をリリースしたこと。そこから制作が本格的に動き出した感じ。

「アメンボ」という曲は実は最も歴史が古くて、 SISの初期からやってる曲。俺が小学生の時に作ったピースがベースになっている曲なんですけど、作った当時「Don’t Forget Love」ってタイトルを付けていて、SISで活動してからもその曲名で演奏してた。まだ3人だった頃の時代に、TAKAYAとも相談しながら、もう少し大人っぽくブラッシュアップして再構築した楽曲だから、思い入れは強い曲だね。

沢庵：EP「死生」からの大きな違いとして、拓歩がアイデアやフレーズをたくさん出してくれています。今までは、コード感も自分が持っているものから作り上げることが多かったですね。

TxBONE：前作だと俺は「ケレモ」しかギター弾いてないもんな。沢庵と俺はチューニングが違うんですよ。

沢庵：拓歩はザ・オーソドックスなレギュラーのチューニングなんです。それでしか作れない曲の雰囲気があって、「青赤」のようなストレートなフォークソングは、自分のアウトプットだけでは作れなかったと思う。曲の出だしとかを聴いても、自分からは出てこない新鮮さがあるし、拓歩にしか出せない雰囲気があるというか。

TxBONE：病んでることも多かったからなー。

沢庵：拓歩は病んでない時はない（笑）。でも、あの曲がすごく好きで、結構励まされています。

TxBONE：闇多き人間ですから（笑）。

──連続デジタルリリースの最後を飾った「エントロピー」も重要な楽曲だとお聞きしてます。

TxBONE：当初は漢字読みのバンド名「死生」ってそのまま曲名に付けていたんだよね。

沢庵：まさにバンドを象徴する曲で、出会いと別れ、死と生について歌った曲だから。

TxBONE：「今日は君が 生まれてくれた日だよね」っていうフレーズが浮かんだ時、ベロベロに酔っていたけど、すぐボイスメモに録って膨らませた曲。

沢庵：そのワンフレーズが全て。そこからメロディも歌詞も全部作っていったよね。

TxBONE：そしたらある時「エントロピー増大の法則」って知ってる？　って沢庵が言い出して、説明を聞いたら、まさにそれってこの曲じゃん！　ってことでタイトルが「エントロピー」になって。

沢庵：俺も全部理解できているわけではないけどね（笑）。曲に通じる部分があったので話してみたら、気に入ってもらって採用されました。

<──メンバーが5人になったことはバンドにどのような影響を与えましたか？　制作面での変化についても教えてください。

沢庵：5人体制になったことで、できることが格段に増えました。以前はデータを送り合いながら制作することが多かったんですが、今はスタジオで直接音を合わせる機会が増えました。

TxBONE：人と人、生身のやりとりが増えたよね。サンプラーを使って、その場でビートの抜き差しをしたりとか、音と表現の幅が広がったのが大きな変化かな。やり取りが増えて調整が大変という面もあるけど、以前は「これじゃなきゃいけない」という固定観念が強かった。でも今は「これもアリなんだ」と思えることが多くなったね。

沢庵：正解が一つではなく、完成に至るまでの選択肢が増えたことでバンドの可能性が広がった気がします。以前よりも柔軟に、いろんなアイデアを試せる環境になっていますね。

──あらためて5人体制になった経緯を教えてください。

TxBONE：大体いつも俺が突っ走っちゃうんだけど（笑）。今回は自然な流れで。前作「死生」を制作した際、アレンジの面白さを知ってから、当時は“ネオフォーク”と自分たちの音楽を呼んでいたんだけどーー。新しい音を取り入れるために、試行錯誤を重ねていった結果かな。

最近ライブでは同期演奏してるんだけど、5人の方がよりダイナミックで多面的な表現ができると感じたし、バンドとしての一体感も増すだろうと、信頼できる2人を誘ったのが経緯だね。あと、単純に人が増えた方が賑やかでいいなって。

──新たに加わったメンバーについて紹介していただけますか？

TxBONE：UJI（E.Gt.）の明るさはバンドの雰囲気を変えてくれたよね。初めて会った時「海賊みたいな奴だ」と思ったけど（笑）。実際にその存在感やエネルギーが大きなプラスになっているし。

匠（Perc.）はもともと一緒にスリーピースバンドをやっていた仲間で、テクニックもあるし、建設的な考え方ができる。3人体制の終盤、バンドが少し停滞していると感じたときに、「このメンバーが加われば、もっと良くなるんじゃないか」と思って声をかけて。5人になったことは結果的にバンドにとってすごくいい変化になったと思う。

──『MEMENTOPIA』には、フォークを軸にさまざまなジャンルを横断する楽曲が収録されています。その中で時間の経過や作品を通じたドラマ性を感じました。アルバムのコンセプトや、特にこだわった部分を教えてください。

沢庵：曲順についてはかなり、拓歩がこだわって最後まで考えてくれました。

TxBONE：何パターンも考えながら調整して、最終的に今の形になって。アルバムを通して聴くことで、一つのストーリーのようになってるんです。

沢庵：最初はポジティブな雰囲気の曲から始まり、次第に内省的になり、最後は深く沈み込むような展開になっています。この流れが、自分たちの心の動きをそのまま表しているように感じてもらえれば。朝から夜という時間経過や、もっと長いスパンでの人生の変化、年齢を重ねて心境も成熟していくそのありよう。いろいろなシーンで聴いてもらえる作品に仕上がったかと思います。

──では、リスナーにはぜひ曲順通りに聴いてほしいですね。

沢庵：アルバムを通して聴くことで、より深く世界観に没入してもらえると思います。

TxBONE：密かなこだわりをバラすと、実はアルバム一枚通した秒数が43:21になってる。カウントみたいで面白いかなと。

──収録されている楽曲については、みなさんのライフストーリーが主に反映されていると思います。それ以外で何か制作において意識したこと、影響されたものはありますか？

TxBONE： ライブを大事にしているバンドなので、ステージを意識した部分は大きいかもしれない。例えば「疾走」はクラブでも盛り上がってもらえるような、エレクトロサウンドの曲調を取り入れたかったんだよね。

沢庵：アンセムだね。サッカーのチャントのような、みんなで合唱できるような雰囲気の曲を作りたくて。

TxBONE： 初めてスタジオで演奏した時から超楽しかった。ギターのストロークが最初から最後まで続くので、手が攣（つ）るかどうかだけが問題（笑）。「夢喰（ばく）」も結構昔からあった曲だよね。

沢庵：4年前くらいかな。レゲエを取り入れた楽曲で、SISは割と綺麗な曲ばっかりだったんで、少し怪しい感じの曲も作りたいなってずっと思っていました。

FF7（FINAL FANTASY VII）のスラム街のBGMがあるんですよ（「虐げられた民衆」・植松伸夫）。それが結構レゲエっぽいリズムで、ちょっと危ない感じがするんですけど 子供の頃に強烈に印象に残っていたんです。大人になった今良い感じに楽曲にブレンドできないかを考えました。ライブでも体が揺れて、オーディエンスも反応してくれるようなイメージです。

僕があと10歳年齢が若かったら、影響を受けたアーティストとしてマニアックな名前をカッコつけて挙げていたかもしれません。今は割と幼少期の体験に影響を受けていると感じています。

──僕がSISの2人と同年代だからか、作品を通じてどこかノスタルジーを感じるのは当時のポップカルチャーの影響があるかもしれないと思いました。世代的に刺さるというか。

TxBONE：あの頃は、みんなが同じものに夢中になっていたよね。ゲーム、ドラマ、漫画、映画、話題が共有できて、それはそれで面白かった。

沢庵：「木曜の怪談」とか、「銀狼怪奇ファイル」とか今でも記憶に残ってますもん（笑）。そういった記憶や体験から抽出されたエッセンスが自然と音楽に落とし込まれているのかなと思います。

──アルバム制作中の出来事で、特に印象残っていることはありますか？

TxBONE：個人的には最後に収録された「真夜中の海」は、初めてピアノでの作曲に挑戦した曲。大田区にある城南島海浜公園という海沿いの公園でインスピレーションを得たんだよね。バンドをサポートしてくれている大夢（ひろむ）に、作業合間の息抜きで連れて行ってもらったとき「なんて素敵な場所なんだ」と思った。それで、海の音や周囲の環境音をボイスメモに録音してその音を楽曲でも使ってる。ちょうどその頃、私生活でも大きな変化があり、頭の整理をするために何度もその公園へ足を運んだことを思い出すよ。

──この曲にはいろいろとSEも入っていますね？

TxBONE：この曲の中で鳴っている心臓の音は、娘がまだお腹の中にいたときのエコー音。「この瞬間を残しておきたい」って思いでiPhoneのボイスメモで録音して曲に入れました。

曲の最後には一瞬だけ赤ちゃんの泣き声のような音が聞こえるんだけど、それは娘が生まれたときに最初の泣き声を録音したもの。新しい命が飛び出してくるイメージを持たせたかったんだよね。そういう細かいところまで聴いてもらえたら嬉しいな。

沢庵：僕は制作中にお別れを経験しました。面識はないんだけど今使っているギターを作っていた職人さんが亡くなってしまったんです。

TxBONE：弾き語りの「愛した愛した」もそのギターで弾いているんだよね？

沢庵：『MEMENTOPIA』の制作は全部そのギターを使っています。SISでの僕のチューニングってダウンチューニング（レギュラーチューニングから半音、一音半など下げたチューニング）なので、普通のギターだとネックの長さが足りなくてなかなか音がまとまらないんです。普通のギターだとEが一番低い音。だけど、SISの場合B♭（Bフラット）まで下げる。だからずっとSIS用のギターが欲しいと思っていたんですが、なかなかコストや条件が見合うものが見つからなくて。

──どうやって巡り合ったんですか？

沢庵：長くなりますが。そもそもアコギをB♭まで下げる人いるのか？って思って調べたら、ニック・ドレイク（NICK DRAKE）というフォークシンガーソングライターが、ダウンチューニングで曲を弾いていたんです。うつ病の中で完成させた「PINK MOON」というアルバムがとにかく素晴らしい。

さらに調べると彼は「GUILD（ギルド）」というブランドのギターを使っていた。同じようにアイルランドの「Lowden（ローデン）」とかダウンチューニング用のギターはとにかく高いんです。そんな中で「KNIGHTON MUSIC CENTRE」という海外ギター販売サイトで「ニック・ドレイクが愛したチューニングにも最適」という説明文を見つけました。Lakestone（レイクストーン）という、イギリスのウエストミッドランズ・ダドリーにあるギター工房が作っているものだったんです。

そこは有名店ではなく、リペアとかも行う街の小さなギター工房。ローカルに根ざしている背景も含めて信頼できると思い、購入しました。値段的にも今の円安だと買うことはできなかっただろうし、職人の方が亡くなってしまったことで、ギターの製造はやめてしまったみたいです。僕はスピリチュアルな人間ではないんですが、縁というか不思議な巡り合わせを感じましたね。

TxBONE：海を越えて届いたとき、沢庵が嬉しそうにギターの動画を送ってくれてさ。名前も付けてんだよね？

沢庵：ギターの色が、大地、土っぽい色をしているから「イオルテ」という地球を表す昔の言葉を基に名前を付けています。

──今回アルバムリリースに関連してクラフトビールを作成したと聞きました。すごくユニークでありながら、SISらしいとも思ったんですがきっかけや経緯を教えてください。

TxBONE：今回『MEMENTOPIA』をリリースするにあたって、新しくチームに裏方として入ってくれた親友の望月悠登と、プロモーションの案を出し合っていく中で決まりました。クラフトビールを作っているバンドって他に聞かないし、「新しいよね」って。

沢庵：拓歩と悠登くんが福岡県糸島市のCamosi Brewingさんと強い繋がりがあって、Camosiさんのご厚意により、今回リリースするアルバムに合わせて、インラインのビールにSISデザインのラベルを貼って販売させていただくことになりました。

TxBONE：悠登や俺の先輩でもあるCamosi Brewingのコウさんという方が、一肌脱いでくれたんですけども、本当に感謝です！ その名も「MEMENTOBEER」！ いいっしょ？（笑）。

──「MEMENTOBEER」はどんな場所で飲めるんですか？ また、どんな風に楽しんでもらいたいですか？

TxBONE：コウさんが長く住んだ横浜からこのビールのためだけにミネラル豊富な水のある地元・福岡県の糸島に移住し丹精込めて作っているおいしいクラフトビール。俺たちSISと縁があるお店でしか飲めないので、そこに足を運んで味わってもらえたら。飲み終わったら、空き缶を持って帰って、花を挿してくれたりしたら嬉しいな。

※本インタビューの撮影が行われたBAJAでも提供中！ そのほかの取り扱い店舗はSISのInstagramをチェック

沢庵：「音楽」と「食」もそうですが、一見別々のものに見えるものが、こうしたプロジェクトを通じて重なり合い、独自の体験を生む——ということを伝えたいです。人生がより豊かになるきっかけのひとつになれば嬉しく思います。

TxBONE：音楽とお酒って切れない関係にあると思う。やっぱり、ほろ酔いで聴く音楽って最高だし、ワイングラスとかに注いでアルバムを通して聴きながら、ゆったり味わってほしいです。さっきも話したけどアルバム通した再生時間が43:21のカウントダウンになっているので、飲み終えて「また明日から頑張ろう」とか、気持ちをリセットするような楽しみ方をしてくれたら本望です！

沢庵：人がお酒を飲む時、何かを忘れたくて飲むということは往々にしてあるかと思います。でもこのビールは、そういった時に飲むビールではありません。丁寧に一口ずつ味わって飲むようなビールです。リリースするアルバムも同様で「すべて忘れて楽しもう」という時ではなく、ゆっくり、自分が辿ってきた道を思い出さなければならない時こそ聴いてほしい作品です。手に取ってくださる一人一人のかけがえない記憶に、そっと寄り添うように。このビールとアルバムが存在できれば、とても嬉しく思います。

TxBONE：最近はビール以外にもいろいろと新しい企画にチャレンジしていて、4月からYouTubeで「FOLK-US」というカバー企画をスタートしたんだよね。時代を超えて愛される名曲をSIS流のフォークサウンドで再構築するカバーシリーズで、随時更新していくのでチェックお願いします。

──まさに“生と死”を表すような、2人の体験とエピソードがパッケージされた本作ですが、手が重なったアートワークも象徴的です。アートワークについてもお聞かせください。

TxBONE：アーティストのSENEKT（セネクト）に描いてもらったんだけど、それこそ縁があるアーティストなんだよね。Jägermeister（イエーガーマイスター）の案件でベルリンにライブしに行ったときに偶然会ったり、大阪でのライブに行ったときも街中でばったり会った。そんでライブ誘ったら来てくれたんだよ。彼は手を描くのが好きで「いつかTxBONEの手を描きたいなあ」って言ってくれていたから、今回お願いしました。

SENEKTはアルバム全体を通して“花”を連想してくれたみたいで、俺の手と俺の娘の手を重ねて花のようにも見える最高のアートワークに仕上げてくれた。超嬉しいよ。ケンちゃん（SENEKT）ありがとう。さっき、ビール（MEMENTOBEER）の空き缶を花瓶にしてくれたらって言ったけど、缶のラベルにも、手を花に見立ててくれたSENEKTのアートワークが使われているから、相性がいいと思うんだよね。

──6月6日（金）にはアルバムのリリースパーティも兼ねて、表参道・Robin ClubでSIS初となるワンマンライブを予定しています。ライブへの意気込み、そして最後に読者にメッセージをお願いします。

TxBONE：最初の頃は勢いだけでやっていた部分もあったけど、今はしっかりと「SISのための音を鳴らしたい」という気持ちが強い。バンドとしての一体感をさらに深め、届けたい音を形にしていきたい。6月6日はみんな予定を空けて、ライブを観に来てほしいです。

沢庵： アルバムは、俺たちの人生そのものを音楽にしたような作品です。生と死、喜びと悲しみ、喪失と再生。さまざまな感情が詰まっています。 ぜひ、じっくりと聴いて、自分自身の人生と重ね合わせながら楽しんでもらえたら嬉しいです。

TxBONE：最近「フォーク」って言葉をあらためて調べてみたんだよ。そしたら、『人々や民族、それらに根差した音楽』って出てきて、最高じゃん！ って思ったんだ。だから、フォーク最高！　バンド最高！　ハハハ（笑）。

新時代のフォークを模索するSIS。彼らが奏でるのは、フォークという音楽の持つ本質なのかもしれない。それは時代を映し、人々の記憶をつなぐ音だ。

過去と未来を行き来するように紡がれた楽曲たちは、SISというバンドの進化の証であり、フォークが持つ自由な可能性を広げている。そして『MEMENTOPIA』は、バンドの新たな章を刻む彼らの人生そのものが詰まったアルバムだ。キメラのようにオルタナティブな感性を取り入れつつ、活動開始から10年の試行錯誤の集大成として辿り着いた『MEMENTOPIA』は、まさに「今」を刻むオルタナティブフォークアルバムといえるだろう。

時代が移り変わる中で、彼らの音楽はどこへ向かうのか。このアルバムを聴きながら、その旅の行方を感じ取ってほしい。

初来日、そして衝撃のステージ。ロンドンからやってきた3人組バンドのバー・イタリア（bar italia）は、事前情報の少ない新人バンドでありながら、超満員のWWW Xをエレガントにジャックしていた。

去年〈Matador Records〉から『Tracey Denim』と『The Twits』の2作品をリリースし、くぐもった独特の音像とダークな感性で世界中のインディー・ファンを振り向かせたバー・イタリア。突然変異のように出現した彼らはどこかミステリアスで、過去に作品を発表していたレーベル〈WORLD MUSIC〉主宰のディーン・ブラントや、その作品に参加していたミカチューことミカ・レヴィなど、周囲の人物の不可思議な雰囲気と呼応する“ただものではない”風格を放ち続けている。

だからこそ、今回の来日公演で見せたダイナミックなステージングは衝撃だった。ジェズミ・タリック・フェフミとサム・フェントンのふたりがギターで生み出す不穏なうねりの中を、ピンボーカルのニーナ・クリスタンテが漂いながら歌う。クールと激情は紙一重であり、緊張と緩和に支配されたフロアはひたすらに圧倒されていた。＜Coachella＞や＜Glastonbury Festival＞といった大型フェスのラインナップにも名を連ねているバー・イタリア、その真髄が余すところなく放出された途轍も無い一夜だった。

今回は東京公演翌日の3人にインタビューを敢行。昨年のデビューから今回のツアーを経て生じた変化や美学について、そのライブ・パフォーマンスに焦点を当てて話を聞いた。彼らの言葉を追いながら、この異形のロックバンドがどこに向かうのかを見届けたい。

──まず、昨日のWWW Xでのショーの感想から聞かせてください。チケットはソールドアウトでしたね。

ジェズミ・タリック・フェフミ（以下、ジェズミ）：自分がどこにいて、そして何をしているのかを実感した時に感動が込み上げてきたよ。自分は今、東京にいて、満杯のフロアで演奏をしている。そのことで胸がいっぱいになったね。

サム・フェントン（以下、サム）：そうだね、本当にエモーショナルだった。暖かいオーディエンスに支えられていることを感じたし、それに全力で応えなきゃなって思ったよ。普段からそうするべきなんだろうけど、昨日はいつもとは違う感覚だったかな。

ニーナ・クリスタンテ（以下、ニーナ）：「オーディエンスに支えられている」っていう感覚はあった。ショーの前は期待と不安が混ざったような気分になって、昨日も最初はそうだったんだけど、途中からオーディエンスと自分との間に信頼関係が築けていることがわかって、そこから緊張が解けた。お互いにリスペクトを持てたというか、すごくエモーショナルな瞬間だったかな。それに、私に歓声を投げかけてくれる人もいたしね。

ジェズミ：そうだね、パーソナルなファンだね。

ニーナ：うん、一人だけいたね（笑）。

──過去の映像と比べても、昨日はアクションやステージの使い方がダイナミックで、観ている側としてもエモーショナルな魅力を感じました。

ニーナ：前より自然に振る舞えるようになったかな。

ジェズミ：自信がついたんだと思うよ。前よりもショーを楽しめるようになったんだ。もちろんステージは毎回スペシャルだけど、「次回もある」っていう安心感が自信を与えてくれるんだ。それに、演奏を重ねる中で、ミスをする恐怖が減れば減るほど、本来持っていた感情がより前面に出る。クリーンな状態で演奏できるようになったんだ。

──4月の＜Coachella＞や6月の＜Glastonbury Festival＞をはじめ、今回のツアーではフェスにも多く出演しますよね。以前よりも大きなステージでのパフォーマンスとなりますが、心境には変化はありますか？

ニーナ：それについて少し前に3人で話したことがあって。今までは小さいステージに固まって、コンパクトに演奏することによって音楽的な繋がりを感じることができた。だから小さいステージが好きだったんだけど、大きなステージでの演奏を重ねていくに従ってその範囲が広くなった。それはジェズミがさっき言ってたように、自信がついてきたんだと思う。

サム：もちろん、小さいステージは今も好きだよ。そこでしか引き出せないパフォーマンスもあるし、音の反響も早いしね。ただ、大きいステージになると自分たちの音の聞こえ方も変わってくる。建物全体がバンドを包み込むような聞こえ方になるよね、それもトランシーで気に入ってるよ。

ジェズミ：うんうん。小さいステージだと、ギターは一つの音の塊として認識されがちだよね。ただ、大きなステージでは空間を構成要素としてサウンドに組み込むことができる。＜Coachella＞で演奏した時にも感じたけど、そういう聞かせ方の違いを活かすのは楽しいし好きだよ。

──そういった様々なステージでの経験が普段の創作などにフィードバックされている実感はありますか？

ジェズミ：そうだね、人生で音楽制作とショーしかやることがないし、フィードバックがないと困るよ（笑）。

サム：自分たちの作品にどんな影響があるのか楽しみだよ。アーティストは作品を出したらPR活動をしなきゃだし、ツアーもする必要がある。もちろんそれも楽しいけど、やっぱりプレッシャーのかからない場所で進める静かな制作も大事だよね。今はそのためにいろんな経験を集めている最中かな。

──ここまではプレイヤーとしての話をお聞きしましたが、ここからはリスナーとして感じたバンドの魅力についても伺いたいです。というのも、昨夜のショーが作品を聞いた時の印象よりも遥かにダンサブルだったからです。実際に踊っているオーディエンスも多かったですが、そういった反応をステージの上からどのような気持ちで見ていましたか？

ジェズミ：最高。

ニーナ：自分たちのショーで踊ることは必須じゃないし、来た人が自由に楽しめばいいとも思う。ただ、オーディエンスがひたすら固まっているだけの日もあるから、そういう点でも昨日は素晴らしかったね（笑）。

サム：「日本のオーディエンスが感情を表に出すことは少ないぞ」って、東京でのショーの前に言われたんだ。だから覚悟はしていたんだけど、いざショーが始まってみたらそんなことはなかった。みんな楽しんでくれていたよね？

ジェズミ：あぁ、本当にそうだね。昨日みたいに、オーディエンスが音楽の中で迷子になること（lost in music）こそが最もピュアで美しいと思うよ。他人からの目線を忘れて、音楽に没頭したまま動いているのが良かったね。

──素晴らしい表現ですね、僕も音楽の中で迷子（lost in music）になりました。

ジェズミ：うん、何よりだね。

──例えば＜Coachella＞などでも、様々なジャンルのアクトがオーディエンスを踊らせています。その上で、バー・イタリアが「ロックバンド」というフォーマットを採用しているのはなぜですか？

ジェズミ：思い返してみると、僕はギターミュージックでずっと踊ってたな。3人とも踊るのは好きなんだけど、テクノとかヒップホップよりもギターミュージックに対して体を動かすことがとにかく普通だったんだ。ただ、とにかくバー・イタリアは踊るのが好き。今でもパーティーで3人になったらダンスしちゃうよ。

ニーナ：私はなんでも踊っちゃうし、ヒップホップも好きなんだけど（笑）。自分の中ではジャンルの区別が明確についているわけじゃなく、とにかく「踊れる音楽」というものがあるだけ。だけど、この3人で最もフィーリングを共有できて、それを外側に表現できるのが今のバンドの形だとは思う。

サム：例えばテクノみたいに、踊ることに最適化された音楽を聞くのも好きだよ。ただ、そのためだけにデザインされた音楽でダンスのうねりに飲み込まれることはないかな。それはこれまでに出会った様々なバンドに感動して、叫んだり動き回ったりした記憶が関係していると思う。例えばプライマル・スクリームとかね。だから今もロックバンドとして活動しているんだと思うよ。

ニーナ：バー・イタリアは色んな環境で楽しめるしね……そうそう、ここで聞いてみたいかも！（一枚の紙を差し出す）ここ知ってる？

──渋谷の「名曲喫茶ライオン」ですね。ヴァンパイア・ウィークエンドのエズラ・クーニグも通っていたと聞きました。

ニーナ：そうなんだ。ここはヴァイナルだけがかかっていて、音響も最高だって聞いたんだよね！　こういう場所で楽しむのもいいかもね、とにかくデカい音で踊ってほしい。レーベルのオフィスで『Tracy Denim』のヴァイナルがかかっていた時に感動したんだよね、そういうフィーリングを共有してみたいかな。

ジェズミ：まぁ、このツアーが終わったら休暇に入るんだけどね（笑）。

サム：そうだね。とりあえず、自分が感銘を受けたものをゆっくり消化して、次の作品に活かそうと思ってるよ。

ニーナ：でも、ある程度の音源はもう作ってあるんだよね。これからリリースされると思う、楽しみにしててね。

──さまざまなゲームが流通する今日、トレーディング・カードゲームの源流にあたる『マジック：ザ・ギャザリング（以下、マジック）』はどのような存在として受容され、プレイされてきたのでしょうか。

布施琳太郎（以下、布施）　僕は年代的には幼稚園を出る頃にマジックを文字ったような架空のカードゲーム『マジック・アンド・ウィザーズ』というゲームが登場するアニメ『遊☆戯☆王デュエルモンスターズ』を見ることからはじまり、その後カードゲーム『デュエル・マスターズ（以下、デュエマ）』で遊ぶようになるのですが、コロナ禍でふと漫画『遊☆戯☆王』を読み直したんですね。そうするとまさにカードゲームの歴史をなぞるように「テーブルトークRPG（TRPG）編」があり、その後「トレーディングカードゲーム（TCG）編」が出てくる。実際にマジックが登場した90年代前半、TRPGからTCGへと自然にプレイヤーが流れる流れはあったのでしょうか。

真木孝一郎（以下、真木）　私自身がマジックに出会ったのは日本語版が出た1996年頃。ちょうど雑誌『LOGiN』に日本のゲーム会社の企画が載り、ホビージャパンの専門ゲーム雑誌『RPGマガジン』にもチラッと紹介されているのを見て、面白そうだなと思いプレイするようになったのがきっかけです。歴史的な事実としては、TRPG『ダンジョンズ＆ドラゴンズ（D＆D）』の初版が1974年に米国に発表され、その後93年にマジックが始まるんですけれど、流れ上そういうことだったということはあると思います。ただそれらが直接接続しているわけではなく、日本では『人生ゲーム』、アメリカでは『モノポリー』などボードゲームの文化もすでにあったわけです。マジックの創始者リチャード・ガーフィールドは、特殊能力を持つ50種類以上の宇宙人のいずれかを選び遊ぶゲーム『コズミック・エンカウンター』からマジックの構造を着想したと公にしています。芸術もそうした側面があると思うのですが、TRPGからTCGへ一方通行でプレイヤーが流れたわけではなく、いろいろな遊びの間で切磋琢磨や学び合いがあり、プレイヤーも色んなゲームを行ったり来たりしながら今に至っていると思います。

金子真実（以下、金子）　私は1997～1998年頃にマジックを始めました。デュエマは2000年代に入ってから発売されていますが、コストの概念があり、マナ*1が溜まったら強い呪文や能力を使えるという点や、白・青・黒・赤・緑の5色あるという点はマジックと共通している一方、「シールド」や「ライフ」はデュエマにはありマジックにはありません。同時代のゲーム同士、影響を受けつつ似通ったところもあれば違うところもあると思います。

*1　マナ：マジックの基礎となるリソース。プレイヤーはマナを消費して、呪文を唱えたり能力を起動したりする場合などのコストを支払う。

布施　ゲーム以外の芸術でも、ポスターのデザインに影響された絵画があると思えば、絵画に影響された広告が生まれたりする。確かに行ったり来たりしている方が文化としてみたとき面白いのではないかなと思います。ちなみに各国のプレイヤーに向けて、たとえば英語と日本語、他の国の言語のカードなどがあると思います。日本語のカードだと日本人同士でないと読めないですが、日本のプレイヤーがマジックを国外でプレイするときは英語のカードでデッキを作り直して持っていったりしていたのでしょうか。

真木　大会に出場するプレイヤーは慣れているので、アート（カード上に描かれる絵）を見たら内容や効能がわかります。なので異なる言語のカードがテーブルに並んでも大丈夫ですし、わからない場合はジャッジに聞けば教えてくれる。そもそも日本語版が発売されたばかりの頃は国内で正式な大会もなく、海外の情報を輸入して告知する人もいなかったんですね。翻訳されたカードも多くなく、同様に日本語版のカードが海外に正式に流通するルートもありませんでした。そこで日本に入ってきていない情報を翻訳して個人的にブログを通じて発信をするようになり、マジックの日本語版公式ウェブサイトをつくらないかとお話をいただき今に至ります。

布施　そんな時代だと尚更、新参者が入っていくことは敷居が高く感じることもあると思うのですが、新規のプレイヤーが入ってほしいなと思ってブログを書かれていたんでしょうか。

真木　そうですね。そういった意味も含め、マジックが面白いぞと言い続けた感じです。シンプルにみんなに面白がってほしかった。私が一番最初に入ったコミュニティが、当時まだ日本に一つしかなかった東京・渋谷にあるマジック専門店。そこが信じられないくらいコアの溜まり場だったんです。当時のランキング上位者も何名かもいるようなお店で、全くそうと知らずに新参者としてへこへこしながら遊んでいて、そのときは単純に遊びとして楽しんでいたんです。大会があるといわれても怖いから出たくないと思っていた。けれど1年も遊んでいるとだんだん慣れてきて、意外となんとかなるかもなと思うようになってくる。もちろん予想通りには全く進まないのですが、麻雀などにはないような、表現したりチャレンジできる楽しさがあった。対戦することで物語を作っていくということがとても面白かったんですね。そういったことをもっと多くの人に味わってほしいなと思い、日々ブログを書いてました。

──マジックには映画が作れるほどの膨大な設定資料があると思うのですが、プレイする前提として、その背景や世界観がどのように構築されているのかについて伺えたらと。

金子　マジックにおいてはプレイする人がすべて多元宇宙（Multiverse）において、次元（Plane）の外に広がる久遠の闇を通り抜け、別の次元へと渡り歩く力（プレインズウォーク能力）を持っている存在、「プレインズウォーカー（Planeswalker）」という設定になっています。毎シーズン発表されるカードセットごとに異なる次元が描かれ、新しい世界が描かれるごと新しい映画を観ている気分になるのですが、制作チームは5年前後先のカードのアイデアを常に考え、設定資料を制作しています。

布施　多元宇宙の設定資料について「世界観」と「ルール」を詰めていく作業を同時に進められると思うのですが、競技としてゲームのルールを詰めていく開発と、世界観のイメージを詰めていく制作は一つのチームで行われているのでしょうか。

金子　大きくストーリーチームとゲーム開発チームとに分かれていて、双方を把握した上でカードが作られます。こういう世界であればこうしたルールが必要、ゲームとしてはこういう世界が必要など。たとえばこの世界には電気が普及しているはず（という設定）だから、こうした機能が必要だよねと世界側から新たなルールが生まれることもあります。私自身はカードを開発する担当者ではありませんが、本社の開発チームは大きくストーリーチームと設定資料もかなり作り込まれており、開発の履歴については20年ほど、開発部がその経緯やプロセス、失敗したことも含めほぼ毎週更新し公開しています。

真木　マジックのすごいところは、年間の商品を振り返るという企画があり、その中でこの商品はここがダメだよねとしっかり自主的に反省するところ。おそらくどの会社でもなされることだと思うのですが、それを公表しているのはマジックだけだと思います。そうして今年（インタビュー時、2023年）で30周年を迎えますが、今も尚毎年新しい引き出しが出てくる。プレイヤーとしても毎回やったことがないことが起きるので攻略してみたいと思うのではないかと。

布施　自分自身は展覧会を作る際、壁を作ったりものを置いていくのですが、展示の場合物理的なものなのであまりぎりぎりを攻めると危ないということもあります。言ってしまえば、鑑賞者の方に怪我をさせてしまうこともあるかもしれないし、SNSでの発信もある中で、表現内容が誰かを傷つけてしまう可能性もあります。そうした緊張感がありながら、ぎりぎりを試すことが難しくなっているなと思いながら活動していますね。でもその気持ちを忘れたくないなと。

──今日ではVRやARをはじめ、異なる次元の世界を立ち上げることは空想上の出来事ではなくなってきています。今回の展示をはじめ別次元の世界を想定して作品をつくるアーティストもいると思うのですが、マジックの多元宇宙を成り立たせている背景にはどういった思想や要素があるのでしょうか。

真木　私はマジック制作チームではないのでデュエマを作ってる立場からの想像になりますが、たとえば、毎日同じ料理を食べるとどうしても飽きてきますよね。バリエーションがほしくなってくる。それと同じようにな理由で多元宇宙というコンセプトがでてきたんじゃないでしょうか。尚且つそうするのであれば一つひとつの世界観の作り込みもしっかりした方がよく、それが今のマジックにつながったのではないかと。

布施　自分自身がものをつくる上で刺激を受けている批評家・漫画原作者の大塚英志さんという方がいるのですが、書籍『物語消費論―「ビックリマン」の神話学』のなかで広告代理店のマーケティング理論をつくるために「ビックリマンシール」の分析をしたそうなんですね。なぜかわからないけれどとても小学生に売れていると。当時はアニメ化もされておらず、イラストの裏面に短いテキストがあるだけなのに、なぜ子どもたちはこんなにも「ビックリマンシール」に熱中しているのか。そこで大塚さんが導いた推論が、人は物語を一本の映像や映画として示されるよりも、自分で断片を集めて一つの物語をつくることにこそ没頭する。いわゆる宗教などの神話が中心ではない消費社会では尚更、そうした形で物語と出会うのがいいのではないかということでした。

展覧会においても、受け手は自分の都合の良いようにバラバラな要素を組み合わせて「観られてよかった」「こういうものが観たかったんだ」と思ってくれたりするわけです。同時に面白いなと思ったのが、ある種ルール外のフレーバーテキストによって作品世界が垣間見えるのと並行して、ゲームのルールによってもプレイを紡いだりつなげたり、クリーチャーとクリーチャー、あるいは呪文がどう関係し合うのかを受け手の妄想ではなく結びつけ直すことができる点です。それはただ絵を描いているだけ、断片的な言葉を書いているだけでは描けない物語の作り方なのかなと思います。メタバースのようにポンと一つの世界を立ち上げたとしても、一枚のカードから「エルドレインの森」*2を想像することとは全く違う体験になってしまうのだろうし、世界観とルールが並走するのは本当にユニークに感じます。

*2　エルドレインの森/Wilds of Eldraine：2023年9月8日に発売されたスタンダード用の本流のセット。キャッチコピーは「物語を紡ぐのはあなた」。新たな法則が定まった多元宇宙/Multiverseを描く「領界路/Omenpath編」の始まりとして、エルドレインの王権に続き、アーサー王伝説とおとぎ話がモチーフの次元/Plane、エルドレイン/Eldraineを再びの舞台とする。

真木　そう、布施さんの作品解説のなかにフレーバーテキストについて書かれていることが気になっていました。

布施　美術作品を鑑賞する際、人から与えられた解釈よりも自ら解釈を組み立てたほうが面白いのではないかという思いがあり、1年ほど前から展示作品に解説ではなく「詩」をつけていたのですが、あるひとから批判として「フレーバーテキストじゃないか」といわれたんです。それではいけないのだろうかとモヤモヤとしている最中、今回の展示のオファーを受けました。当然「フレーバーテキスト」なんて現実世界には存在しないですし、企業理念や契約書に書かれることもありません。特殊な言葉の在り方だと思うのですが、マジックではプレイヤー同士が戦うこと、フレーバーテキストを通じて物語を協働で形作っていくことが両立されている文化が面白いなと思っていました。今回の作品ではカードをドローする動きと手を繋ぐ動きを重ねられたらと思い、相手の手からカードを「引く」動きから始まるのですが、お互いに見えないもの、自分だけが見えるもの、ふたりが見えるものがあるなかで手を繋ぎ、ひっくり返してもう一回同じ動きを繰り返す。ゲームの中で起きている人間関係を形にできたらいいなと思い制作しています。

真木　カードにもアートとルールがあり、役割は決まっています。でもそれをそのまま説明するだけでは面白くないですよね。プレイヤー側にも思い入れは発生しません。でもそこに描かれているキャラクターの内面が伺えたり、裏切られるような言葉が添えられていると、実はこういう奴なのかもしれないと妄想が広がる。妄想の種を添えてあげることで平面だったものが立体になり、奥行きが出てきます。こう進むという想定したシナリオがあるとき、物語がそうではない道に外れてくれたほうが面白い。そうきたか......！と言いながら土壇場でその先に広がりが生まれていくとき、皆で組み上げていくゲームは面白いと思いますね。

──先ほどのお話にもありましたが、毎年新たな次元を想像すべく、開発チームとストーリーチームが設定資料を構築する傍らで、日々あらなたプレイの方法が編み出される一方、プレイヤーの生活様式や時代の価値観もまた変容していきます。30年前から今日に至るまで、マジックで続いているルールなどがあれば教えてください。

金子　昨今、生活しているなかでも色々な情報が常に入ってくるので、今ってものすごいスピードで正解か間違いかがジャッジされる状況になっていると思うんですよね。曖昧なものが認められなくなってきている。けれどほんとうは曖昧なもののほうが面白かったりするんですけれど。

布施　何事にも正解があり、間違えているのか合っているのかということが「解釈する」ということになってしまうと寂しいなと思いますね。TRPGもある種の間違ったプレイもあるかもしれないけれど間違いと正解の幅が広いなと感じていて。カードをプレイしていないYoutuberがレアカードが出るか否かという開封動画をアップしていたりしますが、それはまさにアタリ、ハズレという観点からしかカードを見ていない。そうした姿勢が全然文化的ではないと思ってしまうときもあり寂しいですが、ウケがいいんだろうなと。時代的に1プレイの回転を早くしなくてはいけないという要請を感じることはあるのでしょうか。

真木　そうですね。デュエマは小学生が休み時間に遊べるようにという意図で開発したゲームなので、元々、短時間で遊べるようにできています。ただ、毎年新しく魅力的なカードを作り続けているのでカードの強さは自然と上昇していきます。そうするとゲーム速度も速まり１試合の時間も短くなります。なので、今は逆に、どうやって遅くするかを頑張っているフェーズだったりもします。

布施　具体的に遅くするためには、どのような方法がとられているのでしょうか。

金子　マジックでは「スタンダード」といって直近の3年間のカードしか使えないというフォーマットがあります。3年経つとどんなカードも一旦使えなくなるので、環境に停滞が発生しない。仮に全歴史のカードが使えるとなると、一番最強のカードによるデッキができあがるわけなのですが、そういうものではなく直近のものだけが使えるというフォーマットで遊んでいただくという方法です。一方、初期のマジックはどんなカードでも使えた時代がありました。今は1種類のカードをデッキに4枚までしか入れられないのですが、昔はそうした決まりもなく、カードを揃えることが最強と言われる時代もあったくらい。色々な人がカードのルールを開発していく中で、遊び方として精査されて生まれたのが、今の「スタンダード」というスタイル。少し前までは1年半だったり2年だった時期もあるのですが、2023年のリリースから3年周期に変更されました。

真木　反対にデュエマでは全てのカードが使えるフォーマットが一番人気なんですよ。ただ、全部のカードが使えたままだとどうしてもバランスが破綻してしまいますし、環境も固定化してしまいます。なので申し訳ないのですが、強すぎたカードたちには今までありがとうございましたという感謝の気持ちを込め、「殿堂入り」に認定し退場してもらっています。

──なにを持って良いゲームだったといえるのでしょうか。トレーディング・カードゲームという対戦型のゲームでありながら、多くのプレイヤーとファンを有するマジックはその楽しまれ方の多様性も特徴だと感じます。

金子　プレイしないファンが多いという側面もマジックの特徴だと思います。いわゆるコレクター。カードのアートが好きで集める人や、次元ごとに展開されるストーリーを追いたいという人もいますね。

真木　マジックは色々な次元の世界を内包している物語であり作品になっています。多元宇宙を渡り歩くことができるプレインズウォーカーを中心に物語が展開する。さまざまな次元の中には童話の世界、恐竜の世界、ホラーの世界であることもあります。かつそれぞれの世界が細部の設定まで作り込まれていて、強い弱いとは関係のないところで楽しむことができるのがマジックのすごいところ。今回の展示でも各シリーズごと数百人にわたるクリエイター陣が手がけてきた「アート」（マジックのカードの絵柄）を展示していましたが、絵を見ているだけでも楽しめるようになっています。勝つか負けるか、いかに強くなるかというところを最終のゴールにする必要は全くないですし、簡単そうでしんどいのが勝つことを目的にしてしまったとき。それよりは友達や家族と楽しむという目的の方が達成しやすいですし、広がりもあると思います。「対戦ゲーム」という「物語」を楽しむ。一つ確かだと思うのは、楽しさを求めるにしても、勝利を求めるにしても、結局対戦ゲームなので、完全に一人にはなれないということ。一人で突き詰めるのには限界があるので、強さを求める上でも、楽しさを求める上でも、どこかでいい仲間、いいコミュニティづくりにシフトせざるを得なくなります。それがないと、どちらも成立しないんですよ。

金子　私も一度は最強を目指したこともありますが、個人のトーナメントで勝つとなると、1000人の大会の場合、1人以外全員負け。楽しいけれどしんどいですね。将棋などの勉強会も近いスタイルなのかなと思うのですが、マジックはコミュニティづくりと同じで上を目指すという大きな目標は共有しつつ、じゃぁその中でどういうことをして、どういう友達と練習をしてそのあと飲みにいくというようなことも含めてコミュニティなのかなと。

布施　将棋の話がありましたが、逆に双六のように運に全振りしたゲームは戦略が立てられない。ある意味TCGは将棋的な戦略が求められる部分と、なにが手元に出るのかわからない運任せな部分とが絶妙なバランスで調合されたゲーム形式なのかと。目に見える情報と見えない情報の間を行き来している。見えないものがあるということが大事なのかもしれないですね。

真木　カードゲームのすごいところはコミュニティの息が長いこと。マジックを通じて知り合った96年からの友達はいまだに友達です。カードゲームという共通言語があるのでずっと話も合いますし、プレイを通じて考え方のベースがわかっているので濃い関係性になる。普通の飲み友達と戦いはしないじゃないですか。喧嘩したら仲直りが面倒じゃないですか。ですが対戦友達とは友人ですがしょっちゅう対戦します。勝った方は何かの権利を得て負けた方はなにもないようなこともしょっちゅう起こります。でも、ゲームのことなんで終わったら直ぐに普通の友達にもどれるし、そういったことを繰り返すので、濃くなるし長く続くんですね。

オールスタンディングの会場は、開演と同時に響き渡った最初の1音から最高潮。多彩なアーティストの登場によって、様々な世代が一夜限りのスペシャルライブを楽しんでいたのも特徴的だった。そしてまた、アーティストが奏でるエピフォンに熱い視線を送っていたギターファンも多かったに違いない。

ギターに関して、特に印象的な場面があった。エピフォン150周年特設サイトの第3回目のゲストでもあり、今回トリを飾った田島貴男は、今は亡き親友から譲り受けた後30年に渡って愛用してきたエピフォン・Sheraton（シェラトン）を使用し、エネルギッシュでソウルフルな演奏を見せてくれた。

さらに、第6回目のゲストに登場したDYGLの秋山信樹は、初めて買ったエレキギターのエピフォン・Les Paul Custom（レスポール・カスタム）を持ち込み、ステージの上でギタースタンドに立てかけた。そうして「THE SPECIAL COVERS」でも披露した自ら赤く塗ったエピソードを紹介しつつ、今夜の立会人としてそばにいてほしかった心情を伝えて演奏を始めた。そのまま赤いレスポールは不動を尽くすと思っていたら、彼は最後の曲で思い出が詰まったエピフォンを抱え上げ、ありったけの音を鳴らしたのである。

どのアーティストにもエピフォンとの濃密な記憶がある。それを承知した上で田島と秋山の振舞いにフォーカスしたのは、150周年を経て実現した『エピフォンを鳴らす夜』をもっとも象徴する場面だったからだ。

「共鳴・反響」「重なるサウンド」「夢を受け継ぐ」というブランドテーマに立ち返った、エピフォンの記念すべきアニバーサリーイヤー。それらのテーマが融合した果てに歓喜のケミストリーを起こした『Epiphone 150th Anniversary Beyond＋』。できれば創業者に聞かせたかった。ブランド名に託した信念が、時も場所も超越して伝わり続けている真実がそこに集約されていたから。

──今回の共演はどのように実現したんですか？

竹内唯人（以下、竹内）　よく覚えてないんですけど、インスタの誰かの投稿に$HOR1 WINBOYがタグ付けされてて、それを見て俺からDMしたんです。

$HOR1 WINBOY（以下、$HOR1）　「曲聴いてます」的な。

竹内　$HOR1がめっちゃバズってた時だった気がします。

$HOR1　それで「是非是非」みたいな感じで。それからが早かったんですよ。たしか返信した後、夕方くらいにインスタで電話がかかってきて。さすがにびっくりしたけど、出てみたら「これから遊びましょう」みたいな（笑）。めっちゃバイブスいい子だなと思って、その日の夜に会ったんですよ。それですぐ一緒に曲を作ることになりました。

同じタイミングの大失恋から生まれた「Good Bye」

$HOR1はラッパーというよりアーティストになった

“Good Bye”は思い入れが深すぎる大事な曲

© Qetic Inc.

https://qetic.jp/music/epiphone-240116/458114/ https://qetic.jp/music/epiphone-240116/458114/ https://qetic.jp/music/epiphone-240116/458114/#respond Tue, 16 Jan 2024 08:00:55 +0900 6 https://qetic.jp/?p=458114

エピフォンのブランド創設150周年の節目としてアニバーサリー・ライブ＜Epiphone 150th Anniversary Beyond＋＞が1月29日（月）にLIQUIDROOMで開催。今回は、令和6年能登半島地震により生じた甚大な被害状況を受け、復興支援を目的としたチャリティー・イベントとして本イベントが実施されると発表された。

]]>

エピフォンのブランド創設150周年の節目としてアニバーサリー・ライブ＜Epiphone 150th Anniversary Beyond＋＞が1月29日（月）にLIQUIDROOMで開催。今回は、令和6年能登半島地震により生じた甚大な被害状況を受け、復興支援を目的としたチャリティー・イベントとして本イベントが実施されると発表された。

エピフォンの150周年記念ライブ、イベントの売上収益を義援金として寄付

田島貴男（Original Love）、DYGL、Replays Band（ASAKA [TRiDENT], Kaho [Faulieu.], chloe/AIMI VADER, 平川萌）の出演がすでにアナウンスされている本イベント。今回は出演者を含めた各所との連携／協力の下、本イベントの売上収益（チケット売上全額／公式150周年グッズ売上全額／限定アパレル売上の一部）が、日本赤十字社を通して被災地全域（石川県、富山県）に義援金として寄付されることとなった。加えて、イベント当日は会場に募金箱が設置される。

ライブ本編までの3日間でポップアップ・イベント開催

また、ライブ・イベント開催直前の1月27日（土）から当日の29日（月）まで、ライブ本編と連動したポップアップ・イベント＜Meet up with Epiphone＞がKATA（LIQUIDROOM 2F）で同時開催。エピフォン150周年を祝したアートワークを手がけたAsuka Watanabeのディレクションによる最新のエピフォン・モデル展示を中心に、会場でしか購入できない限定アパレルや、公式グッズの販売が行われる。

さらに＜『Meet up with Epiphone＞では豪華ゲストが登場するフリー・ライブも開催。27日（土）には関口シンゴ（Ovall）がゲストボーカルにHiro-a-keyを迎えたスペシャル・セッションが、そして28日（日）にはReplaysバンドでリードギターを務めるKahoが所属するガールズ・バンドのFaulieu.によるアコースティック・セットがそれぞれ披露される。ぜひ会場まで足を運んでほしい。

EVENT INFORMATION

Meet up with Epiphone

2024.01.27（土）〜29（月）

恵比寿・KATA（LIQUIDROOM 2F）

OPEN 13:00 / CLOSE 20:00

入場：無料

■27日（土）16:00～17:00

関口シンゴ with Hiro-a-key ～Special Session～

出演：関口シンゴ（Ovall）、Hiro-a-key

■28日（日）16:00～16:40

Faulieu. meets Epiphone ～Acoustic Set～

出演：Faulieu.（Canaco、Kaho、Ayano、Mimori）

Epiphone 150th Anniversary Beyond＋

2024.01.29（月）開場 18:00／開演 19:00

会場：LIQUIDROOM（東京都）

出演：

田島貴男（Original Love） with スペシャル・ゲスト 角舘健悟（Yogee New Waves）

DYGL

Replays Band（ASAKA [TRiDENT], Kaho [Faulieu.], chloe/AIMI VADER, 平川萌）

料金：

前売 3,500円（税込／ドリンク代別）

当日 4,000円（税込／ドリンク代別）

※未就学児童入場不可／小学生以上チケットが必要となります。

プレイガイド：

イープラス https://eplus.jp/epiphone150/

チケットぴあ https://w.pia.jp/t/epiphone150th-t/

ローソンチケット https://l-tike.com/epiphone150th/

※上記URLは11月10日（金）18時より有効となります。

主催：

ギブソン・ブランズ・ジャパン株式会社

公式ページ

© Qetic Inc.

]]>

関連記事

No related posts.

https://qetic.jp/music/epiphone150th-231205/457398/ https://qetic.jp/music/epiphone150th-231205/457398/ https://qetic.jp/music/epiphone150th-231205/457398/#respond Tue, 05 Dec 2023 09:00:37 +0900 6 https://qetic.jp/?p=457398

2023年にブランド創立から150周年を迎えたエピフォンが、2024年1月29日（月）にLIQUIDROOMで一夜限りの記念ライブイベント＜Epiphone 150th Anniversary Beyond＋＞を開催。田島貴男（Original Love）、DYGL、Replays Bandの出演が公開されていたが、この度Yogee New Wavesの角舘健悟が田島貴男のコラボ・ゲストとして出演することが発表された。

]]>

2023年にブランド創立から150周年を迎えたエピフォンが、2024年1月29日（月）にLIQUIDROOMで一夜限りの記念ライブイベント＜Epiphone 150th Anniversary Beyond＋＞を開催。田島貴男（Original Love）、DYGL、Replays Bandの出演が公開されていたが、この度Yogee New Waves・角舘健悟が田島貴男のコラボ・ゲストとして出演することが発表された。

150周年を迎えたエピフォン

一年間を通して、音楽ファンに特別な体験を提供してきたエピフォン150周年特設サイト。そこで展開された「共鳴・反響」、「重なるサウンド」、「夢を受け継ぐ」というテーマのもと、リアルな“エピフォン・プレイヤーズ”とギターの深い絆を探るインタビュー記事は大きな反響を呼んだ。このイベントは、そんなアニバーサリー・イヤーの締め括りとして、インタビューに登場した田島貴男（Original Love）、DYGL、特別編成のガールズ・バンド「Replays Band」という3組の豪華アーティストを迎えて開催。この夜をさらに特別なものとするサプライズとして、Yogee New Wavesの角舘健悟がゲストとして出演し、田島貴男と共にスペシャル・セッションを披露する。

150年の時を経てもなお革新を続けるエピフォン。そのサウンドと共に、音楽の歴史を彩るパフォーマンスが繰り広げられる。前売チケット（3,500円）は各プレイガイドにて好評販売中！

＜Epiphone 150th Anniversary Beyond＋＞ 出演アーティスト

R&B／ファンク／ジャズなどあらゆる音楽ジャンルをルーツに持ち、現在進行形のアグレッシブな活動で音楽界を牽引し続ける、田島貴男（Original Love）。そして、ヨーロッパやアジアなど世界を駆け巡るオルタナティブ・ロック・バンドDYGL（デイグロー）。今回ここに感度の高い音楽好きから評価支持を受け続ける集めるバンド、Yogee New Wavesのギター／ボーカル・角舘健悟がスペシャル・ゲストとしてのとして出演がすることが決定。田島貴男と共に一夜限りのスペシャル・セッションを披露します。   オープニング・アクトにはASAKA（TRiDENT Vo/Gt）、Kaho（Faulieu. Gt）、chloe/AIMI VADER（Ba）、平川萌（Dr）から成る特別編成バンド、Replays Bandが登場。それぞれのステージバンド／ジャンルで個性溢れる音楽活動を行なう展開する女性アーティスト4名が一堂に会する貴重なステージをお届けしますにご期待ください。   この夜はエピフォンの次なる150年に向けて、これからもメッセージを語り継いでいくため、鮮烈な音楽体験をお届けします。

Epiphone｜Replays『ギターと孤独と蒼い惑星』（結束バンド カバー）

Epiphone｜Replays『あのバンド』（結束バンド カバー）

エピフォン150周年特設サイト

EVENT INFORMATION

Epiphone 150th Anniversary Beyond＋

2024年1月29日（月） 開場 18:00／開演 19:00 会場：LIQUIDROOM（東京都）

出演： 田島貴男（Original Love）with 角舘健悟（Yogee New Waves） DYGL Replays Band（ASAKA [TRiDENT], Kaho [Faulieu.], chloe/AIMI VADER, 平川萌）

料金： 前売 3,500 円（税込/ドリンク代別） 当日 4,000 円（税込/ドリンク代別） ※未就学児童入場不可／小学生以上チケットが必要となります。

プレイガイド： イープラス https://eplus.jp/epiphone150/ チケットぴあ https://w.pia.jp/t/epiphone150th-t/ ローソンチケット https://l-tike.com/epiphone150th/

主催： ギブソン・ブランズ・ジャパン株式会社

公式ページ

© Qetic Inc.

]]>

関連記事

1. Nothing’s Carved In Stone、go!go!vanillas、GLIM SPANKYがGibsonの130周年を祝福｜＜Gibson 130th Anniversary Live “Go Beyond”＞Spotify O-EASTで開催

https://qetic.jp/art-culture/tbwahakuhodo-231117/457157/ https://qetic.jp/art-culture/tbwahakuhodo-231117/457157/ https://qetic.jp/art-culture/tbwahakuhodo-231117/457157/#respond Fri, 17 Nov 2023 09:00:47 +0900 6 https://qetic.jp/?p=457157

TBWA HAKUHODOが、会社の哲学・メソッドである「DISRUPTION®」を、社外に向けてオープンにして、より社会に意味ある変化をつくりだすため、オープンイノベーションプロジェクト「Open Disruption […]

]]>

TBWA HAKUHODOが、会社の哲学・メソッドである「DISRUPTION®」を、社外に向けてオープンにして、より社会に意味ある変化をつくりだすため、オープンイノベーションプロジェクト「Open Disruption®」をスタートさせ、交流イベント＜Disruption® Lounge＞を開催。2023年12月7日（木）には第3回＜Disruption® Lounge＞が開催され、「クリエイティブ・ルネッサンス −これからのカルチャーの生まれかた−」をテーマに、カルチャーの変革やこれからのブランディングのあり方についてゲストとともに考えていく。

「クリエイティブ・ルネッサンス −これからのカルチャーの生まれかた−」

本イベントで掲げているテーマ「クリエイティブ・ルネッサンス」は、生活者ひとりひとりがクリエイティビティを発揮してカルチャーに影響を与えるようになった時代のこと表す。かつてのカルチャーは、作り手であるメディアやクリエイターと、受け手である生活者に明確に分離されていたが、現在においては、一般のTikTokユーザーがブランドの資産を活かしてカルチャーを創造している。

TBWA HAKUHODOはカルチャーの作り手が個人へと広がっているなか、ブランドが存在感を放っていくためには、カルチャーの変化を察知することが必要だという考えのもと、クリエイティブ・ルネッサンスを知ることは、業界を問わずあらゆるブランドの成長に役立つという確信から、今回のテーマが設定された。

登壇ゲストとして登場するのは、デジタルネイティブを中心に生活者の新しい価値観を追い続けている椎木里佳氏と、昨今幅広い世代で急速に浸透しているTikTokの広告プラットフォームを運営する「TikTok for Business」の松本幸貴氏。すべての人がクリエイターとして主体的にカルチャーを創造する時代に起こる変化について話し合う。モデレーターには、株式会社TBWA HAKUHODO　Strategic Planner　日下部 誠志氏が登壇する。

【第3回モデレーターからのメッセージ】

1996年生まれの私は、小学校高学年の頃に動画サイトの登場、中学時代にiPhone日本上陸を経験しました。高校時代にチャットアプリが広まり、大学時代にできた友人の多くはSNSで知り合いました。この間、テクノロジーの発展によって個人が世の中に向けて情報発信するハードルはどんどん下がっていき、FLASH・歌い手・やってみたなどアマチュアのクリエイティビティによって生まれたカルチャーが数多く生まれました。今回取り上げるTikTokは、この社会変化の決定打といえる存在でしょう。さらに、TikTokはレコメンドシステムが特徴で、人々に自然な形で「知らなかった！いいじゃん♡」体験をもたらすことができるという点において他プラットフォームと大きく異なります。クリエイティブ・ルネッサンス時代に突入したわれわれの生活はどう変わっていくのでしょうか。今回考えていくことは、世代論ではなく、これからの生活やカルチャーの変化、ブランド体験の可能性です。

登壇ゲスト

EVENT INFORMATION

第3回「Disruption® Lounge」実施概要

＜開催日時＞　2023年12月7日（木）18:00～19:30 ＜テーマ＞　　クリエイティブ・ルネッサンス時代へ −これからのカルチャーの生まれかた− ＜開催形式＞　どなたでもZOOMよりご視聴いただけます（定員なし） ＜お申込み＞　下記URLよりお申込みください。 https://tbwahakuhodo.zoom.us/webinar/register/WN_XYJK2HPaRpmWRSNiQfSDZg

TBWA HAKUHODO

© Qetic Inc.

]]>

関連記事

No related posts.

https://qetic.jp/interview/adriansherwood-231017/456219/ https://qetic.jp/interview/adriansherwood-231017/456219/ https://qetic.jp/interview/adriansherwood-231017/456219/#respond Mon, 16 Oct 2023 09:00:34 +0900 6 https://qetic.jp/?p=456219

2023年9月にツアーで日本国内を回ったUKダブ界のレジェンド・プロデューサー、エイドリアン・シャーウッド（Adrian Sherwood）。彼の活動は止まることを知らず、共に国内ツアーを回ったアフリカン・ヘッド・チャー […]

]]>

2023年9月にツアーで日本国内を回ったUKダブ界のレジェンド・プロデューサー、エイドリアン・シャーウッド（Adrian Sherwood）。彼の活動は止まることを知らず、共に国内ツアーを回ったアフリカン・ヘッド・チャージ（African Head Charge）の最新作『A Trip To Bolgatanga』のみならず、スプーン（Spoon）やパンダ・ベア＆ソニック・ブーム（Panda Bear & Sonic Boom）といったUSオルタナティヴシーンの大御所の作品を丸ごとダブワイズした作品を発表し続けている。

そんな彼が制作を進めているという自身の次作は、ドルビーアトモス（Dolby Atmos）を活用したサラウンド・サウンドの作品になると語る。彼が来日したその前週には、イギリスでドルビーアトモスを使ったサラウンドシステムで行う世界初のダブ・ショーを開催し、大盛況で幕を閉じた。そしてここ東京でも、ドルビーアトモスを使用したまったく新しい体験を届けるダブ・ショーの開催を予定しているという。

Qeticでは、絶やすことなくダブの研究を続けるエイドリアンにインタービューを実施。聞き手は日本のレゲエ・クイーンPUSHIMの最新作『Dialogue』や新鋭のレゲエバンドASOUND、レゲエディージェイのホープZENDAMANの作品プロデュースでも知られ、ジャマイカと東京を拠点に置くプロデューサーレーベル〈MEDZ MUSIC〉のプロデューサー／ベーシストのCHALLIS、A&RのMaasa Sanoが担当した。

INTERVIEW：Adrian Sherwood

──〈On-U Sound〉は1979年に設立されていますよね。僕（CHALLIS）が生まれた年でした。

本当に？（笑）実は80年の終わりに始まってるんだけどね。

──40年間以上ダブに携わっているエイドリアンさんは、ダブの何に惹きつけられたのでしょう？

ダブのことを“シーン”だと思ってない。ジャマイカのラブソングやヴァージョンがすごく好きで、とにかくレゲエのファンなんだ。ジャマイカのユニークなところは、良いリズムが何百個もあって、そのうちの1〜2個はダブ・ヴァージョンだったりする。俺がすごく好きなのは、そうしてヴァージョンが進化していくこと。「ダブ・ミュージック」って言う人がよくいるけども、自分にとってはジミ・ヘンドリックスだってダブだ。それをリバーブやディレイを使って工夫する過程が、とにかく好きなんだ。すごく楽しいよ。最近はあまりやる人がいないけど、ライブミックスは計算されていないからこそ、毎回フレーバーも変わる。

──僕のレーベルの音楽のステムデータがいっぱいあるんですよ。それで最近僕もダブを作ることをしていて。

卓は何を使ってるの？

──色々あるんですけど、ALESISを使ってます。

ALESIS！　イギリスに大きい卓を持ってるよ。明日はMIDAS VENICEの小さいのを使ってやるよ。イギリスだと1,000ポンドで買えるけど、日本だとそこまで高くないかも。昔のRoland SDE-1000とSDE-3000D、あとYAMAHAのSPX990、それにEVENTIDE。それで新しいスプリングリバーブを加えると、7,000ドルくらいですごくアナログな良い音のセットアップが作れるよ。全部書いてあげようか（笑）？

──最近のスプリングってなんですか？

イギリスで買ったんだ、それも1,000ポンドくらいだよ。名前を忘れちゃったけど、メールで連絡をくれれば教えるよ。これからイギリスのエンジニアを起こすのは可哀想だからね（笑）。明日のライブで使うEVENTIDE H9とEVENTIDE SPACEは最高だよ。

──これをiPhoneで操作できるんですか？

そう。iPadでもいい。H9とSPACEは小さいからね。Bluetoothをオンにして、H9の電源を入れてから自分のプリセットを入れてプレイするんだ。次のページにいったらデジタル／アナログ・ディレイとかスプリング・リバーブが入っていて......もうクソ最高だよ。それしか必要ないんだ。アドバイスをするならばH9とSPACEを買って、日本だとすごく安いSDE-1000とかをディレイ用に1万くらいで買う。スペースエコーのペダルだけでも良いね。明日はEVENTIDEのディレイ、SDE-3000、SPX990、H9、SPACEそれと、最近一番のお気に入りでErica SynthsのZEN DELAYを使う。機材は日本から安く買って全部揃えたんだ、最高に良い音を作るよ。観にくるでしょ？明日はいま言った機材しか使わないし、それしかいらないんだ。

──わかりました。ちなみにいまALLEN&HEATHっていう卓を使っています。

いいね。それで十分だよ。チャンネル数は？

──24チャンネルです。

32の方がいいよ。リターンするときに2つは必要だからね。さっきのセットだとエフェクトだけで10個はチャンネルを使う。それでステムだと22個は必要になるからね。もっと研究したかったら……内田直之さんって知ってる？日本で一番良いエンジニアで、あの人はアナログをすごく理解してるんだ。

──ありがとうございます。ダブを作る時っていうのは、基本的に感覚でやってるんですか？

音楽はどうであれ音楽でしかない。ドラムやベース、ピアノにボーカルが重なって......それで結局はフィーリングだ。何度も練習するしかない。

──それがライブでは毎回違ってくるわけですよね。

そう。3つのパスに4つのミックス、それをパソコンに読み込ませて、最初の16小節をクロスフェイドさせたりして、その中で一番良いミックスを作る。それを数個作って、例えばシンプルなミックスとクレイジーなミックスを作ったら刻んでブレンドして、最終的に形にしていくよ。たまに1つのミックスで完璧な時もあるけどね。ミュージシャンの仕事が終わって曲がすでにできているから、それからは自分の時間だね。

──エイドリアンさんはプロデューサーとしても活躍されています。プロデュースにおいて、最も大事にしてることってなんですか？

バンドのレコーディングをしているとして、“誰のためにやっているのか”で変わってくる。バンドのためにやっていたとしたら、まずバンドを満足させなくちゃならない。

──エイドリアンさんが満足するのはどういう時ですか？

まず、良いレコーディングになってる時はやっぱり嬉しいよ。演奏もそうだし、あとはトーンが合っていること。そしてパフォーマーが満足していることかな。今はレコーディングもデジタルになってるけど、バンドのために良いスタジオを取ってレコーディングをすると、結果的には後から手を加えずに済んで予算が抑えられる。デジタル・レコーディングであっても、そこにライブパフォーマンスの要素を入れるんだ。君はベーシストだよね？打ち込みじゃなくて自分で弾いた方が好きだし大事だと思うよ。ちなみに君はジャマイカに行っているようだけど、どんなアーティストと演奏をしているの？

──アール・チナ・スミス（Earl "Chinna" Smith）と一緒に演奏していて、彼に全てのベースラインを教えてもらいました。

チナ！　最高の友達だよ。チナの“Fade Away”は人生で聴いたなかでも最高のレコードだ。よく彼のジャマイカの家に行くよ。

Earl "Chinna" Smith - Fade Away

──彼が僕のメンターなんです。　

彼はダイアモンドみたいな存在だよね。君はどんな曲を作るの？

──これが最近作った作品です。（PUSHIM“いつも君を観てる太陽”をプレイ）

いいね。しかも日本語で歌っている。グレゴリー・アイサック（Gregory Isaacs）の“Slave Master”のリディムだね。素晴らしいよ。グレゴリーがロンドンで初めてショーをやったのは1973年で、その時俺は15歳だった。それから彼の音楽を聴き始めたんだ。グレゴリーはその時給料をもらえなかった。それでツアーの最中に“Thief A Man”って曲を作って《Thief a man, you're just a part of Babylon's plan》《Give mi my gun, say, mi waan my gun》と歌っているよ（笑）。

PUSHIM“いつも君を観てる太陽”

Gregory Isaacs“Slave Master”

Gregory Isaacs“Thief A Man”

──ロッカーズですね（笑）。あとはスライ（・ダンバー｜Sly Dunbar）とも交流がありました。

そうだね。彼は俺の最初のアルバムでもプレイをしているよ。君がスライとベースを弾いたこともあるのかい？

──そうです。その時のキーボードはフランクリン・バブラー・ウォウル（Franklyn "Bubbler" Waul）でした。

フランクリン？　次に会った時に、俺からの愛を伝えておいてね（笑）。CHALLISが作る曲はすごく良いよ。ちゃんとしている音楽を作るんだね。俺にとっての最上の褒め言葉は「ちゃんとしてるよ」だよ。

──ありがとうございます。近年、スプーンやパンダ・ベアなど、オルタナティヴなロックなどレゲエ以外のジャンルをダブにする仕事を手がけてらっしゃいますよね。

レゲエはずっと好きだけど、もちろん他の音楽も好きだ。スプーンは複雑なコード進行だったり、骨の折れるような構成のレコードを作るかなりハイレベルなミュージシャンのバンドだよね。俺はミュージシャンじゃないけど、周りに素晴らしいミュージシャンたちがいて、あのダブレコードを一緒に作ってくれた。パンダ・ベア＆ソニック・ブームもそうさ。これらの作品は、例えばアフリカン・ヘッド・チャージのレコードとも全く同じようなものだよ。同じテクニックが使われているし、音の温かみやアプローチは一緒。違いはダブ作品を作るために雇われているという部分。そこでお金ももらえるから、自分のレコードに全て費やすのさ（笑）。

──レゲエ以外のジャンルをダブにするにあたって一番の楽しみを感じる瞬間は？

音をマジで最高にする瞬間だよ！（笑）スプーンの作品を最初に聴いた時はやっぱりロックのレコードだと思った。作品はものすごく良い。それから、音の配置を少しづつ変えていって、鮮やかで暖かい音にしていく。俺はレゲエが好きだから、レゲエのテクニックを使って魔法をかけていくんだ。

──これから新しい自分のアルバムを作っていくと思うのですが、どのような作品になりそうですか？

最近、俺はドルビーアトモスを使っているんだ。すごく楽しいよ。とても複雑だからエンジニアにやってもらっているけど、アナログのステムを大胆に聴かせることができる。スピーカーを10個くらい配置して聴くと信じられないくらいサイケデリックになるよ。

作品はドルビーアトモスで作ってる。その作品は「エイドリアン・シャーウッドとリー・ペリーがイカれたサラウンド・サウンドで出会う」といったものになるだろうね。〈On-U Sound〉からは来月、Creation Rebelの新譜が出る。その次はきっと俺の作品になるだろう。ただ、別に急いでいるわけじゃないんだ。最高にクールな作品を作りたいから。今はストリーミングで採算を取るのが難しいから、気軽にリリースできないよね。

Adrian Sherwood“On​-​U In Space（feat. Lee "Scratch" Perry, LSK, African Head Charge, Creation Rebel）”

──エイドリアンさんが映画館などの空間でプレイするライブが観れるかもしれないと。

先週の木曜日、ロンドン・ハックニーにあるEartH Theatreで初めてアトモスを使ったショーをやったんだ。とても美しい場所だったよ。世界初のサラウンド・サウンドのダブショーになったよ。凄まじかった。音に360°囲まれながら、ヴィジュアルも蠢いている。お客さんも盛り上がったね。それと、スピーカーが12個あるからめちゃくちゃ熱かった（笑）。今はそのショーをドイツやパリ、東京でも実現させたいね。

──とても楽しみです。ドルビーアトモスを使った音楽イベントを思いついても、ダブをやろうという発想にならないと思うんですよ。でも、ダブこそドルビーアトモスと相性が良いと思います。

そうだね。でも、俺は音をバンバン回すよ。音をもっと強く、原始的にしていくのさ。ドルビーアトモスのことを聞いたとき、このシステムは俺のために存在していると思ったよ。40年前にも似たような環境のスタジオで、より空間的なダブをプレイすることを試みたけど、それは広まらなかった。だけど今はドルビーアトモスがある。サイケデリアには最高な環境だよ。

──新しいダブの可能性を感じます。

ダブを作る作業はチェスと同じようなもので、何手も先まで先を考えなくちゃいけないんだ。それに作ったミックスを6時間ぶっ通しで聴き直すような作業もする。ダブを作るのはシンプルなプロセスじゃない。ドルビーアトモスのための音を作るのには何週間もかかったよ。その結果として、観客だけじゃなくて、Appleのボスみたいな人たちからも最高の反響を得られたわけだ。19歳の時からダブを作り続けてきて、こうして歳を重ねてきた。でも俺はまだ年老いたとは思わないし、今が俺のピークさ。

聞き手／MEDZ MUSIC（CHALLIS／Maasa Sano） 写真／changsu 通訳／エイミー藤木 編集／船津晃一朗

▼来日公演のイベントレポートが公開中 ADRIAN SHERWOOD presents DUB SESSIONS 2023 / ダブってこういうことか!!!思わずそう叫んでしまいそうな、そんな一夜だった。Dub Sessions 2023のイベントレポートが公開!

INFORMATION

A Trip To Bolgatanga

2023.07.07（金） African Head Charge

国内盤CD Tracklist 1. A Bad Attitude 2. Accra Electronica 3. Push Me Pull You 4. I Chant Too 5. Asalatua 6. Passing Clouds 7. I’m A Winner 8. A Trip To Bolgatanga 9. Never Regret A Day 10. Microdosing 11. Flim 18（Bonus Track）

詳細はこちら配信はこちらから

© Qetic Inc.

]]>

関連記事

No related posts.

https://qetic.jp/column/sukisai/sukisai-231013/456173/ https://qetic.jp/column/sukisai/sukisai-231013/456173/ https://qetic.jp/column/sukisai/sukisai-231013/456173/#respond Fri, 13 Oct 2023 12:00:53 +0900 6 https://qetic.jp/?p=456173

lyrical school・hanaのコラム『“スキ”は細部に宿る』第8回「プロセス」。hanaが出会った古今東西の“スキ”を掘り下げていくとともに、撮り下ろし写真も掲載。出会った時、靄のかかった生活に光が刺すようなそ […]

]]>

lyrical school・hanaのコラム『“スキ”は細部に宿る』第8回「プロセス」。hanaが出会った古今東西の“スキ”を掘り下げていくとともに、撮り下ろし写真も掲載。出会った時、靄のかかった生活に光が刺すようなその一文、一瞬、一枚を紹介していきます。（Qetic編集部）

成果物を表に出すまでのプロセスは、ただ泥臭くて、苦しいものだと思っていた。 lyrical schoolの新メンバーとしてデビューをしてから約半年が経ち、ライブを重ねていく中で、名高いアーティストはどのような想いで制作に打ち込み、ライブをしているのかについてもっと知りたくなった。そこで、クリープハイプの尾崎世界観さんと著名なアイドル・詩人・俳優などの対談をまとめた本を読んだ。 クリープハイプの曲は人間の全てが曝け出されていて無敵だという印象があったけれど、対談の内容から、尾崎さんが何かを作る際、土台にあるのは恐怖、羞恥心、聴き手に対する依存などの不安定な気持ちで、身を削るように制作やライブに取り組んでいることが分かった。何かを生み出すまでのプロセスは作品と同じように美しくはなく、それぞれの苦悩があるのだと思い知らされた。

約一年前、様々なジャンルのアーティストが出演するオーディション形式のライブを観に行った。オーディションに勝ち抜くととある音楽イベントへの出演権が与えられるというもので、各アーティストはたった15分の演奏で、審査員はお客さんとイベントの関係者だった。 私は別のバンド目当てで来ていたが、あるバンドが印象に残った。 メンバー全員が輪になるように座りながら、ギター、鈴、そして機械の音に、詩を朗読するような、そして時にラップ調にもなる歌声を乗せていく。様々なジャンルの音楽を切り取って貼り付けたコラージュのような音楽は、明らかに他のアーティストとは一線を画していた。演奏を観ていて混乱した、という表現が一番近かったのかもしれない。15分間では処理できない程の情報が私の脳に伝達されて、その結果、彼らの音楽は“神聖なもの”として認識された。私は圧倒的なものを目の前にすると、それが出来上がるまでに試行錯誤が絶対あるはずなのに、いつも誰かが呪文を唱えてポンッと目の前に出てきた魔法のように感じてしまう。それと同じで、私には理解しきれない何かを感じて近づききれなかった。それでもいつかはまたライブを観に行ってみようと思うほどに心に残る時間だった。

そして最近、そのアーティストも出演する対バンライブを久々に訪れた。他にも観たいアーティストはいたが、一度聴いたことがある彼らのことが一番気になっていたのは確かだった。 久々に訪れる渋谷WWWの階段を降りた。ライブハウスにお客さんとして来るのはいつも緊張するが、今日は特に気分が高揚していた。バーカウンターでドリンクを受け取って、会場に入って自分の居場所を探す。まだ開演時間まで余裕があるからか、300番台の整理番号の割にはステージの近くまで来てしまった。トップバッターのバンドのメンバーがステージに現れる。ひとりひとりの表情や弦の上を滑るように動く指がはっきり見える位置に来てしまったことに気づき、いたたまれない気持ちになった。そして一組目の演奏が終わって彼らが現れた時、少し懐かしさを感じた。

最初の数十分間は、以前と同じような気持ちで観ていた。しかししばらくしてフロアも盛り上がってくると、バンドのフロントマンが、マイクスタンドの下方に設置していたiPhoneの画面に触れた指先を動かして、オケや自分の声にエフェクトをかけ始めた。そして自分が作った音が空間に響いているのを心の底から喜ぶようにステージを歩き回り、手に持っている鈴を気持ちの高ぶるままに鳴らしたり、ギターを弾いているメンバーの足元まで移動して、エフェクターのつまみを思い通りに動かしていた。その様子は本当に楽しそうで、眩しかった。バントのライブは音楽が出来上がる“過程”を直接目の当たりにしているようで好きなのだが、彼らのライブでは、人間の身体が音を生み出しているということを強く感じさせてくれた。まるで劇場にいるような不思議な感覚になった。 この夜で、何かが生み出されるまでのプロセスの中にも美しさを見出すことが出来るのだ、という発見があった。その場で作られて生まれた言葉、空気、というものをもっと大切にしたいと思った。自分がライブをする時も心がけたいことだ。そしてジャンルを問わず、もっと色々な音楽を知りたいと思った。 手に握りしめていたドリンクは、氷が溶けてただの生温い水になっていた。

“スキ”は細部に宿る

INFORMATION

hana（lyrical school）

8人組HIPHOPユニット lyrical schoolでラップをしています。 写真を撮ることとK-POPを聴くことが好きです。 Instagram｜Twitter

lyrical school

8人組のHIP HOPユニット。 初めは2010年に女性6人組のヒップホップアイドルユニットとして結成。 幾度かのメンバーチェンジを経て、2023年2月に、男性を含む新メンバー７名が加入し、現在の体制に。 Instagram｜Twitter｜HP

2023年2月12日、7MC＋1DJという新体制のお披露目ライブを行ったlyrical school（リリスク）。それから、全国各地でのイベント出演や4ヵ月連続新曲”卸し”ライブ＜”BACK TO（LYRICAL）SCHOOL”＞の開催、そして初の作品集『NEW WORLD e.p.』リリースと渋谷WWWでのワンマンライブなど、グループは怒涛の半年を駆け抜けていった。

アイドルラップの一つの完成系を提示したリリスクは、これからもいわゆる「アイドル」というイメージの革新を続けていく。可愛くてカッコよくてクリエイティブでエネルギッシュで、どんな垣根も超えていくグループ。そしてグループのアティチュードはインタビュー中でmalikが言う「リリスクはリリスク」という言葉に示されている。8月上旬に開催された＜TOKYO IDOL FESTIVAL 2023＞で無料配布された“スペシャルMIX CD”『ONE SECOND AWESOME SUMMER MIX』では、メンバーたちの個の才能が全面に押し出されていたりと、また新しい動きがとても面白い。 今回、Qeticではリリスクの夏休みに密着。ワンマンライブを終えて、息抜きにやってきたのは横須賀市野比にあるHALF MOON STUDIO。インタビュー後はryuyaやreinaがアナログでDJを披露したり、manaが踊りまくったり、tmrwがギターを弾き語り、その様子をhanaが撮影したり......グループのクリエイティヴィティが爆発するその模様を本記事で振り返る。記事内のフィルム写真はhanaが撮影している。

──ここ半年間、ライブや初の作品集リリースがあったと思います。振り返ってみてどうですか？ ryuya　ライブに関しては、2月12日にお披露目ライブをやって、その後福岡や大阪に行ったり全国各地でイベントに出ながら、その合間に、毎月自分たちのワンマンもありました。少しずつではあるんですけど、着実に自分たちのステージを各々磨きつつ、7月のワンマンに持っていけたんじゃないかなと思います。各々が目指してるパフォーマンスの形があると思うんですけど、それがうまくハマってたライブになったんじゃないかなと。あとは、新曲を毎月やっていく中で、今までは過去の曲を歌詞割りし直してやるスタイルだったけれど、毎月新曲を下ろしていく中で、自分たちの手札が増えてる感じというか、自分たちの曲で自分たちのライブができることがすごく楽しくて。多分それがお客さんにも伝わって、7月のワンマンの”House Party”ですごいボルテージが上がって、その一体感も積み重ねがあったからだと実感しました。 reina　2月に新体制になってまだ日が浅いので、とにかく今のリリスクを知ってもらいたいという想いで活動してきました。いろんなところでライブさせていただいて、だんだんライブに足を運んでくれるお客さんや、今のリリスクいいねって言ってくれる方が増えてきてるのを感じていて、着実に一歩ずつ、進めているのかなと思います。 hana　自分で一番感動したことは、やっぱり作品集がリリースされたこと。自分のiPhoneに入ってるApple Musicとかで、自分が歌ってる曲があるというか、自分が参加してる作品をリスナーとして聞けることが、ただただ感動です。 sayo　お披露目の時と比べると、8人のキャラクターや色がはっきり出たのかなと思っています。EPは収録順でレコーディングしたわけじゃないんですけど、レコーディングを重ねるにつれてみんなの声の特性や色が深まっていて、最後に入っている”秒で終わるYABAI夏”でそれを一番感じられるような気がしてます。その成長がEPでも伝えられたと思うし、7月22日のワンマンライブでも伝わったんじゃないかなって。これからももっと8人の色を楽しんでもらえたらいいなと思っています。

mana　ライブでは、いろんな場所に行ったりステージの数を重ねて、この8人の空気感が出来てきている気がしています。WWWのワンマンは曲数も多くて尺が長くて、この8人でできるパーティーの1つの形、この8人だからこその空気感が掴めたんじゃないかなって。お客さんの反応を見ても、今のリリスクを楽しんでくれてる。過去の曲でも盛り上がるのも楽しいんですけど、この8人の新曲で一番盛り上がるような、今のリリスクの空気感ができてきたなって思ってます。EPについては、5曲のレコーディングをして、フィジカルも作って、ラジオやあのフラッグスビジョンで流れたり、タワレコに試聴機を置いてもらったり、本当に世界に音源を発信できてるんだなって、改めてリリースを実感できました。 malik　僕は半年間やったことないことにたくさんチャレンジさせてもらったなって。スタッフさんやファンの方とか、毎日新しい出会いと新しいチャレンジがあって、あっという間の半年間だったなって思ってます。 ──新しいことにチャレンジした中で、印象的だったことってありますか？ malik　最初のレコーディングが、人生で一番緊張しました。箱に閉じ込められて歌わなきゃいけないみたいな。 mana　（笑） malik　音源を聴くだけでも自分でわかるぐらい緊張しちゃってて。それはそれで思い出にしたいと思ってます。

tmrw　もう半年経ってるんだ......みたいな。最近入ったばっかな気がするけど、もう半年経ってるんだみたいな、それだけ充実してた半年でした。だから、あっという間だったなって。 ──それでは最後にminanさん。 minan　半年前と比べたら、みんな主体性とメンバーとしての自覚が出てきたとすごく感じています。きちんとメンバーの1人として人任せにせずにやっていこうっていう気持ちが見えてきたので、とても良いなって思います。あと、初めて撮影したミュージックビデオを見た時や初めてリリースしたEPのフィジカルが届いた時のみんなの反応がすごく良かったです。初心を忘れずにじゃないですけど、繰り返していったら、だんだん慣れてきがちなところも出てきちゃうかもしれないので、そういう部分で、今の本当にこの全てがはじめてで楽しくて嬉しくて感動してっていう気持ちをずっと忘れずに持ったまま活動していってほしいなって個人的には思ってます。

──ありがとうございます。主体性やメンバーとしての自覚についてお話がありましたが、リリスクのメンバーになったと自覚した瞬間や思い出について教えてください。 ryuya　ステージに上がった瞬間、袖からお客さんの前に出た瞬間ですね。今だから言えるんですけど、実はすごくプレッシャーを感じてたんです。やっぱり自分が応援していたリリスクは、女性アイドルグループだったので。本当にわずかでも、その違和感を感じる人はいるじゃないですか。その中で、最初のワンマンでお客さんの前に出ることになった時、結構なプレッシャーを感じていました。でも、WWWのワンマンでは、受け入れられたように感じられて、そういう意味では本当に心から楽しんで、ステージに上がれるようになりました。 reina　私は未だに、ふとした瞬間に楽屋張りとかに、lyrical school様って書いてあるのを見ると、「あ、私リリスクなんだ」って、びっくりすることがあります。このメンバーでステージに立つと、これまでのリリスクを受け継ぎつつも、自分たちなりにライブをしていると思います。その時も実感があります。あと、ラップ上手くなりたいと思ったんですけど、これまで人生でラップが上手くなりたいと思うことになるとは考えてもなかったので、リリスクなんだっていう実感が湧きました。 hana　私はリリスクになった実感は良い意味であまり感じてなくて。でも、一番それを感じたのは、元々私よりずっと前からリリスクのファンだった友達の友達がいて、その友達の友達を満を持してWWWに呼んだら、ライブを観に来てくれたんです。それで、めっちゃ刺激受けたと言ってくれて、その子自身も音楽活動をやってるんですけど「自分も頑張ろうって思えたよ」と。その時にリリスクになってよかったなって。そういうのは、そこで感じました。 sayo　一番最近だと、アクスタ（アクリルスタンド）ができて。自分のアクスタを持ってお出かけしてくれる人がいて、そこでちょっと感じました（笑）。 mana　（笑）

sayo　あと、自分の生活にヒップホップが入ってきたことです。更新されたプレイリストがヒップホップ系だったり、YouTubeのおすすめにヒップホップの動画が出てきたり。好きな曲をプレイリストに入れたりしていて、ASOBOiSMさんやguca owlさんが特に好きです。いっぱい聴いて練習してます。 mana　私はやっぱりライブがやりたくてリリスクに入ったので、お披露目の時から、ステージに立って、お客さんが盛り上がってくれた時に一番今自分リリスクなんだって思うし、特典会やSNSのメッセージとかで、今日のライブのここが良かったとか、これ聴くと元気もらえるとか、自分がいろんな人の生活のプラスになってることを感じる時に、「リリスクで音楽をやってるんだ」って実感します。 malik　今『NEW WORLD e.p.』のジャケットがSpotifyとかで今までのリリスクのディスコグラフィーに並んで出てくると思うんですけど、僕はその並びを見ると、今のリリスクが繋がった感じがして、「自分はリリスクにいるんだ」って思います。あとはminan様を見る度に、「リリスクのminan様だ......自分、リリスクなんだ」って思ったりします。 tmrw　ライブとかリリイベとかでたまに、ファンの方が「tmrw！」って叫んでくれることがあって、その瞬間にちょっと実感しますね。 一同　（笑）

──minanさんは皆さんのことを見ていてどう思いますか。 minan　ライブの前にセットリストを確認する時間があるんです。基本的にいつも私がやってるんですけど、他のメンバーがやってくれたりとか、ライブ中のMCや曲中のガヤだったり、みんな積極的にやってくれるようになったし、そういうところからメンバーとして、自分から動こうと思ってくれてるんだなって思います。 ──セットリストについて、WWWのワンマンはこれまでの集大成的な形だったかと思います。お披露目の時から、どう変わったと思いますか？ minan　ワンマンでの1曲目はお披露目ライブと実質一緒なんです。お披露目の日は私のソロが1曲目にあって、2曲目に”NIGHT FLIGHT”をやったんですけど、今回のワンマンは1曲目に”NIGHT FLIGHT”から始まった。どっちも来てくれた方はストーリー性があったし、その成長具合をダイレクトに実感してもらえたかなと思います。 プロデューサー・キムヤスヒロ　それと、ライブを観ていて、自分やマネージャーが作った流れを超えてきた部分があったんですよ。例えば“ユメミテル”の最後のコールアンドレスポンスとか、メンバーが練習を重ねていく中で生まれたくだりだったり、メンバーのイメージがモロにハマった部分を軸に、今回のセットリストは考えました。WWWは新曲下ろしの時よりもやりやすかったんじゃないかなって。みんな思ってると思うけど、WWWでやった“House Party”で盛り上がった瞬間はすごく良かった。 minan　そこですね！ キム　序盤のセトリにはあえて現体制の曲を入れてなかったのもあってか、“House Party”がかかった瞬間「待ってました！」という感じだった。もちろん、あの楽曲の強さはあるけど、メンバーが実践の中でだいぶモノにしてきていると思ったし、見ていて素直に面白かった。この曲であそこまでの盛り上がるんだっていうのはなかなか新鮮でした。 ──最後にインタビューした時は“NEW WORLD”しかリリースされていなくて、その際はこの曲を代表曲に育てていきたいとおっしゃってたと思います。それからまた数曲完成して披露して行ったりする中で、思い出深い楽曲はありますか？ ryuya　僕は“House Party”が好きです。仮歌をいただいた時に思ったのは、男子メンバー3人がラップしたり歌いやすいキーの曲だなと。過去の曲を僕たちがやる時、どうしてもキーが合わなかったりとか、何となくグルーヴが難しかったりしていて、そういう意味で自分たちもすごく気持ちが入るし、好きにラップしたり、ステージの上で輝ける楽曲かなと思います。ヴァースは男の子が遊んで、フックには女の子のすごく綺麗な歌声が入ってくる、掛け合いもすごく魅力的な曲です。 reina　私は“mada mada da!”が好きです。新体制になってからの曲は私達8人に向けて書いてくださった曲ですし、ライブで披露するにあたって、リハーサル中に「お客さんと一緒に拳を上げれるような動きにしてみよう」「左右に揺れるような動きにしてみよう」とか、メンバー同士でアイデアを出し合って、実際やってみて、お客さんと一緒にライブで一つになって楽しめているような感覚があるので、すごく好きです。

hana　私は“NEW WORLD”です。その後に何曲かレコーディングを重ねてきて、一番最初にフラットな状態でレコーディングしたのが一番良かったんじゃないかなって。“NEW WORLD”の最初の「lyrical school yeah!!」って掛け声もなぜか私がやったんですよ。それはALI-KICKさんがやってみてと言ってくださって、すぐOKを出してくれたんですけど、音源を聴いていてその時の自分の声が弾けていて良かったなと思ってて。 sayo　私も“NEW WORLD”で、リハーサルとかでもみんなで歌ったとき「やっぱり本当に“NEW WORLD”って良いよね」みたいな話をするよね。お披露目は初めてのことばっかりで、機械的に動いて、決められたことをやることに集中してしまってたんですけど、ライブを重ねるごとに少しずつですけど余裕が出てきて、改めて歌ってる時に本当に“NEW WORLD”の歌詞は心にくるものがあって、しみじみ思うんです。ライブでは“NEW WORLD”を最後にやることが多いんですけど、お客さんがうるうるしてくれていたり、最初は手が挙がらなかったけど、今はみんな一番最初のサビで手を挙げてくれる。“NEW WORLD”は最初の曲であり、ずっと歌い継がれていくんじゃないかなって。最高の曲から始まったし、これからもずっとそうなんじゃないかな。 mana　私も絶対に“NEW WORLD”です。最近MVを撮影した時のことを思い出すんですけど、うちらがまだ会ったばかりの時に撮影したじゃないですか。けど、今まで一緒にいた架空の思い出のビデオを作ろうという感じで、いろんなことをしたと思うんですけど、半年経ったら本当にそれが思い出になってるなって感じるし、あのMVを見るとすでに懐かしい気持ちになっちゃう。ライブでやると、他の曲とは違う感覚になるし、お客さんにもアンセムだねっていってもらえる。＜Coachella（コーチェラ）＞とかでやる時も絶対1曲目がいいなって勝手に思ってます。うちらがゆっくり上がってきて、バックライトに照らされて......って、そこまでイメージできるような一曲目なんですよ！　これからも大事にしていきたいです。

malik　僕は“House Party”ですね。仮歌を聴いた時、めちゃくちゃカッコよくて早くレコーディングしたいと思ったんですよ。あと僕が歌い出しで「準備はどう？」って言うんですけど、それがめっちゃ気持ちよくて。ライブを重ねるごとに盛り上がりが良くなっているので、個人的に好きって言ったらその曲ですね。 tmrw　僕は“DRIVE ME CRAZY”です。 mana　だと思ったー！ 一同　（笑） tmrw　この曲で僕がサビをメインで歌うんですけど、リリスクではサビをみんなで歌うのが普通なんですよ。ほとんど僕が歌っているので、単純に歌っていてめっちゃ気持ちいいんです。最初レコーディングした時、最初は音域の高さもギリギリで不安だったんですけど、何回も歌って、声が出るようになってきてからは、本当に気持ちいいですね。 ──minanさんはいかがですか？ minan　私も“NEW WORLD”です！　みんなの話を聞いてて、最初に出した曲が今でも一番好きだって言えるのもいいなと思ったんです。結成4ヶ月目くらいで＜SAKAE SP-RING 2023＞に出演したんですけど、新体制初の名古屋で、しかも初の音楽フェスで、私たちの次に出るバンドさんのファンの方々が2、3列目までいる。正直アウェイでどうなるかドキドキしていたんですけど、“NEW WORLD”を最後に披露したら、そのお客さんもみんな全員メンバーと同じように手を振ってくれた。色々な方々にも刺さる曲なんだと改めて実感して、大切に育てていきたいなと思いました。

──“秒で終わるYABAI夏”は、“秒で終わる夏”と“YABAINATSU”をアップデートさせたような曲ですよね。 minan　やべー夏曲できたなって（笑）。 一同　（笑） minan　なんかバカな曲やりたかったので、夏だし。新体制でもできるそういう曲が増えてめちゃくちゃ嬉しいし、コールアンドレスポンスとかも曲中に入れるようにして、ライブを重ねていくごとにアップデートされていくのも楽しいです。 ──過去の楽曲を下敷きに新しい曲を作るという発想が面白かったです。 キム　できるだけ何をやっても良いっていう感じにしたかったんですよ。今のEPの曲がこの8人の曲っていうのはその通りだし、僕からしたら今までの曲が全部リリスクの曲だから。この8人でどう調理しても何をやっても別に僕たちの勝手でしょ？　という風に思ってるんですけど、そういうことを徐々にやっていけたら良いと思っていることの一つでした。こういうことをやっていけたら面白いなって、A&Rの細田さんと話していて膨らむので。

──それでは最後に、グループとして、そして個人として今後の展望について教えてください。 ryuya　さっき＜SAKAE SP-RING 2023＞の話もあったんですけど、アウェイの環境で、周りのお客さんもリリスクの名前も何も知らない中で、音楽を聴いて手を挙げてくれるみたいなのって本当に素晴らしいと思ってて。僕的にはあそこがリリスクの出発点だった印象なんです。リリスクの音楽は色々な壁を取っ払って色々な方に良いと思ってもらえる音楽だと思うので。ジャンルやお客さんの層とか、 そういう壁を越えて、どんどんライブをしていきたいと思います。それと、個人では曲を作りたいなって思ってます。このチームのスタッフやメンバーってめちゃくちゃクリエイティブで、すごく刺激を受けるんですよ。そこで僕ができること、やりたいことは自分の曲を書くことだなって。そこでトラックだけなんですけど、MIX CD『ONE SECOND AWESOME SUMMER MIX』に曲を入れさせてもらいました。曲を書くことが自分に一番フィットしていて、バンドでギターを弾いていたバックボーンや、自分の聴いてきた音楽をアウトプットできるものだと思うので、今後は力を入れてやっていきたいです。生の楽器のエッセンスを入れた曲を作っていきたいと思ってます。 reina　ryuyaくんも言ってたんですけど、ライブを見ていいなと思ってもらえるパフォーマンスだったり楽しい雰囲気を作っていけたらなと思ってます。それとラップとは別に、写真を撮られることが楽しくて。リリスクの周りには素敵なデザイナーさんやカメラマンさんがいらっしゃるので、一緒に何か作品を作ることができたらなって思います。

hana　ryuyaくんの言う通りで、色々な層の方に刺さるようなグループになっていけたらいいなと思ってます。アイドルフェスとバンドの方々が出るような音楽イベントにも出させていただくことがあって。アイドルフェスは「推し」の盛り上がりがあるし、音楽フェスはいい意味でお客さんと距離感が保たれてるというか。そのどちらにも出演できるのがリリスクの魅力で、どちらの路線でもいけたらなと思う。Qeticで掲載しているコラムもより磨いていって、もっと大きなものにしていきつつ、そこから派生してZINEとか作れたらいいなって思ってます。 最近、写真を載せるとファンの方に「写真展ができたら行きたい」と言っていただいて。メンバーでも他の方でも、積極的に写真を撮影していきたいです。 sayo　自分はヒップホップを聴いてこなかった身として、リリスクの音楽はヒップホップを聞いてこなかった人がここまでハマれる音楽なので、もっといろんな人に聞いてほしい。枠とかジャンルをすっ飛ばしてリリスクだけの新しいジャンルを発信し続けられるかっこいいグループでいれたらなって思います。本当にみんないろんな才能を持っていて、明確に目標が決まっているメンバーも多いんですけど、私はやりたいことを模索中で。でもずっと歌うことが好きですし、声を使う仕事がしたいとずっと思っていました。minanちゃんのラジオに出演させていただいたり、全部勉強中なんですけど、声を使った仕事の幅を広げられるよう磨いていきたいです。 mana　今みんなが言ってくれたように、たくさんの人に聴いてほしいし、ライブを観てほしい。ryuyaくんがEPリリースの時にツイートしてたんだけど、アイドル好きもヒップホップ好きも、そういうのは関係なくて、全ての音楽好きに届いてほしい。まさにその通りだなってすごい思って、今のリリスクがやっている音楽はアイドルやヒップホップとかそういう型にはめられるものではないのかなって、やりながら思い始めてます。私もいろんな曲を聴くんですよ。ハロプロとかアイドルもすごい好きだし、Awichさんも大好き。もちろん洋楽も聴く。前にインタビューの時にmalikが、何になりたいわけじゃなくて「リリスクはリリスクとしてやっていけたらいいよね」と言ってて、それがもっとうちらの作る音楽やライブで表現できたらいいなって思います。ライブが1番楽しいし、ライブをいっぱいやりたいから、もっとこの8人のステージのクオリティを上げて、どこで誰に見られてもカッコいい、好きになってもらえるようなライブをできるようになりたいです。

──MIX CDにはmanaさんの曲も収録されてるんですよね？ mana　最初のオープニングの声と、あと自分が昔作った曲をリミックスして入れていただいています。趣味で曲を作ってたんですけど、でもそれはほんとに遊びで。2年前ぐらいにiPhoneのカメラがぶっ壊れてめっちゃムカついて曲を作ったんですよ。その曲をリリスクのオーディションの時に送って、面白いって言ってもらって、改めてちゃんとリミックスして、 人間が聴ける曲になったというか（笑）。ただの怒りだったものが作品になって「すごい！」と思って。だからそういうのをもっとやれたらいいなって。リリックを書くのは面白くて好きだし、ちょっと癖ある面白いラップが好きで、そういうのが好きだなと思って作った曲だから、もっとリリックいっぱい書きたいし、面白い曲を作りたいです。 malik　僕も今はとりあえずたくさんの人にリリスクを知ってもらいたいっていうのと、あと「リリスクっぽさ」を知ってもらいたいです。 〇〇っぽい、〇〇っぽくないとか、そういうことはどうでも良くって、リリスクはリリスクだから。リリスクをみんなの共通認識として作っていきたいです。あと、どこに出ても恥ずかしくない、カッコよくて、可愛い、感動を与えられるようなスキルを磨きたいです。

──“DRIVE ME CRAZY”のMVはmalikさんが監督してるんですよね。 malik　監督と原案にチャレンジさせてもらいました。僕、元々絵を描くのが好きで、とにかくクリエイティブなことが大好きなので、どんどんチャレンジしていきたいです。 tmrw　僕はリリスクのオーディションを受けるまで、リリスクの存在を知らなくて、YouTubeでライブ映像を見て、それで初めて知ったんです。アイドルについては概念をあまり持っていなかったんですけど、8人のリリスクは可愛いとカッコいいが共存してるすごい面白いグループだなと思って、そこをもっと引き立たせられたらなって思ってます。

──先ほどギターで弾き語りされてましたよね。 tmrw　リリスクに入る前はインスタで弾き語り動画を上げたりしてたんですけど、その時と今では歌い方がもうまるで違って。弾き語りって座ってるじゃないですか。 mana　（笑）。今立ってるもんね、ずっと。 tmrw　個人的に座って歌う方が好きで、しっくり来るんですよ。リリスクに入ってから、歌ってこなかった方法で歌ってるから、もっと自分にしかできない、自分らしい歌い方をしたいです。“DRIVE ME CRAZYも歌っていて新鮮で楽しかったです。僕もヒップホップを聴いてこなかったので、もっといろんな音楽を聴いて、知識を増やしていきたいなって。 malik　トゥモちゃんは楽屋とかでめっちゃ音楽聴いてるんですよ。めちゃめちゃ新しいヒップホップとかディグってて。 tmrw　最近はずっとJin Doggさんばかり聴いてますね。厳つくて、ザ・男らしいっていう人が好きなんです。男臭い、髭生えてて。本当は髭を生やしたいです。髭が似合う男になりたいですね。 mana　かわいい。“長瀬”っぽいって言われてたしね。 minan　“長瀬”目指しなよ！（笑）ギターとバイクとさ。本当にみんな色々できることがあるので、例えばryuyaくんが作った曲にトモちゃんがギター弾いて歌うとか、manaが作った曲に誰かがラップを乗せるとか、hanaが他のメンバーの写真撮るとか、メンバー間でクリエイティブを完結させるみたいなことができたらいいなって思ってます。それがカジュアルに、ちょっとやってみたみたいな感じで出していける環境があったらいいなって。

──minanさん個人としてはどうですか？ minan　うーん、そうだな。たくさん遊びに行く！ malik　一番可愛い（笑）。 minan　リリスクに全力投球するためにも、 ちゃんと息抜きできる自分の趣味とか好きなこととかをしっかり見つけようって思っていて。いろんな場所に遊びに行ったり、友達と会ったりとか、本読んだり、みたいなインプットもちゃんとしつつ、バランス取っていけたらいいなと思っています。健康第一！ キム　それぞれやりたいこと、やれることを見つけたり探したりしている中で、何でもすぐに試せる環境を作れないかって僕やminanは考えています。そんな遊び場が用意出来れば今は点でそれぞれに存在している個の力が、線になったり、上手くいけばもう少し立体的な見え方になっていくんじゃないかなって。その為にも、どんどんとにかく人が触れられるものを作るっていう、そういう癖や習慣をこのグループの中で作っていきたいですね。もっと言えば、この8人が好きで楽しくやっていることに、僕は個人的にめちゃくちゃ振り回されたい。「DJブースからめちゃくちゃ炎を出したいんですけど」とか言われて、「え！？」って俺が青ざめるみたいな関係であってほしい。そういうバランスになったら良いなって思ってます。

2008年9月の活動休止からおよそ10年の時を経て再び動き出したELLEGARDEN。2022年12月21日には、16年ぶりとなる6thアルバム『The End of Yesterday』をリリース。そして今夏、アリーナとスタジアム公演を含む大規模ワンマンツアー＜Get it Get it Go! SUMMER PARTY 2023＞を絶賛敢行中の彼ら。今回ギブソンでは、今年3月から4ヶ月間にわたって開催された＜The End of Yesterday Tour 2023＞ファイナルを目前に控えたタイミングの細美武士と生形真一を直撃。『The End of Yesterday』を号砲に突き進んできたELLEGARDENの現在地と＜Get it Get it Go! SUMMER PARTY 2023＞を完走した先に見つめるビジョンについて語ってもらった。

──まず、16年ぶりの新作となった『The End of Yesterday』について訊かせてください。再始動後に新たなピークとなる作品を出すというのは大変難しいことですが、客観的なリスナーとして今作ではそれが達成されていると感じました。今回ELLEGARDENは、何故そのようなことが達成出来たのでしょうか？ 細美武士（以下、細美）　今回の作品は、表面的に見れば16年前とすごく変わっているようにも聴こえると思うんです。でも俺たちは、初期からずっと日本のマーケットとか関係ないところで、世界のミュージシャンたちと張り合って音楽を作ってきたつもりだし、その時に思っていることを正直に自分の言葉で綴ることとか、そのスタイルが俺たちが大事にしてきたことなんですよね。だから今作でもそういう自分達の本質を変えるつもりはなかったし、まあ思い出の再現を一生懸命やるっていうやり方もあったのかも知れないけど、それをやってたら失敗していたんじゃないかなって今でも思ってます。あの頃の曲はあの頃の俺たちにしか書けなかったものだし、このアルバムはあの頃の俺たちには絶対に作れなかったものですからね。

──当然、想像を絶する産みの苦しみがあったかと思いますが、音源からはプレッシャーさえも楽しむかのように、また4人でできることが嬉しいという気持ちも感じられます。 細美　プレッシャーさえも楽しんでいるというよりは、これで最後だから痛みや苦しみも楽しもうっていう感覚でしたね。去年の2月にLAへ飛んだ時は「ここで目いっぱい出し切ったら全部終わりでいいや」っていう気持ちだったんで、全然曲ができなくて壁に頭を叩きつけるような苦痛が続いてもそれが明日なくなると思えば愛おしいっていうか。もちろんツラいのはツラいんですが、最終戦績は勝利にしたいっていう気持ちだけで突き進んでました。 生形真一（以下、生形）　ツラいっていうのは当たり前で、それも含めて充実感がありました。最初に、細美さんがLAでつくった曲のデモを聴かせてもらったんですよ。その時点で今までとは作り方から違っていたし、なによりその後メンバー全員でLAにレコーディングに行ったことが一番大きかったですね。日本とはまったく違う環境で、自分たちが本当に好きなものを作ったという感覚です。スタッフも一切なしで4人だけで作業したのって結成当時のレコーディング以来だったので、活動を始めたころの自分たちとリンクする部分があったし、こんなに楽しかったんだって。みんながすごく頼もしいなと思いましたね。この4人だったらどこに行っても怖くないなっていうのは、活動を再開して一番思ったことですかね。

──「The End of Yesterday」って、一度再生を始めたら途中で止めたくない、止められないアルバムで、なぜかなと考えてみたら曲順ひとつとっても相当考え抜かれているのかなと。 細美　音楽業界には「わかりやすいものを作らないと売れない」とか、「リスナーは新しい音楽を面白がらない」とか、くだらないことを考えてる人もいますけど、俺はいいものを作ろうと思うだけなんですよね。プロなんで。だからまったく遠慮せず徹底的にこだわってつくっています。最近は、歯磨きする時なんかに一番ターンテーブルに載せたくなるのは今回の自分たちのレコードです。自分で毎日聴きたくなるレコードを作るって、結構勇気のいることだと思うので、自分のバンドのことを誇りに思ってます。

──いつも二人のそばにあるギターについて聞かせてください。細美さんの歴代レスポールは全てスタンダードで、初代が1989年製、その後がヒストリックの1957年リイシュー黒（2006年製）、そして1959年リイシューのサンバースト（2006年製）ですね？ 細美　今回のステージでは’59をメインで使っているんですけど、’59と’57がいつも自分の中でワンツー争いをしています。’59は、とにかく「いいギターに巡り合ったなあ」と思える一本で、’57と比べるとちょっといい子ちゃんです。とにかくコード感が強いし、歪ませても6本の弦が全部見えるほどバランスがいい。LAレコーディング中にメンテナンスに出したんですけど、「すごいギターがきた！」ってショップが騒ぎになってたみたいです（笑）。反対に‘57はちょっと聞かん坊。荒々しくてカッコいい音がするけど、ときどきレコードの中で屋台骨をやってもらうのが大変だったりします。どっちも非常に愛おしい楽器ですけど、ELLEGARDENでエッジィな音を出す必要があるのはウブ（生形）のほうなんで、今回のツアー＜The End of Yesterday Tour 2023＞ではバランスがいい’59を使ってる感じです。

──細美さんのブログを読ませていただくと、ギターを道具以上のものとして捉えている印象を受けます。初代のレスポール1989年製は、折れたネックを4回修理しているとか。持ち替えるのにも長い時間をかけて真剣に悩んでしまうそうですね。 細美　ギターは何本も持ってますけど、本来俺は一本でいい派なんですよね。取っ替え引っ替えせずに、ずっと同じものを使っていきたいタイプなんで。そういう意味では’89は最初から最後まで俺の相棒としてそばにいてもらいたい。自分の分身みたいな感じですかね、あのレスポールは。自分を自由にしてくれるものに対しては、相棒みたいな感覚がすごくあります。 ──生形さんは、エルレ初期のほぼブリッジ側ピックアップが中心、ギターのコントロール類もフルで固定、とにかく大きい音を鳴らすという音作りの頃と今を比べると、弾き方、機材ともにいろいろ試行錯誤しながら、より多彩な音色や繊細な音作りに取り組むなど、職人的に機材の使い方を極めているように見えます。 生形　昔はボリュームなんて一個あればいいじゃん！と思っていたんですけど、過去のレコーディングで「アンプで歪みを落とすのもいいけど、ギターのボリュームを絞ってみて」って当時のエンジニアが教えてくれたことがあって、実際やってみたらすごくいい感じだったんです。当時は歪みやボリュームの調節を足でしか操作してなかったからすごく新鮮だったし、武器が増えた感じがして。そういうのも極めてみたいなとその時から思いました。

Gibsonの公式サイトではプレミアムインタビューの全編を公開中！4年ぶりとなる＜FUJI ROCK FESTIVAL '23＞へ出演する意気込みや、ELLEGARDENの今後について語られているので、ぜひ本編をチェックしてほしい。