由tricot、Genie High（ジェニーハイ）的主唱中嶋Ikkyu以及歷來支援了團團轉樂團（くるり）、BOOM BOOM SATELLITES、銀杏BOYZ等多數樂團的吉他手山本幹宗兩人組成的音樂企劃「好芻」發行了睽違1年半的迷你專輯《Mitaiken》。前作《Gakkari.》中處處可見的東方元素、有如闖入異世界般的印象在本作中也不變，也能感受到這張作品受到1990年代搖滾樂和電子樂變遷的影響。另外山本也初次挑戰混音。這次我們向他們請教了這張他們傾注心力的作品。

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ーー距離上次2022年秋天的Qetic訪談已經過了約1年半了。請先告訴我們在新冠疫情後半期間是如何創作《Mitaiken》這一張作品的。

山本幹宗（下略山本）：進入新冠疫情風暴後整個世界的情勢一瞬間巨變。疫情緩解期間的生活就像是前進三步又後退兩步一樣。這段期間生活慢慢回到以往的樣子，印象中當時隨著表演增加有漸漸變忙的感覺。

中嶋Ikkyu（下略中嶋）：《Mitaiken》是在有其他一般工作的期間製作的，所以真的很忙。當時忙到腦中都冒出了「衝動購物」和「大遲到」這種詞語，所以都是一邊聽一邊拚命用手機打歌詞。

山本：因為彼此都很忙，所以基本上都是遠端傳檔案和討論來製作的。那段期間一次面都沒見，一直到要拍MV才終於見到對方。見了面也幾乎都沒說些像是在討論的事情，頂多都是稍微閒聊。

中嶋：幹宗傳來的音源都像是素描一樣，每首我都只是想著要一邊享受這首歌一邊錄來上色這個作品。但我也沒有特別對他說像是「這一段這樣很棒耶！」之類的話。旁人看來可能會覺得好像我很冷淡，但我想這是因為我打從心裡覺得幹宗的歌很棒所以才會這樣。

山本：這一點倒是我們都一樣。Ikkyu填的曲都好到理所當然，會讓人忘記稱讚。基本上作曲時我們都不太說「再那樣一點、再這樣一點」，講的酷一點就是「用音樂在對話」的狀態。

ーー充滿東方氣息的氛圍和Ikkyu歌聲的詮釋共通貫穿了《Gakkari.》和《Mitaiken》兩張作品。

中嶋：我從以前就很喜歡亞洲的時尚、音階、食物和流行文化。當時聽了幹宗很有東方氛圍的歌時就覺得我們應該會很合。把東方的味道都鑲進旋律和歌詞後，MV的風格也就自然往這個方向來了。

ーー『Mitaiken』中收錄的歌曲大概是從什麼時候開始製作的呢？

中嶋：2021年的夏天寫完〈Delivery〉後，下一首是〈mitaiken（原名：未体験）〉。〈Delay（原名：大遅刻）〉、〈Any more（原名：衝動買い）〉和〈Cacao（原名：カカオ）〉3首是2023年3月表演時發現歌的數量不夠後一口氣寫完的。

山本：〈Delay〉和〈Any more〉兩首歌曲反映了當時的自己作曲形式呢。由於前一張作品的氣氛算是比較放鬆，所以打算做比較歡快的歌就寫了兩首。然後又覺得嗨歌好像夠了，所以就寫了〈Cacao〉。

ーー上一張作品《Gakkari.》在發行之前，原定的收錄歌曲裡有這張作品的歌曲呢。

山本：在決定《Gakkari.》的收錄曲時我選了〈Delivery〉，但Ikkyu推了〈Gakkari〉。Ikkyu在樂團裡的地位比我還高所以就變這樣了（笑）。

ーー（笑）。〈Delivery〉不論是樂器的聲響、氛圍乃至歌詞的用字遣詞，感覺都和1990年代的U2有共通之處。

山本：〈Delivery〉沒有明確的去參考什麼作品，只是用稀薄的第六感把對我來說不是真正的、從別人那聽來的那種「酷酷的」感覺拿來用而已。不過我是很喜歡U2，包括像是《Zooropa》（1993）、《Pop》（1997）那時期的作品。就連以前會自動被下載到iPod裡面，大家覺得「有點煩欸…」的歌我也喜歡。

中嶋：從幹宗那邊拿到這首歌第一次聽的時候，很不可思議的腦中浮現了像是科幻作品的情景，所以比起寫現在、這個瞬間的歌，我選擇把這首歌的時代感搞得亂七八糟。

山本：第一次聽Ikkyu唱時，我把「想要將好運帶給你（強運をデリバリーしたい）」聽成「今天也想叫外送（今日もデリバリーしたい）」，我還想說是不是製作期間懶得做晚餐所以連續叫UberEats。結果後來去錄音時第一次拿到印出來的歌詞，一讀才發現歌詞很棒。我就和Ikkyu說：「原來是這麼棒的歌嗎！？你是天才吧！」

ーー相對來說〈mitaiken〉則是自省的氛圍。

山本：不同於集中第六感來製作的〈Delivery〉，〈mitaiken〉是我為了獲得靈感，收集了許多key、速度、風格相似的取樣後循環那些片段來玩著做的。就在我覺得還差臨門一腳的時候Ikkyu就幫這首歌寫了很棒的曲。

中嶋：比起〈Delivery〉那種往來各個時代的浮游感，〈mitaiken〉的浮游感更像是浮在空中一樣，有種小孩在胡思亂想、飛向妄想的世界的印象。

山本：為了加強這個世界觀，我覺得做成像是《Screamadelica》（1991）時期的Primal Scream或當時的Andrew Weatherall的風格的話應該會很不錯，就試著加入了管樂和木吉他。然後因為好芻的歌原本全都是貝斯合成器，我就試著換成真的貝斯。

ーー山本先生這次也初次挑戰了包含〈mitaiken〉在內3首歌曲的混音。

山本：我在團團轉樂團的製作現場時認識一位非常厲害的工程師宮崎洋一先生。本來前後受了他照顧大概10年左右，我參與的作品大概有一半都是由宮崎先生混音的……。但突然就想自己試試看。從去年冬天開始收集器材，把自己逼到沒辦法回頭的狀況後就第一次挑戰混音了。

ーー兩位都各自在自己的領域做各種嘗試，讓我感受到這是一張在相互信賴的基礎上製作的作品。

中嶋：雖然也不是說術業有專攻，不過樂曲上由幹宗主導，並由他做出來的音源我比較喜歡。然後由我在不知道參考了什麼歌曲的情況下加上我的風格的旋律的話，那這首歌自然就會成為這個世界上還不存在的歌曲。我是這麼想的。

山本：比起說是配合步調、一起往同樣的方向性來製作，比較像是我們覺得蹦出來的東西很有趣。Ikkyu想的曲子絕對和我想像的完全不一樣但一定都很棒，這點很有趣。一句話來說就是很lucky。

中嶋：難得和別人一起製作，比起做出和預料之中的東西，更希望他和我都做出讓對方覺得「來這招嗎！」的東西。錯開步調比較有趣。

ーー本作有哪個部分特別希望大家注目的嗎？

中嶋：我個人在寫歌詞的時候，有像是「沒看過這些詞語擺在一起耶」、「沒聽過從這句歌詞開始的歌」之類的新發現，希望大家可以特別注意看看。

山本：只要不要1.5倍加速之類的話，大家願意聽我們的歌的話就夠了（笑）。這張作品的變化很豐富，收錄了各種歌曲而且整體風格統一的很好。果然Ikkyu的歌詞和歌聲很棒。作品中有很多訴說「要是被喜歡的人這麼想的話就糟了！」這種感覺的句子，如果這能成為大家的動力的話就太好了。

ーー最後請告訴我們好芻今後的展望。聽說你們的歌曲也已經在海外上線。

中嶋：我認為可以靈活的活動是最大的武器，所以想要以臨機應變的方式繼續樂團的活動。我自己也有個人的音樂活動，但我不是一個人能做全部的類型，所以需要非常多協助我的人。因此只有我和幹宗兩個人的好芻算是最極簡的企劃了。

山本：能讓許多人聽、並且說喜歡我們的歌的話就太好了。

ーーIkkyu小姐在tricot的巡迴演唱會也常常到海外表演，也有和中國的GriffO（鬼否）、台灣的大象體操一起表演過，和亞洲圈藝人的互動也不少呢。

中嶋：一起表演過的亞洲圈藝人們都很開朗而且很好聊，但音樂上都充滿技巧而且感覺大家對自己非常嚴格。

山本：我頂多10年多前有到韓國旅行過而已。不過前幾天有在阿佐谷的酒攤和來日本的韓國創作歌手還有他的團員一起喝酒，當時真的很嗨呢。

中嶋：就算是要去海外，只有我們兩個人的話到哪都可以表演，做我們自己想做的或回應他人的邀約都很容易。

山本：唱歌的人可能覺得很棒，但唱歌以外的事情都會變成我要做，所以可以的話希望可以有樂團團員跟著（笑）。

tricotやジェニーハイのボーカリストである中嶋イッキュウと、くるり、BOOM BOOM SATELLITES、銀杏BOYZなど数多くのバンドでサポートギタリストを歴任する山本幹宗による音楽プロジェクト、好芻（スース）が約1年半ぶりとなる5曲入りの2nd Mini album『Mitaiken』をリリースした。

前作『Gakkari.』で発揮した、オリエンタルなエレメントを散りばめた、異世界に迷い込んだような印象は変わらず、1990年代のロックと電子音楽を繋ぐムーブメントの影響も感じさせる作品となった。また、山本は初めてミックスにも挑戦。意欲的に向き合ったという本作について話を聞いた。

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──前回Qeticでインタビューしたのが2022年秋で、それから約1年半が経ちました。アフターコロナの中でどのように『Mitaiken』を創り上げたか、まずはその振り返りから聞かせてください。

山本幹宗（以下、山本）：コロナ禍に突入する時は世の中が一気にズバッと変わりましたが、コロナ禍明けは三歩進んで二歩下がるような生活でした。その流れの中で日常が戻ってきたので、ツアーが増えるにつれじわじわと忙しくなっていった印象がありますね。

中嶋イッキュウ（以下、中嶋）：『Mitaiken』は通常のお仕事もある中での制作だったので、本当に忙しくて。歌詞の中にある「衝動買い」や「大遅刻」という単語が浮かぶくらい時間がなかったので、曲を聞きながら携帯でバーって詞を打ち込んで書いていました。

山本：お互い多忙だったので、基本的にリモートでファイルのやりとりをしながら制作を進めました。“衝動買い”と“大遅刻”の制作中は一度も会っていないし、ミュージックビデオの撮影で初めて会ったくらいでしたね。打ち合わせのような会話も殆どなくて、雑談をしたくらいで。

中嶋：幹宗さんから届いたスケッチ的な音源は、楽しんで歌を入れたいなって思うものばかりで。ただ、「ここがこうでいいですね！」みたいなことは特に言わず。傍から見たら淡々としているかもしれませんが、それは幹宗さんの楽曲を心から良いと思っているからこそなんです。

山本：それはお互いにそうですね。イッキュウさんがつけてくれた歌は、褒めるということも忘れるぐらい当たり前にいいものなんです。基本的には曲を作る上で「もっとああしてくれ、こうしてくれ」というのは言わず、カッコよく言えば「音楽で会話している」状態でしたね。

──『Gakkari.』と『Mitaiken』を通して、オリエンタルな雰囲気やイッキュウさんの歌い方が共通しています。

中嶋：昔からアジアのファッション、音階、食べ物などポップカルチャーが感覚的に好きで、オリエンタルな雰囲気が幹宗さんの曲を聞いたときに合いそうだなと思ったんです。オリエンタルテイストをメロディーとか歌詞にも散りばめて、PVもその方向に自然と寄っていきました。

──『Mitaiken』の収録曲はいつごろから制作していたんですか？

中嶋：2021年の夏頃に“Delivery”ができ、その次が“未体験”。“大遅刻”、“衝動買い”、“カカオ”の3曲は、2023年3月のライブの時に曲数が足りないことに気づいて、一気に作りました。

山本：“大遅刻”と“衝動買い”は、当時の自分のモードが反映されていますね。前作が緩んだムードだったので、ノリのいい曲も作りたいと思って2曲完成させて、ノリノリはもういいかなとなって“カカオ”を作りました。

──前作『Gakkari.』のリリース以前から、今作の曲も入っていたんですね。

山本：『Gakkari.』の収録曲を決めるときに、僕は“Delivery”も推していたんですけど、イッキュウさんは“Gakkari”を推していたんです。僕よりイッキュウさんの方が上なので、バンド内ヒエラルキーが（笑）。

──（笑）。“Delivery”はサウンドの雰囲気も、詞の選び方も、1990年代のU2に通じるものがあるような気がします。

山本：“Delivery”は明確なリファレンスがあるわけではないんです。僕にとってオーセンティックではない、うっすら聞きかじってきた「イケている感じ」のフィーリングを、うっすら第六感で持ってきました。ただ僕、U2はかなり好きですね。『Zooropa』（1993）、『Pop』（1997）あたりのアルバムも含め。昔、iPodに自動的にダウンロードされて、皆が「ちょっとうざいなあ…」と思う曲すら好きでした。

中嶋：幹宗さんから曲を貰って聞いた時に、不思議なSFのようなイメージ浮かんだので今・現在について書くよりも、時代をごちゃごちゃさせた感じにしました。

山本：最初に歌を聞いた時、《強運をデリバリーしたい》が、《今日もデリバリーしたい》って聞こえて、「制作中に晩御飯作るの面倒くさくて連続でUberEatsしちゃったのかな？」って。その後レコーディングの時に初めてプリントアウトした歌詞をもらって読んでみたらすごく良い内容で。「こんないいこと歌ってたの！？　君、天才じゃないか！」って言いました。

──対象的に“未体験”は内省的な雰囲気です。

山本：第六感を集めて制作した“Delivery”と違って、“未体験”はキーとかテンポが似通った、テイストが近いサンプルをたくさん集めてループさせて遊んで何かアイディアを得ようと制作していたんです。でも、いまひとつ形になりそうにないなって思ったときに、イッキュウさんがすごくいい歌をつけてくれて。

中嶋：“Delivery”みたいに時代を行き来する浮遊感というよりは、空に浮かぶ浮遊感があり、子供が物思いに耽ったり、妄想の世界にに飛んだりするようなイメージが浮かんできました。

山本：その世界観をさらに強力にするために、90年代初頭、『Screamadelica』（1991）の頃のプライマル・スクリームとか、その頃のアンドリュー・ウェザオールとかそういう感じにしていくと良さそうだなと思って、ホーンセクションやアコースティックギターを追加したり。好芻は元々全部シンセベースだったんすけど、生のベースに差し替えたりして。

──山本さんは、“未体験”を含め5曲中3曲でミックスにも初挑戦されています。

山本：僕は元々、くるりの現場で知り合った、宮崎洋一さんという素晴らしいエンジニアの方に10年ほどお世話になっていて、僕の関わっている作品の半分くらいは宮崎さんがミックスしているのですが……急に自分でもやってみたくなっちゃったんですよね。去年の冬ごろから機材を揃えて、後戻りできない状況に自分を追い込んで初挑戦しました。

──お二人がそれぞれ自分の領域で色々と試しているし、信頼関係がベースにあって制作された作品なんだな、と。

中嶋：「餅は餅屋」じゃないですけど、楽曲的には幹宗さんがリードしてくれて、オケは幹宗さんが作ったものが良いと思っているんです。それで、リファレンスは知らないまま私が自分っぽいメロディーを乗せると、自ずとまだ世になさそうな曲になりそうとは思っています。

山本：足並みをそろえて、同じ方向性を見て作ろうというよりは、出てきたものを面白がってるっていう感じかもしれないですね。イッキュウさんが考えてくれた歌って、自分が想像していたものとは絶対違っているけれど絶対に素敵で、それがすごく面白い。一言で言うとラッキーですね。

中嶋：せっかく人とやるなら、思い通りにというよりは、「そう来たか！」って思いたいし、思わせたいですね。足並みは揃えない方が面白いのかなとは思います。

──本作の特にどのあたりに注目してもらいたいですか？

中嶋：私としては、歌詞を書きながら「見たことがない言葉の並びやな」「この歌詞から始まる曲聞いたことないな」など新しい発見があったので、それを見てもらいたいです。

山本：1.5倍速とかじゃなければ、聞いてくれるだけで十分です（笑）。バリエーション豊かに、色んな曲が入っていてサウンドはいい感じにまとまったと思うんですけど。やっぱりイッキュウさんの歌詞、歌が晴らしいですよね。「好きな人にこう思われたらまずいな！」というフレーズがたくさん入っているので、それがモチベーションになったら嬉しいですね。

──最後に今後の好芻のビジョンを教えてください。海外配信も計画していると伺いましたが。

中嶋：動きやすさが一番の武器だと思うので、柔軟に活動していきたいです。私はソロでも活動していますが、一人で全てできるタイプではなくて、協力してくれる方がたくさん必要なので、幹宗さんと2人でやっている好芻が一番ミニマルなプロジェクトです。

山本：色んな人に聞いてもらって、好きだと言ってもらえたら嬉しいです。

──イッキュウさんはtricotのツアーでよく海外に行ったり、中国のGriffOや台湾のElephantGymと対バンするなど、アジア勢との絡みも多いですよね。

中嶋：アジア圏の対バンした人たちは気さくで話しやすいんだけれど、音楽的には技巧的でストイックな印象がありますね。

山本：僕は10年以上前に韓国旅行に行っているくらいなんですけれど、先日阿佐ヶ谷の飲み屋で、来日してた韓国のシンガーソングライターと、そのバンドの方たちと飲んで、大盛り上がりしましたね。

中嶋：もし海外に行くにしても、2人ならどこでもライブができるし、自分たちのやりたいことも、応えることもしやすいのかなって。

山本：歌う人は良いと思うんですけど、それ以外のことを僕が全部やることになるので、できればバンドがいてくれると良いですけどね（笑）。

オルタナティブなソウルやR&B、ジャズが枠を超えていく流れやサイケデリックロックのうねりなど、さまざまなジャンルや時代の息吹を、独自のプログレッシブかつポップなミクスチャー感覚で練り上げ、ライブハウス、ひいてはJ-POPシーンに新たな風を巻き起こす。大阪を拠点に活動するum-humは、2019年の春にバンドとして本格的に始動して以降、コロナ禍にあってコンスタントにリリースを続け、ライブを重ねることで持ち前のセンスを磨いてきた。

そんな彼らが、5月17日にリリースする『U-MOON』を皮切りに、連続でシングルリリースを重ね、最終的に2枚のEPに繋げる企画を発表。そこで今回はメンバー4人全員に集まってもらい、あらためてum-humとはどんなバンドなのかを紐解くべく、それぞれのルーツを振り返ることから始まり、バンドとしての指針、リリース企画の意図、未来のバンド像などについて話を訊いた。

──まず、みなさんがどのような音楽やカルチャーに触れてきて、それらがum-humの音楽にどう作用しているのか、話を聞かせていただけますか？

ろん　音楽をやり始めたのは、indigo la Endや相対性理論、tricotのような、独自性の強いポップなセンスのあるバンドを好きになった頃でした。そこからしばらくして、僕の好きな日本のバンドやポップアーティストが、ロバート・グラスパー（Robert Glasper）のような現代のジャズに目を向けるようになっていく流れを感じて、そのあたりの音楽を聴くようになったんです。

彼やその周辺のアーティストが、トラディショナルなジャズがルーツにありながらもジャンルや形式に捉われることなく、自分たちのやり方で音楽性を拡張しているところに魅力を感じました。だからum-humも、um-humだからこそ作れる曲がどういうものかを追い求めています。

──今名前は挙がりませんでしたが、ろんさんの大きなルーツはビートルズ（The Beatles）だと公言されていますよね？

ろん　はい。僕の根っこであり、今でもいちばんよく聴いていると思います。

──The Beatlesのどの時期が好きですか？

ろん　1966年～1967年、『Revolver』、『Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band』、『Magical Mystery Tour』期が特に好きですね。だからum-humが始まった頃は“オルタナサイケ”と自称していたんですけど、「そこまで言うほどサイケじゃないな」と思って、プロフィールからこっそり消しました（笑）。ほかにもザ・フー（The Who）や90年代だとブラー（Blur）など、UKロックからの影響は強いです。

──ザ・フーやブラーのどのようなところに影響を受けましたか？

ろん　曲を参考にしているというよりは、概念的な部分ですね。オアシス（Oasis）よりブラーみたいな。ザ・フーもブラーも、音楽的に一つのところで定住していないじゃないですか。一本で突き通さない、けどそこに圧倒的な“らしさ”がある。だからum-humも、キャリアを通して「こういう音楽がやりたい」みたいものはないんです。どんな音楽かをあえて言葉で説明するなら、宇宙人っぽい感じ。得体が知れないみたいな。

──小田さんはいかがですか？

小田　私はバンドをやっているんですけど、バンド音楽をほとんど聴いてこなかったんです。宇多田ヒカルや、湘南乃風、K-POPなどはラジオで流れてきたことがきっかけで、すごく好きになりました。でも、正直ぜんぜん詳しくないし、好きだからこそあまり知りたくないという感情もあります。

──知りたくないのはなぜですか？

小田　私は幼い頃から“何か作品を残したい”という気持ちを漠然と持っていて、小学校5年生あたりから、ピアノで気持ちいい音を探して弾いてみて、そこに歌詞をつけて歌う、みたいなことをしていたんです。そこで、あまり好きなアーティストについて掘り下げすぎちゃうと、引っ張られる部分も出てきちゃうじゃないですか。

──そうするとオリジナリティが失われる。自分の感性で書きたいという感情ですか？

小田　それもあるんですけど、自分がリスペクトする人から何かを盗んでいるような感覚になってしまうことが嫌だったんですよね。

歌詞の鋭さやシニカルなユーモアはどこからきているんですか？　例えば景色なのか、映画なのか、本なのか。

小田　私は自然に触れることや景色を見ることが大好きで、常に公園にいるんです。そこで空を見上げたときに、町の装いは変わったけど空は変わないままで、ずっと昔の人も同じ青色を見ていたんだな、とか思うんですよ。もしかしたら100年前の中原中也も同じような感じで詩を書いていたかもしれない。そんなことを考えながら、自然や景色から感じたことを書いていくことが多いですね。

──そう考えるとドキドキしますね。リズム隊のお二人は、um-humに入る前からプレイヤーとしての腕を磨かれていたんですよね？

Nishiken!!　小学生の頃、住んでいる地域のイベントでクラシックのブラスバンドの演奏を観た時に、めっちゃいいなって思いました。それで、中学から吹奏楽部に入ってクラシックをメインに聴いて打楽器を演奏するようになったんです。でもある時期から、楽譜通りに演奏することに飽きてきまして。ドラム譜も全部書いてあって、それを勝手に崩してよく怒られていましたね。

でも自分的には崩したことによってバチっとはまる瞬間があって、この感覚は何だろうって自分なりに調べてたところ、ジャズのアドリブに近いと気付いたんです。それでビッグバンドジャズができる高校に入って３年間を過ごしました。だから、僕のルーツは大きな編成のクラシックとジャズ。それがum-humという4人組バンドの音楽性に活かされているのかというとそうでもないように思いますけど、だからこそ、新鮮で楽しくてここまできました。

たけひろ　僕は父の影響で、小学校に上がる前から60年代のファンクを聴いていました。特に好きだったのは、パーラメント（Parliament）やファンカデリック（Funkadelic）、いわゆるPファンクですね。ほかにもいろんな音楽を聴くんですけど、ルーツは完全にファンクです。じゃあum-humの音楽を構成する要素として意識的にファンクを打ち出しているのかというと、少しニュアンスが違うような気がします。自分の体に染みついているものが自然に出ているような感覚ですね。

──そしてファーストシングル『Gum』をリリースしてから3年が経ちましたが、振り返ってどんなことを想いますか？

小田　「幼い頃から“何か作品を残したい”と思っていた」と言いましたけど、付け加えると、私はそれが長く生きることより大切だと思っているんです。不謹慎だと言う人もいるかもしれないけれど、納得のいく、満足できる作品ができたらいつ死んでもいい。それが28歳なんじゃないかって、ほんとうに昔から、なぜか28という数字がずっと頭の中にあって不思議です。

──28歳って、けっこうすぐじゃないですか。

小田　結局ぜんぜん満足できずに作り続けている気がしますけど。でも、作品は私が死んでも生き続けてくれるから、とっとと100パーセント満足できるものを仕上げて、私は死後の世界とやらを見に行きたい。そんな気持ちはやっぱりあります。じゃあ、私はどこで何を作ればいいのか。いろいろ考えていた時期もあったんですけど、今はum-humに全額ベットしています。保険みたいなものは作りたくなかったから学校も辞めましたし。

──小田さんにそこまでさせたum-humの魅力って何ですか？

小田　なんなんでしょうね？（笑）。そもそもバンドをするということ自体、私以外の3人も含めてよくわかっていなかったところから始まって、「eo Music Try」でグランプリを取れたとか、レーベルから声がかかったとか、お客さんからいい反応をもらえたみたいな、うれしい評価の積み重ねでモチベーションが上がっていった部分もありますけど、ろんが言った得体のしれない宇宙人みたいなところにワクワクするっていうのが、いちばん大きいですね。

ろん　そんなこんなで気が付いたら3年。僕らは制作が好きで、曲を作っている間は時間を忘れるので、ここまであっという間でしたね。

──毎年シングルとミニアルバムをリリースし続けてきましたからね。

ろん　2021年の2月に『2O2O』を、2022年の1月に『steteco』とミニアルバムを出して、この5月からシングルリリースを続けて、2枚のEPに繋げる予定です。今回のEPはビートルズでいうところの赤盤、青盤的な位置付けですね。言わば名刺代わりのような作品。実は、ここまでの予定は2020年の段階で決めていました。

──なぜ決めていたのですか？

ろん　目先から二つ三つ先くらいまでを決めて、そこに向かってアプローチしたほうが楽しいと思ったんですよね。

──では、『2020』から『steteco』、そして今回までには、どのような流れがあるのでしょうか。

ろん　『2020』の1曲目“Ungra”という曲のタイトルの元は“アンダーグラウンド”。アンダーグラウンドな音楽と言う意味ではなく、活動当初のum-humの立ち位置を言葉で言うとしたら地下、みたいなイメージです。どのブッキングライブに出ても浮いていて、僕は対バンと積極的にコミュニケーションを取るタイプでもないので、いつも孤立していましたから。あとはコロナ禍の真っただ中ですごく疲れていましたし、作る曲もどんどんパーソナルに、閉鎖的になっていく。まるで地下の駐車場をのたうち回っているゾンビみたいな感覚でしたね。

小田　バンドから、なんか漂っていたんですよ。アンダーグラウンドなにおいが。

ろん　そういうヤバい感じも好きなんでけすどね。でも、さきほども話しましたが、もっと宇宙人みたいな得体の知れなさや、宇宙を感じるような曲を作りたいという想いも強くて、それなら「Ungra」（地下）から地球を突き抜けて宇宙へと飛び立つような作品にしようと思いました。そして宇宙が見えてみた瞬間を描いた曲が最後の“space interval”です。

──そして2枚目の『steteco』では、一気にポップな強度が増したように思うのですが、それは地下から出たからですか？

ろん　『steteco』は地球を勢いよく飛び出したあと、ちょっと休憩がてら寄り道してみよう、みたいなイメージだったんです。だから『2020』のようにアルバムとしての流れが決まっていたわけではなく、気まぐれ、フィーリングで曲を作っていきました。そのなかで、全体的にもっとメロディが際立つ曲を作りたいという気持ちはあって、楽器の音を削ぎ落しながら作っていったので、ポップに感じられたように思います。楽器隊の良さを伝えつつ、いかに歌をプッシュするか。

──はい、まさにそうですね。

ろん　リズム隊の二人はバックグラウンド的に、手数の多い技巧的なタイプなので苦労したように思いますけど。

たけひろ　確かに、聴いてきた音楽がインスト系ばかりだったので、歌をプッシュするためのアプローチはけっこう難しかったですね。

Nishiken!!!　僕もジャズやフュージョンが好きで、プレイヤーとしてもそっち寄りだったので、歌を際立たせるには手数が多すぎると思いました。だから頭をフラットにして、全部8ビートやシンプルなビートにして、そこからさらに引き算するのか、少し足すのか、そういう発想でアレンジをしていたんですけど、すごく楽しかったです。最近は、もう8ビートを叩きたくて仕方がない（笑）。個人練習では延々と叩いていますね。

たけひろ　うん、シンプルな8ビートがいちばんカッコいい。手数で勝負するのって、けっこう日本人的な気がしますね。それこそロバート・グラスパーや、彼の参加するディナー・パーティー（Dinner Party）なども、完全に手数減らして聴かせにいってますし。

──小田さんは歌がフィーチャーされたことで、ご自身に何か変化はありましたか？

小田　私はum-humが最初のバンド/ボーカリスト体験で、それにしてはハードルの高い曲ばかりでなかなか大変なんですけど、『steteco』の曲は少し歌いやすくなっていたような気がします。あとは歌によりフォーカスを合わせたことで、フロントマンとしての意識がめちゃくちゃ変わりましたね。シンプルに責任感が上がりましたし、それによってライブで使うエネルギーも、今までの全力を遥に超えてきて、半端じゃない。それが楽しいんです。

──今度の2枚のEPが楽しみです。

ろん　『steteco』は地下から地球を抜けて宇宙的な世界観のなかで作った作品です。でも、地下のにおいがするum-humも好きだから、そういうドープな側面やパーソナルな遊び心を、それを後半で打ち出した作品でした。その結果「『steteco』の後半が好き」と言ってくれる人もけっこういるんです。

──私も、ドロッとしたサイケの質感とドリーミーなカタルシスの同居する世界観が凄く好きです。

ろん　そうやって言ってもらえると、um-humの持つバリエーションやレイヤーが伝わった気がして、抱きしめたくなります（笑）。今回の2枚のEPは1枚で一つのアルバムになるイメージとボリュームのなかで、そういった宇宙的なum-humと深く潜ったum-humの魅力を、これまでとはまた違った今のモードで体現している部分もあって、かなり楽しんでもらえると思います。

──なぜ1枚にまとめなかったのですか？

ろん　アナログ盤が好きで、でも今は配信が中心だからA面とB面で裏返せないじゃないですか。だったら二つにわけたほうが、それに近い聴き方ができるんじゃないかと思いましや。

──これからリリースがあって、2023年下半期は忙しくなると思いますが、さらにそこからどんなバンドになっていきたいですか？

ろん　音楽的な方向性についてはジャンルを気にせず足取り軽くいたいし、um-humにしかできないことをやっていきたい。そのマインドはこれからもずっと変わらずあるような気がします。とはいえ、ジャンルやシーン、コミュニティって、確かに存在するじゃないですか。

──はい。

ろん　例えばサブスクで、もともと好きだったバンドの関連アーティスト欄からum-humを好きになってくれた人もいるでしょうし、ファンベースの近いバンド同士が一つの塊として盛り上がっていくこともある。それらのバンドの間に共通した何かがあるという感覚は理解できますし、僕らも少なからずその恩恵を受けている部分もあるから、括られることが嫌だというわけではないんです。

でも、そういう音楽業界のムーブには乗りたくないという気持ちも強いですね。他のバンドと人間的には一緒にやっていこうという意志はあっても、音楽的には違うもの、um-humでしかない後世に残っていくものを、時代やシーンの流れのなかに、傷のように刻んでいきたいと思っています。

小田　今回の2枚のEPはこれまでの集大成。これはリスナーへの問いかけだと思っています。それで反応が悪かったら悔しがってまた必死で作るだろうし、反応が良かったら、きっと楽しくなってまた作る。作品なのでどう思われてもいいんです。私たちは作って問いかけ続ける。その繰り返しだと思っています。

Nishiken!!　ワンマンライブをやりたいです。自主企画やブッキングライブの尺だと伝えきれないこともあるので、um-humらしさをしっかり感じてもらえる機会を作りたいと思っています。

──First of all, could you tell us how this project was started?

Nakajima: I recall we, Kanji-san and I, were having dinner together at the beginning of last year, and we joined forces… how did that happen again?

Yamamoto: I’ve been having tea and dinner with Ikkyu-san on a regular basis, and of course we have met on work as well. Every time we met, we would say something to the effect of, "It would be nice if we could do something together," or something like that, but it seemed like we never actually said it [Laughs]. But we had done one song before, right? The one about wandering around Shinjuku late at night.

Nakajima: Oh, that was for my solo work [Laughs]. Rather soon after we said, "Let's do it," and you sent me a demo that later became Blue Boat. As I recall, I sent it back with a vocal track on it right away.

Yamamoto: Yes, that's right. I also quickly made the first demo that would later become YES. When I heard the melody and vocals that Ikkyu-san sent me, I thought, "This is it, this is the one!!"

Nakajima: Soon after that, tricot left its previous management and I became occupied with all the things we now had to do ourselves. tricot became like self-management for about a year and a half, and I had a lot of responsibilities besides music, so I left it alone. But things finally seemed to settle down, so I asked Kanji-san, "Are we still on for that thing?"

Yamamoto: Actually, I had already received the terms of the contract from the label when we first got together. Then, some time later in the year, I received a LINE message from Ikkyu-san. That was around March, I think. From there, the project was completed in almost no time at all [Laughs].

──How did you two meet in the first place?

Nakajima: I don't remember how many years ago, but when Kanji-san was doing support guitar for BOOM BOOM SATELLITES, tricot was invited to perform for a two-man show and played in Osaka and Nagoya. Also, Yoko-san (Yoko Fukuda), who was playing drums for BOOM BOOM SATELLITES at that time, had also played drums for tricot as well.

Yamamoto: I didn't know that.

Nakajima: So tricot and BOOM BOOM SATELLITES had been in contact through that, but Kanji-san and I became good friends at the afterparty, right? I was still living in Kansai at the time, but after I moved to Tokyo, we started hanging out more. That is how we began interacting with each other. You even accompanied me when I went to buy a guitar, isn’t that right?

Yamamoto: Yeah, that time with Yoshida-kun(Yusuke Yoshida, drummer of tricot) too. Ikkyu-san is of course a wonderful singer and songwriter, but while I wanted her to continue doing what she’s doing, I had an idea in my mind like, “I want her to try this or that,” and I wanted to work on it together.

Nakajima: When I first decided to do a solo project, I offered to have Kanji-san play the guitar. That was the first time we played music together for “work”. After that, I got extremely busy and didn't have time to do my own solo work, but I had always wanted to continue because I thought that if I could express a part of myself that was neither Jenny High nor tricot through this project, and if it was with Kanji-san, I would be extremely happy. He said he would even make the track for me, and all I had to do was put my part on top. Easy! [Laughs] Because he is a person I can trust 100% musically, I feel like I can just leave it to him.

──I imagine you must have been very motivated to start a new project while both of you are extremely busy.

Yamamoto: At first, we were joking and saying things like, "We're aiming to become the Enon Kawatani of Japan’s ‘Reiwa Era’." I wanted people to think, "These guys are doing so much at once."

Nakajima: Hahaha.

──How did you go about the songwriting process?

Yamamoto: At first I asked Ikkyu-san, "Do you have anything particular you want to do in mind?", and she sent me about 20 K-POP songs. Not only that, she sent me the links for each song one by one, not all together in a playlist, so it took me some time to check them all [Laughs]. I also like K-POP music, but I thought it would be difficult to use it as a reference ...... K-POP is difficult, right? [Laughs]

──You two are both into K-POP.

Nakajima: I started out with BLACKPINK, and now I'm really into Kepler.

Yamamoto: Really heavy stuff, yeah? I'm more into TWICE, Soul/R&B, and Kayokyoku stuff. So I said, “Let’s forget about K-POP for a while.” [Laughs]

──Blue boat has a bit of a vaporwave or city pop feel to it, doesn't it?

Yamamoto: Ikkyu-san sent me some non-K-Pop songs as references as well and I found the one I liked. I used it as a reference and made it into Blue boat with my own chord progression I often use. The so-called "Dream Pop" feel wasn't something I was trying to achieve, but it gradually became a part of my work.

──By the way, what kind of songs other than K-POP did you send to Kanji-san?

Nakajima: Tune-Yards, which I have always liked. I tend to like a relatively tight and minimal sound. Of course, I think there was a Dream-Pop kind of song in there too. Not a link to streamings or anything, but there was a video from Instagram of a sexy woman singing [Laughs], and that was kinda Dream Pop, wasn't it?

Yamamoto: That's right [Laughs].

Nakajima: That person is a friend I met when I went on tour in the U.S. with tricot, but I had no idea she was doing music when I first met her. Later, I followed her on Instagram, and one day I saw a video of her playing synths, bass, guitar, and other instruments by herself. I really liked that. She doesn’t put it on streamings or YouTube, and now that I think about it, she might only be seriously active on Instagram.

Yamamoto: We DM'd that person and asked, "Who's mixing this?" with Ikkyu-san’s ~perfect English~ [Laughs]. I thought it would be more interesting to ask someone who is not a so-called "professional" to do it because sometimes that kind of touch can give a stronger taste to the finished product. It was very hard because of depreciation of the yen, though. The yen kept dropping until the moment we paid. I would wake up in the morning, look at the exchange rate, and think, "Oh, the dollar is going up again……." I never thought that I would be the one to suffer these kind of consequences.

──Did you make most of the songs together?

Yamamoto: We asked Emi Nishino to play the keyboard for two songs. But overall, I thought it would be better to make the songs sound more like programming than human playing. So from the initial demo stage to the final version, very little has changed. Except for Ikkyu-san's vocals and my guitar, which we re-recorded in the studio, the equipment and tones stay the same as in the first demo.

Nakajima: The only major change was in gakkari. This song had been neglected for a long time, but I liked it so much that I told Kanji-san about it, and he rearranged it for me.

Yamamoto: gakkari only had one chorus. To complete it, I had to make it longer, which was honestly a pain in the ass [Laughs]. So, once the chorus comes, the rest of the song repeats itself, and before you know it, it's over. Incidentally, I recently bought a new soft synth, and the synth sounds were created while I was having fun playing around with it.

──Were The Melody and lyrics written by Ikkyu-san?

Nakajima: Yes. But mostly Kanji-san created the whole tracks and I just put the melody on top of it. It was like, Kanji-san sent me the short demo first, I put the melody over it, then he completed the whole song structure, and I sang over it. The song was usually finished in about two turns.

──Night Market has a very elaborate chord progression.

Yamamoto: I used augmented chords for the first time in my life [Laughs]. That's the only song I've written recently. I've been working on this album for about a year now, so I'm totally a different person than I was when we first began working together.

Nakajima: I feel completely different now than I did a year ago.

Yamamoto: When we first started making the song, it was a simple oldies-like chord progression of regular triads with minor sixth added, but gradually I wanted to add tensions. Also, I had not used the synth bass much in the past, so I wanted to use it this time.

──How did you go about writing the lyrics?

Nakajima: I tried not to take things too seriously for most of this project. I pretty much wrote gakkari with picking my nose the whole time, don’t worry it’s just a joke [Laughs]. But honestly, I don't think about anything at all. I just like the way the sound fits the words and the melody. I especially like the chorus.

Yamamoto: The chorus melody and lyrics are great.

Nakajima: I want it to be used on TikTok or something.

──[Laughs]How did you come up with the name of the project, “SUSU"?

Nakajima: We thought about it a LOT. I made a list of about 20 ideas with annotations like, "This has this meaning…” I showed it to Kanji-san and the staffs, and they both instantly said, "This is it!" My brand is called “SUSU." My solo project was also under the name “SUSU by Ikkyu Nakajima.” I think that if I collaborate with brands in this way, this SUSU will become even more interesting.

Yamamoto: What is interesting is that the name “SUSU," the band's sound, and the atmosphere of "SUSU" are in perfect synch with each other.

Nakajima: A music video will be released soon, and I hope you will take a look at it because it is very interesting and has a great atmosphere, with many people wearing SUSU clothes. This is the team that uses music more freely than any other team I have been involved with. I am very happy to be able to be so deeply involved in the visual part of the project. I have already left most of the musical aspects to Kanji-san, so I would like to "piggy-back" on each other, making up for any shortcomings.

──How do you plan to develop SUSU in the future?

Nakajima: I want to have a lot of people listen to our music and earn money so I can move house[Laughs]. Also, if it sells absurdly well, I would like to be covered in brand-name products. It's a project that is riddled with desire.

Yamamoto: Even if it sells well, it’ll probably only be enough for one more side dish [Laughs].

Nakajima: But I don't think there will be more side dishes unless the listeners also benefit from the enjoyment, so I want to devise ways to make the activities and the music itself more interesting so that they can enjoy a lot. Since I started this project in my 30s, I would like to invite members who are fun to be with, even if we expand overseas. Of course tricot is fun too! [Laughs]

Yamamoto: If we were to do a live concert overseas, I would like to stay there for five days and do one concert in the middle [Laughs]. I want to do it in a warm place. Hawaii, Guam, or New Caledonia would be nice.

Nakajima: In many ways, I want to have some room to spare. tricot does spirited activities and that's what attracts people, but I think this project should be in a different position from that.

──まずは結成の経緯から教えてもらえますか？ 中嶋イッキュウ（以下、中嶋）　　確か去年の年明けくらいに幹宗さんとご飯を食べていて。……なんで「一緒にやろう」ってなったんでしたっけ。 山本幹宗（以下、山本）　イッキュウさんとは定期的にお茶を飲んだりご飯を食べに行ったり、もちろん現場でもあったりしていて。そのたびに「何かやれたらいいね」みたいなことを言っていたような、言ってなかったような感じだったんですよ（笑）。でも、前に一曲だけやったことがあったよね？　深夜に新宿を徘徊するっていうやつ。 中嶋　ああ、私のソロ活動ですね（笑）。で、「やろうぜ」ってなって割とすぐ、後に“Blue Boat”になるデモを送ってくれましたよね。それはすぐに歌を入れて送り返したような記憶が。 山本　そうだね。それと、後に“YES”になるデモをサクッと最初に作って。イッキュウさんから送られてきたメロディとボーカルを聴いて、「ええやんええやん！」ってなって。 中嶋　そのあとすぐにtricotが事務所を抜けるなど、他のことでかかりきりになってしまうんですよ。1年半くらいは個人事務所みたいになって、私の手が回らなくなって放置していたんですけど、ようやく事態が落ち着きそうになってきたので、幹宗さんに「あれってまだ生きてます？」とLINEをして。 山本　実は、最初に二人で盛り上がった段階ですでにレーベルから契約条件はもらっていたんですよ。で、しばらく経って今年になってイッキュウさんからLINEが来た。あれが3月くらいだっけ。そこからはあっという間に完成までたどり着きましたね（笑）。

──そもそもお二人はどんなふうに出会ったのですか？ 中嶋　もう何年前だったか忘れてしまったんですけど、ブンブン（BOOM BOOM SATELLITES）で幹宗さんがサポートギターを弾いていた時に、ツーマンライブの相手としてtricotを誘ってくれたことがあったんです。大阪と名古屋の二ヶ所で演奏したんですけど、その時にドラムを叩いていたyoko（福田洋子）さんは、もともとtricotでもドラムを叩いてくださったことがあって。 山本　そうだったんだ。 中嶋　それで交流もあったんですけど、幹宗さんとは打ち上げの時に仲良くなったんでしたよね。その時はまだ私、関西に住んでいて、上京してからは幹宗さんによく遊んでもらえるようになって。それで交流が始まった感じですね。ギターを買いに行くのについて来てもらったこともありましたよね。 山本　吉田君（雄介：tricotのドラマー）と3人でね。イッキュウさんは、もちろん素晴らしいシンガーでありソングライターだけど、今こう、イッキュウさんがいろいろやっている中で、「こういうこともやってほしいな」と思うことがなんとなく頭に浮かんだので、それを一緒にやりたいと思ったんですよね。 中嶋　私は初めてソロ活動をやることになった時、幹宗さんにギターを弾いてもらいたいと思ってオファーしたんです。それが、初めて「仕事」として一緒に音楽を奏でたきっかけでしたよね。そのあと超忙しくなって自分のソロをやる時間はなかったんですけど、ずっとやりたい気持ちはあったので、このプロジェクトで自分の中の、ジェニーハイでもtricotでもない部分の表現ができるなら、しかも幹宗さんとならめっちゃ嬉しいと思いました。トラックまで作ってくれるというし、歌を乗せるだけでいいなら楽やなと（笑）。音楽的には100パーセント信頼できる人だからこそ、任せておけばいいやって思えるんですけどね。

──二人とも超多忙でありながら、さらに新たなプロジェクトを立ち上げるということは、相当モチベーションも高かったんじゃないかと思ったのですが。 山本　最初は「令和の川谷絵音を目指す」とかふざけたことを言ってたんですよ。「いっぱいやってるな、この人」って思われたいみたいな。 中嶋　あははは。 ──実際の曲作りはどのように進めていったのですか？ 山本　最初イッキュウさんに「何かやりたい感じとかある？」と尋ねたら、K-POPばかり20曲くらい送って来て。しかも、プレイリストにまとめてじゃなくて1曲ずつリンクを送ってくるので確認するのに気が遠くなりました（笑）。K-POPは僕も好きなんですけど、ちょっと参考にはなりにくいよなあ……って思っていましたね。難しいじゃないですかK-POP（笑）。 ──お二人ともK-POPにハマっているんですね。 中嶋　私はBLACKPINKが入り口で、今はKep1erにドハマリしています。 山本　結構、バキバキ系だよね。僕はどちらかというとTWICEとかソウル、R&B、歌謡曲テイストのものが好きですね。なので「いったん、K-POPのことは忘れようか」となりました（笑）。 ──“Blue Boat”は、ちょっとヴェイパーウェーブっぽい感じやシティポップっぽい感じもありますよね。 山本　この曲は、イッキュウさんから送られて来たリファレンスの中にK-POP以外の曲もいくつかあって。「これ、ええがな！」という曲を参考に、普段自分が使っているようなコード進行をはめて作っていきました。いわゆる「ドリームポップ」っぽい感じは、あえてやろうとしていたわけじゃないけど、だんだんそうなっていきましたね。

──ちなみに幹宗さんには、K-POP以外にどんな曲を送っていたのですか？ 中嶋　ずっと好きなチューン・ヤーズ（Tune-Yards）とか。割とタイトめでミニマムなサウンドが好きなんですよね。もちろん、ドリームポップみたいな曲も入っていたと思います。サブスクのリンクとかではなくて、Instagramのアカウントでセクシーなお姉さんが歌っている動画があるんですけど（笑）、それが辛うじてドリームポップでしたよね？ 山本　そうだね（笑）。 中嶋　その方は、tricotでアメリカツアーへ行った時に知り合った友達なんですけど、会った時は音楽をやっているなんて全然知らなくて。後でインスタをフォローしてみたら、ある日突然シンセやベース、ギターなど一人で弾いている動画が上がって来て。それがすごく好きな感じだったんですよね。サブスクやYouTubeにも置いてなくて、マジでインスタでしか活動していないかも。 山本　その人にDMで「誰がミックスしてるの？」と問い合わせたよね。イッキュウさんのパーフェクトイングリッシュで（笑）。そういう、いわゆる「プロ」ではない人に頼んだ方が、仕上がりとしてはアクが強くて面白いと思ったんです。円安で大変でしたけどね。支払いの瞬間まで円が下がり続けて。朝起きては為替を見て「ああ、またドルが上がってる......！」ってなっていました。まさか自分がその煽りをくらうことになるとは思ってもみなかった。

──メロディと歌詞はイッキュウさんが作ったのですか？ 中嶋　はい。でも、ほとんど幹宗さんがトラックを作り込んでくれて、そこにメロディを乗せていっただけですね。1コーラス分のデモがまず送られて来て、そこにメロディをつけて投げるとフル尺で作ってくれるので、そこにもう一度ボーカルを入れるという。大体2ターンくらいで楽曲は仕上がっていきましたね。 ──“Night Market”はかなりコード進行が凝っていますよね。 山本　生まれて初めてオーギュメントコードを使ってみました（笑）。あれだけ比較的最近作った曲ですね。もうかれこれ1年くらいかけて作っているので、最初の頃とは違う人間になっています。

中嶋　1年前と今とじゃ気分が全然違いますよね。 山本　制作を始めた頃はいわゆる3コードに6度マイナーを足したくらいの、オールディーズっぽいシンプルなコード進行だったんですけど、だんだんテンションノートを入れたくなってきちゃったんです。それと、今までシンセベースをあまり使ってこなかったので、今回は使いたかったんですよね。

──歌詞はどのように作っていきましたか？ 中嶋　今までのプロジェクトで、一番肩の力を抜いて作っています。“gakkari”とかはもう、鼻をほじりながら書いていますね（笑）。全然何にも考えてないけど、音の感じが言葉とメロのハマり具合がいいなと思って気に入ってます。サビとか特に。 山本　いいよね、サビのメロと歌詞。 中嶋　TikTokとかで使って欲しいです。 ──（笑）。好芻（スース）というプロジェクト名はどうやって決まったのでしょうか。 中嶋　めちゃめちゃ考えてきたんですよ。「これはこういう意味があります」みたいな注釈も付けて20案くらいリストアップして。幹宗さんやスタッフの方に見せたのですが、2人とも一瞬で「これ！」って言ってくれましたよね。自分のブランドが「SUSU」という名前なんです。私のソロも「SUSU by Ikkyu Nakajima」名義で活動していたのですが、それともかかっていて。そうやってブランドとコラボしていけば、この好芻もさらに面白いものになるんじゃないかと思っていますね。 山本　不思議なのは、この好芻という名前とバンドのサウンド、そして「SUSU」の雰囲気が見事にシンクロしているところ。 中嶋　PVももうすぐ公開されますが、SUSUの服を着た人がたくさん登場するとか、すごく面白くて雰囲気も出ているのでぜひみて欲しいです。今まで自分が関わった中で、音楽を最も自由に使ってくださるチームなんですよ。ビジュアル的な部分で深く関わらせてもらえるのはとても嬉しい。音楽的な部分はもうほとんど幹宗さんに任せているので、足りないところを補い合いながら、「おんぶにだっこ」し合いたいと思います。

──今後、好芻をどんなふうに展開していきたいと考えていますか？ 中嶋　たくさんの人に聴いてもらって、引越し代を稼ぎたいです（笑）。あと、無茶苦茶に売れたらブランド品に塗れたいですね。欲にまみれたプロジェクトなので。 山本　売れてもおかずが一品増える程度だけどね（笑）。 中嶋　でも、「聴き手」にも楽しいというメリットがないとおかずが増えないと思うので、いっぱい楽しんでもらえるように、活動の仕方や音楽そのものも工夫したいですね。このプロジェクトは肩の力を抜いてやれるのがいいところだし、それが音楽にも出ていると思うので、このままのテンションで続けられたらいいなと。30代から始めたプロジェクトなので、海外に進出できたとしても、一緒にいて楽しいメンバーを誘って行きたい。もちろんtricotも楽しいんですけど！（笑） 山本　例えば海外でライブをやることになったら、現地に5日間滞在して、ライブは真ん中に1本くらいがいいな（笑）。暖かいところでやりたい。ハワイやグアム、ニューカレドニアとかもいいですね。 中嶋　いろんな意味で余裕を持った活動をしたいです。tricotは気合の入った活動をしているしそこが魅力ですが、このプロジェクトはそことはまた違う位置にあるのかなと思います。