姉のMonaと妹のHinaは幼少期からクラシックピアノを習っており、二人が小学生と中学生の頃、連弾に取り組むようになる。その過程でHinaは合唱への強い思いを抱き、一時、ピアノから離れたこともあるそうだが、音大で作曲を先行し、自作の作詞作曲を続けていたMonaと2015年から地元・京都で活動開始。自主制作した音源が家族全員ファンだという大橋トリオの手に届いたことをきっかけに、大橋トリオが手掛けた映画『PとJK』のテーマ曲にボーカルとハミングで参加した。2019年１月にEP『Primo』でメジャーデビュー後は大橋トリオのプロデュースにより、ピアノ連弾とデュエットをベースとしつつ、他の生楽器やエレクトロニックなサウンドも導入。童話的な中にもミステリアスな要素を融合したオリジナリティの高い作品をコンスタントにリリースしてきた。ライブにおいても単独公演以外に安藤裕子や藤原さくらを招いた共演、2019年には＜Spotify Early Noise Night in Osaka＞に出演するなど、時代の価値観を更新するアーティストと肩を並べる存在として注目度を増している。

中でもKitriの名を広め、ファン層を拡大したのは2021年11月にTVアニメ『古見さんは、コミュ症です。』のエンディングテーマ“ヒカレイノチ”を担当したことだろう。「週刊少年サンデー」に連載され、シリーズ累計550万部を突破した原作のアニメ化作品だ。極度にコミュニケーション下手な主人公が普通すぎるクラスメイトと「友だちを100人作る」という目標に向かって努力するというストーリーはフランス語で「意気地なし（Quitterie）」の意味を持つKitriにリンクする部分も。本楽曲では、これまでの内省的な歌詞表現や、ミステリアスで寓話的な作品性をポップスとして昇華。本質はそのままに、明るいメロディや素直に気持ちが熱くなるサビへの展開、若い世代の日常的な風景と心象を描いた歌詞で、Kitriのポップメーカーとしての新境地にフォーカスがあたる機会となった。

連弾ボーカルユニットとしてのKitriの音楽性は結成当初から数年で驚くべき進化を遂げてきた。自主制作で作ってきた楽曲を大橋トリオのプロデュースで再録音した2017年のパイロット盤『Opus 0』はピアノ連弾と繊細なボーカルが主体のシンプルなプロダクションだったが、2019年１月のメジャーデビュー作であるEP『Primo』以降はピアノ以外の生楽器やエレクトロニックなSEも導入する。同年７月には早くも2ndEP『Secondo』をリリース。音楽用語としては一番目、二番目ではあるが、料理の「一皿目、二皿目」に相応するのもジャンル感に縛られないKitriらしさが感じられる。

１stアルバム『Kitrist』収録の“羅針鳥”では打ち込みのクールなビートやロー感が、幼さを残す二人の声と良い対称を生み出し、都会的なムードの中にも脆さや危うさを醸成。“矛盾律”はピアノのトリルが不気味なムードを生み出し、ドラムやストリングスが複雑に絡むアレンジと曲展開で、Kitri流のプログレ感が聴き応え十分な楽曲だ。

さらに2021年4月リリースの2ndフルアルバム『Kitrist Ⅱ』では複数のアレンジャーとタッグを組み、曲が必要とするアレンジを進化させた印象だ。クラシックや現代音楽をオリジナルに昇華するアーティストで、DAOKOや角銅真実らの作品にも参加している網守将平とともにアレンジした“未知階段”ではピアノ連弾とストリングスが互角に螺旋を描くようなダイナミズムを聴かせる。同曲は現在アートディレクターとして活躍する吉田まほが東京藝術大学大学院の修了制作として2012年に制作・提出したアニメーション作品『就活狂想曲』にインスピレーションを受けたMonaが作詞作曲を手掛けている。

ポストジャンル的な楽曲へ自然と帰結するのは彼女たちのルーツがクラシックにあり、 ピアノの連弾の上で日本語を歌うことに起因しているのではないだろうか。初期からジャンル語りが無効なアーティストだが、『KitristⅡ』には豊穣なミクスチャーが存在しており、“赤い月”ではアストル・ピアソラ（Astor Piazzolla）にインスパイアされたラテンのエッセンスをアレンジャーの礒部智（超常現象）らと楽曲に落とし込むことに成功。同じく礒部と共同アレンジした“NEW ME”ではピアノをレアグルーヴ風のリフで演奏し、Kitriとして初めてR＆Bに接近したアプローチも見せた。

Kitriの楽曲の聴感の大きな特徴として、姉妹ならではの声質の近さが作り出す、ハーモニーの美しさと、二人でありつつ一つの人格のように聴こえるメタな感覚が挙げられるだろう。ハーモニーの美しさは“小さな決心”や、楽器的にユニークな声の重なりを味わえる“水とシンフォニア”、ピアノメインのシンプルなアレンジに祈りのように響く“Lily”など、挙げるときりがないが、二人とも大きく強く張ることはなく、話しかけるような温度感のボーカルがシリアスなテーマや、ポジティブな内容も浸透するように伝えることに成功している。

また、クラシックでおなじみのフレーズをさりげなくアレンジに忍ばせている楽曲も散見され、“水とシンフォニア”にはエドヴァルド・ハーゲルップ・グリーグ（Edvard Hagerup Grieg）作曲、ペール・ギュント組曲の“朝”を一部、効果的に配している。

作曲やアレンジのオリジナリティはもちろん、Kitriの特徴は日常的なことから死生観まで、時にストイックだったり、毒を含んだ言葉の表現も現代において共感を呼ぶ要因だろう。楽曲全体が世界観ありきなのは当然だが、例えば前出の“未知階段”。就活をテーマにしたアニメ作品にインスパイアされているとはいえ、《ドアを開けた途端 転がり込む棘》とか、シンギュラリティに着想を得た「人間プログラム」でのAI目線に思える《余談となるが 君のロジックじゃ使えない》など、ワードチョイスの切れ味やメロディへの乗せ方はボカロカルチャーの作詞家にも通じるリアルタイム感すらある。曲が進むにつれ、自分の力で前へ進んでいく主人公が描かれているが、特に多く作詞を手掛けるMonaの洞察力がKitriの音楽にリアリティをもたらしていることは自明だろう。

ポップシーンに独特な立ち位置を築いてきたKitriの新作EPはこれまでにないニュアンスのタイトルが付されている。題して『Bitter』。

「Kitriの楽曲に表と裏があるとしたら、今回は普段は秘密にしているような裏側の世界をのぞいてもらえるような、そんな作品になりました。それぞれ歌詞のテーマも世界観も違う4曲ですが、どれも噛めば噛むほど「ビター」な味わいがあります。」と、新しい試行を感じさせるコメントが寄せられている。

実際に聴き進めていこう。1曲目の“踊る踊る夜”は低音部のピアノリフとベースがグルーヴを作り出し、上モノのピアノフレーズはジャズの調性で、さらに絡んでくるトランペットが新しい聴感を演出。Hinaの作詞による歌詞は真夜中のアトリエで様々なモノが踊りだす様を空想しているが、同時に真夜中に創作意欲が沸き立つようなワクワク感にも満ちている。現代のジャズテイストはCRCK／LCLKSなどが好きなリスナーにも届きそう。これまでにない楽器のアレンジは“矛盾律”などでもアレンジを手掛けた神谷洵平だ。続く“実りの唄”も神谷との共同アレンジ。架空のフォークロアをテーマにした楽曲で、日本とも北欧とも南米ともとれるようなメロディと楽器の使い方がユニークだ。Kitriならではのホーリーなコーラスワークも聴きどころで、厳しい季節を耐え、新しい季節を待つ凛とした1曲に仕上がっている。

一転、パーカッションが耳に飛び込んでくるイントロから新鮮な“左耳にメロディー”。バースのリーディングの独り言も告白めいていてドキッとさせられる。HinaとMonaの共作による歌詞の1番では通勤電車で偶然隣り合わせになった男性のイヤホンから聴こえる音楽に運命を感じ、2番では男性目線の反応が描かれる、なかなかスリリングなストーリーがこれまでの歌詞表現にはない新境地。アレンジは“NEW ME”などを手掛けてきた礒部智との共同作業で、都会的な側面をさらにアップデート。レアグルーヴ調のブロックからクラシカルなコーラスにつなぐ手法も面白い。ラストの“悲しみの秒針”も礒部との共同アレンジで、これまでで最も歌謡テイストの強い哀愁味のあるメロディに驚かされる。いつもの場所でも、遭遇したくない瞬間に出くわしてしまった主人公の心情と、雨の日の体感すらも綴ったのはMona。アレンジ次第ではベタになりそうなテーマとメロディを抑えたボーカルやSEで、静かに迫るような仕上がりに。わずか4曲のEPではあるものの、自分だけの秘密を明かされるような濃厚さが印象深い。

物静かな女性のもうひとつの実像を見るような表現の深度と、ピアノ連弾シスターズという形容を軽々と超える大人なサウンド。シンガーソングライター好きのリスナー、ポストジャンル志向のリスナー、もちろん新鮮なポップスを探しているリスナーにも、よりKitriの音楽は伝播していくだろう。本作を機に、ライブのスタイルにも注目していきたい。

由薫の軌跡を辿る前に、まず彼女の生い立ちについて触れておく必要があるだろう。2000年に沖縄県で生まれた彼女は、2歳のとき父の仕事の都合でアメリカに移住。3年過ごしたのちに石川県金沢市に１年間、そののち、スイスへ3年間、そして9歳のときに日本に戻るという、多くの場所を行き来する幼少期を過ごした。

そんな中で彼女のアイデンティティが形成されたのは、スイスでの3年間。インターナショナルスクールに通っていたこともあり、周りにはさまざまな人種の人間がいた。本人曰く「スイスでの生活がめちゃくちゃ良くて。同じ学校にとてもフランクな感じで地元のお嬢様がいたりもして（笑）。それが当たり前だと思っていたし、いろんな個性があって楽しかった」という。

さまざまな多様性を感じながら生活をしていたスイスでの３年間を経験し、日本に帰国した彼女。日本に戻ってから感じたのはカルチャーショックに似た感情だった。「クラスのみんなからしたら私は宇宙人だった」と本人が話すように、今まで普通だと思っていたことが理解されないことも多々あったという。そんな環境を一度ゼロにしたいと思った彼女は中学受験を決意。中高一貫校に入学し、新たな人間関係を構築して当初抱いていたカルチャーショックから抜け出していく。

多くの音楽ルーツを持ちながらも、彼女が自発的に音楽と向き合うようになったのは、日本の生活にも慣れた15歳の頃。父と訪れた楽器屋で見つけた中古のアコースティックギターに出会ったことがきっかけだ。

「もともとテイラー・スウィフト（Taylor Swift）が好きだったこともあり、ギターには興味がありました。でもギターを買った日は、別に買うつもりはなくて。携帯の修理を待っている時間にたまたま入った楽器屋さんで、父に『いいギターだから』と言われて買ってもらったんです。それまで何をやっても続かない性分だったんですけど、ギターだけは熱中して続けることができたんです」

ギターの魅力に取り憑かれた彼女は、親友とカバーユニットを結成。のちにメンバーを増やしていき、バンド形態で文化祭のステージにも上がった。その後も音楽活動を続け17歳になった彼女は“雨少女”というオリジナル楽曲を制作する。本人曰く「雨女のこと歌った、変な歌です（笑）」とのことだが、その楽曲を友人に聴かせたところポジティブな反応が返ってきたという。

「《いつも一人で傘の中、前も見えずに歩いてた》みたいな歌詞から始まって、雨女なのでずっと雨が降っちゃうんですけど。晴れ男が来て、虹がかかったよみたいな感じで終わる曲なんです。それを歌ったら、友人はまず笑ってくれて。その後、褒めてくれてすごく嬉しかったんです」

バンド活動やオリジナル楽曲の制作などギターを続けていく中で、彼女はひとつのオーディションに出会うこととなる。それはGYAOとアミューズが共同で主催した「NEW CINEMA PROJECT」。由薫はこのオーディションに応募したときのことをよく覚えていると話す。

「当時は部活も辞めてしまい人間関係でも悩んでいる時期で、学校から家に帰って何時間もギターを弾いていたんです。ふと、これだけ時間を費やしているものだから一度しっかりと挑戦してみようと思って。パソコンを開いて検索しているときに見つけたのが『NEW CINEMA PROJECT』でした。映画も好きだったし、好きなアーティストの事務所がやっているオーディションだったので興味を持ちました。グランプリを取りたいとは思ってなくて、純粋に評価されてみたかった。だから、１次、2次と通過するだけで嬉しかったんです」

このオーディションこそが、由薫が自分と向き合うきっかけ。ずっと蓋をしていた音楽をやりたいという気持ちが開放された瞬間だった。

「多分ずっと音楽をやりたいって思っていたんです。でも無理じゃないかなと自分で否定してしまっていて。自分の知らないところで自分を無視してしまっていたんですよね。そこに向き合うのには勇気が必要だったし。気付くのに時間はかかったけど、本当はずっとやりたかったことなんです」

由薫はこのオーディションで審査員特別賞を受賞。ここからシンガーソングライターとしての道を歩むことになるのだった。

ずっと胸の中にあった「音楽をやりたい」という気持ちをついに叶えた由薫。ここからは彼女の生み出す楽曲について紐解いていく。楽曲を通して感じるのは、彼女の内から出てくる言葉の豊かさ。人に寄り添い、情景を想起させる言葉の羅列は彼女の武器であり魅力だ。

中でもこのたびリリースされた１st EP『Reveal』は彼女の名刺代わりの作品であり、これまで彼女が抱いてきた思いが余すことなく反映されているように感じる。

「なんとなく分かってくださったら嬉しいんですけど、自分は今まで気持ちを抑えてしまったり、言いたいことが言えない性格で。私の音楽って、感情の自己処理で解決したところから始まっているんです。でも、作品として残すということは初めて自分の中にあったものを外に出すということ。それって自分にとってすごく大事な瞬間なんですよね。だから、隠されていたものが明かされるという意味がある『Reveal』という言葉が合うんじゃないかって思ったんです」

内に秘めた思いを解放した本作には、ピアノを主にした楽曲や横ノリのグルーヴィーな楽曲、往年のロックサウンドを思わせる楽曲など、ジャンルレスに彼女が音楽を楽しんでいることが分かるラインナップになっている。その理由を彼女はこう語る。

「私は自分がたくさんいると思っていて。その日に聴きたい曲もジャンルも変わるし、気分によっても変わると思うんです。それと同じように曲を作るときもその日の抱いている思いで変わってくる。例えば、“Fish”という曲なら、『月曜日まで生き残れるかしら』と自分がぽつりと思ったことをきっかけに書き上げた曲だし、”Yesterday”では《I’m not the same person I was yesterday》というフレーズとメロディを思いついてそのまま作りました。収録される5曲、すべて違う作り方なんです」

生活をする上でそのとき感じたことや気づいたことを言葉にし、それと同時にメロディに言葉を乗せていくという由薫。だからこそ、等身大の彼女の思いがナチュラルに歌になっていくのだろう。そのナチュラルさが全面に出ているのが“Fish”という楽曲。これは彼女が19歳のときに、もしお酒に酔ったらと想像しながら書いた楽曲だ。この楽曲について由薫は19歳の頃じゃないと書けなかったと話す。

「やったことないからこそ湧く想像力ってあるじゃないですか。手が届かないからこそというか。でも実際にお酒を飲んでみると自分はお酒が強いみたいで……。全然酔えなくて（笑）。お酒飲む前の私だからこそ書けた歌詞ですね」

今まではこういった感情を言葉にし、歌にしてきた彼女だが、今回のEPの制作中、変化もあった。

「今まではナチュラルに言葉を紡げていたんですけど、少しずつ変化もしていて。自分が何をしたいのかというのを考えるようになったんです。言葉とより向き合いたい気持ちが芽生えたというか。SNSとかに流れる言葉じゃなく、詩のように言葉を言葉として紡ぎ出した言葉を書きたいと思うようになった。これからもどんどん曲の作り方は変わってくると思うんですけど、今はより自分で考えて作る段階に突入した感じです」

楽曲を制作するたびに成長を続ける彼女。きっと今回のEPを皮切りに彼女の生み出す音楽は強度を高め、多くのリスナーに認知されていくことだろう。さまざまなこと多角的に考え、それを音として表現できる優れた才能が由薫にはあるのだ。

そんな才能を持つ彼女も、普段は21歳の普通の女の子。どんなカルチャーに触れてきたのか聞いてみた。

生業としている音楽に関しては多くのジャンル、アーティストに触れてきたようだ。幼少期に観劇したミュージカル『ウィキッド』のサウンドトラックや自宅の車の中で聴いたカーペンターズ（Carpenters）やマイケル・ジャクソン（Michael Jackson）、ダニー・ゴーキー（Danny Gokey）などさまざまな音楽が彼女のバックグラウンドには存在する。その中でもシンガーソングライターの存在とカバー曲の存在は彼女にとって非常に大きい。

「ギターを手にするきっかけになったのは、テイラー・スウィフトやYUIさん、あとエド・シーラン（Ed Sheeran）とかですね。あとは、ミュージカルの存在も大きくて、『glee』というドラマにハマったんですけど、そのドラマではカバー曲が多くて原曲も知らないままカバーを聴いていました。だからGoose houseとかも好きで、カバーからいろんな楽曲に触れるようになったんです」

自身のYouTubeチャンネルでもテイラー・スウィフトなどの楽曲をアップしている彼女。カバーをすることで、「いざ曲を作ってみようと思ったときに、自分の引き出しになっていた」と話すように、カバーをするということがある種、曲作りのヒントなっている。

好きなことは音楽だけでなく、本や映画、ファッションと多岐に渡る。

「日本に来た当初、自分の居場所を探すのに必死だったとき、本の存在が助けでした。今でも読みますね。あとは、映画が好きです。実は一度映画を作りたくなっちゃったときがあって、映画研究会に入って助手として映画の撮影を手伝っていたことがあるんです。多分、モノを作ることが好きなんだと思います」

自分の感情を具現化したいという思いが強い彼女。溢れ出たアイディアをなんとか形にして誰かに見てもらいたいという精神は、現在のシンガーソングライターという生業に通ずるものがあると言えるだろう。続けてファッションについて聞くと、若者らしい答えが返ってきた。

「実は、最近物欲とかを抑えていて（笑）。一応まだ学生ですし……。でもイギリスのファッションが好きで、ヴィヴィアン・ウエストウッドが最近好きなんです。だから夜な夜なネットで調べてて。見てるだけでも幸せなんです」

また、セカンドハンドの品に魅力を感じるという彼女。物欲を抑える一方で古着屋を巡ることも多いと語る。

「初めて買ったギターも中古だったんですけど、中古のギターって新品よりも想像力が湧くというか、本当に“子”って感じなんです。その感覚が忘れられなくて、洋服に関しても同じように感じますし、古本も好きなんです。時代的にも再利用しようという風潮があるし、前の人の思いを想像する部分もある。一度は選ばれたものってそれなりの魅力があるんだなって思う。本にしても、楽器にしても、服にしても、そういうところに魅力を感じます」

最後にどんな人に音楽を届けたいかと問うと、アーティストとしての明確な思いを語ってくれた。

「歌詞を書くときに意識していることがあって。例えば、恋愛の曲なら恋愛してない人が聴いても思いが通じる歌詞を書きたいと思っているんです。一方に刺さる曲ではダメというか、聴いている人が傷つくようなものではダメだなって。だから出来るだけ年齢も性別も関係なく、届けられたらいいなと思っています。まだまだ努力しなきゃいけないですけど、人に寄り添う楽曲が作れたらいいなって思います」

人に寄り添う。言葉では簡単だが、実践することはとても難しい。しかし由薫が生み出す楽曲なら、この混沌とした世の中の希望となってくれるかもしれない。これからも彼女が紡ぎ出す言葉と音に期待をしながら、由薫のアーティスト・ストーリーに刮目していきたい。

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──そもそもお二人の交流はどのように始まったのですか？

Michael Kaneko（以下、Michael）　初めて会ったのは、確か2016年くらいだったと思います。僕のレーベルメイトのOvallが（藤原）さくらちゃんのサポートをしていて、恵比寿ガーデンプレイスでのライブを観に遊びに行った時に初めて挨拶したのが最初でしたね。もちろん、会う前からさくらちゃんのことはよく知っていました。セッキー（関口シンゴ）さんも参加していた1stアルバム『good morning』を聴いたときに、「日本人女性シンガーソングライターで、こんな声の持ち主がいるんだ」と驚いたし、きっと音楽的にも自分とルーツがすごく似ているんだろうなと思ったんですよね。自分と同じくらいの世代で、1960年代〜1970年代の音楽を好んで聴いている人自体なかなかいないし、実際にお会いするようになってからは音楽の話が色々できるのも嬉しくて。

藤原さくら（以下、藤原）　私もお会いする前からマイキー（Michael Kaneko）さんの曲は聴いていたし、ずっと一緒にやりたいと思っていました。「マイキーさんみたいなシンガーソングライターになりたい」って、ライブを観たときに強く思ったんですよ。ギター1本持って、どこにでも行ってライブをするフットワークの軽さとか、すごくかっこいい。声も曲も大好きだし、一緒に歌ったらきっと気持ちいいだろうなって。実際、セッションなど何かを一緒にする機会があるたびに「いつか一緒に何か作りたいね」みたいな話はしていました。

Michael　マバ（mabanua）さんがプロデュースした2枚のEP（『green』と『red』）が最初だったっけ？　去年のアルバム『SUPERMARKET』も、“Right and light”や“Super good”、“spell on me”、“Monster”の英語詞を手伝いました。

藤原　『green』と『red』以降は、私の英語詞は全てマイキーさんに添削してもらうようになりました。レコーディングの時は、スタジオまで来て発音チェックをしてくれるし、そのついでにコーラスを歌わされることもありましたよね？（笑）

Michael　そうだね、ハンドクラップで参加したりね（笑）。

──昨年は二人でリモートセッションの動画を投稿していましたよね？

藤原　ちょうどコロナ禍のステイホーム期間が始まったくらいの頃、いろいろなアーティストが様々な挑戦をしてて。Twitterに短い動画を上げる人もいたり、インスタライブをしている人もいたり。私もマイキーさんもソロアーティストだし、ずっと家にこもっている中で「何か一緒にできたらいいね」みたいな連絡をもらって。それでカバーする曲を3曲くらい候補に挙げて、今にぴったりな曲ということでルイ・アームストロング（Louis Armstrong）の“What a Wonderful World”をやりました。すごくたくさんの反響をもらいましたよね。

Michael　そうそう、ハナレグミの永積（タカシ）さんも絶賛してくれて。

藤原　ラジオに来てくださったときも、「音楽が全然聴けなくなったときに、あればっかり聴いてた」と言ってくださって本当に嬉しかった。私たちハナレグミさんを崇拝してますもんね（笑）。

Michael　ギター1本で活動している僕らにとっては「神」のような存在だからね。

──「シンガーソングライター」として、お互いどんなところに共感しますか？

Michael　この間の“mother”を聴いたときにも思ったんですけど、さくらちゃんはすごい勢いで進化していますよね。今、「ギター1本で活動している」と言ったけど、さくらちゃんもギターを軸としているシンガーソングライターだからこそ、そこからちょっと離れたこともやってみたいという気持ちもあるんじゃないかなと思っていて。

実際に『SUPERMARKET』でも、最近のライブでも、新しい楽器や音楽スタイルにトライしながら、自分の可能性をどんどん広げていこうとしているなって。そういうところにすごく共感する。話が変わるんですけど、自分は「歌が上手くない」と思っていて……。

藤原　え、うそでしょ？

Michael　ほんとに（笑）。みんなに「いい」と思ってもらえる声を持っているだけで、歌のテクニックとかスキルはないと思ってる。前も話したけどさ、歌がうまい人ってどんな歌でも歌いこなせちゃうでしょ。

藤原　ああ、確かにフェイクとか自在に入れたり、どんな歌でもハモったりとか、そういうスキルは私にはないかも。

Michael　俺もさくらちゃんも、いわゆる「シンガー」ではないと思うんだよね。自分で作った曲に、一番似合う声の持ち主というか。例えばレッチリ（Red Hot Chili Peppers）のアンソニー・キーディスとか、決して歌が上手いわけじゃないじゃないですか。でも、あの音楽にめちゃめちゃ合ってる。僕が好きになるアーティストは結構、そういう人が多いかもしれない。

──さて、今回リリースされるマイキーさんのコラボシリーズ第一弾が、さくらさんをフィーチャーした新曲“DRIVEAWAY”です。このシリーズはマイキーさんの活動の中で、どんな位置付けにあるのでしょうか。

Michael　昨年、アルバム『ESTERO』をリリースして、すぐにまた次のアルバムに取り掛かるのではなく、こうやってちょっと実験的なことをやってみたり、誰かとコラボしてみたりしたくなっているのは、そこで学んだことを次のアルバムにフィードバックさせたいという気持ちがあるからなんですよね。日本語の歌詞を歌っているのも、自分にとってはチャレンジングなことでしたし。

藤原　確かに、最初に曲を聴かせてもらったときに「今までのマイキーさんと違う、新しいサウンドだ！」と思いました。マイキーさんと私のコラボというと、きっと多くの人はアコースティックなサウンドを想像されると思うんですけど、今回ギターは1本も入っていないし、ビートも強めでデモの段階ではもっと打ち込みっぽい感じだったので、すごくびっくりしました。

Michael　ちょうど曲作りの時期が、『SUPERMARKET』に関わっている時期と重なっていたんですよね。さくらちゃんがラップに挑戦している曲もあったり、“Monster”みたいな、今までと全く違う雰囲気の曲もあったりしたから、「きっとこういう曲を一緒にやったら面白いんじゃないかな」と思ったんです。さっき言ったように、自分自身もいろいろなことに挑戦したくて。それで、あえて僕らが弾かなそうな曲調をあえて選んでみました（笑）。

──リリックもかなりメッセージ性が強く打ち出されていて、これまでのさくらさんのイメージを一新するような内容でしたね。

藤原　マイキーさんとZoomで打ち合わせをしているときには、どういう歌詞にするか、いろいろと話していく中で「ラップっぽいところがあってもいいね」とか、「ちょっとフックになるような、ドキッとする言葉が入ってもいいかも」みたいなアイデアが出てきて。それを念頭に置きながら、とにかくテーマが浮かんでくるまでデモを何度も繰り返し聴きました。英語の箇所は、マイキーさんが書いているんですよね。

Michael　そうそう。歌詞の“Drive away”というフレーズは、《伸びた蕎麦でも食ってのんびりいこうぜ》という、さくらちゃんが書いたリリックを読んだときに思い浮かんだ。

藤原　そんなふうに、今までやったことのない曲の作り方で生まれた曲です。マイキーさんからデモが送られてきて、そこについてたメロディを私が勝手にラップに変えて送り返したり（笑）、私が書いたリリックをマイキーさんに託したら、本当に2人で半分ずつ作った感じで面白かったなあ。

──結構、ドキッとするようなワードも散りばめられていますよね。

藤原　自分の今までの楽曲の中では、使ってこなかったような言葉がいろいろ出てきますね。自分だけの名義じゃないからこそ、ちょっと遊べる部分があってすごく楽しかったです。

Michael　ああいう歌詞は、自分のソロ作品だったら書かない？

藤原　きっと、「蕎麦」なんてワードを歌詞に入れないかも。ちょっと違和感のあるような言葉にしたかったんですよね。あのカッコいいビートに「蕎麦」ってなんだ？　みたいな。

Michael　あははは。でも、そういう違和感のある言葉が一番残るんだよね。「ちょっとこれ、合わないんじゃないかな」って思うくらいの方がインパクトもあるし、「そこがいい」と言ってくれる人も多い気がする。だから、すごくいいワードだと思ったよ。

藤原　嬉しい。ちなみにこの曲、お父さんに聴かせたら『「蕎麦」なんて歌詞に入れて、許してくれるのはマイキーさんだけだと思う』って言ってました（笑）。あと、私が歌うところが「のんびりいこうぜ」みたいに男性っぽい言い回しになっていて、マイキーさんが歌うところが「嫌だわ」みたいに、女性っぽい言い回しになっているけど、歌割りはマイキーさんが考えてくれました。

──では、ボーカルレコーディングでこだわった部分というと？

藤原　マイキーさん、コーラスめっちゃ重ねてましたよね。12,3本くらい？

Michael　場所によってはそのくらい重ねていたかも。サビの部分に薄く裏声を混ぜたりするのが好きなんですよ。

藤原　ちなみに私のラップ部分、例えば《人間ってゲームのモンスターじゃない》のところは、家で録ったデモテイクがそのまま本番で使われています。しかもデモよりキーを半音上げているので、ちょっとロボットみたいな声になっていて。それがまた歌詞の内容にも合って「いい味」を出している気がします。

Michael　ちなみにドラムやボーカルを気づかない程度に歪ませて、打ち込みトラックとの馴染みをよくしたりもしています。

──ワードチョイスだけでなく歌詞そのものも、今の情報社会に対して警鐘を鳴らすような内容ですよね。

藤原　最近、スマホをめぐるあれこれに疲れてきてしまって。例えばSNSでも、誰かが誰かを貶していたり、面識もない人に対して軽い気持ちでひどい暴言を投げつけたり。今時の中高生の話を聞くと、SNSを使って私たちの頃になかったようなことをしていて。グループLINEで誰かを仲間外れにするとか、そういったことは私たちが中高生の頃はなかったじゃないですか。

Michael　そうだね。

藤原　そういう話を聞くと、もっと下の世代はさらにしんどくなるのかなと思うし、私たち上の世代が用意したもので下の世代が傷つけ合っていると思うと、すごくやりきれないんですよね。軽い気持ちで使っているツールが、この曲の歌詞のようにマシンガンとなって人を殺してしまうこともある。軽く言った一言が、誰かにとってはすごく辛い言葉になる可能性もあると思うので、自分も一つひとつの発信に対して責任を持たなければと。

Michael　気軽になんでも発信することができる世の中じゃないですか。だからこそ、僕自身はあまり思っていることをSNSには書かないようにしていますね。それよりも、今回のように曲を通して、音楽を通して思いを伝えられたらと思っていますね。

藤原　トラックやラップとの相性もすごく良かったんですよね。メッセージ性はあるんだけど、ちゃんと日常から出てくる言葉で書きたくなるようなトラックだと思いました。

それぞれの手ぐせがあるから、自分ひとりでは絶対に思いつかないですね。こうやって人が作ったトラックの上でメロディや歌詞を考えたりすると、全然予想もしなかったアイデアが浮かんでくるのが、最近はめっちゃ楽しいです。

Michael　でもさくらちゃんも、最近Logic Proを導入してデモ作りとか頑張っているんだよね。

藤原　 Logic Proもそうだし、『SUPERMARKET』のレコーディングでは参加ミュージシャンの方たちに「こういうふうに演奏してください」って自分からお願いした曲とかもあって。今までは、自分の曲のアレンジはアレンジャーさんに全部お任せしていたんですけど、そうやって一から自分で考えるようになると、曲に対しての責任みたいなものも感じるようになりました。マイキーさんは、他のアーティストのプロデュースもしているじゃないですか、より責任重大ですよね。

Michael　責任もあるけど、それ以上に楽しいかな。自分の曲ではやらないことを試したり、自分のカラーを出しつつそれを違う人に歌ってもらったり。シンガーソングライターとして表に出て活動していながら、裏方仕事もすごく好きなんです（笑）。

藤原　いいなあ。私も誰かをプロデュースしてみたい。マイキーさんをプロデュースさせてください（笑）。

──ちなみに、お二人はドライブにまつわる思い出などありますか？

藤原　私は実家が福岡なので、家族みんなで熊本や別府の温泉までドライブすることが多いですね。そのときに好きな音楽をかけてもいいのは助手席に乗った人、というルールになっています（笑）。こないだドライブした時は、お父さんがマイキーさんの曲をかけてましたよ。「ドライブにぴったりだなあ」って。

Michael　本当に？　嬉しいな。そういえば俺、さくらちゃんのお母さんには会ったことがあるんだよね。3年くらい前、福岡でライブをやったときに遊びにきてくださって。靴下をプレゼントしてもらいました。

藤原　あははは。うちのお母さん、私と関わりのある人全員に靴下を配ってるんですけど、マイキーさんもついにもらいましたか。

Michael　うん、すごくいい靴下だった。全然穴が空かないから今でも履いてるもん。

藤原　お母さん喜びます（笑）。マイキーさんはドライブしてますか？

Michael　今年に入って車を購入して、時間を見つけては運転しているね。結構、デカめの車なのでドラムセットとかも積み込めるし、バンドメンバーとワイワイしながらライブに行くのも楽しくて。

あと、最近DIYにハマっているんですけど、車があるとホームセンターにもパッと行けるじゃないですか。それで木材とか買い込んできて、自宅スタジオの吸音パネルを自作したりしています（笑）。僕、今まで音楽と酒くらいしか趣味がなかったんですけど、ようやく趣味ができたのも嬉しくて。DIYも料理も、音楽とちょっと似ているところがあるんですよ。

──今回のコラボシリーズ、今後はどんな展開を考えていますか？

Michael　今のところEPでまとめてリリースすることを考えていて、コラボ相手も、すでに決まっている人もいるし、今からオファーする人もいて。“DRIVEAWAY”とはまた全然違う雰囲気の曲もあるので楽しみにしていてほしいです。

藤原　楽しみです！

━━今回の「QUILT」というプロジェクトはいつから構想があったんですか？

Rei　今年から具体的に動き出したのですが、アイディア自体はアルバム『HONEY』を作り終えて、次回作のテーマをブレインストーミングしている時に浮かびました。「私」と「あなた」という布同士の間に「綿」━━音楽が挟まってて、それを縫い合わせて作品にしていこう、っていうコンセプトなんです。

去年は私にとって初めてのコラボレーション曲となったSOIL＆"PIMP"SESSIONSとの“Lonely Dance Club（w/ SOIL＆”PIMP”SESSIONS）”もリリースしましたし、これまでさまざまなアーティストとジャムセッションを通して交流を図ってきました。それをより目に見えるように作品へ落とし込みたい、という気持ちからQUILTの立ち上げに至りました。

あと、前作はより自分自身と向き合った作品だったからその反動かもしれないです。次は賑やかな作品を生み出して、コントラストを作りたいなって思ったんですよね。

藤原　誘ってもらった時、Reiちゃんが「どういうプロジェクトにしたいか」っていうコンセプトをファイリングしたノートを見せてくれたんだよね。そこに書いてあった「QUILT」っていうプロジェクトタイトルを見て、「めちゃくちゃいいな」って思ったのは覚えてる。Reiちゃんが描いたジャケットのイラストもすごく良いよね。

━━ジャケットのアートワーク、刺繍が凝ってますね。

Rei　歌詞になぞらえたイラストを私が描いて、写真家の小見山峻さんと素材を相談しながら共同制作しました。前回の『HONEY』が「紙」をテーマとするなら、今回はタイトルになぞらえて「布」がテーマ。特に小見山峻さんは、さくらちゃん（藤原さくら）の写真を何回も撮ってるので、そういった共通点がある方に共同制作をお願いできたのは嬉しかったです。

━━藤原さんとReiさんの出会いはいつ頃だったんですか？

Rei　タワーレコード渋谷店だったかな？

藤原　2015年の4月頭だよね。私が1階でミニアルバム『à la carte』のインストアイベント、Reiちゃんが2階のTOWER RECORDS CAFÉでファーストミニアルバム『BLU』リリース記念のライブをやってて。

もともと私はReiちゃんを知ってたから、会った時に初めて挨拶したんだよね。その時からずっと一緒にライブをしたいなと思ってた。そしたら、その直後にたまたまライブハウス側の企画で＜レイトサクラ＞（青山・月見ル君想ウ／2015年4月開催）っていうツーマンライブをやったんだよね。

Rei　それからずっと仲良いよね。ライブやフェスの現場が一緒になる機会もたくさんあったんだけど、ここ最近でもっと仲良くなった気がする。

━━では、藤原さんを「QUILT」で1発目のコラボレーション相手に選んだ決め手は？

Rei　前からさくらちゃんとはライブ以外の何かをやりたいと考えてはいたんですけど……ナチュラルに思い浮かびました。もちろんそういった精神的な部分が一番の決め手ですが、女性同士の歌声が同じ楽曲で入っている状況をイメージした時に自分と声質が違う方とご一緒したかったのも理由のひとつです。さくらちゃんの声って高級な牛乳みたいな感じなので（笑）。

藤原　何それ！？ 牛乳？

Rei　濃厚でシルキーで真っ白、みたいな。豊かでありながらピュアさもあるので、2人の声が重なれば、コントラストが綺麗かなと思ったんです。

━━今回の楽曲の方向性はどうやって決めていったんですか？

藤原　ほとんどの作業はReiちゃんがやったけど、最初Reiちゃんの家で「どういう感じの曲にしようか？」って作戦会議したよね。お互いが最近好きな曲を紹介しあって。

Rei　アジフライを食べたりしながらね（笑）。

藤原　そうそう。最初はお互いの家を行ったり来たりしながら、一緒に曲を作ったりしたんだよね。「ご飯を食べてから作ろう」って言ったのに、結局話すのに夢中になって何もせずに帰ったり（笑）。でもそこで話した内容は、曲にも影響してるはず。

ただ、この曲以外にもReiちゃんが良い曲をたくさん用意してたからもったいなくて！ 相当悩んだよね。とにかくReiちゃんの作曲スピードが早くて、気づいたら4曲くらい出来上がってるんですよ。しかもロックテイストやラップっぽい曲を用意したり、私が作った曲をレゲエにアレンジしたり。パッとアレンジできる対応力はすごいなって思ってた。

Rei　レゲエはさくらちゃんもラジオで特集してるの知ってたし、好きだろうと思って。一緒にやるって決まったらどんどん書けちゃったし、今回のために楽曲はいっぱい用意しました。

━━レゲエにラップ、他の楽曲も聴いてみたいです……。でも、たくさんの書き下ろし曲を用意した中で”Smile!”が選ばれた理由は？

藤原　実は“Smile!”の元になった曲、ずっと昔に聴いたことがあるんだよね。前からお互いの曲をレコーディングしたら聴かせあったりしてたんです。その時からいいなって思ってた。

Rei　私が「いつかリリースしたい」と思って大切に温めていた曲だったんです。2人でコラボするために書いたわけではないから、最初に聴かせてから一旦引っ込めてたんだけど、さくらちゃんの反応が良かったのを思い出して。最終的に採用されました。

━━楽曲を聴かせていただいたのですが、お2人の声のバランスがすごく良くて気持ちよかったです！ レコーディングではお互いどんなことを意識しながら挑んだんですか？

藤原　大前提として、私が我を出すというよりもReiちゃんが判断していく方がいいと思ったので、あえて「こうしたい」というのを持たずに挑んだんです。

でもマイクを変えたり、色々試させていただきました。ミックスの作業はReiちゃんにお任せしたんですけど、それで印象が結構変わったよね。2人の声のいいところを出すために、ミックスで私の声のボリュームをあげてもらったり。

Rei　さくらちゃんは自然にやるとマイクと口が近くて、逆に私は遠い。マイクとの距離感も声質も違うから「MIXでどっちに近づけるか」という話はしたよね。とにかくさくらちゃんの声の「うまみ」を最大限に活かすことは意識しました。

藤原　ただ、スタイルを無理に合わせるようなことはしなかったかも。お互い聴いてる曲がめっちゃ似てるんです。好きな曲をReiちゃんに勧めたらハマるし、その逆も然り。リリースする楽曲の音楽性は違うかもしれないけど、お互いの根本的な部分を知ってるからこそ、自然体で楽しくやれた気がします。

レコーディングの時も、私が歌い方で悩んでたらボーカルブースに入ってきて、リズムに合わせて後ろから肩たたきを始めたんですよ！ 後ろから励まされながら歌ったのは初めてかも。

━━今回参加されているサポートの石若駿さん、ハマ･オカモトさん（OKAMOTO’S）もお2人の同世代ですよね。

Rei　私とさくらちゃん、同世代同士のコラボレーション曲というのもあって、サポートも同世代で揃えたいと思いました。リズム隊の2人は星野源さんやマハラージャンさんのレコーディングで何回も共演経験があるのは知ってたので、グルーヴが熟していると思ったんです。実際にレコーディング現場では各々のキャラクターがよく出ていて、チームワークは良かった。

藤原　Reiちゃんも普段から自分の意見を持った子だけど、レコーディングではより自分の「こうしたい」という音の作り方をもとにテキパキ指示を出してて。かっこいいなと思いました。

Rei　明確に決まっている部分と、余白として意見を求めるところの棲み分けはしてあったんですよね。現場でのケミストリーも求めたいから、3人に積極的に話を聴きながらレコーディングしました。

━━藤原さんは、サポートのお2人と面識は？

藤原　ハマ（･オカモト）くんはラジオでご一緒したことはあっても、一緒に演奏することはなかったので新鮮でした。石若さんはレコーディング当日が初めましてだったんだけど……。

Rei　初対面の感覚がしないくらい（石若）駿くんは人懐っこいよね。ふたりは何回もご一緒したことがあるようなナチュラルな感じだった。

私は2人とも友達としては長いんです。6〜7年前に駿くんとは遊びでよくスタジオセッションをしていたし、ハマくんも10年くらい前にライブハウスで会ってからの付き合い。友達歴は長いけど、私の曲に参加してもらうのは初めて。

何より、人と一緒に制作する喜びがありました。水面に一滴落としてひとつの波紋を作るのではなく、雨のようにいくつもの水滴を落として波紋が重なり合う感じがした。

━━同世代のミュージシャン同士でスタジオに入ってみて、いかがでしたか？

Rei　仕事場で会うと違う側面が見えてドキドキしました。そもそもコロナ禍の影響もあって、人とスタジオに入ることが久しぶり。「楽しい」「嬉しい」「ありがとう」が綯い交ぜ（ないまぜ）で、すごく幸せな気持ちになりました。

何より、今までの楽曲レコーディングでは得られなかった多くの刺激がありました。駿くんのドラムフレージングはアイディアが豊富だし、ハマくんは目の細かい人だなと思いました。カジュアルに話すけど観察力があって、小数点単位の正確な音を出してくれる。緊張感があって、背筋を正される想いでした。

━━藤原さんが今回の楽曲制作の中で印象に残っていることは？

藤原　Reiちゃんからは「あなたは天使だから」って言われて。「あ、天使でいればいいんだ」って思いながら歌いました。

━━「天使」って、歌詞に出てくる“little angel”のことですか？

Rei　そうです！　この曲は「ぼく」という主人公が悲しみと孤独に打ちひしがれた時に「あなた」というさくらちゃん（天使）に出会い、世界が色づいていく物語です。

私、学生時代は音楽に集中してたから人間関係のコンプレックスが強くて。そういうトラウマを抱えたまま東京に出てきたからこそ、一時期は仕事のプレッシャーから「こうして遊んでいる暇があったら家で練習した方がいいんじゃないか……」っていう追い詰められ方をしてました。

でも、さくらちゃんと出会って「自分が自然体でいること」が許された気がしたんですよね。彼女はすごく人のことを褒めるし素直に良いものを良いって言ってくれる。さくらちゃんに出会えて嬉しかった。

━━じゃあ、歌詞の「ぼく」がReiさんなんですね。

Rei　生きるのが楽しくなったので「私と仲良くしてくれてありがとう」を曲に込めたかったんですよね。

藤原　この2人でやるからこそ意味がある曲になったなと思いました。私も、他の人には言えない仕事やプライベートのしんどいことを、Reiちゃんには相談できるんです。

私も音楽の話ができる友達がなかなかできなかった。でも当たり前のようにその音楽を知ってるのがReiちゃん。私が知らないことも知ってるし、幅を広げてくれた存在でもあるんです。

Rei　今年5月に開催された＜メトロック2021@ABEMA”Keep on METROCK”8時間緊急生放送＞で一緒に演奏した、竹内まりやさんの“元気を出して”も影響してるかもしれない。あれも友情の曲だからね。

藤原　あれは本当にいい曲！ うちで練習したんだよね。

Rei　そうやって、さくらちゃんとは数えきれない思い出がある。すごく象徴的な曲になったんじゃないかなと思います。恋愛には良くも悪くも終わりがあるし、家族はそれはそれで特殊な間柄ですよね。友情は友情にしかない特別な愛がある。

コラボレーションをするとお互いの関係性が曲に滲み出ると思いました。恋愛の曲にする案もいくつかあったけど、自然体な曲に落ち着いたと思います。

━━まさに2人の関係性がストレートに表れた楽曲だなと思いました。

Rei　単なる「仲良しごっこ」には見られないよう意識しました。本当に仲は良いけど、お互い信念を持って音楽をやっているから。一緒にやった事実を作るためではなく、「いい音楽を作りたい」という意思をもって一緒に楽曲を作ったということは示したいと思っていました。

━━今後も、そういった信念をもったコラボレーションが続くと伺っています。最後に、次回以降のプロジェクトに期待していることを教えてください。

Rei　唯一無二の人とやりたい、という思いはあります。誰かの焼き直しではなく、その人しか奏でられない音楽を創っている人と。あとはキャリアを重ねたことで生まれた固定概念や、音楽づくりの「自分ルール」を壊してもらいたい。

豪快に壊してくれる人間関係、という意味でも、さくらちゃんに最初にオファーできたのは嬉しいです。多分彼女ならダサいものや好きじゃないものへ素直に意見を言ってくれると思ったので。絶対カッコ悪いことはやらない人なんです。

藤原　私たちが「良い！」と胸を張って言える曲を作れたので、本当にたくさんの人に聴いてほしいです。マスタリングされた曲を一緒に何回も聴いて「やっぱり良いね〜！」って言い合ってるくらい（笑）。

Reiちゃんはすごい。きっと今までのReiちゃんに新たなエッセンスが、これからも加わっていくはず。その化学反応を楽しみにしています。