ひどく衝撃を受けたさまを「雷に打たれた」と表現することがあるが、その昔、比喩ではなく雷に打たれまくった男性がいた。35年間のあいだに7回もの落雷を受け「人間避雷針」と呼ばれたその人物の生涯は、雷ではなく失恋のショックによる拳銃自殺で閉じたといわれている。これほど数奇な人生であれども幕引きだけは天にも譲らなかったとは実にあっぱれ、と言ってしまうのは無慈悲だろうか。

「青春」「死生観」といった普遍的なテーマを独自に織り上げ作品を描いてきた脚本／演出家・濱田真和。彼が率いるSuperendrollerの新作舞台『雷に7回撃たれても』は、人間避雷針と呼ばれた男の人生を現代日本に生きる青年に置き換えた物語だ。

過去、自身が脚本・演出・主演を務めた『sea,she,see（2015年）』をはじめ、『blue,blew,bloom（2016年／古舘佑太郎主演）』、『hammer & hummingbird（2018年／磯村勇斗主演）』など、Superendrollerプロデュース作品では一貫して「残された者の物語」「葛藤と変化」といった自身の実体験を落とし込んだ人間模様を描いてきた濱田だが、実在した人物を源流とする今作では“雷に7回撃たれた男が拳銃自殺をはかるまでの、記録には残らなかった日々”にフォーカス。「災害と再生」「生と死」「夢と現実」「人間と自然」など複合的なメッセージを描く。

壮絶な半生を送る主人公・田中八起（たなか・やおき）を演じるのは、俳優・大下ヒロト。高校卒業後、2017年に現所属事務所「オフィス作」ワークショップオーディションを経てキャリアをスタート。同年発表の映画『あみこ』(山中瑶子監督)でのデビュー以来、映画・ドラマ話題作への出演を重ねるとともに、映画愛好家の視点で綴るコラムを執筆。はてな、羊文学ほか、アーティストのMVに出演するほか、Official髭男dism『Choral A（2022年）』では映像ディレクター・鴨下大輝氏とのMV共同監督を務めた。映像・文筆の分野で自身の表現を多彩に拡張してきた彼にとって、本作は舞台初出演にして主演作となる。

ヒロイン・清澄美波役を務めるのは、今作で本格的に俳優デビューを果たす元BiSHのセントチヒロ・チッチこと加藤千尋。2023年6月、東京ドーム公演を最期に解散した“楽器を持たないパンクバンド”BiSH。その後、ソロプロジェクトCENT（セント）を本格始動。今年8月には、峯田和伸（銀杏BOYZ）、真島昌利（ザ・クロマニヨンズ）ら豪華アーティスト陣が参加したセルフプロデュース1stアルバム「PER→CENT→AGE」をリリース。11月14日（火）からは初となる全国ツアー『Hello Friend Tour』もスタート。俳優「加藤千尋」名義については今作出演発表にあたり「新しい表現の世界へ飛びこみ お芝居という道への決意を込めて加藤千尋という名前で活動します」とコメントを綴っている。

大下と加藤、互いに舞台初出演となる『雷に7回撃たれても』で初の共演を果たすふたりだが、プライベートでは長い付き合いがあるという。この記念碑的作品の上演に向けて稽古に没頭する10月某日、心境を記録するべく対談取材の機会をもらった。

──おふたりは意外にも付き合いが長いそうですね。

加藤千尋（以下、加藤）　これまで仕事で一緒になる機会がなかったので別に言ってこなかったんですけど、お互い音楽好きっていう共通点もあって5〜6年くらい仲良くしています。大下さんは「今」を生きている人。自分にしかない表現があって私は勝手に尊敬していたので、共演できると知って嬉しかったです。

大下ヒロト（以下、大下）　いや、僕のほうが嬉しいです。加藤さんは本当に自分にまっすぐ。今を生きているって言ってくれましたけど、「今を生きる」と「今を考える」は同じだと思っていて。加藤さんといろいろ話をしていると社会に対する考え方や距離感が近い部分があって、そこにすごく安心したし、なんとなく昔からお姉さん的な存在という印象がありましたね。

加藤　まあ、仲間内のノリで私がケツを叩いていた感じです。

大下　今作のメインビジュアル撮影は海辺で芝居をしながら進めたんですけど、その時の感覚が本当に面白くて。今まで会ってきたチッチさんではないし、一緒に仕事をするのもはじめてだけど、目と目を合わせたときに感じられることがいろいろあって芝居が楽しくなる予感がしたんですよね。

──いい関係ですね。

加藤　はい、すごく。やっぱり主演だとセリフも多いし大変なはずなんですけど、大下さんは一番ケロッとしていて。みんなの士気を高めてくれるので、共演者と制作チームのみなさんも含めて、いいカンパニーになってきていると思います。私、わりと役を引きずっちゃうので、ほとんど毎日「疲れてる？」って聞かれるんですけど、「そんなことないんだけどな、でもやっぱり明るいだけじゃない清澄の人生を生きているからなあ」って。だから、稽古が終わるとちゃんと芝居と自分を客観視できている大下さんをはすごいなと思ってます。

大下　今回、主演というありがたい機会をいただきましたが、あまり主演ということを意識していないかもしれないですね。舞台ってみんなでつくる芸術だから感覚を揃えていたいなと思っています。とはいえ、怖いですよ、初めてのことなので。稽古が進むにつれ身体も心もついていかないシーンがあったりして、最初は本当にどうしようって感じでした。今は稽古後に大下ヒロトの客観的な視点を働かせつつ、半分は田中八起の視点で物事や社会を見ています。普段から八起になって生きていくのは絶対に無理だけど、できるだけ感じ方の距離を近づけていく。そのために、とにかく見る。人ってなにかを真剣に見ていると疲れてくるし重たくなったりもするんですけど、それでもとにかく見る。それしか方法がないということに気づいたんです。

加藤　ずっと自分と対話しているよね。私も、ここまでしっかりお芝居するのは初めてのことだから最初は本当になんにもわからなかったんだけど、もう飛び込むしかない！って。今までいろんなものに触れて、いろんな表現をして生きてきたけれど、自分がどれだけアウトプットできていなかったか、お芝居をとおして気づいたことがたくさんあります。想像力は働くほうなので、たくさん想像して清澄美波の人生を捉えられているかなって思っていたんだけど、濱田さんに「その人が生きてきた身体にしないとね」って言われたときにハッとさせられて。どれくらいの鼓動で心臓が動いていて、風をどう肌で感じているのか。そこからお芝居に対する感覚が変わりました。

──加藤さんにとって「誰かの人生を生きる」というのは、ご自身の音楽活動と真逆の表現方法ですよね。

加藤　BiSHも含めて、これまではどれだけ自分の生きざまを見せられるか、そこに対して返ってきたものにどう応えるのかということをしてきたので、誰かの人生を生きることについては私が考える正解だけでは絶対うまくいかなくて。ただ、葛藤しながらでもどうかたちにしていくかっていうのが面白いところだし、観てくれる人たちの反応を受けて出てくる感情や言葉が音楽にも舞台にもあるので。その共通点は最近になって感じるようになりました。今は「私はこう感じた、でも清澄だったらきっとこうする。だったら、ここにエネルギーを向けよう」っていうふうに、エネルギーの転換をうまくできるようにがんばっています。

──今作では、田中八起の親友・楠本春一役にマヒトゥ・ザ・ピーポー氏（GEZAN）初監督映画『i ai』で主演を務めた富田健太郎さんや元andymoriのドラマーの岡山健二さん（classicus）がドラム生演奏＆俳優として出演するなど、存在感のあるキャスト陣との掛け合いも大きな見どころ。instagramにあがっている稽古場の様子から、いい空気感が伝わってきます。

大下　仲良いと思います。富田君とのシーンは自分の中ですごく苦戦していました。富田君の繊細かつ自由な芝居は、自分の心がすごく動いていく。同じシーンのはずなのに毎回全然変わってしまう喜びをしっかり感じつつ、少しずつ正解のようなものを二人で見つけている感じです。健二さんとは、休憩中に音楽とか漫画とか映画とか。そんなような話を永遠にしていますね。いろんな好きなものを交換しあっています。だけどやっぱり、この空気感を最初につくってくれたのは真和さんですね。ずっと稽古場で長いあいだ一緒にいるぶん、映画やドラマの現場とはキャスト同士の距離感が違う気がします。こんなに人と一緒にいるのって、僕にとっても初めてです。

加藤　私びっくりしましたもん。役者の人たちってこんなに仲良いんだって。絶対怖い人が一人くらいはいるんだろうなって構えて来たのに、毎日一緒にいられるのが嬉しいって思える人たちで。いいとこも悪いところもちゃんと見てくれている感じがあるし、実力がある人たちだからすごいものを見せられて自分もすごく底上げしてもらって、毎日「もっと頑張んなきゃ」って。

大下　今回、僕は劇中で雷に7回撃たれるわけですけど、そうした実体験がない身体表現も含めて振付指導のJP（島田惇平）さんが教えてくれて。彼の動きすべてが心の動きとリンクしているような、重力を理解しているような、とにかく不思議なんです。休憩中でもJPさんが動いている姿を見ちゃうんですよね。身体の動かし方を通じていろんなことを学ばせてもらっています。

──今作には、「輪廻」「災害と人間」と、死生観に問いかけるテーマが落とし込まれています。生死にまつわる話題が日常に絶え間なく流れ込む昨今にあって、個人的には観劇により琴線を刺激されることへの怖さも少しだけあるのですが、同時に八起たちの人生の機微がどう表現されるのかとても興味深いです。

加藤　重たいだけではなくて、この作品にはすごく面白いところもあって。歌あり、ダンスあり、ちょっぴりアクションもあり。いろんな要素が詰め込まれた表現の幅が本当に広い作品で、出る側なのに「こんな舞台があるんだ」ってワクワクしているんです。あんなことやこんなこともあるので、怖がらずに生身の表現を楽しみにしていてほしいです。八起と清澄、それぞれどんな気持ちを持って帰って欲しいのかは違っているし、大下さんとしても今までやってこなかったことに一生懸命取り組んでいて。身体表現のイメージってないと思うし、そこにしかいない田中八起がいるので、きっとビックリしちゃうと思います。

──最後に、期待を寄せてくださる方々へメッセージをお願いします。

加藤　私は自分のことを生きる力を放って生きてきた人間だと思っているし、目の前にいる人の心を動かせなかったらその先にいる何万人の心を動かせないから一生懸命表現しているんですけど、応援してくれる人にも「生きたい」と思ってこの社会と闘って生きてほしいなと思っています。私も大下さんと一緒で、世の中のことを目を凝らして見ていきたいなっていう意識がずっとあって。でも素直にそれを言える世の中ではないからこそ、いろんなかたちで気持ちを伝えられたらいいなと思うし、清澄なりの生き方とエネルギーと、その日生まれた心で、なにか刺さるものがあったらいいな。

大下　僕は、映画が与えてくれる瞑想的な時間を人に与えられる存在になりたいと思っているんです。ただ、ずっと映画という芸術のファンとして生きてきた自分が舞台という土俵にあがるのは果たしてどうなのかって考えていました。今回この作品のお話をいただいたのはタイミングでもあったし、生のお芝居を求める人がいるということに今まで自分が経験したことのない可能性を感じたんです。自分にとっては修行をしているような感覚でもあります。そして、今言えることは、とにかく来て、観てくださいということ。シアターの語源になった「theōria（テオリア）」という言葉には、「そこにある真実を見つめる」という意味があるといいます。ライブを求められる以上、ライブで返す。あとは、感じたものを持って帰ってもらうだけ。それが一体なんなのかは、僕もまだ探している途中で、今思っていることも変わっていくかもしれないし変わらないかもしれない。だけど僕は、希望をもって生きています。

──今回、コンテンポラリーダンス公演のための音楽を手掛けることになった経緯を教えてください。 最初にOrganWorksを主宰する平原慎太郎さんを紹介してくれたのは、OrganWorksと何度かコラボレーションをしている呂布カルマなんですよ。それ以前から僕のことを知っててくれていたみたいで、いつか一緒に何かやりましょうって、メールをくれたんです。その後、2021年に呂布さんのアルバム『Be kenja』で僕が1曲（「SAMSAVANNA」）プロデュースしたんですけど、それを聴いて、「ヤバすぎた」みたいな感じで急に連絡が来て、「次の作品でぜひお願いしたい」って。そして、そのままの流れに乗って、今回、音楽を担当させてもらった次第です。 ──これまでRamzaさんはコンテンポラリーダンスにどう触れてこられたんでしょうか？ 森山未來くんが会話しながら踊るユニット、談スのことは知ってて。後々、クレジットを確認したら、平原さんもその一員だったことが分かって、なるほど、そういう繋がりがある方なんだなって。僕は以前、森山未來くんと辻本智彦さんが2人でやってるコンテンポラリーダンスユニット「きゅうかくうしお」の2019年公演『素晴らしい偶然をちらして』の制作合宿に参加したことがあって。そこで、田植えしたり、俳句を作ったり、酒飲んだり、焚き火したりとか（笑）。それだけだとただ遊んでるだけだなと思ったので、帰る前にアンビエントの曲を数曲作って置いて帰ったんですけど、自分にはコンテンポラリーダンス界隈とのそういう経験があったので、今回の仕事をする前に、平原さんがどういうバックグラウンドの人なのか、自分のなかでなんとなく想像はついていました。 ──そして、Ramzaさんはプライベートのパートナーもコンテンポラリーダンサーでいらっしゃるとか？ そうなんですよ。だから、日常のなかで、ダンスのことを自分なりに考えたり、話したりすることはありますし、コンテンポラリーダンスの世界における音楽の扱われ方、捉え方もなんとなく。扱われているのは、分かりやすい現代音楽であるとか、ダムタイプの音楽を担当している池田亮司さんに代表される異常に電子制御された最先端のコンテンポラリーミュージックが主流というイメージで。ジョン・ケージとマース・カニングハム、スティーブ・ライヒとローザス、あとローザスと言えば、2019年にジョン・コルトレーンの『A Love Supreme』だけの面白い公演をやったりしているんですけど、そういう超有名なダンスカンパニーが現代音楽をバチバチに使っているので、一般的にコンテンポラリーダンスといえば現代音楽というイメージが強いですよね。 ──平原さんは呂布カルマとのコラボレーションしかり、ダンスを始めたきっかけがヒップホップだったりと、ルーツにヒップホップがある方ということですが、お会いしてみていかがでしたか？ 公演が終わって、飲みの時に「そういえばヒップホップ好きでしたよね」って話したくらいで、分かりやすくヒップホップで繋がったわけではなくて。それよりも喋り方とかそこから伝わっている考えが繊細な印象で、もっと言えば、僕に声をかける前に、どこかのタイミングで（Ramzaと盟友である同郷のプロデューサー）Free Babyloniaに声をかけようとしていたらしくて、自分たちと共通する何かをキャッチする感性の持ち主なんだろうなって。初めて会った時は、わざわざ、そのためだけに名古屋まで来てくれたんですけど、そこで説明された公演のコンセプトは難しくて（笑）。すごい荒い解像度で、古代ギリシャ劇で作品内容や背景を伝える役割を担った“コロス”（Chorus：合唱隊）が題材になっているんだなと理解しました。

──そこからどういう過程で音楽制作に向かっていったんですか？ 最初に説明を受けた時、「とりあえず、その説明からイメージを膨らませて、何曲か作ってみますわ」って返して、1か月くらい引きこもって作業に集中した感じです。 ──上演された『ひび割れの鼓動 hidden world code』は、ダンスに加えて、俳優2人の台詞が抽象的ながらも設定やストーリーを伝える6章からなる作品でしたが、そうした設定やストーリーありきで、音楽を制作していったんですか？ 最初の説明で、人の生死がテーマに関わっているというニュアンスの話はあったんですけど、それ以外に平原さんからの要望だったり、具体的なものは全くなかったので、人が踊っている映像を頭の中に喚起しながら作業していって。記憶が正しければ、音楽が出来上がった時点ではまだ舞台の章分けはされていなかったと思います。 ──つまり、Ramzaさんからしてみれば、音先行で自由に制作を進めることが出来たと。 それで5曲作ったのかな。その後、章分けされて、公演1か月前に「あと1、2曲欲しい」って言われて、「ええ！？ マジか……」って。そのタイミングで練習風景の映像が送られてきたので、それを観ながらまた勝手に想像して作ったら、その曲が作品構成にバチバチにハマったらしくて、向こうはかなり盛り上がったらしいんですけど、「それはよかったです」と返しつつ、あまりに情報が少なくて、こちらは何が起こってるのか全く分かってなかったという（笑）。 ──Ramzaさんは一般的にヒップホップのビートメイカーと認識されていると思うんですけど、このアルバムにはキックやスネアが入っていませんし、分かりやすい形でヒップホップとコンテンポラリーダンスのコラボレーションを意図、具現化したものでもないですよね。 ヒップホップのビートメイカーということで、もしかするとビートを期待した人もいるかもしれないですよね。でも、そもそも僕はビートメイカーのなかでも分かりやすいスネアとかキックがない方というか、特に最近は無理にビートを打ちたいとは思っていなくて、ビートのありなしを超えた次の段階でどういう音楽を作るかということしか考えていないんですよ。だから、平原さんが僕の音楽をどう捉えているのか、何を求めて声をかけてくれたのか聞いてみたいですけどね。

──単純な話として、ダンスのための音楽としては分かりやすいビートがあった方が踊りやすいと思うんですよ。でも、そういう作品にはなっていないわけで、Ramzaさんはどんなことを考えて作品を制作されたんでしょうか？ 先に述べたように、コンテンポラリーダンスで使われているステレオタイプな現代音楽や電子音楽はあり得ないというところから始まって、そんな格好つけなくていいし、普通の音楽でいいじゃんって。普通というと語弊があるかもしれないですけど、電子音楽や実験音楽に偏りすぎず、なんとも言えない音楽。なおかつ、巷にはない構成のもの。ただ、分かりやすいキックやスネアは入れなかったものの、「こういう曲で踊ったらヤバいだろうな」というポイントを自分なりに探しながら作りましたね。 ──Ramzaさんの制作手法として、2017年のファーストアルバム『pessim』をはじめ、Ramzaさんの初期の作品はサンプリング、コラージュの手法が主軸でしたよね。今回の作品だと4曲目の“immortal”がまさにそういう曲だと思うんですが、それ以外の曲はシンセサイザーで作ったご自身の音で構築されていますよね。 そうですね。今のモードになったのは2年くらい前かな。サンプリングというのは、自分でコントロールできない表現というか、偶発的な切り取り方や組み合わせで訳の分からない音が出るところだったり、サンプリングソースの年代とかジャンルによって文脈やタグが与えられたり、それを組み合わせる遊び方に魅了されてきたんですけど、シンセサイザーにはそういう記号性が希薄だったりする。今はそういう文脈やタグを必要としていないというか、もっとシンプルなもの、自分をより色濃く投影したものが作りたいということなのかもしれないですね。そして、なにより、シンセサイザーで自分だけの音を作るのもサンプリングと同じくらい面白いし、未開拓の領域ということもあって、気づいたらシンセサイザーを多用していたという感じですかね。しかも、ここ最近はソフトウェアとかプラグインの進化が著しくて、シンセサイザーもものすごい音が出るんですよ。だから、今はテクノロジーやシンセサイザーの進化を楽しんでる真っ最中でもあるんでしょうね。 ──ただ、手法の違いはあれど、ヒップホップで育まれたであろう野蛮さと独自の音を突き詰めることで生まれる美しさが共存したRamzaさんらしい作風は不変ですよね。 音楽もアートもコンテンポラリーダンスも西洋的な美意識が良さの基準になっているし、さらに学校で専門的に学んだアカデミックな表現はそうした西洋的な美意識が主体になっていると思うんですけど、自分にはどうにもピンと来ないんですよ。だから、Ramzaらしいと言ってもらえて、めちゃ嬉しいですね。

──公演を拝見して印象的だったのは、例えば、キックに近い役割を果たすベースや音の立体的なうねり、シンセサイザーのシーケンスフレーズもダンサーにとってはリズムの役割を果たしていたこと。ダンサーの皆さんは繊細な一音に体を反応させていたかと思えば、もっと大きな抑揚のある曲構成であるとかシンセサイザーで表現されたメロディアスな音色が踊るポイントにもなっていて。ダンサーの自由な身体表現に驚かされましたし、Ramzaさんの音楽は自由な身体表現を触発する音楽だと思いました。 そうなっていたらいいんですけどね。メロディアスな要素はダンス作品であるからこそ盛り込んだものであって、パフォーマンスから哀愁を感じたり、エモーショナルになるような瞬間があればいいなって。 ──今回の公演は起承転結のある舞台でしたが、終盤にあたる5曲目の“Concrete”、ラストの“Dithurambos”はとりわけエモーショナルで、パフォーマンスのクライマックス感と一体になっているように感じました。 でも、実は僕が想定した順番とは違う順番で使われたんですよ。自分のなかで「この曲が最後だな」と思っていた“Nostalgia”は1曲目に来ましたからね（笑）。まぁ、でも、1曲1曲それぞれに流れや雰囲気があったので、起承転結はどうでもいいかなと思っていましたし、実際、舞台構成と曲は上手くハマっていたんじゃないかなって。 ──自分が作った音楽でダンサーが踊っている舞台を観て、どう思われました？ 初演の神奈川芸術劇場での公演はサウンドシステムが良くて、理想的な音が出ていたし、素直に感動しましたよ。OrganWorksの方たちは体の可動域もすごいし、パフォーマンスのレベルが飛び抜けていて、ただただすごいと思ったし、そういう飛び抜けたダンサーが自分の音楽でガチで踊ってくれていること自体、本当に嬉しいなと思いました。 ──個人的に、ヒップホップの枠にとらわれない表現の可能性を追求しているRamzaさんと第一線で身体表現の可能性を追求しているダンサーとのコラボレーションは、舞台を観ていて、聴いていて、非常に刺激的な経験でした。 自分としては、何かに対するアンチ、破壊であるとか、新しいことをやってやろうみたいなことではなく、日々生活しながらも吐く息がヤバい、みたいな感じで自然に生まれる“生活に従順な音楽”を目指したんですけどね。 ──ヒップホップ、ラップって、そういう音楽ですもんね。 ああ、近いかもしれない。CampanellaやC.O.S.A.だったり、自分の周りにいるラッパーはそういうやつらばかりですしね。 ──ちなみに今回、作品としてリリースするにあたって、手を加えたりはしましたか？ そもそも、この作品はリリースしようとは微塵も考えてなくて、声をかけていただいたことで作品化が実現したんですけど、さらに手を加えると色んな人に迷惑をかけるだろうなと思ったので、音のバランスだけ調整しました。というのも、本番2日前に、曲を短くしたり、音を抜いたり、めっちゃ変えたことで、皆さんをびっくりさせてしまったので。「あ、これ、やったらヤバいやつだ」と思って、今回は気を遣いました（笑）。

『HIROs LIED』は11月19日、20日の２日間に渡り、シュテーグリッツ地区にある劇場「TanzTangente」にて開催された。ワクチン接種者が増えたにも関わらず、新型コロナウイルスの感染者数が増加の一途を辿るベルリンは、2Gというワクチンパスポートとリカバリー証明を持つ人だけが入店可能。2Gに満たない場合は、交通機関を利用する際も24時間以内に検査した陰性証明が必要になるといった厳しい規制を敷いた。（現在はさらに厳しい規制が課されている）そんな混沌とする情勢の中での開催となったが、チケットはほとんどが完売となる大盛況に終えた。

演出家・振付家の前納依里子さんは、14歳から声楽やバレエ、ジャズダンスを始め、その後コンテンポラリーダンサーとしてのキャリアをスタートさせ、これまでに、東京ディズニーランドや新国立劇場のオペラやダンスプロジェクトなどで活躍してきた。ベルリンへは2016年に拠点を移し、振付家、演出家、ダンサー、ダンス教育者としての新たなキャリアをスタートさせ、現地のアーティストとともに自身のプロジェクトを始動させた。

私が個人的に興味深いと感じたのは、日本を含む東アジア独特のテーマを掲げ、それをドイツで表現するという点だ。東アジア地域特有の文化遺産である海女漁の歴史と現在をテーマとした『AMA-Perlentaucherin』では、2020年に本公演が開催出来なかったことから、360°の映像で見せるといったこれまでにない斬新な発表を行い、演出家が自らカメラを回し、編集まで手掛けている。ドイツでは馴染みのない”海女”という存在にフォーカスした点やドイツを代表するクラウトロックバンド、タンジェリン・ドリーム（Tangerine Dream）のトースティン・クェシュニングが音楽を担当しているなど、独特の感性とジャンルも国境も垣根を超えた発想にとても関心を持った。

『HIROs LIED』は、私にとってベルリン生活の中で初めて観たセリフのある本格的な舞台である。当然ながらコンテンポラリーダンスにおいても、演劇においても素人だ。しかし、主演の舞踏ダンサーとして第一線で活躍する吉岡由美子さんとAsuka Julia Riedlさんによる日本語とドイツ語が入り混じるセリフ、全身全霊で表現するコンテンポラリーなダンスは、直球ストレートに心の奥まで届いた衝撃的な作品だった。認知症を患った日本人女性とその娘の物語という、一見タブーにされがちなテーマにあえて挑んだ理由は何だったのか？

事実、重いテーマであることに変わりはないが、かといって、絶望感に浸ることなく観劇できたのは、ユーモラスな演技、リアルと幻想が入り混じる美しい映像、そして、感情を揺さぶられるサウンド効果や音楽による演出の素晴らしさからだろう。今作で音楽を手掛けたドラマー・プロデューサーの青島主税さんにも制作について尋ねた。

青島主税　「認知症を通じて”人間はどこから来てどこへ行くのか”という本作のテーマを強く意識しました。普遍的で深いテーマなので、音楽もシーンや楽曲によっては普遍的な曲が必要だと思いました。認知症が進行すると小さい頃の思い出が強くなっていくと聞いてました。本作の母、HIROも、もともとは日本に住んでいたことから、一時帰国中に様々な音源を録音して、それをコラージュして曲のいたるところに散りばめたり、実際のシーンで鳴らしたりしてます。例えば、日本独特のお風呂が沸いた自動音声だったり、街の雑踏の音、鈴虫の音など、日本を彷彿とさせる音がふんだんに使われてます。 他に、心象についても認知症の母と娘という立場や観点からどう制作するかは試行錯誤しました。例えば、娘が母の認知症を初めて認識した瞬間のシーンがあるのですが、その感情の変化をどう音で表現するか悩みましたね。技術的な点においては、認知症のループ感や齟齬感を表現するために、あえてクオンタイズは使わずに音をずらしたりしています。認知症の症状とうまくリンクさせることが出来たのではないかと思います。」

実は『HIROs LIED』には、”分断”という裏テーマが隠されていることを公演後に知った。依里子さんは、以前から国、人、身分、文化などにおける”分断”においてもずっと危惧していたという。そこへ、コロナパンデミックという”分断”を象徴するような出来事が起きたのだ。

前納　「コロナ以前からアメリカのトランプ現象やブレグジットなど”分断”は顕在化してはいましたが、世界的パンデミックによって、その流れが一層強く広がったことに対して非常に胸を痛めています。国単位だけではなく、人間単位でもそれは明らかです。 とはいえ、”分断”は最近になって突如として現れた問題ではありません。私は自分自身が日本社会に適合できなかった人間であるためか、昔から社会の周縁的存在により共感を抱いていました。東京で活動していた当時は、下流社会などという言葉が出現し、自分が「彼ら、持てる者」の定義する下流に属する人間だという自覚もはっきりありました。それに対して、もちろん怒りもありましたが、同時に滑稽で茶番的だとも感じていました。”分断”を作っているもの、それを助長するものは何なのか、その両者は実は紙一重であることを、切実に感じながら東京での表現生活を送っていました。 分断を分断として言葉で語るだけでなく、分かり合えないと思われるコミュニティに入りこみ、彼らの目を見て、話す言葉を聞くこと、それを表現に昇華することが、今回の認知症テーマで取った方法論なのです。認知症患者は、私たちとは全く異なる時間、空間、感性で生きています。排泄物を弄ぶこと、それにも彼らなりのロジックがあるのです。私は本作を、認知症患者になるべく寄り添ったもの、彼らの見ている世界を通して私たちの世界を再発見するようなものにしたいと強く思っていました。それは社会の様々な分断を和らげる態度の一つであろうと感じています。」

素人の私であっても『HIROs LIED』を観るべきと直感で思ったのは、こういった真相や背景があったからかもしれない。遠く離れた異国の劇場で観る日本の風景は、お金と時間さえあれば自由に行き来できていた時代を思い出させ、家族を想い、両親や自分の老いについて考えさせられ、改めてベルリンという街にいる意味を考えさせられた。同じようにベルリンに長年住みながら、コロナ禍でも止まることなく、勢力的に活動を続ける依里子さんのバイタリティーは一体どこから来るのだろうか？

依里子さんは、社会問題や一個人における問題を取り上げ、コンテンポラリーという表現方法で、観る人たちへメッセージを送り続けている。現在の形になるまで相当の苦労があったと聞くが、異国で活動する一人の日本人としてメリット、デメリットについて聞かせてもらった。

ベルリンには、本当に多くの日本人が幅広い意味での”芸術”に携わり、活躍している。日本にいたら出会うことがなかったかもしれない誰かと出会う度に、新しい世界を知り、パッションから元気をもらい、それらが全て自分の生きる糧となっている。