平日の月曜日。夕方17時。東京・原宿のとあるアートギャラリーに、Night TempoがDJとして姿を現した。残暑が厳しく、色褪せた日常の合間に涼やかな風を吹き込むように、シティ・ポップを中心とした75分間のラウンジセットを届ける。この時間の趣旨がどのようなものかは後々に語るとして、照明をやや落としたギャラリーで、小さなミラーボールが回転しながら、四方に飾られたアート作品の上に無数の光彩を走らせていく。フロアに集まった150名以上のオーディエンスも、徐々に頭や肩を揺らし始めてきた。

山根麻衣「ウェイブ」から始まった、この日のラウンジセット。75分間の持ち時間のうち、序盤で特にフロアが好感触を示したのは、ハイ・ファイ・セット「スクールバンドの女の子」。そこから森川美穂「ジャスミンを揺らさぬように」へとシームレスに繋げる。

ダンサブルではなく、あくまでもBPMの緩い楽曲選びをしつつ、本人がプレイ中にあくまで言葉数少なく語っていたのは、当日のセットリストのほとんどの楽曲を、オーディエンスはおそらく知らないだろうということ。だからこそ、楽曲を聴きながら調べてみるのはどうだろうか？……なんて優しく提案する形で、いわゆる“dig”の楽しさを教えてくれる。あえてニッチなラウンジセットとすることで、本人公認の“Shazamイベント”となったわけだ。

実際に、ギャラリー2階からフロアを見下ろすと、音楽検索アプリ・Shazamを起動している様子がちらほら。一方で、DREAMS COME TRUE「週に1度の恋人」などは、いわゆる“大ネタ”のような扱いで、楽曲と一緒に思わず歌詞を口ずさんでしまうなど、メジャーソングとの塩梅も欠かさない。また、前述の通りあくまで緩めな時間の流れでありながら、後半になるにつれて荻野目洋子「キラー通りは毎日がパーティ」や当山ひとみ「Kissしたい」など、キックのサウンドが明瞭で、それゆえにわかりやすくグルーブを備えている楽曲を使い、本気で踊らせにこようとする場面も見られた。

そんなラウンジセットの終盤には、Night Tempo曰く、その場の誰も知らないだろう、とっておきの楽曲をドロップ。1984年にリリースされたという、泰葉「かくれんぼ Story」。……申し訳ないが、筆者も知らなかった。とはいえ、最後は全員におなじみの楽曲を選んできたという気遣いも。ラストを飾ったのは、亜蘭知子「Midnight Pretenders」。The Weekndが2022年に「Out Of Time」にてサンプリングしたことで話題を集めた楽曲である。聞き覚えはありながら、筆者も念のためShazamを掛けたのだが、結果に表示されたのが原曲ではなく、「Out Of Time」の方だったのが微笑ましい。

さて、後述すると綴った、このイベントの詳細をいよいよ明かそう。まず、場所は前述の通り、東京・原宿。なかでも、これまで数多くのアーティストが、さまざまなブランドとコラボし、サプライズイベントを開催するなどで語り草を残してきた、音楽やアートなどの数多のカルチャーが交差する場所＝キャットストリート。その中心に位置するX8 GALLERYである。

同ギャラリーで2023年9月3日まで開催され、Night Tempoが今回、ゲストとして迎えられたのが『Music Time Travel -あの頃の夏へ-』。ユニバーサル ミュージックを主催とし、同レーベルより1990年代から現在にかけてリリースされた、“夏にまつわる楽曲”の歴史などを知ることができる展示企画である。

2階建ての建物のうち、1階に写真家兼、本施設のオーナーであるレスリー・キーと学生のコラボレーション展示が。2階に上がると、全5種類の企画を鑑賞することができ、キャットストリートの歴史と、夏にまつわる名曲を巨大年表にまとめた「Time Travel on Summer Song」、スキマスイッチやナオト・インティライミらが影響を受けた夏歌プレイリスト企画「Time Travel Playlist – Side A：Artist UNIVERSAL MUSIC」なども。あの頃に戻りたい夏、戻りたくない夏。あるいはまだ知らない夏ーーさまざまな時代から寄せ集めた音楽を通して、タイムトラベル体験に浸るというのが、この企画最大の趣旨となっていた。

実際、ユニバーサル ミュージックから過去の同時期にリリースされたジャケットを見比べて、当時のトレンドだったタッチなどを感覚的に掴めたほか、iPodなどの携帯音楽プレイヤーや、Spotifyなどのストリーミングサービスをはじめ、ユーザの音楽への親しみ方に対して、テクノロジーの発展がどのように寄与したのかを学べるところも大きなポイントだと感じられた。

20代の筆者個人でいえば、自身が生まれる前にはすでに存在していた音楽に、まさにタイムトラベル的にアクセスできたこと。さらに、ここまで記した情報に対して一度に、かつあらゆる観点から網羅的に触れられる展示として、非常に有意義なものだったといえる。

また終演後には、Night Tempoとレスリー・キーが対談する形で、関係者向けインタビューにも対応。本稿の最後に、抜粋した内容を掲載するのでぜひご覧いただきたい。

平日の月曜日。夕方17時。夕暮れまで間もない時間帯というシチュエーションも含めて、ふたつの意味での“マジックアワー”を見せてくれたNight Tempo。7月19日に配信と7inchアナログで『早見優 ‒ Night Tempo presents ザ・昭和グルーヴ』を発売したほか、10月には東京・Spotify O-EASTを皮切りに、名古屋、大阪、北九州の全4都市を巡る、新作アルバムを引っ提げたワンマンツアー『The Night Tempo Show – Neo Standard』を開催するなど、今後の活動からも目が離せない。

なお同ツアーには、Night Tempo、元Maison book girlの矢川葵、元AKB48／NMB48の市川美織の3名で構成されるFANCYLABOが全公演に登場するほか、東京公演のみスペシャルゲストも出演予定とのこと。チケットは好評発売中なのでお見逃しなく。

──『Music Time Travel -あの頃の夏へ-』開催にあたり、レスリーさんが考えていたことはありますか？

レスリー　今回の縁を繋いでくれたのは、なんといっても“ユーミン”（松任谷由実）。ユニバーサル ミュージックを代表するアーティストであり、私の人生を変えてくれた。My only ユーミンのことを考えていました。僕自身、1980年代にシンガポールで放送されていた『NHK紅白歌合戦』に出会ってから、1曲ごとに衣装やステージセットさえ大規模に変えてしまう、日本の歌番組の本気さとレベルの高さに魅了されて。あれから何十年も経って、ユニバーサル ミュージックの皆さんからこのギャラリーでの企画開催を相談いただいたとき、私も冗談半分、本気半分で「ユーミンのことを広められるならば」と答えたんですよ。そうしたらまさか本当に実現するとは（笑）。

──冗談半分ではあったのですね（笑）。そもそもこのギャラリーが誕生した経緯は？

レスリー　写真家として活動を始めてから15年ほど経った頃のことですかね。私はやはり、日本が大好きで、この国で自分だけのギャラリーをプロデュースしたいと思いました。そこから2014年に6カ月ほどかけて、渋谷、原宿、表参道、千駄ヶ谷、恵比寿などを週1回のペースで巡り、ギャラリーを建てられる場所を探したんです。あれから約10年が経って、ようやく空き物件が見つかって。どれだけ考えても、ギャラリーを構えるならば、日本の若者だけでなく、世界のアート、ファッション、音楽の交差点であるキャットストリート以外に選択肢が思い浮かばなかったし、表通りから一本入った場所で、本当に落ち着ける場所なんです。

──レスリーさんは、そうしてひとつ夢を叶えたと。Night Tempoさんにとって、今後の夢などは？

レスリー　私もすごく気になります。例えば、テイラー・スウィフト（Taylor Swift）はさまざまなレーベルから、自身の作品のコピーライト（原盤権）を買い戻すなどしていますが、Night Tempoさんもそういったことは？

Night Tempo　僕はプログラマーとしても働いているので、正直なところ音楽でお金を稼ぐよりも、自分が楽しいと感じられることを大切にしたいんです。だからこそ、自分が望まないことは絶対にやりたくない。楽しく、そして長く音楽を続けることが僕にとっての夢ですね。

レスリー　実は、Night Tempoさんとぜひ叶えたい夢がひとつあって。いつか『NHK紅白歌合戦』の審査員をやってみたいです。一緒にやってみませんか？　そもそも『紅白』って観てますか？

──そういえば、Night Tempoさんは現在、韓国と東京の二拠点生活を考えているそうですね。

Night Tempo　そうなんです。いまはビザ発給に向けて頑張っている最中ですね。最近は、日本の方々と一緒にコンテンツを作って、海外に広めていきたいと考えているんです。となると、日本の会社としっかりと仕事をするために、この土地にも拠点が必要だなと。

レスリー　でも、Night Tempoさんの音楽はグローバルだし、どんな場所でも活躍することに間違いはないと思います。僕はその点を本当に尊敬しているし、なにをいっても心は日本、東京にありますよね？　

Night Tempo　それはたしかに（笑）。

レスリー　うんうん。……いや、そうはいっても、ビザは絶対に発給されてほしい（笑）。日本のアーティストは、オーディエンスのためにクオリティの高い作品を作っているし、オーディエンス側もそれをリスペクトしてくれる土壌があると思っていて。日本人は、芸術を“心”で感じてくれる。だからこそ、Night Tempoさんも日本にさらなる拠点を設けることで、ますますやりがいを感じられるはずですよ。

新型コロナウィルスの影響を受けてツアーを中止したSING LIKE TALKING（シングライクトーキング）が、夏に入って大きく動き出した。日本のシティポップや歌謡曲のリエディットで知られるNight Tempoが、彼らの曲をセレクトしたコンピレーションアナログ盤が話題を集め、8月29日（土）に中野サンプラザ、9月5日（土）に都内スタジオで初の配信ライブを行うこと、その直前の8月26日（水）にはシングル“生まれた理由”と、ギタリスト・西村智彦の約5年ぶりとなるソロアルバム『combine』を同時リリースすることも発表した。そこで、今回はそれらのトピックを軸に、SING LIKE TALKINGの現在地と未来や、昨今のシティポップやアナログ盤のリバイバルに対する見解などについて、佐藤竹善と西村智彦の二人に話を聞いた。

――新型コロナウイルスの感染拡大を受けてツアーは中止されましたが、配信ライブの開催と、シングル“生まれた理由”のリリースを発表されました。まずは現在のお気持ちを、聞かせていただけますか？ 佐藤竹善（以下、佐藤）　今の状況をネガティブには捉えていません。危機的な出来事という意味では、僕の場合、東日本大震災や阪神大震災のほうが辛かったというのが正直な気持ちですね。東日本大震災の時、僕は仙台にいたんです。突然襲った災害により一瞬にして街が荒れ果て、多くの人々の命が奪われたことに対して感じた無力感は、そこから努力してどうこう以前の問題で。もう運命として受け入れなければ気持ちのやり場がないくらいの、大きなものでした。でも、今のコロナ禍における音楽業界は、いろんな立場の人たちがいてそれぞれのケースがあるので一概には言えないですけど、気を落とさず努力から始めてなんとかなる部分がかなり大きいと思うんです。 ――そのうえで、この先はどうなっていくと思いますか？ 佐藤　今はいろんな人たちが状況を見定め模索している段階。言葉は悪いかもしれないですけど、過渡期とも言えると思うんです。人の数だけ感情がある。それらが配信ライブに向くのか、制作に没頭するのか、他の何かなのか。いずれにせよどの選択も世の中の状況を見ながら変性していくもの。だから“こういう結果が見えているからやる、やらない”ということではなく、自分自身の気分が高揚することに従って取り組めばいいんじゃないかと。その積み重ねが誰かにとっての感動を生むかもしれないし、全体的にもいい形に収まってくるようにも思います。コロナウィルス自体がいつ収束するのか、何を以て収束とするのかは難しいところだと思いますけど、今となってはそこをとりわけ気にしなくてもいいというか、結局、やれること、やりたいことを続けるしかないですから。 ――そんななか、竹善さんは今をどのようにお過ごしですか？ 佐藤　最近は毎日のようにここ（自身が所有する制作スタジオ）にいるんです。こんなに長く一つの場所にいることは何年もなかったので、すごく新鮮な気持ちですね。そうすると、新しい発見もたくさんあって。例えばこの機会にって、今まで以上にコンピューターと向き合うことで、ただ操作に詳しくなるだけじゃないんですよね。そのために脳を回転させたことが、別の新しい発想にも繋がってきますから。 ――西村さんはいかがですか？ 西村智彦（以下、西村）　目の前のことと真っすぐ向き合っています。今度やるお客さんを会場には入れない配信ライブも、それにともないリハーサルも密にならないように気をつけることも、いろんなことが初めてで戸惑うこともありますけど、一つひとつ積み重ねていくしかないですから。

――シングル“生まれた理由”を制作することになった経緯を教えていただけますか？ 佐藤　SING LIKE TALKINGは、00年代に入ってから7年くらい活動していない時期もあったんですけど、デビューから25周年を過ぎた2013年あたりから、いいタイミングでリリースすることを前提に、毎年１曲は作ることにしたんです。そうすると感覚が前線にいられるというか、試合がないのに練習するのと、試合があって練習するのでは違うじゃないですか。その流れで今年も作ろうと。コロナウィルスの影響でいろいろあるけど、僕らはベースやドラムが固定されているバンドではないし、西村も千章もそれぞれにいい録音環境を持っているので、フレキシブルに動けるんです。だから今回はほとんど3人で会うことはなく制作を進めていきました。 ――“生まれた理由”のアレンジやメロディは、おもに竹善さんが手掛けられたのですか？ 佐藤　そうですね。僕らは基本的に曲を書いた人がアレンジをやるんですけど、そこは今回も変わらずで。そこまでできた段階で千章に渡して歌詞を書いてもらいました。 ――SING LIKE TALKINGは、AORや日本のシティポップの文脈上に置かれることが多いじゃないですか。私はAORとは洗練されたクロスオーバーミュージックだと思っているのですが、「生まれた理由」はそういう意味でのAOR、1970年当時のリバイバル的なものではなく、制作した時代の空気感ありきでトラディショナルなエッセンスも大切にしてきたSING LIKE TALKINGの最新型だと思うのですが、いかがですか？ 佐藤　僕は“ポップス”が大好きなんです。じゃあ、ポップスとは何なのか。クラシックもエレクトロもヘビーメタルも、すべてがポップスを形成する要素だと思います。だから僕は、デビューした頃から常に、ジャンルを限定して特定の音楽をやりたいと思ったことはなくて、ずっと“クロスオーバー”という感覚で制作に取り組んでいるんです。その時々で、自分がいいと思った音楽を吸収する。The Beatles（ビートルズ）もQueen（クイーン）も、AORと呼ばれる音楽もMaroon 5（マルーン5）も、そうやって曲を作ってきた、その時点でもっとも新しいミクスチャーですから。

――近年はどんな音楽におもしろさを感じていますか？ 佐藤　シンガーソングライターの人たちですね。僕らが若い頃に出会った70年代のJames Taylor（ジェームス・テイラー）らとはまた全然違うもの。わかりやすいところだとEd Sheeran（エド・シーラン）や、もっとエレクトロに寄ったアグレッシブな要素が強いものだとJames Brake（ジェームズ・ブレイク）とか。そうやって過去から現在、未来へと続いていく轍をおもしろいと思いながら止まらずに追えている間は、ずっとポップスのフィールドにいていいのかなって、思います。 ――James Brakeはすごく腑に落ちました。音の間を活かしたグルーブ、そのなかでの現代的な低音域の広がりや打ち込みのサウンドの立体感については、どのようなことを考えて作っていったのでしょうか。 佐藤　今回の音作りは、バスドラムとベースが6割くらいを締めていたように思います。上の音や歌が重なってアレンジができていくたびに修正を繰り返しました。今のポップスはリズム隊、特に低音が基本にあって、キックだけじゃなくてスネア、生ベースにシンセベース、本来のベースやキックにない音、音階のあるキックでベースを出すとか、ふつうに聴いてたら気づかないアプローチが無数にあるのはおもしろいですね。 ――そういったベクトルでの音の探求が、近年のSING LIKE TALKINGのおもしろさの肝だと思うのですが、いかがでしょう。 佐藤　2018年のシングル“Vox Humana”くらいから、その要素が強くなっていますね。今まで自分たちがやってきた常識を解体して組み立て直さないといけないんで、なかなか大変ですけど楽しいですよ。これまでにやってきたことを大事にしながらも、サウンドだけじゃなくもっと広い意味で、“最新の捉え方を”吸収してアップデートしているつもりです。

――サウンド以外にはどういったところに新しい捉え方が見られるのでしょうか。 佐藤　曲の作り方そのものもそうですね。今まではピアノやギターやベースを弾きながら、同時にメロディーと和音ができあがっていくようなイメージだったんですけど、今回は、曲が仕上がっていくに連れて浮かび上がってくる、自分のなかのテンプレートみたいなものを壊そうと思いました。 ――それはすごく興味深いです。 佐藤　だから、最初にピアノだけで曲を書いた時のメロディは、まったく残ってないんです。アレンジをしていくなかで、曲を変えたいと思ったら変える。最後までどういう曲になるのか自分でもわからない、自分自身とセッションをし続けるような感覚ですね。近年の欧米、特にR&Bでは、そういう作り方をする人たちが多いと聞いたことがあります。 ――後半の西村さんが弾くギターも効いています。 西村　“生まれた理由”は、そこのギターソロしか弾いてないんですよね。いつも竹善のイメージや具体的なリファレンスを受けて音を作っていくんですけど、それがね、分かり辛いんですよ。Santanaに「Van Halen（ヴァン・ヘイレン）を弾け」って言ってるようなもの、じゃないけど、そもそも僕のなかにないような要素も平気で言ってきたり（笑） 佐藤　僕が弾けないから、とにかく言いたいこと言っちゃうっていう（笑）。リファレンスは訊かれるまで言わないんですけどね。で、実際にVan Halenって言ったことあったよね？ 西村　だから頑張って弾いたら「それじゃあ、ほんとにVan Halen」とか言い出すんですよ（笑）。むちゃくちゃでしょ？ ――竹善さんの伝えたいこともわかるようなわからないような（笑）。 西村　だから今は、言われたことと自分がもともと持っている個性の接点を探して弾くようにしています。そのほうがお互いハッピーだなって。 佐藤　今回リクエストしたのはThin Lizzyだったけど、全然違うものがきて。でもカッコよかったからオッケーみたいなね。 ――そういった自由で豊かなサウンドの変化がありながらも、SING LIKE TALKINGらしさをメロディでしっかり担保できているのはさすがだと思いました。メロディラインは、昔から大きな抑揚や壮大なスケールを以て泣きに向かうというよりは、自然体な印象がありながら、どんなサウンドに変化しても、作り方が変わっても確固たる強さがそこにあります。 佐藤　そこはたぶん、僕がシンガーでもあるからだと思います。グローバルな視点で新しいプロダクションに目を向けながらも、日本でのSING LIKE TALKINGとしての歌は大切にしたい。とはいっても、自分自身の理想が制約されたら本末転倒だし、頭でっかちで曲を書いても屁理屈にしかならないから、いかに感覚的なところに落とし込めるかをポイントにしているので、そう感じてもらえていたならすごく嬉しいですね。あと今回は千章が、ここまでで僕が長々と話したようなことにちゃんと反応して、いい歌詞をつけてきてくれたことも大きいですね。それによって、わかりやすさとかそういうことではなく、本質的なSING LIKE TAKINGらしい一体感の生まれた、新しいフェーズに進むための曲になったと思います。

――西村さんのソロアルバム『combine』は、どのようなイメージで制作していったのでしょうか。 西村　僕はSING LIKE TALKINGのシングルのカップリングを担当することが多いんです。インストの曲もけっこう作ってきたんですけど、それらが溜まってきたこともあって、「アルバムを作ってみない？」と声をかけていただいて。ぜんぶで６曲あったものに、新曲を1曲（“spill”）と、1st ソロアルバム「Graffiti」からセルフカバーを1曲入れました。そんな感じだったので、「寄せ集め作品的なイメージになるだろうな」とか思いながら曲順を考えて並べてみたら、まるでこのアルバムのために曲をすべて書いたような1枚になったんです。それで「combine＝組み合わせる」という意味の言葉をタイトルにしました。農機具コンバインもそこからきていて、刈り入れと脱穀と選別、まったく異なる作業をひとつの機械でやっちゃうところからきてるんです。 佐藤　そうだったんだ。知らなかった。 西村　それで、ジャケットをコンバインに僕が乗ってるイラストにしたら、そっちのほうが周りの食いつきがいいっていう（笑） ―ギターもあしらわれたコンバインのイラスト、すごくいいですよね。新曲の“spill”について聴きたいのですが、いったいどのように作ったのですか？変則的でパーカッシブなビートが弾ける序盤から、異国情緒や宇宙的な世界観が混ざっていく、独特の雰囲気が印象的です。 西村　最初は頭から出てくるギターのフレーズだけで、コード進行も何もなかったんです。そこから、いろんなリズムを使って組み立てるためにサンプリングを探しまくりつつ、途中で変化をつけるために違う世界に飛んでいってまた戻ってくるみたいな、まさに質問いただいた言葉そのままのプロセスでした。 ――何かが壊れてまた再生して新しいものが生まれたような、King Crimson（キング・クリムゾン）のファーストアルバム『In The Court Of The Crimson King』の強引なようで精度の高いサウンドを聴いたときのような、不思議だけどクセになる違和感と衝撃を覚えました。 西村　SING LIKE TALKINGでもギターを弾いてくれていて、この曲も手伝ってくれた金澤健太も、最初は「これ曲になるんですか」って言ってましたから。で、完成したのを聴いて「曲に……、なってる」って（笑） 佐藤　西村さんはポップなメロディが大好きではありつつも、その奥は歪んでますので（笑）。“壊れる”という表現もKing Crimsonを引き合いに出すのもわかります。今回のシングル“生まれた理由”のカップリング“サアカスの馬”もそうですよね、ギターのディレイが左右で鳴ってる感じとか、ぶっ飛んでますから。

――続いてはNight TempoがSING LIKE TALKINGの曲をセレクトしたコンピレーションアナログ盤『Reveal SING LIKE TALKING on VINYL Vol.1 Compiled by Night Tempo』について。まずなぜ彼だったのでしょうか。 佐藤　Night Tempoくんを選んだのはスタッフですね。僕はここまでにも話したように、新しいカルチャーが好きだし、どんどん採り入れようとは思うけど、こういう企画は、あえて関わらないほうが、世代の解釈の違いが明確に表れて面白いと思っています。そういういきさつもあって、今回は単純に、彼が僕らの作品をどう捉えているか、上がってきた選曲を楽しませてもらいました。 ――Night Tempoは日本のシティポップや歌謡曲のリエディットで名を広げたプロデューサーです。 佐藤　例えば70年代～80年代の大貫妙子さんや初期の山下達郎さんといった、いわゆるシティポップと呼ばれる音楽を、僕はリアルタイムで通っています。でも、今の若い人たちにとって、それらは生まれる前からあった音楽。彼らが僕と同じ感覚で聴いているはずはないし、こちらが同じ感覚を無理に共有しようとしても、それこそネガティブな意味での“おっさん”でしょ？そこはクッションがあったうえでお互いを称え合う、そういう距離感以上のものであってはいけないと思うんです。 ――確かに。ファッションもそうですよね。当時を振り返るとベタ過ぎて今は少し照れてしまうようなものが、若い人の目にはまた違ったふうに映り、新しい解釈が生まれています。 佐藤　今回のジャケットも、僕らが若い頃に一大ムーブメントになったど真ん中の感じで、そのクオリティではなく学生時代を思い出してちょっと照れくさい気持になりますから。でもNight Tempoくんにそういう感覚はない。すごくおもしろいと思います。 ――AORや日本のシティポップは、波はあってもどこかでずっと再評価されてるじゃないですか。それはなぜだと思いますか？ 佐藤　世界中のどこかから、それらをおもしろいと思う人が現れるんですよね。AORも、たとえばSteely Dan（スティーリー・ダン）のフォロアーも含めて、20年前くらいから北欧三国では当たり前だったし、ブラジルでも、Ed Motta（エヂ・モッタ）とかがそうですけど、AORと日本のシティポップを合わせたような音楽が好きで、達郎さんのアルバムを全部持ってます、みたいな人たちがいる。アフロ音楽やネオアコとかもそう。今までどこに隠れていたんだろうって、そういうカルチャーを若者が引っ張り出してくるパワーこそがポップスで、そこは今も昔も変わってないから、何かがあちこちでリバイバルしてる。その現象自体がアートとしておもしろいですよね。 ――そこにはアナログレコードの存在もあります。 佐藤　それも同じじゃないですかね。デジタルしか体験したことのない世代が、アナログにしかない音の柔らかさとかジャケットに惹かれる。昔は良かったとかそういうことじゃないんです。アナログとデジタル、どっちの音が、どっちのフォーマットがいいか悪いかではない。 西村　レコード屋さんがまた新しくできたりもしてますよね。CDやダウンロード音源は半永久じゃないですか。それに対してレコードは針を落とすと溝が薄くなるし、カセットもテープが伸びちゃう。限りがあっていずれ朽ちていくということにも、魅力を感じている若者が多いと聞いたことがあります。 佐藤　そんななかで、壊滅状態と言われていたアナログはなくならなかった。デジタルのなかのCDは、テクノロジーの発展でその弱点がどんどんクリアされているから、今は結局、アナログに近づいてるわけで、今後どうなっていくのかですよね。まあ、なにはともあれ、長期的にも短期的な目線でも、結局すべてはそのときの現象でしかない。長期なものが優れていて短期なものが劣っているということでもない。そこに“キッチュ”という概念も入ってきたら、短期のものに、より長期な普遍性が表れたり、さらにおもしろく見えますよね。 ――最後に、SING LIKE TALKINGの今後についてお聞かせいただけますか？ 佐藤　まずは配信ライブですね。8月29日に中野サンプラザ、9月5日にスタジオから、それぞれどんな映像やカット割りになるのか、すごく楽しみですね。Snarky Puppyのテレビ番組(Family Dinner)の映像や、Daryl Hall（ダリル・ホール）が自宅のスタジオにゲストを迎えるセッションシリーズ（Live From Daryl's House）のような、歌番組でもない、単なるコンサート映像でもない、そういうものに発展していけばいいなって。映像スタッフにも、まずは真似事でもいいからやってみて、それでSnarky Puppy（スナーキー・パピー）のくらいいけたらいいねって、話しました。きっといいものになると思うので、よろしくお願いします。

公式サイト｜佐藤竹善 レギュラーラジオ番組

――日本には頻繁に遊びに来られてるんですか？ 日本に初めて来たのは3年前です。たまたま日本のオーガナイザーからオファーをいただいて、渋谷のClub AsiaでDJをしました。それから結構よく来ています。〈Neoncity Records〉の主宰と、前のミックステープからイラストを務めてもらっているイラストレーターtree 13はクルーのように動いていて、昭和オタクの集まりみたいな感じです。レーベルの彼とは、一緒に日本に来てハードオフやリサイクルショップを回ったり、神戸の元町商店街とかを探検しに行ってます。 ――すごいですね（笑）。昭和歌謡を好きになったきっかけはなんですか？ 韓国の80年代初期では、日本で流行っていたものが4〜5年後に韓国で流行ったりすることが多かったんです。父親が海外からの仕入れなどの仕事をしていたので、偶然WALKMANや日本のCDを手に入れることができたんですね。その中に中山美穂さんのアルバムが入っていました。そこから、作品をプロデュースしてる角松敏生さんのことをディグしてネットワークを広げました。 でもその当時はネットに情報がとても少なかったのを覚えています。韓国ではネットの普及がかなり早かったのですが情報は探せなかった。ネットで実際色々聴き始めたのは2000年代後半ですね。 ――角松敏生さんはNight Tempoさんにとって音楽を作ろうと思ったきっかけにもなったアーティストなんですよね。 彼の音楽を観て聴いて、いつか僕もそういう音楽をやりたいなと思ってます。今は形は違うんですけど、角松さんの音楽に近づけたくてそういう音楽を聴いたり、サウンドを作り始めました。今のところ、角松さんのライブは2年連続で観ていて、最初は中野サンプラザでツアー最後の公演に行きました。去年は大阪でツアー初日の公演を観ました。今年も確実に観に行きます。 サウンドが昔からすごく好みで、彼のメロディーラインなど、音楽では全体的に影響を受けてます。曲を編集している時も角松さんのカットを真似することが多かったりします。80年代からスクラッチやカッティングを取り入れて、時代の先駆者です。 海外だったらダフト・パンクですね。曲調もフレンチハウスと似ているので、影響は大きいと思います。 ――ちなみにいつから音楽を作り始めましたか？ 趣味で10年くらい作っていて、何かをネットにアップしたのは5年くらい前です。本気になったのは去年からです。 フューチャーファンク中心で今の形でリリースを始めたのは香港の友達がやってる〈Neoncity Records〉からです。一昨年から、モノを作るに当たって美学を持って、デザインから何までちゃんとしたものを作ってみようという試みをしています。僕はプロデュースみたいなことをやって、彼はプロダクトデザインをしています。プロダクトを作るのも作品のプロデュースの一つで、彼と失敗を繰り返しながら作ったフォーマットはいろんなところで参考にされているみたいです。彼らもアナログが好きなので共有できることも多くて、ディスカッションしながら作品を作ってもらってます。 ――Night Tempoさんは先日、カセットテープのコレクションをアップロードしてるアカウントを作られましたよね。（ @citypopcassette ） はい。15年前くらいからカセットを集めてます。持ってるレコードは本当に好きな方々の作品で、角松敏生さんとか、竹内まりやさん、山下達郎さん、杏里さん。その辺りはだいたい持ってます。でも基本的にはカセットテープがベースで、カセットであれば大体のディスコグラフィーを持っていると思います。 ――なぜカセットテープを集めるようになったんですか？ もともとWALKMANが好きだったことが大きいです。一緒にコンパクトにコレクトして行きたい。あと、自分だけ集めていることを考えたら、やっぱりカセットテープがいいんじゃないかなと思って。今は量が多くなって、自分の作業兼倉庫部屋を借りていて、そこに保管してます。ネタを取るときはカセットテープから取ることが多いです。有名な方の作品はネットにありますけど、僕が好きなアイドルの作品はあまりないんですよ。だから自分が持っているもの、ディグしたものから録音とって、使ってます。例えば僕の個人プロジェクト「Showa Idol Groove」では、全てのネタをカセットテープから取っています。 カセットテープからサンプルする人は多くないので、仲間もいなくてずっと1人です。でも最近はカセットテープやシティーポップも流行りだして、市場も盛り上がって。でも、大体持ってるものが多いので、高くなった作品とかは譲ってあげたりしてます。

――生粋のカセットテープディガーですね。 お金はほとんどカセットとか、あとCASIOの腕時計が好きで、集めたりしてます。80年代のものを集めるのが趣味で、香港に行ったり、日本も地方に行ったり、雰囲気があるところに行ってます。 80年代は僕にとって一番気楽になれる時代で、小さい頃の大切な記憶が詰まってる。その空気感や雰囲気を大事にしたいので、コレクトしています。今はあまりにも騒がしくて、忙しくて、自分の時間もないことが多い。それはキツいなと思います。 ――でもインターネットは音楽の伝達には非常に良い機能を持ってますよね。 僕の場合、お金を稼ぐために音楽を作り始めたわけではなくて、ただ自分の好きなことを始めてみたら、たまたま上手くいっただけです。すごく真剣な仕事になったら嫌になるかもしれないですけど、自分が好きな時代の音楽や文化を今の人たちが知ってくれることは嬉しいです。それで時代のストレスは和らぐと思います。 ――アメリカではすごい人気を得ていると聞きました。 ファンはアメリカやメキシコ、イギリスが多いです。ライブでも、日本や韓国でやるよりも本場のファンがいて、彼らは本当に情熱的なんですよ。コレクションしてる数とかも格が違う。サンフランシスコだったらFuture Funkのイベントだけで1,500人来たり、ニューヨークもかなりの数が集まります。 あと、彼らは文化に対しての情熱がすごい。ファッションではなくて、文化自体に対するエナジーが違いますね。音楽やファッションだけではなくて、カルチャー全体。アメリカでは中森明菜さんの曲とかをかけてます。 ――Night Tempoさんが好きなアニメや映画について教えてください。 日本の作品だと『AKIRA』が好きです。アメリカだと『マイアミ・バイス』とか。好きなシーンを選ぶのは難しいですが、ドライブのシーンが好きなんです。『AKIRA』はバイク、『マイアミバイス』はビーチサイドで車に乗るシーンが多いのですが、とても好きです。 実際に雰囲気を味わうだけでタクシーに乗ったりします。韓国はタクシーが安いので。東京は乗れないですね（笑）。 ――曲のイメージとばっちり合いますね。作品のアートワークにはピンクや濃いめの青が使われていますが、なぜですか？ イメージはセル画みたいな感じです。セル画というよりは、もっと古っぽいデザインにするんですけど、僕は色を強く使って、昭和の中でもネオン東京の感覚にしたい。色使いは派手なほど近未来的になるので。 イラストの絵で参考にするのは、基本的に『セーラームーン』ですね。あと『きまぐれオレンジ☆ロード』。 ――今回リリースするEPについて教えてください。 元々はいろんな昭和歌謡のリミックスをやっていて、ご縁があり今回の企画が始まりました。Winkさんを選んだのは、単純に一番良いものができると思ったからです。ポスターとかカセット、レコードなど、自分は昔からWinkグッズのコレクションをしていたので、すごく良いきっかけだと思いました。 ――それをFuture Funkにすると。とても楽しみです。なぜVaporwaveを始めたんですか？ 5～6年前にこのジャンルを見つけたんですけど、その時はシーンがまだ小さかったので、みんなで色々情報を共有ながら、ジャンルのスタイルが出来上がっていきました。最初はVaporwaveからはじまって、スタイル的にはフレンチ・ハウスに近いサウンドに寄っていったんですね。その流れで試行錯誤していった結果、サンプリングネタにイタリアン・ディスコではなくて、日本の80年代の歌謡を使うことでダフト・パンク（フレンチ・ハウスを代表するアーティスト）とはまた違う音楽を作れることに気づきました。それからスタートして、かすかな手応えを感じてました。 2年くらい前からネットでシティー・ポップとか、Vaporwave、Future Funkが流行り始めたと思います。Future Funkのことを知らない人は、だいたいVaporwaveとして捉えていると思います。でも実際は違う音楽なんですよ。 最近、Future Funk以外で作っているのは、Lo-fi Hip Hopです。あと、ニュージャックスイングとか90年代初期の音楽で、他はジャズです。 ――普段はどういう音楽を聴いてるんですか？ 携帯に入ってる音源も昭和歌謡ばかりです。ネタを探したり、参考にできるような音楽をずっと聴いてます。今年は「昭和グルーブ」を中心にライブをするので、70、80年代の昭和音楽のミックスだけをかけるようにしています。 Vaporwaveは既存の作品をコピーしたりエディットしているんですけど、それをどう使うかによってただのコピーか全く新しい文化になるかが分けられます。その文化に対していかに真剣に向き合っているかによって、Vaporwaveの世界観が変わると思います。僕は古いものを今の時代に生きている人たちが聴けるようにしたい。英語の本を翻訳するのと同じだと思います。素晴らしい文化が20～30年前にあったんですよと。変わるのはいいけど、大切なオリジンを忘れずに何かが新しく始まったら良いですよね。