10月5日、東京・蔵前に誕生した「MOKABLE COFFEE CRAFT 東京蔵前店」。“コーヒーを食べる”という、これまでの常識を鮮やかに覆す「モカブル」ブランド初のフラッグシップストアだ。

同ブランドが独自開発した「モカブル」とは、コーヒー豆を丸ごと使って作られる新感覚のプロダクト。発想の原点は、「ドリップ後の出涸らしには、豆の持つオイル分や香りの7〜8割が残っている。もし豆を丸ごと食べることができれば、よりダイレクトにコーヒーの美味しさを堪能できるのでは」という本質的な問いにあったという。 ドリップやエスプレッソといった「飲むコーヒー」とは一線を画す、まったく新しい「食」としてのコーヒーの楽しみを提案する「MOKABLE COFFEE CRAFT」。日本国内だけでなく北米市場でもブランドを展開するなか、満を持してのオープンとなった今回の実店舗は、早くも広く注目を集めている。

個性的なカフェやこだわりのロースタリーが軒を連ねる蔵前エリアにおいて、ひときわ異彩を放つ同店で一体どんな体験ができるのか。“COFFEE YOU CAN EAT”の文字に好奇心を掻き立てられるがまま、新しいコーヒーの扉を開けてみた。

大通りに面した店舗に足を踏み入れると、そこに広がっていたのは現代アートのギャラリーのようにミニマルな空間。ジャパニーズモダンを基調とした洗練されたしつらえには、日本発祥のブランドとしてのプライドとクラフトマンシップが表されているのだと感じ取れた。ブランドのキーカラーとなっている印象的な赤は、完熟したコーヒーチェリー（果実）の色を象徴しているという。

入店すると、まずはカウンターで型に流し込む前の「出来立てのモカブル」のテイスティングを勧められた。驚くほど滑らかにとろける食感と、イメージをいい意味で裏切る香ばしく奥深い風味に、早速“食べるコーヒー”への期待感が膨らんでいく。 そして、このストア内での体験をよりプレミアムなものにしてくれるのが、ガラス張りのファクトリーの眺めだ。生豆の焙煎から微粉砕、ミキシング、そして熟練の手によるテンパリングによって、厳選されたコーヒー豆が「モカブル」へと形づくられていく。一見するとチョコレートと同様にも見えるが、その製造工程はもとより、「モカブル」の原材料にはカカオ類が一切配合されていないという。コーヒー豆を主原料とし、フレーバーを阻害しない植物油脂のみを使用してつくられたもの。そこがチョコレートとの決定的な違いであり、「モカブル」の独自性でもある。

併設のイートインには、コーヒー本来のオイル分や風味を凝縮した「モカブル」の魅力を余すことなく詰め込んだ『モカブル ラテ』や、オリジナルスイーツを少しずつ味わえる『モカブル スイーツアソート』、3カ国の「モカブル」を食べ比べできる『モカブル フライト』といったカフェ限定メニューが。 『モカブル ラテ』は、豆そのものの特性や風味をラテに落とし込んだ“モカブル流”のラテ。ドリップ式のラテとの決定的な違いは、これまで豆粕に残されていたアロマオイルまで余すことなく楽しめること。クリーミーな口当たりの一方で、豆の個性が感じられるエッジの立った香りと奥行きのある味わいが新鮮だ。

そして、目にも美しい『モカブル スイーツアソート』では、5種類のオリジナルスイーツが味わえる（※アソートの内容は日によって変更される場合があります）。モカブルでコーティングした『モカブル ピーカンナッツ』の軽やかな香ばしさ、濃密なモカブルを使ったアプリコット香る『モカブル ガナッシュ』の口どけ。そして、甘酸っぱくフルーティなコーヒーチェリーの味わいと芳醇な香りを一粒に閉じ込めた『モカブル コーヒーチェリーボンボン』に、程よい甘味とビターな味わいが見事に調和したマフィン――。異なる食感に、スイーツごとに飲みものとのペアリングを考えるのも楽しい。「飲むコーヒー」はもちろん、紅茶からお酒まで、組み合わせによる美味しさの広がりは無限大だ。

「モカブル」が提案する豆ごとの特色をシンプルかつ最大限に味わえる『モカブル フライト』は、口にするごとに思わず「わっ」と声が漏れ出てしまった。今回は、ベトナム／ブラジル／エチオピアの3カ国を食べ比べたが、ウッディでボタニカルな風味のベトナム、力強いコクと心地よい苦味のブラジル、親しみやすくフルーティで華やかなエチオピアと、「飲むコーヒー」では捉えきれない豆の持ち味をダイレクトに感じられた。1枚の「モカブル」が、世界中の産地へと感覚を連れて行ってくれる、まさにフライトチケットだ。よく知る産地の豆も「モカブル」として味わうと、これまでとはまた違った愛着が生まれてくる。

普段、私たちがドリップコーヒーで味わうのは、お湯に抽出された一部に過ぎない。しかし、豆を丸ごと活かしたモカブルは、オイル分やフレーバー、豊かな個性のすべてが余すことなく凝縮されている。抽出液をチョコレートに混ぜる一般的なコーヒーチョコレートとは一線を画す風味の濃厚さがあり、口に入れた後も心地よいビター感と華やかな香りの余韻がまっすぐに残り続ける。 なお、「モカブル」のカフェイン量は、40gほど食べてようやくコーヒー1杯分程度だという。カフェインを控えている方や妊娠中の女性にも嬉しいポイントだ。

コーヒー豆の個性を形づくる「テロワール」が味わえるアソート『モカブル テロワールジャーニー』や、生地に「モカブル」を練り込んだクッキー缶のように手軽に魅力を味わえる一品から、一つの産地で育ったコーヒーを、品種や精製方法、焙煎の違いで食べ比べながら楽しむ『オリジン・リザーブ・シリーズ』といったマニアックなものまで、バラエティ豊か。生産者の顔が見えるディスプレイからも、コーヒー文化と栽培の背景に対する深いリスペクトと意識の高さが伝わってくる。

長いコーヒーの歴史の中で、「食べる」という新たな一手を示した「MOKABLE COFFEE CRAFT」。コーヒーは、「カップに注がれた一杯」から「指でつまむ1枚」へ。常識を軽やかに飛び越え、コーヒー豆が持つ本来のポテンシャルに触れられる空間で、ユニークな「モカブル」のラインナップに直接触れられるのもストアならではの醍醐味。自分へのちょっとしたご褒美に、その日の気分で産地を選んでじっくり味わうもよし。感度の高い友人への手土産にして、その驚きを誰かとシェアするもよし。扉の先に待つ、知的で美味しいコーヒーの魅力に出会う旅をぜひ体験してほしい。

ノルウェーの歌姫オーロラと、UKダンス・ミュージック界を代表するザ・ケミカル・ブラザーズのトム・ローランズによるコラボレーション・プロジェクト、TOMORA（トモーラ）。フジロックで見せた圧巻のステージが更にパワーアップして一夜限りでカムバック！新曲「Celebration」も披露し、多幸感に包まれた会場からのライブレポートをお届け。

TOMORAが7月のFUJI ROCK FESTIVALからわずか約2ヶ月後に帰ってきた。入場規制がかかるほどの人が集まったWHITE STAGEで、異次元の音楽体験を披露した彼らにとって、今回は謳い文句通り、まさに東京一夜限りの伝説と言える単独公演となった。 今回はオープニングDJとして、Ashley Yukaが、ケミカル・ブラザーズの曲をたっぷりと取り入れたセットで、会場を埋め尽くした人たちを盛り上げている。そこからメンデルスゾーンの『パウロ』序曲が会場を流れた後、「INTRO SEQUENCE」のナレーションが始まると、1曲目の「RING THE ALARM」でいきなりパーティの始まりとなった。 ピンクのライトが点滅する中、巨大なバックスクリーンにはトムの姿が映し出され、オーロラはまるで分身のような存在のアマリー・ホルト・クライヴとともに、巨大なメガホンを手にして歌い始める。会場である東京ガーデンシアターはとにかく音が良い。重低音のバウンス感もアタック感も効いたキックの音が、8000人規模のインドア会場を一気にダンスフロアに変えてしまっている。

FUJI ROCKの時と同様、アマリーはステージにおける重要パフォーマーで、オーロラとともに歌い、踊り、パーカッションをプレイする。ステージ中央後方のコンソールでシンセ、サンプラー、プログラミングを操るトムを背景に、前方ではオーロラとアマリーが白い衣装でシンクロした動きを見せる。白のAライン・ミニドレス、足元のロング・ファー・レッグカバー、長い手袋といった衣装の二人は、未来的でもあり、妖精のようでもある。そこにシンクロするスクリーンの映像や照明は、時には曲の世界観を表現し、時にはパーティを扇動する役割も担っている。

聖なる儀式のような「MY BABY」で祈りのような歌声を聴かせたオーロラは、「お元気ですか」と日本語でMC。オーロラの持ち曲である「Starvation」では、脈打つような4つ打ちに乗せて、天まで届きそうな声を響かせる。そこに続くのは、トムのケミカル・ブラザーズの「The Universe Sent Me」。二人の最初の接点とも言える、7年前に共同制作した曲が今、TOMORAの音として鳴っている。 FUJI ROCKの時にも披露した新曲「What Do We Got?」がこれに続くが、10月16日にデジタル配信、11月27日にフィジカルでリリース予定の新作EP『CELEBRATION』に収録の予定だ。ステージ上のカラーはピンクとブルーの2色になり、祈りと祝祭が同居したする空間に変わっていく。続く「THE THING」では、スクリーンの映像は、顕微鏡の中のようにも見え、そこにはトムが映ったり、映らなかったりする。地響きのようなビートが鳴る中、二人の歌声が広がっていく。 中盤に差し掛かる頃、アンセム曲の「SOMEWHERE ELSE」が始まる。スクリーンに映し出される真っ赤な光は、まるでエネルギーの炎のように上昇し、時には花火のような閃光も見せる。オーロラはダンスを見せ、マイクスタンドを傾けながら歌に思いを込める。そこからそのままノンストップでつながっていくのは、ケミカル・ブラザーズの「Eve Of Destruction」。パーティ感は一気に別次元へとアップし、スクリーンにも日本の戦隊シリーズをオマージュしたMVが映し出される。 「あなたたちはそのままで完璧です」。オーロラは日本語でMCを始め、メンバー紹介も「ちゃん」「くん」付けで行い、「お久しぶり」、「やったあ！」と話す声がとにかく可愛い。そこから、天まで届きそうな声を聴かせ、「I DRINK THE LIGHT」は始まる。まるでどこか違う世界を覗いているような感覚。オーロラとアマリーは、開放されたようにステージ中を舞いなら踊り、時々戯れ合うようにも見える。シンクロするような動き、モノクロの照明と映像の中、二人はおんぶに抱っこ状態になり、まるで双子のように見える。

「COME CLOSER」はモノクロームの世界の中で、オーロラが一人で歌う。「Come closer to me」の「to me」のところでは、歌声はささやきに変わっていく。人間のつながりを願う曲だが、内に向かう親密さだけでなく、大きな包容力で外に開かれている。 大きな拍手の後の曲は、プロモーション映像でも予告した通り、新曲「Celebration」の全世界初披露となる。ピンク、ブルー、モノトーンが基調だった色に、どんどん新しい色が足されていく。音楽もそうだし、映像もそうだ。この曲は圧倒的な祝福を表現している。TOMORAはおそらく世界中をフェス出演、ツアーしていく中で、元々祝福の思いも込めていた楽曲が、多くの人たちと共有することによって、本物の祝福になったことを感じたのかもしれない。事実、新曲はそういう状況で制作されたという。この曲はある意味、進化を遂げるTOMORAの今の音なのだろう。 オーロラの曲「My Body Is Not Mine」の終わりでは、オーロラとアマリーはロボットのようなダンスを見せ、最後にはうなだれて動かなくなってしまう。ある意味、歌詞とシンクロしているのだが、トムが前に出てきて、オーロラを起こして目を覚させ、オーロラはアマリーを起こしていく。会場中が笑顔で和んだ後、3人はステージを後にする。

アンコールは、お馴染み「IN A MINUTE」のロングヴァージョンだ。スクリーンに映し出されたネコは口をパクパクさせているのだが、実はこのネコがこの日のパーティの最高のアゲキャラであった。それにしても、トムのビートは容赦なくぶち上げてくる。何度も何度も音の波が上がるし、波が引くこともあるが、それでも音楽は止まらない。最後の方は音量まで上がったと思う。会場との声のコール＆レスポンスもあったし、高揚感が頂点になった時の強いオレンジの光は、歌詞の中の太陽とシンクロしている。最後の最後までライヴならではのエネルギーがあったし、とことん突き抜けていく強さがあった。最後、3人は手を取り合って会場全体に挨拶をして、この日のステージは終わった。

途中のMCでオーロラは、たとえ自分がどんな人間であったとしても、たとえ世界がどれだけダークであったとしても、私はみんなを友達として受け入れる、「大好き、愛してます！」と話していた。TOMORAの曲はある意味、そういう「自分が自分である」ということを肯定し、祝福したものだと思う。そして、新作EP『CELEBRATION』に収録される「Celebration」、「What Do We Got?」、「IN A MINUTE」のロングヴァージョンを聴くにつれ、ますますその祝福の度合いは進化しているのだ。この日のオーロラは、何度も日本語をスタッフに確認しながら、会場全体が「私たちの家みたい」と伝えていた。何だかこの日は、ライヴを観た私たちが、トムとオーロラが新たに作り上げた、その「家」というか「宇宙」に招かれたような、特別な夜になったと思う。 TOMORAの新EP『CELEBRATION』は、10月16日にデジタル配信、11月27日にフィジカルでリリース予定。通常盤12インチ・ブラック・バイナル、スペシャル・マーブル・バイナル、CDの3形態で発売される。また本日のセットリストプレイリストも公開中！

＜FUJI ROCK FESTIVAL’26＞（以下、フジロック）が、7月24日（金）、25日（土）、26日（日）の3日間にわたり開催。Qeticでは、フジロックに出演したアーティストのライブをフォトレポートで振り返るコーナー「振り返るフジロック」を今年もお届けする。 今回はDAY 3、3日間にわたるフジロックも終盤を迎え、雨が降り続く深夜のRED MARQUEEに登場したICHIRO YAMAGUCHI (sakanaction)。サカナクションのフロントマンとして活動する一方、DJとしても活動してきた山口一郎が、2018年以来となるフジロックでのDJセットを披露した。 最終日の深夜にもかかわらず、多くのオーディエンスが集まったRED MARQUEE。自身が火曜日のパーソナリティを務める『オールナイトニッポン』のテーマ曲としても有名な Herb Alpert & The Tijuana Brassの“Bittersweet Samba”を皮切りに、テクノ／ハウスを軸とした選曲でフロアを沸かせていく。終盤には電気グルーヴ“虹”が響き、続くTAKKYU ISHINOへとバトンをつないだ。 3日間のフジロックが終わりへと向かうなか、雨にもかかわらず音楽を求める人々で埋め尽くされたRED MARQUEE。ICHIRO YAMAGUCHIが作り上げた最終夜の光景を、フォトレポートで振り返る。

皆さん初めまして、徳島県出身のラッパーのT-STONE です。普段僕のMVなどを撮影してくれているビデオグラファーのイタルさんからのご縁で、Qeticでコラムを書く事になりました。僕が日常の中で得た気付きや学びを、日記みたいにラフに残していこうと思います。僕は2026年の元旦に「今年は挑戦の年にしよう！」と掲げました。 コラムは人生初めての試みで、当初は「やる意味あるんかな？」とやらない理由ばかりを探していましたが、「行動は言葉よりも雄弁である。」というガンジーの言葉を思い出し、「一回やってみて違っていたら辞めよう。投げやりな意味じゃなくて、この機会に学べる事を学び、僕も吸収しよう。」と一歩前に踏み出しました。時間を割いてくれる読者の人生に、「少しでも良い風が吹くキッカケになれば」と思います。

僕が生まれ育った街の徳島には、江戸時代から続く『阿波踊り』という文化・お祭りがあります。僕が小中高生の時は、他校の友達や可愛い子に逢える事を楽しみに阿波踊りに遊びに行っていたので、今ほど阿波踊りの魅力に気付いていませんでした。 僕が『阿波踊り』の魅力に氣付いたのは、2022年に阿波踊りにフォーカスして制作した楽曲「T-STONE - 騒~ZOMEKI~ feat.寶船」の制作中の事です。「阿波踊りとコラボレーションした楽曲を作るんはどうや？」と、当時の僕のエグゼクティブプロデューサーであったCO-KEYさんが提案して下さったお陰で制作が始まり、その際に阿波踊り集団の「寶船」の皆さんと出逢いました。今ではMy Familyです。制作中『阿波踊り』に向き合えば向き合うほど、「地元の文化の事やのに何も知らんやんオレ。。。」と恥ずかしくなりました。ネットの記事をディグりまくり、取って付けた知識の状態でその楽曲が完成しました。あの時にしか搾り出せない氣持ちを、音や歌詞に写し出せたなと、過去の自分に拍手を送りたい。 T-STONE - 騒~ZOMEKI~ feat.寶船

そこから月日が経ち、昨年の窪塚洋介さんの活動30周年の祝賀会で、MINMIさんに出逢いました。僕は出逢ってすぐに「徳島県出身のラッパーのT-STONEです。MINMIさんは＜FREEDOM＞というフェスをLAでされていますよね。僕は阿波踊りとコラボレーションした楽曲が有ります。地元徳島の文化を日本中、世界中に届けたいです。LAでライブをさせてください！！！」と暑苦しい自己紹介をしました。その想いが彼女の胸に届き、数日後、阿波踊りとコラボレーションした楽曲を一緒にゼロから作る事になりました。我々の想いが強すぎて結果的に2曲リリースする事になりました(笑)。制作期間は約1年。両方テーマは同じですが、表と裏みたいに異なるムードの楽曲に仕上がりました。 ・超楽しい feat. MINMI - T-STONE ・渦 feat. T-STONE - MINMI

阿波踊りは5日間で100万人以上の観光客が集まります。そんな中、昨年に続き今年も阿波踊りの最中にレッドブルのステージでライブが決まっていました。そのライブの際も含め、どうにかMV撮影が出来ないかと思い、徳島のおにい(先輩)の方々や友達に相談し、段取りを決めていきました。かなり大変だった。。。 LIVEの時間はギリギリまで雨予報だった。でも「俺晴れ男やけん大丈夫です。絶対に雨は止みます。」持ち前の晴れ男パワーを発揮して、奇跡的に晴れた。こういうシチュエーションは良くある。でもその都度心の中で晴れるイメージを天に届ける。すると晴れる。祈りは天に届く。と僕は信じている。 超楽しい feat. MINMI - T-STONE [Official Video]

AIで曲も映像も簡単に作れてしまう今の時代。お金を払えば手に入れられるネットの数字は、今後更に価値を持たなくなるでしょう。自分の身近に在る文化は誰かが続けていかなければ、無くなってしまう一方。無くなってから作っても歴史という価値はもう作れない。「自分が行動を起こしたって何も変わらない。」と勝手に決めつければ、一生世界は変わりません。今回、僕の身近にある「阿波踊りという文化を未来に残したい。音楽という形で0.1ミリでも力になりたい。」その想いを胸に行動を起こしました。 幼い頃、阿波踊りの魅力に気付けなかった僕が、今は阿波踊りで歌い、阿波踊りを広めている。人生何があるか分かりませんね(笑)。全てお陰様です。来年の阿波踊りは更に大きい事ができるように今から準備です。最後まで読んで頂きありがとうございま〜す。次は何を綴ろうかな。

＜FUJI ROCK FESTIVAL’26＞（以下、フジロック）が、7月24日（金）、25日（土）、26日（日）の3日間にわたり開催。Qeticでは、フジロックに出演したアーティストのライブをフォトレポートで振り返るコーナー「振り返るフジロック」を今年もお届けする。 今回はDAY 3、GREEN STAGEに登場したMOGWAI。1995年にスコットランド・グラスゴーで結成され、ポストロックを代表する存在として長きにわたり活動してきた彼らが、2022年以来4年ぶりにフジロックへ帰ってきた。 2025年には11作目となるアルバム『The Bad Fire』をリリース。今回のステージでは、同作から“Hi Chaos”、“Lion Rumpus”を披露する一方、“Helicon 1”、“Mogwai Fear Satan”、“We’re No Here”といったキャリアを代表する楽曲も織り交ぜ、長年培ってきたMOGWAIのサウンドをGREEN STAGEに響かせた。 2000年代初頭から幾度となくフジロックのステージに立ってきたMOGWAI。新作『The Bad Fire』を携え、再び苗場で轟音を鳴らした彼らのパフォーマンスを、フォトレポートで振り返る。

＜FUJI ROCK FESTIVAL’26＞（以下、フジロック）が、7月24日（金）、25日（土）、26日（日）の3日間にわたり開催。Qeticでは、フジロックに出演したアーティストのライブをフォトレポートで振り返るコーナー「振り返るフジロック」を今年もお届けする。 今回はDAY 3、WHITE STAGEに登場した礼賛。CLR（サーヤ）を中心に、晩餐（川谷絵音）、簸（木下哲）、春日山（休日課長）、foot vinegar（GOTO）という、それぞれ異なるフィールドで活動する5人によって結成されたバンドが、初めてフジロックのステージに立った。 2025年には初の日本武道館単独公演を開催し、結成5周年を迎えた2026年3月にはミニアルバム『キラーパス』をリリース。ライブやフェスへの出演を重ねながらバンドとしての歩みを進めてきた5人が、最終日のWHITE STAGEに集結した。それぞれの確かな演奏力を土台にしながら、自由度の高いアンサンブルとCLRのボーカルによって、礼賛ならではのステージを繰り広げた。 結成5周年という節目に実現した、礼賛にとって初めてのフジロック。5人がWHITE STAGEで鳴らしたそのステージを、フォトレポートで振り返る。記事の最後には、今回のフジロック出演を振り返ったCLR（サーヤ）からのコメントも到着している。

＜FUJI ROCK FESTIVAL’26＞（以下、フジロック）が、7月24日（金）、25日（土）、26日（日）の3日間にわたり開催。Qeticでは、フジロックに出演したアーティストのライブをフォトレポートで振り返るコーナー「振り返るフジロック」を今年もお届けする。 今回はDAY 3、GREEN STAGEに登場した平沢進＋会人。2019年にフジロックへ初出演し、2021年にはWHITE STAGEのトリを務めた平沢進が、5年ぶりに会人とともに苗場へ帰ってきた。Qeticでも2021年のステージをフォトレポートで振り返っており、今回は舞台をGREEN STAGEへと移しての出演となった。 P-MODELからソロ、核P-MODELまで長きにわたって独自の音楽を生み出してきた平沢進。この日は“Caravan”、“遮眼大師”、“BERSERK -Forces-”などを披露し、終盤にはSSHOがチェロ、TAZZがヴァイオリンを奏でるなか、“救済の技法”へ。平沢進＋会人ならではの音像と演出が、最終日、雨の中のGREEN STAGEに広がった。 2019年、2021年、そして2026年。5年ぶりに苗場へ帰還し、GREEN STAGEで繰り広げられた平沢進＋会人のステージを、フォトレポートで振り返る。記事の最後には、今回のフジロック出演を振り返った平沢進本人からのコメントも到着している。

＜FUJI ROCK FESTIVAL’26＞（以下、フジロック）が、7月24日（金）、25日（土）、26日（日）の3日間にわたり開催。Qeticでは、フジロックに出演したアーティストのライブをフォトレポートで振り返るコーナー「振り返るフジロック」を今年もお届けする。 今回はDAY 2、GREEN STAGEに登場したBASEMENT JAXX。2004年の初出演以来、幾度も苗場を沸かせてきた彼らが、2014年以来12年ぶりにフジロックへ帰ってきた。 Felix BuxtonとSimon Ratcliffeを中心に、複数のシンガーやダンサーを迎えたステージでは、“Good Luck”、“Bingo Bango”、“Romeo”、“Rendez-Vu”など、これまでのキャリアを彩ってきた楽曲を次々と披露。ハウスを軸に、ラテンやサンバ、ソウルなど多彩な要素が入り混じるサウンドと華やかなパフォーマンスで、世代を超えて集まったオーディエンスを巻き込んでいった。 そして“Where’s Your Head At”まで、12年ぶりの苗場を祝うような高揚感に満ちたステージを展開したBASEMENT JAXX。色彩豊かで祝祭感あふれるそのパフォーマンスを、フォトレポートで振り返る。

＜FUJI ROCK FESTIVAL’26＞（以下、フジロック）が、7月24日（金）、25日（土）、26日（日）の3日間にわたり開催。Qeticでは、フジロックに出演したアーティストのライブをフォトレポートで振り返るコーナー「振り返るフジロック」を今年もお届けする。 今回はDAY 2、GREEN STAGEに登場したIO。KANDYTOWNでの活動を経て、ソロアーティストとして日本のHIPHOPシーンを牽引してきた彼が、フジロック最大のステージに立った。 フジロック初出演となった今回、バンドセットで臨んだIO。“本牧カーチェイス”、“Spotlight”、“1942”などを披露しながら、Kohjiya、Yo-Sea、Gottz、Holly Q、Shurkn Pap、Teteらゲストも次々とステージに登場。“Racin’”、“Your Breeze”、“Sunset”や、KANDYTOWNの“You Came Back”、“One More Dance”など、自身のキャリアを横断するセットでGREEN STAGEを沸かせた。 フジロックという歴史ある舞台に、HIPHOPアーティストとして立ったIO。そのパフォーマンスをフォトレポートで振り返る。記事の最後には、今回のフジロック出演を振り返ったIO本人からのコメントも到着している。

「PUBLIC MUSEUM」。2026年6月、名古屋・栄にオープンした商業施設『HAERA』は、コンセプトをそう掲げる。ラグジュアリーブランドの旗艦店や個性的な飲食店が連なるこの空間が提供するのは、単なる買い物や食事の場ではなく、五感を用いた“体験”といえるだろう。そんな『HAERA』らしさを最も体現しているのが、地下2階／地下1階／2階／4階の客用WCに展開された「Natural Artifacts」というアート作品群である。 空間デザインスタジオ・NOWが「万物の起源」をテーマに空間演出を手がけた各階の客用WC。その空間には、塩内浩二氏によるサイトスペシフィック・アートが、単に“展示される”のではなく、空間を構成する要素のひとつとして組み込まれている。 名古屋にルーツを持つクリエイティブディレクター・アーティストの塩内氏は、東洋の自然観や五行思想、自身のルーツを背景に、「水」「洞窟」「雷」「宇宙」をモチーフとした4作品を、平面や立体など異なる手法で展開した。空間そのものと作品の関係性を組み立てながら、商業空間とアートをシームレスに共存させる試み。その狙いと、実現するうえでの難しさとは。今回は、そのうち「Discharge」「Accumulation of history」の造形・制作で協働した矢口周太郎氏と塩内氏の対談から紐解いていく。

──まずはお二人の自己紹介をお願いします。

塩内：株式会社カトレヤトウキョウ代表で、クリエイティブディレクター・アーティストの塩内です。2025年の3月、目黒にCCI Creative Complex®︎という文化複合施設を作りました。1階では“開かれた場所”として、展示会や音楽ライブのほか、ワインイベントなどを行っています。コロナ禍以降、デザインを取り巻く環境が変わったこともあり、こういったスペースを設けました。 矢口：株式会社YAW代表の矢口です。学芸大学駅の近くで『YOU ARE WELCOME』というインテリアショップを運営しながら、インテリアや什器のデザインも担当していますね。 ──お二人の交流はいつからですか？ 塩内：およそ13年前ですね。僕がCattleyatokyo™を立ち上げたばかりの頃は中目黒に住んでいて。そのときにふらっと入った『new territory』というアンティークショップで働いていたのが矢口くんです。 矢口：そこで意気投合して、飲みに行ったりして。塩内くんは『new territory』から徒歩5分ぐらいのところに住んでいたんですよね。当時から塩内くんはだいぶ“仕上がって”いて（笑）。自分の思想をしっかり持っていたんですよね。 塩内：矢口くんは“ディガー”でしたね。ヴィンテージのことをめちゃくちゃ深いところまで掘り下げているし、デザインに対する造詣もかなり深かった。当時から視野が広い人でしたね。 矢口：僕らはデザインが好きという共通点がありましたよね。 塩内：共通点でいうと、ファッションに詳しいのも一緒ですね。親友のスタイリストと一緒にファッションブランドのルックを担当したこともあります。 矢口：ファッション周りに同年代のかなり広いコミュニティがあって。デザイナーやフォトグラファーからスタイリスト、アートディレクターなど幅広い職業の人がいたんです。 塩内：『BODYSONG.』や『BALMUNG』のような前衛的なファッションブランドや、その周りの人たちですね。十何年経って作るものも働き方も変わったけど、今もどこかで意識しあっている感覚があります。

──先ほど塩内さんがおっしゃっていた「コロナ禍以降、デザインを取り巻く環境が変わった」というのはどのような意味でしょうか？ 塩内：コロナ禍で人と人の接触が制限されてから、「“場所”には意味がない」という風潮が生まれましたよね。そんな流れで会社がリモートワークに切り替えたりした。そのアンチテーゼで「場所の方を拡張してみよう」という考えも生まれて、メタバースが一瞬だけ流行したりもしました。でも、コロナ禍が収束しはじめた頃には、「やっぱり人同士が結びつく行為が必要だ」と、場所の再評価が行われて。そこで僕も、デザインやアートの定義を、単なる作品のような“二次元”から、作品を通じて人と人が交流する“三次元”まで拡張しようと試みたんです。やっぱり人は人と会わないと生きていけないし、その感動体験は超えられないのではないかと。 矢口：“作品”ではなく“場”を作るという試みはヨーロッパなんかではよく見られますよね。 塩内：ファッション、アート、内装まですべてを行っていた『SURFACE TO AIR』や、テレビの制作会社がデニム作りを始めたことからスタートした『Acne Studios』なんかは、根幹にある考え方が一緒なのではないかと思います。僕自身、イギリスに訪れたときに彼らが境界を超える軽やかさに影響を受けましたね。でも日本だと「貴方は私の分野のことを何も知らないだろ」なんていがみあっていて（笑）。 矢口：それでいうと僕らは境界を超え始めた世代ですよね。 塩内：柔軟性を持った人がたまたま同世代に多くて、コロナ禍によってその傾向がはっきりした。今ではみんなが自身の専門領域にとらわれずに様々なことをやっていて面白い時代になったと思います。

──『HAERA』のプロジェクトはどのようにスタートしたのでしょうか？ 塩内：空間デザインスタジオ・NOWから客用WC及びCS諸室のデザインは3年前に動き始めたと聞いています。それこそ、コロナ禍ですよね。何度もブラッシュアップを重ねたそうで、NOWから僕にオファーがあったのは2024年の11月。そこから「Natural Artifacts」の構想を考えました。 ──作品のアイデアは、塩内さんのルーツに着想したと伺っています。どのように思いついたのでしょうか？ 塩内：アートに強度を持たせるための方法論として、「自分にしかないアイデンティティを探す」と「歴史と照らし合わせて、自分の立ち位置がどこになるのかを知る」ことが大事だと思っていて。つまり、目に見える美しさだけを表面的に追い求めるのではなく、観念的な美にフォーカスする必要がある。そのためにまずは、自分が生きてきた道筋を辿ったという流れですね。 矢口：ルーツを辿ることは、「Natural Artifacts」に限らず、アートを手がけるときの基本的な方法論ですね。 塩内：そうです。そこで着想したのが、僕の高祖父である伊藤安三郎の長男、伊藤覚典（萬松寺三十七世の大円覚典和尚）でした。彼は名古屋の大須にある萬松寺というお寺を引き継いで、境内の大部分を解放したんです。そこが今の大須商店街ですね。萬松寺は内装が妙にギラついていたり、今はお賽銭がPayPayしかできなかったりと革新的で面白いのですが、その話は長くなるので割愛して。いずれにせよ、格式が高いけど“開かれ”たお寺だった。そもそも寺院は宗教施設としての機能を持ちながら、多くの人が行き交う場所でもあったんです。『HAERA』も同じく、たくさんの住民や観光客が訪れる施設ですよね。そんなところに常設するアートには“祈り”の意味を込められるのではないかと思ったんです。

矢口：五行思想に着想したのはなぜでしょう？ 塩内：萬松寺の仏教思想と、東洋の伝統的な考え方である五行思想、それと僕が学んできたモダニズムに見られる丸・三角・四角のような基本的な造形の要素がうまくハマったんですよね。ただ、あんまり“和”に寄りすぎても良くないので、すべての要素が混じり合って、それぞれを密かに感じるぐらいの絶妙なバランスを探りました。 ──矢口さんがプロジェクトに参加したのはいつからですか？ 矢口：2025年の末かな。「雷」をテーマにした「Discharge」と、「洞窟」をテーマにした「Accumulation of history」の2つの作品制作に関わりました。

──塩内さんが矢口さんに声をかけたきっかけはなんでしょう？ 塩内：「Discharge」を作っているとき、壁にぶち当たってしまって。神社にある紙垂のような形状の作品なのですが、3Dプリントで何度試作してもしっくりこない。そんなときに矢口くんの顔が浮かんだんです。 矢口：塩内くんは1年以上ひとりで考えているし、作らないといけない点数もかなり多い。お話を聞いて、今は頭の整理が難しい状態なんだろうなと思いました。 塩内：ずっとこねくり回していましたからね。毎週必ずプロジェクトチームの打ち合わせを行っていたのですが、その回数を数えたら約80回でした。長期間考えているとやっぱり煮詰まってくるんですよ。 矢口：コンセプトがしっかり固まっていたから、スッと入ってきましたね。僕から見たら、あとは交通整理をするだけの状態でした。具体的な造形のイメージや、空間への落とし込み方を提案しましたね。 塩内：矢口くんが見事にブレイクスルーしてくれました。

──商業施設に設置するアートを作るときは、どのようなことを意識するのでしょう？ 塩内：「Natural Artifacts」はサイトスペシフィックな（特定の場所に存在するために作られた）作品なので、寸法や素材もすべて空間に合わせて考えているんですよ。たとえば建物の構造に対してボリュームがどうしたら美しく見えるのかなどを、徹底的に考えます。スケッチアップの段階で、「間違いないだろう」と踏み切れたら、ペラペラな紙に印刷して何回も現地でアタリをつける。そしてようやく実際の作品を制作する、という流れですね。実はかなりアナログな手法なんです。 矢口：「Discharge」については、『HAERA』の2階にある三角形のくぼみのようなスペースに飾るのが、サイズや照明の関係でベターだという判断になったんです。そこから設置する高さや、パーツ一つひとつが最も美しく見える角度を探りました。 ──「Discharge」は、構成するパーツの材質が異なるところが目を引きます。 塩内：パーツの素材は最後に決まりました。ネロマルキーナや蛇紋石のような大理石と木材、アルミ無垢材をコラージュのように配置しています。 矢口：単純な形状の連続なのですが、そこでどんなリズムを生み出すかを意識しましたね。 塩内：長く残るものなので、形状はクドすぎない方がいいと思うんですよ。 矢口：素材の仕上げには僕の好みも反映されていますね。大理石は「本磨き」というツヤツヤに光沢を出す方法が一般的なのですが、今回はあえてマットな「水磨き」を採用しました。

──「洞窟」をテーマにした「Accumulation of history」は、立体的に削り出した無垢材のヒノキやスギ、ケヤキを縦に積み上げた作品です。現在の形に至るまでには、かなり造形の変化があったそうですね。 塩内：そうですね。最初から今のような積層した形を考えていたわけではありません。出発点にあったのは、NOWが地下1階の空間に設定していた「洞窟」というテーマです。最初はそこから連想して、お椀のような形を重ねたり、洞窟そのものを抽象化したような造形を考えていました。3Dプリンターで何度か模型も作ったのですが、なかなか作品としての強度が出なかったんです。 ──当初は全く異なるアプローチを想定していたのですね。 塩内：そうですね。その頃、NOWから、立体物が積み上がっているイメージを共有してもらいました。それがひとつの転換点になって、「洞窟」というモチーフをそのまま形にするのではなく、長い時間をかけて物質や地層が堆積していくように、異なる形態を積み上げていく方向へ発想が変わっていきました。同時に、自分自身の過去にも立ち戻りました。学生時代、名古屋の画塾で最初に学んだ表現が、丸や三角、四角のような基礎的な図形で画面を作る「平面構成」だったんです。それを今度は二次元ではなく三次元でやってみようと。だからこの作品には、洞窟のような自然の時間だけでなく、自分が表現を学び始めた頃から現在までの個人史も積み重なっています。それが「Accumulation of history」というタイトルにもつながっています ──そこから、矢口さんが制作に加わっていったのでしょうか？ 塩内：積み上げるという大きな方向性が見え始めた頃に、矢口くんにも相談しました。そこから、実際にどんな形状や素材で成立させるのか、どうすれば空間の中で作品として強度を持てるのかを一緒に詰めていきましたね。 矢口：基本的なコンセプトや積層する方向性はすでにあったので、僕はそこから立体としてどう成立させるかを考えていきました。この作品は、名古屋でも数社しか所有していない5軸加工という技術で作られているんです。 塩内：愛知県にある「Artistry」さんという家具メーカーですよね。素材についても、そこからかなり検討しました。 ──「Natural Artifacts」を手掛けるにあたり、二人が感じたことはありますか？ 矢口：最初に話を聞いた時はワクワクしましたね。こんな大きいプロジェクトに携われることが嬉しいですし、何よりそれを発注してくれたのが顔馴染みの塩内くんだった。それがとにかく新鮮でしたね。13年前に飲み歩いたり、仕事をした仲間と、まさかこんな形でまた一緒にプロジェクトができるとは思わなかったです。 塩内：矢口くんは立体的な構造における細かい知識を持っていたので心強かったし、勉強になりました。それに、素材のバランスとずっと向き合ってきた人の感覚はやはり参考になりますよね。人工物と自然物を隣り合わせたときの見え方や、形状、素材、色に対して「こういうものがいい」と言える肌感覚も大事だなと。矢口くんが携わったことで、自分だけでは辿り着けない場所に行けたと思います。

──『HAERA』がオープンしてから、実際に作品の周りを人が行き交っています。製作した側としてはどのような感覚なのでしょうか？ 矢口：設置のタイミングで見たのが最後なので、僕はまだ営業中の光景を見ていなくて（笑）。 塩内：僕が嬉しかったのは、常設した日からSNSでメンションがたくさん飛んできたときですね。みんなちゃんと作品を見てくれているんだなと。あと、親戚の中には『HAERA』の一般向けレセプションに参加したり、雑誌で僕が「Natural Artifacts」について語った記事を読んでくれた人もいて。僕が自分のアイデンティティを表現していることを、血の繋がっている人が喜んでくれたのも、印象的な出来事でした。

──今後、「Natural Artifacts」という作品とどのように接してほしいですか？ 塩内：じっくり向き合ってもらいたい、というのは大前提で、それぞれのキャプションに実は『HAERA』の公式サイトで僕のことが分かるQRコードが載っているんですよ。そこからぜひ芸術やポストモダンのことをリサーチしてもらったり、僕に関連する記事を見てもらうことが、何かブレイクスルーのきっかけになったら嬉しいです。純粋な画家やデザイナーとは違って、僕はクリエイティブディレクターやアーティスト、『ハナマルキ』のCCO、京都精華大学の評議員など肩書きが多いタイプで。あまり好きな言葉ではないですが、「スラッシャー」とも言ったりしますね。そんな複眼視点の人がこの時代に領域を超えたユニークなモノづくりをやっていることを知れば、活動方針を考える上でひとつの支えになるのかなと思います。 矢口：「Natural Artifacts」が置かれた空間デザインについては塩内くんはいかがでしょうか？ 塩内：そうそう、実は『HAERA』の空間デザインを担当しているNOWの鈴木 弦さんとも20年近い付き合いがあるんですよ。彼の兄も親友で、その周りの人たちとも交流があった。僕が20歳くらいのときは宇田川町のクラブで毎月みんなとイベントをオーガナイズし、DJやVJをやっていて。そんな付き合いの長い人たちと、今こうやってコラボレーションできるのは面白い話だなと。交わったり離れたりしながら歴史が続くような、仏教の言葉で言う「離合集散」を実感しました。 ──まさしく先ほど塩内さんがおっしゃった、作品を通じて人と人が交流する“場”ですね。 塩内：あと、もう一つ興味深いのが、かつてイベントという刹那的なものを作っていた自分たちが、空間デザインや常設展示といった、長く形に残るものを作っていることですよね。そんな時間軸の転換も大事なことなのではないかと。若い時は「軽くて」「速くて」「安い」ものばかりを追い求めていましたが、感性と知識と経験を備えたことで、「重くて」「高くて」「遅い」ものに耐えられるようになってきた。つまり、耐用性のあるものを作れるようになった。そのためには、瞬間的な創作とは比べ物にならないほど、コストやリスクがかかることもある。それでも、そんなリスクを負った上で表現することが、作品の出力や耐用性を圧倒的に高めるきっかけになる。何もかもが加速する今の時代において、そんな経験がデザイナーやアーティストの創作のヒントになったら嬉しいです。

塩内 浩二 | KOJI SHIOUCHI 株式会社カトレヤトウキョウ代表取締役。クリエイティブディレクター／アーティスト。ハナマルキ株式会社CCO（チーフ・クリエイティブ・オフィサー）、学校法人京都精華大学評議員。 1985年愛知県生まれ。英国留学後、京都精華大学デザイン学部ビジュアルデザイン学科卒。2013年、クリエイティブコレクティブ「Cattleyatokyo™」を設立。これまで10年以上にわたり、ファッション、音楽、アート領域を中心に、アートディレクション、グラフィックデザイン、映像、プロダクトデザイン、インスタレーションなどを通して、集団的創造による文化醸成に寄与している。 コレクティブ名義での展覧会に加え、個展を「OIL by 美術手帖」にて発表するなど、アーティストとしても精力的に活動。2024年6月よりハナマルキ株式会社のCCOに就任し、2024年12月より学校法人京都精華大学評議員に就任。ファッションブランドFlexible Visual SPCE™ではディレクターとして、ブランドの世界観構築やクリエイティブディレクションにも携わっている。 2025年には東京・目黒に、創造・交流・発信を目的とした文化複合拠点「CCI Creative Complex®」を開設。アート、デザイン、ファッション、食、教育を横断する活動を通じて、都市における新たな文化の場づくりを展開している。 Koji Shiouchi official site：http://kojishiouchi.com/ Cattleyatokyo™ official site：https://cattleya-arts.com/ Instagram：@kojishiouchi

矢口周太郎 | SHUTARO YAGUCHI インテリアショップでのバイヤー経験を経て、ヴィンテージ家具を中心としたショップ「YOU ARE WELCOME」を2018年にOPEN 。 70年代以降のモダンデザインや、アート、工芸、古道具やプリミティブに至るまで幅広くセレクトしている。 ショップと並行し、空間デザイン、什器デザイン、セットデザインも手掛ける。 Instagram : @youarewelcome.tokyo

Interview&Text by Koki Yamanashi Photo by Kai Tamaki Edit by Akechi Sanae, Kazuki Hyodo（Qetic）

7月24日（金）、25日（土）、26日（日）の3日間にわたり、新潟・苗場スキー場で開催された＜FUJI ROCK FESTIVAL ’26＞（以下、フジロック）。Qeticでは、会場で出演アーティストへのインタビューを実施。今回は、25日深夜のRED MARQUEEにDJセットで出演した、オランダのエレクトロニック・デュオ、ウィーヴァル（Weval）のインタビューをお届けする。 アムステルダムを拠点に活動するHarm CoolenとMerijn Scholte AlbersによるWeval。2013年のデビュー以降、アナログの温かみと緻密なサウンドデザインを融合させ、内省的なエレクトロニカからサイケデリック・ポップ、ダンス・ミュージックまで、ジャンルの境界を軽やかに行き来してきた。 2025年には、“踊ることへの恐れ”を意味する4作目のアルバム『CHOROPHOBIA』をTechnicolourよりリリース。これまでどこか距離を置いてきたダンスフロアへと、あえて正面から踏み込んだ。初来日、初フジロックとなる深夜のDJセットを目前に控えた2人に、作品名に込めた思い、ライブとDJセットの違い、観客とグルーヴを作り上げるプロセス、そして日本で感じたことについて聞いた。

──今回が初来日、そして初のフジロックです。深夜のRED MARQUEEでのDJセットを前に、今はどんな気持ちですか？ Harm Coolen： フジロックのことは以前から知っていて、ここで演奏することは、文字どおり僕たちの夢でした。だから、実際に今ここにいられることが本当にうれしいです。 日本を訪れるのも今回が初めてで、まるで新しい世界が目の前に開けていくような感覚があります。ヨーロッパにいた頃から断片的に知っていた日本文化のさまざまな要素が、実際に来てみると、急にひとつにつながっていくんです。「なるほど、こういうことだったのか」と腑に落ちていく。その感覚を味わえるのが、本当に素晴らしいです。 今夜のDJセットが待ちきれません。

© Qetic Inc.

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7月24日（金）、25日（土）、26日（日）の3日間にわたり、新潟・苗場スキー場で開催された＜FUJI ROC…

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7月24日（金）、25日（土）、26日（日）の3日間にわたり、新潟・苗場スキー場で開催された＜FUJI ROCK FESTIVAL’26＞（以下、フジロック）。Qeticでは、フジロック現地にて出演アーティストへのインタビューを実施。今回は、25日のFIELD OF HEAVENに出演したロンドン拠点のインストゥルメンタル・バンド、ユーフ（YUUF）のインタビューをお届けする。 英国、フランス、スイス、デンマークにルーツを持つ4人が、それぞれの文化的背景と音楽的感性を持ち寄り、夢幻的で有機的なサウンドを紡ぐYUUF。2025年にはNinja Tune傘下のTechnicolourから、海辺の穏やかな風景を描いた『Alma’s Cove』と、その“精神的な姉妹作”として山岳や砂漠の雄大な景色へと舞台を移した『Mt. Sava』を発表した。初のフジロック出演を終えた4人に、FIELD OF HEAVENで感じた観客とのつながり、異なる個性から生まれるYUUFならではの音、日本で受けたインスピレーション、そしてこれからについて話を聞いた。

INTERVIEW YUUF

──まずは、フジロック初出演を終えた率直な感想を聞かせてください。FIELD OF HEAVENのステージ、そして日本のオーディエンスはいかがでしたか？ ヒューゴ： フジロックで演奏することは、ずっと僕たちの夢だったんだ。だから、実際に今ここにいられることが、いまだに信じられないよ。木々に囲まれたステージも、本当に美しかったね。 オリバー： FIELD OF HEAVENという名前がぴったりの、魔法のような場所だったね。木々があって、その向こうには山が見えて。演奏が終わったあとも、そのままここでゆっくり過ごしたいと思ったほどだよ。 アンドリン： 観に来てくれた皆さんから、たくさんのエネルギーをもらったよ。本当に感謝しています。またすぐにでも、ここで演奏したいね。 アンソニー： オーディエンスは最高だった。踊っている人たちの姿も見えて、それを眺めながら演奏するのも楽しかったね。 オリバー： 演奏中、涙を流している人の姿も見えたんだ。僕たちの音楽を楽しんでもらえていたならうれしいし、音楽を通してつながれた、とても美しい瞬間だったよ。

──世界各地のさまざまな音楽的要素が自然に溶け合っています。YUUFならではのサウンドは、どこから生まれるのでしょうか？ アンソニー： メンバーそれぞれに異なる音楽的なルーツがあり、楽器ごとに固有の“声”があります。 でも、僕たちはミュージシャンとして互いをうまく補い合えているし、何より全員が相手の音をよく聴いているんです。そうした演奏の個性に、それぞれの人生経験や異なるエネルギーが重なることで、YUUFならではの特別な音になるのだと思います。

──最近の作品からは、自然や旅との深いつながりを感じます。今、最もインスピレーションを受けているものは何ですか？ オリバー： 答えは簡単。今は日本だね。 ついさっきFIELD OF HEAVENで演奏したばかりだけど、本当に息をのむほど美しい場所だったね。背の高い木々に囲まれた景色も素晴らしかったし、ここへ来る途中には猿も見かけたんだ。それもすごく印象に残っているよ。 この場所には強く惹かれたね。もっと長く滞在して、日本のことをさらに知りたいと思っている。

──これからYUUFとして挑戦したい、新しい方向性やプロジェクトはありますか？　日本での今後についても聞かせてください。 アンドリン： まだ詳しくは話せないけど、今、新しい音楽をたくさん作っている。手応えもあって、とてもいい方向に進んでいるよ。近い将来皆さんに届けられるはずだ。 ヒューゴ： それに、僕たちはできるだけ早く日本へ戻ってきたいと思っている。次に来たときは、ぜひライブを観に来てほしい。この素晴らしい国で、何度でも演奏したいと思ってるよ。 オリバー： 日本の皆さんのことが、本当に大好きです。皆さん一人ひとりに、心からそう伝えたいね。

──日本の文化や習慣で、自分の国にも取り入れてほしいと思うものは何ですか？ アンドリン： たまごサンドだね。ロンドンにもあるんだけど、日本のものとはレシピが違うんだ。マヨネーズの違いなのかな？　とにかくおいしい（笑）。 アンソニー： 音楽を聴くための喫茶店があるのもいいよね。それから、渋谷のタワーレコード。9フロアにわたってレコードやCDが並んでいるなんて、すごくクールだよ。 ロンドンにも素晴らしいレコードショップはあるけど、あれほど大きな店はなかなかないよ。ロンドンにも、ああいう場所があればいいのにと思うね。

──最後に好きな言葉、あるいは座右の銘を教えてください。 ヒューゴ： オリバーの代わりに答えると、彼がよく口にするのは「Don’t worry about it, man.（まあ、心配するなよ）」という言葉。 僕はつい不安になったり、ストレスを抱えたりしがちなんだけど、彼は正反対。いつもこの言葉で、僕を落ち着かせてくれる。 オリバー： それも確かに好きな言葉だね（笑）。もうひとつ、同じくらい好きなのが、親しい友人がよく言う「What a life!」という言葉だね。 「今ここにいられるなんて、なんて素晴らしいんだろう」「僕たちは、なんて人生を送っているんだろう」という気持ちを、とてもシンプルに表せる言葉だと思う。こうしてここにいられることに、心から感謝しているよ。 アンドリン： あと、「Never give up」もね（笑）。

Photo by Kazuma Kobayashi Film by Itaru Sawada Interview by Qetic

INFORMATION

FUJI ROCK FESTIVAL’26

7月24日（金）25日（土）26日（日） 新潟県　湯沢町　苗場スキー場 FUJI ROCK FESTIVAL’26

© Qetic Inc.

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グラミー賞2冠を達成し、世界屈指のライブバンドへと飛躍したTURNSTILE。＜FUJI ROCK FESTIVAL’26＞のGREEN STAGEに登場し、圧倒的な熱狂を生み出した彼らのパフォーマンスをフォトレポートで振り返る。

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＜FUJI ROCK FESTIVAL’26＞（以下、フジロック）が、7月24日（金）、25日（土）、26日（日）の3日間にわたり開催。Qeticでは、フジロックに出演したアーティストのライブをフォトレポートで振り返るコーナー「振り返るフジロック」を今年もお届けする。 今回はDAY 1のGREEN STAGEに登場したターンスタイル（TURNSTILE）。2024年、初出演にしてWHITE STAGEのヘッドライナーを務め、ラストには観客がステージへとなだれ込むほどの熱狂を生み出した彼らが、わずか2年でフジロックのメインステージへと帰ってきた。 その2年間で、バンドを取り巻く景色も大きく変わった。2025年には前作『GLOW ON』から約4年ぶりとなるアルバム『NEVER ENOUGH』をリリース。ハードコアを軸にしながら、そのサウンドをより自由に拡張した同作は世界的な評価を獲得し、2026年のグラミー賞では最優秀ロック・アルバムを受賞。さらに“BIRDS”で最優秀メタル・パフォーマンスにも輝き、2冠を達成した。 そんな現在のTURNSTILEが立ったのは、DAY 1夕方のGREEN STAGE。幕開けを告げる“NEVER ENOUGH”から、広大なフィールドを轟音と熱狂で包み込んでいく。2年前のWHITE STAGEで目撃した衝動と多幸感はそのままに、そのスケールはさらに大きなものへ。ハードコアというジャンルの境界を軽々と飛び越えながら、世界屈指のライブバンドへと駆け上がったTURNSTILE。その現在地を刻んだ、苗場での55分間をフォトレポートで振り返る。

＜FUJI ROCK FESTIVAL’26＞
2026.07.24（FRI）
TURNSTILE＠GREEN STAGE

Photo：横山マサト（Masato Yokoyama）

© Qetic Inc.

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令和のいま、正真正銘の「ガレージバンド」が誕生するとは、誰が思っただろうーーアイルランド・ウィックロウ出身、高…

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令和のいま、正真正銘の「ガレージバンド」が誕生するとは、誰が思っただろうーーアイルランド・ウィックロウ出身、高校で出会った4人組で結成されたバンド・Florence Roadは、自宅のガレージで演奏する姿を収めた動画がバズり、高校を卒業後瞬く間に世界へと羽ばたいた。 高校を卒業したばかりの彼女たちが、なぜここまで世界中の人々の心を惹きつけるのだろう？　初来日を果たした彼女たちに話を聞くと、シンデレラストーリーをも蹴散らす、彼女たちの才能と音楽への情熱が見えてきた。

INTERVIEW Florence Road

──みなさんは高校時代にカバー曲をガレージで演奏していて、その様子をTikTokに投稿したことがいまの活動につながっているんですよね？ Hannah Kelly（以下、Hannah）　そうです。初めは純粋に楽しむためにTikTokを撮ったり、自分たちが好きな曲を演奏したりしていました。 Lily Aron（以下、Liky）　私の家の裏庭にあるガレージで演奏していたんだよね（笑）。 Hannah 　そうそう（笑）。そうしたら1、2本の動画が一気に広がっていって……。 ──高校卒業後すぐに世界を駆け回るミュージシャンになるなんて、まるで映画みたいですね。何気なく撮り始めた動画がいまの活動に通じると、当時想像していましたか？ Hannah　いえ、本当に予想外でした。そんなことになるなんて、思いもしませんでした。でも、すごくうれしいサプライズだったよね。 Lily　そうだね。その動画が、たくさんの人たちを私たちの元に連れてきてくれたことは、すごくすばらしいことだと思う。私たちがついに自分達の楽曲をリリースし始めたときには、すでにたくさんの人たちが聴く準備をして待っていてくれて。そんなふうに私たちの周りでコミュニティができていくのを見るのは、本当にすばらしい体験でした。

──いまは世界中を飛び回る生活を送っていると思いますが、この生活には慣れましたか？ Emma Brandon（以下、Emma）　はい、だいぶこの生活のリズムに慣れてきました。 Lily　いまでは空港でもすっかり顔馴染みになったよね（笑）。行きつけの場所もあるし、だんだんルーティーンもできてきたよね。 ──ツアー中には、みんなで『マリオカート』をするのがルーティーンになっていたそうですね。 Ailbhe Barry（以下、Ailbhe）　そう、あれは健全な競争っていうか（笑）。 Lily　『マリオカート』ってすごくエネルギッシュなのに、なぜかリラックスできるんだよね（笑）。ライブのあとにみんなでやると落ち着けるから、すごく役に立ってるよ。そしていま実際に日本にいるなんて、信じられない！

──日本でのライブは初めてですよね。「SUMMER SONIC」への出演とワンマンライブのための来日ですが、これまで日本に来たことはあリますか？ 一同　初めてです。 Lily　みんなすごく親切で、すてきで。とても親切で他人を温かく受け入れてくれるところが、アイルランドと似ている気がするな。 ──では、日本で楽しみにしていることは何かありますか？ Lily　私は日本のファンのみなさんに会えるのがとても楽しみです。今回の来日では色んな場所でライブできるから、最高だと思う。 Ailbhe　ちょっと不真面目な回答かもしれないけど、私は新幹線に乗って大阪に行くのが楽しみ（笑）。 Emma　私はすごく食いしん坊だから、日本の食べ物が楽しみだな。ずっと日本食を調べまくってる（笑）。 Lily　そうそう、Emmaがリサーチした日本食の情報を送ってくれるんだよね（笑）。どれもおいしそうだから、私もすごく楽しみ。

──もう何か日本食は食べましたか？ Emma　ラーメンを食べたよ。めちゃくちゃおいしかった。 Lily　うん。おいしすぎて、「もう、これ全部ちょうだい！」って感じだった（笑）。あと、私は甘いものが大好きだから、日本のお菓子にハマっちゃって。もうずっと試してる。 Emma　チョコでコーティングされたパイナップルグミが最高だったよね。あれが私のお気に入りかな。 Lily　あと、昨日は箸づくり体験もしたの。自分の名前を箸に入れたんだ。 Emma　かなり“観光客”って感じで楽しんでるよね（笑）。 一同　そうだね（笑）。

「音楽自身に耳を澄ませる」。 ジャンルレスな音楽性

──Florence Roadの魅力は、グランジや90年代オルタナティヴ・ロックを思わせるギターサウンドと、ありのままをさらけ出す等身大の歌詞だと思います。歌詞は自身の経験を基に書いているのでしょうか？ Lily　はい、自分の経験を基にした歌詞が多いです。基本的には、自分自身の内面にあるものについて書いています。でも、友達や家族が経験したことを基に書いた歌詞もあります。あと、街を歩いているときに誰かが通り過ぎて、そのときに彼らが話していたことがインスピレーションになることもありますね。私はすごく好奇心が強いので、他の人たちの人生にも興味があるんです。 ──Lilyは学生の頃から好奇心旺盛なタイプでした？ Lily　そうですね。他のメンバーもみんな好奇心が強いタイプだと思う。 一同　そうだね。

──では、歌詞を書くときはどのように書いていますか？　自分の部屋で一人で書くのか、それともみんなが集まる場所で？ Lily　両方です。私の部屋から生まれたものもあるし、4人で部屋に集まってジャムセッションを始めて、そこから歌い始めたり、誰かが何かを弾き始めたりして、それが形になっていくこともあります。EmmaやHannahが書いたリフから歌詞が生まれることもある。だから、曲づくりには決まった方法があるわけじゃなくて、そこが楽しいところだと思います。いつ曲が生まれるのか、私たち自身にも分からないんです。 ──だからFlorence Roadの楽曲にはロックからバラードまで、さまざまなテイストの曲があるんですね。 Lily　そうですね。そのときのムードが楽曲に影響を与えているんだと思います。例えば、私たちがみんなでガレージに集まるときは、アンプの音量を目一杯上げるようにしているんです。あと、実はそのガレージはちょっと汚れていて（笑）。そういう環境だと『Figure It Out』みたいな、ロックな曲が生まれるんです。やさしい曲たちは、もっと落ち着いた環境から生まれるかな。 ──これまで「自分たちがどんな音楽をつくりたいか」について、みんなで話し合ったことはありますか？ Lily　改めて話合ったことは一度もないと思う。いつもそのときにしっくりくるものを作っています。いつも“音楽自身が語ること”に耳を澄ませていて、例えばその曲が「この曲はピアノで柔らかくて落ち着いた感じがいい」と言ってくるなら、自然とそういう曲になっていく。そうやって、自分たちを一つのジャンルやタイプに限定していないのは、すごく良いことだと思います。 Emma　みんなで部屋に集まっていると、自然と音楽が生まれるんだよね。何が生まれるか、そのときまで誰にも分からない。

Lily　そう。だから、今後もしかしたら、めちゃくめちゃな方向にいっちゃうかもしれない。例えば、「次の曲、私ラップするから！」とか（笑）。 一同　（笑）。 ──初来日を記念して8月5日にリリースされた日本限定企画盤『Between Seasons』は、まさにFlorence Roadのさまざまな側面を楽しめる1枚だと思います。リリースの経緯を教えていただけますか？ Lily　このアルバムは、2つの別々のEP『Fall Back』と『Spring Forward』をひとつにまとめて、ライブ音源3曲を追加収録したものです。まるで冬から春へと季節が移り変わっていくような作品になったので、「Between Seasons」という名前をつけました。日本のみなさんに、私たちの2年間の物語を伝えられる作品になっていたらいいなと思います。 一同　そうだね。

空気も感覚も、匂いも違う。アイルランド出身ということ

──Florence Roadというバンド名は、みなさんのアイルランドの地元に実在する通りの名前から付けられたそうですね。世界中で演奏するなかで、アイルランド人としてのアイデンティティについて考えることはありますか？ Lily　もちろんです。ずっとアイルランドに住んでいて、学校に通っていたときは「私たちアイルランド人だよね〜」くらいに思っていたんです。でも、アイルランドを離れてみると、こんなに自分たちがアイルランド人であることを誇りに思ったことはないと感じるようになりました。「あぁ、私の国、私の小さな島……」っていう気持ちになります（笑）。

Ailbhe　空気さえも違うし、感覚も違うし、匂いも違う。いつもアイルランドに到着した瞬間に「あぁ（これこれ）」ってなるよね。 Emma　それに海外にいると、アイルランド語を話すことが増えるんです。それをすると、安心するからなのかな。 Lily　そうだね。アイルランド語は、遠く離れた場所にいても、私たちと故郷をつないでくれる、私たちだけの特別な言葉なんです。 ──他に、離れた場所にいても大事にしていることや、常に心に留めていることはありますか？ 一同　家族かな。 Emma　家に帰る時間があれば、家族や友達と過ごすことを最優先にしています。そうすることで、地に足をつけていられるんですよね。そうして、ただの「娘」や「姉妹」に戻って少しだけこの世界から離れることが、自分たちらしさを保つことにつながっていると思います。すごく大切なことだと思う。 Hannah　そうだね。スタジアムで演奏して家に帰ったら、普通に買い物に行かなきゃいけない。そういうギャップも面白いよね（笑）。

──みなさんはFlorence Roadとしての旅を始めてまだ約2年ですね。ここまであっという間だったかもしれませんが、最後にこの先のビジョンを教えていただけますか？ Lily　他の人たちのために何か良いことができるようになれたらいいなと思っています。例えば、私たちがこれまで世界中のファンの方々から受け取ったやさしさを、他の人々に返せるようなところまで辿り着けたら、それは本当にすばらしいことだと思います。だって、こういう立場にいるのに、それを返さないのは自分勝手だと思うから。 一同　うん、全く同じです。 Lily　そして、これを読んでくれているみなさんに「Hello!」って言いたいな。みなさんに会えて本当にうれしいし、私たちの音楽を聴いてくれているなら、本当にありがとうと伝えたい。あと、この子（Qetic公式キャラクター：あいつ）が大好き（笑）。 Emma　うん、なんかこの子、親指みたい（笑）。みんなに次のライブで会えたらいいな。そのときは、踊れる靴を履いてきてね！

Hannah　私たちを日本に呼んでくれて、本当にありがとう。Emmaが言ったように、踊れる準備をしておいてね！　ロックンロールは永遠に。 Ailbhe　本当にありがとう。できるだけ早く、また日本に戻ってこられたらいいな！ 一同　またすぐに会いましょう！

Interview&Text＆Translation by Nagisa Nasu Photo by Koichiro Funatsu Edit by Sanae Akechi

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