7月25日（金）、26日（土）、27日（日）の3日間にわたり開催された＜FUJI ROCK FESTIVAL’25＞（以下、フジロック）。Qeticでは、＜フジロック＞現地にて、出演したアーティストのインタビューを実施。今回は、25日のRED MARQUEEに出演したティコ（TYCHO）のインタビューをライブフォトとともにお届けする。

2度のグラミー賞ノミネートも果たし現代のエレクトロニカ/ポストロックを代表するアーティストの1人でもあるティコことスコット・ハンセン。今年1月、8年ぶりに実現した来日公演では、生楽器とエレクトロニック／DJ的手法を融合させたサウンドに加え、ビジュアルやライティングを含めた“総合芸術”としての完成度が大きな反響を呼んだ。今回のインタビューでは、彼の音楽観はもちろん、日本の印象やグラフィックデザイナーとしての顔を持つ彼ならではのエピソードを語ってもらった。

──ティコの音楽は“時間”や“記憶”のようなテーマを想起させます。今回はどんな時間軸を描いているといえますか？

これまでのアルバムの多くは、過去を題材にしていて、すごくノスタルジックで自分の青春時代の記憶に基づいたものだった。でも今回のアルバムは、少し先を見据えた、より現代的で、過去よりも未来を感じさせるような音の空間を追求したんだ。とはいえ、たとえば「Green」などは、ノスタルジックな曲だね。結局、何曲かはどうしても懐古的になってしまって、わりとベーシックな作りになったね。

──新楽曲ではバンド的なグルーヴとアンビエンスの融合が素敵です、制作の鍵（ポイント）はなんでしょうか？

今回のアルバムでは初めてGrizzly Bearのクリス・テイラーと共作し、彼がアルバムのミックスを手がけたんだ。僕はこれまでも、自分の音楽を主にエレクトロニックな要素とギター、それにちょっとした有機的な要素を交えて作ってきた。いつも心がけていたのは、電子的なサウンドをできるだけ“オーガニック”に聴かせることだった。でも、クリスと一緒に作業を始めたとき、僕としては「これはすごくオーガニックに仕上がった」と思って彼に渡したんだけど、「いや、すごく人工的な電子音に聞こえる」と彼に言われた。僕は「えっ、そうなの？」と驚いたけど、彼がミックスを送り返してきたのを聴いたとき、まるで森の中にいるような雰囲気で更にオーガニック感が出ていたんだ。彼がロックのレコードを手がけてきた経験や、より伝統的なテクニックを今回のアルバムに応用してくれたことが、結果として新たな音の世界へ導いてくれたと思う。

──自然との調和を感じさせるティコのサウンド。この苗場の山々を背景にどんなステージにしたいですか？

最高だね。ほんとに完璧なステージだと思う。僕はカリフォルニアのサクラメントという山と海の中間にある場所で育ったんだ。家から1時間くらいの距離にレイク・タホがあって、よく行っていたよ。ここの木とは少し種類が違うけど、あの場所で感じた空気やエネルギーにすごく似ているね。山の中にいるときに感じるあの感覚が、ずっと自分の音楽の中に流れている気がしていて、ある種 “アルパイン（山岳）的な美意識”というのが根っこにあるんだと思う。だから、今日みたいな自然の中でのライブは、自分たちにとっては最高の環境だね。

──日本に来て言葉や文化の違いで起きた、一番面白かった、または恥ずかしかったエピソードはありますか？

前回フジロックに出た2019年、ポスターを自分で作っていて、苗場に向かうバスの中でデザインしていたんだ。「フジロック」とカタカナで書きたくてネットで調べて、自分で書いて、それをプロモーターの女性に見せたら、急に笑い出して。どうやら僕が書いたのは「フジコック」だったらしくて（笑）。彼女に「それは投稿しない方がいいよ」と言われたよ。もし彼女に見せずにそのままInstagramにアップしてたら、みんなに大笑いされてたね（笑）。

──日本の文化や習慣で、自分の国でも取り入れてほしいと思うことは何ですか？

僕が住んでいる地域では、盗難とか空き巣が本当に多くて。2008年に初めて日本に来たときに、カメラ機材をいっぱい詰めていたバックパックをうっかり地下鉄に置き忘れてしまって……1時間後くらいに戻ったら、そのまま残っていたんだよ。これは、本当にすごいことだと思う。誰も物を盗まないって、すごく安心できることだよね。僕の地元だったら、車の中にサングラスを置いているだけで、窓を割られて盗まれちゃうから。だから、こういう文化がアメリカにも広まってくれたらいいのにと本気で思うね。

エレクトロニカ／ポストロックシーンを代表するアメリカのアーティスト、TYCHO（スコット・ハンセン）が、8月にアルバム『Infinite Health』をリリース。1月に約8年ぶりのジャパンツアーを敢行し、東京と大阪でライブを行った。

スコットはISO50名義で活動するビジュアル・アーティストとしても有名であり、言わずもがなTYCHOのビジュアルも手掛けている。今回は、グラフィックアーティストとして活動する日本の気鋭アーティスト、ポセイドンを招いて、TYCHOのビジュアルについて話し合ってもらい、その魅力を追求する。

ポセイドン：はじめまして、東京を拠点にPoseidon（ポセイドン）という名義で活動しているグラフィックアーティストです。アナログとデジタル、両方の手法をミックスさせて制作をしています。デジタルでの作業時に偶然発生するバグやノイズを作品に使っているので、自分の絵は近くで見るとピクセルで描かれているようになっているんです。このやり方を4年ほど続けていて、どんなビジュアルを生み出すことができるのか、ある種、実験のようなことをしているんです。今日は自分の作品も持ってきたので、ぜひ見てください！

スコット・ハンセン（以下、スコット）：ありがとうございます。いいですね！　紙やプリントの質感も好きです。“Stipple”みたいなスタイルだと思いました。いわゆる点描画のような絵のことですが、そこに通じるものがあると思います。美しい。ちなみにアプリケーションは何を使っているんですか？

ポセイドン：Blender（3DCGなどが作れるソフトウェア）やPhotoshopです。輪郭か形を描くときにBlenderを使うんですが、元は写真を使って原型を構築していくような感じです。

スコット：Blenderですか！　いいですね。たいていはPhotohopかIllustratorで制作しているので使ったことがないんですよ。私も3Dのデザインを習得したいと思うんですが、どのように始めたんですか？

ポセイドン：まずは2Dから始めて、作品を作るうちに3Dの世界にのめり込んでいったんです。とにかく誰もやったことがない表現を探求したくて独学で学んだんです。ですが、まだまだ実験段階というか新たな表現を探しているところなんですよ。

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スコット：なるほど。なかなか面白い表現に挑戦していますね。３Dはまったく新しい世界に思えるけど怖くてなかなか始められなくて（笑）。

──TYCHOのアートワークもそうですが、スコットさんがPhotoshopを使用されているのは知られるところですね。改めてグラフィックデザインを始めたきっかけやルーツについて教えてください。

スコット：子供の頃から絵を描くのが好きで点描画などをよく描いていたんです。Photoshopを使い始めたのは大学生の頃で、そこでデジタルの面白さに気づきました。それまでグラフィックデザインというものを意識したことはなく、そもそも、その言葉を知らなかったくらいなんですよ。強く惹かれるようになったきっかけは音楽でした。アルバムのアートワークやライブのポスターなどを見ていくうちに自分もそういうものを作りたいと思うようになったんです。

──その後、すぐにグラフィックデザインをやるようになったんですか？

スコット：いえ、最初はソフトウェア関連の仕事に就いて、徐々にTシャツやポスターなど印刷物の制作を始め、それが仕事になっていったんです。並行して音楽活動もやっていて、ある時に今後10年は音楽に専念しようと決意したんです。TYCHOのプロジェクトでは、音楽だけでなくライブのビジュアルやアルバムのアートワーク、グッズのデザインなども表現における重要な要素です。なので、単純に音楽だけをやっているのではなく、オーディオビジュアル作品として打ち出しています。今もデザインを手掛けていますが、自分をグラフィックデザイナーだとは思っていないんですよ。デザイナーは毎日デザインについて考え、手を動かし続けるものだと思いますけど、今の私はそこまで日々デザインに向き合っているわけではないですからね。でもアルバムが完成してからは、再びビジュアル制作に多くの時間を費やしていて、その作業を楽しんでいるところなんです。

ポセイドン：音楽とビジュアルの関連性をどのようにうまく結びつけながら制作を進めてらっしゃるんですか？

スコット：大体の場合、音楽が先にあり、アルバムのアートワークはその後に制作しています。その方が自分にとって自然な流れなんですよ。幼い頃からビジュアルアートに親しんできたので、音楽に合わせてデザインを考える方が得意なんです。だからこそ、デザインのために音楽を作るのではなく、音楽に寄り添う形でグラフィックを作る方が自分には向いているんですよね。そのようにしてビジュアルを通じて音楽自体に新たな視点を加え、オーディエンスにより深い音楽体験を届けたいと考えているんです。

──TYCHOのアルバムではサークルのモチーフを使用することが多く、ニューアルバム『Infinite Health』も、どこかの惑星を連想させるようなビジュアルになっていました。サークルを使う理由や、今作のビジュアルについて教えていただけますか？

スコット：サークルは無限性を感じられる完璧な形で、ずっと惹かれてきたモチーフですし、すべてのアルバムのアートワークにおける核となる要素なんです。過去作でもサークルをメインに用いてきましたが『Infinite Health』では初めて三次元空間を表現しましたね。三次元空間の合成写真のように感じられるようにしたいと思って。

ポセイドン：三次元的なアプローチにしたいと思ったのはなぜですか？

スコット：例えば、『Dive』（2011年発表のアルバム）などのアルバムでは写真をコラージュしながらイラスト調のビジュアルを作ってきたんですけど、今作は他と違っていて、より人間的なアルバムにしたいと考えたんです。それこそがコンセプトで、過去のアートワークの流れを受け継ぎつつ、進化したものとして、異なる時代や空間を象徴するようなクラシックな雰囲気を持たせたいと考えたんです。音楽もアートワークも同時に作り出したもので、アルバムの世界観に深く入り込んでいたので、音楽のコンセプトと強く通じるものがあるんです。

ポセイドン: TYCHOの音楽からアートワークやビジュアルが生まれているわけですよね。今作『Infinite Health』を聴いて感じたのは、超自然的で現実を超えた表現をしているということだったのですが、それを表現しようと考えたきっかけは何ですか？

スコット: 以前、パタゴニアへハイキングに行ったことがあるんですが、そこにはるでSF映画のような景色が広がっていたんです。見たことのない奇妙な形をした木々が生い茂っていて、私が知っている自然とはまったく異なる風景が広がっていました。同じ地球にいるはずなのに、初めて見る地球の姿に圧倒され深く感動したのを覚えています。この経験から影響を与えられた部分はすごく大きくて、その感覚を模索しながらイメージしていくことが、自分のクリエイションに対するテーマになっているんですよ。だから、自然的な表現も非現実的に感じたんじゃないでしょうか。

──音楽的に見ても、『Infinite Health』は『Dive』のようなメロディ感があるようにも聴こえます。そういった意味で、今作は原点回帰の集大成的な作品でもあるのかと思ったのですがいかがでしょう？

スコット：そういう側面はあると思いますよ。『Dive』は特に、明確なコンセプトを持たず、ただ曲を書きながら自然に形になっていった作品でした。そこからボーカルを入れた作品が作りたくて『Weather』（2019年発表のアルバム）へと繋がっていったんです。一方で昔作っていたような音楽を作らなくなり、随分と離れてしまったなと思う部分もあるんのですが、同時に、すべての作品には共通する要素があり、繋がりがあるとも考えています。今回の『Infinite Health』では、自分にとって心地よく、流れていくような作品にしたいと考えたんです。あまりコンセプチュアルなものにこだわらず、大きく方向性を変えるのではなく、一度リセットし、再調整するような感覚で制作に向き合いました。そういった意味で原点に戻ったと感じられる部分があるんだと思います。今作を作ったことで、今後は再びコンセプチュアルな作品に挑戦できると感じています。

ポセイドン：その流れていくような感覚というのは、僕は聴いていて感じたことです。『Infinite Health』の音楽に没頭すると、多面的に感じられて音が幾層にも連なって聴こえ、いろんな表情が感じられたんです。そんな風に、どんな音を積み重ねて楽曲を作り上げているのかを考えながら聴くのが楽しかったです。

スコット：それはポセイドンがアーティストだから、どんな風に作られているのかを分析したくなるってことなんでしょうね。没頭してありのままを楽しむのもいいし、どのようにして作られたのかを想像しながら聴くのにも、他とは違った楽しさがありますよね。

──最後に、今後のTYCHOの動きについて教えてください。

スコット：実は今、別のアルバムに取り組んでいるんです。2、3年かけて完成させたいアルバムが2枚あって、楽曲の中にはCautious Clayがフィーチャリングで参加してくれた「Infinite Health」のようなボーカルとのコラボ曲もいくつか予定しているんですよ。ですが、まずはアルバムのツアーに専念しようと思います。夏にはまた日本でライブしますし、秋にもクラブでやりたいと考えています。とりあえず、ライブのことを考えるのが楽しみです。

*またTYCHOは、7月25日（金）、26日（土）、27日（日）に新潟・湯沢町 苗場スキー場で開催される＜FUJI ROCK FESTIVAL ’25＞の初日に出演することが決定している。

──〈Ninja Tune〉に移籍された理由はなんですか？ 今回のアルバムは全く異なった作品にしたかったのが大きな理由の一つだね。〈Ninja Tune〉はすごく好きなレーベルの一つで、追求したい音を作るには持ってこいの環境だと思ったから。BonoboとODESZAにはずっと影響を受けてるよ。今回のアルバム『Weather』では違うチャンネルを使いたかった。今作を作る上で、ボーカルのHannah Cottrellをフューチャーすることで違った解釈を取り入れることがトピックだったんだ。 ──今回のライブでもバンドで登場しますよね。最新作にはテーマとして人間性を挙げていますが、バンドで演奏することと「人間性」にはどのような関係があると思いますか？ 2010年からフルバンドでメンバーも変わっていないんだけど、ライブでは生音でよりオーガニックなサウンドを意識してる。音楽も言ってみればかなりチルな音になっているから、視覚的にもインパクトがあるバンドで演奏しているんだ。 2011年に『Dive』のツアーでバンドで演奏したとき、レコードに比べて音の変化がめまぐるしかった。その変化を抽出して、音源したのが2014年にリリースした『Awake』で、ライブバンドの音をより多く取り入れた。バンドで演奏することによって、人間性が楽器を通じて現れてくるんだ。その音楽がどこからきたのか、それがいかに変化していくのか、より深く感じることができるよ。

──TYCHOさんの音楽はクラブでも盛り上がるダンストラックとしての側面があると思いますが、それらを＜フジロック＞の大自然の中でプレイすると、響が変わってきますよね。 野外だと音もいいし、クラブのように暗い場所で演奏するよりかは自然の中で演奏する方が好きだよ。演奏する場所を考えるのは改めて大切だと思うし、その空間と音には切っても切れない関係がある。 ──今回のパフォーマンスも含め、異なった場所で演奏することは次の作品にも影響がありそうですよね。 ボーカリストと一緒に回る今回のツアーでは、ライブの文脈の中でボーカルがいかにオーディエンスと繋がっていくかが重要な点になる。加えて1年半一緒に演奏していくことでバンドメンバーとの関係や毎晩オーディエンスとコミュニケーションしていくこと、それが演奏に反映されていくことで、次の作品に生きていくものがあることは間違いないよ。 ──苗場はいかがですか？　天気が不規則に変わっていったり......。 最高だよ。僕の故郷であるサンフランシスコも天気が常に変わるんだ。1分晴れたと思ったらすごい霧が出て、大きな雲が来たり。それが僕の音楽、今回の作品『Weather』においても言えることで、自分がコントロールできないものを変えるのではなく、それを受け入れていく。ベストを尽くして、適応していくんだ。 2006年に初めて日本に来たときは驚いたこともあったけど、回数を重ねていつも楽しんでるよ。でも、今回大きい蛇を見たよ。変な虫は見ることはあったけど、蛇は見たことなかったな（笑）。 ──最後に、一番好きな天気はなんですか？ 雨だね。本当に美しいよ。雨が降ると、全ての景色が変わっていく。室内で作業している時も、雨を見るのが好きだよ。雨の中でハイキングに行くのが好きなんだ。今日の天気は完璧だね。