最終週は前週と打って変わって青い空が広がる秋晴れの日が続き、＜八重洲夜市＞の会場である東京ミッドタウン八重洲も、過ごしやすく居心地の良い空間に。

涼しい風も吹き込むガレリアに、地域と風土をテーマとする文筆家としても知られる選曲家、大石始が登場。沖縄をはじめとした日本各地の民謡〜ダブを横断する選曲で観客たちを踊らせるようなプレイも見せながら、終盤はCADEJOの“Vanessa”など、近年本人の関心も強いという韓国のミュージシャンたちの楽曲もミックス。最後はYOUR SONG IS GOODとハワイのシンガー、ジョリーン（Joelene）によるカバー曲“You’re Young（Dub）”で締めくくると、会場は一気に晩夏のムードに包まれていった。

続いて、シーンを問わず様々なイベントでその類まれな選曲力を遺憾なく発揮し、近年ではジャズシーンでも頭角を現すChloé Julietteが会場に。＜八重洲夜市＞ではミニマルなハウストラックやダンサブルなディスコチューンをプレイし、フロアの様相を夜のダンスホールに少しずつ変えていく。「茶割 BAR TRUCK」の煎茶割りを片手に、仕事帰りに立ち寄ったであろうナイスミドルな紳士淑女がDJブースの目の前で楽しむ姿も見られた。

この日のトリを務めたのは、tricotのボーカル／ギター・中嶋イッキュウと、ギタリスト・山本幹宗によるユニット、好芻。滅多にライブをすることがないという彼らの貴重なパフォーマンスを見ようと、ステージ前には開演前から多くの観客が。「今日はゆっくりやります」という中嶋イッキュウの宣言からライブが始まると、ゆったりとした甘い夜の空気が漂い始める。先日リリースされたばかりのEP『途切れないで』収録曲“深海の中”や、彼らの代表曲とも言える“大遅刻”など、次々に披露。メロウな歌声とオリエンタルなロックサウンドに酔いしれているうちに、気づけばライブは終盤に。あっという間の40分間で観客たちを釘付けにしていた。

最終日となった7日はベッドルーム・ヒップホップの先駆者的存在、maco maretsのライブからスタート。開場と同時に、次々とステージ前に人が集まり、気づけば人だかりが。ライブが始まると、のっけから“Summerluck”を披露し、夏の夜を迎え入れる準備を始めるように言葉を紡ぎ出していく。彼の音楽には拝金主義的なリリックではなく、色とりどりの感情を喚起させてくれる言葉が散りばめられている。聴くたびに、日々の細やかな記憶を呼び起こしてくれるから不思議だ。この日もそんな湧き起こってくる感情を噛み締められるライブで、観客たちを大いに魅了していた。

この日一番の盛り上がりを見せたのは気鋭のSSW、ZINのライブだ。3週間にわたって開催された本イベントで一番の大入となり、開催以来2回目の入場規制に。井上惇志、朝田拓馬との3人編成となったこの日、「こういう編成でライブすることも頻繁にあるわけじゃないので」と話すと、ボブ・マーリー＆ザ・ウェイラーズ（Bob Marley & The Wailers）の名曲“Turn Your Lights Down Low”をカバー。坂本九の“見上げてごらん夜の星を”の一節を交える器用さも見せた。さらにはビル・ウィザース（Bill Withers）“Lovely Day”をマッシュアップした自身の楽曲“Ooh!”も特別に披露すると、会場は熱狂の渦に。まさにZINのライブならでは、とも言えるアレンジが詰め込まれたステージとなった。

今年の＜八重洲夜市＞の大トリとしてステージに現れたのは、カリフォルニアブリーズを感じさせるギターサウンドと、妖艶な魅力を放つ声で観客を虜にするMichael Kanekoだ。最新アルバム『Daydreams』の人気曲“Lovers”でスタートすると、直前のZINのライブで最高潮の盛り上がりを迎えた会場を瞬く間にマイキーワールドに取り込んでいく。サックスプレイヤー・Haruki Ishidaとのデュオで臨んだこの日のライブはパワフルさを感じられる演奏もある一方で、胸を打つようなパフォーマンスも。世代や人種といった垣根を超えて様々な人が交錯する八重洲の街を、音楽で包み込んでくれる。そんな＜八重洲夜市＞のラストを飾るにふさわしいステージを見せてくれた。

総勢17組による音楽ステージ、そして納涼酒場や夜店で八重洲の晩夏の夜を彩った＜八重洲夜市＞。すでに来年の開催を期待する方も多いはず。今から来年の夏が待ち遠しい！

「伝統×革新」をテーマに開催される今年の＜八重洲夜市＞は、古き良き日本の夏らしさだけでなく、今注目度の高まるクリエイターやアクセサリーブランド、書店が一堂に集うイベントとしてアップデート。充実したコンテンツはもちろん、フリーライブも昨年以上の盛り上がりが期待できるラインナップとなっています。

東京ミッドタウン八重洲・担当者「晩夏の夜を楽しんでいただくため、浴衣の着付けに手持ち提灯のレンタルや、民芸うちわやアートブックなどこだわりが詰まった雑貨などの販売、角打ちスタイルで楽しめる居酒屋メニュー、そして素晴らしい音楽をご用意しました。お友達と、パートナー、そしてご家族と。これまでとはどこか違った新しさを感じる八重洲夜市で、ぜひまったりとした夏の夜を過ごしにいらしてください。」

ここからは、アップデートされた＜八重洲夜市＞の魅力をたっぷりお伝えします！

今年は実施コンテンツがさらにパワーアップ。アトリウムには、＜八重洲夜市＞のビジュアルを手掛けるイラストレーター、カワグチタクヤ氏の限定アイテムをはじめ、こだわりの詰まったアイテムを販売する夜店が週替わりで多数出店します。

ビーズのアイテムをメインに制作しているアクセサリーブランド「Mädchen（メートヒェン）」に加え、ホウキヤスノリ氏によって設立された写真集専門の出版社「SUPER LABO」、そしてグラフィックデザインや写真集、アート関連の書籍を扱う書店「BOOK AND SONS」も登場。カワグチタクヤ氏によるイベント限定デザインのうちわも販売される予定です。

また夜市をより楽しめるよう、イベント当日は浴衣のレンタルサービスも実施。古典的な柄から現代的なデザインが揃う華やかな浴衣に、帯・下駄まで好きなものを好きな組み合わせで選べ、その場で着付けのサービスも！

プライベートな空間の中でリモコンを使ってセルフで撮影できる韓国発のフォトブース「Photomatic」も楽しめます。イベント期間中に浴衣で来場された方は無料で撮影できるので、友達や家族と一緒に夏の思い出を残しましょう！

今年の＜八重洲夜市＞は、ここでしか飲めないお酒や、お祭りの枠を超えるフードなど、暑さを吹き飛ばす美味しいグルメもたくさん！

音楽とともに過ごせる飲食エリアでは、「角打ち」をイメージした4店が出店。お茶割りのパイオニアとして話題の人気店による「茶割 BAR TRUCK」では＜八重洲夜市＞限定で本格焼酎「彩響」を使用したオリジナルドリンクを楽しめます。

感度の高い食通たちに絶大な支持を得る中村拓登氏率いる「中むら食堂」からは、蝦夷鹿肉の串焼きブラックベリー黒ニンニクソースや経産牛ココナッツミルクとスパイス煮込みなど、ここでも＜八重洲夜市＞だけのメニューが並びます。お店を訪れたことがある方でも、新鮮さを味わえるグルメだらけなので、ぜひご賞味あれ！

そして＜八重洲夜市＞のメインコンテンツとも言える今年のフリーライブは、「伝統×革新」のテーマを体現するような豪華17組が出演します。

8月23日（金）

開催初日となる8月23日にはKID FRESINO、cero、5lackなど多岐にわたるジャンルのアーティストとコラボを展開し、独特の世界観で魅了するSeihoと、HIPHOP界隈では言わずと知れたラッパー・IDの2組が出演。ダンサブルなトラックと熱量のあるヒップホップサウンドが交差する熱い一夜になりそう！

8月24日（土）

先日客演なしのニューアルバム『Initial Impulse』をリリースし、注目を浴びるビートメイカー・FKDに、今年独立5年目を迎え、さらに精力的な活動を続けるあっこゴリラが登場。さらにコラボ曲“i-say”を配信リリースしたばかりのKOPY×鎮座DOPENESSも出演します。特別なコラボで贈る彼らのライブを観られる機会はそうそうないので、この機をぜひお見逃しなく！

8月30日（金）

開催2週目のオープニングを飾るのは、優しいギターの音色で観客を魅了するギタリスト・関口シンゴ。そして唯一無二の表現力を持つ孤高のシンガーソングライター・七尾旅人がライブを披露します。この日はエクスペリメンタル・ソウルバンドWONKのボーカリストである長塚健斗によるDJプレイもお楽しみに！

8月31日（土）

日本各地の民謡で熱量たっぷりのプレイを見せる俚謡山脈のDJで始まる31日は、これまでにない新世代の音楽性で観客を惹きつけるLe Makeupが出演。そしてこの日は、HIPHOPシーンで目覚ましい活躍を見せるSkaaiとyuya saito、Alex Stevensによるバンドプロジェクト・TRIPPYHOUSINGのライブも堪能できる貴重な1日に。

9月6日（金）

祭りのサウンドを探求する選曲家の大石始、アンビエントミュージック・ジャズ・電子音楽を横断するプレイで心を掴むChloé Julietteが出演する6日は、山本幹宗と中嶋イッキュウによるユニット・好芻が魅せるオリエンタルなライブで締めくくり。この日は、ジャンルに縛られない音楽の魅力をたっぷり味わえます！

9月7日（土）

最終日となる7日は、飾らない詩的な表現で聴衆の共感を得るmaco marets、繊細かつ圧倒的な歌表現でオーディエンスを虜にするZIN、そしてチルアウトなヴァイブスを感じる楽曲の数々で高い評価を受けるMichael Kanekoの3組が今年の＜八重洲夜市＞のフィナーレを飾ります。

ここまで紹介してきた通り、今年も見どころ盛りだくさんの＜八重洲夜市＞。＜八重洲夜市＞で夏の終わりを名残惜しみながらも、思う存分今年の夏納めを満喫しましょう！

本日着用いただいているONESTARの第一印象はいかがでしたか？

レザーの重みとツヤに、背筋がピンと伸びるような感覚があります。着る前は「少し動きづらいのかな」とか思ってたけど体に馴染むし、普段から着れそうな感じだなと。これから自分の体型に合っていくのかなって思いました。

どのような場面でレザーを着ることが多いですか？

ライブの衣装とか撮影の時に着ることもありますし、パーティーへ遊びに行くとか、そういう特別な場面で着たりします。レザーって主役になるアイテムだと思うので、そういう少し上の場所にいく時にはハマります。ただ普段も全然着てるし、レザーはどんな場面でも着れるのが良いですよね。

普段はどういったアイテムと合わせていますか？

僕が演奏している音楽だったり生活のスタイル的に、スタイリッシュな側に持っていきたいんです。例えばR&Bやソウル、ジャズのセットアップで決めるようなスタイルから、B-boyやロックとか色々なジャンルの音楽をミックスしている感覚があります。

ファッションにもそれを反映させて、レザーのジャケットを着ている時にあえてスウェットを履いたり、軽い素材のパンツを合わせたりしますね。

ZINさんは外しの要素をファッションに取り入れる印象があって、例えば先日のビルボードライブ横浜でのワンマンライブの際にはジャケットとベースボールキャップを合わせていましたよね。

いわゆる「見たことある感」とか「THE」みたいな、わかりやすいものにちょっと抵抗があるんです。定番のスタイルも勿論好きなんですけど、そこに自分のスタイルをちょっと入れたいなっていうのはありますね。ただ、自分はファッション関係の人間でもないし、めちゃくちゃこだわりがあるかって言われたらなくて。「オモロそうじゃない？」みたいな感覚で選ぶことが多いです。

その上で、参考にしているスタイルはありますか？

鳥とか花とか、自然の配色って馴染むというか。羽は青いけど、お腹がオレンジの鳥とかいますよね。そういう色の組み合わせは参考にしてます。

それと、自分は絵を描くのが好きなのでバランスをよく気にしますね。例えばレザーがストンと落ちて見えちゃったり、胸が入ってないとタンクトップがダサくなっちゃったりするんで、自分が着たい形に見えるような体づくりを目指して鍛えています。ただ、ムキムキにはならないようにしてて。プロテインも飲まないし、筋トレもやり過ぎない程度にして調整しています。

ステージ上での衣装はどのように決めるんですか？

スタイリストさんが付く場合は任せちゃいますけど、そうじゃなければ当日の朝に着る服を決めますね。Soulflexでライブをする時なんかもそういう感じです。

Soulflexはメンバーがそれぞれ個性的で、ファッションにもそれが表れていますよね。その中でも、ZINさんは比較的カッチリしたセットアップなどを纏ってステージに登場する印象があります。

Soulflexはバンドというよりグループなので、衣装を合わせたりするのが逆に嫌なんです。その上で、他のメンバーとちょっとだけ差をつけたいとは思っています。僕とSIRUPとMa-Nuの3人がフロントマンなんですけど、自分は形とかデザインで選ぶことが多くて、色は割と落ち着いたものを着ています。

NYに留学した経験があるとお聞きしました。そこで日本とのスタイルの違いを感じることはありましたか？

良い意味で、流行みたいなものがないと思いましたね。例えば日本の街を歩いていたら、「今こういう服が流行ってるんだ」とかって割とわかるじゃないですか。そうじゃなくて、みんなの中に自分だけの流行があるんです。だからスタイルが本当にバラバラ。人と違うスタイルで周りからどう思われても気にしないし、むしろ自分だけのスタイルを追求している人が多い印象がありました。

それで僕も「何を着てもいいんだ」って思えましたね。着るものが大きく変わったわけじゃないけども、周りを気にして自分が着たい服を控えることはなくなったかもしれないです。特に、僕が仲良くなったのは、ファッションとかデザインに関係した仕事をしている黒人の若い子たちだったんです。彼らは色んな服をバンバン着ていたので、その影響が大きかったのかもしれないですね。

ZINさんが影響を公言されているディアンジェロやクリス・ブラウンなどのシンガーも、タンクトップやTシャツなどラフな格好でステージに上がりますよね。ただ、アルバムのジャケット写真はスーツや革ジャンなどカッチリした服装で撮影する印象です。

レザーのジャケットは絵になるし、衣装にしやすいから着てるのかなって思います。マイケル・ジャクソンも革ジャンとか着ますよね。ワイルドなスタイルも演出できるし、セクシーにもなります。レザーっていう一つのアイテムの中に表現力があるのかなって。

ワルさだったりセクシーな要素をご自身の作品に込めることはありますか？

そこまで多くはないけど、歌詞に入れることはあります。ただ、僕は直接的な言葉をあまり使わずに、遠回しな描写で表現しますね。

歌詞のみならず、サウンドにも抽象的な要素が落とし込まれているように感じました。

20代前半はR&Bしか聞いてなかったんですけど、アンビエントとか歌のないインスト曲を聞くようになってから自分の進む方向が見えてきた実感があります。年々、自分のやりたいことは盛り上がる必要のないようなものだなって思うようになってます。

本日演奏していただく“Ghost”と“Buddies”は、どういったフィーリングから生まれたんですか？

“Ghost”は「自分が幽霊になったら、姿が消えてずっとあなたのそばにいれるのにな」みたいな、ちょっと失恋っぽい曲です。実際の人間が付きまとったらストーカーじゃないですか。だから叶わぬ願いなんです。そういうことをふと思って歌詞を書きました。

自身の体験を織り交ぜて詞にするんですか？

そうなんです。提供をする場合は妄想っぽいものが多いんですけど、自分の曲はほぼ実体験です。

“Buddies”はどういった体験から生まれたんですか？

906 / Nine-O-Sixってアーティストとコロナが流行する直前くらいに出会ったんです。彼も僕と同じく大阪出身で、年も近いし、すごく仲良くなって。酔っ払ったら電話するタイプの人っているじゃないですか、僕らお互いにそうなんです（笑）。夜中の3時に電話がかかってきたり、ふたりで4〜5時間くらい飲みながら喋ってるような仲なんです。

それが自分にとっての支えだったというか、ふとした時に「仲間に向けたような曲って書いたことがなかったな」と思って。それでサビの《あなた以外に夜中に電話する相手なんていない》っていうフレーズが最初にバッと出て作った曲です。

アツい関係ですね。

はい、いまだにめちゃくちゃ仲良いです。

最後に、今後の予定や展望を教えてください。

客演で参加した曲もありますし、自分のリリースも控えてます。EPくらいのサイズにはなるんですけど、自分が今やりたいのはこれまでの温度感とは少し違うというか、今までの自分からは大きく逸れてはいないものの、聴いてもらったら前作の『CURVE』から違う段階に行ったと思ってもらえるかなって。もう、自分じゃなくても成立することはやりたくないというか、ウケるウケないの先にあるものですよね。そういうものをやっていきたいです。

──お互いに初めて顔を合わせたのは、いつ頃でしょうか？

FKD　2019年の12月です。ちょうどサーバー（NAGAN SERVER）さんが東京に来てWWWで自身のイベントを開催するという時期でしたね。僕がサーバーさんと曲を作っていたタイミングで、そのイベントに遊びに行こうと思ったらZINくんのクレジットが載っていて。

ZIN　僕もそのイベントに出演していたんですよ。

──お互い初対面の際はどんな印象だったんですか？

FKD　ライブを見て衝撃を受けました。あの日に“The Longer”を聴いて結構食らったんですよね。で、会ってみたらめちゃくちゃ気さくで。

ZIN　ビートメーカーの人ってSNSで顔を出している人が少ないし、見えても顔を伏せていることが多いんですよね。だから顔もあんまりわかってなかったんですけど、FKDの場合は声をかけてくれた瞬間に打ち解けましたね。僕も社交的だけど人見知りなので、相手もちゃんと興味を持ってくれて心を開いてくれていないと、なかなかとっつきにくい印象があると思うんです。でもFKDは本当に話しやすかったし、すんなり仲良くなりました。

──どういうところで波長が合うなと思ったんですか？

ZIN　会う前からお互いの音楽がかっこいいと思っていたから音楽の波長は言わずもがな、それ以外の興味関心がすごく合っているなと思いましたね。2人ともお酒が好きだし、食の趣味や好きなブランド、好きな映画についても自然と話せました。

FKD　あとお互いにやりたいことを話し合うことも多いですね。音楽だけじゃなく、カルチャー全般で共通言語が多かったので幅広く話せて。今もそうですけど、当時は特に僕も音楽を軸に色々と活動を広げたいと思っていた時期だったので。

──音源制作やライブの演出など、FKDさんはZINさんのアーティスト活動にさまざま関わられていますが、それもその流れで始まっていったんですか？

ZIN　はい、特にライブの演出についてはよく相談しますね。彼はVIBEPAKというクルーを主宰していたり、舞台やミュージカルも見たりしているし、割と客観的に全体を見られる人という印象があり。

FKD　もともとミュージカルだったり、演劇だったり、舞台を見に行くことが多いという話も共通していたんです。僕が貢献できそうな部分に関してはサラッと相談をしてくれるので、実現できそうなことをお互いにキャッチボールしているうちに、気づいたら「もうやっちゃおう！」みたいな（笑）。だから最初から依頼されたというよりも、「こないだ話してたあの感じやりたくない？」って話しながら進める方が多いかもしれないです。

ZIN　僕は現実的なことをそれほど考えずに、とりあえずやりたいことをやってみるというタイプで、対照的にFKDは割と現実的な意見をくれるのですごく助かっていますね。

──最初に「やってみよう！」と話していたことが実現したのは？

ZIN　彼自身ビートのストックをたくさん抱えているから、最初にビートを3〜40個送ってくれて。全然形になってないけど、「あれも書きたい、これも書きたい！」みたいな（笑）。

FKD　ストックももちろんありましたけど、ZINくんをイメージして作った曲が何曲かあって、その中の一つが“Busy”だったと思います。

ZIN　会って2〜3日後には送ってくれたから、テンポのよさにすごくテンションが上がりましたね。

──前回のワンマンライブ＜RUN＞でFKDさんは開場してから開演するまでのBGM演出も担当されていましたね。どのような経緯でFKDさんに相談されたんでしょうか？

ZIN　確かシルク・ドゥ・ソレイユの話をしてたんだよね？

FKD　そう。僕がラスベガスでシルク・ドゥ・ソレイユのショーを見に行った時に、＜カー（KÀ）＞という火を操る演目を見た時の話をZINくんに伝えていたんです。かなり昔の記憶なので、その頃から演目もバージョンアップされているかもしれないですが、会場に入ると、その瞬間からスタッフさんや客誘導の方も全員演者、みたいな世界観で。まだ開演していないのに壁中に人が這っていたり、座席に座ってみたら耳元のスピーカーから音楽流れていたり、とにかく没入感がすごかったんです。その印象が僕の中で鮮烈に残っていて、ZINくんのライブでもそういう没入感を演出したいなと。

＜RUN＞に関してはビジュアル撮影に同行していたのもあり、僕自身ある程度世界観をイメージできていたので、ZINくんにそうした演出の方向性を伝えたところ、すぐ共鳴してくれました。入った瞬間から感じられる没入感をちゃんと作り込んだ上で、お客さんに見てもらえたらと思ったんです。

ZIN　開場から開演までの時間って普通DJが入っていたり、ただBGMが流れていたりしますよね。その時間が、お客さんが持て余す時間になってしまっているなと個人的に思うことも多かったんです。水族館のように、会場が開いて足を踏み込んだ瞬間から感動があると面白いよねとFKDとも話していました。開場の時間から異空間に入り込んだような没入感をみんなに感じてほしいと思っていたので、会場の照明もかなり落として暗めにして。終演後にSNSで検索したら、ちゃんとお客さんに世界観が届いているなと思える声も多かったですね。

──どんな投稿だったんですか？

ZIN　「開演前からライブが始まっているような空間だった」とか、「映画館に来たような気分だった」とか。僕のライブだけじゃなくて、会場に入った瞬間からその世界観を楽しんでくれた方が多かったみたいです。

──今までのお話で、お二人とも舞台演出がすごくお好きなんだなと思ったんですが、そうした話をされる機会も多いんですか？

ZIN　話しますね。一時期「サカナクションのステージ演出がすごい」と二人で盛り上がってました。

FKD　コロナ禍でサカナクションに改めてハマったタイミングがあり。彼らがミュージックビデオの世界観でライブ配信する、というコロナ禍だからこそできる企画を実践していたんですね。一曲一曲MVのディレクターがちゃんとコンセプトを作って、ライティングからプロップ、VJ的なものまでそれぞれ違う演出をしていて。リアルのライブ会場では体感できないであろう配信ライブならではの工夫や、当時配信で懸念されていたサウンド面でのアプローチまで、とても満足度が高いライブでした。

FKD　そういう手数のある演出を見て色々話したり、他のアーティストの気になるMVを見ながら、視覚的な演出についてポジティブな面もネガティブな面も共有し合ったりしていたんです。ライブを見た時も「あの人たちのあの感じが良かった」だったり、逆に「こうしちゃダメだよね」だったり、意見を交換し合っていました。

ZIN　彼も色々な演出を見ているし、細部まで説明しきらなくてもすぐに理解してくれるから、視覚的な演出については舞台演出に限らず二人で色々話しますね。お互い細かいところまで全部見ちゃうんです。

──＜RUN＞でのライブを拝見して、演出ももちろん素晴らしいなと思ったんですが、何よりアレンジが多彩だなと感じました。ZINさんの中でも、ライブアレンジは意識的に取り組まれていることの一つなのでしょうか？

ZIN　そうですね。でも原曲を聴きたいという人もいると思うので、やりすぎないようにしています。R&Bシンガーってライブの時に歌い崩しがちですけど、そうすることで原曲の良い部分を失ってしまうこともあるので、何度もライブで披露している曲や過去の曲をアレンジするようにして、新しい曲はある程度原曲のままでやるように意識しています。

FKD　ZINくんと一緒にライブをしたり、見たりしていると、ライブでの表現に対する考え方もしっかりあるんだなと気づくことが多いです。それこそZINくんとのライブで、僕とベースのKeityの三人セットで何度かライブしたことがあり。その三人でやるという行為自体もライブでしか見られないサプライズの部分ではあるんですが、それに伴って曲をアレンジしてみたり、リミックスしてみたりしてライブをするということにトライしたんですね。それ以来僕がバックDJで入ったセットの際に、三人で作ったリミックスの音源でライブするようになり。それもZINくんとのDJセットじゃないと体感できない出来事ですし、バンドセットのライブでも毎回違うエッセンスを入れていて、アレンジの中に別の曲を少しだけ混ぜるようなサプライズを仕掛けているんですね。そういうのを見ると、その瞬間、その時に見に来てくれた方に対して、どういうことを伝えられるのかをすごく考えているなと感じます。

ZIN　もちろん僕が飽き性なのも関係していると思います（笑）。あとバンドでライブをする時に、流している音源に同期しながら生バンドの音を足すアーティストもいると思うんですが、僕はその手法があまり好きじゃなくて。もちろんポジティブな面があるのもわかっているんですが、バンドセットの時はなるべくバンドの生音だけでやりたい。そうするとどうしても足りない音や、本来の音源には入っていない楽器が必要になることもあります。だから必然的にアレンジしなきゃいけない。FKDが今言ってくれたように、ライブってその瞬間だけだし、配信がない限りアーカイブもないじゃないですか。その瞬間を体験してもらいたいという意味でもアレンジはいつも考えています。

──今回リリースされたアルバムにも収録されている“綻び”についてお伺いします。この曲の制作はZINさんからFKDさんに依頼された形でスタートしたんでしょうか？

FKD　確か最初は別のデモを渡してましたよね？

ZIN　そう。

FKD　最近のZINくんのイメージとして、こういうビートがハマるんじゃないかと思うデモがいくつかあって、たまに作って送っていたんです。その中の一つで「これめっちゃ良さそう」と話し合っていたビートがあったんですが、なかなか歌がハマらなかったというか（笑）。

ZIN　ビートメーカーあるあるだと思うんですけど、FKDのビートって本当に歌がなくても聴けるんですよ。歌がハマる時ももちろんあるんですが、個人的にビートだけで聴きたいと思う時が結構あって。とはいえ最初に送ってくれたビートもすごく好きだったので、雰囲気はそのままに別のアプローチで作りたいという相談をしました。

FKD　その後にZINくんがアカペラで書いた歌をボイスメモで送ってくれたんですよね。

ZIN　うん。初めての経験でしたね。

──トラックよりも歌が先にあるという制作プロセス自体も初めて？

ZIN　はい。R&Bやソウルのマナーとして、グルーヴや言葉のフローを大事にしたいという思いもあり、もらったトラックにメロディをつけて、最後に歌詞をつけるというプロセスを採用することが多いんですね。ただ“綻び”に関しては、自分の中で歌いたいトピックが明確にあったので、歌詞から先に書いてみようと。なので、ジャンルにとらわれずにリリックを書き上げて歌ったものをFKDに送りました。FKDもそれを嫌がらずに、逆に面白がって作ってくれて。

──FKDさんは色々なアーティストのプロデュースを担当される機会も多いと思いますが、歌が先にあるという制作スタイルは新鮮だった？

FKD　新鮮でしたし、挑戦したいとも思えました。僕自身、元々サンプリングを軸にビートを作り続けてきたこともあり、音楽の理論は全く知らなかったんです。コロナ禍に色々と学び直そうと思い、音楽的な構造を勉強して、ここ最近やっとそれを理解しながら作れるようになったので、学んできたことをここで開放してみようと。ZINくんが送ってくれたボイスメモはちゃんと展開がある音楽だったので、それに対してアプローチするのがすごく面白そうだなと思いました。

僕は自分のライブの中で曲をリミックスして演奏したりもしていますし、他のミュージシャンのリミックス作品を作ったりもしているので、そういう意味では歌が先にあって、リミックスするような作業は経験がないわけではありませんでした。ただ今回のようにしっかりメロディラインがあり、かつ原曲がない状態の歌をアレンジするというのは初めての試みだったので、すごく勉強になりましたね。すぐにトラックのイメージが湧いたのを覚えています。

──その「挑戦した」部分というのは？

FKD　元々はHIPHOP、R&B、ブラックミュージックを軸にしていた自負があったんですが、コロナ禍を機にダンスミュージックだったり、映画音響だったり、色々聴く機会が増えて音楽の振り幅が広がったんですね。サウンドデザインの領域でも活躍されているHimuro Yoshiteruさんや、音楽クリエイターの若狭真司さんといったアーティストの方々が制作されているサウンドデザインやサウンドスケープ的な表現に対してすごく興味が湧いた時期で。そうした直感的に情景が浮かぶような立体感のある感覚を楽曲に落とし込むのが最近のテーマにもなっていて、今自分が制作しているソロアルバムにも盛り込んでいるんです。そんな新しい要素を歌と絡めて表現するきっかけという意味で、今回ZINくんと制作できた“綻び”は大きな挑戦でした。

──音数としてはすごくシンプルでミニマルですが、情景が浮かんでくるビートだなと思っていました。そこにZINさんの歌が入ってくることで、よりストーリー性を持って聴けたので、今のお話を聞いてすごく腑に落ちました。

ZIN　“Busy”の時も思いましたが、音数を少なくしてシンプルにするのはとても勇気がいることだと思うんです。なのにFKDのビートは存在感がある。だから本当にすごいなといつも思わされます。

FKD　最初は曲の盛り上げたい部分にしっかり音を積むんですよ。でも“綻び”の場合、歌のメロディ自体はある種わかりやすいラインなので、コードが表に出てくると「聴いたことあるな」と思うような曲になっちゃう。自分が思い描く楽曲の世界観としても、それは違うなと。歌のメロディがしっかりしていたからこそ、音数を少なくしたり、音を散らばす作業をしたりして、歌がないと成立しないというぐらいまで引き算をしていきました。結果的にすごく情景が浮かぶような空気感のある楽曲になりましたね。

──“綻び”の制作の中で、難しさを感じた場面はありましたか？

ZIN　実は歌のレコーディングをやり直したんですよ。これも初めての出来事で。当初は歌を重ねない方がいいかなと思いコーラスも入れず、歌い方のニュアンスとしてもうまく歌おうとはせずにミュージカルっぽく聞こえるように喋り口調にしていました。最初はFKDも良いと言ってくれていたし、僕もこれでいこうと思っていたんですけど、何度か聴いているうちに、FKDが「これでいいのかな？」って言ってくれて。僕もどこか違和感を感じていたので、結局録り直すことになり。僕が感じている違和感をFKDも感じていたんだなと思ったので、再録の時はFKDにもスタジオに来てもらいました。

FKD　ZINくんのアルバムに入る曲ですし、やっぱりZINくんが伸び伸びできる世界観でやりたいという思いはありました。本人の意向を尊重したいし、そもそも「再録しよう」とは提案しないタイプなんですよ。むしろその歌に自分で音を足して雰囲気を変えようとか、そういうアイデアに振ろうとする方で。でも色々と二人で模索しているうちに、ZINくんから「録り直そうかな」って提案してくれたんですよね。そうなったら僕も話せますし、もっとブラッシュアップできるようなアイデアも伝えられました。

ZIN　それも本当にありがたい。プロデューサーさんがいるレコーディングの現場も多いと思うんですが、僕の場合そういう方がいないのでレコーディングの時はいつも一人で録りに行くんです。今回も当初は自分の判断で録っていたので、人の意見って大事だなと改めて実感しました。

──アルバムの後半に“綻び”で感じられるような新しい要素が多く盛り込まれているなと思いました。そういう意味ではこれまでのEPのようなパッケージ作品とは一味違う作品だと思うのですが、収録する曲の構成を変えようという意識はあったんですか？

ZIN　今まではR&B〜ネオソウルといった自分のルーツにこだわってきましたが、今回はジャンルよりもコンセプトにハマるものを重視していたので作り方は違いますね。とはいえ、一枚目のアルバムなのでルーツ的な部分も外せなかったし、アブストラクトな要素やアンビエントなテイストを入れたり、生バンドだけで演奏した曲も作ったりしました。

アルバムが一つのプレイリストになっているようなニュアンスにもしたいなと思っていたので、前半の曲と後半の曲の印象が違うのはそれを意識していたからだと思います。今はアルバムという聴き方をしなくなってきたじゃないですか。でも僕は好きなアルバムを聞かれた時に挙げられる一枚があるし、今の時代にもアルバムを通しで聴けるような、ジャンルが片寄りすぎない作品にしたかったんです。

FKD　ZINくんは意図していないだろうけど、個人的にDJでかけたいなと思える楽曲もあり、それほど意識せずとも、ZINくんの根っこにある本当のルーツが反映されているんだなと思いました。

あとは一緒に作っているメンバーのみんなもZINくんへの理解度が高いなと。僕もメンバーのみんなを知っているので、綺麗に意思疎通できているチームでやれているんだなというのが客観的に感じられました。

──その点においては「CURVE」というコンセプトを感じられますよね。ZINさんは「誰かに寄り添うようなアルバム」をコンセプトに作りたいと以前話されていましたが、ZINさんが寄り添いたい人たちと一緒に作ったアルバムのような感じもしますし、それがリリックにも反映されていそうだなと感じていました。というのも、関係性を思い描かせるようなリリックが多いなと。

ZIN　僕が曲を書こうと思う時って、必ず人と関わって何かが起こった時なんですよね。自分のことを書いているつもりだけど、聴く人が誰かを思い浮かべているように感じられるのはそのせいかもしれないです。人から言われたことに共感して、自分のことのように考えて書いたり、シンプルに自分の恋愛を題材にしたり。本にある言葉に共感したとしても、それを書いた人がいるわけじゃないですか。一人で考えて曲にすることはほとんどないかも。この作品に関しては、特にここ1年の生活で起きた出来事をもとに書いています。

FKD　側から見ていて、＜RUN＞が起点になっているように思います。アルバムに参加している人たちも含めて、今関わっている人たちとの団結力が高まっていましたよね。みんなのモチベーションの高まりも含め、実現できたら面白そうと考えていたことをそれぞれが共有できた時期に作れたんじゃないですか？

ZIN　確かに。それはミュージシャンたちだけじゃなく、制作に参加してくれたビジュアルチームもそうです。やっぱりこれまで一緒に関係性を築き上げてきた人たちと1枚目を作りたいと思ったし、この作品だけじゃなくて今後もしっかり人間関係を築いてきた人たちと作らないと、自分の作品を愛してあげられないとも思うんです。フィーチャリングに唯一NF Zesshoが入っていますが、何かあるたびにDMでやりとりをしていましたし、人となりもなんとなく感じ取っていたからこそ、彼に依頼しました。彼には去年の＜RUN＞も見てもらって、僕もOll Korrectのイベントを見に行って。彼以外にもちゃんとつながりがある人たちと作ったので、自分だけの作品ではないなと実感しています。

──最後に、約1年間かけて制作した1stフルアルバムが完成してみて、改めてどう感じられているかを伺えますか？

ZIN　このタイミングでできて本当に良かったですね。本当に冗談じゃなく、別に評価されなくてもいいですし、別に遺作になってもいいとも思っています。もう作りたくないとか、もう音楽に興味がないという意味じゃなく、それぐらいの気持ちで作れたかな。それに今の流行りっぽい要素をそこまで入れていないので、長く聴いてもらったら印象も変わるんじゃないかなとも思います。自分がアルバムで聴きたいサウンドや内容が今ちょうど出揃った感覚もあるので。一枚の作品を作るというのはすごく意義深いなと思います。

──自分の想いもそうだし、一緒に作ってきた人たちとの想いも結実した一枚になった？

ZIN　そうですね。想いを共有する人たちとアルバムを作って、それをもってみんなとツアーをしてみたいと心から思います。そういう経験は、一緒に作ってきた人たちと共有したいですね。

東京を拠点に2010年より活動している、トラックメーカーデュオ・906 / Nine-O-Sixが昨年11月にアルバム『LOVE ON THE LUCKS』を配信開始。12月にはCDもリリースされた。これまで通りジャズやヒップホップの影響の濃い、心地よいグルーヴを持った作品でありながら、レゲエやロックといった新たな要素も吹き込まれている。

そんな最新作『LOVE ON THE LUCKS』には、これまでタッグを組んだこともあるZINに加えてmabanua、OMSB、SUKISHAといったそれぞれがシーンで独自の存在感を放つ猛者たちが客演で参加。

今回は高円寺のINCredible COFFEEのコーヒーの心地良い香りが漂う中で、906 / Nine-O-Sixの片割れである本田と、全19曲の中でも後半の起点であり、孤独に寄り添うようなリリックの沁みる1曲“Drip of a mind”を共作したSUKISHAの二人に話を訊いた。

これまであまり多くのメディアに露出していない906 / Nine-O-Sixの歩みを聞くと、本名の“池澤寛行”というアーティスト名で数年活動した後に、名義を変えてシーンに浸透した苦労人としても知られるSUKISHAとの共通点がいくつか浮かび上がってきた。

━━直接会うのは今回で何度目ですか？

906/Nine-O-six　本田（以下、906） 4回目くらい？

SUKISHA そんな会ってるっけ？（笑）　3回目くらいかと思ってた。

906 内2回くらいは酔ってはったんですけど（笑）。

SUKISHA クリスマスの時期だったかな、友達がやってるシーシャ屋でZINくんといっしょにライブをやろうということになって。そのときZINくんに「客演でボーカル呼んでいい？」って言われて、「どうぞどうぞ」と。アコースティックだったからそんな大層な機材ではないんですが全部DIYだったんで、自分らでスピーカーとか持っていって。全部自分たちで持っていって準備しているときに知らないおっさんがなんかいて……。

906 おっさんて（笑）。

SUKISHA 怖い話ではないんですけどね（笑）。知ってる人間しかいないはずの空間に、座ってダラダラしてる人がいて。

906 無言でね（笑）。

SUKISHA これは誰なんだろうな、でも話しかけにいく感じでもないし、1人で座ってるからどちら様なんだろうなって思っていたら、ZINくんが遅れてやってきて紹介してくれて挨拶したのが初対面です。

906 一昨年ね。

SUKISHA よく覚えてるね。あ、あと銀座のライブでもいっしょになってるのか。

906 そうです。906のマネジメント担当しているU-YAさんと、僕が主催した＜Tastyyy＞というイベントですね。

━━ちなみに初めて会ったとき、お互いの名前などは認識していたんですか？

SUKISHA 僕は名前を聴いたことがあったし、DJやってる子から話を聞いたりしてて。

906 僕は一方的に自分が知ってると思ってました。すごく好きで聴かせてもらってました。

SUKISHA 真っ直ぐ言われるとどうリアクションしていいかわからないですね（笑）。

━━お互いにまだ知らない部分も多そうですね。

906 そうですね。

SUKISHA まあ猫を飼ってるっていうのと、伊豆大島の方に引っ越した話を聞いたくらいですね。

━━ではせっかくなので906のこれまでをSUKISHAさんといっしょに伺っていけたらと思います。906 / Nine-O-Sixの活動は大阪でスタートしたんですよね？

906 はい、僕は今35歳なんですけど、元々ロックやブルースが大好きで10代のときにバンドをやっていました。で、高校を卒業するくらいのタイミングで僕以外のメンバーが全員「大学に進学する」と言い出して、僕は「え？」って。僕だけこのままバンドをやっていくと思っていたんです。

SUKISHA 高校のときに組んでたバンドで「俺はいったるんや！」って自分だけ思ってたってこと？

906 めっちゃ思ってました（笑）。

━━ちなみにパートは何だったんですか？

906 3人組のギターボーカルでした。そこで「あ、自分だけ進路とか考えてなかった」と気づいて。そのまま高校を卒業して、みんな大学生活にシフトしてて。

SUKISHA そこでバンドが終わっちゃうんだ？　他のメンバーはあんまりやる気なかったんだね。1人だけやる気があるバンドはあんまりうまくいかないよね（笑）。

906 バンドって誰かが辞めるとこんな感じになっちゃうんだと思って。卒業してから1年間くらい瓦屋で働いて、お金を貯めて音楽の専門学校に行きました。でも自分の行った専門学校はお金さえ払えば誰でも入れるようなところで、「あ、思ったのとちゃうな」と感じてしまって。

SUKISHA 結構悲しい過去を持ってるんだね。それは二年制？

906 そうです。パンフレットにはすごい良いことばっかり書いてあったんですけどね。その専門学校に通うのと同時期にジャズが流れてるような地元のダイニングバーで働き始めたんです。そこのオーナーがヒップホップ好きで準備中とかに流してくれて、ザ・ファーサイド（The Pharcyde）の“Runnin'”って曲を聴いてめちゃくちゃ感動しました。それまでヒップホップとか全然聴いていなかったんですけど。

━━ちなみにバンドでは好きだったロックやブルースをやっていたんですか？

906 中学生のときはパンクとかやってましたね。

SUKISHA 早いよね、始めるのが。

906 お姉ちゃんがそういうのをすごい好きで、その影響もあって。高校のころはエモも流行りだした時期で聴いてましたね。で、ダイニングバー時代に感動したザ・ファーサイドはメロディをすごく使っていて、ビートもメロウで、リズムも良くて「こんなんあるや！」って衝撃だった。オーナーに話を聞いたら「サウンドはビートメイカー（プロデューサー）って人がいて、その人が1人で作ってるんやで」って言われて。「それやったら1人でできる！」と思って、それでレイクに行って借金してフルで機材を集めて。

SUKISHA マジ？　すごい、なんていうか、オールオアナッシングだね（笑）。

906 楽器屋でもローン組めたんで、合計で100万くらい借りて。

SUKISHA ちゃんと返したのそれ？

906 6年くらいかかってやっと。ブラックリストにしっかり載りました（笑）。

SUKISHA ちなみに俺もアコムで金借りたことあるよ。

906 あー、やっぱり。

SUKISHA 大変だったね。

━━そこからビートを作るようになると。機材は何を買ったんですか？

906 MPC2500とか、Fantom-G8っていうすごく大きい……。

SUKISHA 当時何歳？

906 当時は19、20歳くらい。

SUKISHA じゃあ今よりも全然デカいってことだよね。

906 そうです、1人で運べないくらい。あとはPCとPro Tools（DAWソフト）を買って。

SUKISHA Pro Toolsも買ったの？　そりゃ金かかるわ。すごい前のめりだね。

906 地元は岸和田っていうめっちゃ田舎なんですけど、知り合いと空き地にカラオケのコンテナを運んで、DIYでスタジオを作ったりもしていたんですけど、結局田舎なんで何も起きないというか。大阪市内でライブとかもやっても、当時は大阪もやっぱり地方なんで封建的な狭いコミュニティがいっぱいあって、「このままじゃちょっとなあ」と思って25歳くらいで関東に出てきました。

━━906を組んでから出てきたんですよね？

906 そうです。22歳くらいですかね、僕の幼馴染がレゲエディージェイ（dee jay）をやっていて、相方はレゲエのサウンドを作っていたんですけど、それで「気があうと思うから」って引き合わせてもらった。ちょうどその頃ビートを作り始めた時期だったので、お互い「これこうやったらこうなるな！」と盛り上がっているうちに気づいたらいっしょにやっていて、「じゃあ二人でやろう」という流れでした。ビートをずっと作っていたんですけど、ビートだけだとやっぱり聴いてもらえないから「じゃあ僕が歌います」と言って今の形になりましたね。

SUKISHA じゃあ25歳でいっしょに出てきたの？

906 いやそのときは僕だけで。相方は少し臆病なんで「先行っといて！」という感じで（笑）。半年後くらいに相方も出てきて。相方と、音楽関係ないんですけど相方の幼馴染の人が「俺も行きたい」って言って、最初は6畳のワンルームで男3人が同居生活するっていう。

SUKISHA えー、よく仲悪くならなかったね。

906 いや、もう殴り合いの喧嘩もしました（笑）。10ヶ月くらいその生活をして、狭すぎたので一軒家を借りて。相方は途中で身体を壊して地元に帰ったんですけど、そこに自分は4年くらい住んだかな。僕は29歳くらいで結婚して嫁と住むようになったという感じですね。

━━先にオンラインで作業していたんですね。

906 たしかにデータのやりとりですね。コロナ禍もずっと宅録でマスタリング以外は全部自分たちでやっていたので特に困ることはなかったですね。

906 SUKISHAさんはいつ東京に出てきたんですか？

SUKISHA 地元を出たのは大学進学したとき。高校の軽音部でコピーバンドをやったりしていて、当時から音楽で生きていきたいと思っていたんです。高校生くらいのときには鍵盤、ドラム、ベース、ギター全部できたから「飲み込みも早いし、たぶん才能はあるだろう」とは思っていたんだけど、親はずっと「音楽でやっていきたい」というのに反対の立場で。

家庭環境がちょっと複雑だったんで、「ちゃんとした仕事に就いてほしい、ちゃんとした仕事に就いてほしいから大学に行ってほしい」と。よく聞く話ですけど、「音楽やりたい」って言うと「あなたくらいの才能を持っている人なんてどこにでもいるのよ」ってガチなトーンで言われたこともあります。「そうなのかなぁ」と思いながら、受験前とかも曲を作ったりしていたんですけど運良く大学に受かって、それで上京した感じです。

━━二人の苦労はもしかしたら似ているのかなとお話を聞いていて思いました。今回の曲“Drip of a mind”はどのような流れで制作していったんですか？

906 まず僕が〈Manhattan Records〉の粟倉さんから、今回のアルバムを作る上で客演を誰にしたいかを聞かれて「SUKISHAさんとやりたいです」と伝えていたんです。それが実現した形ですね。曲作りでいうと、1曲はシックな感じの曲調で、もうひとつが今回の曲になった元のものの2曲用意していて。

オンラインでやりとりをさせてもらったときにSUKISHAさんから「どっちもビート良いけど、どういう曲にしたいの？　どういう人に聴いてもらいたいの？」って聞かれて、「SUKISHAさんとやらせてもらう曲はいろんな人に聴いてもらいたい」と返すと、すごく明快に「じゃあこっちの方が良いと思う」と言ってもらって。だからこそ突き詰めて制作できました。

SUKISHA そうだっけ？（笑）

━━リリックも906側からスタートしたんですか？

906 リリックはまず、SUKISHAさんからアプローチしてもらいました。

SUKISHA それはその通りなんだけど、最初と着地したところが全然違うんです、この曲。ビートをもらったときは普通の切なげなラブソングを書くつもりで考えていたんですけど......俺は今の名義に変える前は全然活動がうまくいってなかったんです。自分のことを知っている人間とか、自分のことを好意的な目で見てくれる人間なんてまるでいなかった。

活動がうまくいくにつれてキラキラした目で見てくる人間が増えて、「そんなんじゃねえんだけどな」っていう気持ちがずっと沸々としているんです。で、何が起きたか忘れちゃったけど何かがあったんでしょうね、そのときに高校生のころを思い出して。高校生のころってめちゃくちゃ孤独だったんです、いろいろあって。だからその頃のことを思い出して作ったので、みんなに聴いてもらえるような曲かと言われると着地点は違ったかなって（笑）。当時のどうしようもない孤独感を歌にしました。

906 冗談抜きに僕はそのリリックを受け取ってめちゃくちゃ感動しました。僕も似たような経験があったんです。高校生のとき、高校なんて行かずにずっと音楽だけやりたいと思っていたんですけど、僕の父親側の本田一族って中卒が多かったから、「高校は絶対卒業してくれ！　そうじゃないとあんたが苦労するから」って言われ続けていて。だから高校には行こうとは思ったんですけど、音楽をやりたい気持ちが強かったから「なんで高校行ってるんやろ？」って思ってしまって全然高校に行けなくて。先生が助けてくれて卒業はできたんですけど、家を出て学校に行くフリして、ずっと電車に乗ってみたり、漫画喫茶に行ったりしてて。

SUKISHA 俺は古本屋にいたかな。授業サボってコンビニで週刊誌読んだり（笑）。

906 そうなんですね（笑）。高校をエンジョイしてる人に共感が全然できなかったんです。友達はいたんですけど、文化祭も修学旅行も行かず、高校生らしい高校時代をあんまり送ってなかったというか、今になって考えるともっと楽しんでもよかったかなとも思うんですけどね。でも当時はすごい悶々としていて。「音楽をやりたいから高校を辞めたい」と言っても辞めさせてもらえないし。SUKISHAさんが言っているような孤独感が当時の自分にもあった。なぜかわからないけど泣けてくる瞬間が多くて、その悶々が大人になってもまだ飲み込めていなかったんです。「なんであんな感じやったんやろ」というか、漠然とした不安や辛さがあって。

SUKISHAさんのリリックをもらったときに「うわー！」って。《好きなバンドのニューアルバムだけが希望さ》とかマジでそうだったなって。僕も当時、CDショップの壁に貼ってあるポスターを眺めて、アルバムの発売日を待っていたなーとか。普段の僕は抽象的なテーマでリリックを書くことが多いんですけど、今回はそのときの気持ちを思い出すことができたから具体的なイメージを持って書けたんです。出来上がった曲を聴いて、高校生のときのモヤモヤが今やっと成仏した気がしました。すごく特別な気持ちでしたね、「良かったなー」って。

SUKISHA 良かったね（笑）。

━━お話を聞いているとやはり通じるものを感じますね。

SUKISHA 同じような青春時代を過ごしていたみたいですね。僕はそもそもバンドすら組めなかったですけどね、でもうまくいかないよね、バンドって。

906 いかないですね（笑）。

━━サウンド面ではどのようなやりとりがありましたか？

906 今回客演で参加してもらった方々に共通しているのは、僕と相方がいっしょにやりたい人っていうのはもちろんそうなんですけど、それ以上に時代とか関係なく5年後、10年後に聴いても変わらず新鮮な感じで聴けるものを作っている人ということで。前提がそこなので、こちらからビートを渡して「あとは自由にやってください」という感じで。SUKISHAさんは仮録りを送ってもらった段階で、鍵盤のソロや展開を足してくれて、「この人ヤバ！」って（笑）。

SUKISHA いっしょにやりたいと言って呼んでくれているというのもありますし、自分の曲を聴いてくれている人が僕の歌だけを聴いていると思っていないので、自分が参加する意味を考えたときに906が許してくれるなら、多少こっちで手を加えた方が聴いてくれる人も喜んでくれるんじゃないかなと。あと、せっかく呼んでもらったから「何これ！やばい！」って気持ちにさせたかったというのはありますね。

━━906を驚かせてやりたかったということですね。

SUKISHA まあ基本的に性格が悪いんで、予想外のことが起きた方が楽しいと思っているところがあって（笑）。あと、彼らの作品にはジャズのサンプリングのビートが多いじゃないですか。だからちょっとジャズをかじった程度の人間ですけど、ソロとか入っていたら喜ぶかなって。

906 めちゃくちゃ喜びました（笑）。

━━少し脱線しますが、今はイントロやギターソロを飛ばして聴く人もいるという話をよく聞きます。TikTokの影響などもあるのかもしれませんが、そういった状況に対して思うことはありますか？

SUKISHA なんとも思っていないですね、戦っている競技がそもそも違うので。TikiTokでバズって売れていく人とかには「すごいな、おめでとう」くらいにしか思わないし、自分の曲がTikiTokでバズることがもしかしたらこれからあるかもしれないですけど、それでバズったからといって活動の仕方は変わらないと思うし、社会現象の一つとしてしか捉えてないですね。ギターソロを飛ばす人はもともとギターソロを聴いてないし、もともと音楽もそんなに聴いてないから、別にいいんです。

906 同じくですね。

━━なるほど、ありがとうございます。話を戻すと共作の醍醐味のようなものがこの1曲にはあったわけですね。

906 僕は今までしっかりいっしょにやったのはZINくんくらいしかいなかったんですけど、今回やって思ったのは“くらわせ合い”というか、「こんなヤバイことやられたら負けたくない」と思うというか。結局は自分たちの曲なんですけど、「もっとやってやろう」のやり合いがめちゃくちゃ気持ち良かったですね。それとめっちゃ勉強になる。やっぱりずっと自分だけでリリックを書いていると、例えば抽象的なことや風景的なことばかり書いていたり、型にはまっていく感覚があるんです。

それを書くのがダメというわけではないんですけど、SUKISHAさんのリリックは《プチョヘンザ》とか文字で読むと笑えるけど、メロディに乗せたらしっかり説得力に変わっていたりして、いっしょに書かせてもらったときに「ああ！　そういうアプローチの仕方もあるんや！」とすごく刺激を受けましたね。

SUKISHA ケミストリー！（発音良く）だね。漫画の『Beck』、好きだった？

906 めっちゃ好きでした、全巻持ってます！

SUKISHA 『Beck』が実写映画化して水嶋ヒロ演じる竜介が「バンドにはケミストリー！が必要なんだ」って言うシーンがあって、それを思い出してた（笑）。好きだったなあ『Beck』。

━━やりとりは何回かあったと思うんですが、話しながら作るというよりはある程度のカタチにしてから送り合うような感じでしたか？

SUKISHA そうですね。そこはめっちゃ日本人的で、自分で作ったものをちゃんと反映させて送りたいタイプなんですよね。いっしょにセッションして作るのはあんまり得意じゃなくて。

906 でもデータだけじゃなくて、どういう気持ちで書いたというのも教えてもらって、それに応えて書いていきました。

━━SUKISHAさんがアルバム全体を聴いたときの印象はどのようなものでしたか？

SUKISHA 聴きやすいですね。ご飯作りながら聴いたり、今日ここに来るときも聴いていたんですけど、日常に寄り添っている感じがします。何がそうさせているのか考えると、しっかり聴き取りやすくて、わかりやすく何を語ったというラップではなくて、リズムに乗ってちゃんと韻を踏み続けるっていうところにあるというか。僕が普段からあんまり歌詞の内容をちゃんと聴こうとしないタイプというのもあって、すごくちょうどよかったですね。たぶんそういうところを狙ってやっていると思うし、いわゆる洋楽っぽく聴ける感じが良いなと。ロックが入ってきたときは少し戸惑ったけどね（笑）。

━━たしかにアルバムのラスト2曲に顕著ですが、ロック的なアプローチもありますよね。今日のお話を聞いていて、バックボーンにあるものだということがわかりましたが、これまであまりこういったアプローチはありませんでしたよね？

906 SUKISHAさんにおっしゃっていただいた通りで、ダイニングバーで働いていたときに、そういう雰囲気のお店って日本語の曲を流しにくいというか、特に日本語ラップを流すとイメージが変わってしまうように感じていて。どうしても日本語って耳に入ってきて、そっちに意識が行ってしまうから、つい聴き込んでしまってお酒が進まないこともあるなと思っていて。これまで「気づいたらアルバム1枚聴き終わっていた」という作品を作りたいっていうコンセプトで相方とやってきました。その上で、性格は全然違う相方なんですけど、共通点があって、例えばサンプリングを用いるときにジャズの年代や意味を合わせたい、良くも悪くも突飛なことはしない、アルバム1枚で一つの作品というのをすごく意識していたんです。

今回のアルバムを作り始めたのは、ちょうど相方といっしょに音楽をやり始めて10年を過ぎたタイミングだったこともあって、自分たちの今までの集大成で、なおかつ今までやっていないことをやりたいと思った。自分たちが通ってきたもの、相方はレゲエをやってたし、僕はロックやパンクがすごい好きでバンドもやっていたんで、一回全部詰め込みたいなって話になりました。ロックもレゲエも今まで突き詰めてきたジャズも入れようって。ちなみに今回のアルバムで1番最初にできたのが18曲目の“non suger”っていうパンクっぽい曲だったんです。

SUKISHA 急にレッチリみたいになってびっくりした（笑）。

906 縛られたくないなと思ったんですよね。客演でお声がけさせてもらった方たちもそれは意識していて。それぞれで考えると一見あまり交わらなそうなのに、この一つの作品の中に共存してるっていう。それに気づいてもらえたときは嬉しかったですね。

SUKISHA 実際、会ったことない人ばっかりだしね。

━━1枚を通して共通したニュアンスも感じます。全体のムードにこだわってきた点は引き継いでいますよね。

906 そうですね、今までも3枚くらいアルバムを作ってきたんですけど毎回18、19曲収録している中で「ここいらなかったな」「ここで飛ばしちゃうよな」っていう部分がどうしても後から出てきていて。もちろん前半も大事なんですけど、特に後半が難しかったです。イメージをロックに近づけていくときに絶対ここはSUKISHAさんとの曲やなって思って。後半の入り口というか、そこで上げてもらって、あとからロックが入ってきたときにびっくりはされるだろうけどその余韻で最後まで聴けるっていう。そこはより意識してましたね。

SUKISHA 19曲あったら曲順は意識するよね。作った順にするわけにはいかないもんね。

━━どちらもこれまで短くないキャリアがある中、今回の共作で新たな発見はありましたか？

SUKISHA 僕の場合はこんなに昔のことを振り返って作詞することもなかったし、こういうビートというか、リズム感の曲は自分では作らないので。少しトラップのノリというか、こんなゆっくりの曲をこのノリでは作らないから新鮮でしたね。

906 僕もそれでいうとトラップのノリは作ってきていなかったんです。だけど自分たちなりにやってみたい気持ちがあって。ハードな雰囲気ではなく聴きやすく柔らかい感じにしたかった。SUKISHAさんに入ってもらったことで、自分のラップの仕方も影響を受けていて。倍速で乗せることはあまりしてこなかったんですけどね、それも面白かった。

SUKISHA それは俺も初めてくらいかな。あと彼のヴァースにコーラスを被せたんですけど、リズムの乗り方が全然違って、合わせるのが大変でしたね。本当に何回も聴いて、「わかんない」って言いながら録ったんです。リズムの乗り方ってやっぱり人によって違うんだなって改めて思いましたね。

━━先ほど今回のアルバムは集大成的な面があるとおっしゃっていましたが、この先で何をやっていこうと思っていますか？

906 僕は今まで通り、ビート作ってラップして、歌モノやったり、ジャズをサンプリングをしてっていうのはもちろん続けていきます。その上で、僕がサンプリングを始めてからずっと思っていることなんですけど、楽器ができる人にすごくコンプレックスがあって。それはSUKISHAさんのライブを観たりしても感じたんですけど……。

SUKISHA わかるよ、俺もそうだもん。

906 いやいや、めちゃくちゃ演奏してるじゃないですか（笑）。

SUKISHA 昔からずっとコンプレックスではあったんだけど、それこそバンドメンバーがみんなガチなプレイヤーだから。いっしょにバンドをやっているギターのやつが1個下の大学時代のジャズ研の部長で、最初は大して上手くなかったんだけど、それがどんどん上手くなっていくのを見ていて。「はあ、どうせ俺は左クリックだよ」って感じだったから（笑）。すごくわかるよ。

906 やっぱり作品を作っていく中で、もちろんサンプリングもめちゃくちゃ面白いんですけど、SUKISHAさんのように0→1を作りつつ演奏もできる人にすごく憧れているんです。今回のアルバムを作っているときちょうど相方とも話していたんですけど、そういう悶々とした部分を解消していくために楽器を使った作品も作り始めていて。

━━今回のアルバム（『LOVE ON THE LUCKS』にはKeity、寺井雄一、朝田拓馬がプレイヤーとして参加）のようにプレイヤーを呼ぶ機会を増やしていくという方法もありますよね。

906 それも増やしていきたいですね。それこそ、今回のアルバムができたときに相方と「SUKISHAさんとEPを作りたいよね」って話をしていて。

SUKISHA え、マジで？　初めて聞いたけど！

906 ここで初めて言いました。これは書いといてください（笑）。

SUKISHA 次は俺だけってこと？

906 はい（笑）。

SUKISHA すごい気に入られてるじゃん！　ぜひ前向きに検討させてください！

906 よくZINくんとも話すんですけど、SUKISHAさんはDIYで全てを作り上げていて本当に自分の中で憧れるところなんです。

SUKISHA そんなに俺の話してるの？　そうなんだ、でも最初に会ったときも「そのスタンスが理想」と言ってくれてたもんね。

906 もちろん若いときしかできない音楽もあると思うんです、別にそういう若い音楽をおっちゃんになっても続けているというのもすごい良いと思うんです。

SUKISHA わかる、もうすでに何を言おうとしてるかわかるもん。

906 でも、僕の目標は自分の年齢プラス15歳くらいの人が聴いても「かっこいい」って言ってもらえる音楽を作ることなんです。SUKISHAさんはまさにそれをやってると思うんで、そこは意識しています。

SUKISHA そうだといいねー。

906 しかもSUKISHAさんの場合は下の若い世代のリスナーもいて、そこがすごいなって。

━━世代を問わず、長く聴けるものを作ることに主眼を置いているということですよね。

SUKISHA それが一番中心にありますね。よく話すのは松浦亜弥の“LOVE涙色”の話なんですけど《メールは返さない〉という歌詞があって、でもLINEしかやってない若者はそれが何なのかわからないじゃないですか。あと例えば『STEINS;GATE（シュタインズ・ゲート）』という名作アニメがありますけど、今はみんなスマホを使っていて、これから先もしかしたら携帯も無くなるかもしれないというのを考えると、ガラケーでメールを送る描写はわからない人たちが出てきてしまう。

ある漫画家さんが「時代を象徴するようなものは意図的に出さない」と言っていて、それでなるほどと思ったんです。だから自分が曲を作るときは意図的に今の時代の言葉を出すか、それとも昔から今まで誰が聴いてもわかるような歌詞にするかっていうのは意識していますね。サウンド面に関しては、どの時代がどうだっていうのは聴いた人間がわかればわかるし、わからなければわからないだけなんで、別にいいと思うんです。でも歌詞はそういうところがダイレクトに出るので、その辺りは意識していますね。何歳になって聴いてもダサくならないように。

━━時代を選ばない曲を作っていくということですね。

SUKISHA そうですね。懐かしいと思われるってことはダサいことだと思うんです。例えばTikTokでたくさん再生された曲は10年後20年後になったら「懐かしいね」になるじゃないですか。それは避けられないことかもしれないからこそ、それだけで終わらない曲を作りたいと思いますね。

━━現在はハイパーポップやレイジといった過剰な音楽が流行っていますが、ご自身のスタイルを貫いていることに手応えはありますか？

SUKISHA 何も思っていないです。流行があったらすぐに飛びつきます。

一同　（笑）

SUKISHA でも本当で。自分は割となんでもできる人間だと思っていて、ジャンルにこだわらずにいろいろ作りたいと思っているんです。ただ何かが今「キテる」という感覚は自分には無くて。例えばハイパーポップが周りでもみんな良いって言っていればやると思います。別にヒップホップだけやっていくと決めているわけではないし、R&Bも好きだし、ブラックミュージックも好きだけど、今からロックをやれって言われたら喜んでやります。それが流行っていろんな人間に届くんだったら。

ただ別に普通のロックをやるつもりはないし、ロックをやってもし流行っても、「流行ったね、でも別に流行っていたからやっただけで他の曲を作りたい俺は」と言って他の曲を作るだけです。自分の活動を長い目で見ているので。ずっと同じことをやっていると自分の中では小さな違いがわかるかもしれないけど、他の人からしたら同じに聴こえても仕方がないことだと思うんです。それはスタンスの問題で、ずっと自分たちの求めている音楽を突き詰めていくという考え方をしている人たちもすごく立派だけど、俺はどちらかというと自分の規模を大きくしたり、聴いてくれる人を増やしたり、いろんな拡大再生産を繰り返すことを大事にしています。

だから違う音楽性のことでもどんどんやっていきたい。ダサくはなりたくないんで、新しくやったことに対して自分が納得できて、一定のクオリティがあるものを出す。それで「こんなダサい曲作りやがって」って言われたら「わかんない、お前がダサいんだよ」って言えるようにはしていきたいですね。

906 「ヒップホップをやってる906です」って紹介されることはよくあるんですけど、「僕はヒップホップじゃないな」って思っていて。手法はヒップホップのものだし、ヒップホップをたくさん聴いてきたし、好きなヒップホップのアーティストもいっぱいいるんですけど、思想や振る舞いを含めてヒップホップと呼ぶなら僕は全然ヒップホップじゃない。もちろん聴いてくれた人がヒップホップだと感じたらそうなんだと思うんですけどね。今回のアルバムを作って特に感じたのは、自分自身を狭めたくないということでした。

良いと思ったものはなんでもやりたい。今はソウルをやりたいと思ってソウルをいっぱい聴き込んで曲を作ってみたりしていて。一般的なサラリーマンだと65歳とかで定年を迎えて、そのあとはセカンドライフを送ってっていう人生がベースにあると思うんですけど、自分は70歳になって「まだやってんの？」と言われるくらいやっていたいんです。そう考えるとなんでもやりたいなって。もちろんお金を稼ぐ必要はあるんですけどね。

SUKISHA わかるよ、音楽をやってて一番偉大なのはハービー・ハンコックだと思うんだよね。カート・コバーンやジミ・ヘンドリックスを崇拝する気持ちもわからなくはないけど、早死にするより長生きしたいでしょって。一生音楽やってる方がかっこいいと思うな。

906 （ハービー・ハンコックは）若手のジェイコブ・コリアーともいっしょにやったりしていてすごいですよね。だから長くやるのがテーマです。

━━最後に今回の共作を経て、お互いの作家性やいわゆる手グセのようなものは感じましたか？

SUKISHA さっきヒップホップだと思っていないとは言っていたけど、やっぱりジャズをサンプリングしているヒップホップという印象はあって。ただ自分でも演奏してるよね？

906 ベース入れたり、鍵盤入れたりしてますね。

SUKISHA やっぱりそうだよね。それをうまく組み合わせてやっていくスタイルだなと思いますね。そこからどうやってこれから新しいアプローチをしていくのかっていうところだよね。楽器がもっとうまくなっていろんなアプローチが増えていくのが楽しくなりそうだなと。

906 嬉しいです。僕は具体的なことじゃないんですけど、SUKISHAさん、めちゃくちゃ音楽好きやなって。もちろん「こうやったら面白い」っていう聴き手側のことも考えられるのもすごいんですけど、根っこでは「別にわかってもらえんでもええわ」っていう部分がありそうで。音楽好きとして、自分のかっこいいと思ったことに対するプライドがあるというか。俯瞰しながらもそれができるっていうのが素晴らしいです。

SUKISHA いや、性格が悪いんだよね（笑）。

906 でもこの歳まで音楽続けてる人ってある種の性格悪さがあるというか（笑）。

SUKISHA 『レベルE』の王子っているじゃないですか、あれが良いなと思うんです。みんなが不快だと思うギリギリのところを狙って投げていくというか、「ざまあみやがれ」みたいな気持ちでやってます。狙いはもちろん外れることも多いので別に期待はしてないですけどね。ダメだったらまた頑張ろうと思うだけで。でもそれを繰り返してもあんまり意味がないというか、結局大きなうねりにはならないということを去年学んだので、今年はもうちょっと慎重にやっていこうかなと思ってますね（笑）。

──10月26日にワンマンライブ＜RUN＞の開催が決定し、10月19日にニューシングル“Midnight Run”も発売されました。どちらも「Run」という単語が使われていますね。どのような意図でこのタイトルを選ばれたのでしょうか？

元々走るのが好きなんですが、昨年の9月に自然の多い河川敷沿いに引っ越してからは、気持ちが良くて日課のように走るようになり。エクササイズとしてはもちろんなんですが、走りに行こうと思う時ってメンタルが落ち込んでる時で。今年の6月ごろ、特にメンタルが落ち込んでいた時期だったんですが、走ることで自分のメンタルを整えていたんですね。その時期が今回のワンマンだったり、今制作しているアルバムの準備期間と被っていたので、＜RUN＞というタイトルにしました。

“Midnight Run”は一時期ソングライティングクラスの講師を担当していたことがあり、その際生徒の皆さんと同じトラックで曲を書いたときにできた曲で、元々リリースする予定もなく。その当時も「結構いい曲を書けたな」と思っていたんですが、最近改めて聴き返してみたら、赤裸々なリリックを書いているし、《midnight running》という歌詞も入っていて、今のモードに合ってるなと思ったんです。なので、トラックを一から作り直して、メロディと歌詞も調整してリリースしようと。この楽曲を先行シングルとして、新しいアルバムのスタートにできればと思っています。

──聖歌隊のコーラスのような音が一定のリズムで続いていて、走っている時の鼓動のように聞こえるのも印象的でした。一方でリリックはおっしゃった通り、赤裸々に心情や生活での実感を歌っています。そこに共感を覚えるんですが、ご自身は共感してほしいという考えもあったりするのでしょうか？

それは全くないですね。ただ僕すごくお酒を飲むんですけど、お酒を飲むと、シンプルに体調が悪くなるし、昼まで寝ちゃったりして病んじゃう時もあり（笑）。リリックでも《連日のアルコールで ボロボロのBody》と歌ってるんですけど、そういうことってきっと誰にでもあるじゃないですか。痛みを誤魔化すためにヤケ酒して、自滅するみたいな。あまりかっこつける必要もないと思ってるので、そんなところが共感してもらえる要素なのかもしれないですね。

──“Midnight Run”はセルフプロデュースの楽曲なんでしょうか？

2020年にリリースしたEP『PINEAL GLAND』の頃から共同で作業しているTyaPaTii（野村帽子）と一緒に作りました。いつもはTyaPaTiiがラフなビートを作って送ってくれるんですが、今回はフリートラックで書いた曲が元々あったので、それを差し替える段階から手伝ってもらいました。

──TyaPaTiiさんと作る機会が多くなったきっかけはあるんですか？

SoulflexのクルーでもあるFunkyが彼と一緒にレゲエのバンドをやっていて。僕もTyaPaTiiを知ってはいたけど、当初は知り合い程度の関係性でした。“The sign”が初めて一緒に作った曲なんですが、ある時突然「ZINに合うと思うから」って彼ら自らデモを作ってきてくれたのが始まりなんですよ（笑）。そのデモを聴いてみたら、めちゃくちゃ良くて。そこから意気投合して、どんどん一緒に作っていった感じですね。『PINEAL GLAND』は全楽曲、2人にプロデューサーとして協力してもらいました。2人には1から100まで説明しなくてもすぐに理解してくれるし、意思疎通もスムーズで。音の構成に関して、彼らと感じてるところが一緒だなと思う機会が多いんですよ。

──近年リリースされている作品は、人間の身体性や知覚に焦点を当てたフレーズやアートワークが多いですよね。『PINEAL GLAND』は人間の脳の器官である“松果体“という意味ですし、『GINGER』のアートワークでは人同士が絡まり合っている様子が描かれていたり。身体の動きや、身体の感覚を作品で表現することを意識されているのでしょうか？

以前コンテンポラリーダンサーの方々の舞台（柿崎麻莉子演出作『WINGY』）に、シンガーとして出演させていただく機会があり。コンテンポラリーダンサーの方々って新体操やバレエが基礎にあったりするから、身体の動きがすごく柔らかい。一緒に公演している時にも、身体や肉体に意識を集中している感じが特に伝わってきました。肉体や筋肉や皮膚って、アスリート的な一面もあるけど、アートや芸術性に関わってくる部分なのかなとも思います。僕が鍛えたりする理由もそこにあるかもしれない。肉体も込みで見られたい、魅せたいという意識は働いている気がします。マッチョになりすぎると、僕が着てる衣装は似合わなくなるけど、逆に筋肉がなさすぎると、ステージングに迫力がないようにも思えてしまう。意識はしていなくても、身体性を表現の一部として認識しているのかもしれないですね。

──そんな一面がある一方で、作品を重ねるごとに内省的なリリックも増えてきているようにも思います。特にそうした変化があったのは『PINEAL GLAND』以降だと思うのですが…。

それ、他の人にもすごく言われるんですよ（笑）。あのEP以降めっちゃ変わったなって。

──ZINさん自身はその変化を実感しているんですか？

『PINEAL GLAND』を制作していた2020年の初頭は新しい出会いもあれば別れもあって、ちょうど人間関係が目まぐるしく変わった時期でした。それもあって、ある意味吹っ切れてやりたいことだけをやろうという気持ちがすごく強くなった。先行シングルの“The sign”を一緒に作った仲間とも話していたんですけど、受け入れられやすいような曲を作るとか、売れ線の曲を作るということは一切考えずに、本当にかっこいいと思えることだけをやるということを徹底したんです。それが意外と反応が良くて、これでいいんだと思えたというか。それ以降楽曲制作に向き合う上で細かい配慮はあっても、とにかくやりたいことをやると切り替えた瞬間でもありました。

改めて振り返ると、『PINEAL GLAND』以前の作品も自分を表現したものと言えるし、妥協したつもりは全くないけど、中途半端だったのかもしれないなとも思います。自分の中で方向性を探っていたというか。あの作品でこういう表現がしたいというものが見えた気もしますね。

──次回作のアルバムについてもぜひお話を聞いてみたいんですが、以前「フィボナッチ数列」※をベースに制作しているとおっしゃっていました。いつ頃から「フィボナッチ数列」に興味を持つようになったんでしょうか？

※フィボナッチ数列：「1,1,2,3,5,8,13,21,34,55......」と初項と第2項を1とし、第3項以後次々に前2項の和をとって得られる数列。数列の正方形を並べ、それぞれに四半円を描くことで、自然界にも共通するとされる黄金比の螺旋を形成できると言われる。

一時期家具屋で働いていたことがあり、仕事のうちのひとつとして、その家具屋のブログを書かないといけなくて。ある時、照明のブランド「ルイスポールセン」から発売されているペンダント照明についてブログを書くにあたり色々調べていたら、その照明がフィボナッチ数列に則って作られていることを知ったんです。フォルムの角度だったり、カバーの枚数も数列に当て嵌めながら作られているそうで。その頃ちょうど曲線だったり、自然に対して興味を持ち始めた時期だったので、面白いなと思いました。

──次回作にはどのように影響しているんでしょうか？

元々「曲線（curve）」を次のアルバムのテーマにしようと思っていたんです。自然界には直線がなくて、曲線しかないと言われています。一方で、人間が作り出すものは直線でできているものが多い。例えばスマホのような電器だったり、街中に並んでいるビルだったり。人って疲れると、海に行ったり、山に行ったり、自然を求めて都会から離れたくなる。その理由を考えていたときに、人間も曲線でできているなと気づいたんです。だから都会にいると交わり合わずに疲れてしまうんじゃないかと。本来人間が居た場所でもある曲線だらけの自然に還りたくなるという感覚ですかね。

京都のCINEMATIK SALOONというバーを経営されているジュニアさんに昔からお世話になっているんですが、昨年はCINEMATIK SALOONでライブさせていただく機会が特に多くて。ジュニアさんとは自然についてお話する機会も多いんですが、いつも話すのは、人間が勝手に「変わった」と思っているだけで、自然のサイクルは変わらないということ。花が咲くサイクルも常に変わらないし、「ただそこにあるもの」という感覚がある。一方で、突然台風が来たり、津波が来たりと、予測ができないものでもある。不変でありながら、常にそこにあるという自然のありのままに魅了されているんだと思います。どこか安心感を求めているのかもしれないです。

そういう感覚が音楽にもあるといいな、と思うんです。みんなが帰ってくる場所、安心感を求める場所を音楽で表現したい。なので、サウンドも機械的なイメージがあるビートより、人間が作ったグルーヴが感じられる生音を中心に作りたいなと思っています。今はサウンド面でも、楽曲のテーマでもいいから、自然に対して感じるような確固としたものがその中にある、という音楽を作りたいです。

──テーマがあるというのは過去作からもすごく伝わってきます。『GINGER』は特にそれを強く感じました。

『GINGER』は自分でもすごくわかりやすかったなと思います。タイトルの「GINGER」も言葉通り「ショウガ」のことなんですけど、見た目も地味やし、その辺に落ちていても気にならないじゃないですか。でもそのビジュアルの地味さに反して、たくさんの効能を持っていますよね。スパイスとしても昔から重宝されていたり、薬としても使われたり。臭み消しにもなるし、人を温めてくれたりもする。なので、『GINGER』には、人に寄り添うような温かみのある曲があったり、スパイスという意味で攻めたトラックを使った楽曲もあったりします。それに、ショウガってよく根っこの部分が活用されるじゃないですか。なので、自分のルーツでもあるネオソウルに立ち返った楽曲もありつつ。それでいて、自分をひけらかすような作品にはならなかったなとも思います。その作品を作ってるのはあくまで人間、という意味でアートワークではショウガのフォルムを表すように、裸体の男たちが重なり合っている様子を収めた写真を使っています。実はアートワークに写っている身体をなぞっていけば、ショウガを象っているようにも見えるようにしています。

今思えば、自分が思っていることややりたいことを、何か他のものに置き換えて例えながら表現したいのかもしれないですね。次の「curve（仮）」も曲線から派生して自分が思うことをイメージした楽曲が多くなるんじゃないかなと思います。

──ワンマンライブ＜RUN＞に向けて、お話をお伺いできればと思います。バンドメンバーの方々の方がご自身よりも気合が入っているんじゃないか、ということもSNSでおっしゃっていましたね。

本当に最高のバンドメンバーだと思います。僕がいないところで、僕の今後について話してくれたりしているみたいで（笑）。メンバーみんながそれぞれ第一線で活躍しているんですよ。でもみんなに共通しているのは、自分たちでなんでもやろうという精神性があること。今回のワンマンに向けても、今後の展開を見据えながらリハーサルしていたりして、みんなで楽しみながら進めていますね。

──それは音の話ではなく、今後どう活動していくかという話？

そう。マネージャーみたいですよね（笑）。本当は今回のワンマンも開催するつもりなかったんですよ。リリースもなければ、アルバムもできていないし、次開催するならリリースワンマンと思ってたから。メンバーにも「今年はアルバム間に合わなさそうやわ」って話してて。そしたらみんなが「ZINでバンドやりたいから、ライブやろう！」って言ってくれたんです。その言葉でリリースしてなくても、開催すればいいかと思えた。本当背中を押されて決めたような感じですね。バンドメンバーとの出会いも本当によかったことのひとつです。大阪のメンバーはSoulflexのクルーが中心なんですが、東京のメンバーも比べられない存在なので。1人でやってると言いつつ、すごく手伝ってもらってますね。

──サウンド面での意思疎通もスムーズに？

はい。僕すごくわがままなんで、みんなに甘えてるんですよね。でもみんな何も言わずに応えてくれる。なんなら自分も「ZIN」だって思ってるんちゃうかな（笑）。それぐらいのめり込んでやってくれています。

──前回のワンマンの際は香水も発売されていましたよね。今回もグッズは色々と準備されていたり？

そうですね。今回は、以前FKDに紹介してもらったyoqoeさんが手がけている『THE FASCINATED』というブランドにグッズをお願いしています。コロナ禍で人と繋がりたいという欲が改めて強くなっていたんですが、同じように思う人が多かったのか、むしろ新しい出会いが多くて。彼が立ち上げた『GOOD ERROR MAGAZINE』を知ったのもコロナ禍でした。そうした新しい繋がりも今後に活かしていけたらと思っています。

──最後に、開催に向けての意気込みをお聞かせください。

元々エンターテイメント性のあるショーとして、ミュージカルや舞台が好きなんですが、そういう表現を見せられたらいいなと思っています。作品でもコンセプトやテーマをしっかり決めて、自分の魅せたい世界観をその都度考えているんですけど、＜RUN＞も今の自分が感じている世界観を凝縮したものにしたい。さっきも話しましたが、走ることってストレスの捌け口として身体を追い込む行為じゃないですか。精神を回復させるために、肉体を疲労させるって矛盾しているけど、一番生を実感する瞬間でもある。人間って命を削りながら生きてるんだなと思うんですよね。そういう生々しさだったり、矛盾した生き方だったり、大袈裟に聞こえるかもしれないですけど生の実感をライブで感じてもらえたら嬉しいです。ただあくまでライブなので、遊園地に来たような感覚でとにかく楽しんでもらえたら。会場に入った瞬間からその世界観を感じられるようにグッズも用意していますし、音作りもオープニングからこだわって準備しています。会場で起こっている出来事ひとつひとつに興味を持ってもらえたら。