Boards Of Canada（ボーズ・オブ・カナダ）による、約13年ぶりの通算5枚目のアルバム『Inferno』が5月29日よりリリースされる。公開の1週間前となる5月22日、ヒューマントラストシネマ渋谷にて行われた先行試聴会に行ってきた。金曜19時。喧騒と人混みをすり抜け向かった先には、音楽愛に溢れる早耳のリスナーたちが集っていた。 今回の試聴会は、東京の他、ベルリン、バルセロナ、ロンドン、グラスゴー、ニューヨーク、ロサンゼルスの計7都市でほぼ同時期に行われたとのことだったが、結成以来、常にミステリアスなアプローチをし続けてきた彼らゆえに、一足早くアルバムを試聴できることへの特別感があった。

燃え続ける炎が描く、退廃的ムードとメランコリック

期待を胸にいざ入館。満席の館内はいつもに増してシーンとした静けさを感じ、座席に座ると独特の緊張感さえ覚えた。 スクリーンに現れたのはBoards Of Canadaのシンボルである六角形の太陽（Hexagon Sun）。高揚感のある鮮烈でエレクトロニックな音色が鳴り響き、霧の中を浮遊していくようなシンセサイザーがゆっくりと走る。息を凝らしつつ、画面に映し出される六角形の太陽をじっと見つめていると、中から白い煙が立ち上がり、その煙は徐々に炎へと変化した。 今作のタイトルである『Inferno』とは英語およびイタリア語で「業火」、「炎に包まれた大混乱」や「生き地獄」を指す単語である。これまでの彼らの作品群は、一貫して熱を帯びているイメージがある。とはいえその温度は「太陽」や「桃源郷」のような、どちらかというとポジティブなニュアンスを感じてきた。一体どんな「業火」が待っているんだろう…。という想像をしながら身を委ねた。 退廃的かつ厳かな音像に、気怠いローファイなビートがスローに刻まれていく。ドーンとボディに響く極上の低音は、まるで激しく燃え盛る炎に心身がずるずると引き摺り込まれていくような感覚だった。蜘蛛の巣だらけの廃れた教会にいるかのようなおどろおどろしさと、どこか懐かしさのあるドリーミーなメロディーに妖気と心地良さを感じながら、気づけば開始3分ほどでしっかりとのめり込んでしまった。 時折流れるメランコリックで情緒的な旋律や、各所に散りばめられている不気味な処理を施された音声のカッティングから、Boards Of Canadaならではの有機的側面も感じられ、美しくアンニュイな空気が内包されている気がした。そうそうこの感じ！と心の中で独り言。 前半で特に印象的だったのは、ぎゅるぎゅるとテープを逆再生したような不穏な音。さらに重なるスローなピアノとシンセサイザーは、ある瞬間を引き伸ばし、歪んだ時空にタイムトラベルしているようだった。と同時に、伸び切ったカセットテープを無理やり機械に取り込み、ぎこちなく再生しているような古ぼけた印象も抱いた。 本作には、おとぎ話のような幻想的展開もあれば、煙たい霧の中に潜むゴーストのようなスリリングな一面もあり、アルバムを通して非常に多様な表情を持っているように感じた。その移り変わりは、サイコロジカルなカルト映画や、心理ホラー映画を観ているのかと思うほど。しかしながら、音の変化は決して唐突なものではなく、オーガニックな雰囲気は常に纏いつつじわじわと変貌していく。シューゲイザーやドリームポップのようなサウンドの中に、あらゆるジャンルが垣間見えたところも、本作の魅力だと思った。その美しい移ろいにかなり心奪われたので、聴く際はぜひ通しで聴いて欲しい。 アルバムの中盤では、切れ味のあるベースがダブステップのようなテンポで始まる曲もあった。昔のビデオテープから採取したであろう不気味な音声の破片が、そのビートと重なると、、あれ？これはもはやラップか？不思議とヒップホップのようなグルーヴが生まれていたのも発見だった。こうした観点からも、彼らの作る音楽を、気安くアンビエントやIDMとして括ることはできないと感じさせられた。 作品が進んでいくにつれ、徐々にオリエンタルな精神世界へと深く誘われた。パーカッシブなリズムの中、賢者のつるぎをシュッとかざすような音が、脳内の情景を強烈に切り開いていき、自分がはるか昔の寺院にいる気がした。抽象的なサウンドスケープにより妄想が捗って仕方ない。 後半、ロックを思わせるギターリフが鮮やかに鳴り響くと、ここが「Inferno」＝燃え盛る炎の只中であることを思い出した。 あらゆる文明が崩壊し、無法地帯と化した世紀末…。絶望感と悲しみの中に、懐かしい友人、家族との楽しかった思い出が走馬灯のように脳内を駆け巡る、そんな混沌とした感情にさせられてしまった。一方で、全編を通して孕んでいる圧倒的な美しさには、既存の価値観が崩壊していく中で生じる「どうせ終わるなら今を楽しもう」という刹那的な快楽も感じた。 燃え滾る炎がゆっくりと鎮まり、アルバムが終盤に差し掛かる段階では、会場の緊張感が少しずつ緩まっていくのを肌で感じた。 さて、現実世界へと戻る心の準備。このタイミングで我に返り、約70分にわたるリスニングセッションを通し、彼らの世界観に完全に没頭していたことを実感した。

普遍的なモチーフを通し、聴き手の想像力を掻き立てるモーション

今回のリスニングセッションでは、大半の時間に炎の映像が流れていたのも印象的だった。延々と流れる炎のモーションに、途中気が狂いそうにもなったが、曲の音調によって炎への捉え方が変わっていくことに気がつき、段々と面白くなっていった。それは時として、柔和で優しく身を暖める暖炉にも、夢を追いかけ情熱に溢れる闘志にも、悪業の報いとして地獄で罪人を焼き苦しめる猛火にも見えた。 火という物質が持つ普遍性は圧倒的だ…。 この映像を通して、彼らが魅せたい音楽は時代や人種を超えて存在する普遍性、つまり美しさと感情を決して失わないものであると強く思わされた。 終盤では、炎をバックに幼少期のホームビデオや擦り切れたフィルムカメラのような映像も流れた。ほんの数十秒だけ。ちょうど、走馬灯みたいなアルバムだなあ。と思っていた時、過去をフラッシュバックするかのようにふと画面に現れたので、ついに彼らに心を見透かされたような気がして結構驚いてしまった。そして、炎以外の映像はこのビデオのみであったことから、作品を通して私が抱いた「タイムトラベル」や「走馬灯」のようなキーワードはあながち間違っていなかったのではないかと思い、彼らの内面を伺い知れたような嬉しさもあった。 彼らはアートワークにも並々ならぬこだわりがあると聞くため、長尺の炎の中に短いホームビデオを織り交ぜるという行為そのものにも、アルバムを通して伝えていきたいメッセージが込められているに違いないと思った。これは果たして走馬灯なのか、はたまた業火で燃えてしまったアルバムなのか、彼らの中での正解はわからないが…。また、ホームビデオ内の登場人物の顔部分には、全て薄く曇りがかっており「誰もが思い浮かべる思い出の一部」という普遍性を表しているかな、とも考察できた。 本作は、全編を通して、これまでの彼らにはなかった闇的な要素が色濃く現れていたように感じた。実際、公式のバイオグラフィーには「今この地球上を支配しようとしている悪役の存在を明確に意識した作品である」とも記載されている。それは、デジタル化が加速し、思考を制限してしまいかねない新世界へのアラートでもあるようにも、また政治的なエゴに対する反骨心とも捉えることができた。メンバーであるサンディソンとイオンは「もし僕たちがすべての曲とその意味を説明したら…多くの人にとって台無しになってしまうだろう。それはまるで濁ったグラスの底を通して何かを見ているようなもので、それがこの音楽の美しさなんだ」と話している。本作で彼らが伝えたいことについて、明確に詳細が分かることはないと思う。ただ、アルバムを通して聴くことで、彼らが宿した魂がきっと見えてくるはず。会場にいた私も、気がつけば1曲ずつ追うことを忘れていた。 Boards Of Canadaの楽曲は、聴く人の妄想力、想像力が大切なように思う。彼らは作品の意図や背景について多く語ることはないが、アートワーク、曲名、セットリスト、その全てに必ず深い意味が込められている。 捉え所のない抽象的なトラックを堪能し、秘められた信念について思いを馳せてみて欲しい。そして、彼らの描く鬱蒼とした終末観を体感するためにも、なるべく暗がりで、できれば焚き火を見ながら聴くことをおすすめしたい！

クーラーが恋しくなった季節、水平線を聴きたくなる。地元である京都nanoから出発した＜旅するロックンロールツアー2026＞で仙台〜名古屋〜福岡と様々な都市を廻った4人、その魂の現在地を指し示す東京での初ワンマンライブが5月8日（金）に渋谷・WWWで開催された。 去年はアブナイ夏を合言葉にシングル「たまらないね！」、「エンドレスサマー」のリリースに＜SUMMER SONIC＞や＜SWEET LOVE SHOWER＞をはじめとした音楽フェスティバルへの出演など、着実にバンドとしての歩みを進めていた水平線。最新EPとなる『希望の匂い』のリリースツアーも兼ねた＜旅するロックンロールツアー2026＞を見届けようと、夕暮れに染まったスペイン坂を上り、WWWのひんやりとしたフロアへと到着。今日ここには、水平線のライブを観に来た者しかいない。 19時を過ぎると4人が登場、オープニングの「颱」で安東瑞登（Vo./Gt.）が元気よく挨拶すると会場も応える。水平線の爽やかさと土臭さが絶妙に混じり合ったナンバーであり、雄大な光景へと開けていくロックチューン。まさに水平線らしさを凝縮した一曲だ。続いて『希望の匂い』から「フライトレスマン」が始まる。《確かなことなんてなんもないから／勘違いくらいが俺にゃちょうどいいのさ》と歌う田嶋太一（Vo./Gt.）、バンドの未来にも個人の人生にも重ねられる期待に満ちた言葉がバンドサウンドを通して増幅されていく。 「みんなで思い出を作りたい」というMCでの安東の言葉を受け、清涼剤のような「エンドレスサマー」が始まる。ラウドな中にも人懐っこさの残る水平線のエッセンスを詰め込んだ歌であり、田嶋と安東がそれぞれの見せ場でグッと前方に出てギターを弾く姿にはパフォーマンスの成熟が感じられる。 地鳴らしのようなタム回しからコーラスで四つ打ちに変貌する川島無限（Dr.）、そしてそれにピッタリと並走する水野龍之介（Ba.）のプレイが光る「SUPERSTAR’82」から軽快な「selfish」に移る頃には、バンドの朗らかなムードが既にフロアへ充満していた。 中盤に差し掛かると田嶋がアコースティック・ギターに持ち替える「レディーバード」に バンドのレパートリーの中でもとりわけエンタメ性の高い「Downtown」と、幅のあるステージングで魅せる。横揺れでリズムを取っていた水野が飛び跳ねたり田嶋と共にダック・ウォークをしたり、舞台を大きく使って会場のボルテージを上げると、MCでは「僕より踊れてる人います？」とさらに煽ってみせた。ふたりのギターボーカルのキャラクターの違いといい、ストレートなソングライティングの中に垣間見える個性こそが水平線の真骨頂だ。 『希望の匂い』からパッショネイトな「鋼の太陽」に尻上がりに音が厚みを増していく「Throwback」でテンションを引き上げ、《Let’s Go ロックンロール！》という真っ直ぐなリリックが飛び出す「ロールオーヴァー」に至るころにはWWWは最高潮の盛り上がりに。右手を挙げて喜びを示す者、マイペースに舞台を眺める者。自由な楽しみ方でその音を身体の中で解釈している様が見て取れる。 本編ラストは田嶋にとって重要な意味を持つという「忘年」。決してライトな語り口ではないものの、バラードではなくふくよかなバンドのアンサンブルに乗せて切なる心情を送り届けることに、水平線という物語を生きている4人の気高さが滲んでいた。 さらに白眉だったのはアンコール、新曲の「ロケンロー」だ。田嶋と安東が一つの曲で歌い合うという初の試みを、バンド史上においても稀なハイテンションで繰り出すと観客も歓声を上げる。単に時間を積み重ねるのではなく、彼らは旅に出るたびに成長をしているのだ。 その後に披露した「トーチソング」は旅を見送り、行く末に想いを馳せるナンバー。バンドと観客、その構図を飛び越えるだけの太い物語を紡ぎながら水平線は進む。大阪での単独公演を経て終幕した＜旅するロックンロールツアー2026＞、今年の夏もアツくなりそうだ。

MoMoの1stアルバム『BLUE DREAM』には、晴れ渡った大空のような解放感と、コンクリートジャングルで生きる現実の手触りが同時に息づく。 バークリーで音楽を学び、海外の空気と日本のシーンを往復しながら、自分だけの表現を磨いてきたMoMo。今の彼女がたどり着いた表現の現在地が、このアルバムにははっきりと刻まれている。LAで吸収したトップレベルの制作環境、コラボレーションから得た発見、そしてリスナーにまっすぐ届けるための表現や手応えまで。R&Bという深いルーツを持つ音楽を、自分の言葉でどう鳴らすのか。その思考と感覚をたどっていく。 1stアルバムという節目に立ちながらも、その眼差しは過去の総括ではなく、この先へと続く新たなスタートをしっかり見据えていた。

INTERVIEW MoMo

LAで触れた”一音”への執念と、制作の流儀

──1stアルバムがまもなくリリースということで、まず最初にここ最近の心境だったり、今のムードを教えていただけますか

やっぱりアルバムが完成したので、クリアというかすっきりしたムードです。ただ今回、LAのスタジオで一緒に制作したプロデューサーだったり、ソングライターの人たちの、一音にかける執念や、制作のスピード感を間近で見てて、”この世界のトップクラスの当たり前”みたいなのをすごい吸収してきて、次どういう作品を作ろうかみたいなところも考えてたりします。

──そのLAで感じた”一音に対する執念”って、具体的にはどんなところに表れていたんですか？

メロディーにある若干の半音のずれとかだったりとかです。向こうのプロデューサーさんは「これの方がフローがいいよね」とか、歌詞っていうよりも、このリズムがどういうふうにフローしていくかっていうところにすごい重きを置いていた気がします。

──そのために歌詞自体を変えることもありますか？

歌詞を変えることもあります。言葉尻がちょっと余ってるとハマらないんですよね。特に速い曲とかだと。「この歌詞、いいけど変えたくない」っていうときもあるんですけど、結局はその流れを一番重要視してるかなっていうところは感じました。あとは今回、コライトで一緒に入ってくれる海外の人がすごく導いてくれました。英語が第二外国語の自分にとっては、そのネイティブが入ってくれることで、自分の絵が実際に曲に表れる感じがあって。そこはすごく大きかったです。

──そうすると、いろんな共同制作があったことで、ご自身の中でもかなりスキルが上がった感覚がありますか？

ありますね。あっちの人たちは曲を書く速度が本当に早くて。一曲を2時間で仕上げたりとか。その中で”いかにフローを崩さずにセッションするか”っていうのは、すごくプレッシャーも感じましたけど、修行の部分でもありましたね。

──その流れで、今回の1stアルバムの制作中で、MoMoさん自身の中で何が変わったのかを聞かせてください。以前のインタビューで「今はジャンルやカテゴリーを強く意識するというより自由な気持ちで作っている」とおっしゃってましたが、そうした自由さって、今回の1stアルバムではどう表れていますか？

一言で言うと、「自分はこうあるべきだ」みたいなリミッターを外したことかなって思ってます。バークリー音楽大学で習ったこととか、テクニカルなこととかは一回外して「今の自分が感じて心地いいものを作ろう」っていうことを意識してました。

──リミッターを外したというと？

今までは「これってお客さんに受けるかな、受けないかな」みたいな基準で考えてたんですけど、LAでは”自分の自由の中でどういうふうにいい作品が作れるか”っていうところに、みんながすごい向き合ってて。そこにかなり影響されましたね。

──そんな影響の中で改めて「音楽って面白い」と思った瞬間はありましたか？

ありましたね。一緒にスタジオに入るミュージシャンも、バイブスが合う人が多くて、音楽を通じてコネクションがすごく深くなるっていうのは面白いなって思いました。セッション後も未だに連絡取ってますし、一回しか会ったことないのに、また次につながっていくっていうか。良いケミストリーを感じました。

固定観念を外して、自分の言葉で歌うまで

──今回の制作期間は、単にアルバムを作ったというだけじゃなく、音楽との向き合い方自体が少し変わった時間でもあったのかなと思います。過去作のときと比べて、ご自身の中で変わったところはありますか？

「固定観念に囚われないで、そのときの心情で書く」みたいなほうに、シフトしていったかもしれないです。以前はそう考えていても、やっぱり気にしてたところがあったんですけど、今回は結構弾けたというか。固定観念がなくなっていった感覚ですね。

──その固定観念がなくなっていく感じ”という意味では、誰かと作ることもかなり大きかったのかなと感じました。今作では笠原瑠斗さんだったり、reinaさんやZINさんとコラボしてますよね。誰かと作りあげることは、1人で表現することとはどんな意識の違いがありましたか？

「自分が元々書いてるストーリーラインか、あんまり外れないように書いてくださいね」とは伝えてて。ただあまり縛りを設けたくはなかったので、自由度は保ちながらも、決まっているストーリーラインをどうキャッチボールして曲にしていくかは、すごく大切にしていました。相手の才能を潰さないように、みたいな。そこは結構難しいところでもあったけど、楽しかったです。

──1人で書いたときより大きいものが返ってきた感覚もありましたか？

そうですね。自分の中にはない感覚や、自分の引き出しにはない言葉に触れられたのは大きかったですね。「その表現、面白いな」と思うことも多くて、新しい発見という意味でも学ぶところがすごくありました。

──その話の延長で伺いたいのですが、以前のインタビューで「日本にいる以上、どこかでJ-POPを意識してしまっていた」というお話もありました。R&BやNeo-Soulのような欧米で生まれたジャンルに日本語でアプローチすることに、難しさを感じることはありましたか？

日本語は語尾が多かったり、言葉がどうしても長くなっちゃうので、それをメロディにはめ込むのが難しかったんです。でも今回は英語と日本語をミックスして作ってるので、そこはあんまり考えすぎず、自分のやりたいように表現していったっていうのはありますね。他のコラボレーターの方が一緒に入ることで、自然に自分の言葉で日本語を書いたみたいな感じですね。

──固定観念にとらわれなくなったことで、変化していった感覚ですね。

ありのままの自分でいていいんだと思いましたし、そのとき、その場所で「私はこの言葉を言いたい」と日本語で自然に思えたんです。だから、そこを無理に”絶対に英語じゃなきゃいけない”と縛る必要はないなとも感じました。やっぱり自分は日本人ですし、リスナーの方にも自分の音楽が持つ意味をちゃんと受け取ってほしいと思って、そういう要素も取り入れました。

──その変化って、手応えとしても返ってきていますか？

感じますね。コラボしてて、自分の歌詞を見てくれて「あ、これわかる」とか言ってくれたときに、人に共感してもらえる歌詞をちゃんと書けてるなって感じました。

──今回『BLUE DREAM』に寄せていた「言葉の壁を越えて音楽そのもので聴いてほしい」というコメントもすごく印象的でした。MoMoさんにとって、その”音楽そのもの”ってどういう感覚なんでしょう。

音楽そのものは、言葉とか理屈で表せないものですね。自分のエネルギーだったり、バイブスそのものだなと思います。考えるものっていうよりも「そのときの自分がどういう心情でいるか」っていうふうに感じてます。

自分の物語を音楽に託すということ

──日本にも素晴らしいR&BやNeo-Soulのアーティストはたくさんいて、ライブシーンも豊かで、日々「いいな」と思う音楽に出会える。でもその一方で、ヒップホップやJ-POPのようにメインストリームのど真ん中には、まだ出てきづらいジャンルでもあると感じています。そんな中で、MoMoさんは今、日本のシーンでR&BやNeo-Soulを表現することに、どんな意味を感じていますか？

確かにR&Bとかって流行りづらいというか、やっぱりポップスが一番になって、その後にロックとかもありますよね。でもその流行りに左右されない、エバーグリーンな価値があるなっていうふうに自分は感じてますね。R&Bはソウルをはじめとする深いルーツの上に成り立っていて、長い歴史の中で育まれてきた音楽でもあると思っています。心の叫びのようなものを宿した音楽でもあるからこそ、流行に左右されないことも大事にしています。

──そこから作品の中身の話に入っていきたいんですが、今回のアルバムって、ここまで伺ってきた"自由になれたこと"とか、"固定観念がなくなったこと"とか、そういうものが具体的に音楽に表れている印象でした。その象徴のひとつが、やっぱりタイトル曲でもある「BLUE DREAM」なのかなと思っていて。タイトルを決めた理由と、この曲自体のエピソードを聞かせてもらえますか？

今回この 「BLUE DREAM」って名前にしようと思ったのが、LAに行ったときの突き抜けるような大きい海と空と、東京に帰ってきたときのコンクリートジャングルの対比です。東京出身ってこともあって、この色の差をすごく感じて、ブルーっていう言葉は絶対入れたいなって思いました。ドリームっていうのも、LAで感じた非現実感からです。普段Ye（カニエ・ウェスト）とやってるような人たちがいたり、ご飯を食べてたらアーノルド・シュワルツネッガーさんが来たりとか。そういうのをすごい感じて、このタイトルにしました。

──曲自体にも、かなり個人的な感情が入っていますよね。

これは当時付き合っていた彼と別れて、そのときに何を書こうかみたいな始まりでした。「今、何を私は思ってる？ 確かに毎日眠れないし」みたいな、そういう別れた後のジャーナルみたいなものの中から、言葉をピックアップしたっていうのはすごく大きかったです。でもこの曲って1人で歌ってもただの日記みたいになっちゃうから「どうせならもう1人、女性シンガー入れてやりたい」ってずっと相談してたんです。それで話し合ってreinaさんに決めました。reinaさん、すごいソフトに歌うじゃないですか。私と本当に対照的で、逆に一緒に歌ったら面白いんじゃないかって。

──reinaさんが参加することで、バランスが生まれた感覚があったんですね。

そうですね。年齢も離れているしたまたまなんですけど、出会いに運命を感じた部分もありました。

──なるほど。笠原さんとの曲も気になります。

笠原さんとの曲はあらかじめ、「こういうストーリーに基づいて男女が会話してるような感じで書いて」っていうのがあって、彼が持ってきた歌詞をベースに、一緒にスタジオに入って微調整しました。ZINくんとの曲もそうですけど、男女が喋ってる感じが好きなんですよね。笠原さんの声もすごいディープで、ちょっとかすれてて。

──今回のアルバムって、かなりダイレクトな表現も多いですよね。自分の中で思っていたことを、以前よりも自然に出せたというお話もありましたけど、その感覚に近い曲でもあるんでしょうか？

そうですね。たまに、その場の空気で言葉を入れてしまったりとかもあるので、”このラインに深い意味はない”っていうときもあるんですけど、普段からメモしている言葉のストックから拾うことも多いです。「届きそうで届かない、消えそうで消えない」とかもノートから拾いましたね。

──「MY FATE」ってタイトルも象徴的ですよね。

実は最初は曲名が「SHOW YOU」だったんです。ただ笠原さんが北海道からレコーディングに来る日に大雪が降ってしまって。ほとんど欠航の中で彼の便は奇跡的に飛んで、これはもう運命だなって、それで 「MY FATE」にしました（笑）。

──（笑）。かなりリアルな体験が、そのまま楽曲に反映されていくんですね。

だから作り終わった後は記憶喪失みたいな。「どうやって書いたんだろう」みたいな感じでした。

──相当エネルギーが必要な作業だったんだろうなと感じます。

うん、そうですね。1回ちょっとガーッとみたいなのはありましたし、今はかなり完全燃焼に近いです。

──少しキャリア全体の話にも戻りたいんですが、バークリーで学んで、海外の制作環境にも触れながら、日本で活動してきた中で、今振り返って「遠回りじゃなかったな」と思える経験ってありますか？

アメリカに行って、音楽大学に行って、いろんな音楽の基礎を学んだことですね。最初これって自分にいるのかなとか思ってたんですけど、そこで学んだことって、やっぱこっちに帰ってきて絶対できなかったことだし、レコーディングのときとかも、自分の声域が日本に帰ってきて上がったなって感じたこともあったので。あとは海外のプロデューサーが来ても、コミュニケーションが円滑にできるし、あの4年間は無駄じゃなかったなって感じました。

──そのうえで、1stアルバムのリリースというのは大きな節目でもあると思います。今その節目に立ってみて、昔の自分が思い描いていたキャリアと比べて、違う場所に来た感覚はありますか。それとも、ここに向かって突き進んできた感覚でしょうか？

「プロとしてこのキャリアを築きたい」と思ってからは、突き進んできた感覚ではありますね。ワーナーミュージックさんだったり、マイカホリックスさんだったりと、海外的な考え方ができる。そういう意味でも今、自分がいる環境はすごく大きいです。何より、自分のやりたいことができてるので。その上で英語っていうのを自分の強みだとも思ってます。日本語だけだと、やっぱり海外に出づらいっていうのもあるけど、”自分のやりたい音楽を、今もちゃんと続けてできている”ってところが大きいんじゃないかなって思います。

──最後に1stアルバムが出た先の話を聞かせてください。ここがゴールではなくて、むしろスタートだとも思うんですが、これからMoMoさんが日本で鳴らしていきたい音楽って、どんなものですか？

確かにアルバムがゴールじゃないので、リリースを経て、日本人の人により多くの人に聴いてもらえたらいいなって思います。英語だから聴かないって思っちゃう人もいると思うんですけど、そこをどういう風に乗り越えて、より多くの日本人リスナーにも聴いてもらえるかなっていうところもすごく重視したいなと思ってます。合わせてもちろん海外もそうです。海外のリスナーにも聴いてもらいたいし、その両方をやっていきたいです。

──最後にもうひとつだけ。以前、「自分が音楽で救われてきたから、自分の音楽で誰かを救いたい」というお話をされていましたよね。1stアルバムが出る今も、その信じているものは変わっていないですか？

変わってないですね。自分の積み重ねてきた先にだけ訪れる奇跡みたいなものってあると思うんです。自分の歌を聴いてもらって「勇気が出た」とか、「辛いこと乗り越えられた」とか、友達やリスナーから言われるのが一番嬉しいです。音楽をやっててよかったって思う一番の理由です。