1991年という時代において、京都のクラブシーンからスタートしたMONDO GROSSOが早い段階でUKのアシッドジャズのムーブメントと共振したことは稀有なことだった。70年代末から80年代初頭に興隆したブリット・ファンクとあわせ、近年ではアルファ・ミスト（Alfa Mist）らUK新世代ジャズシーンともパラレルに共振するこのムーブメント。その語り手として再び名前を見ることの多いジャイルス・ピーターソン（Gilles Peterson）がハブとなったことで、ヨーロッパでのMONDO GROSSOのツアーが現実のものとなった側面は大きい。

アシッドジャズという当時の世界的なムーブメントに対し、京都というローカル発のバンドが共振したという点は、海外の現行のシーンとリンクする日本人アーティストの先行事例として見ることも可能だ。例えば名古屋のローカルシーンから世界に飛び出し、今やインディーシーンのみならず現行のダンス／エレクトロニックなポップシーンで評価されるCHAI。加えて、自身がシンガーソングライターでもあり、プロデューサーの小袋成彬。大沢がプレイヤー（ベーシスト）としてキャリアを経て、トラックメイカー、プロデューサーとして活動している点からも重なって見える。

さらにユニークなのは、MONDO GROSSOが2017年にリリースした6枚目のアルバム『何度でも新しく生まれる』の制作時期から大沢は再びベースやギターを演奏し、バンドでのライブ活動も行っている事実は、20〜30代のコンテンポラリーなアーティストと共通する。改めて今回のベストアルバムでの細かなリアレンジやリエディットはMONDO GROSSOが現在進行形である証左だろう。

ベストアルバムのDisc2の12曲中９曲が『何度でも新しく生まれる』以降の楽曲であることも興味深い。だが、J-POPシーンに飛び込み、内部から地殻変動を起こした、2002年リリースの“Everything Needs Love feat. BoA”に象徴される楽曲はMONDO GROSSOのグルーヴ史の中でも特にキャッチーだ。ソニーミュージック時代のヒットアルバム『NEXT WAVE』には今回のベスト盤にも収録されている“SHININ’ feat. Kj”や“光 feat. UA”などが収録されている。クラブミュージックとしては異例の15万枚のセールスを記録した同作のタームで、疾走するBPMに乗る英語詞、日本語詞双方のという、新たなヒットナンバーのスタイルを確立したと言えるだろう。

その後、14年の空白期間の後に大きくサウンドスケープが変貌したのが、2017年のアルバム『何度でも新しく生まれる』だった。“ラビリンス[Vocal:満島ひかり]”は4つ打ちでありつつ、淡い音色のループ、“惑星タントラ[Vocal:齋藤飛鳥(乃木坂46)]”の圧のないビート、エアリーなシンセ、また、同志であるbirdが歌う“TIME”のベースの生音の活きるアレンジ。さらに現時点での最新作『Attune ／Detune』収録の“偽りのシンパシー[Vocal:アイナ・ジ・エンド(BiSH)]”のセンシュアルな空気感を上品に聴かせる静謐なアンビエンス。無機的なものと有機的なものの融合という単純なものではなく、架空の空間に誘うような深淵なサウンドスケープで、2010年代後期に新たなディケイドに入ったことを実感させた。再び、大沢自身がレコーディングでベースやギターをプレイしていることも興味深いが、その効果はあくまでもトラックを構成するサウンドとしての意味合いが強い。近作でのMONDO GROSSOのシグネーチャーサウンドの傾向はビートの組み方、ボーカル処理など、アレンジもミックスも細部までエレガントで知的である。

細かなリニューアルが施されたベスト盤の中でも、聴きどころとなる楽曲を挙げてみよう。2002年当時、15歳だったBoAをフィーチャリングしたハウスの名曲“Everything Needs Love feat. BoA”が19年の歳月を経て、トラックが一新されたバージョンと日本語詞のバージョン2曲を収録。突き抜けるサビの爽快さは不変だが、オリジナルで印象に残るピアノハウスとストリングスの成分以上に、新しいバージョンではベースラインの太さが特徴的だ。シンセベースと生ベースを重ねているようにも感じられるが、ベースミュージックを通過してきたアレンジには違いない。日本語はオリジナルの訳詞に近い印象だが、現在の状況で聴くと自然と前向きなマインドが呼び起こされる内容になっている。“SHININ’ feat.Kj”はボーカルリフとアコギが作るループ感が当時全盛期だったダンスアクト、ケミカル・ブラザーズ（The Chemical Brothers）やアンダーワールド（Underworld）との符丁を見せたが、新しいリミックスには、大沢がTwitterで発見し、フックアップしたTHE FLYING BEDがギターで参加。ビートもハウスからアブストラクトなベースミュージックの様相へと変化したアトモスフェリックな仕上がりに。

さらに近作でもある2018年にリリースした7枚目のアルバム『Attune／Detune』にACOが歌う日本語詞と、2019年頃から大沢とRHYME SOでの活動をスタートさせた、オーストラリア出身の詩人／ソングライター／モデル／DJのRHYMEが歌う英語詞の2バージョンが収録されていた“KEMURI”は、オリジナルトラックはセンシュアルなエレクトロニカが際立つ楽曲だ。一方、ベスト盤では、RHYMEバージョンをピアノと最低限のビート、SEで構成。大沢のツイートによるとライブセットからの初蔵出しの楽曲となっている。そして、大きなトピックは今年1月に急逝したBig-Oことオオスミタケシが10年ぶりにラップを披露した“One Temperature”の収録だろう。オオスミ最後のスタジオ録音となったトラックのリリースに際し、細部のミックスを手直ししたという大沢。夜が明けていく人のいない渋谷の街に立ち、ゆっくり動き出す魂というラインの美しさはもちろん、リリックの中にごく自然に《何度でも新しく生まれる》という、大沢への共感ととれる。聴くだけでこみ上げるものがあり、言葉を操るアーティストとはクールに接している印象があるが、細部まで妥協のない仕上げにはオオスミへの敬意を感じさせる。MONDO GROSSOらしさの究極はこのトラックかも知れない。

このベストアルバムはMONDO GROSSOが残した遺産ではなく、今後への布石になるだろう。RHYME SOでのライブが反映されたトラックが収録されていること然り、大いなるビートの変更然り、31年目以降のMONDO GROSSOのサウンドスケープは既に描かれ始めている。

May J.の新たなプロジェクトのプロデューサーが篠田ミル（yahyel）だとアナウンスされた際、おそらくほとんどのリスナーに「？」が浮かんだだろう。そして同時に好奇心もそそられたのではないか。 そもそも思い起こされるのは、90年代ジャパニーズR&Bブームの終盤にデビューしたMay J.が、J-POPカルチャーの中でこのままベテランシンガーへの道を歩むのかという謎。一方で、近年のyahyelの楽曲において、硬質かつパッシブなエレクトロニックサウンドを構築している篠田が日本のチャートミュージックの世界になぜ足を踏み入れるのかという謎。 その謎解きはすでに5月、6月と連続リリースした楽曲“Rebellious”、“Can’t Breath”を聴くことである程度、明らかになったと思う。May J.が個人的には志向していたが、表出してこなかったダークなトーンと、篠田のトーンとの高い親和性を実感できるからだ。現行のオルタナティヴなR&Bトラックと並列しても違和感はない。 May J.はこのプロジェクトに「DarkPop」という象徴的な名前を与えた。彼女をJ-POPシンガーと認識していればいるほど、今すでに起こっている革新に驚きを禁じ得ないだろう。

──この新プロジェクト「DarkPop」に至った背景をお伺いしていいですか？ May J.　「DarkPop」は、あえて自分で名前をつけるとしたらというところで、つけさせてもらってるんですけど、始まりは、去年の３月ぐらいから。こういう曲を作りたいよねっていう話を（篠田）ミルくんと話してました。私自身、今までとは違うもうちょっとコアな、攻めた感じの曲を作りたいって思いがずっとあって。ミルくんはポップスの歌手の人と一緒にやりたいっていう願望があったので、お互い必要としてるものが合ってたんです。そんな時期に、そろそろ緊急事態宣言も始まるね、みたいな話もして。 篠田ミル（以下、篠田）　そうですね。その時期でしたね。 May J.　しばらく外も行けないし、ずっと家にいることになるから、この機会を使ってゆっくり音楽を作っていこう、みたいな。中々、今までの活動の中ではここまで時間をかけて作ることができなかったんですね。だから、ほんとに自粛期間だからこそできた曲たちなんじゃないかなと思います。 やっぱり自分一人で家にいて、全く外の世界をシャットダウンして書く曲になったので、自然と自分自身のもっと深い部分まで入り込んで、今まで言えなかったことをこの際に吐き出したくなったというか（笑）。 そんな状況の中で、ミルくんのトラックにそういったパワーをもらったんです。だから、ちょっとダークというか……今まであまり語れなかった部分、裏の部分っていうのを今回は軸に考えていきました。 ──篠田さんはいわゆるポップアーティストというか日本のチャートミュージックの世界で活躍するMay J.さんをどう見ていたんですか？ 篠田　結構、日本のチャートミュージックに対して、思うところはずっとあって。いい悪いという話ではなくて、90年代に確立された方程式みたいなものがまだまだ主流を占めている──タイアップとって、J-POP的なコード進行と展開の作り方とサウンドプロダクションがあって。もちろん今、一線で活躍されてる方もまだまだそれを踏襲されていて、そうじゃないものをもう少し自分がやれる隙間がオーバーグラウンドにもないかなっていうことをずっと考えていて。 例えばザ・ウィークエンド（The Weekend）って今の時代のマイケル・ジャクソン レベルのスターだけど、OPN（ワン・オートリックス・ポイント・ネヴァー）がプロデューサーとして入っていて。アメリカの（NFLの）ハーフタイムショーもOPNに任せちゃうとか、チャーリーXCX（CHARLI XCX）がA.G.クック（A.G. Cook）とずっとやってるみたいな、そういうコラボレーションのあり方──アンダーグラウンドでエッジの効いたものを突き詰めてきた人がそれを曲げるわけじゃなく、ちゃんとポップなものを作って、昇華している。そういう試みに興味があって。それをやってみたいなとずっと思っていたので、今回のお話は渡りに船でしたね。

──The Weekendしかりビリー・アイリッシュ（Billie Eilish）がこれほど売れたという現実もありますよね。実際の作業はどんなふうに始まったんですか？ May J.　全部LINEでした（笑）。あと、Spotifyで私が今好きな曲とか、こういうの作りたいっていうリファレンスをプレイリストにして共有してました。 篠田　それを聴かせていただいて。で、何となく自分の書きためていたデモみたいなものとか、１から書いたものをとりあえず何曲かMayさんにポンと投げて。 May J.　で、最初に「お？」って目についたのが“Can’t Breath”の楽曲でした。 ──メッセージとしてすごくオンタイムな感じで。 May J.　そうですね。私自身の一番闇の部分でもあって。７年前、『アナと雪の女王』の時に自分の夢を叶えて嬉しいはずなのに、そうじゃない人たちの書き込みを見て、思った以上にすごいショックを受けてたんですね。今でも実はその傷が全然癒えてない部分があって。 歌うときになんかつっかえてしまったりとか、急に息ができなくなっちゃったりとか、そういうトラウマみたいなものがずっと残るんですよね。でも、今まであんまり自分の口からは言わないようにしてたんです（笑）。火に油を注いでしまうし、本当に心配されちゃうし。ちょっと言いづらかったんですけど、今回、自分の言葉で歌いたいなという風に思いました。

篠田　“Can’t Breath”もそうですけど、このプロジェクトを通じて僕が感じているのはMayさんはパフォーマーとして一流でずっとやってこられた方なんだなと。それを感じつつ、作家として自分のことを掘り下げて出していくことを、今、まさにデビューしたというか始めている。僕はそこに携わっているんだなと思って、「もっと潜れ！」っていうのはずっと感じてますね。 ──コライトしているとそうですよね。「もっと言える」と思えたり？ May J.　ああ。それはあります。ミルくん自身、SNSを見てると思い切った発信が多いので。そんなミルくんの存在も「私も出していいのかな」って思わせてくれたきっかけではあります。 篠田　でも、ここ１〜２年で増えたなという感じがありますね。周りで声を上げる、表現者の人も普通の人も、それ自体、励まされるというかいいムードになってきてるなって感じますね。 ──確かに。実際の制作はどんな風に？ May J.　最初はトラックが届くんですが、私はレコーディングのキットが全くなかったので、初めてGarage Bandのアプリ使って、「は〜」「ヘ〜」とか（笑）　曲の雰囲気をラララで全部作って。送ったら、「いいね、めっちゃいいよ！」みたいにいつもアゲてくれるんで。「よっしゃー、いいの作るぞ！」って感じで歌詞を作っていって。 篠田　Mayさんはいろんな歌を歌ってこられて歌も上手なんで、多分、Mayさんから出てくるメロディの引き出しの数って、すごくあるだろうなと。なので、そこはもう預けちゃうというか。むしろトラックをぶん投げて（笑）、作っていきましたね。 ──すごく同時進行的に曲ができていってるのかな？　と感じるぐらい自然ですね。 May J.　好きなものが似てるのか？　って勝手に思ってるんですけど（笑）。 篠田　意外と暗いものがお好きっていう。 May J.　そう。暗い曲が好きっていう共通点があって。 篠田　全然、自分の書く曲は暗いと思ってないですけど、「暗い」って言われるんですよね（笑）。全然、暗い気持ちで書いてないんだけどなと思って。 ──暗いというよりかっこいい。yahyelの曲はパッシブですし。今、May J.さんはSpotifyに割と元気な感じのプレイリストをアップされてますが、あういう感じよりもっと暗いんですか？ May J.　普段聴く曲って本当は暗い方が好きなんですよ。でも、やっぱり自分が求められてる音楽というか、ね？　いろいろあるじゃないですか（笑）。もちろんアップテンポの曲も好きなんですけど、でも、自分で聴くってなったら暗い方が聴き心地がよくて。 ──例えばいつでも聴ける曲というと？ May J.　えーと、ビリー・アイリッシュの“Ocean Eyes”、永遠に聴ける（笑）。

──今回の試みは、今までやってなかったけど、すごく本質的なことだったのかもしれないですね。 篠田　お互い自己開発してる感じがあって（笑）。Mayさんは自分の自己を表現するってこと、自分の殻をぶち壊していくプロセスですし、僕は逆に作家としてやっぱりもう少し歌に寄り添ったものを作れるようになるための鍛錬というか、お互い開発してる部分はあるなと思います。 ──なるほど。ちなみに第一弾の“Rebellious”は今だからわかる感情、お父さんとの関係が主題ですね。 May J.　そうですね。歌にするときに、やっぱり今、自分が気にしてることとか、今にも泣きそうになることを歌詞にした方が歌声がすごい生きるんじゃないかなと思って。その時に一番自分が気にしてたことがお父さんのことだったので、それを歌にしました。いなくなってしまえば楽になるよな、いっそ、と思った時があったんですよね。その時のことをずっと覚えていて。 でも、今はやっぱり体も弱ってきて、いつまで一緒にいられるかわかんないって状態になった時に残された時間をどういう風に楽しく過ごそうかなとか、すごい考えるんですね。それで昔のことを思い出すと、ほんとに申し訳ないことをしたなって。そんな風に思ってしまった自分が嫌になったんですよ。後悔しても何も変わんないんですけど、その分を今度は親孝行というか、ちゃんと父親の夢をかなえてあげたりとか、そういう風にこれから一緒に楽しく過ごしていきたいっていう、両方の気持ちを歌ってますね。 ──この曲はギターが非常に良いですね。これ生音ですか？ 篠田　サンプリングです。Splice（サブスクリプション型のサンプル販売サービス）で「これだ！」ってサンプルがあって、そこから曲を組み立てていった感じで。Mayさんの挙げてくれてた最近好きな曲の中に割とギターを使ったトラップR&Bみたいな曲がちょこちょこあって。 僕もここ数年、グランジとかポストパンクにもう一回火がついてて、青春の音楽なんですけど（笑）。ただ、ギターとトラップのビートだけだと自分ぽくはないと思って、そこでちょっとシンセサイザーの上物を入れて組んでいった感じですね。

──今回これは表現しておきたかったことなんだなという気持ちが伝わりました。 篠田　Mayさんの殻破りのステージ的には、一番プライベートなとこにいったなと思うんで、そこまで潜っていけてよかったです。 ──そういう理解を含めた上での音像なのかなと。 篠田　確かにトラックを一回投げて、Mayさんに歌入れてもらって、また僕がやって、何ならレコーディング終わって後にまたやり直す、みたいな（笑）。 ──篠田さん、ミックスはしてないんですか？ 篠田　はい。ミックスはAtsu Otakiくん(EVOEL STUDIO)にお願いしていて、彼はヒップホップのプロダクションをやっている方なんです。ACE COOLとかjinmenusagiさんをやってるエンジニア兼トラックメーカーの方で。 個人的に仲が良くて、僕が作るとR&Bやヒップホップ的なサウンドメイクにならないので、そこの補強をお願いしました。僕はどうしても電子音楽かインディーロックの人なので。そこで絶対、彼だなと思ったんです。 ──それはやはり空気感なんですかね。 篠田　そうですね。多分、ヒップホップはヒップホップでやってる人が突き詰めてるエンジニアリングのテクニックとかがあって、低音に対する考え方、キックとかベースに対するミックスの考え方が、全然違います。そこはやっぱり現行のヒップホップとかR&Bの低音、電子音楽とはまた違う低音の作り方だと思っていて、そこがわかってる方がいいなと。 ──May J.さんはオリジナルのR&Bでデビューされたので、やはりそこにこだわりがあったんだなと、今回の「DarkPop」で思ったんです。 May J.　ああ、ありますね（笑）。あの時はまだ18歳だったので、自分が伝えたいこと？　っていうのはそれまでの人生の中ではなかなか難しかったんですけど。今回、その音楽性の中で、今伝えたいこととしてアップデートできたと思います。だから、ある意味、原点回帰してるんですけど、今じゃなきゃできないことなのかなっていう風には感じました。 ──そういう意味でも附に落ちて。 篠田 良かったです。なんかポカンとされそうで（笑）。どっちに対してもポカンてされそうって。

──そして第3弾の“DRAMA QUEEN”がリリースされますが、この曲は“Can’t Breath”とテーマ的につながってますか？ May J.　つながってます。例えていうなら、「それ違うよ」とか、「何だよ」って思った時に反論をツイッターで書きたくなるよね？（笑）　でも、これツイートしたらダメだな、ってお蔵入りしたものがいっぱいあって、それを歌にしました。自分も攻撃したら、もう一緒になっちゃうじゃないですか？　そうはなりたくなかったので。 一番言いたかったのは人のことをヤーヤー言う人って、まず自分の人生はどうなってるの？　って聞きたくて。充実してたらわざわざ人の悪口書いたりとか、話したりとかしないじゃないですか。その前に自分の人生をどうにかして、っていう気持ちを一番伝えたかった。 篠田　社会的なそういう誰かをサンドバッグにしなきゃいけない状態、その人たちを追い込んでる社会の構造というか、コミュニティのなさとか、包容力のなさを解決しないといけないですよね。

──第4弾で大きなテーマが来そうですね。タイトルが“Love & Hate”だし。 May J.　最後はBlack Lives Matterのことを歌いましたね。ちょうど書いた時期にずっとニュースになっていて。私自身、当事者じゃなくても「なんだ？」って思うことだったんですね。「もうこれ、やめない？」っていう。その自分の心の声を曲にしたんですけど。なんかBLMの素晴らしいところって、当事者じゃない周りの人も一緒に声をあげて助け合うところかなと思いました。 日本にいる私たちもこれからはそういう風にチェンジしていけたらいいことだなと思ったんですよね。やっぱり周りの人と合わせる美徳を学んできてるので。それがでも少しずつ最近、その壁が壊れてきてる感じはあるので、改めてメッセージとして伝えたかったんですね。 篠田　実は昨日までトラック直してたんですけど。 May J.　多分一番ミルくんぽい。一番、ぶっ飛んでるかな。どう？（笑） 篠田　最初、トラックは無難な暗い曲だったんです。でもなんか置きにいってんなって（笑）。MayさんもBlack Lives Matterのことに関してスピークアップしてるし、もうちょっと自分もやんなきゃって気持ちで。 レコーディングした後になってから、「いやー……」と思って。歌を入れた後ですね。一昨日ぐらいまでやってたんで、今、ミックスに出してる途中なんですけど。 ──お互いに鼓舞し合ってますね。 May J.　うん。「ミルくんやっちゃえ！」って（笑）。

──聴いてて「おお！」と思ったんですけど、どうしてもローの部分って、サブスクやテレビから聴こえてくるときに乗りづらいので避けがちで、上物で上げてってことが現在のチャートミュージックであると思うんですけど、歌を録ってミックス前に「やっちゃいなよ」って言われて変更されたと。 May J.　最初は全然違う曲調だったんです。 篠田　アンビエントR&B、トラップ調、ありがち、みたいな（笑）。暗い、チルい、みたいな。その時より確かに音数は減ってるっちゃ減ってる、ミニマムになってる。それは自分自身の成長もあって、こうしてMayさんと歌ものを作る機会があって、歌に対してどう当てていくか？　っていう技術的な試行錯誤をちょっとずつしているから、その学びもあるんです。本当に一流の方とくらべたらまだまだなんですけど。 でもローに関しては、自分がクラブミュージックカルチャーの中にいて、もうほんとにでっかいサウンドシステムで浴びるローが大好きなので、まぁJ-POPのルールとかわからないし（笑）。今の子、ちゃんとAirPodsで聴いてるし。AirPodsってすごく低音出るんで、「知らん」と思って（笑）。 ──それでよりソリッドな印象で、畳み掛ける「あ、yahyel」って印象になりましたね。 篠田　いろんな人の話聞いても、日本のメジャーのシーンのミックスとかマスタリング出すと、低音に対する考え方が違って、やっぱり削られちゃうって話はよく聞きます。 May J. 　Spotifyで、J-POPと海外のR&Bをミックスして聴くと、全然音が違いました。今までそれが私もすごく気になってたんですよ。電圧の違いなのかな？　とか、そもそもの声の音圧も違うし。アリアナとかこんな小さな声で歌ってるのにすごいインパクトがあるし、なんで日本でできないんだろう？　とずっと思ってたんですけど、ミルくんとAtsu Otakiくん(EVOEL STUDIO)のミックスが全部それを叶えてくれて。 篠田　うわ〜（嬉）。 May J.　「日本でできるんじゃん」って（笑）。 ──何年か前だったら一緒にやらなかったであろう人同士がケミストリーを起こしてますね。 篠田　なんかこういう並び、他所でももっと増えて欲しい。こういう感じ、「そことそこ？　面白い！」みたいな。 ──新たに増えることが大事だし、影響がある気がしますね。今、篠田さんがおっしゃったように、また違う座組みで一つの動きみたいになっていくと面白いし。 篠田　なんかちょっと感じるんですよね。宇多田さんと小袋さんもそうだし。青山テルマちゃんがAisho（Nakajima）くんとかとやってみたりとか。アイナ・ジ・エンドさんと三船さんとか。 でも、まだまだお互い伸び代があるので作り続けていきたいけど、多分ゴールとしてはMayさんがめっちゃ成長していって、「じゃあ私こういうことやりたいから、今回お前」みたいに、別のプロデューサーが呼ばれたりとか（笑）。今回はこいつとこいつ、みたいな。そうなっていけば面白いなと。 ──ジャンルは違うけど、テイラー・スウィフト（Taylor Swift）みたいな作り方とか。 篠田　そう。テイラーの『folklore』もすごく触発されましたね。だから、Mayさんと僕だけがやるんじゃなくて、なんか自分より若いプロデューサーとかも引っ張ってこようと思ってて。Lapistarくんていう、トラックメーカーがいて。彼はすごいR&Bが得意な方なんですけど、20代前半とかなのかな？　Daich Yamamotoさんの釈迦坊主との曲（“Simple feat.釈迦坊主“）とか作ってたり。そういう子をどんどん引き入れて。

May J.　今話してたLapiくんだったりとか、それこそラッパーと作りたい曲もありますし、Daichiさんとかできれば楽しいし、Aishoくんもやりたいね。 篠田　Mayさんに男性の声が絡むのは聴いてみたい気がします。プロデューサーが僕一人でやり続ける楽しみもあるんですけど、海外のプロダクションとか見てるとチームでやってる面白さもあるなと思ってて。チームMay J.（笑）。 May J.　今回実は裏テーマで「3.0」っていうのがあって、May J.の軌跡の「１.0」がR&Bの初期の頃で、「２.0」がJ-POPの時代で、「3.0」が今のこの「DarkPop」の感じっていうイメージ。今はMay J.と「DarkPop」のMay J.が別々なんですけど、いずれはここが一つの線に繋がっていってくれたらいいなと思ってます。

May J. May J.（メイジェイ） 日本、イラン、トルコ、ロシア、スペイン、イギリスのバックグラウンドを持ち、幼児期よりダンス、ピアノ、オペラを学び、作詞、作曲、ピアノの弾き語りをもこなす。圧倒的な歌唱力とパワフルかつ澄んだ繊細な歌声、そして前向きでポジティブなメッセージが共感を呼び、幅広い世代から支持を受けている。 2006年ミニアルバム「ALL MY GIRLS」でメジャーデビュー。 記録的な大ヒットで社会現象にもなった、2014年公開のディズニー映画「アナと雪の女王」の日本版主題歌（エンドソング）を担当。 同年の第65回紅白歌合戦に初出場。 2015年1月には自身初となる、日本武道館の単独公演を開催。 Official HP｜Twitter｜Instagram

yahyel 2015年東京で結成。池貝峻、篠田ミル、大井一彌、山田健人の4人編成。エレクトロニックをベースとしたサウンド、ボーカルを担当する池貝の美しいハイトーンボイス、映像作家としても活躍する山田の映像演出を含むアグレッシブなライブパフォーマンスで注目を集める。2016年、ロンドンの老舗ROUGH TRADEを含む全5箇所での欧州ツアー、フジロックフェスティバル〈Rookie A Go Go〉ステージへの出演を経て、11月にデビュー・アルバム『Flesh and Blood』を発表。翌2017年には、フジロックフェスティバル〈Red Murquee〉ステージに出演、さらにWarpaint、Mount Kimbie、alt-Jら海外アーティストの来日ツアーをサポートし、2018年3月に、さらに進化した彼らが自身のアイデンティティを突き詰め、よりクリアで強固なものとして具現化することに挑んだセカンドアルバム『Human』をリリース。その直後のSXSW出演を経て、フランスのフェス、韓国・中国に渡るアジアツアー、SUMMER SONICなどに出演。同9月にはシングル「TAO」をリリース。楽曲、ミュージックビデオの両方を通じて、yahyelの芸術表現が完全に別次元に突入したことを証明した。同じく11月には水曜日のカンパネラとのコラボ楽曲「生きろ」をリリース。2019年には再びSXSWに出演、数多くの海外メディアに紹介されるなど、ますますグローバルな動きを見せている。 Official HP｜ Twitter｜Instagram

2021年6月4日（金）に開催されたWWWの10周年記念イベントで、BIMのバンドセット、Yogee New Wavesの2マンが実現した。チケットはもちろんソールドアウト。配信なしで行われた甘美な一夜の様子をライター・石角友香によるレポート、Ray Otabeの写真とともに振り返る。

久々に2マンライブの醍醐味を存分に堪能した。WWW 10th Anniversary企画のBIM（バンドセット）とYogee New Wavesだ。熱心なリスナーたちにとって、オープン当時から現在に至るWWW主催のライブは、生活と分かち難い存在だった時期がきっとあるだろう。 WWWのサイトから引用させてもらうと、「Yogee New Wavesは新世代アーティストにフォーカスしたイベント＜NEWWW vol.1＞への出演から、リリースパーティーやワンマンライブの開催、WWW Xオープニングシリーズ出演、BIMは所属するTHE OTOGIBANASHI’Sでのワンマンライブ、WWW Xのプレ・オープンイベントへの出演、ソロ名義でもワンマンライブ開催や多数の出演」とある。自分自身、Yogee New Wavesは2015年4月の＜7inch『Fantasic Show／Climax Night』Release Party!!」＞（オープニングアクトにnever young beach、ゲストが森は生きている）など、その後を予感する共演を目撃してきたし、THE OTOGIBANASHI’Sには2016年11月のWWW6周年のイベント（共演はD.A.N.、Campanella、STUTSら）で、従来のラップとは違う文脈に遭遇した記憶がある。すでにその頃からポスト・ジャンル的な交差は始まっており、最初の目撃者になりうる一つの場所がWWW主催イベントなんじゃないだろうか。

今回の2マンも音楽が示す時代の交差点を実感できるものだった。Yogee New Wavesの竹村郁哉（ボン）は、BIMが木村カエラとコラボした“ZIG ZAG feat.BIM”でギターを弾いているほか、現在のBIMバンドのメンバーでもある。BIMのライブメンバーには、お馴染みのdoooo（DJ）、DJ ZAIに竹村郁哉（Gt）、Shingo Suzuki（Ba／Ovall）、kanno So（Dr／BREIMEN）、村岡夏彦（Key）という、どのプレイヤーからも目が離せない布陣だ。加えて、Yogee New Wavesの角舘健悟がボーカルで、ボンがギターでVaVaの“星降る街角”（2019年）に参加している流れもある。THE OTOGIBANASHI’Sはもちろん、VaVaが手がけたサニーデイ・サービスの“Tokyo Sick feat.MARIA”のリミックスについても特筆すべきだろう。 さて、前置きが長くなってしまった。60sのアメリカンポップスやレゲエがBGMに流れる会場は、湿度100%の会場外とは別世界の趣き。先行はBIM。バンドが音を出した瞬間から、生音のバランスの良さにやられる。ジャケット着用のおめかしバージョンのBIMは“Cushion”を1バースキック、「調子どう？」とフロアに声をかけると、それぞれの立ち位置から手が上がり、拍手が起こる。小気味いいボッサ調のカッティングが聴こえると抑えきれない小さな歓声が上がる“Veranda”。バンド・アレンジでも緩急の抜き差しは計算されていて、BIMの叙情味のあるラップを邪魔しない。

「おしゃべり割と得意なんですけど、今日は曲をいっぱいやるってことで」と、音源ではkZmとダブルになっているバースをバリトンボイスで聴かせる“One Love”。裏拍のビートはそのままに、ギターリフと鍵盤でAOR寄りのムードさえ感じさせる。続く“想定内”もジャジーなピアノもハマってメロウだ。ファンクネスを感じる“Tokyo Motion”まで、ほぼ一気に5曲。これ、もう今のコンテンポラリーミュージックじゃないですか？ 都市の音楽代表じゃないですか？　誰かに同意してもらいたくて堪らない気持ちになってしまった。 一転、パーソナルな新曲“吐露ノート”は元のトラックのイメージを生のリズムにも置換。素朴なような白昼夢のようなメロディとリゾーティーなギター。本当に思ってることは身も蓋もないことはない。BIMが信頼されているのはそのワードセンスと情景の切り取り方なんだと思った。“KIRARI Deck”、“BUDDY”が続くと、現代のジュブナイル小説に聴こえたりも。なるほど、そういう部分でYogee New Wavesと共振する部分があるのかも、と遅ればせながら気づく。生ピアノのリフが牽引する“Bonita”はもはやネオソウル。もちろんいい意味で、だ。 本番直前に買ったというハットをフロアに投げ、案の定、他にも「ジャケット〜！」「サングラス〜！」とリクエストされるが「（サングラスが）ないと誰かわかんないでしょ。タモさんスタイルだから」の一言に笑いながら納得。ラストに“WANTED”を置いたのも改めての意思表明に感じた。が、何よりブルージーな竹村のギターソロが映える曲だったからかもしれない。初めて体験したバンドセット、これはクセになりそうだ。

コロナ禍の2マンでは転換時も人の移動が少ない。立ち位置が確保できているせいもあるだろう。ちょっと不思議な光景ではあるけれど、習慣化した2マン・イベントとは違う空気が確実にある。 後攻はなんと、この日が今年初めてのライブだというYogee New Waves。暗転し、角舘と竹村のブライトなアルペジオが鳴り、おなじみのネオン管が灯ると一気にムードは夏。“Summer of Love”での幕開け。ひとつひとつの音が染み渡る。2曲目にはギター2本の絡みがユニークな新曲をセット。Yogee New Waves的解釈の新たなフォークミュージックと呼べそうな曲のタイトルは“You Make Me Smile Again”というそうだ。オチサビの転調もグッときた。

ダブルヘッダーの竹村のワウカッティングが輝く季節に誘う“Can You Feel it”の冒頭で、角舘が「今日はMCしないからジェットコースターだ。楽しんでください」と一言発すると、フロアも歓喜の拍手。彼のボーカルも有観客のライブが久しぶりとは思えない伸びの良さ。以前よりまっすぐ届いているぐらいだ。 ストロークのセッションから“Climax Night”のキックが入って、軽くどよめきが起こる。リフのあり方もどんどん更新され、ベースラインもグッと太くなったこの曲が明るい色気を増すのも当然で、これまでそんな印象はなかったのだが、どこかスライ＆ザ・ファミリーストーンの“ファミリー・アフェア”っぽいタメやグルーヴを感じた。そしてまた新曲。往年の山下達郎を思わせるシュアなリフとカッティングが、洗練と演奏の熱量を同時に表現しているような感じ。Aメロに少し辛辣さを感じる歌詞が聴き取れたのだが、果たしていかに。 ギター2本のユニゾンも音の良さで幸せになれる“Fantasic Show”。いい曲を作り、磨き上げここまできた自信と、久しぶりのライブの高揚。クラップを促す角舘のスタイルがソウルマンばりの堂の入ったものだったのは新鮮な発見だった。いつまでもこのグルーヴに揺られていたい、水を得た魚はステージ上だけじゃなく、フロアも同様だ。

“Fantasic Show”に続き、“Ride on Wave”がスタート。その終盤には、角舘の「今日はありがとう、BIMくんありがとう。WWWにもありがとう、マスクして見てくれたみんなにもありがとう。こんな時代に会えたことが奇跡かもしれない〜♪」と節をつけたMCも。ゴージャスなショーの終わりのような丁寧なエンディングは魔法が解ける合図のようでもあったが、彼らの楽曲への愛を感じるアレンジでもあった。 アンコールの“How Do You Feel？”も含め、代替不可能なこのバンドのロマンとストイシズムに改めて酔った。45分の持ち時間を音楽そのもので満たした両者。お互いの関係性を言葉にするより、今は1曲でも多く演奏したいーーこの2マンの必然はそういうところだったんじゃないだろうか。ここにいた誰もが2021年のこの日を忘れないだろう。

━━今と20代の頃と比べ、“マイノリティ”ってどういう人、もしくは状態なのかについて捉え方は変わりましたか？ 澤田　“マイノリティ”って言葉、柴田くん使わないよね。置き換えるとどういう言葉になる？ 柴田　“弱さ”とか、“負けてる”ってことじゃない？ 澤田　柴田くんの歌にもよく出てくる「負けてる人」かな、社会の、何らかの観点で。そういう意味では柴田くんもマイノリティ？ 柴田　そうだね。それで思い出したんだけど、中学時代にスクールカーストがあって、2軍でそれがすごいコンプレックスだった。当時は嫌で、どうにか1軍に上がれねえかみたいなことを毎日考えてたから。 澤田　考えるよね、当時はね。 柴田　今日は1軍のやつといい感じで喋れたとか、近づきになれたみたいな日があったけど、翌日になるとやっぱ全然仲間になれてなくて、風呂場で髪洗いながら「クソが！」って思うっていう。 澤田　その時にもう忘れらんねえよの原型ができてた。 柴田　もう始まってたんだよね。その後、高校生になって高校デビューして、1軍的なものにいたんだけど、コンプレックスは消えなかった。大学生になっても社会人になっても消えなくて、いまだにあるもんね。 澤田　高校に入ってバンド始めて人気が出たわけじゃん。 柴田　そうだね、それでも全然消えなかった。 澤田　小中で受けた傷って引きずるよね。僕も一緒だから。小学校の時に足が遅かったから、クラスメイトの足が速い子にイラっとして。足が速いからって言って年収高くなるわけじゃないってずっと思ってた（笑）。なんでそれでモテるんだろうなって。いまだにそれ引きずってるけど、これってみんな消えないのかな。 柴田　どうだろう、消えてる人が多い気がするけど、消えてるようでうまく隠してんのかね。 澤田　蓋してるのかな。でも消せないのって大事だよね。 柴田　大事大事。それがエンジンになってるし。 澤田　でも、僕は息子が生まれるまでは蓋をしてたからね（＊）。その弱さに対して、なんか強く生きなくちゃいけないんだろうなみたいに思っていた。だけど、障害のある人に会いに行ったら、車椅子とか補聴器とか、ある意味での“弱さ”が目の前にあるから。 ※澤田さんの息子さんは先天性の視覚障害を持つ 柴田　目に見える形だもんね。 澤田　そうそう。そうすると、会って5分後くらいに悩みとかを打ち明けてくれる。車椅子の友人がラーメン屋入ろうとしたんだけど、狭い店で入れなくて拒否されて、食べられなかったんですみたいな。うまいラーメン屋ほど狭いんですって聞いて、知らなかったなってなったよ。 柴田　それ言われないとわからないもんね。 澤田　言われたら、親身になる。知り合いのラーメン屋に今度お願いして、開店前だったらいけるんじゃないかなとかみんなで作戦会議して。“弱さ”ってこんな周りを熱くさせるんだなって。 柴田　だから弱い人とか負けてる人にしか見えない景色とかを見てるよね。みんな気にしなかったのに、「実は俺すげえ気にしてんすよ」みたいな。気にしてるで言うと、俺は飲み会とかで「乾杯する時」に緊張してる、というか意識を集中させてる。 澤田　仲間内でも？ 柴田　そう。カチンって合わせない人が出てはいけないっていう緊張感。結構合わせられない時とかあって、俺そんな重要視されてないのかってすごい気にするの。 澤田　寂しいもんね、透明人間になっちゃうもんね。 柴田　そう、それ歌にもしちゃってて。“君は乾杯のとき俺とだけグラスを合わせなかった”っていう。好きな子とかちゃんとやってくれるかなとか。だから…マイノリティデザインですね。 澤田　ちょっと違いますね（笑）。うそうそ。

柴田　例えば、よく東大のいけてる人とかに対して「お前苦労してねえんだろ」とか言う人いるけどさ。でもしてるんだよね、一回くらいはこっぴどい振られ方とかしてるし。芸能人とか美人な人とかさ、「どうせフラれたこととかねえんだろ。痛みとか知らねえんだろ」とか思ってたけど、きっとあるんだよね。そういう人も自殺したりとかするでしょ。きっと負けた経験はみんなあるんだなって。 澤田　負けた過去の自分を葬り去っているだけだよね。それか、あくまで地下室に閉じ込めてる。だけど、そういう人ほど、だれかの傷や痛みを知らないうちに土足で踏みにじってることがある。 柴田　澤田くんの本で、スポーツ業界のお偉いさんに対して怒っていたよね。そういう人たちってひどいの？ 澤田　ゆるスポーツの話だよね。スポーツができない人と新しいスポーツをつくってるんだけど、偉い人から「全人類が楽しめている完成されたスポーツををいじるな」みたいに言われたことがあった。今日本人の45%はスポーツしてないのに。 柴田　すごく取り損ねてるよね。しかも、スポーツで偉くなった人なんて、要は勝ち続けた人だからね。基本勝ちが多いよね。 澤田　だから、僕がスポーツ嫌いです、苦手ですって言うと、「えっ、そんな人いるの？」ってリアクションをされる。 柴田　いないわけないよね（笑）。あと、読んでてびっくりしたのが、スポーツのお偉いさんからすると「ゆるスポーツ」とか邪道だみたいに言ってる人がいるとか。 澤田　今もいますよ、もちろん。 柴田　こんな美しいものでも反感を覚える人がいるっていうのは衝撃を受けたな。 澤田　音楽やってるとどうなの？　柴田くんの音楽ってなんか不思議だと思って、タレントの固有名詞が入るじゃない、ベッキーとか。色あせそうだから使わないみたいなことはないの？ 柴田　俺は使いがちだね。でも割と音楽作ってる人とかミュージシャンとして活動してる人はみんな自由にやっている。こういうのがウケるっていうのをほんとに考えてない。結果考えない方がウケるっていうループになってて、作為的なものはウケないことを経験上みんな知ってる。当てに行くと当たらんのよ。バレるんだよね、お客さんは馬鹿じゃないから。 澤田　いきなり変わったなとか思うもんね。 柴田　本当に思ってることとかその瞬間言いたいなって思ったことを歌詞にしないと、というかそれ以外意味がないってみんな思ってるから、固有名詞思いついたら出すしかない。俺は思いつきがちなの。そこがウケるかウケないかは、ウケてほしいけど、出てきたから出すしかない。ウケない時も全然あるけど、それも反省点を……とはならない。もうしかたないなみたいな。澤田くんの本読んでると、もちろん広めていかなきゃいけないから作戦みたいなのを立ててるけど、根本はやりたいからやるとか、息子の世界を変えたいからやるみたいなアーティスト的なものを感じて、アートだなって思ったんだよね。やる理由が自分にあるというか。自分を認めて欲しいからとかじゃなくて、初期衝動。 澤田　マーケティングとかしてないからね。

━━“マイノリティ”に“デザイン”をつけていること、“デザイン”って言葉を使うときに、何を指しているのかというお話を聞きたいです。澤田さんは社会福祉活動を行っているとは思っていない？ 澤田　結果として福祉だけど、福祉をやっているつもりはないです。デザインは僕の中で「再解釈するふるまいや行為」と定義していて、例えば富士山ってただの土が盛り上がっている物体だけど、誰かが富士山だってデザインしたわけじゃないですか。犬から見たら、ただの盛り上がった土だから。なんで祈ってんのみたいな。 柴田　なるほど、見方を変えて価値をつけるってこと？ 澤田　そう、それが嫌な方じゃなくて、いい方に価値をつけるっていうか。 柴田　それは幸せが世界に一つ増えるってことだもんね。 澤田　柴田くんは歌詞で負けてる世界は美しいみたいなこと、それはそれで大事にすればいいよみたいなことを歌っている気が勝手にしていて。だから、それもデザインだよね。負けた世界って恥ずかしい、汚点だって思いがちだけど、その解釈も変えてるわけじゃない。それはデザイン行為、デザイナーなんだよ。 ━━活動していく中でも売れてないっていうコンプレックスなどの弱さが積み重なってきたりするんですか？ 柴田　そうですね、駆け出しの当時は辛くて辛くて。本当ね冗談じゃなくて病気だったよ、5秒に1回エゴサしてたから。頭痛くなって、疲れ果てるけど寝れないし。澤田くんってそういう時期あった？ 澤田　もちろんあるよ。有名CMプランナーみたいな人たちに囲まれてた環境で、何かが決定的に違うんだなって。

柴田　でも、側から見てて、広告プランナーとしてもイケてるとこにいるイメージだったけど本読んだら違った、辛さは感じてたの？ 澤田　自分のブランディング、見せ方を工夫していただけなの。だけど15秒の枠にどれだけ情報を収めるかゲームはやっぱり辛かったよ。当時はマスメディア全盛だから、オリンピックで言うと100m走みたいな競技をやっている感覚だった。それに向いてなかっただけ。音楽業界で言う売り上げとかオリコンっていうのが100m走で。みんなが100m走に向いているわけじゃないのに。 柴田　みんなと同じレースやらされてたもんね。 澤田　そこは向いてない人とかはストレス溜まるし、人格変わってくるよね。「もっと速く走れ」と言われても「向いてないです」って言えない。 柴田　言えないよねー、言えない空気あったよねきっと。 澤田　ゲームの数が少ないなって思って。スポーツで言うと、高い人が勝つか、強い人が勝つか、速い人が勝つかってこれオリンピック憲章に書いてあるんだよね。より高く、強く、速くって。 柴田　そこ面白かった。違うんじゃないかって。 澤田　それってゲームが少ないんじゃないかって。人間の魅力ってパーマが似合うとか、パーカーが似合うとかもあるから。人の話を聞いて必ず笑ってくれるとか。人が「高い、強い、速い」の3種類のゲームしかスポーツで測れないのってどう考えても非人道的というか。だから、母性がある人が勝つとか、価値基準を増やしてったんだよね。スポーツって競技というゲームはいっぱいあるけど、価値基準で言うと3つのゲームしかないから、もっと色んな勝ち方が見つかるゲームを作ろうってやってるというか。それは服も一緒で、服はSMLしか基本ないけど、人の体が3パターンに分けられるわけないから。 柴田　3種類に分けるのは無茶だよね。血液型判断くらいわけわかんない。　 澤田　大抵のものを3・4種類の基準にまとめているのが現代社会の構造だからそりゃ生きづらい人多いよね。だけど、生きづらいのは自分のせいだって思ってる。そうなると、スポーツ苦手なのも自分のせいだって思ってるしまうけど、社会とかスポーツに責任があるよねって。だからスポーツに逆ギレしたっていうか。「あなたの方に、我々へのホスピタリティが足りないでしょう」って。 柴田　面白い、そんな奴いなかっただろうねスポーツに。今まで誰にも気付いていない、マジで革命的なことやってるのかもね。 澤田　それは自分がスポーツポンコツだったから、できない人の気持ちとかできない人の世界がわかるし、よく見えてるし、いまだに本当に今日の出来事かのように鮮明に記憶を覚えてるから。だったら、その景色を生かして何かやるしかない。

━━柴田さんは自分は“弱い”ということに自覚的だと思いますけど、それを音楽的に活かしている意識はありますか？ 澤田　柴田くんはマイノリティとマジョリティ両方の気持ちあるよね。でも一貫してマイノリティに寄り添う。なんかミュージシャンって歳を重ねるごとに主語が大きくなるというか。だけど、柴田くんって歳を重ねても主語が大きくならない。 柴田　ずっとちっちゃい（笑）。乾杯の時グラスを合わせなかったとか言ってるから。 澤田　踊れひきこもりみたいなことでしょ？　成功するとマジョリティに知らず知らずなっていっちゃうよね。渦に身をゆだねていたら、既得権益っていう中心に知らないうちに辿りつく、みたいな。でもずっとマイノリティ性を維持してるのって、中々できないなって思うけどね。 柴田　でも事実、マイノリティだからなんじゃない？　だから、俺がコンプレックスがなくなったりとか、例えばすごい好きな人と結ばれて結婚とかできたら、変わる気もするけど、どうなんだろうね。だから意識的にちっちゃいことを歌おうって思ってるわけじゃなくて……でも思ってるな。どっちもあんだよな、そういう自分じゃないといけないというのもあるし、事実そういう人物だからそういう歌詞が出てきちゃうってことはあるね。だから、恋愛弱者である自分が……。 澤田　恋愛弱者……“ラブマイノリティ”っていう曲書いてよ（笑）。 柴田　ダセえ（笑）。 澤田　どうしようもなさを人に指摘されて怒る人とかいっぱいいるけど、僕は自分のマイノリティ性を愛している人を愛していて、「俺ってしょうもないんだよ、あはは」って言える人ってすごい素敵だと思う。 柴田　怒る気持ちもわかるしね。でもネタにした方が楽になるもんね。みんな思ったほど気にしてないっていうね。 澤田　全然気にしてないし、馬鹿にもしてないし、可愛いと思って言ってるかもしれないし。だから、自分のマイノリティ性を愛した方が楽だし、楽しいよねって、すごい思う。今完全に、強さを伸ばさなければいけないいろんな働き方も含めて、何か作り方も含めて限界が来ている。過渡期だよね ━━この本で自分への企画書っていうテーマがありますが、柴田さんの場合ラブマイノリティなのだったら、それはどうデザインできるんでしょう。 澤田　たとえば、人は結婚するもんなんだっていう価値観自体が、さっきの話で言うとゲームが少なすぎるというか。でも、独身の人とかすごく増えてる。東京だと男性の未婚率が25%ぐらいで、女性が20%ぐらい。かなりのボリュームゾーンだよね。だけど、それを肯定する動きが少ないから、結婚しない自分に罪悪感みたいなものを持つ。 柴田　独身貴族って言葉いいよね、マイノリティデザインなのかな。でもやっぱ独身はやっぱ昔から辛いというか、辛い世界だよね。 澤田　でも、やっぱりだれもが結婚しなくちゃいけない空気が居心地悪いよね。 ━━ラブマイノリティを起点としたら、社会をよくできる発明が。 澤田　独身って言葉も、負のイメージがつきすぎているから、新しい概念が必要じゃないかな。ソロ活みたいなのもあんまり……。 柴田　寂しげだね、孤高って言っても寂しげだし。ただ、もちろん辛い時や寂しい時ってあるけど、俺一人が好きなんだなって思う。 澤田　結婚しても辛い時や寂しい時なんて山ほどあるしね。 柴田　だから、どっちが幸せっていうのはないんだけど、やっぱり結婚とかいつかしたいなって思って悲しくなったりする。だけど、確かに良い言葉があったら、自分を肯定できるよね。 澤田　もう「ひとりで完結している」っていう概念が必要なのかも。結婚マイノリティは別にその人が悪いわけじゃないっていうのが「マイノリティデザイン」の考え方だから。結婚っていう制度しかないのが変でしょっていう。服は3サイズはあるのに、結婚は1サイズしかないみたいなことじゃない。どう考えてもおかしいでしょ。 柴田　おおすごい！　俺は今マイノリティデザインされてるんだね。でも嬉しいね。 澤田　でもね、障害のある方ともこんな感じで話すの、「ラーメン屋に入れないです」っていうのはラーメン屋が悪いからって。 柴田　泣いちゃう人いるんじゃない？　俺ちょっと泣きそうになったもん。わかってくれたって。世界は間違ってんだってちゃんと言ってくれる。 澤田　その人が悪いことが一回もなかったね。「僕なんて……」とか「全然社会に適応できなくてダメなんです」ていう障害の人が話してくれた時に、その人がダメなことは0人だった。「よく考えてください、悪いのはあなたじゃない、結婚という習慣に新たな一手を加えようよ」って。だから大きく考えないのが一番いいよね。市場がとか、クライアントが、マスがとかじゃなくて。 柴田　お前が何思ってんだっていうのが大事だからね。

澤田　だから第三人称以降は廃止していいんじゃないかと思って。僕とあなただけ。第一人称と第二人称だけど世界を構成するみたいな。世界とか社会とか会社とか、第三者みたいな言葉全部廃止したほうがいいじゃないかって。そうしたら仕事とかも、「御社のため」じゃなくて「あなたのため」に仕事しましょうってなるから。じゃあ僕は何したいんだろうてってなるから。 柴田　「御社のために」って言われるより、「あなたのために」って言われたら全然変わるよね印象。プレゼンの時も全然違いますね。言うほうも「あなたのためにやる」って言ったら裏切れない。かなり責任が生じる。 ━━それは考え方のポイントですね。 澤田　元々社会って言葉も、福沢諭吉が社会って訳したんだけど、その前は仲間とか同胞っていうのも候補に上がっていて、その方がいいなって。社会貢献しようよりも、仲間貢献しようみたいになってたかもしれない。社会が仲間って訳されていたら。そっちの方がいい社会だったんじゃないかって。 ━━社会とか大きな言葉に訳していたのが戦後70〜80年経って今もっとしっくりくる言葉があったんじゃないかっていう感じですよね。 澤田　社会ってちっちゃくていいんじゃない？　みたいな。人間ってダンバー数っていうのがあって、社会を認識できるのは150人くらいまでだから、それ以上になってくると会社とかも結局あの社員誰だっけとかみたいになってきちゃう。昔の村とか120〜150くらいの単位で形成されていたから、みんなのことよくわかるみたいな。それくらいの社会でもともと生きてきたから、脳もそういう構造になっているみたい。それでいいんじゃないかと思う。一億人に向けてとか、100万枚とかって、すごく不自然なことで、CD150枚売れて、その150人がすごく喜んでたら、人間活動としては上がりなんだよね。 柴田　全然満足なんだよね。あと、お金もいっぱいあるのは嬉しいんだけど、年収いくらとか前ほど気になんなくなってきた。もっと言うと、周りのミュージシャンもそうなんだけど、「音楽で食ってく必要ってそもそもあんだっけ？」って。別に働きながらでいいと思う。 澤田　結局僕は本の最後に書いたんだけど、生きる基準を走馬灯に照準すること。走馬灯ってCMみたいだなって思って。生命保険のCMだと、家族の幸せなシーンがギュンッと詰まってるじゃん。あれはもはやフェイクニュースなんだけど、走馬灯ってこんな感じなんかなって思ったら、結局お金持っててウハウハやってるシーンって走馬灯に入ってこない気がして。 柴田　入ってこないのかもね。 澤田　裕福になっても入ってこないから、本当は幸福にならなきゃいけない。裕福と幸福が今ごっちゃになっているから、みんな裕福ばっか目指すけど、それどんな走馬灯になるのって。 ━━最後に走馬灯の話になるなんて（笑）。 澤田　僕走馬灯めっちゃお勧めしてるんですよね。そうだ、『マイノリティデザイン』を出したライツ社っていう出版社最高なのよ。年に6冊しか出さない。この本もすごい時間割いてくれて、採算合うんですかって。 柴田　でもその方が売れるんだろうね。 澤田　そう、結果ほとんどヒットしてるんだけど。柴田くんすごく文才あるって話をしたら、小説をよければって。 柴田　俺一回ねトライしてみたけど、別にね書きたくなかったんだよね。なんかね、音楽と酒飲んでればいいかなって。 澤田　でもいい発言だね、そこで偽んないほうがいいね。それがこれからのかっこよさだと思う。

━━君島さんは水野さんの音楽をご存知でしたか？ 君島大空（以下、君島）　僕は少し前から認識をしていて。周りの人に「クラシカルDJがいる」と聞いたんです。それで前のアルバム（『Millennials -We Will Classic You-』）をちょっと聴いて「ああ、ヤバいヤツだから聴かないようにしよう」って。正直、「怖い、怖い、怖い」と思いました（笑）。 ━━影響されるからですか？ 君島　そうです。僕はすごい影響受けちゃうタイプで。しかも同世代になっちゃうと、さらに輪をかけて「こんなヤツがいるんだ……」ってなっちゃうタイプなんです。ほんと良くないところなんですけど。 ━━よりにもよって距離を置いていた人からオファーがきたわけですね。 君島　すごい急接近。打ち合わせをした時に指揮者っていうのは初めて知ったんですよ。クラシックDJでピアノを弾いている動画をツイッターで見てたけど、「何の人なんだろう？」っていうのは僕もあまりはっきり調べていなかった。「指揮者なんですよ、本業は」って言われて、「こんな人いるんだ」ってすごく楽しくなっちゃって（笑）。 ━━何をやるかはもちろん聞いているんですよね。 君島　「歌を歌ってください」と。友達のプロジェクトで歌うことはあったんですけど、「歌ってください」っていうのは初めての依頼だったので、声で呼んでくれたのは嬉しかったですね。水野さんを認知はしていたから、この機会に「友達になれるかな」と（笑）。気になってる人、遠ざけがちなんで。 ━━君島さんはクラシックに関して一般教養的な部分は通ってきたんですか？ 君島　クラシックギターをずっと弾いてたんですけど、別に習ってはいませんでした。クラシックギターの人を好きで、中学高校の頃は鈴木大介さんをよく聴いていました。それで鈴木さんがドビュッシーの楽曲を演奏しているアルバム（『月の光／愛の歌～フランセ＆ドビュッシー作品集』）があって、そこから印象派（※）を聴くようになって。あと、ピアノ曲が好きで聴いてましたね。 （※印象派：20世紀初頭のフランスに興ったクラシック音楽の流派の一つ。ドビュッシーやラヴェルが代表的。） ━━打ち合わせではどんな話をしたんですか？ 水野蒼生（以下、水野）　「どういう音楽を聴いてるんですか？」みたいなところから（笑）。今回、歌ってもらうっていう段階で、もともとドイツ語の歌を日本語に超訳してたんですよ。それを逆に超訳じゃない普通の翻訳を調べてくれていて。それで僕の詞を見て、「確かにこれ超訳ですね、いいですね」とかいろいろ言ってくれて、温度差を感じませんでした。 ━━超訳をいいと思ったのは？ 君島　訳された日本語をみると僕が絶対歌わない、選ばない言葉だったんです。以前からずっと、自分が歌を作る時に僕が選ばない言葉のことを考えていて。「なんでだろうな？」っていうのはなんとなく引っかかっていたタイミングで、「歌ってください」って依頼がきて、歌詞を見たら、絶対に自分で選ばない言葉だから、それですごい興奮しました。 でも、水野さんは「君島さんにこの曲を歌ってもらいたい」っていうのが伝わる訳だったんですよ。選ばない言葉なんだけど、ずっと歌ってきた言葉と重なる部分が日本語になったあの曲にあって、なんの心配もいらないなと思いました。 ━━君島さんが意訳されたのかな？　と思うほどでした。特に《この身を差し出す僕を許さないで》という部分。 君島　はい。そこがすごく「僕だ」と思ったんです。「許さないで」っていうことを僕もこれまでの歌の中で、自分自身にずっと言っている気がするんです。でも、僕は「許さないで」とは直接書かないんです。で、最後にその《許さないで》っていうのがきて、「うわ、なんか俺じゃない？」と思って。だから歌にスッと入れたんです。 ━━ちょっと今、鳥肌が経ちました。水野さんは元の歌詞をどう消化してご自分の言葉にされたんですか？ 水野　ドイツ語の発音ができそうな人に頼むっていう筋もあったのかもしれないんですけど、歌っている内容そのものが時代によって、価値観や表現の言い回しも変わるじゃないですか。日本語の何百年も昔の言葉は読むのだけで苦労する、みたいな。それがドイツ語の中でも起きていて。 直訳すると「あなたは私の心臓で、あなたは私の魂で」、ただひたすら「あなたは私の○○で」っていうのを連呼しまくって、最終的に病的な愛の伝え方をしていて。表現が全てあまりにも直接的なんですよ。このまま日本語に訳したところで原曲の持つ美しさであったり、メッセージ性っていうところから一歩引いてしまう感覚があって、現代の日本的な感覚に訳し直そうと思ったんです。 ━━なるほど。 水野　それでタイトルである“献呈”っていうところから一行目の《ここに心を捧げよう》っていうのが出てきて。「あなたは私の心臓！」っていう風に断定させない、「こうであって欲しい」という風な言い回しをして。「許さないで」っていうのは僕のセンスなんですよね。 そこは僕もずっと君島さんの音楽を聴いてきて、歌詞に共感していたところもありました。「君島さんの歌の言い回しに自分につながるものがある」と思ったんです。それで自然とあの《許さないで》が出てきて、そこに共鳴してもらえたのだと思います。 ━━他の楽曲では原詞や日本語でも直接的な歌詞で歌っている方もいるので、君島さんがこの超訳を歌っていることに納得しました。 水野　君島さんの音楽には日本語が持つリズム感が乗っかるからこその面白さを感じていました。そうなると無理やり違う言語で歌ってもらうよりも、やっぱり彼の声が一番いい形で、パフォーマンスが一番生きる形にしたいと思って。なので、日本語がスッときましたね。

━━ところで君島さんはこれまで“献呈”を聴いたことは？ 君島　なかったです。デモをいただいて、知らない曲だったので調べて、原曲、オペラ、楽譜通りに歌っているのを調べてYouTubeで聴いたり、そのままの訳を調べました。 ━━それを水野さんが再構築されたものを聴いていかがでした？ 君島　絶対に僕の考えない歌詞っていうのは先ほどお伝えしたんですけど、符割も自分では絶対に考えない（笑）。３拍子に対してこの曲のように僕は絶対歌わない。でも原曲を聴いたら歌詞のハメ方に納得がいったんですね。でも最初に聴いた時は、はすごく難解だなと思いましたね。 ━━ところで水野さんが君島さんの音楽に最初に出会ったきっかけは？ 水野　その時、僕はザルツブルグの留学先にいたんですけど、LINEで日本にいる友達と音楽の話をしていて。その中で君島さんの名前が挙がったんです。その時って確か『午後の反射光』を出したばっかの頃で、やられましたね、あれには。 ━━全体的にですか？ 水野　全体的にですね。まず多分いろんなところで言われていると思いますが、「女性シンガーと一緒にやってんのかな？」と。あまりにも性別を超越しすぎていて。自分自身の価値観の中で「両性具有」ってある意味完成された存在だなと考えることが前からあって。ある意味それを体現したような声で、ものすごくロマンチックなものを感じたんです。 そこから歌詞の内容や、インタビューも読ませてもらったりして。インタビューで語っておられた自分が表現したいものがちゃんと全て音に表されている風に感じました。インタビューの中で「光」を“遠視のコントラルト”で表したいと話されていて、「ああ、俺も聴いた時にそう感じた。」っていうぐらいめちゃめちゃ共感したんですよ。 君島　自分の中のクラシックみたいなものがないかなと思って作った曲でしたね。 水野　「午後の反射光」は間に謎のワルツみたいなのが入ったり、カオティックな状況っていうのが、それこそシューマンが生きたようなロマン派（※2）の音楽に近いものを感じました。まずシューマンっていうのはロマン派全盛期の人で、自身がすごく病んでて、入水自殺しても未遂におわり、最終的に精神病院で死ぬみたいな人だったんですね。彼は確かにすごいメンタルが弱くて繊細な分、文学的な部分やロマンチックな部分を語るのがすごく上手い人だったんですが、それと同時にストレートパンチのような表現も武器として持っていた人でした。 どことなく君島さんの音楽っていうのは繊細な面もありながら、ギターロックのような一発のストロークで人を感動させる力を持ち合わせているっていうところから、シューマンのようなロマン派のイメージが自分の中で共通するなと思っていたんです。その思いがずっとあったので、この曲を選んだ段階で、「これはもしかしたら……」と思って作っていく中で、本当にうまくハマって君島さんに歌ってもらおうとなったんです。 （※ロマン派：19世紀のヨーロッパを中心に古典派音楽をロマン主義の精神によって発展させた音楽。シューマンやショパン、リストが代表的。）

━━この曲はアルバムの中でも原曲からの飛躍がすごいと思うんです。イントロや、途中でブレイクする展開、そしてエレクトロニックな音像も含めて、原曲をどう解釈して作っていったんですか？ 水野　それこそ原曲もA-B-Aみたいな構成になってて、Bのところでいきなり調も変わるし、いきなりテンポもダウンするんですよ。この展開の表現方法を色々試した結果、もうブレイクして違う世界を作り上げる方法が一番しっくりきた。 そうやっていく中で自分の中でもアイデアが出てきて。この曲は歌だけじゃなくてフランツ・リストがピアノアレンジしたもの、むしろピアノ曲として有名だったりするんです。そのリストの存在って自分にはありがたかったんです。クラシックの音楽史の中にもそうやって他人の曲をリアレンジして、再解釈して拡張させる人がいるのは、今自分がやっていることもその文脈の流れの中の一員になれてる。 何も突飛なことはしていない、その流れの中のことをやっているだけなんだっていうのが、ちょっと安心感にもなっていて。そういう思いでアウトロにリスト版のピアノを入れました。そういう意味では自分のやっていることを再確認するトラックにもなったので、すごく自分にとってもアルバムの中で大切な曲ですね。 ━━なるほど。当時も別の作曲家が解釈する別バージョンがあったということですね。 水野　そうです。特にリストの時代っていうのはそういうアレンジがどんどん生まれて行った時代で。だったら今、またその流れを起こしてもいいよねっていう意味合いも込めて、アウトロのピアノは突っ込みましたね。

━━歌モノである、声が入っているということもこれまでの作品とは大きく違う部分で。 水野　今回のアルバムのコンセプトにもつながるんですけど、人の声っていうのは世界最強の楽器だと思っていて。それは現行の音楽シーンが全てを表してると思うんです。もしピアノが世界で一番の楽器だとしたら、世の中の楽曲はほとんどがピアノ曲になってるかもしれない。でも、世の中に今ある音楽っていうのは大体ボーカルありきで、特にメインストリームは歌モノだけで成り立ってるところがあるじゃないですか。 音楽を聴いている人の割合でも歌を聴いてる人の割合が圧倒的に多いと思うんです。それはやっぱり人間にとって人間の声っていうものが最も心地よく響くものだからっていうところもあると思って、今回「声」をコンセプトに作りました。その中で僕が特に好きな声の人たちを集めて、その中に君島さんも入ったっていう感じですかね。 ━━人間の声の情報量はすごく多いですもんね。 水野　うん。唯一無二だし、何より文学的要素を音楽の中に取り入れることができるという、他のどんな楽器にもないメリットというか。 君島　面白い捉え方ですね。 水野　例えば他のサックスとかフルートのような管楽器、息を使う楽器ってやっぱり歌うことを求めるというか。自分でオーケストラを指揮していても、「こういう風に歌ってください」とか、歌い方のことを例えにだしてどんどん方向性を詰めていくようなやり方をするんですね。 それはクラシックのピアノでもそうですし、「ここの歌い方は」というように詰めていく。結局、歌っていうものが基準になって音楽っていうのは生まれていってる。そう考えると歌が原点であるっていうのは間違いないんじゃないかなと思います。 ━━君島さんはメロディに歌詞をつける時、すごく意識的だということが分かりましたが、歌についての考え方はいかがですか？ 君島　歌が好きっていうよりかは音が好きなんですよ。だから声が好きなんです。歌って言われるとあまり得意ではないです。それこそメインストリームのメジャーな楽曲は言葉の意味が面できすぎて音楽を聴いている気がしないんです。僕はそもそも自分が歌う曲をずっと書いてきた人間ではなくて、もっとアンビエンスがドーン！　としたものだったり、ノイズだったり即興演奏の方がが自分には近い。 その中で人の声の音がめちゃめちゃ好きで、家で自分で録れるようになったら「一番いいな」みたいなところがあるんですね（笑）。それで、声をいっぱい重ねる手法が今の作風の最初になってるんです。だから、歌詞はなんでもいいんです、自分が歌えば成立するので。それよりも音ですね。絶対、直接的には言わないで匂い立たせるみたいな。それで、声が志向性を作るみたいな風に作ってると思います。

━━「なんか言いたい」みたいな動機じゃないんですね。 君島　いや、なんか言いたいんですよ。言いたいことって一個しかなくて、それをいろんな角度から言ってるだけなんで（笑）。ほんとに「君は僕の心臓だ」みたいなことも僕は多分言いたくて（笑）。『縫層』っていう２ndアルバムの“縫層”って曲は“心臓”って仮タイトルだったんです。 水野　そうだったんだ。へー！ 君島　去年、「体外の心臓」というものをずっと考えていて。自分の外側にある心臓っていうか、自分の精神を成り立たせている心臓っていうのは、多分ここ（臓器の心臓）のものではない、外にあるものが自分の心臓になってるっていうのをずっと考えて出てきたのが“縫層”っていう曲だったので、さっきの話を聞いていて「おおー」ってなりました。 水野　自分の場合は言いたいことの前に、膨大にある音楽史ってものが、まず立ちはだかってるんですよ。だからまずは、その中から自分の言いたいことに近いフィルターを探すみたいな作業から入る。逆に言いたいことだけで音楽を作るのはすごいことだと思います。 君島　すごいことですよね。 水野　自分の言葉、自分のメロディだけでそれを世に出すっていうのはすごく疲れると思う。俺はこういった取材でも、ある意味、他人の音楽のことを語ってるんですよ。「あいつはこう思ってて」みたいな、通訳者のような感じがすごく強い。だから自分だけの言葉で自分の思いみたいなものを語ってる人っていうのはみんなほんとすげえなって思ってます。 君島　でも、歴史を相手取っているイメージがあるんです。僕はそれがない。ルーツは全く違うけど、でも好きなものは多分似ているというところでつながってるんだと思います。 ━━水野さんはご自身を形成されたクラシック音楽のどういう部分が今の作品の軸になってると思いますか？ 水野　もう僕、「クラシック音楽」って言葉が大嫌いなんです。そもそも1600年代、1500年代の音楽もギリギリ、クラシックに入るんですけど、そこから20世紀の音楽まで何100年って存在している音楽の進化、ジャンルの分岐みたいなもの全てをまとめってクラシックってたった5文字にするなんてふざけんなって思ってるんです。 でも、やっぱり最初は西洋音楽が持つ壮大さにとてつもなく影響を受けました。オーケストラって、ある種100人で一つの音楽を演奏するという、狂ったことをやってるんですよ。そのような音楽が持つ表現力っていうのは一つの長編の小説であったり、映画を見ているかのようなもので。しかも器楽曲だったら歌詞とかないのに、それを全部想起させてしまう。あの熱量というか、ある種、異世界にトランスしてしまうような感覚みたいなのも、ライブだとあったりしますし。 ━━確かに時々、フルオーケストラの空気に突入しに行きたくなることはあります（笑）。 水野　うんうん。今って世の中の音楽の99%がスピーカーから流れる音だと思うんですよ。それで電気を一切介さずに、あの壮大なサウンドを作り上げることができるのは人間の力がすげえなって改めて再認識するきっかけにもなると思います。改めて、スピーカーを通さない音楽を聴けるっていう贅沢さって、逆に今すごくあるんじゃないかなと。今回のアルバムはバッチバチにスピーカー用の音楽ですけど（笑）。 ━━（笑）。君島さんはアルバムを通して聴かれましたか？ 君島　今日も聴いてました。「うわ、これ真似しよう！」という発見はいっぱいあるんです。 まずは軽く聴きながら、「このスネアの位置、真似しよう」みたいな（笑）。一個一個、とても真摯にトラックが組まれていて、考えられているというのももちろんだし、僕はそもそもクラシックはそんなに詳しくないので、「あ、聴いたことあるな」くらいのものはあるけど、日本人ってクラシックというものに対してすごく壁を設けてるところがあると思うんですね。 ポピュラーではないものとしてしまっているみたいな部分があると思っていて。この作品にはそれがない。一切、邪魔なものが取り除かれて明け渡されたものだなと思いました。それとアルバムとしてすごくよくて、どの曲から聴いてもいいんですけど、「最初から最後まで聴くといいよ」っていろんな人に教えたくなる。すごくポップスだと思うんです。 ━━意識しなくてもそう聴けますね。 君島　グッドポップスだと思って。一番最後はオリジナル曲（“VOICE Op.1 feat. 角野隼斗”）じゃないですか。それが生で録音されたもので、そこまで通して聴いて欲しいです。僕は最後の曲の感動がすごかったんですよ。

水野　そう、このアルバムを通して「クラシックってなんなんだろうね？」っていう疑問をリスナーに投げかけたいっていう風に思ったんです。100年とか200年とか昔の音楽は全て現代的に拡張するけど、2020年に自分がオリジナルで書いた、ある意味、最新の音楽は、クラシカルなスタイルで作る。それによって時代も頭の中もぐちゃぐちゃになってほしくて。それを思わせられたら成功だなって思ってますね（笑）。 君島　ぐちゃぐちゃだし、でも筋がめちゃくちゃ通ってる、すごくコンセプチュアルなものだと思うんで、聴いてて全くストレスがない。伝えたいことが汲み取れるような気がする。クラシック音楽に詳しくない僕でもそういう気持ちになれたので、いろんな人に聴かれたい。作品としてすごくそう思います。

━━何かイメージはあるんですか？　どんなものを作りたいとか。 松重　わかんないんです。けど、朗読会をやったんですよ。Kan Sanoさんも来ていただいて、チャレンジングな素晴らしいものを。 ━━あれをやろうと思われたきっかけはなんなんですか？ 松重　きっかけは自分で本を書いたので、せっかくだったら朗読会みたいなことをやりたいという気持ちがあったんですけど、今、このご時世だとできない。だったら、YouTubeってアリなのかなと思って、会場を決めて。 一人じゃもったいないからいろんなミュージシャンを呼ぼうって。ミュージシャンの方々も夏フェスとかで忙しい時期なんですけども、今年はたまたまスケジュールが取れたので、＜origami PRODUCTIONS＞の皆さんとか、他の方も全部、個人的にお誘いしたんですよ。それがまぁ奇跡的に面白い、ハラハラする、一発撮りですからね、今時。 Kan　皆さん一発撮りですか？ 松重　一発撮りです。一発撮りって好きなんですよね（笑）。 Kan　（笑）。僕もです。 松重　もちろんこだわって作るんだけど、一発だけっていう。 Kan　わかります。僕も今年、配信のライブを色々やって、中には事前収録もあったんですけど、撮り直しはしなかったですね。それをやったらもうライブじゃないなって。 松重　今年はやっぱりライブっていう緊張感を奪われちゃった年になったから、誰もが緊張感ロスになっている気がして。僕ら俳優もミュージシャンも。だから、一発撮りでっていうとスイッチが入るのがわかるから、それが非常に面白くて。 そういう試みが、今年2020年ならではだったかなって気もするし、今やれて本当によかったなと思います。それぞれ楽器も違う、mabanuaさんなんかタイコですからね。「ドラムセット持っていっていい？」ってメールきて（笑）。 会場は普通の店なんだけど。でも、そういうのも全部やりながら、非常に面白かった。 ━━Kan Sanoさんには「取調室」というお題でしたが、皆さんにどのお題を振るのかどう決めてるんですか？ 松重　落差があった方がいいなと思ったんですね。Kan Sanoさんはすごくきれいなメロディーラインを作ることもできるし、そうじゃないものも作れるし。でも、そのストーリーとは落差のある人で、組み合わせた方が多分面白くなるんじゃないか。 ただ、mabanuaさんは予定調和なところは少しあります。「走る」ってことに関して、ビートを刻むっていうことでできる回っていうのはあると思うんですけど、他の人に関しては思いつきの部分も多いんですけど、「あ、これでKan Sanoさんで行ってみたい」と。 まず、向井（秀徳）さんのプロローグがあって、Kan Sanoさんの一話があって、そこでこの世界観を多分いろんな人に、「あ、こういう挑戦なんだな」と思っていただけるようにしたかった。

━━今年はKan Sanoさんのピアノやシンセソロの配信はたくさん見ました。 松重　何回ぐらいやられたんですか？ Kan　春、夏頃にいっぱいありましたね。 ━━＜block fes.＞の1回目はなかなかスリリングでした。 Kan　家から配信したんですけど、Wi-fiが不安定で結構、途中で途切れちゃったりして。もう死にそうでしたね。で、スタッフも誰もいないので、僕一人でなんとかしなきゃいけないみたいな。 松重　止まっちゃったら無音？　焦ってる人もいない感じで。 Kan　遠隔なのでスタッフはもちろんめちゃめちゃ焦ってるんですけど、僕も焦ってて。なんとかなったんですけど、ライブ感が凄かったです（笑）。 松重　緊張感あるね。 Kan　緊張感凄かったです。

━━ところで松重さんのリスニングの量ってほんとにすごいなと思うんです。 Kan　いや、すごいですよね。僕より全然詳しいですもん、最近の音楽（笑）。 松重　簡単に聴けるからですよ。その辺にある中古レコード屋で手が痛くなるまで探して、そのレコード屋で聴いたにもかかわらず家でゆっくり聴いたらダメだった……。そういう3000円を無駄にするような思いをして、それが苦しみでしょ。 それに比べて今はもう、人差し指だけで、Wi-fiだけ調子悪くならなけりゃさ、どんどん入ってくるんだから。それは昔できなかった分、今を謳歌しようと。 ━━松重さんはサブスクリプションを導入されたのはもうかなり前ですか？　 松重　Apple Musicはできたときからやってるんですけど、Spotifyはトム・ミッシュに勧められて。 Kan　あ、そうなんですか（笑）。 松重　トム・ミッシュに「今までどんな曲聴いてきたの？」って聞いたら、「プレイリスト見てくれよ」って言われて、俺はApple Musicしか持ってないんだっつったら、「Spotify入れてくれ。俺のリアルグッドシットなプレイリスト聴いてくれ」って。 聴いてみたらそれが凄かったんだよ。そこにKan Sanoさんも日本代表として入ってるから。これはすごいな！　と思って、それで、Spotifyを使ってみたら、なかなかやるじゃないSpotify。

━━（笑）。 松重　俺のことをよくわかってますよね。週に２回ね、月曜日の今までの数ある中からのおすすめのプレイリスト（Discover Weekly）と、金曜日の新曲の中からオススメされるプレイリスト（Release Radar）をその日の午前中には全曲チェックしてます。 Kan　すごい（笑）。 松重　そうなんですよ。月金が忙しいんですよ。Spotify依存症になってますね。え、でもそうじゃないの？ Kan　僕もサブスクを使ってるんですけど、一時期あまり新譜を聴かなくなった時期があって。昔、聴いていた音楽をもう一回掘るみたいな、そういうことばっかりだったんですけど、そうするとあんまり良くないなと思って、最近は意識的に新譜も聴いています。だから毎月プレイリストを更新してっていうのを日課に。 松重　やっぱりね、今、音楽を取り巻く環境は非常に厳しいと思うんです。でも昔、俺らが聴いていたほんとにマニアックな曲もあったりしますよね。若い人たちがそういう曲を聴いて、進化を遂げている人いて。 僕らの比じゃないぐらいに知っているし聴いているから、そういう人たちが作る曲っていうのはすごい。だから、トム・ミッシュとかああいう人たちは息子より年齢が下だったりするんだけど、ほんとに楽しみで、今は本当にいい環境だなと思ってます。 そういう人たちとすぐ繋がれるわけじゃん。「Kan Sanoさん、一緒にやりましょうよ」って言われるわけでしょ？　一緒に韓国行きましょうよって言われる時代って、すごい豊かだなと思うんですよね。

━━これに関して、小山田圭吾さんはCDで買わないと覚えないとおっしゃってました。どんどん通り過ぎちゃう部分もあり、気に入ったらフィジカルで買うそうです。 Kan　そうですね。 松重　僕の場合、Spotifyはライブラリーが作れないので、自分のプレイリストに入れてもどこに入るのかよくわからない。だから、いいと思ったやつをちゃんとメモしてApple Musicの方に入れ直して、その作業で刻み付けるんですよ。 Kan　へー！　そうなんですね。 松重　だから、自分の好きなライブラリー自体はApple Musicに入ってます。 ━━なるほどSpotifyはリサーチ用なんですね。 松重　リサーチ用と、ラジオで放送した曲のプレイリストはSpotifyにアップする。そこで両者を行ったりきたりしているので、それで結構まかなえますね。

━━Spotifyは試聴みたいなニュアンスですか？　 松重　試聴ですね。だからおすすめしてくるセールスマンと、実際の秘書はこっち（Apple Music）にいるっていう使い方。 Kan　いまだに僕はCDにもこだわりはあるし、アルバムとして聴いてもらいたいって気持ちもすごくあるんですよ。実際、僕もサブスクがメインになっているので、やっぱりみんな便利なものに飛びつくのは自然なこと。 でも、アルバムとして聴かせるにはどうしたらいいんだろうっていうのはいつもすごく考えています。今回も曲間や繋ぎだったり、曲順の流れはすごく意識しましたけど、そこはアーティストが工夫して頑張っていかなきゃいけないところだとは思うんですね。 ━━今回のアルバムの中にもメドレーがありますもんね。 Kan　そうですね。あれはビートルズの『Abbey Road』のメドレーがすごい好きなので、あの感じを出せないかなと思って後半はメドレーにしました。 松重　やっぱりビートルズって根っこにあるんですか？ Kan　めちゃめちゃありますね。やっぱずっと聴いていたので。最近、イントロが短くなってきてるんですけど、ビートルズもイントロは必ず10秒以内だったり、曲も３分以内で終わったり、一周回って新しくて、今っぽいというか。 そういう時代が変化したり、自分が成長して変化したりすると、同じ曲でもまた違う発見があります。ビートルズは結構そういう発見が多い気がしますね。

「いらないものはいらないっていう感覚で作って、 あとはお客さんに埋めてもらった方がいい」

Kan　僕も長編の映画を見れなくなってきているんですが、海外のドラマとかは一話50分程度なので、一話見るとつい気になっちゃって。結局、２〜３話続けて見たりして、トータル３時間ぐらい見たりするんです。けど、それって今っぽいなと。最初から３時間って言われると見れないんですけど、１本ずつ続けて結果的に見ちゃうみたいな。 松重　僕もコロナ禍で「連続的に連鎖していくの面白いですよ」って勧められたんだけど、次も見たいでしょって結末に虫唾が走るんですよ。「次も見たいでしょ」っていうふうに作ってるな、こいつらと思って。そこにまんまとハマるかと思って。 Kan　それは難しいですね（笑）。じゃあほとんど見れないですね。 松重　ほとんど見れない。みんなに「いいよ」って言われたら、ことごとく一話でリタイア。 ━━ははは！ 松重　非常に偏屈モノの役者なので、「リアリティねえよ」って言いながら。映画とかも非常に厳しい見方しかしないです。 Kan　それは仕事にされてるから。僕もやっぱ音楽には厳しくなっちゃいます。 松重　と、思います。「なんでこんなリアクションするんだ」とか、いちいち思うから。「いらないだろ、こんなの」とか。 Kan　「何だ、このピアノのフレーズ、もうちょっと他ないのか」みたいな（笑）。 松重　でも僕、音楽に関しては無垢で聴いてるから。それは全然、「こうしたらいい」とか全然わからない。「かっこいいな、これ」「なんだろう、これ、すげえかっこいい」、単純にそれだけしかないから。それでワクワクするんです。 ━━単純にかっこいいと思う。そういう回路が必要なんでしょうね。 松重　そういう感動の訴求をする心は必要だと思います。何をやっても僕はやっぱり映画で「すげえかっこいい」と思われたい部分があるでしょうし。 こういう芝居をするのが多分見ていて心地いいだろうなっていう感覚は映画から引っ張ってくるんじゃなくて、音楽を聴いたときの感覚なんです。それを演技に落とし込むことが、僕は面白いと思う。だから音楽を聴き続けているんだろうなと思います。

━━核心かもしれないです。今後もお二人で何か作っていく予定は？ 松重　僕はまたね、Kan Sanoさんとどこかでご一緒したいです。朗読で面白いものがあったので。 Kan　朗読のライブは僕もぜひやりたいです。ご一緒した収録もそうなんですけど、ライブって一回きりなんです。でも、一回やると「あそこもっとこうしときゃよかった」とか、いろいろあるんですよね。 だからアーカイブも見てると、「あー、もっとこんなんできたな」とか、いろいろ思うことはあって。次、やりたくなるんですよね。 松重　どんなハコか小屋かわからないですけども、なんか落ち着いたら考えられたらいいなって、正直思っています。その時はまたワクワクするような時間を共有したいですね。 Kan　僕も今年、下北沢のlete（レテ）っていうライブハウスで９人限定でお客さんを入れたライブをやったんですけど。人数少なくて制限されていてもいいので、ちょっとでもそういう有観客のライブはやっていきます。 ━━９人ってお客さんの方が緊張しそうですね。 松重　贅沢だねぇ。９人で独占できるってことだよね。逆に今しかない試みだと思うから、それはやっぱ観客が一生忘れない出来事になっているでしょうし。そういうことでも起きないと、この2020年を演者はどう乗り越えていいのかわからない年になってるから。 配信だとか、そうやって少人数ライブだとかYouTubeだとか、そういうもので、こういう解釈もあるなっていうことを探る年になったんでしょうね。 そして、解消したら、これがやりたい、あれがやりたいって言うのだけで、なんか明日が来るような気がする。

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━━まずはお二人の出会いをお訊きしたいのですが。 松重 豊（以下、松重）　大元はね、舞台で共演してるんですよ。藤田貴大くんの芝居（『小指の思い出』：2014年）の生演奏で青葉市子さんとKan Sanoさんとドラムが山本達久さんで。 その時はわりと俳優と演出家の戦いがあったんで結構大変だったんですよ。生のバンドが入るので、役者もマイクをつけさせられた。僕は生まれて初めてマイクをつけて芝居をやったので音のバランスとかそういうものがよくわからなくて。 Kan Sano（以下、Kan）　大変そうでしたね。僕もその、舞台の仕事がほぼ初めてだったので何も正解がわからないままやっていて、現場も緊張感がありました。だから、松重さんと直接お話しする機会がほとんどなくて。 松重　それで、最後の日にCDをいただいたんです。最高のラインナップだったので、劇中の曲は全部めちゃくちゃ良かったのは間違いなかったんですよ。最後に、Kan Sanoさんから「これCD、自分の」って渡されたやつが、「Kan Sanoってorigamiの？　嘘だろう？」って。 Kan　ははは。 松重　「これもっと話したいこと山ほどあったのに」っていうのが最初なんです。 ━━渡されたCDは『kiss』？　 Kan　よりもっと前ですね。『ピアノ作品集』。 松重　『ピアノ作品集』。改めてこのあいだ聴いたけど、いいよね。佐野 観名義なんだよね。 Kan　そうですね。ソロピアノのときは佐野 観にしてました。当時はクラブでラップトップメインでビートを鳴らしたりするライブと、ピアノのライブと両方やっていたので、お客さんも混乱しちゃうというか。 松重　それはKan Sano名義より前にやってたの？ Kan　そうですね。元々はピアノが最初でした。高校の時にライブを始めたのも、ソロピアノのライブだったんですよ。金沢の近江町市場の地下にメロメロポッチってライブハウスが当時あったんですけど、バンドメンバーがいなかったので、そこで毎月ピアノのライブを一人でやっていて。当時はまだレパートリーが何もなかったので、そこでは即興の演奏だったり、曲を毎月書いてそこで披露したりしていましたね。

松重　今回のアルバムはもう、最初から最後まで自分でプロデュース？ Kan　はい。そうですね。全部、自分でやりました。 松重　全部、自分なんだ。どこでやってたんですか？ Kan　自宅でやってましたね。 松重　2020年に作った曲で？ Kan　そうですね。去年の秋ぐらいから作り始めて。ちょうど春頃のコロナ前後ぐらいが一番曲を作っていた頃ですかね。 松重　コロナの時期って、ある意味、引きこもり体質の人にはいい結果をもたらしたこともあるからね。俺も結局、家に引きこもって、全然違うことやって。 Kan　本が一冊できましたもんね。素晴らしい。 松重　曲作る人も自分の家でできて、なおかつ完成まで持っていける人だったら、この上ない時間を与えてもらえるわけですよ。 Kan　まぁ、去年までもそういう風に作ってきたので、あんまり変わってないですよね。 松重　ある程度、自分で叩き台を作ってそれを誰かに聴かせたりはするんですか？ Kan　僕はほぼ完成までスタッフにもそんなに聴かせてないんです。やっぱりディティールにすごいこだわるので、デモといえど、ひとまず自分が納得いくところまで仕上げておきたいんですよね。と、なるとほぼ仕上げることになっちゃうんです（笑）。

松重　今回のアルバムはKan Sanoさんの最近の作品の進化からいくと、本当にフル・バージョンアップっていう感じが。一つ一つがこう、まとまっていかないというか、それぞれの曲に違うベクトルの方向性があって、単純に退屈しないし非常に刺激的でしたね。 Kan　前作が割とコンセプチュアルで、きれいにまとまっていたので、その反動もあるかもしれないですね。普段はいろんな音楽、ジャンルの音楽に携わっているので、アルバムを作る時に散らかっちゃいけないなと思って、ちゃんとまとめようとするんですけど、結局一人の人間が作っているので、なんだかんだ、まとまるなという。 だから、あまり最初からまとめすぎるのも良くないなと最近は思っていて。だから、あまりそこは気にせず作ってましたね。 松重　やっぱりKan Sanoさんの曲ってね、聴けば聴くほど体にスーっと入ってくる時間があるんです。先行でリリースしていた２曲はもう安定のよさって感じで染み込んでるんですよね。そのタイミングで、“神様のメロディ”を聴いてみると、すごく一貫しているKan Sanoさんのメロディラインというか曲作りの進化が非常に心地いい。 そこでなおかつ変化し続けるKan Sanoさんの楽曲に、幅が非常に出てくるじゃないですか。こっちいかれたら困るなっていうところがないんですよね。あ、こっち攻めてるんだなっていうのを思いながら、その攻める方向にまたこっちも振り回されて付き合いたいって思えるような。今回は特にそこの幅の揺さぶられ方が非常に心地よかったなと思ってます。 Kan　嬉しいです。 松重　“Ash Brown”とかも「あ、こういう感じってなかったな」と思って。 Kan　これはもともと、大阪のとあるブランドのために作った楽曲だったんです。だから、もともとアルバムに入れるつもりもなかったので、普段やらないような作り方ができました。 松重　そうですよね。こっちもいけるんだ？　っていう感じの。 Kan　いやー、嬉しいですね。振れ幅が気持ちいいってのは。変態ですね（笑）。 松重　変態ですね。ていうかね、なんだろう……「Kan Sano」ブランドがついてるから、もう安心できるじゃない？　残念な気持ちにならないっていう確信だけは間違いなくあるので、そこでどこまで連れてってくれるかなっていう、旅の始まりの感じじゃないですかね。 それがこの2020年っていう大変な年だったとはいえ、ここ最近のリリースの多さはやっぱりすごい波に乗ってるんだなぁっていう感じはしたんですけどね。ところで今回一緒にやった人ってどういう経緯だったんですか？ Kan　チャーリー・リムさんは……もともと僕がファンでプレイリストに入れて聴いてたんですけど、そのプレイリストを本人が見つけてくれて。それで連絡をくれて、そこからリミックスのオファーもいただいて。

松重　どこの人でしたっけ？ Kan　シンガポールですね。曲のやりとりもインスタのDMで（笑）。 松重　時代だ。すごいね。 Kan　時代ですね（笑）。 松重　会ったことないんだ、じゃあ。 Kan　会ったことないんですよ。 松重　はたから見るとこの二人は仲良くて、日本に来たらどっか浅草でも連れてく仲かと思ったら面識もないっていう（笑）。もう一人の方は？ Kan　ロブ・アルージョさんですね。 松重　いいですよね。僕も曲を聴いたことがありました。

Kan　ご存知ですか。去年、来日して対バンしたんですけど、そこからたまにメールはしていて、「ちょっとピアノ入れてよ」って言ったら「いいよ」ってすぐ返してくれて、すごく軽いノリで。 松重　ピアノでしょ？　専門域を犯されるみたいなことはないの？ Kan　でも素晴らしいピアニストなので、嫉妬もないし不安もなかったです。 松重　自分の曲にそういうピアノソロが入ることも逆に面白い？ Kan　そうですね。それだけ自分が好きなピアニストだからだと思いますが。 松重　そういうピアニストを好きになる基準ってなんなんですか？ Kan　なんでしょうね？　わかんないです。でも、聴いていて好き嫌いってはっきりありますよね。それがどこ？　って言われると難しいですけど。 松重　ピアノ曲集みたいな曲って、そんなに編集しないでリリースするんですか？ Kan　編集とかそんなにしないんじゃないですかね。少なくとも僕はほとんどしないですね。 松重　じゃあ、ピアノの音色だけで勝負した上で好みがあるってことは編集とかじゃなくて、ピアノの弾き方なんだ。 Kan　そうですね。同じピアノでもやっぱ弾く人が変わると音ってすごく変わるんですよね。

松重　今の話を聴いて、レイ・ハラカミって、あの方も一種類しか機材を使ってないんですよね。 Kan　ローランドのSC-88Proでしたっけ。 松重　それだけであの曲々を全部作ってたんだけど、今聴いてもすごくいいんですよね。 Kan　いや、信じらんないですけどね、驚異的だと思います。 松重　やっぱそうなんですか、プロが見ても。 Kan　はい。 松重　だから今だったら、中古で2万円くらいでも買える機械。それでいてあれだけの音色を作り分けている、そこもセンスですかね。 Kan　使える機材とかは制限した方がある種、自分でイメージを膨らませて、あまり他の人が思いつかないような使い方ができたりとか、そういうのって多分あるんですよ。だから、その機材だけで突き詰めていくと、その人にだけしかできないようなアプローチとかが生まれてくるんでしょうね。 僕も今使っているパソコンはもう10年ぐらい使ってるんですけど、音楽制作ソフトに関しては一度もアップデートしていなくて。 松重　その時の進化しない、その時の状態の音がやっぱりいいっていうか、そこで自分が工夫して作っているから、そこがよりどころになるんですか？ Kan　今、ソフトもどんどん便利になっているので、簡単になんでもできるんですけど、すぐそこにたどり着くよりは自分で色々工夫して、そこにたどり着きたいっていうか。それが当初やりたかったこととちょっとズレていたとしても、そのズレが面白かったり個性だったりする気がするんです。 あえて使うものを変えずに同じものでずっとこう作ってくっていうのをここ10年やってきたんですけど、流石にもうアップデートしたいですね（笑）。僕、Cubase４を使っているんですけど、そしたらこのあいだCubase11が出ていて。これもうアップデートじゃないよなと思って（笑）。今ちょっと迷ってます。

松重　僕、生まれて初めて楽器っていうか、MPCっていうものを自分でできるかなっていう勝手な思い込みで探しに行って、初めて専門店に行ったんですよ。 Kan　それで買われたんですか？ 松重　買ったんですよ。 Kan　おお。 松重　コロナ禍でMPCを買いたい人が増えたんですって。MPCを出してるAKAIってメーカーも今年、バージョンアップしてMPC LIVE IIっていう機種が出たんだけど、とにかく入荷したらすぐ売れちゃう状態らしくて。 たまたま、電話した時に「あります」と。「ちょっと今から行っていいですか？」「これって素人でもできますか？」って聞いたら、「説明書ないですよ」と鼻で笑われました。でも買っちゃった。それで、MPC教室っていうのに行けばなんとかなるかなと思って、日本で唯一やってるところに。 Kan　MPC教室ってあるんですか（笑）。 松重　いいなと思ったら「とりあえず10万振り込んでください」。 Kan　（笑）。怪しいですね。 松重　「え、10万？」連絡先もなんも書いてない。電話番号も書いてない。場所も日時も振り込まれてから。 Kan　怪しいです（笑）。 松重　さすがにそれは嫌じゃん？　だから結局、止めました。そのまま置いてあるんです。 Kan　それはでもOvallとかに教えて貰えばいいんじゃないですか（笑）。 松重　そうなのかな。だから今度、STUTSさんにラジオのゲストで来てもらうので、STUTSさんにちょっと改めて確認しようかなと思って（笑）。 Kan　それがいいです。バッチリです。

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会場を見回して驚いたのは2階、1階、そしてフロア内にも複数の工業用扇風機が設置されていたこと。開演ギリギリまでフロアのドアは開放されており空気の循環が実感できる。そして床にはソーシャル・ディスタンシングを維持するために立ち位置のフットプリントが貼られている。空間に余裕がある分、後方でもステージがよく見渡せることに気づいた。

18時25分、開演前の合図が鳴り、公演に際しての注意事項がアナウンスされる。現実的に必要な注意喚起でもあるのだが、同時に一編のドキュメンタリーに参加する気持ちにもなる。その後、完全に場内が暗転した時、公共の場でここまで完全な闇の世界に立っていることが束の間yahyelの“メンバー”であることへの儀式のように感じられた。幕が開くと、“Hypnosis”のイントロとともに灰色の背景に4人のシルエットが浮かび上がる。ステージ右から山田健人（VJ）、篠田ミル（Sampling／Cho）、池貝俊（Vo）、大井一彌（Dr）。非常にアイコニックなたたずまいだ。池貝の繊細な歌い出しをはじめ、サウンドのアンビエンスに身を浸しながら、ステージ背後のスペースを最大限に使った幾何学やサンドストームの映像にも浸る。生のライブの情報量を感知する自分の肉体や感覚を久々に認識した。

続いてはインダストリアルな質感もある新曲を披露。大井のみならず、篠田もパッドを全力で叩く姿が目に飛び込んでくる。滑車が廻り続ける古いフィルムをエディットしたように見える映像が不気味な印象を残す。一転して4分のビートに自然に体が動く“The flare”。序盤から大きなアクションを伴い歌う池貝をはじめ、単独公演に2年のブランクがあったことを早々に忘れてしまう完成度だ。さらに初期から馴染みの“Once”で静寂から徐々にビルドされてサビに登り詰めるカタルシスを堪能。 大井のスネア・ロールから始まったドラムソロはエフェクトが施されていて、ダイレクトに身体で受け止める感覚。そこに怒涛のローが足元から上がってくると、「これこれ、これこそまさにライブ会場のフロアだ」と歓喜が走る。ああ、リキッドルームに帰ってきたのだなと全身が感知すると、自然と拍手とマスク越しの歓声が上がっていた。そして真っ赤なフロアライトに照らされてスタートした新曲。2曲目に演奏した新曲ほどダークではないが、ポップな中にもインダストリアルなサウンドが耳に残った。池貝があのバリトンボイスで短く「ありがとう」と言葉を発した後、山田のリバービーなギターの音色とエレピの残響がレイヤーを生み出しつつ、チャント（詠唱）のような反復へ繋がっていく構成に刮目。後で分かったのだがこの曲はMount Kimbieのカバーだった。

宗教曲のニュアンスはそのままこの日3曲目の新曲へ。教会で聴くようなオルガンの音色とスポットライトに照らされる池貝の姿が何か象徴的だ。懐かしさと哀しみを湛えたエレジーとソウルが融合されたこの曲はライブ・タイトルを端的に示唆していたように思う。続く“Body”ではサビで混沌の色合いが増すエフェクトがよりノイジーに空間を埋め尽くし、渦を巻くベースサウンドも相まって、思わずその場に立ち尽くす足に力が入る。それぐらい揺さぶられる。 「yahyelの皆さん、今日はお越しいただいてありがとうございます。これリハなんで。今日だけは楽しんで」という池貝の言葉に初めて笑いが起こる。そして彼が珍しくギターを持ち、歌い出したのは4 Non Blondesの“What’s up”。フルコーラス歌わずに、次なる新曲へ。神聖さと重さを携えたニュアンスだ。そこから“Pale”のイントロで歓声が上がる。ステージ上でクロスしていたライトがフロアも照らし、定位置でも自由に踊るオーディエンスが増えていく。ハウシーに展開していく後半、ストロボに照らされるメンバーの渾身のプレイ、直感的に動く池貝の熱量に巻き込まれるようにフロアの熱量も上昇していく。オーディエンス同士の距離感はyahyelのライブにおいて、カタルシスを邪魔するものではない。 新旧のレパートリーに加えて新曲やカバーも交え進行してきたライブの中でもユニークだったのが“Germany”のダブ・アレンジ。ギター2本のアレンジも珍しい上に、オレンジとグリーンというジャマイカを思わせるライティングも新鮮だった。意表をついた後は赤い背景に金文文字の「道」が現れ、ループするオリエンタルなリフに乗り“TAO”がプレイされる。篠田が挟むエフェクトの強度が増し、大井のシンバルが祭祀をクライマックスの高みにシンクロさせていく。長めにリアレンジされたアウトロのあいだ、腕を水平に伸ばしたまま直立する池貝の姿もシンボリックだった。

自然と起こる大きな拍手と歓声を受けて、池貝が「みんなには（メンバーなのに）何もしてもらえなくて申し訳ないけど、今日、みんなクビなんで、ごめんな。我々にとってはすごいことなんで」と笑いと感銘を同時に起こす発言をした。だが、この日の客は客ではなくメンバー、そしてこのメンバーはCHOIR＝聖歌隊なのだ。歌えない聖歌隊というのも現状のライブ空間においてyahyelからの皮肉と愛の入り混じったメッセージだと受け取ったのだが、実際には静的な反応でも感情は発信できる。不思議な信頼関係が充満したフロアは居心地が良かったからだ。 ラストはいくつものドアが開く映像も示唆的な“Iron”。池貝の伸びやかなファルセットが響く。〈I just don’t want you to go ／ Why is it so hard to stay？ ／ We’ve got it all〉――祈りと決意が空間を埋め尽くすような歌とサウンドスケープは真っ赤な背景に浮かぶバンドロゴとともにエンディングを迎えた。 約80分の一部から90分のインターバルを経て二部へ。少なくとも一部を見た限り、この後のことを意識して臨んだステージングには見えなかった。言葉より雄弁なアティチュードを受けて、ミュージシャンもオーディエンスも、誰か、何かが動き出すのではないだろうか。そんな予感を残すライブだったのだ。 なお当日の模様は山田健人監修のもと、収録・編集されたライブ映像として9月4日（金）から9月10日（木）23:59まで期間限定配信されることも決定している。

━━downyは３年半ぶりとなるアルバム・リリースですが、この間にギタリストの青木裕さんが亡くなるという局面があり、そしてギタリストは新たに入れない決断をされたわけですが、アルバムのビジョンはいつ頃立ち上がったんですか？ 青木ロビン（以下、ロビン）　（青木）裕さんの病気が発覚して、余命１年って言われて。本人は「絶対治すから気にしないでいいよ」とずっと言っていたんですが、じゃあ僕らに何ができるかなというところで、実は３月19日のーー亡くなった日、ワンマンの日にほんとはライブ動画を撮ろうと。（※亡くなった当日、downyのワンマンライブが開催された）何が起こるかほんとに分かんないから、生きてる歴史を撮って残さないと思っていたんです。そこで絶対、新曲をやりましょうと。その時に完成していたのが“砂上、燃ユ。残像”で、今回シングルでリリースした曲なんです。なので、裕さんはギターまで録り終えていました。 他の曲もモチーフはある程度、漠然とはあって、こういうアルバムにしようって構想はありました。１年以内にほんとは出さなきゃって思っていたんです。けど、そこで急にああいうことになっちゃったので、僕らはまず立ち直るというか、進むためのきっかけをどこかで作る必要がありました。それがSUNNOVAくん（の加入）だったりもするんですけど、そんな流れで今作を作りあげていきました。

━━井澤さんは新作をどう聴きましたか？ 井澤 惇（以下、井澤）　今日はdownyの新作を褒めまくる気できたんですが（笑）。まず去年の１月に僕らの15周年のイベントにdownyに出てもらったんです（他にtoe、SOIL & “PIMP”SESSIONS）。downyは裕さんが亡くなられてから活動をしていなかったのを知っていて僕らも出演の打診をしたんですけど、動いてくれたんです。それにSUNNOVAさんも加入して、新しいdownyとして前進しているのを僕ら自身もサポートしたかったんです。 ロビン　あの日新曲やったんだよね？　そこに向けて何曲か新曲やろうって。 井澤　始めようとしてくれるタイミングでしたよね。それを僕らなりにですけど、サポートしたいなっていうのもあって。でも、downyのライブをその場で見た時に自分たちが知ってるdownyではなかったんですね。前に進んでいくのが見えました。僕はずっとdownyの背中を見てたんですけど、まだ背中だったことが嬉しくて。その後にFRIENDSHIP.に参加して、またdownyと関わることになったんですけど、絶対的安心感のある方が来たというのはいまだに変わらないですね。だから最初にこの新作が出ることを知って、聴いてないのに絶対いいって知ってるんですよ、僕の中では。その上で「絶対いい」っていう印象をどう覆すか？　ていうのが楽しみで、その作品の中に入っていくというか。僕の中で今回の作品でびっくりしたのは音の環境というか、なんかすごくめちゃめちゃ高音質に作り上げたっていうよりは……。 ロビン　そう。全然全然。 井澤　まとまり方が不思議だなと思ったんです。まとわりつくようなギターがあったりするじゃないですか。音って右と左の２ミックスで別れるじゃないですか？　でも右とか左とかじゃ考えつかない、立体的な３Dの丸みたいな感じに俺は聴こえて、「これどうやって作るんだろう？」と思って研究しています（笑）。リズム隊の感覚も雰囲気が変わりましたね。 ロビン　うん。今回はサウンドデザインも込みで、レコーディングからそうなんだけど、秋山くん（Dr.）も結構、アイデア出してくれて。みんなの感覚が近いところでやっとレコーディングできたかなって感じだったかな。ただ新しいことをやればいいわけじゃないし、古くていいものもちゃんと取り入れたいなとは思ってました。やっぱり打ち込みじゃないので。生の人間がやる面白さもちゃんと出せたらいいなとか、なまりを残したいとか、そこは音の隙間で結構できたなと思ってます。 ━━「どこで何が鳴ってるんだろう？」という不思議さは確かにあります。 井澤　でも裕さんのギターって「裕さんだ」ってわかるんです。裕さんのギターが使われてるっていうのを事前に知らない上で聴いて、「これ裕さんいるじゃん」って思ったんです。その後にロビンさんのツイートを見て、「あ、やっぱりな」と思って。 ロビン　“砂上、燃ユ。残像”がそうですね。

第七作品集『無題』 - downy

━━ピアノが特徴的な“pianoid”はリズムもシンプルなようで複雑で。 ロビン　めっちゃ面白くないですか？　この曲、頭から四つ打ちなんだけど、四つ打ちに聴こえさせない。で、一回、キックが抜けて戻ると四つ打ちに聴こえるという。 井澤　リズムの中でのユーモアですね。 ロビン　そうなの。それを言わなきゃ伝わらなさそうだったから言っとこうかなと思って（笑）。 井澤　言っていきましょう（笑）。BPM141の16分音符の裏をBPM188でとらえると8分3連の三音目に置き換えることができる、ということをベースマガジンで言ったら、「全くわかりません」って言われて（笑）。

━━今ここで具体例を聴かないとわかりません（笑）。 井澤　LITEのリズムに関しては最近は武田（信幸／Gt.）と僕と半々で作るようにしています。いつも帰り道は車で武田と一緒なんですよ。その時に最近はdownyを聴くようにしようかなと思ってます。「これどうしてんのかな？」って研究をするために（笑）。 ━━メンバー同士で聴くとどこで反応するのか分かりますね。 井澤　そう。武田は僕と違うところに反応するのが逆に面白いと思います。でも、好きな音楽が一緒だからっていうのもあるんですけど、downyの音楽自身が、どこに引っかかるかわからない部分が散りばめられてるじゃないですか？　それが僕の中で引っかかってるところと違うところで引っかかる人もたくさんいるというのが、うちのバンドメンバーだけでもバラバラなんで、それって面白いよなと思ってます。 ━━シングル曲（“砂上、燃ユ。残像“）の先行配信はdownyとしては初めての試みですが、その意図は？ ロビン　先に1回出さないと進まないっていうのもあるんですけど、僕らあんまり出し方っていうのを考えたことがなくて。配信の面ではFRIENDSHIP.さんが色々アイデアをくれて、“砂上、燃ユ。残像“から1回出してしまおう、と。命日までには、という目標を設定していたのもありますが、本人がギターを弾いている曲を早く聴いてもらいたいという気持ちもありました。 ━━ファンからはどういう反応が多いですか？ ロビン　どうなんでしょう？　あまり調べないので全然わからないんですけど、シンプルにミュージシャンの方からメールとかで、「ネクストステージに行った感じがする」って言ってもらえました。音の面も楽曲の面もそれを狙ってるというか、そうでありたいなと。オリジナルなバンドでいたいし、downyは絶対に誰かっぽくないって言われたくないっていうのを突き詰めてやってるつもりなので、それのまた次のステージに行けたかなって感じはしました。

━━実際バンドが動くタイミングで同時に新曲が聴けるのは嬉しいことだと思います。 ロビン　そうですね。その方が早い時代なので、それは無視しても仕方ないというか。多分、どこもそうなんですけど、CD売れないと困るんですけど（苦笑）、やっぱり聴いてもらわないとどうにもならないっていうのはありますよね。早く聴く方法がストリーミングであるなら僕らはそこに否定はなくて、むしろ使っていけばいい。いっぱい聴いてもらえるのが一番いいんじゃないかなって、結構シンプルな感じですね。 井澤　実際、僕はロビンさんがTwitterで「シングルをリリースします」って発信してて、すぐに検索してApple Musicで聴いたんですね。それって今っぽくもあるし、直接的かなと思っています。何月何日発売って打ち出して、雑誌とかに何万円もだして広告打って、取材してもらって、それでいよいよ発売って３ヶ月間プロモーションしまくった上で、発売しました、みんなCD屋にゴー！ってよりは直接的だなと思うんです。お客さんと一番近い存在ですぐ聴けるっていうのは自分たちにとっても利益になります。 ━━LITEはどの段階からストリーミングの試みを始めたんでしたっけ。 井澤　日本でCD売れないってみんなが騒いでいた時にはやってましたね。Spotifyは海外のレーベルがもう先に出しちゃったので。海外ではApple Musicが出る前、Spotifyしかなかったぐらいにはもうリリースしてました。 ━━それは海外にツアーに行くことが増えたからですか？ 井澤　むしろ海外にライブしに行くようになった方が先ですね。iPhone3Gの前から僕らは海外ツアー行ってるので。

━━それはストリーミングも必然ですね。ちなみに今、お2人のリスニング環境はどんな感じですか？ ロビン　僕は制作用のスピーカーでも聴きますし、自宅のアナログ用のスピーカー、それとノイズキャンセラーのイヤホンですね。それと車のスピーカーですかね。リファレンスというか、それで聴き慣れるようにしています。 井澤　車のスピーカーはローがすごい出ますよね。走りながらだと、ローが消えるからちょうどいいんですよ（笑）。 ━━スマートフォンでも聴いていますか？ ロビン　使いますよ。車はBluetoothです。 ━━井澤さんは？ 井澤　俺、イヤホンマニアっていうか、音マニアなんで、家にラージモニタースピーカー、そのラージスピーカー用のヘッドホンを買いました。結構、仕事でコマーシャルな曲を作っていて、マスタリングまで自分でやらなければいけない場面が結構多いんです。ラージスピーカーのような鳴りができるようなヘッドホンを使っています。あと、モニター系がイヤホン含めて４つぐらいあって、リスニングイヤホンが……。（指で数える） ロビン　やりすぎじゃん（笑）。 ━━サブスクが普及したことで完パケのミックスで意識するようになったことはありますか？ ロビン　マスタリングの仕方は目標が変わってくるので違ってきます。全体にいいようにというか。三好（敏彦）さんがマスタリングしてくれたんですけど、リスニング環境の違いで15パターンぐらい送ってくるんですよ。 井澤　すげえ（笑）。 ロビン　「日曜日の夜」とか「月曜日の朝」とか、どんなに同じことやってもマスタリングの音が変わっちゃうんだって。日曜日って家に人が多くて電気使うから電圧ないとか、パターンをいっぱい持ってきて、メンバーでどんどん絞ってって、「月曜日の朝が一番いいな」とか。 井澤　だからか！ ロビン　で、「月曜日の朝」はiPhoneで聴くとちょっとキックが消えてるんだよね、とか。そういう比較をして絞り込んでいって。毎回、「鼻毛１本」っていう説明を三好さんがするんだけど、「ほんと鼻毛１本の差ですけど、これもあります」って送ってくれる（笑）。

━━ところでお二人が「FRIENDSHIP.」のキュレーターを引き受けたのはどんな理由から？ ロビン　声をかけてもらったのと、僕は単純に＜AFTER HOURS＞に出したい若手のバンドがいて、ライブに呼べるようになったという環境もあったので、シンプルに好きな子たちの音楽をもっと聴いてもらいたいなと思ったんです。それに関われる話としていいなと思ったからですね。僕はわりととんがり担当で（笑）。とんがった人をいつも紹介してはスタッフが交渉してくれている感じです。 そういうふうにいい音楽をちゃんと広める場所があるなら、そこにたどり着いた方がいいんじゃないか？　って子たちをサポートできたらいいなという感覚でした。それにこういう人たちが選んでいるんだったらーーもちろん落とされた人はどこからどう言っても落とされた、になるけど、ちゃんと聴いてるっていうのはわかってるので、安心して送ってくれていいよって感じはします。 ━━井澤さんはいかがですか？ 井澤　僕も同じく誘われたからですね。もともと僕は、自分で海外のレーベルをやってたんです。海外ツアーで仲間になったバンドたちをフックアップして、日本だと知られてないバンドなんですけど、そのバンドを日本に連れて来たいっていうのがあって。そのためにレーベルを作ってCDを売って、渡航費として返すっていう。本当にライブの時に売るための物販を作るCDレコードレーベルみたいな、小さなことをやってたんです。それは自分の収入には全くならないけど、でもLITEのためにはなるじゃないですか。LITEが友達の海外のバンドとツアーを廻る名目にもなるのでずっとやってたんですけど。

ロビン　えらいなぁ。 井澤　ということは、それと同じことをFRIENDSHIP.でやれるじゃないですか？（笑）　で、僕がやってきたやり方は地道で古いし、CDは売れない。でも、配信だったらもっと早いしっていう意味ではさっきも言ったんですけど、お客さんとの距離がすごく近くなるんですよ。どういうことかというと、海外のアーティストを連れてくる時のプロモーションがライブだけだとどうしても弱いので、もうLITEっていうメディア媒体しか使えないじゃないですか。 その、外国人と一緒にツアー廻ります、けどその外国人、知られていませんみたいな。そうなるとLITEのお客さんしか来ない。だったら配信でプロモーションを兼ねたFRIENDSHIP.があるから、そっちでやってみない？　っていう提案ができるんです。 ロビン　あとね、定期的にプレイリストを作らせてくれるんです。今まで俺が作って公開したところで、と思ってたんです。