1999年、名古屋生まれのグラフィックデザイナー・naka renya。その作品を見てみると、無表情のまま大きな目を輝かせたキャラクターに引き込まれる。nakaはこれまでにさまざまなミュージシャンのアートワークを手掛けてきた。

そんなnakaが11月4日（土）から始まる水曜日のカンパネラのライブツアー＜LET'S PARTY 4＞のアートワークを担当。このライブツアーは、10月18日（水）にリリースされる水曜日のカンパネラの新曲“聖徳太子”のリリースパーティーだ。nakaの作品のルーツや、今回のアートワークにこめた思いを伺った。

──まず、グラフィックデザインに興味を持ったきっかけを教えてください。

小さい頃からずっと絵を描くのが好きでした。でも、子どもの頃は本気で絵を仕事にしようとは思っていなくて、なんとなく絵が好きだなと思っているだけで。

その後、高校に入るタイミングで同級生とバンドを始めたんですけど、CDのジャケット、 ライブのポスター、フライヤーなどをデザインしなきゃいけなくなったんです。そこで、絵が好きだったので「僕がやるよ」って言って始めたのがきっかけです。やってみると、「デザインって面白いかも」「結構自分に向いてるかも」と思うようになりました。

───今も音楽に関連するお仕事をよくされているのは、そういったルーツがあるからなんですね。

そうですね。CDジャケットやフライヤー制作の仕事にすんなり取り掛かれたのは、バンドをやっていた時の感覚をすぐ共有できたからかもしれないですね。でも、高校生の時はもっと邦ロックっぽいバンドをやっていたので、今の絵柄とは全く違うデザインをしていました。

──今のような作風になったのにはどんな背景があるのですか。

今みたいな作風になったのは、2年前くらいかな。バンドは高校生から大学2年生ぐらいまでやってやめました。やめたきっかけは、僕がバンドサウンドよりも、クラブミュージックの方が好きになったからです。それで、作風も変わってきました。

クラブミュージックが好きになった頃から、東京のクラブミュージックのシーンにいる若い子たちとSNSで連絡を取っていました。東京にいっぱい友達ができて、もっとクラブの世界に飛び込みたいと思って、大学を卒業したタイミングで上京しました。僕のビジュアルデザインのイメージも、東京のシーンの方が合っているなと感じています。

──nakaさんの作品にはいつも可愛らしいキャラクターが登場しますよね。

昔からキャラクターが好きなんですよね。幼少期はポケモンが大好きで真似して描いていました。そのうち、色々な要素を組み合わせて、存在していないポケモンや新しいキャラクターを描くようになりました。

その延長上で、中学生の頃、授業中に自作のキャラクターを教科書に落書きしていたんです。そうしたら隣の席の女の子がめちゃくちゃ褒めてくれて、今でもよく覚えています。彼女は美術部で、学校で1番絵が上手い子だったので嬉しかったですね。デザインをするようになってから、当時のことを思い出して、またキャラクターを描くようになりました。

──nakaさんの描くキャラクターの性格や、キャラクターの暮らす世界には何か設定があるんですか？

性格というか、感情はあえてあまりわからないようにしています。嬉しそうにも見えるし、悲しそうにも見える、何を考えてるか分からないようにするように意識しています。でも、感情はないけれどロボットっぽい冷たさはなくて、温かみを感じるデザインにすることも心がけています。僕の中では、彼らはずっと寄り添ってくれる妖精の友達みたいな存在です。

僕のキャラクターが住む世界は「インターネット天国」です。自分の好きなものをごちゃごちゃとたくさん詰め込んだ絵を作りたいと思った時に、それって天国みたいだなと思ったんですよね。それで、僕の好きなゲームやインターネットのようなイメージと、天国っぽいお花や羽などのモチーフが混ざった世界になっています。

──鮮やかな色使いも特徴的ですよね。

色は特にゲームやインターネットに影響を受けています。現実世界にある色というよりは、画面で見て映える色が好きなので、それらの色を意識的に使っています。それに、今は多くの人がスマートフォンで何かを見るので、その時になるべくかっこよく見える色を使いたいなとも考えていました。

──今回、水曜日カンパネラのリリースパーティライブ＜LET'S PARTY 4＞のアートワークを手がけた経緯を教えてください。

水曜日カンパネラチームのスタッフの方からDMが来たのがきっかけです。もともと関わりがあったわけではなく、何の前触れもなく連絡が来たので、びっくりしました。打ち合わせの時に、「どこで知ってくれたんですか？」と聞いてみたら、少し前に出したキーホルダーをきっかけに知ってくれていたみたいです。

僕自身はもちろん水曜日のカンパネラのことは知っていて、詩羽ちゃんの雰囲気も僕の絵とすごく合いそうだなと思っていたので、連絡をもらった時は嬉しかったですね。

──＜LET'S PARTY 4＞のキービジュアルを作るにあたって、軸となったアイデアは何ですか。

真ん中にいる詩羽ちゃんをイメージしたキャラクターです。僕のキャラクターって、いわゆる「人」じゃないから、髪の毛もないし、口もないし、鼻もない。自分の絵でどう詩羽ちゃんを表現するかが、1番の課題でもありました。

詩羽ちゃんのメイクや髪型を色々な写真で見て、自分のキャラクターに落とし込みました。色合いも、僕の中にある詩羽ちゃんのイメージで、ビビットなピンクを使ってみました。

水曜日のカンパネラチームに送った時も「すごくかわいい」と言っていただけたのでよかったです。チームの皆さんと一緒に試行錯誤しながら作ることのできたデザインなので、楽しかったです。

──キャラクターの後ろにあるモチーフや文字もかわいいですね。

＜LET'S PARTY 4＞というイベント名を聞いて、ビジュアルからも「行きたいな」「どんなパーティーなんだろう」というわくわくを感じて欲しいなと思いました。パーティーに行く前のわくわくや高揚感って、子ども心に似ている感じがしたので、少し子どもっぽさのあるデザインを意識しています。

後ろに時計を描いたのですが、「時間を忘れてパーティーを楽しんでほしい」という気持ちを込めています。時間や周りを気にすることなく、詩羽ちゃんのパフォーマンスや水曜日のカンパネラの世界を楽しんでほしいです。羽は詩羽ちゃんのサインでも使われているし、天国っぽさもあるので僕の絵でもよく使うモチーフです。

文字の部分は1番時間がかかったところかもしれないです。僕はタイポグラフィを専門的に学んでいない上、漢字のデザインは特に難しいなと感じていました。色々試したのですが、今回はドットを重ねてゲームっぽさを意識しつつ、パッと見てわかるデザインにしてみました。

──キービジュアルの他に、グッズも制作されたとお聞きしました。どんなグッズを作られましたか？

作ったのは、ステッカー、パーカー、Tシャツ、キーホルダー、タオルです。キービジュアルで作った世界観をグッズに落とし込むにはどうしたらいいのか、チームと話し合って進めていきました。基本的にはキービジュアルで使ったキャラクターなどを使用しつつ、新たにキャラクターの顔がアップになったものやロゴなどを描き直しました。＜LET'S PARTY 4＞の会場や水曜日のカンパネラのオフィシャルサイトで販売される予定です。

──今回、アートワークを作るにあたって、nakaさんは水曜日のカンパネラの世界観をどう捉えましたか？

水曜日のカンパネラの楽曲って毎回すごく面白いですよね。歴史上の人物が登場するのに、めちゃくちゃポップで愛嬌があって、中身は現代的で。そんなギャップが面白くて聞いている人も多いと思います。

その上で、今回は水曜日のカンパネラのポップさや愛嬌を担っている詩羽ちゃんのビジュアルを意識してリサーチしました。詩羽ちゃんも僕のキャラクターたちがいる世界の住人だとしてもおかしくないようなビジュアルをしているなと思ってたんです。見た目はその人の感性によって出てくるものだと思うので、表面的なものだけではなくて、詩羽ちゃんの人間性を汲み取った上でデザインできたらなと考えていました。

──最後に、今後の目標を教えてください。

いっぱいあるのですが、目の前の目標で言うと、長編アニメーションを作りたいなと思っています。自分のキャラクターが動いているのを見たいという気持ちもあります。

長期的な目標としては、クラブシーンにいる同世代とクラブシーンの外側の人たちをもっと繋げたいです。最初にお話しした通り、僕はクラブカルチャーが好きで、VJやDJをしたり、ポップアップをしたり、よくクラブに通っています。そんな中で、絵を描いている子にたくさん出会うのですが、みんなまだ全然知られていないんですよね。逆にクラブの外で描いている人たちも、クラブの面白さを知らない。そういう人たちをもっとつなげて、みんなで盛り上げていけたらいいなと思っています。

2019年に東京からベルリンへ引っ越し、2022年からはロンドンを拠点に活動し始めたビジュアルアーティスト・平野正子（Masako Hirano）。これまでにRimowaのグローバルキャンペーンのビジュアル制作やスペインで開催の＜MMMAD Frestival＞への招致などグローバルで活躍するアーティストのひとりだ。また東京で活動を開始してから継続的に企業広告から、コムアイ、Tohjiなどの同世代のミュージシャンとの仕事まで幅広くジャンルを横断し活動している。 今回は、4月26日にリリースされた水曜日のカンパネラの2nd EP『RABBIT STAR ★』のジャケットデザインで挑戦した制作方法、海外で活動するに至るまでのさまざまな紆余曲折を聞いた。 東京のカルチャーシーンに公私ともに接続がある彼女が、これからも海外と日本を自由に渡りながらも挑戦していきたい想いとは？

──今回の『RABBIT STAR ★』のジャケットデザインしかり、さまざまな媒体に作品を提供していますよね。まずグラフィックデザインに興味を持ったきっかけを教えてください。 レコードのジャケットデザインから興味を持ちました。もともと母親が美術大学に行っていたこともあり、家にレコードがたくさんあったのですが、美大生らしいミュージシャンの顔ぶれながらレコードのセレクション方法が少し変わっていることもあったりして。例えば、ブライアン・イーノ（Brian Eno）のレコードをお店で見つけた時に、「この人の顔、お化けみたいでかっこいい」と顔ファンからレコードを購入して音楽にハマるとか。そういう様々な経緯で集まったレコードを、タイに住んでいた幼少期に母親がたまにかけていて、ジャケットを見て面白いなと感じていましたね。そこから中学生で日本の田舎に帰国した時、話が合う人も然程いなくて暇していたことから自主的にレコードを選んで聴くようになりました。まだ当時はYouTubeも出始めで動画も今ほどたくさんはアップロードされていないので、曲やジャケットから気になった人は、ウィキペディアで細かく調べていくようになって。例えばピンク・フロイド（Pink Floyd）のレコードのアートワークはヒプノシス（Hipgnosis）とか。そうした経緯でビジュアルにどんどん興味が湧いていきました。 ──そのジャケットデザインを作っている人が「グラフィックデザイナー」という職業だと気がつくのは、いつ頃ですか？ それは結構遅いですね。ジャケットデザインに興味を惹かれていた中学生の頃は、まだ認識していなくて。1枚の絵画を見る気持ちと同じだったので、そこにアートディレクター、フォトグラファー、イラストレーターなど様々な人たちが介在していることすら想像がついていなかったです。ちゃんと理解したのは、予備校に入った高校生の頃。それまで肩書きとしては認知していたけど、その職業が会社を回す会社員と同じような形態で、それぞれ役職の分かれた仕事として存在し得ることを知ったのはその時でしたね。 ──先ほどお話された通り、ジャケットデザインの裏側にはさまざまな職業の方々が協力して1枚の絵になっています。ほかの職業もありえたかもしれませんが、どうしてグラフィックを専攻したのでしょうか？ かなりシンプルな理由なんですけど、母親が武蔵野美術大学の油絵科卒業だったので、自分は反対の道っぽい多摩美術大学のグラフィックデザイン学科に進学しようと思ったことです。人生において、家庭環境に問題があって、人生の節々において母とは別の選択肢を歩もうと決めつつも美術は大切すぎて諦められず、それだったらジャンルは方向転換しようと考えていました。 ──反対……？　平野さんの中で「絵画」と「グラフィックデザイン」は真逆なものに感じたんですね。 それもシンプルで、細かな知識がなかったから。絵画はアナログツールでグラフィックはデジタルツールみたいな、ものすごく単純な思考でした。タイポグラフィの存在があるのも面白いなと思って。 ──実際、大学に入ってからは？ 第一印象は学科選びを間違えたかもと思いました（笑）。自分の世界観を表現する素養を養う場としては乏しい気がしたし、ソフトウェアに関しては既に使い方を知っていたりして退屈したり、自分が影響を受けてきたカルチャーについて話が合う人は入学当時同じ学科にはいなかったし、卒業する頃にもそんなにいませんでした。意外と違う学科のメディア芸術や油絵学科の方に、音楽・映画・本などカルチャーに関わる趣味が合う人は多くて。でも、もし私が絵画の学科を専攻していたら、いまみたいなクリエイティブなことを職業にはできていなかった気もするので、いま振り返ればグラフィックデザイン学科という商業志向のある学科に入学してよかったなと思います。

──在学中に制作として具体的に音楽との接点はありましたか？ 大学が都内から離れている場所なので、あまりクラブや外の場所に遊びに行ったりはしていなかったですね。その代わり、多摩美術大学の中にクラブ棟という2階建てのコンクリート打ちっぱなしの吹き抜けの建物があって、サークル活動にあてがわれていました。そこで出会った「テクノ研究会」というサークルに入ってからは、4年間のうちに様々な学科の同じ趣味を持った仲間が増えて、DJやVJをやってる人もいたなかで、私は踊る専門でたまにフライヤーのデザインを作っていました。学内で自主的にイベントをすることもありつつ、都内のクラブで先輩から引き継いだイベント枠で定期的に外での活動をしたりもしていました。 ──デザイナーだと企業に勤めてから独立するケースもあると思います。フリーランスとして「一人前になったな」と思ったのは、それからいつ頃のことでしょうか？ 2016年に卒業してから1年半後には、バイトを辞めて。かといって貯金も大してなければ、確証も大きくあったわけじゃないのですが、なんとなくそういう流れになっていきました。辞めてからはバイトを辞めた月の給料とまだ安定していないフリーランスの仕事での稼ぎしかないけど、前もって予約してた＜フジロック（FUJI ROCK FESTIVAL）＞に行って、大好きなエイフェックス・ツイン（Aphex Twin）のパフォーマンスに強い印象を受けて。ちょうど今年6月と8月にバルセロナとロンドンで同じくエイフェックス・ツインをフェスで観る機会があって、フリーランス7年目として何か原点回帰を感じる瞬間になりそうです。 ──作品のコンセプトは、活動初期の頃から変わりはないですか？ コンセプトはほとんど変わらないですね。クライアントワークでは多少調節していますが、自分の作品では意外とポップに見えてそうでもない世界観が多いんです。2020年のコロナ禍でCGの勉強をし始めて、今までにはなかった自分の頭の中にあるものの表現手段を新たに手に入れたことで、より自分自身がやりたかったことに近づけているように感じます。 ──2020年に開催した馬喰横山・ギャラリー「PARCEL」の作品は、まさにCGを融合した作品としては初めての発表の場になったと思います。 あの作品は言語化するのが難しいのですが……それまで15年間、鬱を抱えていたこともあって、自分が分裂しかけているように感じていて。でもヨーロッパに引っ越してから半年ほど経った折に途端に頭のモヤが晴れるような機会が急に訪れて、世界が今までの霧靄の状態ではなく普通に見えるようになったんですよね。その状態にたどり着いてから1年半ほど経っての発表作品だったこともあって、やっと分裂しそうだった頃の自分を冷静に振り返って受け入れながら作品制作をしようと考えて。モチーフにある「花」は、普遍的な存在でありながらも、昔から詩情を感じさせるものとして多くの絵画や文学に登場することに魅力を感じていました。普遍的な存在でありつつも、個人的な感情を込められる媒体であるというか。

──平野さんの作品は、一見ポップでありながらも、どこか光だけじゃなくて陰影の部分も両方見せているところが特徴的ですよね。 強く影響を受けている文学や映像作品などが中高生の頃から変わっていないからなんだと思います。むしろアップデートしなきゃなと思えるくらい30年以上前の映画や小説ばかり鑑賞していて。中学生の頃は自分には難しすぎる書籍でも、好きなアーティストなどのリファレンス元だと知れば理解できなくともとにかく図書館で借りて読んだりしていました（笑）。その中でも、夏目漱石の『硝子戸の中』や宮沢賢治の『春と修羅』、そしてテネシー・ウィリアムズ（Tennessee Williams）の『ガラスの動物園』などは自分の少ない人生経験の中でも何か呼応するようなものを多く感じて、歳をとるごとに読み返して新たな解釈が生まれるようになる経験をさせてくれています。サルトルの哲学も分かるわけないのに実存主義が気になって一生懸命読んでいたりしましたが、20代後半になってからはむしろ当時避けていた『星の王子様』や『ベルベットのうさぎのなみだ』など、平叙な文章で書かれた児童文学などに自分が本質だと感じて寄り添いたい物事を見出して居るのは、一つの大きな変化かも知れません。あとは、詩集を読んだり、映画の中に引用されている詩などにも影響を受けていて、ウィリアム・ワーズワース（William Wordsworth）の『草原の輝き』という詩や、谷川俊太郎のいくつかの詩にもとても心が助けられました。映画だと「ひとりぼっちの青春（原題：They Shoot Horses, Don't They?）」を繰り返し見ています。フェリーニ（Federico Fellini）やベルイマン（Ingmar Bergman）の静かな白黒映画にも心打たれましたし、人間の機微のようなものが内包されている作品を鑑賞しては、その作品が自分を反射する鏡や心に風を通すような窓になって、私の内面に影響を与えてくれました。

──水曜日カンパネラの初代ボーカル・コムアイさんとも作品制作をしていましたよね。今回の『RABBIT STAR ★』を手がけた経緯を教えてください。 マネージャーさんから連絡が来たのがシンプルな経緯ですが、私の世界観を理解してくれた上でのオファーでした。ピンクとブルーの色のリクエストを受けながらも、自分が最近制作してみたかったCG×グラフィックデザインの融合に取り組めました。どちらかがレイヤー上、前に主張しているわけでもなく、どちらもうまい具合に中和できないかなと。 ──今後ビジュアルアーティストして挑戦したい領域はありますか？ ずっと言い続けててなかなか実現できていないことなんですが、もう少しアーティストとして扱ってもらえる機会を増やしていきたいなと思ってます。自分の作品を精力的にアウトプットしていかないと、見られ方も変わらないことは重々承知なので、今後はデジタルだけではなく、3DCGでのデジタル作品の延長としてアナログの立体作品も発表していきたいです。 ──そうした想いは、海外に拠点を移したことにも関係があるのでしょうか？　2019年6月にベルリンに引っ越して、今年からロンドンに拠点を置いていますよね。 そうですね。アーティストとしての生活ができる環境だと思っています。日本にいた時は日本のクライアントワークから得られるお金で生活するのに困ることはなく、物価や生活費の面で日本の方が確実に何倍も楽に過ごせていたなと今は思います。でもコロナ渦をベルリンで過ごした折に、いち早く助成金が配られた人たちの中にはちゃんとフリーランスも含まれていて、申請方法もオンラインで簡単にできて、すぐに振り込まれました。家の契約に関して外国人やフリーランスという属性を理由に家賃を上げられたり、入居の申し込みを公正に判断してもらえないなんてことはありませんでした。大学も30歳以上の入学者もいて、常にいろいろなルートに可能性があるように感じるんです。その環境に良くも悪くも浸かり過ぎてしまうと、フリーライド精神のようなものが強くなりすぎてしまって、自分の目標を失ってしまうかもしれない。でも、そういう自己表現を蔑ろにしない環境が生活の中に権利として当たり前のようにあることは大事だなと思います。

──本当の意味での多様性というか。 それが日本では、ないかもしれないですね。アーティストとしての話だと、最近歴史のあるギャラリーがそれまでの文脈とは異なるカルチャーと接続ある作家の展示を開いています。ロンドンに引っ越してからまる1年間関わってきたサーペンタイン・ギャラリー（Serpentine Gallery）のプロジェクトが今年の6月にローンチされて、10月までフィジカルな展示が開催されているのですが、同プロジェクトのリードアーティストに選ばれているガブリエル・マッサン（Gabriel Massan）も3DCGをメインに扱うアーティストで今回はビデオゲームを作品として制作しているので、サーペンタインのような英国芸術評議会が設立に関わっているような権威のある場所においても展示の土壌に幅広い可能性があるなと体感しています。そうしたアートの領域の柔軟さは、課外学習で美術館に小さい子たちが集まっているような教育の場面でも素養が養われているのかなとも思います。ギャラリーでの招待制のオープニングにおいて、チームのメンバーとして前に出て紹介される中、借りてきた猫みたいな存在になっていないかと少し心配になりました。しかし、チームメンバーの中でただ一人だけ自分がアジア人であることに関して、私が自己表現をし続けてきたことがきっかけとなり、何のツテもコネもない状態でも相手から評価を得て、こういう場にちゃんと理由があって居られることに素直に嬉しさも感じました。 ──ベルリンからロンドンに引っ越した理由は？ 先ほど話したことにも繋がるのですが、ベルリンで鬱が寛解状態に向かった反面、もうずいぶん前に元気になったのにここに長く居すぎた、外に出なければと感じるようになりました。コロナ禍を過ごしたベルリンで、初めて誰にも評価されなくてもいいという環境が自分の意思とは関係なしに与えられたことで、気持ちがヒーリングされました。その分、たとえ今より厳しい環境になるとしても、次に自分が挑戦できる場所に行けるかなと。そんなことを感じていた時に、エイフェックス・ツインと同じレーベルに所属する好きなアーティストのショーや友人のポップアップの開催がきっかけで2年ぶりにロンドンに遊びにいって、自分の好きなアーティストや新しく出会った人たちと話すなかで「この人たちと来週も会いたい」と思ったんですよね。もともとUKの音楽全般が好きだったこともあって、自分がずっと好きだったものの生まれた場所にいてみたいと考え始めました。2ヶ月後にはYMSの応募が当たって、サーペンタインとの仕事も始まり、とりあえず渡航してその後にグローバルタレントビザ取得という目標が新たに生まれるなどしながら、自然と引っ越しするに至りました。 ──そういう意味では、今回の『RABBIT STAR ★』もアーティストとしてオファーされながらも、今後挑戦したい作品制作の糸口になりそうな機会だったかもしれないですね。 ありがたいことにそうかもしれないです。苦戦することを忘れずに、これからも前進していきたいですね。

10年以上にわたり、映像とダンスという二足の草鞋で活動を続ける映像監督／振付師・志村 知晴（Chiharu Shimura）。vivision 代表・児玉裕一に師事したのち、コンテンポラリーダンス就学のため欧・仏へ渡り、帰国後精力的な活躍を見せている。2019年には映像作家100人に選出。これまでに赤い公園、CHAI、MONDO GROSSO、Vaundyなど数々のMV、またPUNPEEやハナレグミのコラボ楽曲でも話題になった「父と娘の風景｜相鉄東急直通記念ムービー」などのCMに映像監督、振付師どちらの顔でも携わっている。

4月26日にリリースされた水曜日のカンパネラによる2nd EP『RABBIT STAR ★』の収録曲“金剛力士像”のMVでは映像・振付両方を手がけ、今までの詩羽のイメージから一転、トゥワークから新たな一面を引き出したことで話題を呼んだ。制作の出発点となる「音」に対して、視覚では色や形を連想させ、踊りでは直感的にリアクションしていくという彼女が、本作にて表現した大胆なアプローチにこめた想いとは？

映像とダンスとの意外な出会いから、海外留学を経て見えてきた体系立てられた身体の動かし方、そして今後挑戦したいことまで話が尽きない程に10年間のことを笑顔で語ってくれた。

──映像監督／振付師とふたつの肩書きを活動にしていますが、興味を持ったタイミングはそれぞれ違うのでしょうか？

真正面から興味をもったというよりも、変なんですよ……（笑）。もともと幼少期からお姉ちゃんと一緒に絵を描くことは好きだったんですけど、ひとつの絵を精密に描けるお姉ちゃんに比べて、わたしは長時間もひとつの絵を描くことが苦痛でした。お姉ちゃんみたいに上手く描けなくてダメなやつだなと思っていて。でも、音楽を聴きながら想像したシーンを繰り返し描くことは楽しかった。MVも音楽と同じく、3〜5分間の集中力で楽しめるから好きでしたね。そこから、両親から美大に行ってもいいよと了承を得て、武蔵野美術大学の映像学科を専攻しました。でも、いざ入学してから自分が長編映画を観れないことに後天的に気がついたんですよね。「映像学科なのにオワタ」と絶望しました（笑）。

──入学してからすぐに壁にぶつかったんですね（笑）。そこから映画とは違う、映像の魅力に惹きつけられた具体的なきっかけはありますか？

ミュージカルも元々好きだったこともあり、入学当時に舞台芸術学科専攻するか迷っていて。1年生の時に、たまたま出会った同学科の先輩のお手伝いをしに小劇場に行ったんです。当時は、まだ日本の小劇場も元気で、舞台にまつわる映像資料をたくさんもらったんですね。その中に収録されていたダンサーさんの幕間のビデオを観た時に「演劇やト書きが映像の文脈をつくっているのではなくて、踊りがその文脈になってるのかも」とすごくしっくりきた日がありました。そのビデオを朝までループで観続けた結果、映画のように文字ではなく、身体表現によるエクスプレッションを文脈にした映像のあり方が腑に落ちて。

──映像と踊りに同じタイミングで惹きつけられたんですね。

でもそこから事件で、自分も踊らなきゃいけないことになったんですよ（笑）。学友たちとチームでコンペに出したら審査に通ってしまって。その後＜吾妻橋ダンスクロッシング＞や＜FT TOKYO＞をはじめとするダンスの祭典に出ることに。時代背景としても、ピナ・バウシュ（Pina Bausch）がすごく流行っている時期だったこともあり、端正な動きよりも素人の方の動きの方がマテリアルとして流行していました。黒田育世さんのようなコンテンポラリーダンス界のトップから、PCをパキッと折る表現をする人もいたり、いろんな垣根が一気に台頭した時代ですね。なので、（多少やっていた身とはいえ学びながら）舞台に出て踊る方として在学中4年間は活動を続けました。

──先ほどお話にあった映画のような人物像の作り方と、ダンスを通して表現する人物像は異なるものなんですね。志村さんは後者の方が人物像を描きやすかったと。

そうなんですよね。例えば「ゆうこちゃん、かわいいね（頭をなでる）」というようなト書きよりも、もはや表情や動作の方が、わたしは作りやすい。身体が先に動いてから言葉が乗る時って、発声のようなものに似ていて。ダンスは、その人が生きている現在軸の動きを抽出して、最大限に生かそうとする。だけど、演劇は本当にその役に成り切ろうと、もはや自分を失っていく行為でもあるというような話を俳優の友人と何時間も議論したことがあります。わたしは自分に蓄積された動きを見続けてギュッと凝縮してダンスに表現するから真逆だよねって。中身の具というよりも、お出汁の方から興味が来ちゃうんだと思う。

──その後、映像作品を制作し、vivisionの児玉さんとの出会いへ続くのはどのような流れだったのでしょうか？

踊ることと同時に、ダンスの文脈を含めた映像撮影にも20歳の頃に挑戦したことがきっかけでした。その作品1本目がシアター・イメージフォーラムで上映されることになって。そこで、小さい頃にジャポニカ学習帳に書いてた「人生で会いたい人リスト」の全員に入選した作品を送ったんです。いま考えたらヤバいですよね（笑）。サンタから、ヴィル・ヴィオラ（Bill Viola）、オラファー・エリアソン（Olafur Eliasson）まで色々と。そのリストの中に児玉裕一さんもいて、作品を送って会ったことを機にvivisionに入りました。その後もダンスのコンペに出ることも2軸で続けていったのですが、もうちょっとアカデミックに勉強したいと思い始めて21歳で留学を決めました。

──留学してからダンスへの印象や意識は改めて変わりましたか？

本当に変わった気がします。現地で成功している先輩や友人と比べて、当時なにか大成できたかと聞かれると「うーん」と思ってしまうけど、俯瞰して身体の動きを分析できるようになりました。例えば、向こうでは重力やフィボナッチ数列によって体系立てられる程、ダンスが学術的なものとして扱われているんですよね。動きは紙面にもグラフィックにも起こせて、物理や方程式に関係しているように感じていたので、現地でちゃんと話し合える仲間がいることをすごく愛おしく感じていました。そういう視点が自分に培われて、ダンスに対して0から100で変わった気がします。

──一見、動きは感覚的なもののように見えますが、実は理にかなっていることが多いと。

そうです。でも、料理においても同じことが言えると思っていて、ご飯の下ごしらえがちゃんとしてあるから生臭くないとかもあるじゃないですか。それと同じく、「嬉しい！」という動きをバーンと表現するにしても、息、筋肉やタイミングが関係してくる。振付師としてその視点を持つことで、ダンスの方向性に合わせたダンサーさんの素質を見極められるようになりました。フレンチだけ勉強したら、日本食はちょっと厳しいとかあるじゃないですか。でもその出汁の部分に関して固執しているダンサーさんだったら、色々なジャンルに派生できる可能性を考えられる。一個一個のアプローチによって表現すべてが変わってきてしまうけど、逆にいうとそういうことをすっ飛ばして実践する人が多くて、単一化している部分もあるんじゃないかなって。

──ご自身もダンサーだった経験から、振付師としてはその動きを俯瞰して冷静に観察するんですね。映像とコレオグラフィを考える時の頭の使い方は違いますか？

右脳と左脳をそれぞれ使ってるイメージはあります。でも面白いのが、3日間連続で違う人に言われたのは顔が変わるらしいんですよ（笑）。気が付いてなかったんですけど、照明部さん、ヘアメイクさん、アシスタントにも指摘されて。アシスタントからは「振付している時の知晴さんは4センチ浮いてます」って言われました（笑）。

──顔が変わるはすごいですね（笑）。右脳と左脳それぞれどちらに使ってますか？

振付は右脳で、映像監督は完全に左脳ですね。振付は経験を感覚的に打ち返していて、監督は先まで見てから判断することの責任を持っているので、それぞれ違う反射神経を使ってるんだと思います。特に振付に関して思うのは、できるだけ前情報を持たずに「身軽に、なるだけ何もない状態で」というのは心がけています。フレームが進む中で相手から自然と出てくる動きを見た時に、脳のシナプスに入ってくる速度を逃さずに一個一個判断していく方がスムーズなんですよね。10年間、両方を続けてきたからこそ、同時進行で右脳と左脳を使っていても、せかせかせずに自分で時間のスピードを調節できている気がします。

──もともとは、感覚的もしくは、考える方どちらだと思いますか？

めっちゃ考えちゃう人だったんですよ。小学校の通学路にある畦道の端まで歩くときに「今日はこの件について考えながら帰ろう」と思ってたくらい。もはや考えるべく、友達と帰ること避けていました（笑）。18歳で寸劇のような映像作品を撮っているときも、映るもの以上のことを考えすぎちゃってましたね。だから映像製作期間にダンスをやっていても、ついつい大量消費や食品ロスのことについて悩んでしまったり。日本の広告業界について一度嫌だなと思っちゃった時期もあったんですけど、そういう冷静に考え込む感覚を持っておくことで、ひとつのリマインダーにもなるとポジティブに思ってます。逆も然りで、身体を動かすと急に現実に戻って「人間ひとりができることは意外と少ないのであ〜る」なんて軽く思い知らされることもあって。なので、割と考えがちで小心者なわたしをダンスは「できる」と背中を押す手助けになってるのかもしれないですね。

──制作に取り組む時のインスピレーション源は異なりますか？

そんなに遠くないです。共通しているのは「音」かもしれないですね。最初に音源を聴くタイミングが大事なので、集中できる場所で流します。映像制作のときは聴きながら、色を連想したり、かたちやテクスチャを想像するので、メモで一旦残しておいて。最終的なデリバリーを見るとちゃんと連想したものが入ってますね。振り付けでは、歌詞よりも曲のかたちや音の楽譜を拾おうとするので、どんなにポップな歌でも重低音があればそこに合わせて考えていきます。

──今回リリースされた“金剛力士像”はどのようなプロセスで始まりましたか？リリースに寄せていたコメントで「曲を拝聴したとき、らぶだ！ らぶバイブスだ!!!!!!」という一言目が印象的でした（笑）。

そうなんですよ。パッと聴いた時の第一印象が「えっ！　これラブじゃん！　ラブの話じゃん！」と思って打ち合わせにワクワクしながら行ったら、福永さん（マネージャー｜水曜日のカンパネラ）と詩羽さんから「これお友達の話」って言われてびっくりしちゃって（笑）。でも「そこは監督の自由です！」と返答をもらえて安心したくらい、超勘違いしてました。例えば、〈「I know you」に始まって〉とか完全に「あー、ええやん……出会いやん」と思って、ピンク色を想像して。

──勘違いが功を奏して生まれた今回のストーリーラインになったんですね（笑）。ダンスでは、いままでの詩羽さんの印象から打って変わって、色気を感じるような眼差しや動きが特徴的でした。

振付目線で最初に曲を聴いた時の印象は、イントロが立っていて、サビが意外とサラッと終わるような感覚でした。だから、サビに入る前になにか取っ掛かりを作りたいなと考えてましたね。そこに今まで詩羽さんが完璧に表現してきた「かわいい」のイメージを超えた、彼女の中身について観れる時間を作った方がいいのかもしれないとも感じていました。ライブを拝見した時に、見せ方に関しては100万％完成されていて、体の使い方も可能性を秘めているように感じつつ、知らない動きは混在していない印象があったので、ここで丁寧に向き合う機会を作ろうと思って。あとは水曜日のカンパネラに加入してから自己紹介もそろそろ終わっただろうし、とてもまっすぐな方なので、彼女の内面から出てくる形として作ってもみんな好きになってくれるんじゃないかなって。打ち合わせでは、ほかのポップな動きのリファレンスも提案いただいたのですが、きっと彼女なら「かわいい」に対しては250キロでリーチが可能。だからこそ、自分の作品ではラブストーリーとして「ビヨンセ入れて、ちょっと一発みたこのない方向にしましょう」と。

──トゥワークもそうしたコンセプトのもと入れた動きだったんですね。

トゥワークは〈ふたりは ／「I know you」に始まって〉の間にバスが鳴っている音を視覚化しています。わたあめのように軽やかな曲の印象に、そうしたグランデッドな動きを注入したかったんです。ある種設計的に考えて作りました。でもリハーサルで詩羽さんから「どの音を取ってるんですか？」と質問されて「聞こえる聞こえる」と議論になりました（笑）。歌い手さん、作曲家、ダンサーそれぞれで聴き取る音が違うみたいで「わたしの知らない音だ！」ってめっちゃ発見を感じていた様子でしたね。

──トゥワーク以外にも阿波踊りを入れているシーンもあったかと思います。

勘がよろしいようで……。ちょうどその時期に別件で、阿波踊りを勉強していたことと、音源に対して韻の踏み方が似ていたので取り入れました。トゥワーク、阿波踊りなど歴史のある踊りを使うときは、精通した方にいつも入っていただくようにしています。今回もリハーサルで、一度アフリカンビーツ専門の方にトゥワークを全員で習って「ヒップホップと違って胸を突き出すよりも下半身を重点にしていること」、「手を動かす仕草は相手を誘っている」など動きひとつひとつの意味を教えていただきました。

──YouTubeのダンス動画では「狭い廊下で踊る迫力感がめっちゃいい」というコメントを多く観ました。あの場所に合わせた振り付けで考えていたのでしょうか？

あれは完全に事故ですね（笑）。むしろオーディエンスの皆さんの優しさを感じてました。わたしの想像では、ビヨンセの“クレイジー・イン・ラブ”のように詩羽さんが右に動いたら、ダンサーが後ろから付いてくるような大きな集団の動きにしたかったんです。そこから色々撮影現場の事情で変わっていって予期せぬ形になって。でも結果的に縦型のリリースとしてはフィットした映像になりましたね。

──最近勉強したり、興味のあるダンスはありますか？

3年前はイスラエルのダンスを勉強してました。特にイスラエルのバットシェバ舞踊団のダンスメソッドが好きです。行こうとしていたくらいなのですが、そしたらコロナになっちゃって。その代わりコロナ禍中は、土着的なダンスに興味が湧いて、福島のお祭りの身体の使い方はすごく好きです。それらと対局なところとして、音楽家の友人とご飯するときに彼らはマテリアルの話をすごい話すんですね。「透明な」とか「すっとした」とか。そういう感覚を音楽と共にシンプルなアプローチで身体表現することにも興味があります。出汁の研究しにいくのと、スナック食べたい欲がどちらもあるような感じ。

──両方行き来することで、ちょうどミックスできるタイミングがありそうですよね。

そうなんですよ。食に関しても、ずっと高いもの食べてるとイライラしません？　急にKFC食べたくなるとか。さまざまなものに対して、ちゃんと勉強した上で偏見に縛られずに、混ざると面白いですよね。今後挑戦していきたいと思ってます。

──以前、踊りについて調べていたときに岡本太郎が津々浦々祭りを見る中で「素人の老婆の小躍りが一番良かった」というような評価をしていて。もちろんプロのダンサーさんの鍛錬と比べてはいけないと思うのですが、さまざまダンス経験や人生経験をもつ方々を束ねるときに振付師として、意識していることはありますか？

振付師は、ダンサーとクライアントの間の変換器として機能する場面があるんです。例えば、ダンスというと「みんな自由にエクスプレッションしている。それだけができればいい」とクライアントからオーダーをいただくこともあるんですが、ダンサーからすると特定の状況でないとまじで萎えるオーダーでもあるんです。実際ナチュラルに見えても、彼らはプロとして完璧に仕上げるために練習を重ねてきているから。どんな状況でも常に120%を動きや表情に乗せられるのがプロのダンサー。一方で、その岡本太郎が言ってるおばあちゃんの動きが最たる踊りだということもすごく理解が及びます。例えば、とある仕事でふたりの10代の女の子に振り付けをした時に、一人はK-POP好きで踊りに慣れていて、もう一人はダンス経験が全くなくて。そういう子でも、感覚的に踊ってみて気持ちいい動きがあるんですよね。自然になされている動きでも一番感情や思考、表情がすべて乗る瞬間があって。どうやって音と愛し合おうかって感じて自然に出てきたのが、そのおばあちゃんの踊りにつながる良さなのかなと。だからプロのダンサーに対しても、端正にしてみんなで集団的な均一化された美しさを目指すのではなく、個々人が一行余白のある動きを連ねる時に、どういう質感を持ってくるか、笑顔を作るか試行錯誤してほしいんです。一個一個の動きは本当に単純だから。そこで全員集まってタイミングが合うことによって、ようやく一つの生きものみたいになることを目指しています。なので、振付師としては、踊り手が自ずとモチベイティブなパワーに思考が及ぶように指揮を取るように意識していますね。

──最後の質問として今後どのような存在になりたいですか？

えー、どうなったら面白いと思いますか？（笑）

──自分が表現者として表に出たいって気持ちになったことは……？

振り付けビデオには、ちょこちょこ出てるんですよね。でも出役の方々を見ていると、上手いことに加えて、見てて美しいというベールがもう一枚ある。だから今までも出演した映像には、自分らしく面白半分で出てますね。最近マネージャーからは片鱗として、表に出た方がいいって言われて、考えつつではあるんですけど、おこがましいと思っちゃいます。

──今後挑戦したいことはありますか？

KDDI株式会社が、メタバース・Web3サービスプラットフォーム「αU（アルファユー）」のローンチを記念し、3月8日から12日にかけて＜αU spring week 2023＞を開催。本イベントでは、オフラインでの音楽ライブ・トークショーに加え、次世代クリエイターたちとコラボレーションした特別展示「αU apartment」が渋谷Hz-Shibuyaを拠点に披露されたほか、メタバースでは「αU metaverse」や「αU live」といったバーチャル空間で、展示だけでなくコラボレーションしたクリエイターによるイベントも開催された。

特別展示「αU apartment」会場内にて、今注目のアーティスト、クリエイター、インフルエンサーとコラボレーションした「マイルーム」が公開。また、イベント期間中に、5日間連続でパーティが開催された。毎日、異なる世界観が楽しめるこのパーティでは、トーク・音楽ライブ意外にも、生配信やミート＆グリートなども実施され、連日大盛況のうちに完走した。

YouTubeチャンネル『とうあ』の登録者数は111万人を超え、性別にとらわれない自由なビジュアル・考え方と、個性的な動きや発言で10代を中心に絶大な人気を誇る「とうあ」。「おはようでやんす」「きまZ」など若者トレンドワードを生み出す次世代のキーパーソンのひとりだ。10代の心情や葛藤を綴った楽曲“若者(Young)”でアーティストデビューを果たし、今年には独自の世界観を表現した初のフォトブック『何者』を出版し大好評。

そんな「とうあ」が、今回はリアル会場とメタバースの両方でフォトブックの世界観を体感できる「マイルーム」を展示。さらに初公開のオフショット動画をみながら撮影の裏話や、20歳のリアルな気持ちを語り尽くすトークショーと、来場者を対象とした「何者」フォトコンテストを開催した。自身のフォトブックについては、「違和感」をテーマに、3日間で20パターンを撮影するというハードスケジュールで行われたことを明かし、バスの車内でのファッションショーやごみ処理場での撮影だけでなく、水中でメイクをしたり、泥をかぶったりなど、とうあ自身も「自分史上、一番過酷だった」と語った。その分、こだわり抜いた一冊として自信を覗かせ、「誰も作ったことのないような作品になっていて満足している」とコメント。他にもメイクやファッションに対するこだわりを披露するなどファン垂涎の内容に。

トーク中には実際に「αU metaverse」内にはいってルームツアーを実施。ルームの中を散策しながら、作品一つ一つを丁寧に紹介した。「バーチャルの中に入っているのって新感覚！凄い楽しい」と、今までにない作品展示を楽しんでいる様子を視聴者とともに楽しんだ。自分の「マイルール」について、「妥協しない」と即答するなど、新たなチャレンジを続ける「とうあ」らしい印象的なトークを展開した。

2000年生まれのミレニアル世代、女性アーティストのRINNEEE（吉田凜音）。歌とラップを織り交ぜたセンスフルな楽曲と、キュートでポップな世界観が魅力を放ち、ライブで披露するダンスでも熱視線を集める。同世代からメイクやファッションでも人気を注目度も高く、映画への出演や、CMへの出演など、幅広い活躍を見せている。

イベント当日は音楽活動を「RINNEEE」名義で行っていくことを発表した次の日だった。「アーティスト名、変わりました！　RINNEEE（リンネ）でやっていくことになりました！」と改めてファンに報告し、新曲“Shut up”と“文句BOO”を含む6曲を披露したライブパフォーマンスでは、RINNEEEだけでなく、一緒に中国の番組に出演した仲のMomo Koyamaや、新曲“文句BOO”をプロデュースしたいつかが飛び入りゲスト出演。若き才能同士のコラボレーションに、会場は自然と拍手に包まれた。

リアルとバーチャルが融合した新しいカルチャーイベントとして開催されている今回。RINNEEEは「RINNEEEさんにとってのバーチャル」を聞かれると、「バーチャルは身近」と即答した。普段からゲームやVRが好きで自宅で楽しんでいることを話し、おすすめのゲームについて、トークが盛り上がる場面も。最後にライブの感想について、「ガラス張りの会場だったので、渋谷の街を観ながらのライブは新鮮でした！　会場全体でバーチャルな雰囲気を味わえて素敵な夜になりました！」と締めた。

TikTokフォロワー数89万人、総再生回数は3億回超え。ティーン世代から絶大な人気を集めるモデル・ロイ。商品紹介やダンス、アカペラ動画など幅広いジャンルに挑戦し、ハイテンションで独特なトークが人々を惹きつける。そんな「日本一うるさいモデル」ロイがお届けする、「春のロイ祭り」を題された今回は、当日までどんなステージになるのか“お楽しみ”として明かされていなかった。

まずスマホ片手に登場したロイは、TikTokでのライブ配信をしながらハイテンションで登場。実は、初のリアルライブ開催となるロイさんを目当てに、会場には50人近くのファンが集結した。「みんなバンバン撮っちゃってね」とファンに声をかけると、ファンは大盛り上がり。

新曲“わらびもち”をリリースした「プレイバック期間中」であるロイは、“わらびもち”以外に“KNOCK KNOCK”や“チキンマサラにナンつけたい”など、独自の世界観を詰め込んだ楽曲を披露。客席に接近するなど、ステージだけに留まらず自由なパフォーマンスにファンの興奮も最高潮に。「絶対成功させたくて、前日、友達とのお泊り会でもずっと歌っていた！」と、この日のために猛練習したとコメント。これで楽曲は出し切ってしまったので、「作んないとヤバイ！」と新曲リリースに向けて意気みをみせた。

さらにミーグリタイムでは、ロイ自身が考え抜いたプレゼント「りんご飴」や「ドリンク」のお渡しと、フォトブースでのツーショット撮影タイムを実施。「みんな～！　写真撮ろう！」と会場に呼びかけ、ファン１人１人と思い出をつくり上げ、ステージは幕を閉じた。

世界最高峰のダンスバトル大会＜JUSTE DEBOUT 2017 WORLD FINAL＞でワールドチャンピオンに、さらに「TikTok Awards 2022」では「Dance Creator of the Year」を受賞するなど、国内外そして年代を問わず様々なフィールドで活躍するハウスダンサー・Miyu。水曜日のカンパネラ“エジソン”のミュージックビデオで、「足ダンス」を披露したことでも話題の彼女にちなみ、今回は座るだけでミュージックビデオのような撮影ができる「エジソンの部屋」が特別展示。さらに「足ダンス」のワークショップも開催された。

実物をみたMiyuさんは、「再現度めちゃくちゃ高くてびっくりしました！座るだけでレアな動画が撮れますね」と喜びをみせる。またワークショップでは、足の動きひとつひとつを丁寧にレクチャーしていく。Miyuは「みなさん、ミュージックビデオに出演している気分でノリノリでやってみましょう！」と、来場したファンに投げかけ、ファンは思い思いに足ダンスを実践。会場が一つになっているように盛り上がりに。そして特別に、ステージ上でMiyuさんと一緒に踊れる「足ダンス」タイムがスタート。6名限定のところ、会場のほとんどのファンが希望し、争奪戦となった。選ばれたファンたちは自分たちのスマートフォンでも撮影するなど、スペシャルな時間を少しでも残そうと色濃く味わっていた。

＜αU spring week 2023＞のラストを飾ったのは、東京を拠点に活動する女性アーティストとクリエイターによるコレクティブ・bala。3月8日に1stシングル『barla』をリリースしたbalaは、MANON、SUNNY ONLY1、DAN、KANOの4人からなるクリエイティブ集団で、各々の活動も次世代クリエイターとしてティーンエイジャーをはじめ著名人からも人気を博す。3Dアバターキャラクター「BI」を介し、次世代インターネット「WEB 3」など、積極的にエッジテックを活用したクリエイティブにも取り組んでいく彼女たちは、まさに「もう、ひとつの世界。」を開拓しながら創造している要注目集団だ。

今回、balaはHz-Shibuyaでのマイルーム展示、リアルとバーチャルでもイベントを開催。様々なシーンでbalaの世界観が体感できる内容に。マイルームについては「もともとKANOちゃんが3Dで作って、そこから着想を得て完成しました！　みんなぜひ、写真撮ってね」と紹介。来場したファンも、フォトジェニックな空間を思い思いに撮影した。αU metaversで開催されたバーチャルライブは、リアルとはまた違ったコミュニケーションができたようで、「またやりたい！」とメンバー全員が大興奮。

デビュー曲“barla”について、「ミュージックビデオを2月の本当に寒い時期に撮影したのに、それを感じさせないクールな表情もみどころです」とアピール。様々な活躍が期待されるbala4人は、「これからも、コンセプトがあるイベントをどんどんやっていきたい！」と意気込みを語った。

クルーメンバーでもあるKANOがデザインした可愛らしいキャラクター「BI」がアバターとなってステージに登場。balaメンバーの動きにリンクしてパフォーマンスを披露した。「みんな！はじめまして。balaです！　balaは、それぞれ違った感性や個性を持った4人が集まって、個性大爆発！　化学反応起こして行こうっていうクルーです！」と自己紹介。デビュー曲“barla”を披露すると参加したファンは一緒にダンスしたり、サイリウムを振ったり、ライブとはまた違った楽しみ方に。公式YouTubeにてαU metaverseで公開されたライブをさらに演出など盛り上げた新バージョンを公開中なので、こちらも要チェックだ。

YouTubeチャンネル「レオナちゃんねる」の登録者数は25万人を超え、歌配信やゲーム実況などを行なっている獅子神レオナ。これまでにシングル4枚、アルバムを3枚発売し、2022年には初めてのフルアルバムをリリースするなど、ポップストリームをハイスピードで駆け上がっている人気Vtuberだ。

αU metaverse内に新設されたライブ会場に登場し、まずは“Brand New Days!”と“ナンセンス・ワード”の2曲を歌い上げた。会場内は曲に合わせてレーザーなどの照明演出がされ、参加しているファンはサイリウム片手に参加。「どうですか？みなさん良かったですかー？」という獅子神レオナがファンに投げかけると、ファンたちは拍手などのリアクションで反応し一体感のある盛り上がりを見せた。ラストにはオリジナル楽曲“頑張れ頑張れ超頑張れ”を披露し、ライブは幕を閉じた。

さらに合わせて開催されたミーグリでは、ファンが待機しているルームに獅子神レオナさんが登場すると「かわいい～！」とファンはバーチャル空間ながら熱気が高まる。今回は、獅子神レオナと同じ空間に入っておしゃべりが実現し、参加したファンは記念撮影などを楽しみながら、「貴重な体験！」と感激する場面も。公式YouTubeでは音楽ライブの様子を公開中。ぜひチェックしてほしい。

2021年9月6日、コムアイが脱退、二代目として主演/歌唱担当に詩羽が加入となり新体制での活動がスタートした水曜日のカンパネラ。“エジソン”のMVが解禁後、SNSを中心に話題となり、4000万以上再生を突破。 TikTokでは、若者を中心にキャッチーなメロディに合わせて踊る動画が拡散されるほか、詩羽のアイコニックなスタイルにファッション業界からの視線も熱い。ABEMAオリジナル恋愛番組『隣の恋は青く見える4』の主題歌“赤ずきん”のリリースや、街や場所とパフォーマンスを記録するプロジェクト「RECORD」を北九州若松区で開催するなど、音楽やファッションを通じて様々な活動をしている。

バーチャル空間で展開されたライブパフォーマンスでは、“ティンカーベル”や“エジソン”、“バッキンガム”など人気楽曲を披露。今回、初めてアバターになった詩羽は「アバターをとても可愛く作ってもらいました！」と大満足な仕上がりについてコメント。楽曲に合わせて、歌詞が空間に浮かび上がったり、ステージに絵本風のセットが突然登場したりと、バーチャルならではの演出に、ファンは釘付けに。

ミーグリでは、詩羽さんのファンがルームに集合。「ライブどうでした？」と詩羽さんがファンに問いかけると「エジソンが良かった！」や「すごいかっこ良かったです！赤ずきんが一番よかった」など次々と声が上がり、「リアルではできない演出ができて良かった」とライブの興奮さめない空間となった。また、ファンからは5月にスタートするライブツアーについて聞かれると、詩羽は「今年は勝負の年にしたいから、みんなで元気に走り切りたい！」と意気込みを語った。このようなミーグリは初めてという詩羽とファンは、リアクションを送りあったり、ダンスモーションを使って一緒にダンスしたりと、特別な時間を楽しんだ。公式YouTubeにてメイキング映像を公開中。

若戸大橋のたもとに位置する＜大正町商店街＞。無骨なアスファルト舗装の通路に、年季の入った木造の建物が軒を連ね、昭和の香りがぷわんと立ち込めています。今も鮮魚店や海産物専門店、精肉店、八百屋など、長年若松の食を支える老舗が元気に営業中。

アーケード内はどこか刹那的なムードとノスタルジックな情景が広がり、そこに佇むだけで絵になる空間。『RECORD』撮影では詩羽自らカメラを回す一幕も。商店街のバックヤードにも潜入し、あちこち気ままに練り歩くその姿はまさに……ネコ!?

商店街は人馴れしたネコたちが集まる“ニャンスポット”。地域の人々に育てられている“地域猫”も多く、ほとんどのネコが近づいても逃げることなくすり寄ってくれるフレンドリーな性格です。道ゆく人も思わず撫でに集まる吸引力。これぞ千客万来の招き猫！ ネコ好きの詩羽も喋りかけながらネコたちとの憩いの時間を楽しみました！

撮影をしていたら、下校中の小学生やその親御さんなどギャラリーが大集合！ 詩羽を見た瞬間「水曜日！」と黄色い歓声をあげたり、恥ずかしそうに話しかけたり、詩羽も出会いの記念にステッカーをプレゼント。お買い物中の人たちも「人魚さんみたいでかわいい！」と続々と駆け寄り、ほのぼのとした触れ合いに心がほっこり。

若松区のマスコットキャラクター「わかっぱ」のぬいぐるみを持ってパシャリ！ 若松産のおいしいトマトをたくさん食べて、からだがトマト色になってしまった河童さん。背中の甲羅は若松産のスイカがモチーフになっているようです。こ、これは、かわいい……！

『RECORD』の冒頭で登場する、大正町商店街の中にある＜海産物専門店 もりやま商店＞。店頭には辛子明太子や鮭、その日仕入れた海産物、炙りいわしの干物などがずらりと並び、気立ての良い店主ご夫妻が歓迎ムードで接してくれます。撮影の合間、奥さまと詩羽が意気投合。「うちの姪っ子にそっくりだわ〜。」といった和やかな会話が繰り広げられていました。

お店の前には昔の若戸大橋や商店街の様子、若松の街の写真が展示され、「昔は高塔山にロープウェイがかかっていたり、デパートの屋上に観覧車もあったりしたのよ。若戸大橋から見る夕日は本当にきれいだからデートにおすすめ！」と地域の歴史やおすすめスポットについて丁寧に解説してくれました。そしてお土産の辛子明太子に詩羽大喜び♪

大正町商店街の隣に店を構える＜フラワーショップ しらを＞。鉢植えの花やグリーン類を揃え、おすすめの植物やその育て方を優しく教えてくれます。陽気な店主が笑顔で迎えてくれて、軒先で記念撮影をしていたら、近所の＜キクヤ薬局＞のスタッフさんたちも集まり、みんなで撮影大会に……！ みんな気さくでノリの良い方ばかりで心が和みます。

そして＜フラワーショップ しらを＞の隣にある饅頭屋＜とらや＞。ここの回転焼き「茂兵衛まんじゅう」は老若男女に長年愛される、若松っ子のソウルフード的おやつ。常連客の間では黒餡派と白餡派で好みが分かれるようですよ。

若戸大橋に向かう途中で立ち寄ったのは、国の登録有形文化財（建造物）である＜上野ビル＞。1913年（大正2年）に建設され、来年110周年を迎える若松のヴィンテージビルの代表格。もともとは＜三菱合資若松支店＞として運営された建物で、レンガ造りの館内には当時そのままの建築様式が現存し、歴史を刻んだ重厚な回廊、華やかな装飾などを鑑賞できます。

「ギシ、ギシ……」と床を踏み込む音、シンとした静けさ、おぼろげなムードを漂わせる色褪せた壁紙。西洋風の手すりや柱の細かな意匠も素晴らしく、瞬く間に大正時代にタイムスリップしたような感覚……！ 特に2階に上がった時の吹き抜けのスケール感は圧巻です。撮影クルー一同、「きれいだぁ〜。」と感嘆の声が何度もこぼれました……！

＜上野ビル＞の2・3階にはカフェや雑貨ショップが入居しているので、ぜひお茶をしたり、覗いてみたり、思い思いに楽しんでくださいね。

足を踏み入れ、階段を登り軋む音を聞き、傷のついた手すりに寄りかかり、フワッと香るように長くたくさんの人に愛されてきた歴史を感じました。今でも中にはたくさんのお店が入っており、窓から差し込む木漏れ日が暖かく、なんとも感慨深く素敵な空間でした。

詩羽（水曜日のカンパネラ）

若松の渡船場前に広がる「若松南海岸通り」は、通称「若松バンド」とも呼ばれています。大正期に立てられたヴィンテージビルが数多く残り、レトロな街並みとともに若戸大橋を眺められる絶景ポイント。写真家や建築ファンも足繁く通い、さらに映画のロケ地にも使用されるという若松を代表する撮影スポットです。

若戸大橋と並んで詩羽の背景に写るのは、近代化産業遺産や国有形文化財にも登録されている＜旧古河鉱業若松ビル＞。夜は建物や海岸線沿い、若戸大橋もライトアップされ、昼間とは一味違うロマンティックなデートスポットに変身します。

今年は若戸大橋の国重要文化財指定を記念して、例年より一足早く「若松イルミネーション」が実施中！ 南海岸通りや連歌広場にクリスマスのイルミネーションが灯り、煌びやかに輝くので、ぜひ夜の若松にも訪れてみて♪

若松区と戸畑区を繋ぎ、古くから近隣住民の交通手段として活用されている＜若戸渡船＞。地域の人々からは“ポンポン船”という愛称で親しまれています。乗船時間は約3分間、乗船料は大人100円、子ども50円と良心価格。また日常づかいする住民にとって嬉しいのは、自転車の乗り入れが＋50円で可能であること。自転車を乗り入れて通学する学生も多く、海の上（船上）が通学路にもなっているのです。

渡船場のベンチに座る詩羽。出港する船にダッシュで駆け込む学生たち。「船で学校に通うなんて貴重な体験ですよね！ 急げ〜って言いながら友達と乗り込む姿が微笑ましい。いいなぁ、そんな青春送ってみたいなぁ。」

全長627mの若戸大橋をなぞるように、撮影クルーを乗せた船が洞海湾（どうかいわん）をクルージング。藤代監督と綿密に打ち合わせながら、最新曲“ティンカーベル”のミステリアスでダークな世界観と、波のような揺らぎを表現しました。大正町商店街（えびす市場）や撮影合間の朗らかな笑顔から一転、カメラが回った瞬間、大人っぽく妖艶な表情に切り替わる詩羽のパフォーマンスにも注目です！

船からの眺めも最高！ 煙突からモクモクとくもりを上げる製鉄所や金属工場のダイナミックな佇まいは、まさに工場萌えの景色。身を寄せ合うようにギュッと集まる若松の街並みと、灰色した無骨な工場群、そして真っ赤な若戸大橋のコントラストがかっこいい！ 「周りに高層ビルがないから遠くまで見張らせて気持ちいいですよね〜！ 船上でのパフォーマンスは初めてだから、新鮮な気持ちで挑めました。」

若戸渡船 戸畑渡場を出て、『RECORD』終盤のシーンを撮影するため、若戸大橋の真下にある展望デッキへ。日没までぷらっと港を散策。海岸沿いに理容室のサインポールが回る＜戸畑船員サービスセンター＞を発見。建物の中は船の待合室と船員向けの理容室が併設され、どことなく哀愁感が漂い、これはなかなかのエモさ……！

係留ビットに足を乗せて、昭和の大スター気分で撮影。ここからの若戸大橋の眺めもスケール感があって写真映えしますね。

実は撮影前に雨雲がかかり小雨がパラつきましたが、夕暮れ時にはマジックアワーの美しい空が広がり、海面もオレンジ色に染まり、それはそれは感動的なひとときでした。この時間の洞海湾と若戸大橋もフォトジェニックだこと……！

スチールカメラマン・横山マサトさんが、おろしたてのフィルムカメラをスタンバイ！ 初めて使うカメラのファーストロールが、トワイライトブルーの渡船場に佇む詩羽。センセーショナルなワンシーンに仕上がっています。

「若戸大橋ライトアップ」は4〜9月の春夏時は19〜22時まで、10〜3月の秋冬時は18〜22時まで。冒頭で触れたように、若戸大橋は1962年の開通当時に東洋一の長さを記録し、日本初の長大吊り橋として名を馳せました。シンボルカラーの赤は、エネルギー・情熱・使命を象徴しているそうですよ。

漆黒の暗闇に赤々と染まる若戸大橋をバックに、＜お汐井汲みの場＞で夜の撮影を開始。“若戸レッド”を複数のネオンで演出し、メカニックでデジタルな世界観を演出。海風に揺れるフリルと色鮮やかな配色が相まって、あやしくも美しく、躍動感あるパフォーマンスに。若戸大橋と詩羽の最強にして最高のコラボレーションが実現しました！

ちなみに今回の撮影に伴い、若松をぐるりと巡って驚いたのは、若戸大橋をはじめとする景観に優れたロケーションの数々。標高124mの＜高塔山公園＞からは小倉市街地から響灘までパノラマビューを楽しめ、夜はライトアップされた若戸大橋や工場群も絶好のアングルで眺められます。また今年3月、北九州市が「日本新三大夜景都市」のランキング1位を獲得！ その審査評価の一つに、この＜高塔山公園＞の存在があります。そんな日本が誇る夜景を堪能しに、ぜひ若松へ遊びにきてくださいね♪

そして最後に、若松の魅力をもう一つ。2011年から若松区響灘地区を中心に進められている「グリーンエネルギーポートひびき」という風力発電プロジェクトがあるのですが、若松の海岸線に巨大な風車10基が一直線に並んでいます。ここは、日本初の湾岸エリアの風力発電として、また国内最大級の発電設備として多方面から注目を集める先進的なスポット。そんな風力発電関連産業のほかにも、バイオマス発電所や太陽光発電所、火力発電所などのエネルギー関連施設が地域に集合し、エコロジーな未来都市の基盤を担っています。これからもますます発展する、若松区の持続可能な社会づくりの取り組みに注目しましょう！

人の温かさに触れられる情緒ある街並みと、工場群が織りなすインダストリアルな空気感。そこに近年のSDGsの要素が加わり、新たな魅力が続々と生まれている若松の街。まずは今回の『RECORD』をチェックしながら撮影地を巡り、詩羽のようにフォトジェニックな景色と街のディープな面白さに触れてみませんか？

北九州という土地に初めて行く機会だったためドキドキしました。普段の生活で乗ることのない船に乗って大きな橋の下をくぐったり、撮影の途中で一息ついている間にほんの少しの時間海の先にマジックアワーが果てしなく広がり、東京で生活をしていると味わうことのできない2日間を過ごすことができてすごく嬉しかったです。ご飯がとても美味しいし、優しくあたたかい人がすごく多かったです。また来てねと言われずともまた足を運びたくなるような、そんな街でした。

商店街のみなさんはすごく暖かく、お饅頭や明太子のお土産をくださったり、撮影を終える頃には小学生や近隣のお店の方などたくさんの人が集まってワイワイとしていたので、みんなと写真を撮りました。地域ネコのたくさん集まる街らしく、みんなで可愛がって守っていっている様子がネコ好きとしてはたまらなく愛おしさを感じました。

詩羽（水曜日のカンパネラ）

若戸大橋の大きさと、その存在感に驚きました。小さな路地を歩いていると、突然建物と建物の間から巨大な橋の一部が見えるその姿は少し異様で、でも若松にいる間はずっと橋の存在を気にしてしまう不思議な愛おしさがありました。街全体がのんびりと穏やかで、展望台の風はとくに気持ちよかったです。

撮影していると近隣のお店の方々や下校中の子どもたちが集まってきて、とても賑やかになりました。みなさん気がよくて、お話が面白くて、おまけに撮影にもとても協力していただき、とても素敵な方々でした。

詩羽ちゃんのパフォーマンスは、以前MVで撮影させてもらったときから何倍も洗練されていて、正直驚きました。2曲それぞれ真逆な表情を見せていて、それぞれの土地を一瞬で劇場にしてしまうそのパフォーマンスは圧巻でした。

藤代雄一朗（映像作家）

北九州市のシンボルのひとつである若戸大橋が国重要文化財に指定されたこと、開通60周年を迎えたことを、多くの方が喜んでいます。私自身も、幼い頃に父の運転で若戸大橋を渡っときにワクワクしたのを覚えています。

このプロジェクトを始めるにあたって、改めて若戸大橋って何だろうと考えました。行き着いた答えが、橋が繋いだのは対岸の街だけでなく、人々の暮らしであり、時代であり、文化なんだと。橋を軸にしながら、そこにまつわる人々の暮らしや文化を伝えることで、若松区を知らない人にもその空気感に触れていただけるかなと思います。

若松区は山あり海あり。当然、新鮮な魚介や農産物にも恵まれています。その一方で、巨大な風力発電施設が集積していたり、夜景スポットも多数あります。ひと言で表現できない多彩な魅力を持つ地域です。今回、数ある若松の推しスポットの中から、若戸大橋やその近くの商店街を撮影しました。ここで暮らす人たちにとっては日常の景色なんですが、詩羽さんという非日常が加わることで、フォトジェニックな見せ方ができ、若戸大橋の迫力も伝えることができました。

若松区・石川裕之

━━まず、お二人がお互いの存在を知ったのはいつ頃なんですか？ ケンモチヒデフミ（以下、ケンモチ）　僕はちょうど専門学校時代ですかね。当時クラブミュージックを結構聴いていて、荒木飛呂彦さんがジャケットをやっている『WEEKEND』（2000年/SUGIURUMN名義）とかにも触れていたんです。もはや僕にとってはレジェンドのような存在です。 杉浦英治（以下、杉浦）　「レジェンドって言われたら終わり」って、この前石野卓球さんに言われたばっかなのに！（笑） ケンモチ　でも本当に昔から聴いていたんで……なんて表現すればいいんですかね、難しいです（笑）。雑誌『Remix』や『Groove』、『サウンド&レコーディング・マガジン』や『Studio Voice』なども買って読んでましたよ。「イビザでDJしている日本人がいる！　すごい！」って。 杉浦　確かにイビザは当時誰もやってなかったですからね。 ケンモチ　そういった経験をしつつ、年々音楽のスタイルも変えられていて。2017年の『AI am a boy.』も音作りがすごくかっこいいし、ミックスも綺麗だなって思いました。 AI am a boy.／SUGIURUMN ━━実際にケンモチさんが杉浦さんのDJないしTHE ALEXXのパフォーマンスを生で観たことは？ ケンモチ　水カンをやるようになってからですね。20代の頃はあんまり外に出なくて、水カンを機にようやくフェスへ行くようになったんです。そこで杉浦さんを見ることもありました。 杉浦　そうだったんだ。実は僕も2017年の＜FUJI ROCK FESTIVAL＞で水カンを観ようと思ったんですよ。もともと存在は気になっていたから。でもその時ちょうどレッドマーキーが入場制限で入れなかったんですよね。「めちゃくちゃ人気じゃん！」って思いました。当時は今よりももっとビートが強くて、ベースミュージック寄りの音がするのが印象的だったなと。あのレッドマーキーでのステージって、バンドでやってました？ ケンモチ　いや、オケだけですね。それこそTHE ALEXXのエンジニアも手がけているzAkさんに音響に入ってもらって、ベースを結構強調してもらったんですよ。 でも、そこから5年が経って改めて今回お誘いいただいたじゃないですか。水カンは第一期であるコムアイが脱退し、第二期である詩羽に突入してから、曲調が結構ポップになったんです。正直「期待に応えられるかな」って心配にはなっています。 杉浦　3〜4年前には確かに存在しなかった感性が曲に込められているからこそ、今の水カンも面白いですよ。ボカロを初めて聴いた時と感覚的には近いかもしれない。 ケンモチ　杉浦さん、ボカロ聴くんですか？ 杉浦　娘が教えてくれるんですよ。正直、僕らが若い頃はニューウェーブやインディーズのバンドがすごく良い感じだったけど、今の10代が受け取るカルチャーがどんなもんかわからなくて。でも、蓋を開けてみたらいろんな要素が混ざったコンテンツがバリバリ生まれている。 特にボカロは歌詞もすごいし、コミュニケーションに費やすエネルギーを音楽に凝縮させているような世界観があって、そこでのカリスマ性などの価値観が根本的に違うんです。僕が水カンに抱いた印象も、そんな感じでした。

━━先ほどケンモチさんは「曲調がポップになった」とおっしゃっていましたが、アイコンが20歳下である詩羽ちゃんという存在になったことで、曲作りはどの変化しましたか？ ケンモチ　もともと水曜日のカンパネラが発足した当初は「僕らの10歳下であるコムアイが、僕らの世代が聴いていた音楽を事情も知らずに歌っているのが面白い」という構造だったんですよね。でも、それが今度は20 歳も下になった。離れ過ぎているからこそ、むしろ僕らが20歳若返らないと、とシフトチェンジはありました。今、必死に勉強しているところです。 杉浦　どんな勉強を？ ケンモチ　サブスクやTikTokを使いながら、10代の子が音楽の良し悪しを判断する感覚を身につけているところです。動画をどんどんスワイプして代わるがわるチェックし、気になる音があったら手を止める。レコードで針を飛ばしながら試聴する感覚に近いですよ。 杉浦　なるほどな。それでいうとすごく最近の曲で気になるのが、変にせわしないだけじゃなく、せわしなさの逆張りパターンもあるんですよね。ボカロだと歌が入るまでに3分くらいイントロがある曲とかもあるらしくて。 僕らが音楽を作る時って、剣道や柔道のように「型」があると思うんです。でも若い世代が作る楽曲は「型」が見えにくくて、シンセの音色からもルーツがわかりにくい。わからないなりに「なんかあるな」っていう輪郭は分かる感じ。すごく漫画っぽいストーリー展開だし、何に影響されたかが読めないのが面白いなと思います。 ケンモチ　バンドサウンドにしても縦がビッシリ揃いつつ、ベースはテクニカルなファンクだったり。逆に昔ながらの八分刻みなルートベースは出てこない（笑）。どの文脈からなんだろうって思います。 杉浦　歌詞も漫画とかと世界観がシンクロするんですよね。一部の人にだけグサッと突き刺さることを表現している感じ。多分、売れることを目的にしていないからだと思うんです。「再起不能にしてやる」って意思を感じさせる攻撃的なものもありますし。ただ、逆にそれが人気になるというか。ケンモチくんは水カンを作る時、そういった歌詞表現はどう考えながら作っているんですか？ ケンモチ　僕は逆にあんまり刺しに行かないように、なるべく丸くしてますね。元々クラブミュージックでインストばっかり作っていたからこそ、歌詞に意味を持たせすぎるのが恥ずかしいなと思っていて。なるべく意味のない語感だけを言わせる歌詞にしようと思って、今のスタイルになりました。 杉浦　僕もケンモチくんの初期の楽曲を聴かせてもらったんですけど、今の活動とは全然違いますよね。いつから今のスタイルになったんですか？ ケンモチ　東日本大震災の時ですね。停電して布団にくるまっている時に「音楽ってなんだろう」ってぼんやりしていて。その時にYouTubeでももいろクローバーの“ココナツ”を聴いたんです。そこで初めて「日本語の歌で元気付けられる感覚ってあるのか！」って理解できて。やっと日本語や歌もののポップスをやってみたいと思うようになりました。 杉浦　僕がそこまで知ってるわけじゃないですけど、コムアイさんも詩羽さんもすごくカリスマ性があるじゃないすか。そういったアイコンと出会えることがすごい。 ケンモチ　ボーカロイドや初音ミクも、元々は何も意思を持ってないじゃないすか。その上で歌詞やストーリーを持ってくることで、崇められる御身体みたいになる。そこに、今時の歌い手やアーティストの見え方を感じます。 それが水カンの場合は、僕が作ったキャラクターをコムアイや詩羽に憑依させて、ステージ上でパフォーマンスしてもらう。そういったところがボカロ以降のアーティストっぽいなと思いますね。

━━杉浦さんはElectric Glass Balloonでのバンド活動からSUGIURUMN名義としてのDJ活動を経て、現在のTHE ALEXXを結成されましたよね。そのキャリアもぜひ伺いたいです。 杉浦　本能的に「1番やっちゃいけないこと」を常に考えているんですよね。ドアに「押す」って書いてあったら100%引くんですよ、そのドアを（笑）。THE ALEXXを始めた流れもまさにそれ。一度は「バンドをもう一生やらない」と思ってソロで活動できるダンスミュージックを始め、今度は一周回って自分が「一生やらない」と決めていたことをやりたくなった。バンドやっている奴がDJをやるのはハードルが高かったですが、周りからの「あいつダメだな」がひっくり返る瞬間が面白いんですよね。 ケンモチ　できないことができるようになった時が1番楽しいですよね。 杉浦　だから、あともう一回だけやってみて完璧なものができたらやめるつもりです。「これ以上できません」というのを作りたい。 ケンモチ　バンドだと、杉浦さんが一人で作ってる時よりも不確定要素が多いじゃないですか。完成するまでの難しさを感じることはありますか？ 杉浦　やっぱり「一人でやっとけばよかったな」って時はありますよね（笑）。一番最初にバンドが嫌になったのも、それが理由だったかもしれない。それで、自分の思う通りにだけやってみようと思って始めたら、それがハマっちゃった。 ケンモチ　初期にやられてたバンドと現在の活動は、地続きになっていますか？ 杉浦　そうですね。むしろ、もう苦手を克服する寿命すら残ってないというか。ロウソクの最後の灯火があるなか、得意な部分だけでやろうとしています（笑）。 ━━水カンもコムアイ時代を経て詩羽時代に突入しましたが、地続きなところと刷新したところがあると思います。そこの切り替えはどう捉えていますか？ ケンモチ　僕自身が一貫して「組み合わせの面白さ」を楽しめる音楽をやりたい、と思っていて。それを半分はコムアイに合わせ、もう半分は合わせないようにする、という感じです。バランスを取っていたんです。今の詩羽の場合も同様、「ここからはちょっと変に聴こえそう」というラインを攻めようとしています。 杉浦　ポテンシャルを引き出す感じだ。それに応えられるからすごいですよね。 ライブもYoutTubeで観たけど、一人で場を制圧してるのがすごかった。度胸があるし、演劇っぽいからこそショーとして惹かれるというか。そう思うと新しいスタイルかもしれないです。

━━コロナ禍に突入してからは、楽曲の作り方や現場との向き合い方に変化はありましたか？ 杉浦　アンダーグラウンドな感覚に戻ったんじゃないかな、ってのはあります。多分大きくなりすぎたというか、単なる友達の集まりで、素人だった頃に戻ってきているような感じです。 ━━ケンモチさんは過去のインタビューで「生活の中で聴く音楽は、秒単位で切り替わっていかないと間が持たなくなっちゃう」とおっしゃっていましたよね。 ケンモチ　コロナ前は渋谷を訪れるたびに生活のリズムの速さが世界一早いんじゃないかと思っていましたね。アメリカではゆっくりしたトラップが聴けるのに、なんで東京はこんなにトラップが似合わないんだろう、って。僕がブッキングされるDJイベントもBPMが速いし。でも、その後コロナ禍に突入してステイホーム期間を過ごすうちに「ダンスミュージックとは……」みたいなモードには入りました。 瑛人の“香水”とかを聴くようになって「やっぱこういうのがいいんだ」って思いましたね。でも2021年が過ぎた頃からイライラしてきました（笑）。Adoの“うっせぇわ”みたいな曲も流行ってきていて、ちょっと乗れる曲が聴きたいな、と思っている頃に第二期に突入した感じです。 杉浦　まだ一年ぐらいなんですね。第一期は何年ぐらいやっていたの？ ケンモチ　2012年頃から始めたから、9〜10年くらいですね。杉浦さんも聴き方は変化しましたか？ 杉浦　自分の中でまたハウス熱が出てきました。オーソドックスな曲がグッとくるというか。多分ビヨンセ（Beyonce）の新譜とかもそういう雰囲気だったし、ケンモチくんが言った通り「もういいんじゃないの？」って感じなんでしょうね（笑）。ここまで世の中がダークになってしまうと、ダークなことをやろうとも思わない。流石に。 ケンモチ　今ちょうど90年リバイバルみたいな流れもあるし、ハウスに立ち返る時期なのかもしれませんね。その上で、昔の曲を若い子達は新しい感覚で聴いている気がします。「変な音が鳴ってる！」みたいな。 ━━ケンモチさんが次に詩羽さんにどういう曲を提供するかも気になります。 ケンモチ　EPが出たばっかりで「次はどうしよう」って感じなのですが（笑）。次はハイパーポップっていうジャンルが一番予想がつかなくて面白そうです。ニューウェーブ期のパンクのように「なんでもやったもん勝ち」な奇抜さがあって。どれも短くて2分くらいに音を詰め込むから「今のはなんだったんだろう？もう一回聴こう」ってなるんです。 あとはカラーベースっていうdub stepの進化系みたいなジャンル。音作りをどうやってるのか分からない面白さがあって。それがポップスに活かせるかは研究中です。

━━最後に、9月12日のTHE ALEXXが主催するイベント＜BUZZER＞についてもぜひ意気込みをお聞きできればと思っています。第三弾として水カンを呼んだ意図はなんだったのでしょうか？ 杉浦　すごくシンプルですよ。本当に自分達が好きで呼びたい人を呼び、媚びないイベントにしようと思ったから。結構、1回目・2回目とやって良い感触なんですよ。みんな真剣に聴いてくれる。DJをしている時よりも、もっと集中して音楽を汲み取ろうとしてくれる感覚があります。 昔は結構「DJが出す音がすごいよね」という感覚があったんです。だんだんそういう「音を楽しむ」という習慣がクラブでは薄れてきたものの、ライブではそれがあって。各々が感じ取り、持ち帰ろうとするんです。クラブとは違うアンテナが会場を覆っている感覚はあります。 ケンモチ　僕目線になっちゃうのですが、杉浦さんと水カンが一緒のイベントに出れるのは嬉しい。楽しみです。 ━━杉浦さんがケンモチさんに＜BUZZER＞というイベントの世界観を伝えるとするなら？ 杉浦　そうですね……。タイトル通り「警報」や「アラート」のような意識はあります。 僕、SNSが本当に苦手なんですよ。そういうのができないから音楽をやっているんです。でも、面白い音楽がたくさんあるからこそ、音楽をもう一度信じたくなったというか。忌野清志郎さん然り、音楽を通し社会へ何かを伝えられる可能性を信じたい。 同時に、今は面白い音楽がありすぎて、意識的に掘りに行かないと面白い音楽までたどり着けない。だからこそレコメンドではないものの、＜BUZZER＞を通し「こういう音楽がある」ということを伝えていきたいなと思っています。 ケンモチ　ライブを通し、言葉では出さなくとも「こういうのもありだな」「こういう考えもあるんだな」というのを感じ取ってもらいたいですね。音楽としてうっすらと伝わるのが一番いいなあと。 杉浦　すごい単純なことだけど、SNSのせいで忘れちゃってますからね。でも詩羽さんの世代は時代の回転も感覚も速くて、僕らの時代よりモノに溢れているからこそジャッジを急がないといけないでしょう。すごい時代に生きているんだなと思います。 ケンモチ　普通のスピードで消費していたら吸収しきれないですからね。Netflixで1時間の動画を観てても「長いな〜！」って（笑）。 ━━そう言った意味でも、今回の＜BUZZER＞は異なる時間感覚を持ったオーディエンスが同じ空間で一緒にライブを観る、という稀有な会になるのではと思います。 杉浦　そうですね。なんかフジロック感があるんじゃないかなと思っています。実は僕ら、去年のフジロックの配信でTHE ALEXXとして出た時「すごい新人現る！」っていう煽りで出てきたんですよ（笑）。当初は僕がやってることを出さずにやるつもりだったんですよね。 ━━ひょっとしたら水カンを観に来たお客さんにも「なんだこの新人は」って思われるかもしれないってことですね。 杉浦　それが本当に楽しみです。若い子達も受け入れる間口が広いですからね。訳わからないものに対しても反応が早い。 ケンモチ　THE ALEXXの音楽は空間と時間の芸術。だからこそ、持ち時間のなかで作られる流れを、水カンのファンがどう受け入れるかは観てみたいです。僕らがやっていることもクラブミュージックに近いですが、もっと小刻みで四コママンガみたいな感じなので。一本のストーリーをどう楽しむかに期待しています。

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