日本の民謡とラテン音楽を融合し、国内のみならず世界中のお祭りに出演しては熱狂を生み出すバンド・民謡クルセイダーズ（Minyo Crusaders）。イギー・ポップ（Iggy Pop）やライ・クーダー（Ry Cooder）が賞賛を送り、米NPRによる人気企画『Tiny Desk（home）Concert』やブルーノート東京でのライブを成功させてきた彼らが、前作より6年ぶりとなる2ndアルバム『日本民謡珍道中（英題：Tour of Japan）』を11月24日にリリースした。

北は北海道の“ソーラン節”から南は長崎・平戸の“ハイヤ節”まで、全国津々浦々に伝わる民謡が電化してグルーヴしている本作。前作『エコーズ・オブ・ジャパン』にも増して、自由なアイデアに溢れており、今の民謡クルセイダーズがバンドとして円熟の域に達していることが窺い知れる。先日公開されたドキュメンタリー映画『ブリング・ミンヨー・バック！』で記録されていた6年間の旅路が、最良の形で結実したと言えよう。

今回はバンドより田中克海（ギター）と大沢広一郎（サックス）にインタビュー。独特な民クルサウンドを追求する2人に、6年ぶりのアルバム発表に至るまでの過程と、そこで出会った光景の数々を自由に語ってもらった。

──6年ぶりのアルバムということで、まずはリリースに至った経緯を伺いたいです。

田中克海（以下、田中）　2017年末に1stアルバム『エコーズ・オブ・ジャパン』を出して、その翌年に＜FUJI ROCK FESTIVAL（以下、フジロック）＞に出演してから日本での活動が広がってる時にフレンテ・クンビエロ（FRENTE CUMBIERO）っていうコロンビアから来たバンドと会ったんですよ。それがきっかけで2019年にコロンビアでツアーをしたり、『エコーズ・オブ・ジャパン』がイギリスで発売されることになったりして、そのプロモーションのためのヨーロッパツアーを追加でやったんです。アルバムを作った効果が、思いもよらずに色んなところに広がっていったんですけど、そうこうしている間にコロナ禍になって。

──2020年ですね。

田中　それ以降は1stアルバムに入ってない新しい曲もライブではやっていたんですけど、メンバーチェンジなどもあり、次のアルバムをじっくり作る時間が中々取れなかったんです。それで気づいたら結構時間が経ってて、周りから「次のアルバム、どないすんじゃい」とか「早くリリースせい」みたいにも言われて。それでウンウン言ってたらコーちゃん（大沢広一郎）が「これは一生できない」と（笑）。

大沢広一郎（以下、大沢）　素材は既にあったんですよ、ただ録り出さなかっただけで。「いつかやろういつかやろう……明日頑張ろう！」って感じだったんです（笑）。

田中　それでコーちゃんが作ったベーシックトラックを元に、1stアルバムと同じく福生の米軍ハウスに機材を持ち込んで録り出したのが去年末くらい。それまで至るところでアルバムについて聞かれるので「作ります」とは言ってたんですけどね、作る作る詐欺みたいな。

大沢　ただ、ツアーに出ちゃうと帰ってきてから日常に戻るのが大変で。去年なんかは1ヶ月くらいヨーロッパのツアーに出てたんですけども、そうすると普通の自分に戻るのに1ヶ月くらいかかっちゃうんです。

田中　それで戻ってくるとライブとかブッキングが入ったりして、スケジュールがどんどん先延ばしになっていって。そんな経緯で6年越しのアルバムになりました。実は今回、『エコーズオブジャパン2』みたいなタイトルで連作にしていくことも考えてたんです。『日本民謡大全集』の第2巻、第3巻みたいな。ただ、1stアルバムを出してから自分たちが色んな国に行って、思いもよらない方向に活動が広がっていくことによって、旅の中で日本の民謡を深く知ることができたんです。なので今回は「旅」がテーマで、自分たちのフィジカルを意識したタイトルにしました。

──その旅の6年間は映画『ブリング・ミンヨー・バック！』で丸ごと描かれていますよね。

田中　そうですね。1stのリリースの前に森脇（由二）監督が僕たちのライブに来てくれたんです。それで「なにか映像を撮りたい」ということだったんで、僕らがちょうど1stのアーティスト写真を米軍ハウスで撮る様子を見に来て、それが映画の冒頭になっています。そこから5〜6年くらい撮影してましたね。

──6年間のトピックは映画の中で大方まとめられていましたが、それ以外の大きな出来事として『Tiny Desk（Home）Concerts』への出演が印象的でした。どういった経緯で出演が決まったのでしょうか？

田中　ニューヨークの＜globalFEST＞っていうワールド・ミュージックの音楽フェスティバルがあって、そのアジア枠として民クルが選ばれたんです。本当はニューヨークに行ってライブをする予定だったんですけども、コロナ禍の制限もあり叶わなくて。それで＜globalFEST＞が『Tiny Desk Concerts』のフォーマットを借りてインターネットフェスを開催することになったんです。出演者には『Tiny Desk Concerts』らしい縛り、例えば「画面の中に小さいテーブルを入れてくれ」とか「地球儀を置いてくれ」とか指定されて、それ以外は自由な状態で撮ることになりました。

田中　それで面白いシチュエーションを探していた時に、福生のさらに山奥にあるあきる野に移り住んでいたアースガーデン代表の南兵衛さんに相談したところ、山間にある公民館を紹介されて。そこに行ってみたら、部屋の奥の方にコタツが立てかけてあったんです。「コタツ……Tiny Deskか！」って（笑）。それでコタツを用意して、提灯なんかを吊り下げて撮影したんですよね。良い感じに日本らしさが出たんじゃないかと思います。

大沢　コロナ禍では他の海外フェスからも映像出演の依頼がありましたね。カナダのフェスにも誘われました。

田中　デトロイトのフェスに誘われたりもしたし、水原希子さんのライブイベント（＜ONE WORLD HOME PARTY＞）にも出ましたね。その時に「色んな場所でやるんだったら、ライブハウスじゃなくて民クルっぽい場所が良いよね」ということで、米軍ハウスで撮影をしました。

大沢　あの時期は、制限などある中でそれぞれが工夫しながらオンラインでの活動をしてましたよね。

田中　特に民クルは色んなジャンルのものに呼ばれたりすることが多くて。町の盆踊りから＜フジロック＞みたいなロックフェスにインターネットまで、振り幅は広いですね。

──世界中のフェスに出演してますもんね。場所によってお客さんのノリ方が変わることはあるんですか？

田中　海外のお客さんは、本当に音楽を楽しみに来てるという感じでした。サマーホリデーとかで1ヶ月くらい避暑地で遊んで、それでそこの修道院の跡地をフェス会場にして、その下にキャンプサイトなんかがあったり。そういう意味では、音を出しゃ盛り上がるというか（笑）。なので、やりやすいといえばやりやすいですよね。

大沢　イベントの内容によっても変わるよね。

田中　そう。1ヶ月のスケジュールで間を埋めるようにブッキングをするから、芸術鑑賞系のホールで演るようなものから町のお祭りまで色々あったんですよ。イベントの趣旨によってお客さんのノリ方が変わることもあります。

──映画の中でも客席がフォーカスされていましたね。ステージを観ないで、輪になって踊っちゃうようなお客さんがいたり。

田中　自由に踊ってますよね。人種も違うし、こっちでサルサを踊ってると思ってたらめちゃくちゃヘッドバンギングしてる人もいたりとか。かと思えば最前列で怖い顔して全然ノラないけど最後までステージを観てる人もいたりして、きっと楽しんでるんだろうな？みたいな（笑）。そういう楽しみ方がバラバラな感じも日本とはちょっと違いましたね。

──スイスでのライブでウェーブが自然発生していたじゃないですか。『ブリング・ミンヨー・バック！』の中でもそのシーンがとても印象的で。というのも、映画の前半で民謡の自然発生的な側面についての解説があって、その後にスイスでウェーブが発生した瞬間を見ると一層感動したんです。民謡に備わっていた要素が体現された、記念すべき瞬間であるように感じました。

田中　そうかもしれないですね。みのミュージックさんが民クルのライブ映像を見た時に、「自由に踊っているのが衝撃だった」と語ってたんですよ。ロックもヒップホップも、日本では画一的なフリがあったほうがノリやすくて、でも海外だとお客さんが自由に楽しんでいる。そのことにみのさん自身が違和感を抱いている時に民クルのライブと出会って、新鮮に感じたと。その点、僕とコーちゃんはジャマイカとかラテンとかアフロビートとか、DJがそういう音楽をかけてみんなが自由に踊るようなシーンにいたんです。土着的な音楽で体を揺らしたりウェーブが起きるというのは、お客さんが前のめりにライブへと参加してハプニングが起こることを楽しもうとしてるんじゃないのかなと。そう感じています。

──ここからは最新アルバム『日本民謡珍道中』の内容についてお聞きしたいです。先ほど大沢さんが「素材は既に揃っていた」と仰られていましたが、どのようにして選曲を進めていったんですか？

田中　みんなが知ってる、キラーな曲を演りたかったんです。それで「“ソーラン節”はやりたいよね」みたいにメンバーと話して決めたり、あとはライブに色々組み込んでいったりしましたね。テンションや生まれたエリアが違う曲を演奏していって、その中でもキラーなものを選びました。ただ、それでも曲数が足りないと思った時に、コーちゃんが鳥取の“貝殻節”を持ってきてくれたんですよ。

大沢　基本的にはボーカルのフレディ（塚本）さんに曲をいくつか挙げてもらうんです。その曲を聞いた後に自分が音を拾ってメロディに起こして、リハモ（注：「リハーモナイズ」の略）のようにコードをつけるみたいな。それでハマったので、持っていきましたね。

──今作はアレンジに驚かされる場面が多くて、例えば冒頭の“佐渡おけさ”はリズムマシンから始まるじゃないですか。

大沢　魔改造しちゃってますね（笑）。

──そういったアレンジのアイデアはどのように出すんですか？

田中　それぞれの曲調によってアレンジを引き出してますね。例えば“佐渡おけさ”はゆったりしてるから、アンビエントっぽい方向性のアレンジが合ってる。自分たちが聞いて良いと感じたワールド・ミュージックや色んな国のトロピカルなものを民謡と融合させることが、グループとしての大前提なんです。

──以前から掲げている「民謡＋ラテン」というテーマの中で、1stアルバム以上に多様な音楽的要素が入ってるように感じました。

田中　1stアルバムの時は元ネタを割とそのまま演ってたんですけども、今回は元にした曲から自分たちなりのグルーヴを作ろうとして。そういう意味で、バンド感は増してるかもしれませんね。

大沢　ラテンっぽいところは残しつつ、今回は各々が好き勝手に演奏してるバンドサウンドになってます。

──以前から、田中さんは曲中でファズを踏んでギターを歪ませますよね。そういった音色のアイデアはどのようにして生まれたのでしょうか？

田中　僕はサイケデリック・ロックが好きだし、メタリカ（Metallica）とかが出てきた頃のヘビメタ全盛期を経験してるんです。だから、何を聞いてもロックっぽい解釈になっちゃうような気がします。1stの時はそういうイメージが浮かばなかったんですけども、段々と曲の中でもカラフルさが増してきたので、今回は自分が好きな要素を入れてみようかなと。

──大沢さんは元々どのような音楽を聞いていたんですか？

大沢　元々は音大でクラシックの勉強したのでクラシックは好きだったのですけども、ワールドミュージックに関しては幼馴染から誘われてThe Silver Sonicsってスカのバンドをやっていた事があったり。あとはcopa salvoってラテンのバンドに参加したりして、ジャマイカやカリブ、ラテン音楽に興味を持っていくようになりましたね。

──その影響なのかもしれないですけど、映画の中のセッションシーンで大沢さんが「リフ」や「テーマ」といった言葉で曲の構成を練っていく過程が新鮮でした。演奏しているのは民謡だけど、そういった言葉で曲を捉え直すというか。

田中　フレディさんが歌う民謡の味付けを考えるためのミーティングでは、普通のバンドの会話になりますね。そういう時、フレディさんは目を閉じてジッとしてますね（笑）。

大沢　なので、最近は初めに完成形をメンバーに出してます。前はフレディさんが置物になっている時間もありました（笑）。

田中　最初の頃は米軍ハウスに集まって、お酒飲みながら音楽を聞いて「こういうのいいんじゃねぇか」っていうノリで進めてたんですけど、コロナでそういうことができなくなったり、忙しくなって時間が限られるようになったんです。それでコーちゃんがアカデミックに、概観を見ることができる状態で持ってきてくれて、それに対して自分のイメージを当てはめて作るようになったのが今回のアルバムですね。

大沢　メンバーがお店をはじめたり、結婚して子どもが生まれたりして、それぞれのライフスタイルも変わってきてるんです。

田中　僕らはそれぞれの生活があって、それに合わせながらやっていく形になってます。ただ、これまで週末に地方へ行ってホリデーシーズンには海外で演奏することを何年も続けてきたんですけども、本当は日本の津々浦々をもうちょっとゆっくり回って地元の人と交流したいですね。最近はそういう欲が出てきてます。

──これから国内で訪れたい場所はありますか？

田中　東北の民謡をいっぱい演ってるけど、フェスティバルが中々開催されてなかったりして呼ばれることも少ないので、そういうところには行ってみたいですね。この前、ようやく蔵王に行けたくらいなので。それと、フレディさんが愛媛出身なんですけど、四国ってなると少し行きづらかったりもして。九州だとフェスが開催されていて呼ばれたこともあるんですけど、海の向こうの四国とか北海道にも行ってみたいです。“ソーラン節”なんかを演ってブチ上げたいですよね。

──その土地の民謡を演奏をすると、やはりお客さんの反応も違うのでしょうか？

田中　そうですね。その土地の人にとって思い入れのある曲だと、反応がより熱くなりますね。広島でライブをした時に今回のアルバムに入ってる“広島木遣り音頭”を演奏したらマイナーな曲にも関わらず、知っている人が少なからずいて、一緒に口ずさんでくれてるのが、ステージから見えて嬉しかったですね。

大沢　長野の＜りんご音楽祭＞で“木曽節”を演った時も「おぉ！」ってなってましたね（笑）。

田中　そう、それが楽しいんですよね。それとお年寄りの人とかはほとんど歌を知ってくれてるので、一緒に歌ってくれるんです。サザンオールスターズとかでもない限り、一緒に歌ってくれるなんて無いじゃないですか（笑）。

──でも、民謡も捉え方によってはヒットソングですし、スタンダードナンバーですよね。

田中　そうですね、だからお客さんが曲に参加してくれるんです。僕らの演ってる曲は引用だし、みんなが歌って踊ることが基本的なラインとして敷かれているんです。僕とかコーちゃんはルーツ音楽のシーンに元々いて、そこでの前のめりな姿勢とも近いですね。国は違えど同じバイブスがあるというか。自然とそういう状況になってくれるのが嬉しいですね。

東京・品川出身、全員が97年生まれのクルー・Flat Line Classicsが2023年1月11日にリリースした1stアルバム『THROW BACK LP』の表題曲で、BIG FAFがラップするリリックはクルーの活動指針を端的に示す。

Sart（サルト）、Daz（ダズ）、BIG FAF（ビッグ・ファフ）、Weird the art（ウィルド・ザ・アート）、現在活動休止中のSoloBright（ソロブライト）。彼らは10代でヒップホップの世界に惹かれ、自ら音楽を作り初め、それを武器にステージに立っている。その週末の一瞬が生活の糧になり、世界を輝かせていく。その純粋な喜びを結晶化したようなクルーがFlat Line Classicsだ。

『THROW BACK LP』は、東京・青山蜂で初ライブを行い、その後は恵比寿BATICAを拠点にあらゆる現場で切磋琢磨してきた彼らの名刺代わりの一枚になる。その一枚に込められた想いをここでご紹介する。

──2020年頃から1st EP『AUTHENTIC』、2nd EP『Take Roots』、シングルの“GOLDEN AGE”と“Do Ya”をリリースしてきて、今回ついにアルバム『THROW BACK LP』のリリースを迎えました。それからWeirdとBIG FAFを筆頭にメンバーのソロリリースを重ねてきましたが、いつからアルバムの構想はあったんですか？

Sart　2年くらい前にDazの家でホワイトボードにアイデアをまとめてた記憶がある。既に何曲かあったけど、進まなくなった。それからみんなソロを出し始めた。

BIG FAF　1人ずつやってみようってね。

──BIG FAFはソロで東京の名門レーベル〈WDsounds〉のイベント＜NEW DECADE＞に出演していますよね。ハードコアな音楽が好きな人であれば誰もが注目する、登竜門のようなイベントだと思いますけど、出演してみてどうでしたか？

BIG FAF　＜NEW DECADE＞を経験したおかげでパフォーマンスの感触は上がった気がします。一皮剥けて、自分を魅せる力がついた。でもライブをした後、とにかく悔しかったんだよね。

──歴戦の猛者たちに揉まれたということですよね。そうして各々レベルアップしていって、今回のアルバムに挑む流れになったかと思います。このアルバム制作のタイミングで現バックDJのRyoさんが参加する流れになったんですよね。Ryoさんはなぜ加入することになったんですか？

Ryo Ishikawa　最初はイベントで泥酔していたDazさんに会ったんですよ。その時、何回も話をしたのにDazさんはまったく覚えてなくて。その後、家が近いことが分かって一緒にご飯行ったりして仲良くなりました。それで下北沢でBIG FAFさんのライブがある時、Dazさんの予定が空いてないから代わりにバックDJをやりました。そこでSartさんにも会ってたんですけど、その後に中目黒Solfaで会ったら関係がリセットされてて、バーカウンターで友達と話してたら「酒買わないならどいて」って怖い顔で言われたんですよ。そんな感じで様々な出来事を通してみんなと繋がって、11月2日のハーレムのイベント後、正式にバックDJとなりました。

一同　（笑）

──そうなんですね。それで、当初は全てSartのビートでアルバムを作る予定だったと聞きました。

BIG FAF　そう。アルバムの前にWeirdとのジョイントEP『Party Joint』を出して。グループでも最初は全てSartのビートでEPを作りたかったんだけど、進めていくうちに色々やりたくなってアルバムを作る流れになって。2022年10月頭にアルバム制作に入る。

Daz　当初はそういう構想だったけど、Sartも忙しくなって。

Sart　あまり集中できなかったのと、自分がラップする時、いただくビートに乗せるとリリックの角度が変わることを実感できたりしたから今回は色々な方にお願いをして。今回のアルバムはプロデューサーがとにかく豪華だし、特に縛りを設けないで作っていく話になった。

Daz　アルバムにはみんなが共通して理想だと思うプロデューサーの方々に入っていただきました。思い出深いのはTimeOut Café & Dinerで開催された＜GRADIS Night TOKYO＞（2022年2月6日）。みんなGRADIS NICEさんにコンタクトを取りにいった。

Sart　プロデューサーの方々にダメ元で声をかけていた最中で、ちょうどGRADIS NICEさんが東京でビートライブをやっていたから、まさにタイミングだと思った。それからDJ SCRATCH NICEさんに“FLAT LINE CLASSICS”のビートを送ってもらって、この曲がアルバムの核になると確信した。ただ全部ゴリゴリのヒップホップの音ではなく、アルバムを通して聴ける作品にすることを意識して。

──収録曲の中でもdhrmaさんの曲“BACK FRONT DOOR”がすごく特徴的でした。ビートシーンの最新鋭ならではの音で、奇妙なベースの質感が気持ち良くて。

Daz　BIG FAFがイベントで一緒になったところからdhrmaくんとの交友が始まってるんだけど、あの曲だけ何度も作り直してもらったよね。ラップを入れてからまた鉄を擦り合わせるような音が足されてたりして、感動したね。

Sart　あの曲と、俺とWeirdでやったDJ GQさんの“CORTEZ”は、それぞれ分かれてプロデュースしようって流れでできた曲。内緒にしながら作ってね（笑）。

Daz　結果的に面白いバランスになったよね。

Sart　アルバムの全体図としていろんな作品のリファレンスを出したりしたけど、奇跡的にまとまった。

──リリックに関して、素直に出てくる言葉もあれば、深く考えて書くリリックもありますよね。それにリリックを書くのは自分を掘り下げることでもあると思いますけど、その中で自分のアイデンティティを再確認したり、思い出したことはありますか？

Sart　がっつり影響を受けたわけじゃないけど、去年アルバムを出したJoey Bada$$がショーでマイクスタンドを立てて歌ってた。そこでラッパーが歌う、ちょっと荒い歌がすごく良いなと思って。それで自分がちょっと歌ってる曲がある。GRADIS NICEさんプロデュースの“UNTITLED 24/7”ではみんなが幼少期に親が聴いてたアーティストの名前を出してたりする。野球しに行く時、BIG FAFの親父が流していたサザンオールスターズの“希望の轍”だったりね。ちなみに、“UNTITLED 24/7”はGRADIS NICEさんからビートをいただいた時に付いてたタイトルをそのまま使ってるんだよね。

Weird　むかし、洗足池公園でリリックを書いて、誰もいないところでラップしてた記憶が蘇った。それと最近、自分はLord Apexのような私生活と社会的側面を擦り合わせるようなリリックに惹かれていて。

Daz　俺は今回のアルバムの曲でメシアTHEフライさんのリリックを入れようと思ってた（“UNTITLED 24/7”）。MEGA-GさんやJUSWANNAも大好きなんですよ。JUSWANNAの城南エリアは俺らが住んでいた品川区も含まれいて、ずっと身近にいるような気がしていて。それと生でライブを観たことがないから観たい。それと初めて聴いた日本語のヒップホップを思い返したら、SWANKY SWIPEの“Feel My Mind”だった。その曲には漢さんとメシアさんが客演していたり、自分の中で結びつくところがあった。

──“UNTITLED 24/7”では「武蔵小山」という地名がラインに入ってますよね。

Daz　ある品川区出身の人が品川のことを「THREE BLOCK, THREE LINE」と呼んでいたと。その話を聞いた時に、自分たちなりにレペゼンする方法を考えなきゃなって思った。それで同じP-VINEさんからリリースされているメシアさんの作品のラインに絡めて、自分は生まれて育った「武蔵小山」の名前を入れた。

──なるほど。

BIG FAF　俺は新しいものに挑戦してみたかったから、“FLAT LINE CLASSICS”では少しタイトに言葉を詰めてみたり、他の曲では日常的なものを落とし込むことを意識した。その日のマインドをそのまま反映させた。“ONE”を書いた日はYouTubeで中華料理屋の動画を見ていて。あの人たち超すごいんですよ。20品くらい一気に作っていて、マルチタスクの鬼。俺もマルチタスク決めてぇなって思った（笑）。野球をやっていたから、“BACK FRONT DOOR”ではヤンキースで活躍してた黒田博樹選手の名前を入れたりして。

──“ONE”の《俺の頭まるで中華料理屋》って最初のラインが最高ですよね。それと、今回はSartのビートがかなり進化しているように思いました。例えば“ZI PANG”はファンキーなギターが鳴っていて、ベース・ミュージックのような質感がある。

Sart　去年、いろんなラッパーやシンガーが家に来て録音していたんだけど、各々がリファレンスを持ってきていたから、こなしていくうちに自分の表現の幅が広がった。でも、自分がビートを量産していく中でも、やっぱり印象に残るものってほとんどないんですよ。“ZI PANG”は「普段作らないようなものを作って」ってDazに言われて、ちょっとファンクな仕上がりになったんだよね。

──このアルバムにはdhrmaさんプロデュース曲や“ZI PANG”然り、色々なブーンバップが入ってると思います。ブーンバップにこだわりがあるなかで、それぞれどんなブーンバップ観があるのかを知りたいです。

Sart　俺の入口はUSのヒップホップだけど、仙人掌さんのラップを聴いた時には言葉の質が違うと思った。それから自分が日本語のラップに求めるのは言葉。ブーンバップは言葉だと思う。各メンバーはソロとクルーの作品で住み分けてると思うけど、俺が思うクルーにとってブーンバップは決して“いなたさ”だけではなくて、なるべくポジティブなものが作りたい。

Weird　〈DOGEAR RECORDS〉やFla$hBackS。Fla$hBackSは俺らの世代を作ったと思う。色々聴いて、どういうブーンバップを作るか悩んでいた時に、Solfaで酔っ払いに「FLCはFLCじゃん！」って言われて腑に落ちたことがあった。ジャンルとかじゃなくて、俺らの音楽だなって。

Daz　青山蜂に初めて遊びに行ってDJを始めようと思ったんだけど、初めて買ったのがKRS-ONEの『I Got Next』だった。あれが一番ブーンバップじゃない？（笑）高円寺のレアグルーブスってレコード屋さんを通りかかって、お店のショーウィンドーにKRS-ONEが掌をかざしてるジャケットがバァーンと飾ってあって、目が合っちゃってたまたま買っただけなんだけど。とにかく声がヤバくて、キックが爆発してる。

BIG FAF　同い年にブーンバップをめちゃくちゃ聴いてるやつがいて、そいつが色々教えてくれた。それでSmoke DZAとかを教えてくれた。Smoke DZAが渋谷のAbemaでライブしてた時があって、それを観に行った時に火がついた。それからSmoke DZAや周辺人物、Joey Bada$$のスタイルを自分なりに落とし込んでみたりしてる。俺はクルーとソロの区別は特にないから、これからやりたいことが出てくると思うな。

Ryo　自分は地元が藤沢で、ずっとスケボーをやっていました。地元の方とずっと滑ってたんですよ。でもその人たちの名前は知らなかった。土日にセガ前というスポットに行くと、絶対に同じ人達がいて、「この人たちは何を生業として生きてる人なんだろう？」ってずっと思っていて、高校2年生の時に初めてその人たちがDINARY DELTA FORCEとして活動していることを知ったんですよ。それからDINARY DELTA FORCEが拠点とする〈DLiP RECORDS〉はずっと好きです。だからブーンバップといえば〈DLiP〉で、初めてDINARY DELTA FORCEを聴いたときはこんなにカッコいい音楽があるんだと思いました。ブーンバップではないですが、同い年だとシンガーのさらさ。高校からの友達で、一緒にイベントを打ったりしてました。藤沢には音楽性の高い人がたくさんいると思います。

──活動していく中でそれぞれのコミュニティーで色々な出会いがあったわけですね。印象的な出会いについて教えてもらえますか？

BIG FAF　俺の最初の型を作ってくれたのはGROW AROUND（セレクトショップ）の方々で、特にお世話になったのは上司のYumaさん。右も左も分からない時からめちゃくちゃクラブに連れて行ってくれて、今HARLEM（渋谷・円山町にある老舗クラブ）でライブをできているのはYumaさんのおかげだと思う。恵比寿BATICA以外でライブができるようになったのは、Yumaさんに所作を教えてもらったから。もちろんBATICAは駆け出しの俺らをたくさん出してくれて感謝しかない。経験を今も積ませてもらっている。スタッフの皆さんが最高なんです。

Daz　大きく活動を変えるきっかけになったのは、当時LIQUIDROOMで働いていた山田佳緒里さん。お金に困ってた時に「うちで働きなよ！」と言ってくれて、その現場で色々なアーティストのステージを直近で見れたりした。そこで意識がすごく変わった。音的な面だと、PAの盛田さん。職場でも教わることが多いし、自分が主催のイベントでもPAをお願いしていて、音楽のインプットの幅が広がりました。BATICAで働いていた鈴木健さんにも、音楽活動を続けていく上での人生設計の仕方を教わりました。それと同じく元BATICAのスタッフの田中光くん。彼も主催イベント＜DEEP DRUNKER＞でサポートしてくれていて、ずっとわがままを聞いてくれてます。BATICAには本当にお世話になって、当時のPAの杉山さん、今も一緒に働いている齊藤ディスコさん、みなさんのおかげで今がありますね。

Weird　自分も元BATICAの福井さんにお世話になりました。イベントでは自分たちのライブを必ず見てくれたし、的確にアドバイスをくれた。

Sart　俺も名前をあげたらキリがないけど、BATICAの存在は本当に大きい。現店長のシルバさんが音楽的にも認めてくれたのは嬉しかった。スタッフさんから初めて認めてもらえたから。それと＜MELLOW DOWN MARKET＞のカイトもそう。俺は独学でビートを作り始めてから周りの友達の意見が全てだったから、カイトに良いって言ってもらった時に「人が聴いて良いと言ってもらえるものなんだ」って思った。

──“MELLOW DOWN MARKET”というインストの曲がありますけど、Flat Line Classicsはよく＜MELLOW DOWN MARKET＞に出演していましたよね。

Sart　“MELLOW DOWN MARKET”は個人的に一番好きな曲で、ラップを乗せたくなかった。＜MELLOW DOWN MARKET＞は今活動していなくて、彼らの背中を押したい気持ちもある。曲名を決めたのはBIG FAFなんだよね。

BIG FAF　同い年の仲で、活動の初期からイベントに呼んでもらっていたり、切磋琢磨してた仲間たちがみんな仕事で手一杯になってしまって。そんな彼らへのシャウトです。

──Flat Line Classicsと同年代で親しい仲のグループにSound’s Deliがいるじゃないですか。メンバーのKaleidoさんのリリックで《トラップとかブーンバップもないね》（“Platinum Chain”）っていうリリックがあって、90世代後半に生まれたヒップホップアーティストを代表する視点だと思いました。すごくカッコイイし、Sound’s Deliは作品もライブも最高で突出した存在になりましたよね。

BIG FAF　Sound’s Deliの勢いを見て、俺らも頑張らなくちゃなって思いましたね。正直悔しかった。もちろん応援しているけど、同時に漠然とした焦りがあったんですよ。俺らも追いつきたい。『THROW BACK LP』はそんな一枚でもあります。

Sart　今回は名刺代わりの一枚で、正直詰めきれていない部分がある。リリックもそうで、とにかく中身を煮詰めていきたい。現場でインプットしてきたものを表現したけど、これからはもっと色々な視点で見つめ直しながらインプットして、作品の輪郭を作っていきたい。

Daz　今年はこの名刺を持って色々な経験をして、レベルアップしていきます。

このインタビューが行われた後、そのまま本作のリリースパーティーについての打ち合わせに入った。そして “HOT MAGIC”のMV撮影についても話し合う。インタビューでもその想いを語っていた恵比寿BATICAと、“HOT MAGIC”をプロデュースしたMASS-HOLEが長野・松本にオープンしたショップ「da point 117」で映像を撮る。さらにそのタイミングで、MASS-HOLEがイベントに誘ってくれたらしい。出演したのは2月25日、SONIC Matsumotoで開催された＜HOME PARTY＞。EL moncherie（弗猫建物）とFlat Line Classicsがゲストとして登場した（MASS-HOLEいわく「いいライブをかましてたよ！」）。“HOT MAGIC”のMVでは、その時の様子をクルーの友人・あんが撮影した写真で振り返ることができる。

リリースパーティーは、作品に参加しているプロデューサーや同世代で切磋琢磨するプレイヤーたちとともに一夜を作り上げたい──そうして、イベントはTimeOut Café & Dinerで行われることになる。

約1年前に同じ場所で出会ったGRADIS NICEやDJ SCRATCH NICEがビートライブを披露、MASS-HOLEやDaz主催イベントなどに度々出演し、彼らのパーティーに欠かせない存在でもある原島“ど真ん中”宙芳、クルーのバックDJを務めていたこともあるHARU、またともに切磋琢磨してきたRILLやTENOHILLA、FIVE as J5T、me2らが登場。春夏秋冬、平日休日問わず乾杯を交わし続けてきた仲間たちが集い、その晴れ舞台を祝うなんとも美しい瞬間だった（そのアフターパーティーは混沌そのものだった）。

3月末に発表された収録曲の“BACK FRONT DOOR”のリミックスには、クルーが敬愛するMC・仙人掌（MONJU）がジョイン。インタビュー実施前に届きたてほやほやの仙人掌のヴァースをメンバーと聴いたが、その場の興奮は尋常じゃなかった。冗談じゃなく、人の目はこんなに輝くのか、というくらい。もちろんその仕上がりは“完璧”だった。

これからもFlat Line Classicsは素晴らしい瞬間を幾度となく体験していくのだろう。その一瞬を見逃さず、彼らの物語を追っていく。私たちも彼らとともに次のステップに上がっていく。すぐとなりの世界にいる彼らとともに喜びを噛み締めていく。そうやって楽しんでいく音楽が、彼らのブーンバップなのだと思う。

──まずはマイキーさんが、ハナレグミの音楽に出会った経緯から教えてもらえますか？

Michael Kaneko（以下、Michael）　きっかけは当時の彼女だったんです（笑）。彼女に教えてもらって聴くようになって、大好きになったのが最初のきっかけでしたね。初めてハナレグミ のライブを観たのが2016年の＜TAICOCLUB＞。クラブミュージック系の音楽が多いなか、メインステージに永積さんがギター1本で現れたんです。そのパフォーマンスがあまりにも素晴らしくて、泣いてしまったのを覚えていますね。

僕は4歳から15歳までアメリカに住んでいたので、日本にはどんなアーティストがいて、どんなミュージックシーンがあるのか、その頃はほとんど知らなくて。例えばサザンオールスターズやユーミン（松任谷由実）、山下達郎さんのようなメジャーのアーティストは知っていても、もっとインディペンデントでオルタナティブなアーティストについて知るようになったのは、自分もライブハウスに出るようになった21歳頃からなんですよね。

──ハナレグミを知ったのも、その頃だったのですね。

Michael　はい。実は永積さんとは何度かニアミスしてるんですよ。ただのファンとして挨拶するのは嫌だったんですよね（笑）。いつか永積さんが、僕のことを認識してくださった時に挨拶をしようって決めていたんです。

──それが2018年に開催された＜Slow LIVE '18 in 池上本門寺＞だったと。

Michael　そこに僕はオープニングアクトで出演したのですが、同じ日にハナレグミのステージもあったんですよね。その時に楽屋へ行ってご挨拶をしたのが初対面でした。

永積 崇（以下、永積）　「あ、Michael Kanekoだー！」って思わず叫んだよね（笑）。もちろん、その時にはマイキーのことも知っていました。最初はYouTubeか何かでPVを観たのかな。その前の＜GREENROOM FESTIVAL'16＞でも同じ日にマイキーが出演していて。自分の本番も近かったので、ライブを観ることは出来なかったのだけど、「ああ、マイキーが今歌っているんだなあ」と思いながら準備していたのを覚えています。

──マイキーさんの音楽にはどんな印象がありましたか？

永積　一言で言えば、サウンドと声がすごく近いところにある印象。自然体というか、それが歌声にも表れていると思っていて。あの音量で、自分の声をコントロールすることってなかなか難しいと思う。でも、そこに常にトライしつつ自分のアイデンティティにしているのって、やっぱり特別な人なんだなって。きっとそれは彼の出自にもよるところが大きいと思うんですよ。日本語を「響き」で捉えている感じがするし。

──「響き」ですか。

永積　例えば僕らが洋楽を聴く時、英語の意味が分からなくても「響き」で楽しんでいるところがあると思うんです。マイキーが歌う日本語にもそういうニュアンスを感じる。しかも英語の歌詞と日本語の歌詞が、絶妙に混じり合っているじゃないですか。それがすごく新しいなと。

音楽的にもそう。フォークやカントリーのような音楽と、R&Bやヒップホップのような音楽がミックスされた独特のサウンドなんですよね。

Michael　嬉しいです。

──マイキーさんは、永積さんの弾き語りにどんな魅力を感じたのかもう少し詳しく聞かせてもらえますか？

Michael　もちろんパフォーマンスそのものも感動的だったのですが、僕が一番衝撃を受けたのは他の出演者とのギャップでした。弾き語りとしての魅力を、たった一人でステージに上がって100パーセント伝えられていることに対して「すごいな！」と感じたんです。その頃の僕は、「弾き語りだと物足りないなあ」みたいな言い訳をしたこともあったのですが、「そんなこと言ってる場合じゃない！」と思いました。

──当時Twitterにも「ハナレグミ、本当に素晴らしい、、弾き語りに自信を持たなきゃ、、と思いました」と呟いていましたよね。

Michael　シンガーソングライターとしての活動って、自由と同時に孤独も強く感じるんですよね。当時日本ではシティポップっぽいバンドがどんどん出てきていたなか、僕はアコギ1本でフォーキーな楽曲をやっていたので、「そっちにいきたいなぁ」なんて思っていた時期もありました。でも永積さんのライブを見て「あ、これだ！」って。

永積　ライブでの弾き語りに関して言えば、バンドやクラブミュージック中心のタイムテーブルだったからこそ、オーディエンスは僕の弾き語りを新鮮な耳で聴くことができたとも思うんです。みんなが弾き語りだと、そこから一つ抜きん出るのは難しいし単調に感じてしまうこともあるじゃないですか。

Michael　ああ、確かに。

永積　もともとハナレグミをやろうと思ったきっかけは、SUPER BUTTER DOGをやっている時に、自分が昔から好きだった日本のフォークソング……例えば井上陽水さんみたいな音楽を、クラブの空き時間にやったら面白いんじゃないかと思ったからなんです。

Michael　そうだったんですか、知らなかった。

永積　今はもう閉店してしまったクラブ・青山Ojasでやったのが最初だったかな。そうしたら、さっきまでハウスでガンガンに踊りまくっていた子たちが陽水さんやビリーバンバンの歌に思いっきり入り込んでくれたんですよね（笑）。

その時に思ったのは、「音楽の可能性を自分たちやる側が狭めちゃいけないんだな」ということ。弾き語りって、実はあらゆる方向に可能性を持ったコアな表現なんですよ。そこからテクノにもなれるし、ファンクやロックにもなれる。そうやってあらゆる方向へ広がっていく、ど真ん中にあるコードとメロディだけで勝負しているのが「弾き語り」なんじゃないかと。

──なるほど、確かにそうですね。

永積　しかも、弾き語りって自由なんです。曲順もその場で勝手に変えられるし、キーもアレンジも、テンポも自由に変えられる。イベントに出演したら、自分たちの前と後に出てくるバンドの「接着剤」的な役割もしてくれるとも思うんですよね。そういうことってバンドや打ち込みだとなかなかできないじゃないですか。きっと観る側も、そういう自由な姿を面白がってくれていると思うんですよね。

──ちなみにお二人は出会ってから現在まで、どんなふうに交流を深めていったのですか？

永積　僕のイングリッシュティーチャーをやってもらっているんだよね。というのも、コロナ禍になる直前にNHKホールでライブがあって（ハナレグミ ツアー 2020「THE MOMENT ～HORN NIGHT～」）。そこでポール・サイモン（Paul Simon）の“Still Crazy After All These Years”と、ナット・キング・コール（Nat King Cole）の“Smile”をカバーしようと思ったんです。

Michael　その時に「英語の発音と歌詞の意味を教えてほしい」と言われ、スタジオに一緒に入ってリハーサルをしました。それが、ちゃんとお会いした初めての機会でした。事務所からその話をもらった時には本当にびっくりしましたけど、すごく嬉しかったし光栄でしたね。

永積　そういうことを相談できる人が、なかなかいないんです。英語の先生はたくさんいても、歌詞のニュアンスやメロディの中での発音を教えるのって、実際に音楽をやっている人、歌っている人じゃないと無理だと思うんですよね。仮に音楽をやっていたとしても、自分と近しい趣味じゃないと言われたことを全部受け止められないし。それはもう、マイキーと出会う前からずっと悩みの種でもあったんです。

Michael　僕もその時のライブを観に行きました。もちろんめちゃめちゃ良かったのですが、あの2曲を永積さんが歌っている時はドキドキしたのを覚えています（笑）。

永積　あははは、そうだよね。

Michael　その時も弾き語りだったのですが、お客さんをグッと惹きつける永積さんの力に圧倒されました。永積さんの人柄が滲み出るようで「すごいな」と。

──さて、そんな二人のコラボ曲“RECIPE”は、どのように作られていったのでしょうか。

Michael　実はこのデモは、コラボアルバム『The Neighborhood』に入っている楽曲の中では最初に出来上がっていたんです。昨年春くらいだったかな。その時から「この曲は永積さんと一緒に歌いたい」と思っていました。

永積　実は僕、誰かに歌詞を書くことってあまりなくて。自分が歌うんだったら責任が持てるけど、人のために歌詞を書くのって本当に自信がなくて、これまでもかなり断ってきていたんです。でもマイキーからオファーを受けてデモを聴かせてもらった時は、なぜか分からないけど「これなら出来るかもなあ」と思ったんです。

きっと、「仕事」っぽく依頼されていたら難しかったかもね。マイキーとはすでに交流もあったし、気持ちが通い合っているからこそ引き受けようと思ったのかもしれない。そもそも『The Neighborhood』が、「気心の知れた人と作るコラボアルバム」というテーマだと知ったのも大きかったな。

──タイトルは、スヌープ・ドッグの料理本（『スヌープ・ドッグのお料理教室』）からインスパイアされたとか。

永積　そうです（笑）。歌詞を考えるにあたって、まずカメラ片手にマイキーの家へ遊びに行って、パシャパシャ撮影したり、色々な話をしたりしながらマイキーの言葉を集めていったんです。その時部屋に『スヌープ・ドッグのお料理教室』が置いてあって。「なにこれ、すごい料理本だね！」みたいな話をしたのが印象に残っていたんですよね。

「好きな色はなに？」と聞いたら、「明るい緑が好きです」って言ったので、歌詞にもそのまま入れたり。なので、この曲にはマイキーの言葉がたくさん詰まっています。声の中に様々な感情が含まれているので、言葉にはあまり感情を込めず、見えたものや思い浮かぶものをそのまま放り込んだ方が、何かそこに「ムード」が生まれるだろうなと思ったんですよね。でも、サビの《素直な気持ちのレシピ》という歌詞が思い浮かんだのは、本当にマジカルだったなと思っています。

──というのは？

永積　マイキーの楽曲が持っている「ファンタジックな要素」をうまく言葉にできたなと。身近にありながらもどこかファンタジックで、僕らが知らない「もう一つの世界」を彼は知っている。マイキーの曲を聴いていて、そんな気持ちになるのはきっと、彼のこれまでの生い立ちも関係している気がするんですよね。

羽根木公園に二人で行った時、彼が今抱えている悩みとかそういうこともチラッと話してくれたのですが、その時にマイキーの真摯な姿勢というか、迷いながらも真っ直ぐに進もうとしている意志の強さをすごく感じて。「本当に気持ちのいい奴だな」と思ってグッときた自分の思いを、《泣いたり笑ったり　隠さないよ》みたいな言葉でうまく表せたと思っていて。

──ある意味、マイキーさんを自分に憑依させながら書き上げたというか。永積さんというフィルターを通したマイキー像が、歌詞に投影されているわけですね。

永積　まさにそうです。

Michael　なんていうか……こんなに「自分」が詰まった歌詞を、永積さんに書いてもらえるなんて、「本当にいいのかな？」という気持ちです。全体的にはすごく明るくて、《チーズバーガー》とか《ベージュの四駆》とか（笑）。僕の好きなものが並んだちょっとユーモラスな内容の曲なんですけど、例えばBメロではちょっとシリアスなことを歌っていたりもして。それがすごくいいバランスなんですよね。

今回、『The Neighborhood』というアルバムを作ってみて、コラボ作品だからこそ歌うことのできた歌詞もたくさんあるなと思いました。もっと日本語にも挑戦していきたいと思わせてもらいましたし。

永積　この先マイキーには、本当にいろんな歌を歌っていってもらいたい。特に日本語に関しては、このくらい遊んじゃってもいいと思う。耳障りのいい日本語をチョイスするだけじゃなくて、例えばこの“RECIPE”の歌詞くらいデコボコした強い言葉をあえて並べたとしても、マイキーの歌声とサウンドでちゃんと形になるわけだから。恥ずかしがらずにどんどん挑戦していってほしいな。

──『The Neighborhood』は、最後にマイキーさん一人で歌う“Through The Fire”で締めくくるところもいいですよね。

永積　あの曲はマイキーの表現の「コア」というか、いわば「心臓」だよね。

Michael　はい。この“Through The Fire”も、僕にとってはちょっと照れくさい曲なんですけどね。今よりもずっと若い、24歳とか25歳のころに「日本語でダイレクトな表現がしたい」と思って書いた歌詞なので。当時は「こんなこと、歌っちゃっていいのかな」なんて思っていたんですけど、永積さんと一緒に“RECIPE”を作ったことで、かなり自信が持てるようになりました。「こういう表現もありなんだ」「こんな言葉を使ってもOKなんだな」と思えたのは、これから曲を作っていく上でもすごく指針になったなと思っていますね。

永積　もう、どこまでも行ってくれよ、マイキー！

Michael　あははは。

━━Qeticには初登場ということなので、まずはUEBOさんの音楽ルーツについて紐解いていこうと思います。音楽を始めたキッカケから教えていただけますか？

幼馴染にギターをもらったことがキッカケでギターを始めました。当時はベタに歌本でサザンオールスターズやスピッツの“チェリー”を弾くところからスタートして。高校時代には文化祭のためにバンドを組んで、いわゆるORANGE RANGEやASIAN KUNG-FU GENERATIONとか僕世代の青春バンドをコピーしたりしていましたね。あとは、ギターのイロハのイを教えてくれたのは父親の友人。彼はベンチャーズ（The Ventures）世代だったので、エリック・クラプトン（Eric Clapton）やブルースロック系の音楽も彼の影響で聴いていました。改めて振り返ってみると、雑多な感じで「ギターがカッコいい！」とか「スピッツっていいな」みたいなところをいまだに引きずっているかのかもしれません。

━━幅広く音楽を聴かれていたんですね。

そうですね。いまだにブルースのようなどこか土臭いものが好きなんです。ハードロックも聴いていたりしましたけど、その中でもやっぱりブルース味を感じるものが好きでした。日本のバンドだとその土臭さをスピッツから感じていて。J-POPでありながらもメロディが大事で、歌が伸びやかで、アーシーな（土臭い）部分が組み合わさっている感じが好きだったんです。

━━なるほど。そこからシンガーソングライターとして活動をすることを決意したきっかけはどのタイミングで訪れるんですか？

大学３年の夏休みに1ヶ月間、海外に行ったんですよ。プロフィールでは留学と記載されていて、いつも事務所の社長に「それは留学とは言わない」といじられるんですけど（笑）。僕は留学ということにしていて（笑）。ボストンに行ったんですが、バークリー音楽大学があったり、音楽が盛んでアメリカの中でも治安がいい場所ということで、夜も出歩けたんですよね。なので、現地でライブをいくつか観る機会もあって。リー・リトナー（LEE RITENOUR）というジャズフュージョン系の大御所の方のライブを観たときに、凄まじい衝撃を受けました。音がアンプからではなく、リー・リトナーの輪郭から出ている感じというか、オーラが飛んできているように見えたんです。

━━オーラですか！

そうなんですよ。当時は就活のタイミングで、僕自身もモヤモヤしてる部分があったんですが、そのライブを観て、「この人はこれで世界を回って、家族を養って、みんなをハッピーにしてるんだよな」って、「これは最高なことだ」と思ったんです。もちろんそれまでにもいろんなジャンルの音楽に傾倒して一生懸命練習をしていましたけど、リー・リトナーのライブを観て「どうやったらライブハウスに出れるのだろう」と、音楽を本気でやっていこうというマインドになりました。

━━それだけの衝撃だったんですね。それでは、ルーツ的な部分でいうと、スピッツなどのいわゆる王道J-POPが根幹にはあって、なおかつリー・リトナーの衝撃も影響している。

もらっていたんですけど、その中で立ち振る舞いや活動のスタンス、ポップ感とマニアックさのバランス感を含め、ジョン・メイヤー（John Mayer）が活動のルーツになるのかなと思います。意識しているルーツはジョン・メイヤーって感じで、無意識に出てちゃうのがスピッツとかボン・ジョヴィ（Bon Jovi）やエアロ・スミス（Aerosmith）、エリック・クラプトンって感じですかね。

━━なるほど。UEBOさんは“ネオサーフミュージック”とテーマを掲げ、活動をされていますが、そのジャンルに行き着いた経緯についても教えていただけますか？ お話を聞いているとサーフとは別のベクトルで音楽を聴いていたのかなとも思うのですが。

サーフ系の芽生えみたいなものは、姉の結婚式のために1曲書いたことがキッカケ。姉と旦那さんのエピソードを聞きながら作ったハッピーな曲なんですが、その曲がいわゆるジェイソン・ムラーズ（Jason Mraz）のような匂いがするようなもので。“Moonlight Wedding”というタイトルでライブでもやっています。いい曲ではあるけども大々的に自分の看板になるような曲ではないと思っていたんですが、思いのほか評判がよくて。そこからシングルカットしてみるとSpotifyでも再生数が伸びて、自然発生的にこの曲が代表曲になっていきましあ。それをキッカケに、もしかしたら自分にはこの感じが合うのかなと。

━━そこからサーフミュージックも作るようになった。

そうですね。それでサーフミュージックを作るようになる中で、コロナ禍になり、ライブの予定が潰れたり、いろんなことがあったりして、自分を見つめ直すきっかけになったというか。僕にとってはこのコロナ禍がいい転機になっているんです。音楽をやる上で本当に大事なことはなんなのかと考えた末に“ネオサーフミュージック”というキーワードのもとやっていこうと決意できました。

━━それはなぜ？

僕は、どこまでいってもギターを弾きながら歌う人間。そのギターというのは、エレキも弾くこともあるけども、アコースティックギターがどこまでいっても軸にある、歌い手だということを自覚して。サーフの匂いがするものはやっていて楽しいし、ジャック・ジョンソン（Jack Johnson）とかジェイソン・ムラーズも大好きで、そういう意味では彼らがルーツと言っても過言ではない。ただ、真似をしても仕方がない。そこに何をプラスしていくかが重要で、例えばサーフミュージック×ワールドミュージックとしてボサノバやラテン系の音を入れていくのも１つだと思うし、今回のhoritaくんの曲（“Circle”）でいえば、トラックミュージックと掛け合わせている。要はギター1本で成り立つ自分のルーツをサーフミュージックとざっくり捉えたときに、そこにその時々のアツいものをプラスしていって、MIXしていくっていうのが“ネオサーフミュージック” の定義になるなと思ったんです。

━━なるほど。だからどの曲を聴いてもオーセンティックなサウンドの中に他ジャンルのエッセンスを感じるんですね。

ただ、定義を作ってしまったから少し形式張ってしまうというか。“ネオサーフミュージック”と掲げてからは、それこそひたすらチルにやってみようかなとか悩んだりはしましたね。2020年の11月から12ヶ月連続リリースをしたんですが、当初はチルを意識して、トム・ミッシュ（Tom Misch）のような作風のものもあったんです。でも曲を作っていく中でもっと柔軟に、いろんなジャンルを泳いでも結局、僕がアコギを持ってバシッと唄えば、統一感は取れるから大丈夫と思えてきたんですよね。

━━お話に出てきた12ヶ月連続リリースですが、2020年のあのタイミングから連続リリースすること自体がすごいことだと思うし、音楽性のアップデート期間だったとも思うんですけど、当時の心境はどのようなものだったんですか？

無茶苦茶、ポジティブではあったんですよね。コロナ禍でまっさらになって、新しくテーマも掲げて。それ以降の自分の音楽性や歌い方もそうなんですけど、特に歌詞でいうと、本当に正直になりました。ある種、シンガーソングライターの原点に立ち返ったというか。自分のそのときの状況、その時々で思ってることをシンプルに１つ１つ吐き出していけばいいんだと思って。コロナ禍が始まってからの方が自分の生活が動き出していたし、やらなきゃいけないことが増えたりした分、腐ってられないなと逆に火がついて、より生活に向き合うようになったんですよね。

サウンドでいえば、今の事務所の社長との出会いが大きいです。純粋に僕の音楽を好いてくれていて、いろいろなアドバイスをくれたりして、よりチームで動くようになりましたね。だからこそチャレンジがしやすくなったし、全てにおいていい作用が出たのが12ヶ月連続リリースかなって思います。

━━なるほど。では、今回の楽曲“Circle”についてですが、トラックメーカーにmacicoのhorita氏を迎えています。

UEBOの構想的には、トラックサイドとアコースティックサイドみたいなものをゆくゆくは分断していこうと思っていて、今回はトラックサイドに振り切りたかった。そんなときに名前が上がったのはmacicoのhoritaくん。horitaくんは一度、僕の自主企画にmacicoで出てくれていて、仲良くなったんですけど、今回も快く引き受けてくれて実現した形になりますね。

━━どのような制作のやりとりをされたんですか？

デモの段階では、自分でオケを組んでやってみたんですけど、全然気に入らず……。好きにしてくださいということで、素材のパーツを全部投げて彼にリビルドしていただきました。やりとりもすごく面白くて、初めのデモのパーツが自分の意図してないところで使われていたりして、とても面白かったです。

━━サウンドはダンサブルで、macico色もうまく反映されたソウルやディスコの匂いを感じるような曲だと思うんですけど、こだわった点はありますか？

どこまでいってもアコギはでっかく出したいというところがいちばん大事なところで。そこを見失ってしまうと、ただ「macico featuring UEBO」になってしまうし、それをUEBO名義で出す意味はない。あのサウンド感が欲しくてhoritaくんにお願いしたけど、そこに収まっていても面白くないということでMIXでかなり調整はしました。あくまでアコギがグルーヴの核にいるサウンド作りは気をつけたし、ダンサブルで賑やかなサウンドが多くある中で、どの場面でもアコギは存在感を放っているのかなと思います。

━━そして、歌詞についてですが、個人的にはコロナ禍という状況に慣れてきて、自分の新たな生き方を模索しつつ、実践している主人公像が見えたんですよね。

そういう風に汲み取ってもらえてめちゃくちゃ嬉しいです。と、思いつつも実のところテーマは曖昧なんですよね。僕は凹むことが多くて、落ち込んで何もできないというモードになることも多いんですが、ちょっとしたことで元気になったりするんです。“Circle”というタイトルのように感情がぐるぐる回っているというか。どんなときにも辛いことが起こるわけじゃないですか。もうやってられないって思うこともあるし、もしかしたら味わったことのない苦しみがこれから訪れるかもしれないけど、大概、そういう苦しみもよくある苦しみで。いいことがあったら喜んで、悪いことがあったら落ち込んで、そういう繰り返しの中でルーティン化された中での苦しみがあると思うんです。「これはいつもの苦しみだ、次にアレが起きれば解決できる」と思い込むことで乗り切ることができる。そんなところから生まれた曲なんですよね。そういう大小さまざまな生きることに関わることを“Circle”という言葉で表しました。

━━その感情の起伏はすごく分かります。

それをコロナ禍の中で新しい生き方を模索すると解釈してくれたのはめちゃくちゃ嬉しいし、自分では想定してなかった捉え方でした。歌詞を具体的に書いてない分、そういう風に解釈してくれることもあるのかなって、いま思いました。自分の中ではリリースしてみるまで抽象的すぎる歌詞かなと思っていたので。

━━誰しもがどこかで感じたことがあるような考えのような気がします。

それは僕が生々しい生活の中で歌詞を書いているということですね。素直に感じていることを書いたから。何も意図してない、今の自分の全てですかね。

━━それでは、コンセプトも特に設けていない？

うーん、実はhoritaくんにはもう1曲作っていただいていて。ゆくゆくは秋にEPを出せたらいいなと思ってます。そのEPのざっくりとしたコンセプトが“ハーフ&ハーフ”。先ほども言いましたが、アコースティックサイドとトラックサイドを振り分けてやってきていて、そのトラックサイドの曲としてhoritaくんの曲がある感じ。まだオープンには出来ないけどEPの曲は出揃ってきていて、サウンドの違いはありますが、歌詞もトラックサイドの方が抽象的なことを扱っていて、アコースティックサイドは割と具体的なことを明確に1人の相手に向けて歌っているというか、そういう棲み分けができて個人的には面白いです。

━━いまhorita氏との２曲目の楽曲を少し聴かせていただきましたが、やはりダンサブルなサウンドですね。歌詞もどこか繰り返す感じというか。

horitaくんとやるなら、やはりダンスミュージックがやりたいなって。逆にアコースティックサイドでは、バラードなものあり、ミドルなものがありますから、この2曲は振り切った感じになって、自分的にも新境地でした。歌詞に関しては、言われてみたらそうですね（笑）。繰り返し、諸行無常だと思ってるんですね。詳しくは言えませんが、２曲目は音楽に対する自分の気持ちを歌にしたものです。

━━これまでの活動で思ったことを歌にしてるような気がします。

そうですね。やっていけばやっていくほど音楽って楽しいなって思うことも最近増えたというか。今までよりも捉えられるようになったから、書けた楽曲かもなって思います。もちろん会場を大きくしてって、いろんな人にもっと聞いてもらえることはすごく嬉しいことだし、それを目指してなきゃ、わざわざチームが組む必要はないと思います。最近ではSWING-Oさんという鍵盤奏者の方に出会って、セッションもよくやっているんですが、そういう出会いや経験を自分の音楽として昇華できている。そういった思いが楽曲に出ているのかなって思います。

━━リリースが楽しみですね！　最後になりますが、今後の目標や展望を教えてください。

こうやって直接、出会った人にグッとくる音源やライブを更新していくということに尽きるなと思います。やっぱり心が動かないと物事は動いていかないと思うんです。そりゃ、武道館にも立ちたいし、さいたまスーパーアリーナにも立ちたいけど、思うだけでは何も変わらない。でも1人1人の心を動かして、その思いが結集した場所が武道館かもしれないわけで。だから僕は人の心を動かすような音楽をちゃんとやっていきたいと思います。

2020年11⽉から、12カ⽉連続でシングルをリリースしていく。 第３弾「Hometown」は、YOUTUBE再⽣回数20万回を突破。 2021年2⽉公開の「Lights」を使⽤した中国電⼒WEB CMが100万再⽣突破。 2021年5⽉リリースの第8弾「Drops」は秘密のケンミンSHOW極（読売テレビ・⽇本テレビ系全国ネット）のエンディングテーマに決定。 FM佐賀「Hyper Play」、福岡LOVE FM「Cool Cuts」、Inter FM「Hot Picks」に選出。 2021年6⽉リリースの第9弾「Small lens」はniko and ...とのコラボレーションMVを制作。Shin Sakiuraプロデュースの第11弾「Mabataki」、Inter FM「Hot Picks」にも選出された安次嶺希和⼦フューチャリングの第12弾「Good Night」では、新境地を⾒せ話題を呼んでいる。2021年11⽉20⽇に12カ⽉連続シングルリリースの集⼤成としてワンマンライブも完売。 2022年3⽉2⽇には、Awesome City Clubからモリシーをアレンジャーに迎え、本⼈のルーツであるアコースティックミュージックをベースにしたNEW EP「+1」を発表。 リード曲「Predawan」が、α-STATION「HELLO!KYOTO POWER MUSIC」に選出される。 「+1」リリース記念のモリシー（Awesome City Club)をサポートに迎えたワンマンライブも⼤盛況に終える。また、2022年6月29日にリリースされた最新シングル「Circle」はinterfm Hotpicks、FM大分のパワープレイに選出や夏フェスの出演も多数決定し注目を集める。

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