“always by our side（いつも私たちのそばに）”をコンセプトに、Canonから生まれたスポットライト型スピーカー「albos Light＆Speaker」。360°全方位から体感できるクリアなサウンドと様々な角度から対象を照らせるライトにより、日常に彩りを加えてくれる。そんな「albos」とのコラボ企画として、私たちの生活に寄り添い、ライフスタイルを豊かにしてくれる様々なショップを紹介していく本連載。

今回は、東京・世田谷区の羽根木にある眼鏡屋「Optic Salon 緑青（以下、緑青）」をフィーチャー。眼鏡業界のスペシャリストであるオーナーの宮川佑介さんが、個性的なヨーロッパのブランドからヴィンテージフレームまで、独自の審美眼でセレクトした眼鏡たちが並ぶ。そんな同ショップの眼鏡というものに対しての思いや、大切にしている価値観について話を聞いた。本記事とは別に、「緑青」での空間作りや「albos」の使い方の提案などに関してフォーカスした記事も掲載されるので、そちらも併せてチェックしてみて欲しい。

世田谷という都心にありながら、都会の喧騒を忘れさせる緑豊かな住宅地である羽根木エリアに2022年にオープンした眼鏡屋「緑青」。オーナーである宮川さんは、老舗眼鏡店などでキャリアを積み、眼鏡デザイナーとしての経験も経て、現在はこの店を一人で切り盛りしている。宮川さんは眼鏡業界に入る前の若かりし頃から、コレクターとしてヴィンテージ眼鏡を収集するほどの愛好家だった。そんな彼が眼鏡の魅力に取り憑かれるようになったきっかけは、意外にも音楽からの影響であった。

「昔から音楽が好きで、以前は音響関係の仕事をしていたほどです。祖父がクラブを経営していたり、父方の兄弟も全員DJをやっていたので、家には機材やレコードが揃っていたりして。自然と自分もレコードを集めるようになって、DJもやっていました。そこからヒップホップやブラックミュージックにハマるようになったのですが、次第にアーティストがかけている眼鏡やサングラスにファッション的な魅力を感じるようになったんです。Run-D.M.C.のかけているサングラスってどこのだろう？スティーヴィー・ワンダーは？マイルス・デイヴィスは？と最初は憧れから集めるようになったのがきっかけです」と宮川さんは眼鏡を好きになり始めた当時の思いを振り返る。

眼鏡やサングラスを集めはじめ知識も付いてくると、徐々に興味の矛先は80年代や90年代のものなどヴィンテージ眼鏡へと向いていく。「昔にしかないデザインというか、今できないことを昔にやっていたりする。そういう価値観などが自分の中で刺さり、何百本と集めるようになったんです。それからこれだけ眼鏡が好きだったら、眼鏡屋をやりたいなと考えるようになり、金子眼鏡へ入社しました。それが今のキャリアのスタートです」。

眼鏡業界での経験を積み、やがて独立を考えるようになった宮川さん。最初は店舗を持たないスタイルのビジネスを考えていたが、コロナ禍を経てその気持ちが大きく変わったという。「コロナ禍でアパレル業界は大打撃でしたが、眼鏡業界は下がることはなかったんです。眼鏡って、皆さんお店に来て買うんです。そこからお店をもつ良さも見えてきたりして、やっぱりお店をやりたいなと考えるようになりました」。

そんな宮川さんがオープンさせた眼鏡屋の名前は「緑青」。緑青とは、銅や銅合金が酸化することで生成される錆のこと。眼鏡もよくネジや鼻パッド部分などが錆びて、青緑色に変色することがある。一見ネガティブな意味にも捉えられる名前を屋号として付けた。「まず眼鏡は、メンテナンスをしながら長く使ってもらいたいというのが僕の思いなんですね。緑青と言われる錆は、使っているからこそ起こり得る現象なんで、僕にとってそれは経年美とも言えるんです。メンテナンスの過程で、錆はもちろん取って綺麗な状態にしてお客さまの元へ返します。使い捨てと思わないで、そうやって人の手を加えてあげると、眼鏡ってかなりの年月使えるんです。そうやって10年、20年同じ眼鏡をかけているとトレードマークみたいにもなりますし、お客さんにとっても替えのきかない眼鏡になっていく。そこに対して僕が関わっていくという思いも含めて、そういう名前にしています」。

そうして生まれた「緑青」には、ヴィンテージはもちろん、アーティスティックなデザインが特徴的なベルギー・アントワープのブランド「theo」など、宮川さんのフィルターを通した個性的なラインナップが揃う。それらをリビングルームのようなリラックスできる空間で、ゆっくりと相談しながら選ぶことができる“提案型”の眼鏡店として話題を集める。その審美眼を信頼し、来店するお客さんの中には、30代、40代を中心にクリエイティブな仕事をしている人も多い。宮川さんが支持されるのは、そのセンスだけでなく眼鏡というもの自体への愛に溢れている点にもある。

「眼鏡の魅力は、キャラクターを作れること。ポジティブにいうと、なりたいイメージに近づけるものですかね。知的に見せたいとか、なりたい雰囲気へ手軽に挑戦できるのは、すごくいいですよね。眼鏡が嫌いな人って、何かしらの嫌いになるきっかけやトラウマがある。昔はかけていたけど、似合わないと言われたとか。なんとなく自信がなくて似合わないと勝手に思ってしまっている人も多いと思うんですけど、そこを少しずつ切り崩してあげるのも仕事かなと思っています。やっぱり僕が元々ファッションから眼鏡カッコイイなと思い入っているので、そういう楽しみ方が一番ハッピーになれるかなと思います」。

“always by our side（いつも私たちのそばに）”をコンセプトにしている、ライト&スピーカーの「albos」。その人の生活に寄り添い、豊かにするもの。それは眼鏡屋である「緑青」も大切にしている価値観だ。

「何事に対してもですが、豊かになることが好きです。金銭的な豊かさじゃなくて、精神的な豊かさというか。持っていて幸せだなとか、ポジティブになれるものや体験が好きなので。それはものに対してだけじゃなく、対人であってもそうだと思います。なんてことのないものだけど、この人から貰ったから嬉しいなどもすごく重要。眼鏡もやっぱり人が関わるものなので、誰がやったかで全然仕上がりが違うんです。自分から言うのも恥ずかしいですが、誰から買うかという点もすごく大事かなと思っていて、どこで買ってもいいやと思うんだったら、別にウチじゃなくて良い気がします。そこに対してウチのお店を選んでいただいているのだから、僕もそのときのベストは絶対出すように頑張ります。そういったところで満足していただければ嬉しいですね」。

自分に似合う眼鏡や、気分を変える新しい1本を探したいと思っている方は是非「緑青」へ足を運んで、宮川さんに相談をしてみてはいかがだろうか。店頭では、「albos」の期間限定展示も行われるので、是非合わせてチェックしてみて欲しい。

※緑青では2024年6月28日（金）〜7月27日（土）の期間限定で「albos」を展示中。

コロナ禍でアップした、マイケル・ジャクソン“Off The Wall”のウッドベース弾き語り動画で話題を集めたベーシスト＆ヴォーカリストの石川紅奈が、名門〈ヴァーヴ・レーベル〉からメジャーデビューアルバム『Kurena』をリリースする。

恩師でもあるジャズピアニスト・小曽根真をプロデュースに迎えた本作は、自身のオリジナルとカヴァー曲をそれぞれ3曲ずつ収めた6曲入りの作品。チック・コリアやスティーヴィー・ワンダー、そしてもちろんマイケル・ジャクソンなど彼女のルーツとなる音楽を名うてのジャズプレーヤーと「料理」しつつ、オリジナル曲ではブラジル音楽の導入や日本語詞にも挑戦するなど、「ジャズベーシスト」という枠には収まりきれない才能を感じさせる1枚に仕上がっている。ジャズピアニスト・壷阪健登とのポップユニットsorayaでの活動も期待されている彼女に、本作について語ってもらった。

──今作『Kurena』は、カヴァーとオリジナルが3曲ずつという構成です。まずはカヴァー曲についてお聞かせください。チック・コリアの“500 Miles High”を取り上げたのはどんな経緯だったのでしょうか。

チック・コリアは昔から大好きで、高校のジャズバンド部で“Spain”を演奏したのが最初の出会いです。残念ながら一昨年に亡くなられましたが、プロデューサーの小曽根さんから、チックさんとの深い関わりやお話を伺っていたので、ぜひ小曽根さんに弾いて頂きたくて、カヴァーすることを序盤から決めていました。

“500 Miles High”は、歌詞がとても哲学的で、聴く人によって様々な解釈ができる。どこかふわふわとした感じもあり、自分の声で歌うのもあって少しゆったりした3拍子のアレンジが思い浮かびました。3拍子のアレンジを他に知らなかったので聴いてみたかったのもあります。小曽根さん、ドラムの小田桐和寛さんとトリオでまずレコーディングをして、その後にパーカッションのKANくんのオーバーダビングをしました。スタジオで小曽根さんからもアイデアをもらいつつ、セッション的に構築していきましたね。

──『Light as a Feather』（1972年）に収録されたオリジナル音源では、フローラ・プリムがヴォーカルを担当していました。石川さんは今回、どんなことを心がけて歌ったのでしょうか。

原曲の、推進力あるベースパターンのあのイメージとは違い自分の3拍子のアレンジはゆったりとスペースが多いので、それを使って自分の声で自由に飛べたら良いなと思いました。

──“Bird Of Beauty”は、スティーヴィー・ワンダーの曲ですね。

音楽に目覚めた頃からスティーヴィー・ワンダーが大好きでした。父が運転する車の中で、彼の音楽がよく流れていたのも影響として大きかったと思います。今回カヴァーした“Bird Of Beauty”が収録されている『First Finale』（1974年）ももちろんですが、『Songs in the Key of Life』（1976年）もよく聴いていました。1970年代のアルバムが特に好きです。

──ちなみに、ベースという楽器の面白さも、スティーヴィー・ワンダーの曲から学んだそうですね。

はい。父親がスティーヴィー・ワンダーの曲を聴きながら、ベースの音を拾ってコピーする面白さを教えてくれて。それがベースを始めるきっかけになったんです。

──“Bird Of Beauty”をカヴァーしようと思った理由は？

この曲は、もともとスティーヴィー・ワンダーがブラジル音楽の要素を取り入れて作った楽曲です。私のルーツにはブラジル音楽もあるので、そこにつながりを感じて今回カヴァーしようと思いました。

──確かに、石川さんのオリジナル曲“Sea Wasp”にもブラジル音楽の要素を強く感じます。

ブラジル音楽が好きになったきっかけもやはり両親でした。ボサノバのオムニバスアルバムが家にあって、それで小さい頃からよく聴いていました。ジャズバンド部時代もボサノバの曲をいくつか演奏しましたが、国立音大へ進学してそこで教鞭をとっていた小曽根さんに教わり、演奏する中でさらにブラジル音楽の魅力に気づき惹かれていきました。

──ジャズとブラジル音楽で、ベースのアプローチはどう変わりますか？

ジャズのウォーキングベースと違ってビートを落とす場所、気持ち良い場所がまた違って楽しいし、メロディが綺麗なところも惹かれます。ブラジルのサンバのパレードに使う大きなスルドという打楽器があって、その役割を想像しながらベースを弾くこともあります。

──マイケル・ジャクソンの“Off The Wall”は、コロナ禍にアップしたCotton Clubでのベース弾き語り動画がYouTubeで163万回再生（2023年3月2日現在*掲載時に合わせ変更）に達しました。

コロナ禍で人とあまり演奏ができなくなり、何か一人で完結する表現はないかなと思ったときに、周りのミュージシャンたちが動画をアップし始めていたので、自分も練習のモチベーションを上げる意味でも「やってみよう」と。この曲はベースラインが特徴的で、それとメロディだけで成立するというのも取り上げた大きな理由の一つでした。

──マイケル・ジャクソンもお好きなんですよね。どんなところに魅力を感じますか？

マイケルもスティーヴィー・ワンダーと同じように両親の影響で聴くようになりました。最初はジャクソン5から入って、モータウン界隈の音楽を聴いていく中で、『Off The Wall』もお気に入りの一枚でした。

──ちなみに「ベース弾き語り」という石川さんのスタイルは、どのようにして確立されていったのでしょうか。

もともと歌うことは好きでしたが、「ベーシスト」として様々な現場で演奏をしていたとき、ジャズ曲のメロディとコード進行を覚える方法を国立音大の先生でサックス奏者の池田篤さんに相談したら、「メロディを歌いながらベースを弾いてみるといいよ」とアドバイスをもらったのがきっかけでした。

──メロディラインを意識するようになって、楽曲の捉え方も変わりましたか？

変わりましたね。ベースはアンサンブルの一番下にあるメロディ楽器で、歌は一番上にあるので全く対照的な両方の視点から楽曲をとらえることができるようになったことが、自分の音楽を広げる大きなきっかけになりました。

──ギターでコードをかき鳴らしながら歌うのに比べて、ベースを弾きながら歌うのってとても難しそうな印象があります。

ベースもメロディも単音なので、単音同士のハーモニーが聴こえていない状態だと意識が引っ張られて私はうまくいきません。ギターや鍵盤で和音を鳴らすとメロディも乗せやすいように、ベースで単音を鳴らしながら、自分の頭の中で和音をイメージする特訓が必要だと思っています。

──壷阪健登さんとのポップユニットsorayaのライブでは、ビートルズのカヴァーも演奏されていますよね。ポール・マッカートニーも、メロディのようなベースを弾きながら歌うミュージシャンです。

例えば“Something”のベースラインなど大好きですが、ポール本人も歌う人だからこそ出てくるのだなと思いますね。尊敬するベーシストの一人です。

──オリジナル曲についてもお聞かせください。まず“Sea Wasp”はどのように作っていったのでしょうか。

「シー・ワスプ」はオーストラリアウンバチクラゲのあだ名なのですが、YouTubeで生き物の動画をいろいろ観ていたときに、クラゲの動画を見てインスパイアされて制作したんです。大きく優雅に泳ぐ美しいクラゲなのですが、とても獰猛な毒を持っているんですよ。それをイメージしながら書きました。

曲自体は実はレコーディング当日まで合わせたことがなかったので、どうなるのか分からない状態でスタジオへ持って行って、その場でセッションして変化しながら作っていきました。

──“Olea”は美しくも切ない曲です。

ありがとうございます。繰り返す日常を楽曲で表現したかったのと、小曽根さんの“For Someone”というリフレインが印象的な曲があって「自分もこういう曲が作りたい」と思ったのがモチベーションになりました。「オレア」はオリーブのことで、花言葉は「平和」。毎日繰り返している日常は当たり前ではないこと、繰り返し祈るような気持ちで曲にしていきました。私はベーシストなので、ベースが主旋律を弾く曲が欲しいというシンプルな動機もありましたね。

──最後に収録された“No One Knows”は、今作で唯一の日本語詞ですね。

他の曲は今作のために書き下ろしましたが、この曲だけ1年ほど前に書いた曲です。『海辺の彼女たち』という、ベトナムから技能実習生として日本にやってきた、私と同じくらいの年齢の女性が主人公の作品です。俳優の神野三鈴さんが素晴らしい映画作品をたくさん教えてくださり、その中のひとつでした。いくつかの実話がもとになったフィクションですが、自分の知らなかった過酷な状況を目の当たりにして、何か形に残したいと思ってこの曲の詞を書きました。

──この曲は、石川さんのヴォーカルも印象的です。ちょっと台詞っぽいというか、感情を声色でコントロールしていくような歌い方をしていますよね

そうですね。他の曲と比べてリズムには重きを置かず、ストーリーテラーとしての役割にフォーカスしながら歌いました。

──ところで、今作の今作のプロデュースを務めた小曽根さんは、石川さんにとってどんな存在でしょうか。

ジャズバンド部員の高校生だった私に、音楽の世界に進むきっかけをくれた方ですし、国立音大のジャズ科に入ってからも、一人ひとりと真正面から向き合う姿勢や、そして例えば40歳になってからクラシックを始めるのはどう考えても怖いけど、でもそういう日々挑みつづける生き方にも、自分もこうありたいなといつも影響を受けています。

──ジャズは、その場で作曲していくという意味では「道なき道」へと自ら踏み込んでいく非常に勇気の要る音楽ですよね。ジャズをやることで、ご自身の生き方にも何か影響を及ぼしていると思いますか？

そうですね。ジャズの演奏は決められたことはあっても全てが楽譜に書いてあるわけではないので、自分がアクションを起こせば何かしらリアクションがある。例えそれが自分の思っていたものとは違っていても、それに応じてこちらもまたアクションを変えたりできる楽しさもあります。何もやらなかったら本当に何も起こらないので、とにかく結果を恐れずにどんどん関わっていくことが大事だと思わされていますし、そこから自分の生き方を学んでいるところはあります。

──例えばsoraya結成もその一つなのでしょうね。

そう思います。壷阪健登くんは同い年で、大学は違ったのですが在学中にセッションで知り合いました。コロナ禍で、私が上げていた動画にリアクションしてくれていたんです。それで、彼がボストンのバークリー音楽大学から帰国してくるタイミングで「何か一緒にやりませんか？」とメッセージをいただいて。細野晴臣さんのトロピカル三部作を彷彿とさせるような彼のオリジナルのシングル“港にて”や大貫妙子さんの“くすりをたくさん”のカヴァーなど、彼の音楽のファンでしたので、声をかけてくれたのがすごく嬉しかった。それがsoraya結成のきっかけでした。

──sorayaでの曲作りはどのように行なっているのでしょうか。

リリースされている4曲は壷阪くんが書いているのですが、メロディ先行もあれば、私が物語みたいなアイデアを投げて、そこに曲をつけることもあります。ファースト・シングルの"ひとり"はメロディにあとから詞をつけましたし、“BAKU”という曲は私が思いついたストーリーを壷阪くんに渡すところからスタートしました。決まったやり方というわけではなく曲によりけりです。

──物語を創作するのは好きだったのですか？

昔から図鑑を眺めるのが好きで、そこからストーリーや情景を妄想するのが小さい頃から好きでした。壷阪くんも、それに対してとんでもない角度からボールを打ち返してくれるんですよ（笑）。動物のバクをテーマにしたこの曲のお話を送ったときも、なぜかそこから彼が「ウォータードラムを演奏しながら歌うピグミー族」を連想したらしく、その動画を送られてきました。そしてリズムマシンにパーカッションを組み合わせ、最初は予想もしなかったようないろんな要素が入ったわくわくする曲に仕上がりました。

──ジャズだけでなくポップスやブラジル音楽など、様々な音楽を吸収しながら表現活動をされていますが、今後どんなアーティストになりたいと思っていますか？

おっしゃるように、これまで自分はジャズだけを聴いてきたわけではないので、そんな自分ならではの音楽がこれからも作れたらいいなと思いますし、変化しながら、いろいろなジャンルをまたいでいけるような存在になりたいです。

──まずは、みなさんが音楽に目覚めたきっかけから教えてもらえますか？

髙橋紘一 （Tp.／以下、髙橋）　僕は中学生くらいの頃にヒップホップを好きになったのが大きかった気がします。エミネム（Eminem）とかが学校でも流行り出して、周りの友人たちが聴き始めたので、自分も聴いたらどんどんハマっていった感じですね。

高岩遼 （Vo.／以下、高岩）　小学校一年の頃から楽器に親しんでいたけど、カミナリが落ちたのは小学校三年生の頃にスティーヴィー・ワンダー（Stevie Wonder）の“Signed, Sealed And Delivered”を聴いたとき。英語は分からないので、歌詞を聴きながら全部カタカナに書き起こして、それを夜な夜な歌っていましたね。

澤村一平 （Drs.／澤村）　え、カミナリが落ちて家は大丈夫だったの？

高岩　そういう意味じゃねえよ！

大林亮三 （Ba.／大林）　（笑）。僕は歳の離れた兄の影響が大きいです。彼がギターを習い始めて、続かず放りっぱなしになっていたのを触ったのが楽器に触れた最初のきっかけでした。中学生くらいになると、CATVで『MTV』を観たり、近所のスケートボードショップでパンクとか教えてもらったりして。色々雑食的に聞いていくうちに、ブラックミュージックにハマっていきました。最初はUKロックやハードコアが好きでギターを弾いていたんですけど、当時はライナーノーツとか読んで「ソウルとはなんぞや？」みたいなことに興味を持ってハマっていって。「ブラックミュージックをやるならやっぱりベースだろう」ということでベースを弾くようになりましたね。

磯貝一樹 （Gt.／以下、磯貝）　僕は野球をやっていたんですけど、中三の夏が終わって部活もなくなり……。やることがなかったから友人にギターを借りて弾いていました。

──最初に弾いた曲はなんだったか覚えていますか？

磯貝　なんだったっけ……Aマイナーペンタトニックだったかな。

大樋祐大 （Key.／以下、大樋）　曲じゃないでしょ（笑）。

磯貝　（笑）。当時『ROCKERS』（2003年）という映画があって、その中で玉木宏さん演じる谷信之が、ずっとAマイナーペンタトニックのスケールでギターを弾いているシーンに憧れたんですよ。その後にレッド・ツェッペリン（Led Zeppelin）の“Stairway to Heaven”で初めてギターソロを覚えましたね。

澤村　僕は中学生の時に友達とバンドを始めて、その時からずっとドラムです。当時は椎名林檎や東京事変がめちゃめちゃ好きで、刄田綴色さんのドラムパターンとかをコピーしようと思ったんですけど、普通のロックドラムでは出てこないようなフレージングやアプローチが多かったので、独学ではなく習い始めました。そこで、習った先生がたまたまジャズドラムの人で、その先生からジャズの魅力を教えてもらっているうちに、気づいたらそっちに興味が移っていきましたね。

大樋　僕は、歩けるようになった頃からアース（Earth, Wind & Fire）が流れると踊っているような子だったらしく、その頃から音楽に目覚めていたみたいですね。楽器は幼稚園児の頃からクラシックピアノをずっとやっていたのですが、中学生でジャズとかR&Bとか好きになって、そこから鍵盤も弾くようになっていきました。

──みなさんが「アーティスト」として目覚めたターニングポイントというと？

高橋　僕は「アーティスト」みたいな自覚ってあんまりないんですけど、SANABAGUN.をやり始めてからは「戦うべきところ」がデカくなるたびに意識を変えたいと思っていますし、変わってきていると思います。

高岩　そもそもキャリアのスタートがジャズボーカリストなんですよ。大学に入学するために上京してきて、「俺はいっぱしの歌手だ」と思って銀座で歌い出した19歳とか20歳くらいの頃 。今となっては単なる「青二才」だなと痛感させられる日々ですけどね。やっぱりボーカリストは「声」が楽器であり、自分の歩んできた人生や人となりが「声」に反映されていくと思うんです。だとすれば、たかが31歳じゃ「まだまだでしょ」って思います。そのくらい奥深い「楽器」だと思うし、クソジジイになっても歌い続けていたいですね。

大林　僕はこういう質問をいただくのが初めてで、ちょっと重い話になっちゃうんですけど……。さっき話した兄の他にもう一人兄がいたのですが、僕が23歳の時に亡くなってしまったんです。それまで自分は曲作りとかそんなに興味がなかったんですけど、兄が亡くなったことでショックを受けてしまって。そこから急に曲を作り出すようになったんですよね。それで持ち歩いていたデモをフックアップしてくれた人がいて、それが縁でサナバのメンバーと出会って一員になったわけだから、すごく悲しい出来事だったけど自分にとっては大きなターニングポイントだったんだなと思っています。

磯貝　僕は20代の頃に「プロのミュージシャンになりたい」と思って上京してきて、ちょっとずつ食べられるようになった時に、「人よりも、もう一つ飛び抜けたい」と考えたんですね。そこから自分のソロ活動を始めて、いろんな人からその作品を評価してもらえるようになった時に意識が変わった気がします。「もっと売れたい」というよりは「もっといいものが作りたい」という気持ちで今もやっています。

澤村　僕は昔から「自由人」というか、常に自分らしくいたいという気持ちがありました。この質問を聞いて思い出したのが、初めて行った現場で初めて会ったミュージシャンとご挨拶して。その後何度かその人と別の現場で会った時に、お互いの第一印象はどんな感じだったかを言い合ったんですよ。その時にその方は、「イッペイ君はサナバとかずっとやっていて、ずっとシーンの第一線でやっているアーティストという雰囲気があるなと思いました」と言われて「マジか」って（笑）。自分ではそんなこと何も意識せずに、のほほんと過ごしていたんですけど（笑）。言ってもサナバは結成して10年近く経つし、自然とそういう雰囲気って身についていくものなのかなと。

大樋　「アーティストとしての自覚」というか、「音楽をずっとやっていこう」と決心した18歳くらいの頃。親は普通に四大に行ってほしがっていたのですが、それを押し切って音楽大に進学したからには、ちゃんと覚悟を持ってやっていかなければという気持ちが強くなったように思います。

──では、「グループとしてのターニングポイント」はいかがでしょう。原点である渋谷の路上パフォーマンスから始まり、メンバーチェンジやコロナ禍での活動など紆余曲折もあったかと思うのですが、振り返ってみて「あの時がターニングポイントだったな」と感じるのはいつの時代ですか？

澤村　どうなんだろう。俺たちサナバって、ちょっとずつ順風満帆で大きくなっていったというよりは、膨らんでは萎んで……を繰り返しながらここまできた気がするからさ。

高岩　間違いないね。

澤村　そして、その度にサナバとしての「旨味」はどんどん濃くなっているというか。

大樋　となると、磯貝くんが新メンバーになってレコーディングしたという直近の出来事が一番のターニングポイントのような気もするし。「これでまたサナバはひとまわり大きくなるぞ」って確信しましたね。

高橋　メンバーが入れ替わるのは、バンドの歴史の中でも特に大きなターニングポイントかもしれない。結成時のメンバーはすでに5人しかいないわけで、 振り返ってみると今とはまるっきり違うバンドだなと思うし。ある意味、毎回アップデートしてきたとも言えるから面白いなと思います。

──今年2月に新メンバーの磯貝さんが入ったことで、バンドはどんなふうに変化しましたか？

高岩　いい感じっすよ。普通にプレイヤーとして素晴らしいし、パブリックなイメージよりも相当「クソ野郎」なところも（笑）、「ならず者（Son of a gun）」集団である俺たちサナバにふさわしいメンバーだと思いますね。なんだか、もっと前からこのバンドにいたような気さえします。

──加入前から交流は深かったのですか？

磯貝　メンバーの中では亮三と一番付き合いが長いですね。2015年頃、一緒にアフリカやヨーロッパツアーを回ったりしたし、その後に一平や裕大と知り合って。世代も、最年少の祐大以外は全員タメで……。

高岩　祐大以外はな。

澤村　今の「祐大以外」のところ、太字でお願いします（笑）。

大樋　みんながおっさんすぎるから（笑）。

磯貝　（笑）。30歳になったタイミングでサナバに誘われたというのも、何かの縁だったのかなと思っていますね。最近は、みんなで力を合わせてチームワークを発揮していくことが楽しくて仕方ないです。「こんなに仲のいいバンドが世の中にあるんだ」と思いましたし（笑）。

──そんな新体制で制作した“Deep Himawari”ですが、裏テーマは「世間一般的にいう『落ち着く』ことを意識し始めたおじさんたちへの応援歌」だそうですね。実際はどのように作っていきましたか？

大林　これは僕がネタを持ってきました。「夏っぽいから夏の曲にしてよ」と言って投げたら、割とメンバーの反応も良くて。春にメンバー何人かで俊樹くんの住む静岡の伊東に行ったんですよ。その時に（岩間）俊樹くんが歌詞を書いてくれました。

磯貝　目の前に海が広がっていて、ほんと「夏休み」って感じだったよね。俺はずっと寝ていたんですけど、気づいたら歌詞ができてて（笑）。すげえいい歌詞だと思ったよ。冒頭の“予定なしで集まるほど 若くはなくなった今日この頃”とか、いいところ突いてくるなと。トラックは大人な感じなんだけど、歌詞はちょっとあがいているというか。「青春」を取り戻そうとしている感じがまたいい。

大林　いい意味でカッコつけてなくて等身大だよね。

──皆さん、「夏」といって真っ先に思い出すことは？

澤村　やっぱり、夏を感じるのってフェスとかじゃない？

磯貝　確かにそうだね。夏の暑い日差しを浴びながら、青空の下で演奏するのはライブハウスとは違う開放感がある。

澤村　終わった後に飲むビールも格別だしね。コロナ禍ではなかなかそうもいかなかったけど。夏フェスがあるから、そのあとの曲作りやレコーディングも頑張れるところあるし。

大林　そういうムードも“Deep Himawari”のリリックには反映されている気がします。

──夏に挑戦してみたいことはありますか？

高岩　俺、モトクロスやりたいんですよ。レースにも出たくて、ネットとかでいいのないか探しながらニヤニヤしてます（笑）。

澤村　夏ドンピシャかわからないんですけど、今、家で育てている「ユーフォルビア・バリダオベサ」という植物があるんですけど、それが受粉して種ができ始めていて。もう少ししたら蕾がパン！　と弾けて種が出てくるので、それを蒔いて夏までにどのくらい成長するかが楽しみで仕方ないんですよね。

──では最後に、夏に“Deep Himawari”と一緒に聴きたいサナバのオススメ曲を教えてください。

大樋　“P・A・N・T・I・E”ですかね。あれは絶好のサマーチューンでしょ。

澤村　祐大、絶対それ言うと思った。俺は“SFT”とか熱帯夜っぽさ感じるんだけど。

大林　やべえ、それ考えるとサナバって夏の曲を作るプロなのかもしれない。

高岩　いいねえ。夏、稼いでいきましょ（笑）。