Jack Daniel’sが主催する都市型音楽イベント＜Jack & Music＞が、2026年9月26日（土）に東京・渋谷のSpotify O-EAST／duo MUSIC EXCHANGEで開催。このたび、第一弾出演アーティストが発表された。

今回第一弾として出演が発表されたのは、ralph、ALI、3Li¥en、CYBER RUI、Shurkn Pap、Ashely、ryota（DJ）の7組。ジャンルや世代を横断するアーティストが、深夜の渋谷に集結する。なお、出演者は今後も追加予定だ。

『ラップスタア誕生』RAPSTAR 2020で優勝し、日本のヒップホップシーンで存在感を放つralphをはじめ、FUNK、SOUL、JAZZ、LATINなどを横断する音楽性で国内外に活動を広げるALI、“チーム友達 GALS Remix”への参加をきっかけに注目を集めた3Li¥en、2026年にアルバム『PROJECT REBOOT』を発表したCYBER RUIがラインナップ。 さらに、姫路を拠点とするMaisonDeのメンバーとしても知られるShurkn Pap、ヒップホップ／R&Bを軸に活動するAshely、DJコレクティブ「FULLHOUSE」を結成し国内外で活動するryotaも出演する。

昨年はDenzel Curryをヘッドライナーに、WILYWNKA、C.O.S.A.、Skaai、Dos Monos、Jin Dogg、kZmらが出演し、約2,000人を動員した＜Jack & Music＞。今年もSpotify O-EASTとduo MUSIC EXCHANGEの2会場を舞台に、ジャンルを横断する一夜が繰り広げられる。

また、タコス専門店「TACOS 3Hermanos（タコス トレス・エルマノス）」とのコラボレーションも決定。イベント当日は、今回のために開発された4種類のオリジナルドリンクと、スアデロ、カルニタスの2種類のタコスが提供される。

さらに9月19日（土）から10月2日（金）まで、TACOS 3Hermanosの原宿店と恵比寿店でもコラボレーションを実施。オリジナルドリンクの提供や店舗装飾などが展開される。 第一弾ラインナップが明らかになった＜Jack & Music＞。出演アーティストは今後も追加予定となっており、続報にも注目したい。

ここ数年、オーストラリアのR&Bシーンから新しい世代が相次いで台頭している。パニア（PANIA）、フォレスト・クローデット（Forest Claudette）、ベッカ・ハッチ（Becca Hatch）、マイナ・ドウ（Maina Doe）……。その流れを象徴するのが、シンガーソングライターのBOY SODAだ。 彼が2025年1月にリリースした“Lil' Obsession”がバイラルヒットを記録。同曲でARIA AwardsのBest Soul/R&B Releaseを受賞すると、昨年にはデビュー・アルバム『SOULSTAR』、今年6月にはその拡張版『SOULSTAR Deluxe』を発表し、SUMMER SONICへの初出演も果たした。 シルキーな歌声とストレートかつ内省的なリリック、R&Bを 軸にヒップホップやジャズなどを横断するサウンドは、国境を越えて世界中の音楽ファンに届きつつある。 今回Qeticでは、SUMMER SONICのステージを終えたばかりのBOY SODAに取材する機会を得た。音楽やファッションにおける哲学から、『SOULSTAR』にも刻まれたサモア系のルーツ、さらには彼を含む新世代が存在感を増しているオーストラリアのR&Bシーンまで、じっくりと語ってもらった。

──昨日、SUMMER SONICのステージを終えたばかりです。日本でのライブはいかがでしたか？ 大阪と東京で演奏できたのは、とても特別だったよ。素晴らしい旅だった。日本の観客は本当に最高で、反応もすごく良い。みんな明らかに音楽が好きだから、僕らの音楽を本当に愛してくれている人たちに届いている感覚があったよ。オーストラリアの観客はもっと騒がしいっていうか……どちらにも良さがあるんだけどね。 ──あなたの最新作『SOULSTAR』はとてもパーソナルな作品でもあるので、オーディエンスは深く感情移入していたと思います。こうした作品を作り上げたことで、あなた自身にも変化はありましたか？ 『SOULSTAR』は、自分自身について本当に多くのことを教えてくれたんだ。僕はずっと、こういうアルバムを作りたかったんだと思う。自分のアイデンティティをしっかり封じ込められたと感じられる作品をね。それを実現できると証明できたという意味でも、自分の人生をすごくカラフルな形で作品にできたという意味でも、僕にとっては一つのマイルストーンだよ。

──『SOULSTAR』にはR&Bをベースに、ソウル、ジャズ、ヒップホップ、ポップなど様々な要素があります。BOY SODAの音楽として一貫性を保つために、大切にしているものはありますか？ 結局、「テイスト」がすべてに勝ると思うんだ。ジャンルをどう組み合わせても、テイストが正しければ、その融合には必ず意味が生まれる。僕から生まれてくる音楽は、僕が愛しているすべてのものに影響されている。その上で『SOULSTAR』では初めて、「自分が聴きたい音楽」を作ろうと思えた。単純にクールだとか、踊れるとか、落ち着けるとか、そういう機能を持った曲じゃなくて、「自分が聴きたい音楽」をね。 ──“SELFISH”はとても感動的な曲で、弱さも含めて自分自身と向き合う真摯さがリリックから伝わってきます。曲を書くとき、自分に対して正直であるために意識していることはありますか？ 嘘をついているときや、何かを薄めているときって、自分でわかるんだ。もっと良く言えるってこともわかる。壁にぶつかったとき、「なぜそのまま言わない？」って自問する。それは怖いからなんだよ。うまく言葉にできないことが怖いから。だから「不快さの刃の先端」みたいな場所に立つ。その不快さを感じるときは、本当の声に近づいている証拠なんだ。

───簡単ではないですよね。 だからこそ、たくさん曲を書くんだ。同じ曲の別バージョンを何度も書くことだってある。そして、いちばん正直に書けたときは自分でわかる。何度も同じテーマに戻ってしまうのは、まだ十分に掘れていないからで、一つのことを語るのにアルバム一枚や、たくさんの曲が必要になることもある。 でも、それが最高でもあるんだ。書いている対象との関係が変化していくから。楽になることはないけど、不快さの向こう側には音楽の可能性があって、そこでリスナーとのつながりが生まれる。

──ちなみに、あなたはセントラル・コーストで育ったそうですが、R&Bやソウルに触れたきっかけは何だったんですか？ 実は僕の周りではR&Bやソウルを聴いている人はあまりいなくて、学校でも僕だけがiPodでいろいろ聴いていたんだ。きっかけは従兄弟だった。おばさんの家に行くたびに、彼がJ. コール（J. Cole）の新しいアルバムとか、ミゲル（Miguel）やアッシャー（Usher）のアルバムのデータをくれてね。彼がダウンロードしてくれた音楽が僕をR&Bやヒップホップの世界へ導いてくれて、そういうジャンルへの愛を育ててくれたんだよ。 ──音楽を始めたのはいつ頃だったんでしょう？ 高校の終わり頃。17歳のときかな。でも、もっと前からいつも車の内側をタップしていたりしたよ。両親がジャンベを買ってくれて、子どもの頃はクラシックのサックスも演奏していた。ずっと音楽には惹かれていて、歌は後からだった。歌って、録音して、プロデュースし始めたのが17歳くらい。そこで、それまで積み重ねてきたものが一つになった感じだね。 ──その後、シドニー工科大学に通い、音楽とサウンドデザインを学んだそうですが、アカデミックに音楽を学んだことは、あなたの表現にどのように活かされていますか？ どうしてそんなことを？　素晴らしいリサーチをありがとう（笑）。実は学位は修了していないんだ。そこで、音楽の作り方は学べないと気づいたからね。 出会えた人たちは素晴らしかったけど、紙の上で音楽について知ることはできても、それが音楽の本質ではない。音楽の本質は、実験して、よく遊んで、クラフトに集中して、自分でたくさんのことを学び、インスピレーションを見つけることだと思う。自分自身に寄り添う方法を教えてくれる授業はない。技術は芸術の一側面でしかないからね。馬を水辺に連れていくことはできても、素晴らしいアーティストにすることはできないんだ（「馬を水辺に連れていくことはできても、水を飲ませることはできない」ということわざをもじった表現）。 ──では、歌は独学なんでしょうか？ ソングライティングは先生に習ったけど、歌は……もともと本当に下手で、基本的には独学で身につけていったんだ。 ──特に影響を受けたシンガーは誰ですか？ 例えばミゲル（Miguel）の『Wildheart』からは、声帯を絞ってザラついた質感を出す歌い方を学んだよ。あのアルバムにはすごくインスパイアされた。それにミッドレンジの声の出し方は、フランク・オーシャン（Frank Ocean）にとても影響を受けている。彼の中域の温かさや音色は、すごく参考にしているね。 それからファルセットのキングたち──マクスウェル（Maxwell）、ディアンジェロ（D’Angelo）、ほかにもたくさんいるけど……。オーストラリアではジョン・ファーナム（John Farnham）をたくさん聴いて育った。彼はオーストラリア史上最高のボーカリストだよ。ロックがベースだけど、リトル・リバー・バンド（Little River Band）というソウルバンドのリードをしていた時期もある。彼の歌は素晴らしいよ。 あとはスミノ（Smino）みたいに、声を操って、同じ人物なのに違うトーンやキャラクターを持たせること。それもすごく表現的で、楽しい部分だね。

──親族からR&Bを教えてもらったという話がありましたが、『SOULSTAR』の“A Father’s Heart”では、サモア人であるお父様について歌っています。あなたにとってサモア系のルーツは、どのような意味を持つのでしょうか？ その曲を書いたのは、僕自身がサモアの文化に近づいていく旅の途中にいるからなんだ。サモア文化の中に埋め込まれているのに、まだアクセスできていない自分自身について、学ぶことがたくさんあるのを知っているからね。今まさに、少しずつアクセスし始めたところなんだけれど、これは終わりのない自己探求だと思う。 僕とサモア文化との今のつながりは、ある意味、切り離された世代のもので、僕の役割は、その関係性を改めて築いていくことだと思っているんだ。 ──サモア系というアイデンティティは、音楽とどうつながっているのでしょう？ 音楽もアイデンティティの大きな一部なんだ。僕たちの文化には語り継がれていくものが多くて、すごく音楽的だし、教会にも深く根ざしている。友達の多くは教会で演奏しながら育っていて、そのおかげで本当に素晴らしい腕前なんだよ。 それに、コミュニティという感覚がサモア文化や家族の中に深く流れていて、その中でみんなが演奏するし、音楽をシェアする。それってすごく“サモア的”なことなんだ。 ──移民のコミュニティが重要な役割を果たしているんですね。 多文化的なオーストラリアの背骨だよ。ある意味、僕らはみんな訪問者（Visitor）なんだ。 ──コミュニティという意味では、近年、パニア（PANIA）やベッカ・ハッチ（Becca Hatch）、マイナ・ドウ（Maina Doe）、フォレスト・クローデット（Forest Claudette）など、オーストラリアから新しい世代のR&Bアーティストが次々と出てきています。あなた自身もその流れの一部だと感じていますか？　オーストラリアのR&Bに今、独自のアイデンティティが生まれつつあるのでしょうか。 もちろんだよ。挙げてくれた名前はみんな地元の友達なんだ。僕らの世代はすごく恵まれていると思う。多くの人の親世代がオーストラリアに移民してきて、すごく頑張ってくれたから、第二世代の僕らにはやってみて学ぶ機会が与えられた。その結果、今はいろいろなバックグラウンドを持つ人たちが存在感を示して、音楽を作っている。 オーストラリアは文化のるつぼで、世界中からたくさんの情報が入ってくる。でも、それをただ受け取るだけじゃなくて、ここで生まれた固有の物語として曲へと流し込まれていく。それがオーストラリアならではのものだと思う。 そして今は、僕らに似た人がスーパースターになって、テレビに出たり、広告やブランドに起用されたりするようになった。オーストラリアのクリエイティブはずっと侮られてきたけど、もう違うんだ。 ──オーストラリアのシーンで、ほかにも紹介したいアーティストはいますか？ ヤスミナ・サディキ（Yasmina Sadiki）は素晴らしいボーカリストだよ。ルビー・ジャクソン（Ruby Jackson）は、シドニーでお気に入りのソングライター。他にもたくさんいるんだけど、パッと思いつくのはそのくらいかな。

──今は世界へ活動を広げていますが、ここまでのキャリアで行き詰まりを感じたこともありましたか？ もちろん壁を感じることはあるよ。何かを学び始めた頃は急速に成長するけど、やがて停滞する。それはどんなプロセスでも起こることだ。曲作りなら、正しい言葉が見つからなかったり、フックが決まらなかったりね。そういう行き詰まりは何度経験しても、別に簡単になるわけじゃない。ただ、その壁を越えた先には素晴らしいものがあると知ることはできる。それはすごく大事だと思う。 すべてを成し遂げようとして、昼間は働いて、いつも疲れて苛立って、「なぜ何も変化が起きないんだ」と悩んでいた時期が僕にもあった。でも、そのときの僕には見えていなかった壁の向こう側に、日本のSUMMER SONICで演奏している自分がいたんだ。約1万人の前で30分もライブをするという、これまでで最大クラスの非現実的な体験がね。 もちろん、当時はそんな未来が待っているなんて知る術はなかった。もし壁の向こうにそれがあると知っていたら、もっと楽だっただろうね。

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──今ではオーストラリアだけでなく、世界各地で演奏する機会も増えています。「オーストラリアのアーティスト」として世界で見られることについては、どう感じていますか？ とても幸運だと思う。夢見てきた人生だからね。昔は手が届かないと思っていた分、今こうしていること自体が奇跡のように感じるよ。 でも一方で、ずっと「なぜ僕じゃだめなんだ？」という気持ちもある。僕はサモアン・オーストラリアンで、アメリカや日本のような市場からは遠い。でも、可能性は無限にあると思っている。もし本気で望むなら、宇宙飛行士になる方法だって学べるし、本を書きたいなら書ける。すべては可能で、毎日を積み重ねることでそこに近づいていける。僕自身、そうやって日々を積み重ねてきたしね。 そうやって僕や地元のアーティストたちが世界に出ていくことで、僕らに似た子どもたちにも何かを示せると思うんだ。彼らは「アーティストなんて本当の仕事じゃない」と思っているかもしれない。 国際的に評価されることは、自分たちがやってきたことへの大きな肯定であり、一つの証明でもある。それを見た地元の人たちにも、自分の価値や、やりたいことをもっと強く信じてほしいんだ。僕たちにもできるんだってね。 ──自分と似た人たちを代表するという意識は、活動するなかで自然に生まれてきたものなんでしょうか？ それはこうしたキャリアの副産物だと思う。それ自体を仕事の一部だとは考えていないし、そこを優先してしまったら、アートに反映されるものも違ってしまう。優先すべきなのは別のところにあるからね。僕はただ努力して、僕のような人があまりいない場所へ勇気を持って踏み込んでいく。そうすることで、結果としてそういう役割が生まれているだけなんだ。自分の背後に素晴らしい支えがあることもわかっているし、誰かを代表することが持つ力も理解しているよ。

──ファッションもBOY SODAというアーティストの重要な要素ですよね？ 僕にはずっと自分探しの旅をしているような感覚があるんだ。それはファッションも同じで。カメラロールを遡れば、ひどいフィットも、犯罪級のフィットもある。でも、それは全部プロセスの証拠なんだ。 あと自分をどう装うかは、自尊心と、好きな色や質感に関係している。音楽が好きなのと同じようにね。他者の耳をキュレートするなら、自分の身体に着せる服も、自分がいる部屋も、すべてをキュレートすべきだと思う。学校ではノートにずっとドローイングをしていたし、靴にも描いていた。今は、自分自身に描いている感じだね。 ──今日のファッションのポイントは？ Vibramの五本指シューズだね。日本に来て買ったんだ。このキャップもそうで（「福」とプリントされたキャップを指して）ラッキーという意味なんだよね。買ってから教えてもらったんだけど、変な意味じゃなくてよかったよ。日本のデニムは本当に良いから、赤耳デニムも買いたいな。 ──ありがとうございます。あなたの考えがよくわかりました。次に日本へ戻ってきたら、すでにやりたいことは決まっていますか？ まだ温泉に行ったことがないから、温泉に行きたいよ。それに大阪は美しかったけど、滞在が短かったから、戻ってのんびりしたいな。あと、新幹線にも乗りたい。今回は荷物が多すぎて、大阪から東京に来るのも飛行機だったからね。 日本のみんな、今回は本当に最高のショーをする機会を与えてくれてありがとう。あと100回演奏したいよ。

2026年9月7日（月）に70歳、そして2028年にはデビュー50周年を迎える長渕剛。その節目に発表したニューアルバム『JUST ONE』には、“乾杯”、“とんぼ”、“RUN”のセルフカバー3曲と、現在の心境を綴った新曲3曲を収録。さらに、ギター1本の弾き語りに立ち返るアコースティックツアー＜TSUYOSHI NAGABUCHI ACOUSTIC HALL TOUR 2026 “JUST ONE”＞も7月20日（月・祝）よりスタートした。 そのツアー開始を前に、長渕が語ったのは、ニューアルバム『JUST ONE』に込めた「破壊衝動」という創作哲学だった。懐かしさでも、過去を振り返るためでもなく、自ら創ったものを自ら壊し続けるという思想。その背景にはどんな想いがあったのか。 『JUST ONE』に込めた想いから、ライブで追い求める身体性、韓国で愛され続ける楽曲との関係、そして70歳、デビュー50周年のその先まで。長渕剛が、自身の創作と人生を赤裸々に語った。

── 『JUST ONE』では、“乾杯”、“とんぼ”、“RUN”という代表曲をセルフカバーしています。今、このタイミングで歌い直した理由を教えてください。 破壊衝動というものがあります。創り上げた瞬間に、次のものを作らなきゃいけない気持ちになるんです。聴いていただいた人から「好き」と言われるか、「嫌い」と言われるか。それも大事です。でも、出来たものを自分で壊していく。そのことが僕にとっては何より大切なんです。ずいぶん長い間、みなさんに育てていただいた僕の歌、“乾杯”、“とんぼ”、“RUN”を、その破壊された今の声でちゃんと聴いてもらいたい想いがあったんです。 ── セルフカバーを出すことが前提にあったのか、それともアルバムリリースが先にあったのか、どちらなのでしょうか？ もう僕のサイクルは、ニューアルバムとかミニアルバムとか、正直言ってそういうところにないような気がしています。散々やってきましたから。思いっきりクリエーションをやれてこられた。ただ、後ろから急き立てられるように曲を書かねばならない、というのが何十年も続いてきましたね。レコード会社との相互関係において、約束を守っていくという恩義のあり方は、僕が考えていたほど組織にはなくなりましたね。その中で「よく書いたな」という気持ちと、「こんな歌、歌えないよ」という気持ちが同居するんです。だから自分が創り上げてきたもの、人々が創り上げてきたアーティストの姿を思いっきり破壊していく。そっちのほうが人生としては大切なことなんです。

── そうした「破壊衝動」は、作品だけでなくライブにも通じているのでしょうか？ ライブはフィジカルの破壊があります。そことの兼ね合いは、アスリート性が重要です。自分の肉体が限界値に達したときにどうなるか、そこに非常に興味がありました。僕はいわゆる音楽のジャンルだけにこだわっていないのです。アスリートの自己記録とか、そういうカテゴリに自分がいます。なので、コンサートもどんどん激しくなっていきました。ギター1本でやっていた頃も落ち着いたコンサートではなく、24歳のとき、新宿厚生年金ホールでハーモニカホルダーにマイクつけて、客席に飛び込みましたね。フォークもロックも関係ない破壊衝動です。そうやって、どんどんライブの高みを目指していくと、当然フィジカルの問題がついてきます。桜島（『桜島オールナイトコンサート』2004年）をやったときも、富士（『オールナイトライヴ2015 in 富士山麓』）をやったときも、限界を超えたところに何が見えるのか、というとてつもない欲求がありました。そのために身体を削り込んでいった。富士のとき、59歳で心拍数が206を打つなんて普通はありえないんですね。そこで見たもの、得たものは自分が大事にしているものです。ライブでの破壊は肉体の破壊でもありますから、肉体が破壊されないように日々訓練をしていく志に変わっていくのは当たり前のことですね。 ── ＜桜島オールナイトコンサート＞へ向けては、身体づくりにも大きく取り組まれていました。当時、周囲からはどんな反応がありましたか？ 桜島をやる前、「お前はどこ行こうとしてるんだ？」と、よく言われました。当時のレコード会社の社長からは、「お前、身体ばっかり作ってんじゃないよ、歌書けよ。金になんねえんだよ」って（笑）。肉体は土台ですからこれを作ること！それが基本であることをまだ誰も認めようとしていなかったですね。売上よりも大切なことですね。 ── 確かに、当時はアーティストが身体づくり、トレーニングをすること自体の理解が周りにまだなかったですよね。そういった破壊衝動こそが、長渕さんのアーティストとしての原動力になっている。 そうですね。ただ、やみくもに破壊することとは異なります。例えば大勢に向かって石を投げるのは、青年としては実直な心です。投げるか投げないか。僕は気がついたら投げていました。その返り討ちで痛い思いをします。また泥をこねて、もっと硬質な石を投げようとする。痛めつけられれば痛めつけられるほど鋼鉄の魂が宿る、そういう修練です。それが潜在的に音楽の場所にあることを、おそらく皆さんはご存知ではないのかもしれないです。そうした見方をなさらないんで。一流を得たアーティストたちは、並々ならぬフィジカルとの闘いを強いていらっしゃると確信しています。

── 今回“乾杯”、“とんぼ”、“RUN”を歌い直したきっかけのひとつに、韓国でそれらの曲が愛されてきたこともあったそうですね。 故郷・鹿児島から福岡へ出て行った頃、ライブハウス照和のマネジメントをやっていた、大学の3年先輩で韓国の方がいらっしゃいました。彼が僕のことをものすごく可愛がってくれたんですね。韓国の家庭料理や音楽の話、人生の話など、面倒を見てくれました。その恩義があるんです。それで僕が武道館をやり始めたときに韓国の方々を200名招待したんです、自腹で。でも国内では「カッコつけて何をしてるんだ！」と酷評でしたね。継続すればよかったんですけど、自費なので2回目ができませんでした。企業協賛なんて頭にないし、好きだから呼ぼう、くらいの感覚でやったんです。それで韓国に私設ファンクラブができました。僕はテレビドラマをやり始めて、“とんぼ”、“RUN”は向こうでもものすごく人気があったというのは聞いていました。チョー・ヨンピルが日本に来たときに“乾杯”を歌っていただいたり。そうやって何かしら僕は韓国の人に対しての想いがあったんです。それで昨年、一昨年と韓国へ行って、いろんなお話をさせてもらいました。何らかの形で韓国のアーティストと何かやりたいなというのは、まだ自分の胸の中にあります。 ── 韓国では長年、日本語の歌が制限されてきた歴史があります。 社会的な情勢や思想的なもの、歴史の背景があって、暗く鬱屈したものは確かにあったと強く感じています。もう今の若い世代はまったく関係ないですね。いいと思います。あと韓国は国策として、国が文化や芸術を推奨なさっていますね。そこは見習わなきゃいけないところだなと思ったりします。彼らの原型にあるものを僕はお聞きしました。なんと、昭和歌謡がすごく好きなんですね。今音楽を作ってらっしゃる50代のプロデューサーは、因縁の仲ではありながらもやっぱり日本と結びついていて、非常に豊かな関係性を築いていらしたみたいですね。元来、しっかり繋がるべき民族という気持ちは強いです。

── ドラマのお話も出ましたが、“とんぼ”、“RUN”はドラマの影響もあって、長渕さんにダーティなイメージがありました。あの当時30代のご自身のアーティスト性について今あらためて思うことはあります？ 正直な青年だなと思いますね。そりゃ、ダーティでしょ？　音楽やってるんだから（笑）。 反逆児の資質がなければ出てきませんね。反骨があるから音楽をやるわけです。でもそこは自己矛盾を年齢と共に感じていくんです。もっと反骨、反逆したいと思っても社会がそれを許さない。年齢的な見え方もあるし、家族も背負わなければならない。1人だったら何だってできるんです。日本という国の矛盾や無責任さの中で、自己を追求していくことは至難の技だったりしますからね。しかし、静かに生きるのは僕の本質とは違いますからね。ガツンと世間に唾を吐いて歌ってるようなアーティストを見ると、とても安心します。ヒップホップの不良性も。僕は群れをなすことをしませんでしたけど、ああいう、形だけはでないところ結び合う強固な仲間意識は共感します。 ── 長渕さんは昔から一匹狼でしたし。 そう言うと聞こえはいいですが（笑）。一匹にならざるを得なかったんですよ。 ── “世の中、みんな敵”みたいなところがあったと思います。 確かにそう思ってましたね。今も多いにあります。特に30代から50代くらいまでは全員敵でした。「こっち来るもんならぶっ飛ばしてやる！」と。

── そういった意味でも本作の“とんぼ”は時代を経て、ものすごくおおらかな歌になったと思います。 そうですかねえ。今の自分の声で歌いたいと思いました。歌というものは人々の心に入っていくんです。だから僕が30代に放った歌は、みなさんそれぞれの青年期や思い出と一緒に歩いていった。だけど僕は違います。思い出はあるんですけど、僕は破壊願望でずっと続けてきました。いつまでもその曲が浮遊されるものなら、腹が立つのと危機感を抱きます。歌い直したことで少しはすっきりしたなという気持ちです。なんだったら全部歌い直したいくらい。300何曲かありますけど（笑）。 ── “乾杯”は20代のときに作り、30代のときに歌い直してシングルとしてヒットしました。そのときに制作した『NEVER CHANGE』（1988年）というセルフカバーアルバムがあります。「ラジオから、昔の俺の曲が流れてくることがあるんだけど……すごく嫌なんだよね」「聴いている人間には、俺がどれだけ進んだかなんて関係ない、どっちでもいいことなんだよね。（中略）すでに作品として輝いてる昔の曲を、今の声で、今の気持ちで歌い直そうと思ったんだ」とライナーノーツに書かれています。 そうでしたね。常に山を登る途中です、人生という山を。山頂に行くまで僕の前に立ち塞がるなと。過去の足跡は振り返らないわけですから。だけど、その足跡がいつも自分の前に来る。それは登ろうとする自分にとっては邪魔でしょうがないわけです。だから払拭してしまえと。そんな時期だったと思います。 ── あの頃に比べると、今の長渕さんは昔の自分と向き合えているのでしょうか。 いえ、昔のものには向き合えないです。もう後ろにいるものだから。自分はどんどん登るだけです。過去のものはいつもそこに残されていく。だから創り続けなきゃダメですよ。過去の歌、詩が時代を超えて童謡になっていくことが、僕の使命。 ── “乾杯”は顕著だと思うんですけど、多くの人に愛されてきました。言い方は悪いですが、受け入れざるを得ないところもあったのかなと。 その歌がたまたま人々の心をとらえただけの話なんですけど、これが10年ならず20年、30年、40年、50年になってくると、ちょっとわけが違いますね、こちらへの帰って来方が。昔々に旅立って二度と会えないだろうと思った我が子が、負傷しながらも人のためになり、いろんな人たちの希望の灯火となって、それで「お父さん帰ってきたよ」というイメージでしょうか。それは愛おしいです。よく頑張ったなと。僕が頑張ったんじゃなくて、こいつが頑張ったんだと。あとは“乾杯”に関しては、僕の中学時代からの友人のために、どちらかが結婚するときにそういう歌を創ろうと、可愛い約束をしていました。友人も歌を志していましたから。その友人が数年前に他界したこと。これは自分の中で衝撃的な悲しみでした。“乾杯”という歌の持っている質感がもっと大切なものになりましたね。 ── “乾杯”は海外で平和の歌として歌われていたり、本来の意味合いとは違う形で愛されてきたことでの気づきもあったのではないかと思うんです。 ありましたね。こういう育てられ方をして、こういうふうに皆さんが歌ってらっしゃるんだと非常に思いました。ただ、もうそこまで来ると、先ほどもお話しましたが、誰が作ったとかまったく関係なく、僕が一番求めていた、誰が作ったかわからないけど人々が不意に口ずさんでいる、“夕焼け小焼け”や“赤とんぼ”といった童謡のところへ行き着け、というのは20代後半に志したところだったんで、もうこれでいいと思います。 ── そうやって帰ってきた我が子のような歌を、また破壊したい衝動もある。 その繰り返しだと思います。僕は“こなしていく”作業がダメなんです。ステージでも、バンドへ毎回違うことを要求していきます。やっぱりスリルや危険性が大切です。なので、一昔前の「これは私の曲でございます」と、一発ヒットすれば10年20年食えるんだというのはナンセンスだと僕は思ってきました。だから創り続けてきました。

── 本作のセルフカバー3曲は原曲イメージそのままに、長渕さんの現在の歌声と2026年のサウンドにアップデートした印象が強いですが、長渕さんは昔の歌をまったく違うアレンジやメロディで歌うことも多いですよね。そこに対し、「昔のままで歌って欲しい」という声もありますが、そこはどう考えていらっしゃいますか？ 理解はしています。先日の名古屋（『7 NIGHTS SPECIAL in ARENA』振替公演）では久々に“素顔”（1979年）をやりました。ピアノとガットギター入れて、当時のように歌ってあげようと思って。みんな喜んで一緒に歌いました。 ── 今回の“とんぼ”はキーを下げていますが、キーに関してはどう考えていますか？ その時々の声帯ですからね。高いときもあれば、低いときもあるので、今のちょうどいい頃合いのところでキーを設定しました。声帯は生き物なんで、作ったままのキーで歌う必要性はまったくなくて、もっとガーンと落としてわざと囁くように歌ってみたりしますね。 ── この3曲がセルフカバーで入っているアルバム『ACOUSTIC 俺の太陽』（1999年）では、まさに囁くようなアレンジの“とんぼ”がありました。 ええ、声帯がそういうところにあったんでしょうね。 ── キーを下げたと思ったら原キーに戻ったりもしますよね。“夏祭り”（1981年）はライブで歌う度にギターのカポの位置が毎回変わったりするので。 2、3、4（フレット）といろいろ変えますね。でも基本的には年齢とともに高いキーは出なくなります。そこからが大事です。それを無理やり出していくのか、あるいは表現を変えていくのか。味わいも違うし使い方も違いますね。でも歌は僕のものじゃなくて、聴いている人のものだとすると、それは悲しいことですね。昔のような高い声がね、ファルセットも綺麗に出たらいいのになぁ、両方できたらいいのになぁという欲張りはあります。でも自分で潰したんだからしょうがない（笑）。 ── しゃがれた声に憧れて、焼酎でうがいをしたというエピソードもありました。 そうそう、あと「潮に揉まれるといいんだ、漁師の声がそうだろ」って、九十九里までジープで走ってね。海水でうがいしながら2時間ぐらい叫んでガラガラになって帰ってくる。「いい声になったぞ」って。そんなことやってましたね（笑）。 ── 喉のケアは気にされているのでしょうか。 僕はあんまりしないですね。歌い込みぐらい。声は出し続けないとダメですからね。 ── 唯一無二ですから、長渕さんの歌声は。 そうなんですかね。まぁ、そんなに簡単に出てもらっても困ります（笑）。

── 長年活動をしてきて、観客やファンの変化や移り変わりを感じることはあります？ ファンも歳を重ねていきますから。だから求めるものと僕が追いかけてるものとの差異はありますよね。「まだ黄昏れないよ」というのは僕の中にあるんですけど、やっぱり黄昏も見せてあげないとダメだなという責任もあります。そこの葛藤みたいなのはあるかもしれない。もっとガツンといきたいんだけど、黄昏時だよねっていうのもありますからね。そこも満足させてあげたい、そう考えたりします。 ── 長渕ファンは歳を重ねていく人もいれば、若い人もすごく多いです。 僕も客席を見て、そう思いますね。 ── バンドのミュージシャンもそうですけど、長渕さんは若い世代と絡むことがお好きですよね。 事始めがやっぱり10代、20代ですからね。今と昔で僕はそんなに変わってないんじゃないかなと思うんです。若いミュージシャンと話をしていくと、基本的に破壊願望であるとか、行こうにも行けないもどかしさ、あるいは自己矛盾、社会との軋轢でもがいているとか、そういったものは同一性を感じます。 だから「よし、こいつらの心にビシッとくる歌を書けたら！」と思ったりします。 ── 自分も若いミュージシャンやアイドルと仕事すると、みんな長渕剛と“乾杯”、“とんぼ”を知っているんです。それってすごいことだなと。 長くやってきてよかったなと思うところもあったり。でも逆に「そうか、やっぱり“乾杯”、“とんぼ”だけなんだな。“耳かきの歌”は知らねぇな」とか思ったりね（笑）。どうやったら浸透できるかなと考えたりします。 ── 今回は、“乾杯”や“とんぼ”をリアルタイムで知らない世代のミュージシャンもレコーディングに参加しています。世代を超えて作品が受け継がれていることを実感しましたか？ 「僕のお父さんがいつも聴いてました」「僕は抱っこされたときにこの歌を聴いてました」とかね、「感激です！」なんておっしゃるわけ。嬉しいですね。弾いてみたらくったくなく自由にプレイしていただいて、嬉しかったですね。それも音楽の成せる業かなと思いながらね。やっぱりいくつになっても、楽器持って音を出したら世代を超えてすぐに仲良くなる。理屈のない世界がありますね。 ── 長渕さんが若い頃は、大御所と呼ばれるスタジオミュージシャンの人たちと一緒にやってきました。 怖かったですよ。僕が20代30代の初頭は「こいつら、ゴロツキ集団か！？　」ぐらいの感覚でしたから（笑）。いきなり現場でタバコ吸うわ、酒呑んでるわ、でも楽器弾いたら一流プレイ。「てめえ、リズム悪いんだから、引っ込んどけ！」って、口も悪いわ（笑）。でも惹かれていくんですよ、どこかキラッとしたものを持ってらっしゃるんで。それがよかったですね、今考えれば。やっぱりキツいほうがいいんですよ、人生って。学びは楽なことをやっても身に染みないです。痛みや屈辱、そういったもののほうが染み込みます。それをどう受け止めるか。「わかりました」とその通りやってみると思わぬ発見があって、「よし儲けた！」と。なので、厳しくて、痛くて、屈辱的に叱咤され、これはもう僕は本当に感謝しています。 ── SNSやAIの普及によって、音楽やエンターテインメントを取り巻く環境も大きく変化しています。そうした時代を、どのように見ていますか？ 途上にあって、人を罵倒するとか、悪口を言っていい気持ちになるとか、そういうツールにもなってるところがありますね。だから使い方をどうしていくかはすごく大きな問題です。たぶん自然と淘汰されていくんでしょう。こういうツールが出てきた以上は、これを受け入れていくしかありません。しかしそれによって人間の本質みたいなものが変わるとは僕は思ってないです。情報に左右されすぎないようにする危機管理は大事にしなければいけません。 ── 今の若い世代へ、伝えたいことはありますか？ 苦しい道と楽な道があったら、苦しい道を選んでほしいです。 ── そして、待望のアコースティックツアーが始まります。昨年のバンドとのツアーと比べて、気持ちの部分はいかがでしょうか？ ひとりぼっちです、弾き語りは。闘うのが僕とスタッフだけ。僕は誰と囁き合いをするんだろうなっていうのはありますね。まずはスタッフ1人ひとりとです。少人数だけあって捉えられる標的が数が少ないですから、当然僕も厳しくなります。間違いがすぐわかりますからね。そういった意味では、ものすごい緊張を強いられるんじゃないでしょうか。僕もスタッフも。 ── ギターの音にもこだわっていくとお聞きしています。 ギターの本質を追求します。「これ、アコギ？」という震えを創ります。ローディーたちも一生懸命やってますから、楽しみですね。 ── これまでの弾き語りライブとはまた違うものになりそうですね。 芸術性の高いものを目指します。 ── そしてこの先の長渕剛について。今年70歳を迎え、2028年の50周年へどう向かっていくのでしょうか。 月並みな50周年じゃつまらないし。新しいスタッフとの出会いも必要ですね。スキルと人間性を求めて。良いスタッフに育てていくこともやらなければなりません。今回のツアー19本をやってみて、何が見えてくるか？　そんなところです。

Text by 冬将軍 Edit by Yu Oda

高岩遼が8月26日（水）にSHIBUYA CLUB QUATTROで開催するワンマンライブ『RYO TAKAIWA LIVE 2026 -SPECTACULAR-』の追加情報が発表された。スペシャルゲストとして盟友・NAGAN SERVERの出演が決定したほか、2023年に惜しまれつつ営業を終えたMusic BAR「Brother」の一夜限りの復活、さらにライブ終演後にはバースデー・アフターパーティーの開催もアナウンスされ、毎年恒例となっている高岩遼のバースデーライブを彩る内容が出揃った。 今回スペシャルゲストとして出演するNAGAN SERVERは、高岩遼と長年にわたり親交を深め、音楽活動でも数々の共演を重ねてきた盟友。ヒップホップを軸にジャズやソウルなど幅広い音楽性を取り込みながら独自のスタイルを築いてきたNAGAN SERVERと、高岩遼がステージでどのようなセッションを繰り広げるのかにも期待が高まる。 また、多くの音楽ファンやクリエイターに愛された高岩遼のMusic BAR「Brother」が、この日限りで復活。当日はSHIBUYA CLUB QUATTRO内にケータリングとして出店し、名物「Brother-Dog」をはじめとするフードを提供する。ライブとともに、Brotherならではの空気感も楽しめる貴重な機会となりそうだ。

さらに、ライブ終演後には渋谷・MUSIC BAR LIONにてバースデー・アフターパーティーを開催。翌8月27日に36歳の誕生日を迎える高岩遼を祝う一夜となり、NAGAN SERVERをはじめとするDJ陣が出演。フードはBrotherが担当し、ライブから深夜まで、高岩遼の音楽とカルチャーを存分に味わえるイベントとなる。

加えて、本日配信リリースされたセルフリビルド作品『NIGHT-RIDER X』のリリースにあわせ、これまで配信を終了していたアルバム『TERROR』および『TERROR Remixies』のサブスクリプション配信も再開。『NIGHT-RIDER X』の原曲“NIGHT-RIDER”から現在までの変遷を、あらためて配信で楽しめるようになった。 また、高岩遼の公式YouTubeチャンネルでは、オリジナル版“NIGHT-RIDER”のMVも期間限定で公開中。ライブ開催に向けて、高岩遼のこれまでの歩みを振り返る絶好のタイミングとなりそうだ。

Text&Edit by Yu Oda

世界的アーティストとオーケストラがジャンルを超えて新たな音楽体験を生み出す＜Red Bull Symphonic＞が、2026年秋に日本で初開催される。日本初開催のアーティストには、日本のヒップホップシーンを牽引するAwichが決定。11月17日（火）の大阪公演を皮切りに、福岡、仙台、横浜の4都市を巡る。

＜Red Bull Symphonic＞は、トップアーティストの楽曲をオーケストラのために新たに構築し、一夜限りのシンフォニックアレンジとして届けるコンサートシリーズ。2020年にオーストリアで初開催されて以降、22カ国で39公演を開催してきた。これまでにRick Ross、Metro Boomin、Asakeら世界的アーティストが出演し、ヒップホップをはじめ、ドラムンベース、アマピアノ、アフロビーツなど多様なジャンルとオーケストラを結びつけてきた。 今回の日本公演では、AwichとTokyo Secret Orchestraが共演し、Mika Takayamaが指揮を担当。Awichの代表曲を本公演のために一から見つめ直し、メロディやリズム、ハーモニーに至るまで再構築する。単にオーケストラを伴奏として加えるのではなく、原曲へのリスペクトを残しながら、アーティストとオーケストラが共同制作者として楽曲に新たな命を吹き込むことが、＜Red Bull Symphonic＞の大きな特徴だ。

Awichは今回の出演に際し、ヒップホップが楽器を手にすることが難しい環境からサンプリングやビートによって生まれた音楽であることに触れ、自身の楽曲をオーケストラで再構築できることについて「一つの到達点であり、大きな意味がある」とコメント。当日は「まるで壮大な映画を一本観たような、シネマティックな音楽体験」を届けたいと意気込みを語っている。 演奏を担うTokyo Secret Orchestraは、2013年のRed Bull Music Academy Weekender東京公演をきっかけに結成。これまでHenrik Schwarzをはじめ、Benjamin Wright, Jr.、Dorian Conceptら海外アーティストとの共演を重ね、クラシックからJ-POPまで幅広い音楽に取り組んできた。今回はAwichが紡いできた言葉やビート、世界観を、オーケストラという異なる表現によって再構築していく。 公演は11月17日（火）の大阪・ザ・シンフォニーホールを皮切りに、11月19日（木）に福岡・福岡シンフォニーホール、11月25日（水）に仙台・仙台銀行ホール イズミティ21、11月27日（金）に神奈川・横浜みなとみらいホールで開催。いずれもクラシックをはじめとする数々の公演が行われてきたコンサートホールを舞台に、Awichの音楽がこれまでとは異なるスケールで響き渡ることになる。 チケットの先着先行販売は、本日8月7日（金）18時よりスタートする。

Text&Edit by Yu Oda

今年3月にリリースしたCOMPLEX「恋をとめないで」のロカビリー・カバーが大きな話題を呼び、布袋寅泰本人からも賛辞が寄せられたThe Biscats。2019年の結成以来、「ロカビリーを次の世代へ届ける」という一貫した信念のもと、YouTubeや全国各地でのライブを重ね、ジャンルの垣根を越えてファンを増やしてきた。 そんな3人が完成させた最新作『BLACK or PINK?』は、怒りや葛藤を描く“BLACK”と、愛らしさや温もりを映す“PINK”という二つの表情を軸に、喜怒哀楽を詰め込んだ意欲作だ。ロカビリーをルーツに据えながらも、歌謡曲やポップス、オールディーズまでを自在に飲み込み、「The Biscatsがやればロカビリー」という独自のスタイルをさらに更新した一枚でもある。なぜ彼らは既存のロカビリーを守るのではなく、壊しながら未来へ繋ごうとするのか。アルバム制作の裏側と、その先に見据える夢について、3人にじっくりと話を聞いた。

──まず今年の大きなトピックとして、3月にリリースしたCOMPLEX「恋をとめないで」のMUSIC VIDEOが非常に話題になりましたよね。 Misaki：以前からカバーはさせていただいたんですけども、改めて配信したら想像以上の反響をいただいて。原曲の力も改めて感じましたし、布袋さんから直接お褒めの言葉をいただいたのも本当に嬉しかったです。自分たちらしいロカビリー・アレンジもできましたし、カバー冥利に尽きるというか。 ──布袋さんからのリアクションが来た時、バンド内でのリアクションはいかがだったのでしょうか？ Kenji：朝起きたら、グループラインが大変なことになっていました。「布袋さん、ヤバい！」って（笑）。 ──それまで布袋さんと直接の交流はあったのでしょうか？ Misaki：ソロ時代に、アルバムの中で布袋さんの「バンビーナ」をカバーさせていただいたのですが、その時にCDをインスタに載せてくださったり、ライブに招待してくださったりと、何回か交流はありました。 ──「バンビーナ」のMV撮影がThe Biscatsの3人の初対面だったんですよね。キャリアの節目にはいつも布袋さんが関わっているというか。 Misaki：そうですね、大事な時にいつもお世話になっています。一方的に（笑）。 ──「恋をとめないで」のカバーをはじめ、YouTubeやライブでは数多くの楽曲をロカビリー・アレンジでカバーしていますよね。選曲の基準はあるのでしょうか？ Misaki：ズバリ、私が歌いたい曲です。ロカビリーのシンガーとしてデビューするまでは、昔の歌謡曲や流行っているポップスをひたすら聴いていたので、その趣味を活かしています。「この曲歌いたいんだけど、ロカビリーでアレンジできる？」って投げて……。 Kenji：やります。 Suke：やります。 Misaki：ハハッ（笑）。主にKenjiがアレンジを担当しているんですけど、何でもロカビリーにできちゃうんですよね。

──Kenjiさんにとっての自信作はありますか？ Kenji：「天城越え」ですね。演歌をロカビリーのフィールドに寄せるということが成功した例かなと。 Suke：確かに。「天城越えでロカビリーしてたよね？」ってよく言われます。 Kenji：常に「これ、ロカビリーにしたらどうなんるだろう？」って考えているんです。街中で流れてきた曲を聴いて「シャッフルのリズムにしたらどうなるかな？」とか。そういう風にロカビリー・アレンジのアイデアを溜めておくんですよね。 ──すごい、特殊能力ですね（笑）。 Suke：この前はお店で「ひな祭り」の歌が流れてきて、急に「これロカビリーにできると思う」って言い出したんです。 Kenji：そう、あれはイケる。来年あたりに出るかもしれません（笑）。

──YouTubeやライブの本数を重ねることは、The Biscatsの活動にどのような影響を与えたのでしょうか？ Misaki：バンドとして7年間活動してきて、ロカビリーがあまり好きじゃない方にもたくさん知ってもらえるようになったと思います。どの街に行ってもお客さんがいて、一切手を抜かずに演奏してきた甲斐があったなって思います。 Suke：The Biscatsでロカビリーを初めて知ったから行こう、みたいな人が増えたとは思います。半分くらいはそうなんじゃないかな。 Misaki：うん、ジャンルとか一切関係なく来てくれる方がすごい増えた。そのお陰もあって、自分たちの知らない場所に出演してもいつも来てくれる皆さんが盛り上げてくれるので、それを観た別のお客さんが「ちょっと楽しそう！」っていうノリで集まってきてくれたりとかして。そういう連鎖が起こりはじめてるとは思います。 ──The Biscatsをきっかけにロカビリーの魅力を知る方も多いと思います。ロックやヒップホップなど、他ジャンルのライブと比べたときに、ロカビリーならではの魅力はどんなところにあると感じていますか？ Kenji：例えば僕がロカビリーに衝撃を受けた時は、何も考えずに聴いた瞬間に体が動き出したくなるようなビートに感動したんですよね。聴いた瞬間に「あ、なんか楽しいな」って思えるというか。 Suke：そう、ダンス・ミュージックなんです。だから楽しくないはずがない。それと自分がロカビリーを始めるきっかけになったストレイ・キャッツは不良っぽさがあるというか、今だったらヒップホップをやるようなワルい子たちが昔に戻ってカッコいい不良をやっているような雰囲気があるんです。 Kenji：まさにストレイ・キャッツのブライアン・セッツァーは凄いライブをしていましたね。声だけじゃなく、ギターも歌ってるように弾くんですよ。ほぼ手元も見ず、全身が一体化しているというか。それに衝撃を受けて自分もギターを弾いているんです。 ──Misakiさんはお父様の影響でロカビリーが身近にあったのですよね。 Misaki：そうです、生まれた時から家でずっとロカビリーが流れていて。ただ当たり前の存在すぎて、実はライブは一回も観たことがなかったんです。それからギャルモデルやアイドルなどいろいろやってみても、どれも自分にしっくりこなくて。そこからロカビリーの跳ねるリズムが自分に染み付いていることにようやく気づいたんです。好きで始めたというより、自分の中に染み込んでいるものから始まったんです なので今はロカビリーという音楽自体を広めるために3人で頑張っていて。同世代や下の世代には「ロカビリー」という言葉すら知らない子もいるので、「こんなに楽しい音楽があるのに火が消えてしまうのはもったいない」という想いでYouTubeにも力を入れているんです。ロカビリーブームが最後に日本で起きたのは80年代なので、次は自分たちが入り口になれたらなと思っています。

──昨年リリースの「がんばロカビリー」はまさにそういった楽曲でしたよね。ロカビリーへの応援歌というか。 Misaki：わたしがずっと言い続けてた言葉なんです、「がんばロカビリー」って。 Kenji：そうですね。バンドのテーマソングを作ろうと思って、結果的に自分たちがロカビリーを広めたいっていう思いとマッチした楽曲に仕上がりました。 ──そのリリースを経た上で最新作『BLACK or PINK?』に繋がるのですが、どのようなコンセプトで制作を進めたのでしょうか？ Misaki：最初に先行シングルの「ざけんな！」と「よそ見はNO！」の2曲が完成していて、そこからアルバムについてお風呂に入りながら考えていた時に「ブラックとピンクに分けて全然違うものを一つにまとめたら面白いかな？」って思いついたんです。なので最初の3曲はブラック、後半3曲はピンクという風に分けて、7曲目にボーナス・トラックとして「恋をとめないで」を収録しました。 ──以前からあったという「ざけんな！」は歌詞も含めパンチのあるナンバーですよね。 Kenji：今までThe Biscatsって楽しいものばかりで、怒りに関する曲ってなかったんですよ。ただバンドとして色んなことを経験してきた中で、怒りが原動力になることもあるというか。それでギターを弾きながらこ「ざけんな！」というフレーズを思いついたので、何とか形にしてからMisakiちゃんに「あとはよろしく！」って投げました（笑）。 Misaki：そうそう、「キター！」って思いました。いつも歌詞を書く時は日々考えていることをまとめたスマホのメモから引っ張ってくるんですけど、その中にもムカついたこととかはあって。でも、その怒りを作品にするタイミングが今まで全くなかったんですよ。なので何年分かの怒りが溜まってて……なので「あ、ついに時が来たな」というか。 ──ちなみに、どんな怒りが溜まっていたんですか？ Misaki：そうですね……10代から活動を続けていると、上から目線で言われることも多いというか（苦笑）。それこそ「こんなのロカビリーじゃねぇ！」って言われることもありますし。 ──えっ、そうなんですか？ Misaki：全然言われますよ。「よく聞けよ！」と思うんですけど、やっぱりオーセンティックなロカビリーが好きな人には受け入れられないというか。ただ、昔からあるロカビリーのスタイルをやりたいわけじゃないんです。The Biscatsの初期からのテーマで、ロカビリーが好きだから今までのバンドを真似した普通のロカビリーをやるんじゃなくて、それを良い意味でぶっ壊していって「The Biscatsのロカビリーはこれだ！」というものを提示していきたいんです。なのでたまに昔からロカビリーが好きな人に怒られちゃったりもするんですけど……まぁ「ざけんな！」が出来たので、その気持ちは成仏したということで（笑）。 ──なるほど（笑）。その流れで「BAD CAT」と「Hi-Hi」もブラックな側面として作っていったんですね。 Misaki：「BAD CAT」は悪い女をテーマにしています。愛とか優しさとか信じない、でもどこかで誰かに期待している……そんなクールな女性をイメージしました。 Kenji：「Hi-Hi」は僕がアイデアを出したんです。元々大阪で活動をしていたんですけど、その頃の「音楽で食っていけるんだろうか？」みたいな不安を思い出して、その気持ちを書いて続きはよろしくという感じで渡したんです。 Misaki：「いつも元気な人だって、たまには落ち込む夜があるよね」っていう人間のリアルな部分を歌ったのが「Hi-Hi」ですね。

──『BLACK or PINK?』はアーティストとしての主張がありありと見えるというか、人の切実な側面を歌っていますよね。例えば次の「よそ見はNO！」も、表向きは独占欲の強い女性を歌っているようでありながら、「他のバンドじゃなくて私たちを見て！」というメッセージにも聞こえるというか。 Misaki：（拍手）天才！　そう、そうなんです。キャッさん（The Biscatsのファンネーム）に向けて「よそ見はNO！」というか、「The Biscatsを見ていたら良いことあるよ」っていう裏テーマがあったんです。メンバーにもそれは言ってないんですよ。 Suke：知らんかった……。「そういう女性なんだな」としか思ってなかったです（笑）。 ──「よそ見はNO！」のMVにはモグライダーの芝さんも出演していましたよね。 Misaki：ロカビリー芸人さんのTAIGAさんとのご縁で芝さんと初めてお会いして、その時にストレイ・キャッツの話で盛り上がったんですよね。しかもリーゼントですし、「よそ見はNO！」のMVの彼氏役は芝さん以外思いつかないというか。それで決め打ちでお願いしたら奇跡的にスケジュールが合ったんです。2時間だけだったよね？ Suke：そう。 Misaki：もう車の中で着替えてすぐに撮影、みたいな。ご縁に感謝しています。

──キュートな「よそ見はNO！」から「きゅるるんSummer」ではオールディーズを意識したレトロなポップスが展開されます。どのようなアイデアから作っていったのでしょうか？ Kenji：これはサウンド・プロデューサーの真崎修さんに作っていただいたんです。個人的にはオールディーズの皮を被った現代風のポップスというか、細かく聴くと物凄い数のギターが重ねられていて。考え抜かれた、真崎さんにしかできない芸当だなっていう。 ──提供曲という点では「がんばれロカビリー」と同時にリリースされた「Right Now!!」も一聴するとロカビリーの範疇から外れたポップスのようにも聴こえますが、そうした新しい試みに挑戦している意識はあるのでしょうか？ Misaki：そうですね。「魂さえロカビリーだったら好きなところまでジャンルを広げても大丈夫」っていうテーマがありまして。なのでギリギリを攻めています。 Kenji：ロカビリーが好きな人だったら、「Right Now!!」とか「きゅるるんSummer」を聴いても、「この人たちはロカビリーが好きなんだろうな」っておそらく気づくと思うんです。細かいギターやベースの奏法であったり、独特の跳ねるリズムは失っていないというか。 Misaki：美味しいところは抑えてるよね、ロカビリーが好きな方がピンとくるポイントは外さないようにしているというか。根本まで理解できないとその余裕って生まれないので、最初は王道を踏まえつつ練習して、今では「The Biscatsがやればロカビリーでしょ！」って自信を持って言えるようにはなりました。 Suke：あと、「ウッドベースは元気いっぱいにロカビリーしないとダメだ」っていう持論があって。それは継続しています。とにかく派手に、元気に飛び跳ねるというか。 ──『BLACK or PINK?』のピンクの側面を担う最後の曲は「もう一度会いたくて」、こちらはかねてからYouTubeでカバーしている昭和の歌謡曲のような風格を感じました。 Kenji：一昨年に自分の父親が他界しまして、その報せを仙台のライブへ行く前に受け取ったんです。その時の「もう一度会いたいな」っていう気持ちを歌にして発散しようとしたらメロディを思いついたので、自分の好きなロカビリーだったりオールディーズのスタイルに寄せてMisakiちゃんに渡したんです。「自分では続きの歌詞が書けないから、代わりに書いてもらっていい？」って。 Misaki：私も今年の1月に猫ちゃんを亡くしたので、その想いを重ねて書きました。生きている中で大切な人を失うこともあるけど、そんな中でも寄り添えたらなっていう歌です。 ──ここまでのお話を伺って、『BLACK or PINK?』はあらゆる意味でThe Biscatsにしか作れない作品になったのではないかと。 Misaki：『BLACK or PINK?』は今までにないぐらい喜怒哀楽が表現されてるというか、「感情のジェットコースター」って私たちは呼んでるんです。人間に欠かすことのできない感情を全部詰め込むことができたから、個人的にも大好きなアルバムというか。最高傑作です！ Kenji：うん。自分が生きてきた中で、表現したいものがストレートに表現できたアルバムになったと思います。 Suke：色んなタイプのロカビリーが混ざってるんですけど、そこまでロカビリーにこだわらなくてもスッと入って来れるような楽曲がいっぱい揃ってると思うんで、気楽に聴いてほしいですね。こう、部屋でジッと聴くんじゃなくて……ラフに踊りながら（笑）。 ──まさにダンス・ミュージックというか。 Suke：あ、そうです。もう頭空っぽにしてね、って感じです。 ──Sukeさんってとてもフィジカルへの意識が強いですよね（笑）。 Kenji：確かに、超フィジカル（笑）。 Misaki：武闘派、肉体派（笑）。 Suke：ハハッ、野球部だったんで。 ──（笑）。では最後に、『BLACK or PINK?』を引っ提げて回る＜The Biscats TOUR 2026「BLACK or PINK?」＞への意気込みを教えてください。 Misaki：2年前に目標としていた渋谷公会堂（現LINE CUBE SHIBUYA）でのライブを成功させることができて、次の目標として日本武道館を掲げたんです。そのためにも今回のツアーがかなり重要になると思うので、ぜひ生のロカビリーを体感してもらって「また次も来たいな」って思ってもらえるように、一本一本「がんばロカビリー」してきたいなって思います！ Kenji：武道館でのライブを宣言したので、ここから来てくれた人は一人残らず、全力で抱え込んでいこうと思います（笑）。 Suke：僕らは武道館に向かって、ライブをドーン！とやって、バーン！とやってみんなでイェーイ！って盛り上げていくんで！ Misaki：フィジカル！（笑）

Photo：Koichiro Funatsu Text：Ikkei Kazama Edit：Ranji Tanaka

✴︎ ARTIST TO WATCH ✴︎

Joy Orbison

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KNOWER

Loraine James

Kassa Overall

✴︎ VOICES FROM THE SCENE ✴︎

DNG - DJ

藤本夏樹 - Musician

Manaha - DJ/Editor

gai seki - Percussionist

kenchantokyo - VJ

FFF Time Table

FFF Playlist

Text by 漂流音楽

EVENT INFORMATION

FUTURE FREQUENCIES FESTIVAL 2026

lineup： DAY1 - 7.11(Sat) Joy Orbison, The Sabres Of Paradise (Club Set), Nosaj Thing x Daito Manabe, Loraine James, Marihiko Hara, Mount XLR, Keigo Yoshida, Sogen Handa, Alminium DAY2 - 7.12(Sun) Knower [full band show], Kassa Overall, Hakushi Hasegawa, YPY, Kei Matsumaru, Takuma Nakata venue：MoN Takanawa: Box1000 / Box300 time：Open/Start 15:30 主催・企画制作：Studio Daito Manabe / Beatink / Fil 共催：MoN Takanawa: The Museum of Narratives 協力：Arts Council Tokyo tickets： 1日券 | 1 Day Ticket - DAY1(Standing): 12,000円(税込) - DAY1(2F指定席-Box1000): 14,000円(税込) ※メインフロア(Box1000)の2階指定席付き - DAY2(Standing): 14,000円(税込) - DAY2(2F指定席-Box1000): 16,000円(税込) ※メインフロア(Box1000)の2階指定席付き 通し券 | 2 Day Ticket - Standing: 23,000円(税込) - 2F指定席(Box1000): 27,000円(税込) ※メインフロア(Box1000)の2階指定席付き ★イープラス https://eplus.jp/fffestival2026 ★LAWSON TICKET https://l-tike.com/fffestival2026 ★BEATINK https://beatink.zaiko.io/e/fffestival-2026

詳細はこちら

漂流音楽

漂流音楽（Hyoryu Music）は、2022年2月16日に国内外の音楽を紹介するメディアとしてInstagramを拠点に活動を開始。新譜情報を中心に、フェスやライブ情報も発信している。活動開始同年には初の紙媒体『漂流音楽マガジン VOL.1 -too many music to follow...-』を刊行。以降も制作を続け、現在はVOL.4まで刊行している。DJコレクティブとしての顔も持ち、渋谷 club bar FAMILYにて自主企画イベント「NEIGHBOR」を毎月開催中。ジャンルの壁を超えた音楽体験を届けることを軸に、メディア・出版・イベントの三つの軸で活動を展開している。 Instagram

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今年のフジロックは「推し活」が鍵。好きな音楽を起点に数珠繋ぎでアーティストを辿れば、未知の音と出会える。ロックからダンスまで網羅し、苗場であなただけの最高の音楽体験を見つける。全く新しい「推し活」的フェスの歩き方を、この記事で徹底解説。

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“推し”がいるから音楽を聴く。そしてその推しを辿って知らなかった音楽に出会う──そんな聴き方が、最近の音楽体験のスタンダードかもしれない。ジャンルや国境を越えて音楽を知る感覚は、ストリーミングやSNSによって日常のものになったけれど、その延長線上にあるリアルな体験として改めて注目したいのが＜FUJI ROCK FESTIVAL（以下、フジロック）＞だ。今回は出演するアーティストを起点に、「〇〇が好きならこのアーティストもきっと刺さるかも」という超個人的な数珠繋ぎで、フジロックのラインナップ＆レコメンドを「推し活」の感覚で紹介していく。

「推し活」で変わった音楽との出会い方

昨今の音楽体験を語る上で、「推し活」という言葉は欠かせない（と今回は言い切ってしまおう）。かつてのようにジャンルやシーン単位で音楽を把握するのではなく、まず「この人が好き」という感情を起点に、推しのアーティストから連想ゲーム的に次の音楽へと辿り着いていく。 ストリーミングやSNSが当たり前に存在している世代は特に、その流れを自然に享受している。Spotifyのレコメンド、TikTokで流れてきた数十秒の音、友人のストーリーズに映り込むライブ映像など。そうやって受け取った情報は断片的でありながらも、感覚的には地続きだ。 そしてこれまで無意識に出会ってきた音楽の点と点を、リアルな体験としてつなげてくれる場所が、今年は7月24日（金）・25日（土）・26日（日）に開催される＜フジロック＞だ。 この巨大な音楽カタログのようなフェスは、3日間にわたって、ロック・ポップス・ヒップホップ・エレクトロニカ・ワールドミュージックなど幅広い音楽が多様なステージで鳴り続ける。 重要なのはそれらを学ぶのではなく、「推し活」の延長として体験できること。知識がなくても、予習をしなくても、好きな音に耳を傾ければいい。リスナーにとって＜フジロック＞というフェスは、推し起点の音楽を聴き回れる、贅沢極まりない巨大なフィールドとして存在している。

国内アーティストを起点に広がる数珠つなぎ

ここからは国内アーティストを起点に、ラインナップを数珠つなぎでいくつかレコメンド。 まずはやはり、今年のラインナップにおいてとりわけ話題を集めている初登場のFujii Kaze（25日・GREEN STAGE）。たとえば彼が大好きなら、インディ・ロック界で“最も魅力的で謎めいた存在”と称されるMITSKI（26日・WHITE STAGE）はいかがだろう。感情の機微を丁寧にすくい取る歌と、ライブでの圧倒的なパフォーマンス力は、Fujii Kazeのリスナーとも深く共鳴しそうだ。 一方で、現行バンドシーンが近い存在の人は、Kroi （25日・WHITE STAGE）や Bialystocks（25日・GREEN STAGE）を起点に。その先にはファンク・サイケデリックを横断する米ヒューストンのトリオで、土曜のヘッドライナー・KHRUANGBIN（25日・GREEN STAGE）が待つ。 日本のロックリスナーから支持される結成30周年の ASIAN KUNG-FU GENERATION（24日・WHITE STAGE）推しなら、独創的なポップセンスで聴く者を虜にするTHE LEMON TWIGS（26日・RED MARQUEE）をぜひ。27年ぶりに出演するHi-STANDARD（24日・GREEN STAGE）が好きなら、米ボルチモア出身のハードコア・バンド・TURNSTILE（24日・GREEN STAGE）も必聴か。どんなジャンルでも好きなアーティストとリンクする、同等かそれ以上に最高なアーティストが世界にはいる。

海外アーティストは「感覚」でつながる

＜フジロック＞における海外アーティストは、初見だとしても、詳しくなくてもいい。重要なのはジャンルや国籍ではなく、どんな感覚を持った音楽なのかという点でつながりにいこう。 たとえば「静と動のコントラスト」や「美しい余白」といった空気に惹かれる人は、2010年の初出演から数えて4度目の＜フジロック＞で初のヘッドライナーを務めるThe xx（24日・GREEN STAGE）をぜひお見逃しなく。2025年にアルバム制作に向けて再集結した彼らの、ダンス・エレクトロニック志向に進化したサウンドは、夜のGREEN STAGEでこそ真価を発揮するはずだ。 「重低音とビート」「社会性を帯びたムード」に惹かれるのなら、MASSIVE ATTACK（26日・GREEN STAGE）のステージへ。ヘッドフォンで聴いていた音楽が開放的な空間で鳴ったときの、まったく異なる感動を浴びてほしい。ダンスミュージックの文脈なら、幾度となくフジロックの夜を熱狂の渦に巻き込んできたBASEMENT JAXX（25日・GREEN STAGE）も外せない。世界中のダンスフロアを揺らしてきた彼らが苗場に帰ってくる。クラブともライブハウスとも違う野外フェスならではの開放感と多幸感に包まれた、まさに巨大なダンスフロアと化す祝祭空間を全身で体感してほしい。 これらの体験は、アルゴリズムでは提示されない。 だが、あなたの信じる好きを頼りに苗場中を練り歩いていれば、自然と辿り着ける距離にある。それが＜フジロック＞の醍醐味だ。

偶然が「次の推し」を連れてくる場所

音楽に詳しい人からしたら、ベタなアーティストのラインナップを例に挙げて紹介したが、近年の＜フジロック＞はとりわけ、そういう玄人だけが集まるフェスではないと感じる。ゆえに筆者も含めて、知識や経験にとらわれずに、自分らしく今年の＜フジロック＞を楽しんでみたい。 ＜フジロック＞の魅力は、ほかの国内フェスと比べても、予定外の出来事がより肯定されていることにある。タイムテーブル通りに動かなくてもよくて、むしろ少し迷子になるくらいがちょうどいい。食事中に聴こえてくる歌声、休憩中に遠くから響くベースライン、移動中に聞こえてくる観客の声。それらに誘われて、なんとなく立ち寄ったステージに素敵の出会いがあるだろう。 そうした偶然が「推し活」を次のフェーズへと進めてくれる。ビギナーほど＜フジロック＞では知識よりも感覚を優先。「知らないから行ってみる」選択に寛容な空気が、苗場にはある。 2026年の夏、＜フジロック＞での体験を通して、あなたのプレイリストにはきっと新しい名前が刻まれる。その始まりは、すでにあなたが愛している音楽のすぐそばにあるはずだ。

Text by ラスカル （NaNo.works） Edit by Qetic編集部

INFORMATION

FUJI ROCK FESTIVAL ’26

会期	2026年 7月24日(金)・25日(土)・26日(日)
会場	新潟県 湯沢町 苗場スキー場

公式サイト

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今年25周年を迎える＜SUMMER SONIC 2026＞。そんな同フェスの深夜枠＜MIDNIGHT SONI…

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今年25周年を迎える＜SUMMER SONIC 2026＞。そんな同フェスの深夜枠＜MIDNIGHT SONIC＞が、〈DIESEL（ディーゼル）〉によってキュレーションされることが明らかとなった。 今回のコラボレーションは、アニバーサリーイヤーを彩るスペシャル企画のひとつとして実現。〈DIESEL〉が世界中のクラブシーンとともに育んできたアンダーグラウンドな音楽カルチャーと、エクスペリメンタルなパーティスピリットがサマソニ深夜をテイクオーバーする。 ラインアップは、唯一無二のフロウと先鋭的なサウンドで世界のヒップホップシーンに衝撃を与え続けるデトロイトの異才 DANNY BROWN、BBC Radio 1『Furure Star of 2024』にも選出されたイギリス拠点の新鋭アーティスト/DJ sim0ne、史上最年少の15歳でDMC世界チャンピオンに輝き、レーベル〈Fool’s Gold〉主宰としてもシーンを牽引するDJ/プロデューサー A-TRAKをはじめ、〈DIESEL〉の審美眼でセレクトされた気鋭のアーティストが国内外から集結。 ＜MIDNIGHT SONIC DIESEL TAKEOVER＞は、＜SUMMER SONIC 2026＞DAY2の終演後、8月15日（土）22:30より開催。専用チケットは、6月27日（土）10:00より販売開始予定。なお。＜SUMMER SONIC 2026＞東京公演の3DAYチケット、8月15日（土）および8月16日（日）の1DAYチケットをお持ちの方も参加可能となっている。詳細は、以下よりご確認を。

EVENT INFORMATION

MIDNIGHT SONIC DIESEL TAKEOVER

日程：8月15日（土） 時間：22:30-

詳細はこちら

© Qetic Inc.

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ヒップホップクルー 舐達麻（なめだるま）の手がけるオリジナルブランド〈BUDSPOOL（バッズプール）〉と、タトゥーアーティスト GAKKIN（ガッキン）が、最新コラボコレクションを発表。 今回のコラボレーションでは、レーヨン素材の開襟シャツやTシャツといったアパレルをはじめ、うちわ、扇子、手拭いなど、これからの季節に最適なアイテムが数多くラインアップ。これらのアイテムには、GAKKINの描き下ろしアートワークがあしらわれている。 本コラボコレクションの発売を記念し、6月27日（土）、28日（日）の2日間、東京・神宮前の『THE PLUG』にてポップアップストアを開催。会場では、本コラボアイテムの販売を行うほか、ホップアップ限定アイテムやノベルティアイテムも多数用意するという。まずは、記事内の画像からアイテムディテールをチェックしよう。

EVENT INFORMATION

GAKKIN × BUDSPOOL POP UP STORE

日程：6月27日（土）、28日（日） 会場：THE PLUG 住所：東京都渋谷区神宮前6-12-9 1F

詳細はこちら

© Qetic Inc.

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東京・渋谷を拠点とするレコードストア『Manhattan Records（マンハッタンレコード）』が、フランス…

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東京・渋谷を拠点とするレコードストア『Manhattan Records（マンハッタンレコード）』が、フランス・パリ発のアイウェアブランド〈PETER AND MAY（ピーター アンド メイ）〉とのコラボアイウェアを6月21日（日）より発売する。 渋谷宇田川町というレコードの聖地にて、創業45年以上の歴史を誇るレコード専門店『Manhattan Records』。渋谷系ムーブメントや日本のヒップホップシーン興隆の一役を担い、1990年代後半から2000年代初頭にかけてDJブームのシーンを牽引した本レコードストアが、〈PETER AND MAY〉を招聘したコラボレーションを発表。 2012年にパリで設立された〈PETER AND MAY〉は、クラシックなフレンチデザインをベースにしながらも、現代的な感覚と洗練されたミニマリズムを融合したプロダクトで人気を博すアイウェアブランド。音楽とファッションを通じて、独自のカルチャーを発信してきた両ブランドによる国際的プロジェクトでは、東京とパリ、それぞれの都市が持つクリエイティビティやライフスタイルを具現化させた、スペシャルコレクションを展開する。 コラボモデルには、〈PETER AND MAY〉の代表モデル S#134を採用。さらに、限定デザインのTシャツ2型も同時発売するという。 加えて、本コラボレーションのために制作されたルックビジュアルや公式プレイリストも公開。東京とパリ、それぞれの都市が育んできた音楽文化を背景に、アイウェア、ファッション、音楽を横断するプロジェクトとして展開する。 さらに、6月28日（日）には『Manhattan Records』にてコラボを記念したローンチイベントを開催。当日は、コラボレーションアイウェアおよび限定Tシャツの販売に加え、モデルとして国内外で活躍するMAYURI、世界各国のアンダーグラウンドカルチャーを横断するShioriyBradshaw、そしてAmapianoシーンを中心に注目を集めるSAKURAなど、東京の音楽・ファッション・カルチャーシーンで活躍するDJたちによるスペシャルDJセットを実施。それぞれの都市が育んできた音楽・ファッション・ライフスタイルが交差する1日を、ぜひ会場で楽しんでみてほしい。

EVENT INFORMATION

PETER AND MAY × Manhattan Records Special Collaboration Launch Party

日時：6月28日（日）16:00〜20:00 会場：Manhattan Records Shibuya 　　　（東京都渋谷区宇田川町10-1 木船ビル） 出演：MAYURI 　　　ShioriyBradshaw 　　　SAKURA 　 　& Manhattan Records DJs 入場：無料

詳細はこちら

© Qetic Inc.

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