東京・高円寺にある「SUB store」という一風変わったヴェニューを紹介したい。場所は高円寺北口の中通り商店街の餃子の王将を左に曲がり路地を数十メートルほど歩いて左手のビルの２階。インドネシア料理屋、コーヒーやお酒も楽しめて、週末を中心にライヴやDJを中心としたパーティも行われている。店内を見渡すと、私物の音楽本やミュージシャンの自伝、ジェイムズ・ブラウンのフィギュア、マルコム・Xの演説を用いたエレクトロの名曲“NO SELL OUT”のステッカー、ガールズのサイン入りのファースト『アルバム』やビヨーク『ユートピア』のレコード・ジャケットも飾られている。DJやお店の常連客のレコードの委託販売も行っていて、アフリカ音楽を始めとするワールド・ミュージックやパンク、シティ・ポップなどジャンルも幅広い。

お店を切り盛りするのはインドネシア出身のアンディと久実さん夫妻。そもそも「SUB store」はどのようにできたのだろうか。ロックやパンク、ハードコアやスケートが大好きだったアンディは東京各地のライヴ・ハウスやレコード屋を渡り歩くなかで、音楽やサブカルチャーが根付く高円寺の魅力に引かれて、2014年に当地への引っ越しを決意する。高円寺にまったく縁のなかった久実さんは「アンディにこの町の面白さを教えてもらいましたね」と語る。そして引っ越し後にお店をやろうと思い立ち、ふたりで仕事を辞め、2016年3月に「SUB store」をオープン。

中野、阿佐ヶ谷、下北沢でも物件を探したというが、最終的に高円寺に決めた理由は何だったのか。「高円寺の小さい駅のサイズも良かったし、雨でも駅から濡れないで歩いて来られる高架下に近い物件が見つかったのもありますね。あと家賃が安かった。最初は隣がヤクザの事務所でしたけど、まあ大丈夫でしたよ（笑）」とアンディ。

店名は、アメリカのシアトルのインディ・レーベル〈SUB POP〉に由来。レーベルの大ファンだったアンディと彼の弟が名前を決めた。お店のロゴもオマージュだ。「だけど、ロゴのフォントもデザインも違うからコピーじゃなくてインスパイアですね」と元々グラフィック・デザイナーが本職の彼は言う。〈SUB POP〉のTwitterアカウントに「大ファンなのでインスパイアされた」という旨のDMを送ったところアンサーが返ってきたという。「ぜんぜん怒られることもなくて。むしろTwitterでフォロー・バックしてくれてちょっと応援してくれている感じですね」と久実さん。

small、unique、bookという頭文字から成る「SUB」にはお店のコンセプトが込められている。「お店は小さくて、ユニークでありたくて、しかも本が大好きだからです」とアンディが簡潔に説明してくる。HPには次のように記してある。「幅広い年齢の方々がサブストアで新しいアイデアや文化に出会ったり、お互いに情報交換することで世界のアートや音楽、文化の新しい面に触れていただければ嬉しいと思います」。

じつは高円寺の店舗は4号店。2014年にアンディが出資、彼がレコードやCD、音楽グッズのバイヤーの役割を担い、弟夫婦がジャカルタに1号店を設立した。翌2015年初頭にバンドゥンに2号店、同年の後半にバリに3号店を開き、さらに2019年にはジョグジャカルタに5号店をオープンした。もちろん現地にはそれぞれビジネス・パートナーがいる。現在は、バリ、高円寺、ジョグジャカルタが開業中で、バンドゥンのお店も再開する予定だ。

当初、高円寺の「SUB store」では絵や作品の展示会などは念頭にあったものの、ライヴやDJのパーティまでは想定しておらず、いまあるDJ機材や大きなスピーカーもなかった。久実さんは最初、コーヒーがメインのお店と考えていたそうで、料理のメニューも最初は3種類程度だった。本格的に料理を提供したり、お酒を作ったりする飲食業そのものが初めてのふたりは手探りでお店の営業を模索してきた。

「お客さんからインドネシア料理をもっと増やしたほうがいいよとアドバイスをもらってちょっとずつ頑張って増やして行ったり。DJイヴェントをやるようになったのもお客さんが勧めてくれたからですね。お店が盛り上がるよって」（久実）。

「最初にDJイヴェントをやってくれたのは大槻洋治さんという方です。アフリカン・ミュージックのレコードのコレクターで、ワールド・ミュージックのパーティをやってくれました」（アンディ）。

大槻さんは西アフリカのマリで学んだアフリカン・スタイルのギターを弾くミュージシャンで、Youzy名義で主に60、70年代の西アフリカのレアなレコード等をプレイする。店内では大槻さん所有のレコードも売られている。

「だから、お客さんに助けられながら営業してきた感じです。そう、のでぃさんもオープン当初に来店してくれたひとりです」（久実）

のでぃとは、高円寺を拠点に活動する、知る人ぞ知るサイケデリック・ロック・バンド「ねたのよい」のヴォーカル／ギターで、サイケデリック・ロックを地で行く風貌とヒッピー・ファッションからいちど会ったら忘れられない高円寺アンダーグラウンドの重要人物だ。

ある日アンディがオープン時間の昼12時ぐらいに、イサーン音楽／モーラムをかけながら階段を掃除していると、ワインを瓶でラッパ飲みしながらタバコを喫って店の前に佇んでいるタトゥーの目立つ男がいた。それが、のでぃだった。

「私が恐る恐る『Nice to meet you…』と話しかけると、『良い音楽かけてるね。俺もタイの音楽が大好きだから明日レコードを持って店に来るよ』と言われて。でも、タンクトップですごいタトゥーも見えているし最初は怖いじゃないですか。隣はヤクザの事務所だし、タトゥーの人は来るし、『高円寺はプロブレムだらけだ！』って思いましたね（笑）」とアンディが冗談めかして言う。

翌日、実際にのでぃが大量に持って来たタイの音楽の7インチはすべてオリジナル盤の貴重なレコードだったという。そうして意気投合したふたりはRADIO SAWADEE（ラジオ・サワディ）というDJユニットを組むに至る。そして、2021年に立ち上げた「SUB store」の音楽レーベル部門〈SUB Records〉の第一弾としてリリースしたのが、ねたのよいのファースト・アルバム『月桃荘』（06年）のLP盤だった。

こうした「SUB store」の交流のネットワークは高円寺ローカル、東京、日本、インドネシアだけに限定されない。

「フェスや大きなライヴで来日した海外アーティストから、うちのお店ぐらいの狭い場所でファンと近い距離でインティメイト・ライヴ（親密なライヴ）をやりたいという連絡がいっぱい来るようになって。英語が通じるのも大きかったでしょうし、サブカルチャーが根付いた高円寺というネーム・ヴァリューが世界に広がっているのを感じました」（久実）。

これまでに、アメリカのロック・バンド、!!!（Chk Chk Chk）の元メンバーのアラン・ウィルソンがYolo Biafra名義でDJしたほか、UKのジャズ・ファンクのグループ、インコグニートのリード・ギタリスト、フランシスコ・サレス、あるいはフィンランドのシンセ・ポップを奏でるヤーコ・エイノ・カレヴィというアーティストなどがライヴを行っている。ちなみに、ビョークが2022年に発表したアルバム『フォソーラ』への参加で注目を集め、今年9月の来日ツアーも話題となったインドネシアのエレクトロニック・ミュージックのユニット、ガバ・モーダス・オペランディは、アンディの友人でもある。「彼らが急に有名になってびっくりした。すごいね」と笑う。

「SUB store」のお店の雰囲気は開放的で、久実さんとアンディはとてもフレンドリーで、音楽やアートのジャンルも幅広く、そのネットワークも豊かだ。しかしとうぜん、「何でもあり」というスタンスで営業しているわけではない。そこには理念がある。

「大事にしているのは金儲けだけのためのビジネスはやらないことです。資本主義はやっぱり嫌いだから」と久実さんがきっぱりと言う。「例えば、うちで展示をやる場合は1週間5千円か8千円という安めの値段に設定していますけど、良い作品であることは前提です。たとえば、台湾や中国の友達もいるし、中国と台湾の国同士の対立の問題で友だちが困っていればできる限りのサポートはしたい。自分たちだけ良ければ良いというビジネスはしたくないですね。社会にもちゃんと貢献できるソーシャル・エンタープライズをやっていきたい」。

アンディが付け加える。「レコードもできるだけ安く売りたい。高くても2千円台、できれば千円か七百円ぐらいで売るのが理想。それでは利益がなかなか生まれないけれど、その方がお客さんも私もレコードもハッピーですよね。物を高く売るより、お店を通してコミュニティを作ることの方が大事です」

ライターやタレントとしても活躍するマシュー・チョジックが高円寺のカルチャーとこの土地のフッド感覚とノスタルジックな魅力を紹介する動画で水先案内人になっているのがアンディだ。また、『バンドやめようぜ! ──あるイギリス人のディープな現代日本ポップ・ロック界探検記』（ele-king books）の著者、イアン・F・マーティンも〈SUB store〉をたまに訪れるという。そのイアンは2019年9月におこなわれた高円寺の再開発反対のサウンド・デモのレポート（https://www.ele-king.net/columns/007332/）を書き残している。そして、店内には2022年5月の同様のアクションを報じた『THE JAPAN TIMES』の切り抜きが貼られている。

高円寺北口にある庚申通りには、「SUB store」と縁の深い、ポスト・パンクやポスト・ロック、実験音楽や電子音楽、中国のアンダーグラウンドの作品などを置くレコード店〈UPTOWN RECORDS〉がある。2011年にサンフランシスコ出身のサッコ（SACCO）と上海出身のソフィア（Sophia）が上海にオープン、2020年に高円寺に新店舗ができた。当初はふたりで来日して開店する予定だったが、中国がコロナでロックダウン（都市封鎖）したためにソフィアが出国できず、サッコは見知らぬ土地にひとりで来日してお店を始めた。〈UPTOWN RECORDS〉はレコードを売るだけでなく、「SUB store」同様にお酒を提供したりDJのパーティも開いたりするため、コロナでとうぜん営業も打撃を受けた。そこで、不慣れな環境で苦労していたサッコをさまざまな面からフォローしたのが「SUB store」のふたりだった。

「コロナで外に出られないことで私は高円寺の人たちとより仲良くなれた気がしますね。お互い助け合わないといけなかったし、それで仲が深まった感じがします。高円寺はちょっと村っぽいというか、助け合いで成り立っている町だと思う。もちろんいろんな人たちがいますけど、自分たちの周りはそうですね。やりたいことをやっていれば、必ずそれを好きな人とつながっていくし、そこから何かが広がっていく。自分にとってはそういう町です」（久実）

「SUB store」という一風変わったヴェニューは、音楽／文化的に一見マニアックなように見えて、じつは敷居が低く、入りやすい。それは、何をおいても、できるかぎりフォローし合いながら生きていくというごく真っ当な生活者意識がナチュラルに漂っているからだろう。いちど足を踏み入れたら予測不能な展開必至だ。

野外レイヴイベント＜INCUBUS CAMP “RAVE”＞が10月14日（土）に神奈川・川崎のちどり公園で開催される。 同イベントは、その名の通り都内のナイトクラブやDJバーで開催されてきたパーティ＜INCUBUS CAMP＞の野外レイヴエディションであり、本祭である。 このイベントはこれまで、Goldieやµ-Ziq、Fractal Fantasyなど、海外からレジェンド級のアーティストを迎えてきた。かつ、国内のDJクルーやコレクティブにも積極的にフォーカスし、ドメスティックなクラブシーンに様々な文脈をもたらしている。 そのひとつが「レイヴ」だ。スピードガラージや2ステップ、ドラムンベースやジャングル、あるいはテクノやロウハウス…。高速かつアブストラクトなビートの中で入り乱れる4つ打ち。 たとえば、今回＜INCUBUS CAMP “RAVE”＞に出演するクルーのひとつ『FULLHOUSE』は、先日UKから現行レイヴシーンの急先鋒・Nia Archivesを招いてパーティを開催しており、自分たちも彼女に呼応するようなDJをみせていた。

今年で3年目を迎える本イベントは、2022年6月の＜INCUBUS CAMP Vol.1＞に続き野外パーティとしては2度目の開催を迎える。今回も同じく川崎市のちどり公園で開催されるが、その規模はよりアップデートされた。 次のセクションでは、会場へのアクセスについて簡単にまとめている。

近年、様々なイベントが開催される「ちどり公園」。バンドやDJ、様々なアーティストがこの場所でライブを行っている。メカニカルな工業地帯を抜けた先に辿り着くそこは、オルタナティブな雰囲気がありながら、チルアウトにも適している。 川崎駅から市営バスで向かう道中、車窓から見える景色は繁華街から臨海地域のそれに変化。グラデーションを伴って変わる風景も、『INCUBUS CAMP “RAVE”』の楽しみのひとつだろう。 会場アクセスの具体的な道順を示す画像と、バスの発着時刻が分かるリンクを以下に共有する。

川崎駅バス乗り場 川04系統市営埠頭行 川05系統東扇島循環 川07系統東扇島西公園前行 ※川崎駅東口バス11番乗り場、12番乗り場、13番乗り場より乗車。JERA川崎火力発電所前にて降車。駐車場がないため、必ず公共交通機関でお越しください。

青々とした木々に囲まれた会場の真ん中には、最高音質を実現する「Void Acoustics」のスピーカーが置かれている。すぐ横には地平線まで続く海が広がっており、疲れたら海を臨むベンチで休むこともできる。 もちろん、自前のタープやイス、レジャーシートなども持ち込み可能だ。音楽以外にもフードやスイーツ、フルーツカクテルなどが用意されているので、それぞれ楽しみ方を見つけてもらいたい。 本稿にあわせて公開された会場のマップが、具体的なイメージをつかむ一助になるはずだ。

当日はイベントのヘッドライナーとして、＜INCUBUS CAMP “RAVE”＞にはUKガラージのアイコン的存在・Conducta、さらにUKファンキーのパイオニア・Roskaが登場する。 それぞれの界隈で“顔役”と言って差し支えない2人は、冒頭で述べた現行レイヴシーンにも共振している。2人についても簡潔に紹介したい。

2019年、全英チャート3位を記録し、ガラージを一気にメインストリームまで押し上げた楽曲がある。それが、AJ TraceyとConductaのコラボトラック“Ladbroke Grove”だ。以降、Conductaは各所でセンセーショナルに取り上げられ、ダンスミュージックの専門誌「Mixmag」や「DJ Mag」などでは表紙に抜擢されている。 そして彼が2019年1月に設立したレーベル〈Kiwi Records〉もまた、今やUKガラージにおける最大拠点と言って差し支えないだろう。Jack Junior、Sharda、Sammy Virjiなど、界隈を代表するDJ／プロデューサーがこのレーベルから次々と音源をリリースしている。 2020年3月にはミックスCD『The Kiwi Sound』を発表し、UKガラージをさらに周知させ、シーンの新鋭プロデューサーをフックアップした。

レーベルが設立される以前は、「UKGがシーンで認知される機会はなかった」という（参考：Conducta is fanning the flames of UK garage）。2023年現在、彼らが起こしたムーブメントは極東にまで届いている。

10年以上にわたり、サウスロンドンのUKファンキーを先導してきたRoska。自身のレーベル〈Roska Kicks & Snares〉からのリリースを中心に、プロデューサーとしてあまたの楽曲を発表してきた。2022年に同レーベルからリリースしたアルバム『Peace』には、FlowdanやSweetie Irieなどのレジェンドも参加している。そればかりか、彼は若いアーティストにフックアップすることにも極めて熱心だ。その中には、日本のラッパー・なかむらみなみとのコラボ曲（“Pree Me”や“Call Mi”）も含まれる。また、セレクターとしても、Rinse FMをはじめ様々なプラットフォームで古今東西の才能を見出してきた。

彼の世界観のもとに紡がれる音楽は、UKガラージ、ダブステップ、ジャングルなど実に多岐にわたり、それはまさしく今回の＜INCUBUS CAMP “RAVE”＞とも共振する。『Peace』に収録されている曲の中に、「Heung-Min Son」と名付けられたものがある。これはトッテナムに所属する韓国代表サッカー選手、ソン・フンミンのことだ。彼は熱心なフットボールファンでもあり、そういった遊び心や情熱を音楽に反映する余裕もある。当日の彼のDJは、その作家性よろしくオープンマインドなセットになるだろう。

＜INCUBUS CAMP＞の開催拠点でもあり、原宿から最先端のカルチャーを発信するミュージックバーの不眠遊戯ライオンがキュレーション。 DJブースとBARが一体となったアイランド型のライオンフロアでは、nasthugやW.A.S.P.などシーン最前線で活躍するプレイヤーから、CYBERHACKSYSTEMやJUN INAGAWAといったアート界でも絶大な支持を誇るDJ、ライオンのフロントマンとしても店を支えるシンガーのKick a ShowのDJセットなど、豪華ラインナップが集結。 さらにライオンBARでは、フレッシュフルーツを使ったカクテルや、山椒やアールグレイを漬け込んだインフュージョンカクテル、AwichのプロデュースするHABUSHといった限定メニューも用意。 当日は原宿の店舗からライオン像も出張するなど、ライオンらしさ溢れる空間となっている。

世界的に活躍するグラフィックデザイナー・GUCCIMAZEがINCUBUS CAMPのために描きおろしてくれた今回のアートワークのステッカーが先着300名に無料配布される。ぜひ、この機会に入手したい。お早めの入場を。

当日は10月もなかば、酷暑も過ぎたあたりだが、恐らくその熱量は真夏にも引けを取らない。秋の肌寒さとは無縁の、愛と狂乱の野外レイヴフェスが川崎で待っている。

名古屋の名門レーベル〈RCSLUM RECORDINGS〉から、鹿児島を拠点に活動するハードコアバンドLIFESTYLEのEP『MY LIFE IS MY LIFE』がリリースされた。

〈RCSLUM〉からリリースされてきた作品の音楽性は多岐にわたる（詳しくはレーベル主宰ATOSONEのインタビューを参照）。TYRANTのYUKSTA-ILL、HIRAGENをはじめ、Campanella ＆ TOSHI蝮、RAMZA、Nero Imai、MIKUMARI、MC KHAZZ、HVSTKINGS、OWL BEATS、CROWN-D、UG Noodle、若手ではhyunis1000、nazcaなど。群を抜く才能を持つラッパーやプロデューサー、シンガーソングライターが発表してきた作品は、そのどれもが高純度の独自性を放ちながら、高強度で豊潤な音楽性が落とし込まれている。

そんなレーベルから今回放たれるのは「ゴリゴリでストレートなハードコア」のアルバムだ。バルチモアのバンドTURNSTILEを代表とする世界的なハードコア・リバイバルが勢いを増す中で、鹿児島のフッドスター、LIFESTYLEが〈RCSLUM〉からリリースする。そこには大きな意義と野望がある。

『MY LIFE IS MY LIFE』には鹿児島ユナイテッドFCへ向けた応援曲“3POINTS”やYUKSTA-ILLが客演した“LIFESTYLE PT.2”、まさかの紛れもないレゲエレジェンド、リー・ペリー（Lee "Scratch" Perry）のダブを含めた5曲が収録。異形ながらもど真ん中を突き進む作品だ。

本記事では、鹿児島のLIFESTYLEと名古屋の〈RC SLUM〉が手を組んだ文脈、そしてハードコアの原点を辿っていく。インタビューに答えたのはLIFESTYLEのギター・YOHEY。YOHEYは新たに結成されたオールスターバンドIT'S ALL GOODでの活動も話題になっている。聞き手はDJ／音楽ディレクターのCE$、〈RCSLUM〉主宰ATOSONEが担当した。

CE$　YOHEY君はアメリカに住んでいたんですよね。

YOHEY　そう。1999年の初めから、2004年の終わりくらいまでアメリカにいた。LIFESTYLEを組んだのは俺が帰国してから。色々と話は聞いていたけど、日本のハードコアシーンのことは全く知らないままバンドを組んだ。渡米のきっかけは英語の学校に通うことで、最初の3ヶ月だけちゃんと行った。その後、学校には行く気にはならなかったけど、アメリカには住んでいたかった。その後は年に20万くらい払えばビザも出してくれた。でも、ちょうど911があった。それから摘発が厳しくなって、見つかったら強制退去。危機を察してそのタイミングで学校も辞めた。でも何となくノリもわかったし、まあいけるかって感じで、それからXXXXだったね。

CE$　どの街に住んでたんですか？

YOHEY　ずっとボストン。NYも行きたかったんだけどね。絶対NYに引っ越そうと思ってたんだけど、住めば都だった。それで、ボストンでバンドも始める。NYは近いからたまにライブや遊びにも行けるし。NYに遊びに行ってた時、二十歳くらいのCE$も同じ場所にいたかもしれないんだよね。Castle Heights（※かつてNYにあったライブハウス）で。

俺は音楽はパンクから入ってるんだけど、ボストンに初めて来たとき、フライヤーを頼りにレコード屋を探した。ちょうど地元だとBLOOD FOR BLOODが〈VICTORY〉（※VICTORY RECORDS：数々のハードコアやエモのバンドを輩出してきた名レーベル）から2ndアルバム（『Revenge on Society』）を出した直後だったかな。あとボストンのすぐ下、コネチカットのDEATHTREAT。みんなめちゃくちゃライブやってた。ボストンならIM MY EYESやTEN YARD FIGHTとかも勢いがあった。でも、当時はBLOOD FOR BLOODの勢いが凄かったな。一番喰らったかも。とにかく〈VICTORY〉が凄かった。

CE$　ボストンのライブハウスにはよく行ってたんですか？

YOHEY　しょっちゅう行ってた。バンドがツアーで回ってきてた。CANDIRIA（※NYのラップやジャズ、フュージョンなどを取り入れたメタル／ハードコアバンド）が2枚目（『『Beyond Reasonable Doubt』）を出した時を覚えてる。

CE$　あの時代がハードコアというジャンルのピークの1つだったような気もします。BAD BRAINSやBeastie Boys、MINOR THREAT、FUGAZI、LORDZ OF BROOKLYNといったレジェンド的な存在に触れたいところですが、現在はボルチモアのハードコアバンドTURNSTILEの人気が爆発していて、世界的なハードコア・リバイバルが起こってる。彼らは現代のBeastie Boys的なイメージで、世界最大級のヒップホップフェス＜Rolling Loud＞のマイアミには、トラヴィス・スコット（Travis Scott）やエイサップ・ロッキー（A$AP Rocky）らと並んで出演しているほどです。その波が日本にも来てる気がする。

YOHEY　確実に来てるね。こないだも若い子と喋ってて、こっちが知らんバンドとかいたもん（笑）。詳しくてびっくりするよね。自分たちも最近になって若い子のイベントにも呼んでもらうことが増えた。俺たちを聴いたことない人たちもいるだろうけど、それはそれでカマすだけだけどね。

CE$　その若い子たちの頑張りで、認知度が高まってる感じもある。それに自分たちの世代と比べて、少しジャンルの違うバンドも分け隔てなく一緒にやったりするんですよね。そんな中、YOHEYくんのLIFESTYLEが〈RCSLUM〉からリリースすることになった。その経緯をお伺いしてもいいですか？

YOHEY　LIFESTYLEは鹿児島を拠点に活動しているけど、やはり中心からは離れた場所だし、独立国家みたいでもある。良い面も悪い面もあるけど、街が小さいし他のシーンの人たちと距離は近い。お互いが影響しあう感じもある。遊ぶときは一緒に遊ぶ。スタンスはそんな感じ。それで今回リリースするにあたって、まず一番は色々なことを共有したいと思った。今までずっとほぼ自主で出したけど、今回は初めてレーベルから出したい気持ちが芽生えていたんだ。その流れで、〈RCSLUM〉に白羽の矢が立つ。

ATOSONE　YOHEYくんたちは、名古屋のハードコアが少し下火になった時、いきなり現れた。ビートダウンもある、ゴリゴリでストレートな不良のハードコア。あの頃は皆がヒップホップにいっちゃったりしたけど、そこにLIFESTYLEがグワッと出てきたからバチクソにやられて、心を持っていかれた。一回原点に戻す、そんな衝撃を喰らった。名古屋の自分の周りでは、正直もしかしたらNYハードコアってダサいんじゃない？ってところまでいってた時期があった。それをLIFESTYLEにガッと戻された。全てを度外視してきた。

YOHEY　たまたまそういうタイミングだったんだよね。でも、名古屋はライブに人は入るけど、最初はメチャクチャ様子見されるっていう話を聞いてて、俺たちも一番最初はそうだったかも。正直、LIFESTYLEは日本に帰ってきて各地に知り合いもほとんどいないまま組んだバンドで、歳はまだ若かったのに本場のアメリカから帰ってきたばかりという変なプライドもあった。それを名古屋の超オシャレなギャングたちに折られる（笑）。でも、そのあと仲良くなるのもめっちゃ早かった。そんな出会いがあったね。

ATOSONE　LIFESTYLEは地元のスーパースター。俺らは東海にFACECARZというスーパースターがいた。MADBALLのフレディみたいなハードコアのスーパースターみたいな奴がいて、そういう奴が地元をもっていっちゃう。そういうバンドの良さも感じた。

CE$　ヒップホップと一緒で、ハードコアにも街の音楽としての意義がある。

ATOSONE　無いと意味がない。でもLIFESTYLEはそれがある。街の音楽である上で、その後にどうするのか。鹿児島を制覇した、その次の手助けが出来れば良いと思った。

CE$　そうしてリリースされる作品ですが、全体を通して90年代のEAST COAST HARDCORE（※主にタフガイ、極悪系、メタリック、ビートダウンなどの言葉で語られることが多いジャンル）を感じる曲が多いです。

YOHEY　やっぱりあの辺りのバンドが一番好きだからかな。もちろん他の土地の音楽も聴いてたけどね。

CE$　一曲目“913”は速いパートから途中でグルーヴィーに落とす展開ですよね。全体を通して90年代の東海岸の中でも割とオーセンティックな世代のハードコアへの愛を感じました。特に後半はリフやグルーヴ、ボーカルの方の歌いまわしとかLEEWAY（※NYのハードコアバンド）っぽさがあって。曲はどう作ってるんですか？

YOHEY　基本は俺が家でギターから考えて、そこでドラムもある程度まで作ってしまう。それをスタジオ練習で持っていって、メンバーに伝えるという流れ。俺たちのバンドは長いから、その辺りも意思疎通が出来てる。作曲はガーっと弾いて自分で覚えておく。あとはそれを口頭で伝えて、スタジオで詰めていく。歌詞はボーカルが書く。内容はメンバーで共有もするけど、ある程度はボーカルに任せてるかな。曲を作るとき、最初にテーマを伝えることもあるけど、基本はボーカルに任せてる部分が大きい。歌詞が出来たら見せてもらって、それをメンバーでまた少し話し合ったりとかもする。

CE$　さらに、今回はYUKSTA-ILLがフィーチャリングする楽曲“LIFESTYLE PT.2”が収録されていますよね。どういう経緯ですか？

YOHEY　“LIFESTYLE PT.2”は実は6年以上も前に作っていた曲。トラップが流行っていた時期で、トラップコアみたいなのを作りたかった。最初にAメロを作って、ラッパーを入れたいと思った。ちょうど曲が煮詰まってきた頃にYUKが鹿児島にライブで来てて、YUKは〈RCSLUM〉はもちろんTYRANTの時代から知ってて、何回も遊んで仲も良かったし、すごい好きなラッパー。だからタイミングもバッチリだったし、もうそこで録ろうと。

CE$　あの曲のイントロはソウルのサンプリングですか？

YOHEY　うん。昔たまたま見つけて買った、メッチャ古いジャマイカンソウルの7インチ。ラベルに「AFRO」って書いてて、それがカッコ良いんだよね。

CE$　ヨウヘイくんもレコードを結構集めてるんですか？

YOHEY　まぁちょこちょこ。DJってほどじゃないけどね。鹿児島にはレコード屋が何軒かあるけど中古レコード屋ばかりで、ちゃんとセレクトされたレコード屋は少ない。フレンチポップ色が強いお店が一軒ある。

CE$　そうなんですね。九州は中古レコードが強いイメージがあります。福岡はもちろん、印象的だったのは熊本で、ダンスミュージックやヒップホップは少なくて、独特なジャズやレゲエの中古レコードがたくさんありました。そこで気になったのは、最後に収録されてるリー・ペリーのダブ、あれはどういう経緯で？

YOHEY　これは元々十何年か前、レゲエのサウンドをやってる友だちがダブを録るって言っていて、そこで俺らも録りたいって、ノリで始まった。そのリストを見せてもらったらリー・ペリーがいて。彼に連絡したんだけど半年くらい返ってこなくて、その時はあぁヤラれたかもねって話してたんだけど、その時リー・ペリーはスイスにいて、ようやくスイスの山奥から降りてきたと。

俺らのVo.カネキはレゲエのセレクターもやってるからめちゃくちゃ詳しい。カネキが鹿児島タワレコのバイヤーをやってるときはメチャクチャ品揃え良かったっていうくらい。そのこともあって、リー・ペリーにお願いしようとなった。でも最初音源が来た時はオケが付いてて、それが恐らくジャマイカの古いバンドの演奏だった。でも、これはちょっと違うなとメンバーでも話して、アカペラだけ使うことになった。アツシというLIFESTYLEの新メンバーがいるんだけど、そいつと俺で打ち込みの全然違うオケを作った。

あのダブでリー・ペリーがシャウトしている内容は、最初「BIG UP LIFESTYLE」で、「BTO PRODUCTION」という俺らがやってるプロダクションが続く。次に「SOUTH JAPAN REBELS」。「SOUTH JAPAN REBELS」はユースケくん（※福岡のハードコアバンドSTARTERのVo. ／福岡のアパレルショップ・アートギャラリーSQUASHのオーナー）とか、昔から九州にいるハードコアのあつまりを括った名前。あんまり最近はその名前も使ってないけどね。リー・ペリーにはこうシャウトしてほしいと伝えてる。

CE$　なるほどです。豊潤な音楽性が含みつつ、今回の作品はオーセンティックでトラディショナルなカッコ良さがありますよね。

ATOSONE　そう、忘れられない良さがある。そして、カネキが歌うのよ。歌心がある。

CE$　メロディーラインやセンスは色々な音楽を聴いてるからこそ出来ることですよね。

YOHEY　バンドの音楽的な話をすると、もちろんメンバーは色々な音楽を聴いてる。最近は昔聴いてたのをもう一度聴き直したりとかもしてる。俺はDeftonesが好きなんだけど、ハードコアに傾倒してた時期もあったからセルアウトっぽく見えて一度興味なくなったりしたのが、また最近になって聴けるようになってきた。メタルもパンクも、クラブミュージックも、もう少し素直になって消化したい。そういう中で音楽的にアウトプットしたいものも変わってきてると思う。それも自然なことかなって。

CE$　俺は今回のLIFESTYLEの作品を聴いて、要らないところをそぎ落としたような、自分の好きなハードコアの部分を聴けたと思いました。この作品をキッカケに、様々な音楽が流行ってる中で、初めてハードコアに触れる中学生や高校生とかがいるとしたらベストだと思ったんですよね。どっちにもいけるというか。LIFESTYLEからグルーヴィーな音楽を掘る人もいるかもしれないし、過激な音楽の方にハマる人もいるかもしれない。そのきっかけとなる音源として、このLIFESTYLEの作品がある。例えばナズ（Nas）やウータン（Wu-Tang Clan）を聴いたら誰もが首を振れるわけじゃないですか。それに近い感覚がある。オーセンティックという言葉が似合う。

YOHEY　自分で言うのもアレだけど、この作品はめっちゃキャッチーだと思ってる。あとはグルーヴ。この2つには特にこだわってる。俺はそのつもりでいる。

CE$　今回は〈RCSLUM〉からLIFESTYLEのアルバムが出るってことで、〈RCSLUM〉を追いかけてる人も聴くだろうし、LIFESTYLEを追いかけてる人が〈RCSLUM〉に触れるキッカケにもなるはずですよね。

ATOSONE　レーベルとしては、最南端の街のバンドとやる面白さや、ハードコアとクラブカルチャーを混ぜるような感覚もある。LIFESTYLEは単純に踊れるから、NYのヒップホップ、例えばナズやビギー（The Notorious B.I.G.）を聴く感覚で、LIFESTYLEの曲でもリスナーは踊れると思う。最近のヒップホップでも過剰な低音が出てたりするでしょ？　あれの正真正銘の音を見せつけられたら、もうちょっと分かってもらえるんじゃないかなって。

YOHEY　狭い街だからっていうのはあるかもしれないけど、鹿児島でも活動の当初からヒップホップのシーンも一緒だったし、受け入れてもらってた。だからRC SLUMから出することも俺らにとっちゃ必然的だった。名古屋にはWITS ENDというバンド、M.O.S.A.D.というグループがいて、みんな同じくストリートの音楽だったわけでしょ。ヒップホップやハウスもストリートの音楽だと思ってるけど、俺はやっぱりハードコアが好き。だからハードコアで一発獲りに行きたい。

2023年7月28日（金）〜30日（日）にかけて開催された＜FUJI ROCK FESTIVAL’23（フジロック）＞。数多の感動を呼び大盛況に終わった3日間の中で、オーディエンスでごった返したDAY 1深夜のRED MARQUEEは異様な雰囲気に包まれていた。ステージに立っていたのはオーバーモノ（Overmono）、現行のレイヴシーンをリードするウェールズ出身の兄弟ユニットだ。

英国のダンス・ミュージックを刷新する重要アクトと目され、今年5月に満を持して〈XL Recordings〉よりデビュー・アルバム『Good Lies』をリリース、最良のタイミングでのフジロック出演となった。上品さも感じられる洗練されたトラックと、時折牙をむく獰猛なベース音により、75分の持ち時間は一瞬で過ぎ去る。バンガーチューンを惜しげもなく投入する姿は、2人がUKダンスの正史を現在進行形で紡いでいることを雄弁に語っていた。

今回Qeticでは出番前のトラス（トム）／テセラ（エド）のラッセル兄弟にインタビューを敢行。世界中を飛び回るオーバーモノの2人に、そのセットやプレイへのこだわりなどを聞いた。

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──お忙しい中お時間をいただきありがとうございます。苗場までは車で来たとのことでしたが、何か音楽は聴かれてましたか？

エド　そうだね。Yellow Magic Orchestraの細野晴臣が作った曲を聴いてたよ。最高にクールな曲だったな。タイトルは“Trembling #2”だね（1985年『THE ENDLESS TALKING／エンドレス・トーキング』収録）。

──今回はフェス関係の話をしていきたいと思います。フジロックの前にプレイしたのはいつですか？

トム　ベルギーの＜Dour Festival＞でライブセットを披露したよ。

エド　素晴らしかったね。

トム　5000人くらいの規模だったんだけど、アーティスト間の転換のタイミングが難しくてね。お客さんはすごい盛り上がってるんだけど、自分たちの番になったらバーっといなくなって「大丈夫かな？」と心配になったね。でも、やり始めたら人も来て安心したよ。

──フェスならではの出来事ですね。DJとライブはどういう住み分けをしているんですか？

エド　DJでは友達の曲や新しい曲を試しにかけてみたり、リラックスしながらプレイできる。

トム　ライブの方はもっとフォーカスできるからやりがいがあるね。オーディエンスとはまた異なるつながりになると思う。

──ステージを重ねていくごとにどんどんセットも進化していくと思います。いまどういうセットに魅力を感じてますか？

エド　大きなスクリーンが使えるのは嬉しいよね。自分たちは映像にもこだわってるし、映像担当にとってもこの上ないと思うよ。

トム　フェスのエネルギーもバイブスも勿論いいけど、自分たちのヘッドライナー・ショーだと僕らのために見に来てくれてるお客さんがいて、やりたいプロダクションを作り込めるから気合いが入るね。

エド　今回のフジロックに関しては場所が凄いよね、日本の山奥に来たことなんてないし、すごく感動してる。

──コロナ中にある人は家で、車で、レイブなどでオーバーモノの音楽を聴いていて、今回は本当に待望の来日となりました。今回は初めてのフジロック出演でライブセットを披露されますよね。

エド　フジロックはとても楽しみにしていて、ブッキングが決まった時は凄く興奮したよ。

トム　今回はみんなが知ってる曲もかけるし、新曲なんかもかけたいね。

──今はどういう音楽を新曲に取り入れたりとかしてるんですか？

トム　普段から色々な音楽を聴いていて、それを自分たちのフィルターやレンズを通して表現してるんだ。それがUKのダンスミュージックに近い形でアウトプットされている。でも実際は結構、USラップとか自分たちが作るようなもの以外をよく聴いたりするかな。

──例えば今日はトラヴィス・スコット（Travis Scott）の新しいアルバム『UTOPIA』が出ました。彼の凄さってどういうところだと思いますか？

エド　彼の音楽には一つの曲に多くのアイデアが詰め込まれていて、だけどそれが無理なく入ってる。聴いているとアイデアが溢れているのを感じられて刺激的だよ。

──自分たちの作品にラップを乗せたいと思ったりしますか？

エド　そうだね！

トム　昨日リリースした新曲には、ちょうどKwengfaceというMCのラップが乗ってるんだ。

エド　これからもっとやっていきたいね。

──そうだったんですね！　最近聴いた音楽でDJでプレイしたい音楽はありますか？

エド　DJはどちらかというと、友達の曲を意識的にプレイしてるんだ。僕たちやジョイ・オービソン（Joy Orbison）らで5〜6組のクルーのような感じだね。それと大量の未発表曲があるから、それをプレイする。

トム　DJ用の完全にエクスクルーシヴな音源だね。

──そのクルーというのはどう出来ていったのでしょう？

エド　もちろん音楽の趣味が近かったり共通の好きなものがあったりもするけど、みんな昔からの知り合いだよ。

トム　昔からのパブ仲間だね（笑）。

──今日はビールを飲みながらライブが観れることを楽しみにしてます。最後に、この記事が掲載されるのはライブ後になるのですが、ライブを観たお客さんにメッセージをお願いします。

エド　僕たちのことをサポートをしてくれてありがとう。2018年以来の日本で、昨日はPOPUPも開いてもらったり、とても愛を感じた。

トム　ここでプレイできるのは特別なことだよ。またここに帰ってきたいな。

2011年の発足から、昨年10周年を迎えたカルチャーパーティ・SETSUZOKUのアニバーサリープロジェクト。第1回目がDJ NORI × MURO、第2回目がDJ KENSEI × 瀧見憲司、第3回目が須永辰緒 × 沖野修也、第4回目にクボタタケシ × G.RINAと、毎回豪華DJらを迎える当企画。

第5回目である2023年6月にはDJ HASEBEによるキュレーションのもと、DJ KROとナツ・サマーを迎え、渋谷のミュージックバー・INC COCKTAILS（以下、INC）で、スペシャルなDJイベントが開催された。

ナツ・サマーはレコードを中心にDJを行っている。DJ HASEBEとDJ KROは現在PCDJを使っているものの、元々はレコードDJ。ナツ・サマー同様、レコードに対する並々ならぬ愛を抱いている。アナログとデジタル。スタイルの選択肢が増えたことで「レコードでプレイすること」「レコードを購入し、視聴すること」には特別な意味が備わるようになった。

では、3人のなかで「レコードとの向き合い方」は、どのように変化したのだろうか。また「アナログorデジタル」の対立は、各々のプレイスタイルにどういった影響をもたらしたのだろうか。イベントに先駆けFace Records MIYASHITA PARKでの選盤を行うDJ KROとナツ・サマー、そしてその様子を見守るDJ HASEBEの3人に対し、ここ10年での変化について、話を伺った。

━━KROさんとナツ・サマーさんはもともと面識がありますか？

DJ KRO　年明けに渋谷スクランブルスクエアで開催された＜SCRAMBLE MUSIC SHOW – 2023 NEW YEAR PARTY –＞でご一緒しました。HASEBEさんも出演されていたので、その時に三人が揃ったという。

ナツ・サマー　KROさんとはそこで初めて会いましたよね。KROさんの先輩が私の飲み友達だったりもして、世間は狭いなと感じました（笑）。HASEBEさんも共通の知り合いからご紹介されたのがきっかけだった気がする。

DJ HASEBE　そうそう。そこからナツ・サマーちゃんは何度かイベントでも共演したし、この前の＜GREENROOM FESTIVAL'23＞も一緒で。

━━今回のSETSUZOKUでHASEBEさんがKROさんとナツ・サマーさんをチョイスした決め手は何だったんですか？

自分が好きなDJのなかから、レコードでプレイできる人にお願いしようと思っていました。自分が何度も共演しているKRO君にお願いすることは確定していたものの、彼に近い世代のレコードプレイヤーが意外と知り合いに少なくて。

ナツ・サマーちゃんは最近「一緒に現場をやりたいな」と思っていたDJだったからこそ、オファーに乗ってもらえて嬉しいです。

━━HASEBEさんは普段、DJソフトウェアの「Serato」を使ってDJをしていますよね。もともとレコードDJだったのを、切り替えたのはいつ頃ですか？

DJ HASEBE　Seratoは発売された2004年にすぐ導入しました。ちょうどその年に、台湾での出演を控えていたんです。予算も限られていたので、荷物を軽くするためにSeratoに変えて。当時はハードケース4箱分くらいの「定番ルーティン」のようなレコードがあったのですが、それを一週間くらいかけてデータ化したのを覚えてます。

DJ KRO　うわっ、めちゃくちゃ大変じゃないですか（笑）。

DJ HASEBE　もう朝起きたら針を落として頭出しを編集して……の繰り返し（笑）。その時に録った音源は今も使っていますね。ただ、いざ台湾でDJしたらPCアダプタを刺し忘れ、PCの充電が切れて30分くらいで音が止まって。何が起きたのか分からなくて、アタフタした記憶があります。

━━そんな苦い思い出があったとは……。もうあまりレコードは購入しないんですか？

DJ HASEBE　新譜はほぼ買いません。ただ、昔買ったレコードが家を探しても出てこなかったりしたときは、買い直したりしています。KRO君も現場ではSeratoだけど、時々レコードもかけてるよね？

DJ KRO　レコードDJから始めたからこそ、まだレコードには愛着があるんですよね。よく新宿や渋谷のディスクユニオン、HMVなどに行くことが多いです。あと、Manhattan Recordsは初めてレコードを掘った場所だから、思い入れがあります。

━━レコードの買い方は、Seratoに移行したことで変化しましたか？

DJ KRO　レコードでプレイしていた時は「現場でこれをかけたいな」というイメージをめがけて買いに行ってました。ただ一時期、R&Bやヒップホップのレコードの価格が投げ売りのように50〜100円代まで安くなった時期があったんですよ。

DJ HASEBE　ちょうどSerartoが登場した2005-2006年頃だ。ソウルやファンクの値段は変わらなかったけど、R&Bやヒップホップが顕著に下がったのは覚えてる。

DJ KRO　まさに！ その時は「このレコード高かったのに！」ってめちゃくちゃ買いました（笑）。それこそHASEBEさんのmixに収録されていた音源など、ずっと欲しかったものは、必死で買い集めていましたね。

でも、今は現場ありきではなく、純粋に音楽ありきで買います。線引きははっきりしていて「もしデジタルやPCが使えなくなった時でも聴きたい」と思えるかどうかなんです。ジャケットもかっこいいし、所有欲を満たすような感覚で買っちゃうこともあります。

ただ、前提は「レコードで、家で、良いスピーカーで一生聴きたい」というセオリーのもと、思い入れのある曲があれば買う、という感じです。デジタルの時代だからこそ、一層その線引きははっきりしてきました。

━━ナツ・サマーさんがDJをするときはほとんどレコードオンリーですよね。CDJやPCDJといった他のツールを使うことはありますか？

ナツ・サマー　現場によってはターンテーブルがないからCDJを使う、ということもあります。でもやっぱり「自分の手で音楽かけたい」という気持ちがあるので、レコードをかけている方が自分のDJスタイルには合っている感じがするんです。

ちなみにこの前初めてUSBを使ったのですが、曲を探すのが本当に難しくて（笑）。レコードはジャケットで曲を覚えているからすぐ分かるのですが……何回か同じ曲をかけたんじゃないかって不安になりました。やっぱりレコードの方が安心します。

DJ KRO　レコードを集めるときは店舗が多いですか？

ナツ・サマー　店舗も多いですが、友達同士で「かけ売り」することがあります。「良い曲なんだけど現場ではあまりかけない曲」とか、ダブったりしているレコードを持ち寄って、飲みながら「これいくら！」「買う！」みたいに。

DJ HASEBE　それはレコードの平均相場を見ながら値段を決めるの？

ナツ・サマー　いや、結構その場のノリです（笑）。使い込んだレコードは傷が入っていたりもするので、値切ったりもできるんですよ。知り合い同士だからできることですよね。お酒の力も相まって、気づいたら大変な額になってます（笑）。

ただ、私にとってレコードは一つの「仕事道具」としての感覚が近いんです。もちろん「家で聴きたいレコード」もあるのですが、両方の目的でレコードを買っていると散財してしまうので、店舗をチェックするときに「現場でかけるかどうか」は一つの購入基準になっています。

たとえば最近だと山梨のクラフトビール工場でイベントがあったのですが、その時に「ダブをかけてほしい」と言われたんです。もともとUKレゲエが好きなので持ってはいたものの、あまり買い足していなかった。だから現場の前に専門店へ行き、十数枚買う……という感じ。現場の前にレコード屋に足を運ぶ流れが生まれています。HASEBSEさんがレコードでDJをしていたときは、どうやって選んでました？

DJ HASEBE　90年代の中頃までは「これ欲しいけどかけるかなあ」と吟味していたかも。ただ、それ以降は職業としてDJをやっていたからこそ「リリースされたものは全部買う」という勢いでした。

トラックもいろんな楽曲をサンプリングして作っていたので、バイヤーに海外へ旧譜の買い付けに行ってもらい、自分の好みに合うような曲や頼んでいた曲を選んでもらっていたんです。それを箱単位で購入していて。逆に新譜は店舗に取り置きをしてもらっていましたね。それがだいたい2007〜2008年頃まで。

━━当時行きつけのレコードショップなどはありましたか？

DJ HASEBE　職業柄、宇田川町のエリアで購入することは多かったです。ブレイクビーツやロックはJET SETをはじめ、下北沢が多いかな。各レコード店でバイヤーの好みが違うし、勧めてくれるものがバラバラだったからこそ、その差異も含めてレコード屋巡りを楽しんでいました。

━━先ほどSeratoの登場でR&Bやヒップホップのレコードの価格が暴落した、という話を伺いましたが、その当時、現場にはどのような変化があったのでしょうか。

DJ KRO　レコードとデジタル、最初はまだ半々でしたよね。

DJ HASEBE　「いやデータなんてダメっしょ」って人もいれば、俺のように出た瞬間に乗り換えた人もいた。一気に変わっていったというよりも、じわじわとツールが切り替わっていった印象があります。

ただ、そもそもツールの変化で景色が変わる、ということはあまりなかったかもしれない。強いて言えばヒップホップのクラブでレコードDJがいなくなった時、スピーカーからの出音が変わったかな、くらいです。

━━もはや最近はどのジャンルに限らず「レコードでプレイする」というのがひとつのキャラクターとして成立する印象すら受けることがあります。

ナツ・サマー　うーん、どうなんだろう。初見のお客さん、特に年配のジャズが好きなおじいちゃんから反応をいただくことはありますが……。でも、最近は出演者のなかで私だけがレコードDJ、という現場もあるので、一人のためだけにターンテーブルを用意していただいて申し訳なさを感じることはありますね。

DJ HASEBE　普段からレコード愛の強いDJとお客さんに囲まれているイメージがあるから意外。「全員がレコードDJ！」みたいな現場で回している印象があるけど。

ナツ・サマー　私もそういう現場がメインだったので、最近は新しいスポットで「レコードDJは私だけ」という環境が増えてきて戸惑ってます（笑）。今度、初めてナイトプールでもやるんですよ。

━━ナイトプールも然り、近年ではクラブ以外の場所にDJが呼ばれる機会も増えてきたように感じます。ベニューのバリエーションが拡張されることについて、HASEBEさんはどう捉えていらっしゃいますか？

DJ HASEBE　確かに野外やカフェ、特設ブースやホテルラウンジなど、DJができる場所は増えましたよね。今やコンパクトな機材も増え、あらゆるシチュエーションに対応できるようになったのは大きいと思います。

何より「クラブ以外の場所」に自分のターゲットがいることを実感するようにはなりました。僕のお客さんに多いのは、昔はクラブで遊んでいたけれど、家族ができたり仕事が増えたりしたことで、クラブに足を運ばなくなった人。

大人も足を運びやすいDJバーが増えてきて、そういった人々を受け入れる環境は増えたのかな、と。「クラブじゃないけれど音を聴ける空間」への需要が高まっていることを、肌身に感じます。

DJ KRO　僕はもともとクラブを中心にやっていましたが、コロナ禍以前から「昼にイベントをしよう」と決めてレーベルも立ち上げ、ホテルラウンジなどで活動をするようになったんです。「騒がなくても良い環境でDJを楽しむ」という健康的な遊び方が、一つの選択肢として浸透したことは嬉しい。

いわゆる「大箱」と言われるような大規模なクラブで遊びたい人は大箱に行けば良いし、小箱でも良い。深夜に遊ぶのも楽しいし、終電で帰れるようなイベントも面白い。この10年で、遊び方の幅が広がっているように感じます。

そして何よりDJである自分たちの「選曲の制約」が緩和されたのは大きいです。大箱では、良くも悪くも「盛り上げる」ことが重視されます。ただラウンジなどの場合、無理して盛り上げる必要が無い。「〜しないといけない」ではなく、DJ自身がかけたい曲をかけられるようになりました。DJがかけたい曲を流すことでお客さんも新たなインスピレーションを受け、カルチャーが広がっていく。面白い時代に突入しているように思います。

━━HASEBEさんがクラブからバーやラウンジへと現場をシフトしたのは、どういった背景があったのでしょうか。

DJ HASEBE　そもそも90年代後半から、僕自身が「ジャンルやトレンドを追っていく」というよりも「自分らしい曲を探す」ことの方が主軸になっていて。2000年代後半に商業的にもEDMやトラップなどが主流になって「もう一度自分が歩んできた音楽のストーリーを見直し、キャリアをどう生かしていくか」をテーマにしていきたいと思い、自然とクラブから離れていきました。年齢的にもすごく良いタイミングで切り替わったな、と感じています。

━━シフトチェンジを経て、この10年間はどのように変化しましたか？

DJ HASEBE　「DJ HASEBE」らしさを楽しみにしてくれる人がいるからこそ、90年代に使い回した自分のルーティンを、今「もっとやっていいかな」と思い始めるようになりました。毎週末どこかのクラブでDJしていた時期は「同じセットをずっとやり続けるなんて」と感じていたんですけどね（笑）。徐々に感覚は変わってきました。

特に野外フェスに出演するときなどは、クラブプレイというより、一つのショーを見せられるよう意識しています。逆にバーなどに誘われるときは昔の感覚に戻し、前後のDJやフロアの流れからグルーブを作れるようにする。その二刀流を、今は楽しんでいます。

あとは自分のEditやRemixをかけることも増えました。昔はかけすぎるとかっこ悪いからセーブしていたけれど、今は1時間セットを自分の曲だけで固めても良いかも、と感じるときすらある。その代わり、自分のプレイにハマるアイテムを作り続けようとは思います。

ナツ・サマー ＜GREENROOM＞で印象的だったのが、HASEBEさんはオーディエンスに合わせて、みんなが歌えるようなアンセムをたくさん用意されていることでした。フェスらしい一体感が生まれていて、盛り上げ方に圧倒されちゃって。

実はその時、ちょっと反省したんです。結構ニッチな曲をかけちゃったんで。今HASEBEさんの話を聞いて「現場に合わせて両方できないとなあ」って思いました。小箱のクラブならマイナーな曲でも分かってくれる人が居たりするけど、フェスのように全員がレコードに詳しい人じゃない現場の場合は、盛り上げ方も変えなきゃいけないのかなって。

DJ HASEBE　うーん、フロアに合わせるよりも「私についてきなさい！」みたいに強いキャラクターを確立させて、自分の世界にグイグイ引き込んでいくようなアイテムを固めるのが、次の10年に必要なことなんじゃないかな。

DJ KRO　その方が、DJをやっていても楽しいですよね。難しいのが、デジタルはいくらでも楽曲を現場に持ち込めてなんでもかけられるじゃないですか。ある程度お客さんにも合わせられる一方で、DJ一人一人の個性が出しにくくなる。

ただ、レコードはある程度持ち込める枚数が制限されるなかで「盛り上げの最強パターン」を考えるからこそ、個性を出しやすい。そのうえで「お客さんが求めているもの」と「自分のやりたいこと」をうまく合致させられれば「求められるキャラクター」になれるんだな、とつくづく感じます。ある程度「自分がかけたい」を混ぜないと、シーンはできないと思うし。

━━コロナ禍を経て、今後はどのような変化が生まれていくと思いますか？

DJ HASEBE　クラブ関係者と飲んだりすると、インバウンドの影響か「オープンからラストまで、常にトップギアで同じテンション」の現場が多いと聞きました。コロナ禍の分を取り戻そうとしているのが現在なのかな、と。そのうち国内のお客さんも戻って来れば、またコロナ以前のような感覚に戻りそうな気がします。

DJ KRO　少なくとも客層は変わりましたね。コロナ禍で配信が増え、クラブを訪れたことのなかったお客さんが現場を訪れるようになりました。DJに対し興味を持ってくれる人が増えた印象はあります。

同時に次世代のプレイヤーである若い子たちにも変化は生まれていて、最近ではTikTokやYouTubeでDJ配信を見つつ、DJスクールに通う子が増えているみたいです。だいぶカルチャーが変化していますよね。

その一方「レコードってどうやってミックスしているんですか？」とレコードのかけ方を知らない子もいる。「レコードDJ」というのはこれから、憧れの存在になっていくのではと考えています。レコードに興味を持って現場を訪れる若い子、これから増えそうです。

ナツ・サマー　KROさんの話を聞いて思い出したのが、最近「レコードからどうやって音が出てるのか、仕組みが分からない」と言われて驚いたことがありました。レコードを購入する人も増え、レコードの価値も上がっている。私は今後もレコードでプレイすると思うのですが、将来的には様々なツールをミックスしていくスタイルになっていくのかも……？

DJ HASEBE　いや、そこはレコードだけでしょ！ むしろどんどん自分の曲をかけちゃいなよ。DJの時にかけやすいような曲も作りつつ。

ナツ・サマー　ええっ、一緒に作りましょうよ。HASEBEさんにお願いしたいです。

DJ HASEBE　じゃあ、作りましょうか。まさかここで決まるとは思わなかった（笑）。

＜SETSUZOKU＞が開催された日、DJ KROとナツ・サマーがメイクするフロアでは、オーディエンスたちが音楽・カクテルを自由に堪能するひとときを過ごした。

「着席して音楽を楽しむ」というスタイルで開催された当イベント。バーカウンターやテーブルには、かたや友人同士で会話を弾ませながら、かたや一人で静かに音とお酒を味わう方が並ぶ景色が広がる。お酒や音楽の嗜み方も多種多様になりながらも、あらゆる要素における“なかなか経験できない上質さ”というのは、現場でしか体験できないものだ。そんなカクテルをシェイクする音も鳴り響くINC COCKTAILSならでは、もちろんDJ KROとナツ・サマーならではの多彩に感覚を揺さぶる空間が広がっていた。

レコードやカセット制作など、ミュージシャンのためのプラットフォーム「Qrates」より、Ginger Root（Cameron Lewのソロ・プロジェクト）のインタビューが到着。インタビュアーは音楽フリーライターのDr.ファンクシッテルー氏が務め、Ginger Rootの仕事術などを聞きながら、実際に使用していた「Qrates」の魅力について語ってもらっている。

本インタビューでは、彼のプロフェッショナルな姿勢はもちろん、様々なクリエイティブを生み出すプロダクション・チームの背景や、成功の影にある「好きを追求すること」など、ミュージシャンでなくともヒントになるような言葉がたくさん溢れていた。

──まず、先日の来日について。Cameronさん（Ginger Root）の日本ツアーは大成功でしたね。他にもJ-WAVEでラジオ番組を持ったり、撮影をしたり、大忙しでした。日本で過ごした3カ月はどうでしたか？

忙しかったですけど、全部が楽しかったです。MVを撮ったり、ツアーをやったり、ちょっと遊びに行ったり。ラジオ番組を持つ機会をいただけたこともすごく感謝してますし……。最初は旅行のつもりでしたけど、気づいたら（筆者注：忙しくて）出張みたいな感じでした（笑）。でもすごく良い時間でした。いろんな素敵な人に出会って、みんな優しかったです。

──来日中は、“Nisemono”のMV撮影などで、京都をはじめ、いろんなところに行ったと仰っていましたね。どこが一番印象に残っていますか？

そうですね……やっぱり東京ですね。東京は見たいものがすごく多くて。浅草、池袋などいろんな場所に泊まったんですけど、浅草が一番好きだったかも。浅草の下町がすごく穏やかな雰囲気で、大好きでした。

──日本の食事はどうでした？　来日されてすぐ、ファミチキを食べてる姿をInstagramにアップしていましたね。誰かにあれがおいしいと教えてもらったのですか？

そうです。Twitterで「おいしいものを教えて」、って言ったら、誰かが「ファミチキが一番おいしいコンビニチキンだよ」って教えてくれたんです。それで、「ファミチキ、食べたいな」って（笑）。

日本の食事はどれも美味しかったです。僕はカツカレーが一番好きで……特に今回、“Nisemono”のMV撮影でたまたま入ったカレー屋さんで食べたカツカレーが、一番美味しかったです。シンプルな、家庭料理みたいなカツカレーでした。

──私もツアーを観に行きましたが、ライブではカメラマンのDavidさんが面白いパフォーマンスをしていましたね。カメラマンがステージ上を歩き回って、演奏している様子をステージ後方に映し出すというのはとても斬新だと思いました。あれはどうやって思いついたアイデアだったのですか？

「ジンジャールート・シネマティック・ユニバース（筆者注：Ginger RootのMVにおける世界観）」を、どうすれば演奏している時にファンに見せることができるか？　を考えていて、思いつきました。みんなが一緒にGinger Rootの番組、MVに入っているような感じにさせられるかも、って。Davidが僕の演奏しているところを撮って、それをステージに映す。コロナ禍の真ん中くらいにYouTubeライブでそれを試してみて、次にそれを実際のライブでもやってみたんです。

MVの世界観を表現するために、ステージに小道具や背景を用意したかったんですけど、ツアー中ではそれも難しい。荷物が多くなりすぎるから。でも、Davidと、カメラと、プロジェクターだけならコンパクト（笑）。

──では、ライブでCameronさんがコンパクトなキーボードばかり使っていたのも、持ち運びしやすいからですか？

そうです（笑）。

──ラジオなどでいろんな方が仰っていましたが、私も、Cameronさんの日本語の上手さに本当に驚きました。ゆとたわ（ポッドキャスト番組『ゆとりっ娘たちのたわごと』）など、日本のポッドキャストなどに日本語でフル出演して、あんなに面白い会話が続けられるのは誰にでもできることじゃありません。わずか約2年半の独学だけでここまで喋れるようになったというのも、とても素晴らしいことだと思います。勉強にあたってアニメや音楽番組を沢山観たということですが、『エヴァンゲリオン』や『セーラームーン』の他に、例えばジブリ作品はご覧になりましたか？

ジブリ、すごく好きです（『となりのトトロ』のVHSを持ってくる）。僕は魔法少女とか、少女漫画のような作品が好きで……闘いばっかり、叫び声ばっかり、みたいな作品はあまり見ないんです。たぶん、日本語を勉強する時に、ストーリーが理解しやすいシンプルな作品が良かったんだと思います。セーラームーンは音楽もすごい好きだし、キャラの関係なんかもすごく良いですよね。

──なるほど、だから『日常』とか『ぼっち・ざ・ろっく！』とかもお好きなんですね。

そうです（笑）。『ぼっち・ざ・ろっく！』、大好きですね。

──コロナ禍に入ったタイミングで日本語の勉強を始めたと仰っていましたが、そもそもなぜ日本語を勉強されたのでしょう？　日本進出の戦略だったのですか？

いや、そんなつもりではありませんでした。ただ、コロナで他にやることがなかったから、日本のものを聴いたり、日本のものを見たりすることに夢中になっていただけなんです。だから、日本で有名になるためとか、日本でキャリアを積むために日本語を学んだわけではありません。

高校生のときに（筆者注：YMOを皮切りに）日本の音楽を聴き始めてから、ずっとそれらに魅了されていたんです。そして、ツアーに行けず、仕事もできず、とにかく時間があったので……教科書も使わずに、ただいろいろなものを見続けて勉強していたら、今ではなんとなく話せるようになりました。

──なるほど、やっぱり好きだから日本語を勉強されたのですね。以前のインタビューで、音楽と映像の両方を自分で作っているのは、そのやり方が好きだから、と仰っていたと思いますが……Cameronさんの活動は、音楽も、映像も、その「好き」というパワーが原動力になっているように感じます。Ginger Rootは日本のシティポップブームと重なったことで竹内まりやさんのラジオで曲がかかったり、日本でどんどん有名になっていきましたが、それも戦略ではなく、「好き」を追求して辿り着いたものだったのでしょうか？

そうですね。僕は好きなもの、興味があるものを作っているだけです。『Nisemono』（2022）と 『City Slicker』（2021）はもちろんシティポップの影響もありますけど、ヴォルフペック（Vulfpeck）の影響もありますし、アニメや映画、全部好きなものを詰め込んだものが今のGinger Rootになっています。

──そうなんですね！　私もヴォルフペックが大好きなので……アルバム『Nisemono』と『City Slicker』における、ヴォルフペックからの影響を教えていただけますか？

昔のアルバムから、ずっと影響はあります。ヴォルフペックみたいにGroovyで、シンプルなのに複雑そうに聞こえるアレンジにしたり、ドラムをDinkyな（筆者注：安っぽい）音にしたり。あとはSNSとか……ジャック・ストラットン（Jack Stratton）は天才ですから。同じやり方ではないけど、彼の企画力、DIY精神は僕のプロジェクトに常に影響を与えています。

──好きなものを追求する、という話で……DIYアーティストとして成功したい人達へのアドバイスとして、「好き」と「戦略」の、どちらを優先するのが良いと思いますか？

そうですね。成功を目指せば……結果に失望することもあります。だから、DIYアーティストになろうとしている人たちは、「どうやって続けていくのか」を考えてみてください。僕はただ、好きだから色々なことをやれています。最も重要なのは、自分が楽しんでいるかどうか、自分が作っているものが好きかどうか。自分が作っているものが好きでなければ、意味がないと思います。

僕は『Nisemono』も『City Slicker』も、他のすべてのレコードも、ただ楽しく作っていただけです。もちろん大変なことは沢山ありましたけど、結局のところ、レコードを作ることも、ライブで曲を演奏することも、MVを作るのもすべてが楽しかったし、それらをとても誇りに思っているんです。だから他のアーティストも、作ることに楽しみを見いだせるなら、有名になれるかどうかということで心配しなくてもいいのではないでしょうか。

──また広い意味で、DIYバンドへのアドバイスはありますか？

そうですね……あなたの最初のプロジェクトや、あなたが最初に組むバンドは、もしかしたらうまく行かないかもしれません。でも頑張って、一生懸命にやっていれば、次のプロジェクト、次のバンドでは、成功するかもしれない。その次は、さらに成功するかも。そうやって次へ次へ……失敗を恐れないで、失敗を成功に変える覚悟を持って、やり続けることが大事だと思います。

──では、Qratesについてお聞かせください。Ginger Rootは以前、Qratesを使ってレコードを販売していましたね。他には、ヴォルフペックやスケアリー・ポケッツ（Scary Pockets） なども使っています。CameronさんがQratesを知ったきっかけや、選んだ理由は？

Qratesを知ったきっかけは、ヴォルフペックでした。ヴォルフペックのレコードをQratesで注文したので、そこで知ったんです。ヴォルフペックのレコードはたぶん全部買いました。『Mit Peck』、『Mr.Finish Line』、『The Fearless Flyers』……。だから、Qratesはとても馴染みがあったんです。

それで『City Slicker』のレコードを作りたい、と思った時に、（筆者注：マネージャーの）Danが「やっぱり、Qratesがいいんじゃない？」って言ってきたんです。それで、「よし、やってみよう」って思いました。

──なるほど、そうだったんですね。実際に使ってみて、どうでした？

実際に使ってみたら、Qratesはすごく便利だし、ウェブサイトの機能も良かったです。レコードの色とかも簡単に選べますし。あと、ファンのみんながレコードを買うのも簡単ですしね。

僕はDIYバンドをやっているので、自分だけでレコードを作るということは金銭面で危険を冒す可能性があるんですけど、Qratesならそこについても心配がない。そもそも100%自分でレコードを作ったらすごく面倒だし、自分で郵便局に行って一枚一枚発送するのは時間がもったいない。その時間で演奏したり、撮影したいですから。

時間的にも、金銭的にも、Qratesでレコードを作るとすごくコスパが良かったです。Qratesはフレンドリーに、「何か手伝えることがあったらやるよ？」と言ってくれるような感じがあります。（筆者注：Qratesを使ったことは）ほとんど大成功でした。

※Qrates：レコードとカセットの製造、販売、流通、顧客対応まで含んだ世界初のワンストップサービス。Qratesでは利益の85%をアーティストへ還元。高品質なレコードの製造が100枚からオーダー可能で、3Dシミュレーターで好みのスペックやカラーをデザインでき、製造コストや収益の予想も簡単に行えるサポートも。

他にも、Qratesで作品を販売するためのページ作成やクラウドファンディングモデルでは予約が集まった枚数だけをプレスすることが可能な受注製造のためロスの懸念もなく、発送・在庫管理もカバーしてくれる。

──Qratesはレコードだけでなく、カセットも作れるサービスです（※）。Ginger RootもCDではなくレコードやカセット、VHSなどレトロなメディアを使っています。いまレコード・ブームが続いている状態ですが、こうしたレトロなメディアの人気はまだまだ続くと思いますか？

レコード・ブームはまだまだ続くと思います。僕だけじゃなくて、ジャック・ストラットンや、他のバンドにとっても、レコードはすごくかっこいいし、聴いている時間は特別なものだからです。CDやストリーミングはシャッフルなど現代的な機能を使って聴くけど、レコードは曲を飛ばすことができないし、カセット、VHSとかも、それらを再生している時間は他に代えられないものがありますよね。

※カセットテープは最低ロット50個から低コストで作成可能。3Dシミュレーターでスペックを選んだ後はQrates上ですぐに作品の販売を開始できる。最低ロット50個から低コストで作成可能。3Dシミュレーターでスペックを選んだ後はQrates上ですぐに作品の販売を開始できる。

──では、今後Qratesを利用するようなアーティスト達に対して、アドバイスなどはありますか？

まず、レコードの販売ページに時間をかけて、本当に特別なものにすること。なぜなら、そこはみんながレコードを買うだけでなく、あなたの音楽を知り、アルバムの背景にあるストーリーを知ることができる場所でもあるからです。時間をかけて、あなたのレコード販売ページを本当に特別で、ユニークなものにすることが大切だと思います。

そして、自分のレコードがどれくらい売れるかをよく考え、多く売ろうとせず、ちょっと少なめに枚数を設定しておくこと。設定枚数に届かないのはキツいですからね。この2つがアドバイスです。

──では、Ginger Rootが契約しているレーベル、〈Acrophase Records〉との関係について少し聞かせてください。Ginger Rootは映像や音楽などもすべて自分で作り上げていますが、一方でしっかりとレーベルと契約しています。これは同じDIYバンドでも、ヴォルフペックやスケアリー・ポケッツなどとは大きく違う点です。彼らのように、ご自身のレーベルを立ち上げたりはしないのですか？

自分のレーベルについては、今は興味がないですが、将来的には可能性があります。今一番やりたいことは自分の音楽、映像、ツアーなどですが、いつか時間ができるようになったら、レーベルを作るかもしれませんね。

でも今は、〈Acrophase Records〉と非常に息が合っていて、Dan（筆者注：マネージャーであり、Acrophaseのオーナー）やAcrophaseとも、とても良い関係が築けているんです。例えば彼と仕事の電話をする時も、仕事の話が終わったら後はいろんな話で盛り上がります。本当に友達のような関係。こういうことって、一番大事なことだと思います。ただのスタッフじゃなくて、仲間、家族のような関係でいること。

──ジンジャールート・プロダクション・チームがあるとのことですが、そのメンバーも友人たちなのでしょうか？

はい。Dan以外は、みんな同じ高校に通っていたんです。ドラムのMatt、ベースのDylan、カメラマンのDavid、サウンドエンジニアのJimmy。DavidとJimmyは僕の先輩で、MattとDylanは後輩です。同じ高校で、同じように音楽が好きなんです。最初はただの友達でしたが、Ginger Rootをスタートする時に、（筆者注：MattとDylanに）「一緒にジャムろうよ」と声を掛けました。そこからは本当の友達になり、スタッフでもあります。

──なるほど！　やはり友人たちでチームを組むのが良い、ということでしょうか？

そうですね。でも、彼らは音楽に興味や関係がない友達ではなく、みんなが特別な技術を持っている……ベースが上手いし、ドラムが上手いし、みんな音楽が大好きで。だから、半分スタッフ、半分友達、みたいな感じですね。こういった（筆者注：特別な技術を持った友人たちでチームを組む）ことが、本当に大事だと思っています。

──では、どういう経緯で〈Acrophase Records〉と契約することになったのですか？

僕が（筆者注：カルフォルニアの大学に通っていた頃）『Toaster_Music』（2017）を作って、FacebookやYouTubeにアップしていたら、Danと僕の共通の知人が、Danに動画をシェアしてくれました。彼はナッシュビルの大学に通っていたんですが、その動画を観て僕を知って、「何これ！？　すごいLofiで、センスもいいし」と言ってきてくれたんです。Danはその頃、Acrophaseを立ち上げたばかりでしたが、「Ginger Rootの音楽を応援したい。何か一緒に作れませんか？」とも言ってくれました。

最初にDanと電話で話したら、いわゆるマネージャーっていう感じではなく、ただの音楽好きな人、みたいな感じでした。僕と好きなものが似ていて、共通点も多かったので、「いい奴じゃない？」って思ったんです。

それからは、Danが僕に仕事のオファーをして成功して、今度は逆に僕からDanにオファーをして成功して……ゆっくり、階段を上るようにやってきました。「これはどう思う？」って相談したり。Danと僕はずっと同じやり方を続けて、今に至ります。

──Ginger Rootはレーベルと契約していますが、実際にはクリエイティブな決定権を保持したまま活動を行っていると思います。では、仕事面で〈Acrophase Records〉からは具体的にどんな事をサポートしてもらっていますか？

最初は宣伝や、相談に乗ってくれる感じでした。あとは、プレイリスト・ピッチング……Spotifyの運営と直接、新曲がどのプレイリストに入るか？　という交渉をしてくれたり。そのうち、大学ラジオやテレビ番組への出演などのオファーを持ってきてくれるようになって。今では、ディストリビューション（筆者注：音楽配信など）やスケジュール管理、グッズ販売などもやってくれています。僕は音楽や映像を作って、Acrophaseがビジネスを担当する、みたいな感じです。

──臼井ミトンさんとの対談（TBSラジオ『金曜ボイスログ』）で、「Ginger Rootはパンクな魂、反骨心があると思う」と臼井さんが仰っていました。つまり、メジャーシーンに対して反抗する精神があると思う、とのことでしたが、実際のところはどうなのでしょう？　例えばジャック・ストラットンは、メジャーレーベルがアーティストから搾取する仕組みなどに疑問を持ち、ヴォルフペックの活動をDIYで行っていると思います。Cameronさんはどうですか？

そうですね……僕はメジャーレーベルが好きとか嫌いとかいうわけではなく、自分のやり方でやりたいと思っているだけです。もしメジャーレーベルの契約のオファーがあったら、もちろん検討したい。でも、今は自分のやりたいようにやる、DIY精神が自分には一番合っていると感じています。

──では最後に、いろんな仕事のやり方について聞かせてください。Cameronさんの膨大な仕事量と、それを完璧にこなしている秘密に、みんなが興味を持っています。すべてを自分で制作するのは非常に大変だと思いますが、やっぱり、好きだから続けていられるのですよね？　実際にどうやってそれらの膨大な仕事を管理していますか？

そうですよね……。どうやって管理しているか、実は分からないです（笑）。毎日ただ忙しく、興味があることを、どうやってやるか考えて……自分がやりたいから、好きなことをとにかくやっているだけです。何か、これはアドバイスにはならないかもしれないですね（笑）。

──いや、でも好きなことをとにかく頑張っていて、それで成功しているのだから、それも素敵な答えだと思います。では、最近ではなぜ一人ですべてのパートをレコーディングしているのですか？

それは時間の短縮のためです。あとは、アイデアが浮かんだタイミングですぐレコーディングしたいから。僕は自分のスタジオを持っているんですけど、作曲やレコーディングをしていると、「これはいい！」「これは良いものになる」というアイデアが沸く瞬間があります。その時に誰か他のミュージシャンが来るのを待っていると、その感覚が失われてしまうかもしれないので、すぐにレコーディングしておきたいんです。

──なるほど。以前のインタビュー記事で、ライブ・ブッキングもご自身でやられていると読んだことがあります。いまでもそのスタイルを続けていますか？

確かに、昔はすべて自分でやっていました。今はブッキング・エージェントとDanが一緒にやってくれています。今回の来日については、Live Nationというプロモーターさんが僕のブッキング・エージェントにメールをしてくれたことで実現しました。

今は任せていますが、僕が最初のうちに自分だけでブッキングや宣伝をやっていたことは、すごく大事なことだったと思っています。ミュージック・ビジネスの概要を学ぶことができたので、Danや他の色んな人達と仕事の話をする時に、自信を持って会話ができる。一つのアドバイスとして、そういった経験をしておくと、勉強になるので良いと思います。

──Ginger RootはSNSでも成功し、その影響を受けてヴォルフペックがTikTokを始めるなど、CameronさんはSNSの使い方についても最先端を行っていると思います。SNSの使い方で心がけていること、また気を付けていることはありますか？

どんな動画がいいか、どんなタイミングがいいか、ということももちろん考えていますけど……SNSでは、僕の物語、ストーリーをシェアするようにしています。アルバムの設定や、好きなもの、例えば今回の来日で面白かったものなども。SNSはファンとの距離がすごく近いので、友達に接するようにシェアしていますね。

SNSの使い方については、いろいろ考えています。でも、結局は「自分が言いたいことがあるかどうか」だと思います。言いたいことがあれば、人はいずれ耳を傾けてくれるものです。

──Cameronさんは来日ライブで「YouTubeアルゴリズムに感謝する」というMCをしていましたが、例えば秋元薫の“Dress Down”がやはりYouTubeなどのアルゴリズムでアメリカで大ヒットしたように、アルゴリズムはいまやヒットの立役者です。アルゴリズムや、AIといったものをどのように感じていますか？

そうですね。私の短い答えは、「それらはただのツールだ」ということです。AIやアルゴリズムもツールのひとつでしかない。大事なのは、私達がそれらをどう活用するか、です。アルゴリズムはあなたのことを気にしていませんし、AIもあなたのことを気にしていません。

アルゴリズムやAIはチャンスを与えてくれますが、そのチャンスをより大きな成功に導き、プロジェクトを前進させるのは、ミュージシャンやアーティスト自身だと思っています。

東京を拠点に2010年より活動している、トラックメーカーデュオ・906 / Nine-O-Sixが昨年11月にアルバム『LOVE ON THE LUCKS』を配信開始。12月にはCDもリリースされた。これまで通りジャズやヒップホップの影響の濃い、心地よいグルーヴを持った作品でありながら、レゲエやロックといった新たな要素も吹き込まれている。

そんな最新作『LOVE ON THE LUCKS』には、これまでタッグを組んだこともあるZINに加えてmabanua、OMSB、SUKISHAといったそれぞれがシーンで独自の存在感を放つ猛者たちが客演で参加。

今回は高円寺のINCredible COFFEEのコーヒーの心地良い香りが漂う中で、906 / Nine-O-Sixの片割れである本田と、全19曲の中でも後半の起点であり、孤独に寄り添うようなリリックの沁みる1曲“Drip of a mind”を共作したSUKISHAの二人に話を訊いた。

これまであまり多くのメディアに露出していない906 / Nine-O-Sixの歩みを聞くと、本名の“池澤寛行”というアーティスト名で数年活動した後に、名義を変えてシーンに浸透した苦労人としても知られるSUKISHAとの共通点がいくつか浮かび上がってきた。

━━直接会うのは今回で何度目ですか？

906/Nine-O-six　本田（以下、906） 4回目くらい？

SUKISHA そんな会ってるっけ？（笑）　3回目くらいかと思ってた。

906 内2回くらいは酔ってはったんですけど（笑）。

SUKISHA クリスマスの時期だったかな、友達がやってるシーシャ屋でZINくんといっしょにライブをやろうということになって。そのときZINくんに「客演でボーカル呼んでいい？」って言われて、「どうぞどうぞ」と。アコースティックだったからそんな大層な機材ではないんですが全部DIYだったんで、自分らでスピーカーとか持っていって。全部自分たちで持っていって準備しているときに知らないおっさんがなんかいて……。

906 おっさんて（笑）。

SUKISHA 怖い話ではないんですけどね（笑）。知ってる人間しかいないはずの空間に、座ってダラダラしてる人がいて。

906 無言でね（笑）。

SUKISHA これは誰なんだろうな、でも話しかけにいく感じでもないし、1人で座ってるからどちら様なんだろうなって思っていたら、ZINくんが遅れてやってきて紹介してくれて挨拶したのが初対面です。

906 一昨年ね。

SUKISHA よく覚えてるね。あ、あと銀座のライブでもいっしょになってるのか。

906 そうです。906のマネジメント担当しているU-YAさんと、僕が主催した＜Tastyyy＞というイベントですね。

━━ちなみに初めて会ったとき、お互いの名前などは認識していたんですか？

SUKISHA 僕は名前を聴いたことがあったし、DJやってる子から話を聞いたりしてて。

906 僕は一方的に自分が知ってると思ってました。すごく好きで聴かせてもらってました。

SUKISHA 真っ直ぐ言われるとどうリアクションしていいかわからないですね（笑）。

━━お互いにまだ知らない部分も多そうですね。

906 そうですね。

SUKISHA まあ猫を飼ってるっていうのと、伊豆大島の方に引っ越した話を聞いたくらいですね。

━━ではせっかくなので906のこれまでをSUKISHAさんといっしょに伺っていけたらと思います。906 / Nine-O-Sixの活動は大阪でスタートしたんですよね？

906 はい、僕は今35歳なんですけど、元々ロックやブルースが大好きで10代のときにバンドをやっていました。で、高校を卒業するくらいのタイミングで僕以外のメンバーが全員「大学に進学する」と言い出して、僕は「え？」って。僕だけこのままバンドをやっていくと思っていたんです。

SUKISHA 高校のときに組んでたバンドで「俺はいったるんや！」って自分だけ思ってたってこと？

906 めっちゃ思ってました（笑）。

━━ちなみにパートは何だったんですか？

906 3人組のギターボーカルでした。そこで「あ、自分だけ進路とか考えてなかった」と気づいて。そのまま高校を卒業して、みんな大学生活にシフトしてて。

SUKISHA そこでバンドが終わっちゃうんだ？　他のメンバーはあんまりやる気なかったんだね。1人だけやる気があるバンドはあんまりうまくいかないよね（笑）。

906 バンドって誰かが辞めるとこんな感じになっちゃうんだと思って。卒業してから1年間くらい瓦屋で働いて、お金を貯めて音楽の専門学校に行きました。でも自分の行った専門学校はお金さえ払えば誰でも入れるようなところで、「あ、思ったのとちゃうな」と感じてしまって。

SUKISHA 結構悲しい過去を持ってるんだね。それは二年制？

906 そうです。パンフレットにはすごい良いことばっかり書いてあったんですけどね。その専門学校に通うのと同時期にジャズが流れてるような地元のダイニングバーで働き始めたんです。そこのオーナーがヒップホップ好きで準備中とかに流してくれて、ザ・ファーサイド（The Pharcyde）の“Runnin'”って曲を聴いてめちゃくちゃ感動しました。それまでヒップホップとか全然聴いていなかったんですけど。

━━ちなみにバンドでは好きだったロックやブルースをやっていたんですか？

906 中学生のときはパンクとかやってましたね。

SUKISHA 早いよね、始めるのが。

906 お姉ちゃんがそういうのをすごい好きで、その影響もあって。高校のころはエモも流行りだした時期で聴いてましたね。で、ダイニングバー時代に感動したザ・ファーサイドはメロディをすごく使っていて、ビートもメロウで、リズムも良くて「こんなんあるや！」って衝撃だった。オーナーに話を聞いたら「サウンドはビートメイカー（プロデューサー）って人がいて、その人が1人で作ってるんやで」って言われて。「それやったら1人でできる！」と思って、それでレイクに行って借金してフルで機材を集めて。

SUKISHA マジ？　すごい、なんていうか、オールオアナッシングだね（笑）。

906 楽器屋でもローン組めたんで、合計で100万くらい借りて。

SUKISHA ちゃんと返したのそれ？

906 6年くらいかかってやっと。ブラックリストにしっかり載りました（笑）。

SUKISHA ちなみに俺もアコムで金借りたことあるよ。

906 あー、やっぱり。

SUKISHA 大変だったね。

━━そこからビートを作るようになると。機材は何を買ったんですか？

906 MPC2500とか、Fantom-G8っていうすごく大きい……。

SUKISHA 当時何歳？

906 当時は19、20歳くらい。

SUKISHA じゃあ今よりも全然デカいってことだよね。

906 そうです、1人で運べないくらい。あとはPCとPro Tools（DAWソフト）を買って。

SUKISHA Pro Toolsも買ったの？　そりゃ金かかるわ。すごい前のめりだね。

906 地元は岸和田っていうめっちゃ田舎なんですけど、知り合いと空き地にカラオケのコンテナを運んで、DIYでスタジオを作ったりもしていたんですけど、結局田舎なんで何も起きないというか。大阪市内でライブとかもやっても、当時は大阪もやっぱり地方なんで封建的な狭いコミュニティがいっぱいあって、「このままじゃちょっとなあ」と思って25歳くらいで関東に出てきました。

━━906を組んでから出てきたんですよね？

906 そうです。22歳くらいですかね、僕の幼馴染がレゲエディージェイ（dee jay）をやっていて、相方はレゲエのサウンドを作っていたんですけど、それで「気があうと思うから」って引き合わせてもらった。ちょうどその頃ビートを作り始めた時期だったので、お互い「これこうやったらこうなるな！」と盛り上がっているうちに気づいたらいっしょにやっていて、「じゃあ二人でやろう」という流れでした。ビートをずっと作っていたんですけど、ビートだけだとやっぱり聴いてもらえないから「じゃあ僕が歌います」と言って今の形になりましたね。

SUKISHA じゃあ25歳でいっしょに出てきたの？

906 いやそのときは僕だけで。相方は少し臆病なんで「先行っといて！」という感じで（笑）。半年後くらいに相方も出てきて。相方と、音楽関係ないんですけど相方の幼馴染の人が「俺も行きたい」って言って、最初は6畳のワンルームで男3人が同居生活するっていう。

SUKISHA えー、よく仲悪くならなかったね。

906 いや、もう殴り合いの喧嘩もしました（笑）。10ヶ月くらいその生活をして、狭すぎたので一軒家を借りて。相方は途中で身体を壊して地元に帰ったんですけど、そこに自分は4年くらい住んだかな。僕は29歳くらいで結婚して嫁と住むようになったという感じですね。

━━先にオンラインで作業していたんですね。

906 たしかにデータのやりとりですね。コロナ禍もずっと宅録でマスタリング以外は全部自分たちでやっていたので特に困ることはなかったですね。

906 SUKISHAさんはいつ東京に出てきたんですか？

SUKISHA 地元を出たのは大学進学したとき。高校の軽音部でコピーバンドをやったりしていて、当時から音楽で生きていきたいと思っていたんです。高校生くらいのときには鍵盤、ドラム、ベース、ギター全部できたから「飲み込みも早いし、たぶん才能はあるだろう」とは思っていたんだけど、親はずっと「音楽でやっていきたい」というのに反対の立場で。

家庭環境がちょっと複雑だったんで、「ちゃんとした仕事に就いてほしい、ちゃんとした仕事に就いてほしいから大学に行ってほしい」と。よく聞く話ですけど、「音楽やりたい」って言うと「あなたくらいの才能を持っている人なんてどこにでもいるのよ」ってガチなトーンで言われたこともあります。「そうなのかなぁ」と思いながら、受験前とかも曲を作ったりしていたんですけど運良く大学に受かって、それで上京した感じです。

━━二人の苦労はもしかしたら似ているのかなとお話を聞いていて思いました。今回の曲“Drip of a mind”はどのような流れで制作していったんですか？

906 まず僕が〈Manhattan Records〉の粟倉さんから、今回のアルバムを作る上で客演を誰にしたいかを聞かれて「SUKISHAさんとやりたいです」と伝えていたんです。それが実現した形ですね。曲作りでいうと、1曲はシックな感じの曲調で、もうひとつが今回の曲になった元のものの2曲用意していて。

オンラインでやりとりをさせてもらったときにSUKISHAさんから「どっちもビート良いけど、どういう曲にしたいの？　どういう人に聴いてもらいたいの？」って聞かれて、「SUKISHAさんとやらせてもらう曲はいろんな人に聴いてもらいたい」と返すと、すごく明快に「じゃあこっちの方が良いと思う」と言ってもらって。だからこそ突き詰めて制作できました。

SUKISHA そうだっけ？（笑）

━━リリックも906側からスタートしたんですか？

906 リリックはまず、SUKISHAさんからアプローチしてもらいました。

SUKISHA それはその通りなんだけど、最初と着地したところが全然違うんです、この曲。ビートをもらったときは普通の切なげなラブソングを書くつもりで考えていたんですけど......俺は今の名義に変える前は全然活動がうまくいってなかったんです。自分のことを知っている人間とか、自分のことを好意的な目で見てくれる人間なんてまるでいなかった。

活動がうまくいくにつれてキラキラした目で見てくる人間が増えて、「そんなんじゃねえんだけどな」っていう気持ちがずっと沸々としているんです。で、何が起きたか忘れちゃったけど何かがあったんでしょうね、そのときに高校生のころを思い出して。高校生のころってめちゃくちゃ孤独だったんです、いろいろあって。だからその頃のことを思い出して作ったので、みんなに聴いてもらえるような曲かと言われると着地点は違ったかなって（笑）。当時のどうしようもない孤独感を歌にしました。

906 冗談抜きに僕はそのリリックを受け取ってめちゃくちゃ感動しました。僕も似たような経験があったんです。高校生のとき、高校なんて行かずにずっと音楽だけやりたいと思っていたんですけど、僕の父親側の本田一族って中卒が多かったから、「高校は絶対卒業してくれ！　そうじゃないとあんたが苦労するから」って言われ続けていて。だから高校には行こうとは思ったんですけど、音楽をやりたい気持ちが強かったから「なんで高校行ってるんやろ？」って思ってしまって全然高校に行けなくて。先生が助けてくれて卒業はできたんですけど、家を出て学校に行くフリして、ずっと電車に乗ってみたり、漫画喫茶に行ったりしてて。

SUKISHA 俺は古本屋にいたかな。授業サボってコンビニで週刊誌読んだり（笑）。

906 そうなんですね（笑）。高校をエンジョイしてる人に共感が全然できなかったんです。友達はいたんですけど、文化祭も修学旅行も行かず、高校生らしい高校時代をあんまり送ってなかったというか、今になって考えるともっと楽しんでもよかったかなとも思うんですけどね。でも当時はすごい悶々としていて。「音楽をやりたいから高校を辞めたい」と言っても辞めさせてもらえないし。SUKISHAさんが言っているような孤独感が当時の自分にもあった。なぜかわからないけど泣けてくる瞬間が多くて、その悶々が大人になってもまだ飲み込めていなかったんです。「なんであんな感じやったんやろ」というか、漠然とした不安や辛さがあって。

SUKISHAさんのリリックをもらったときに「うわー！」って。《好きなバンドのニューアルバムだけが希望さ》とかマジでそうだったなって。僕も当時、CDショップの壁に貼ってあるポスターを眺めて、アルバムの発売日を待っていたなーとか。普段の僕は抽象的なテーマでリリックを書くことが多いんですけど、今回はそのときの気持ちを思い出すことができたから具体的なイメージを持って書けたんです。出来上がった曲を聴いて、高校生のときのモヤモヤが今やっと成仏した気がしました。すごく特別な気持ちでしたね、「良かったなー」って。

SUKISHA 良かったね（笑）。

━━お話を聞いているとやはり通じるものを感じますね。

SUKISHA 同じような青春時代を過ごしていたみたいですね。僕はそもそもバンドすら組めなかったですけどね、でもうまくいかないよね、バンドって。

906 いかないですね（笑）。

━━サウンド面ではどのようなやりとりがありましたか？

906 今回客演で参加してもらった方々に共通しているのは、僕と相方がいっしょにやりたい人っていうのはもちろんそうなんですけど、それ以上に時代とか関係なく5年後、10年後に聴いても変わらず新鮮な感じで聴けるものを作っている人ということで。前提がそこなので、こちらからビートを渡して「あとは自由にやってください」という感じで。SUKISHAさんは仮録りを送ってもらった段階で、鍵盤のソロや展開を足してくれて、「この人ヤバ！」って（笑）。

SUKISHA いっしょにやりたいと言って呼んでくれているというのもありますし、自分の曲を聴いてくれている人が僕の歌だけを聴いていると思っていないので、自分が参加する意味を考えたときに906が許してくれるなら、多少こっちで手を加えた方が聴いてくれる人も喜んでくれるんじゃないかなと。あと、せっかく呼んでもらったから「何これ！やばい！」って気持ちにさせたかったというのはありますね。

━━906を驚かせてやりたかったということですね。

SUKISHA まあ基本的に性格が悪いんで、予想外のことが起きた方が楽しいと思っているところがあって（笑）。あと、彼らの作品にはジャズのサンプリングのビートが多いじゃないですか。だからちょっとジャズをかじった程度の人間ですけど、ソロとか入っていたら喜ぶかなって。

906 めちゃくちゃ喜びました（笑）。

━━少し脱線しますが、今はイントロやギターソロを飛ばして聴く人もいるという話をよく聞きます。TikTokの影響などもあるのかもしれませんが、そういった状況に対して思うことはありますか？

SUKISHA なんとも思っていないですね、戦っている競技がそもそも違うので。TikiTokでバズって売れていく人とかには「すごいな、おめでとう」くらいにしか思わないし、自分の曲がTikiTokでバズることがもしかしたらこれからあるかもしれないですけど、それでバズったからといって活動の仕方は変わらないと思うし、社会現象の一つとしてしか捉えてないですね。ギターソロを飛ばす人はもともとギターソロを聴いてないし、もともと音楽もそんなに聴いてないから、別にいいんです。

906 同じくですね。

━━なるほど、ありがとうございます。話を戻すと共作の醍醐味のようなものがこの1曲にはあったわけですね。

906 僕は今までしっかりいっしょにやったのはZINくんくらいしかいなかったんですけど、今回やって思ったのは“くらわせ合い”というか、「こんなヤバイことやられたら負けたくない」と思うというか。結局は自分たちの曲なんですけど、「もっとやってやろう」のやり合いがめちゃくちゃ気持ち良かったですね。それとめっちゃ勉強になる。やっぱりずっと自分だけでリリックを書いていると、例えば抽象的なことや風景的なことばかり書いていたり、型にはまっていく感覚があるんです。

それを書くのがダメというわけではないんですけど、SUKISHAさんのリリックは《プチョヘンザ》とか文字で読むと笑えるけど、メロディに乗せたらしっかり説得力に変わっていたりして、いっしょに書かせてもらったときに「ああ！　そういうアプローチの仕方もあるんや！」とすごく刺激を受けましたね。

SUKISHA ケミストリー！（発音良く）だね。漫画の『Beck』、好きだった？

906 めっちゃ好きでした、全巻持ってます！

SUKISHA 『Beck』が実写映画化して水嶋ヒロ演じる竜介が「バンドにはケミストリー！が必要なんだ」って言うシーンがあって、それを思い出してた（笑）。好きだったなあ『Beck』。

━━やりとりは何回かあったと思うんですが、話しながら作るというよりはある程度のカタチにしてから送り合うような感じでしたか？

SUKISHA そうですね。そこはめっちゃ日本人的で、自分で作ったものをちゃんと反映させて送りたいタイプなんですよね。いっしょにセッションして作るのはあんまり得意じゃなくて。

906 でもデータだけじゃなくて、どういう気持ちで書いたというのも教えてもらって、それに応えて書いていきました。

━━SUKISHAさんがアルバム全体を聴いたときの印象はどのようなものでしたか？

SUKISHA 聴きやすいですね。ご飯作りながら聴いたり、今日ここに来るときも聴いていたんですけど、日常に寄り添っている感じがします。何がそうさせているのか考えると、しっかり聴き取りやすくて、わかりやすく何を語ったというラップではなくて、リズムに乗ってちゃんと韻を踏み続けるっていうところにあるというか。僕が普段からあんまり歌詞の内容をちゃんと聴こうとしないタイプというのもあって、すごくちょうどよかったですね。たぶんそういうところを狙ってやっていると思うし、いわゆる洋楽っぽく聴ける感じが良いなと。ロックが入ってきたときは少し戸惑ったけどね（笑）。

━━たしかにアルバムのラスト2曲に顕著ですが、ロック的なアプローチもありますよね。今日のお話を聞いていて、バックボーンにあるものだということがわかりましたが、これまであまりこういったアプローチはありませんでしたよね？

906 SUKISHAさんにおっしゃっていただいた通りで、ダイニングバーで働いていたときに、そういう雰囲気のお店って日本語の曲を流しにくいというか、特に日本語ラップを流すとイメージが変わってしまうように感じていて。どうしても日本語って耳に入ってきて、そっちに意識が行ってしまうから、つい聴き込んでしまってお酒が進まないこともあるなと思っていて。これまで「気づいたらアルバム1枚聴き終わっていた」という作品を作りたいっていうコンセプトで相方とやってきました。その上で、性格は全然違う相方なんですけど、共通点があって、例えばサンプリングを用いるときにジャズの年代や意味を合わせたい、良くも悪くも突飛なことはしない、アルバム1枚で一つの作品というのをすごく意識していたんです。

今回のアルバムを作り始めたのは、ちょうど相方といっしょに音楽をやり始めて10年を過ぎたタイミングだったこともあって、自分たちの今までの集大成で、なおかつ今までやっていないことをやりたいと思った。自分たちが通ってきたもの、相方はレゲエをやってたし、僕はロックやパンクがすごい好きでバンドもやっていたんで、一回全部詰め込みたいなって話になりました。ロックもレゲエも今まで突き詰めてきたジャズも入れようって。ちなみに今回のアルバムで1番最初にできたのが18曲目の“non suger”っていうパンクっぽい曲だったんです。

SUKISHA 急にレッチリみたいになってびっくりした（笑）。

906 縛られたくないなと思ったんですよね。客演でお声がけさせてもらった方たちもそれは意識していて。それぞれで考えると一見あまり交わらなそうなのに、この一つの作品の中に共存してるっていう。それに気づいてもらえたときは嬉しかったですね。

SUKISHA 実際、会ったことない人ばっかりだしね。

━━1枚を通して共通したニュアンスも感じます。全体のムードにこだわってきた点は引き継いでいますよね。

906 そうですね、今までも3枚くらいアルバムを作ってきたんですけど毎回18、19曲収録している中で「ここいらなかったな」「ここで飛ばしちゃうよな」っていう部分がどうしても後から出てきていて。もちろん前半も大事なんですけど、特に後半が難しかったです。イメージをロックに近づけていくときに絶対ここはSUKISHAさんとの曲やなって思って。後半の入り口というか、そこで上げてもらって、あとからロックが入ってきたときにびっくりはされるだろうけどその余韻で最後まで聴けるっていう。そこはより意識してましたね。

SUKISHA 19曲あったら曲順は意識するよね。作った順にするわけにはいかないもんね。

━━どちらもこれまで短くないキャリアがある中、今回の共作で新たな発見はありましたか？

SUKISHA 僕の場合はこんなに昔のことを振り返って作詞することもなかったし、こういうビートというか、リズム感の曲は自分では作らないので。少しトラップのノリというか、こんなゆっくりの曲をこのノリでは作らないから新鮮でしたね。

906 僕もそれでいうとトラップのノリは作ってきていなかったんです。だけど自分たちなりにやってみたい気持ちがあって。ハードな雰囲気ではなく聴きやすく柔らかい感じにしたかった。SUKISHAさんに入ってもらったことで、自分のラップの仕方も影響を受けていて。倍速で乗せることはあまりしてこなかったんですけどね、それも面白かった。

SUKISHA それは俺も初めてくらいかな。あと彼のヴァースにコーラスを被せたんですけど、リズムの乗り方が全然違って、合わせるのが大変でしたね。本当に何回も聴いて、「わかんない」って言いながら録ったんです。リズムの乗り方ってやっぱり人によって違うんだなって改めて思いましたね。

━━先ほど今回のアルバムは集大成的な面があるとおっしゃっていましたが、この先で何をやっていこうと思っていますか？

906 僕は今まで通り、ビート作ってラップして、歌モノやったり、ジャズをサンプリングをしてっていうのはもちろん続けていきます。その上で、僕がサンプリングを始めてからずっと思っていることなんですけど、楽器ができる人にすごくコンプレックスがあって。それはSUKISHAさんのライブを観たりしても感じたんですけど……。

SUKISHA わかるよ、俺もそうだもん。

906 いやいや、めちゃくちゃ演奏してるじゃないですか（笑）。

SUKISHA 昔からずっとコンプレックスではあったんだけど、それこそバンドメンバーがみんなガチなプレイヤーだから。いっしょにバンドをやっているギターのやつが1個下の大学時代のジャズ研の部長で、最初は大して上手くなかったんだけど、それがどんどん上手くなっていくのを見ていて。「はあ、どうせ俺は左クリックだよ」って感じだったから（笑）。すごくわかるよ。

906 やっぱり作品を作っていく中で、もちろんサンプリングもめちゃくちゃ面白いんですけど、SUKISHAさんのように0→1を作りつつ演奏もできる人にすごく憧れているんです。今回のアルバムを作っているときちょうど相方とも話していたんですけど、そういう悶々とした部分を解消していくために楽器を使った作品も作り始めていて。

━━今回のアルバム（『LOVE ON THE LUCKS』にはKeity、寺井雄一、朝田拓馬がプレイヤーとして参加）のようにプレイヤーを呼ぶ機会を増やしていくという方法もありますよね。

906 それも増やしていきたいですね。それこそ、今回のアルバムができたときに相方と「SUKISHAさんとEPを作りたいよね」って話をしていて。

SUKISHA え、マジで？　初めて聞いたけど！

906 ここで初めて言いました。これは書いといてください（笑）。

SUKISHA 次は俺だけってこと？

906 はい（笑）。

SUKISHA すごい気に入られてるじゃん！　ぜひ前向きに検討させてください！

906 よくZINくんとも話すんですけど、SUKISHAさんはDIYで全てを作り上げていて本当に自分の中で憧れるところなんです。

SUKISHA そんなに俺の話してるの？　そうなんだ、でも最初に会ったときも「そのスタンスが理想」と言ってくれてたもんね。

906 もちろん若いときしかできない音楽もあると思うんです、別にそういう若い音楽をおっちゃんになっても続けているというのもすごい良いと思うんです。

SUKISHA わかる、もうすでに何を言おうとしてるかわかるもん。

906 でも、僕の目標は自分の年齢プラス15歳くらいの人が聴いても「かっこいい」って言ってもらえる音楽を作ることなんです。SUKISHAさんはまさにそれをやってると思うんで、そこは意識しています。

SUKISHA そうだといいねー。

906 しかもSUKISHAさんの場合は下の若い世代のリスナーもいて、そこがすごいなって。

━━世代を問わず、長く聴けるものを作ることに主眼を置いているということですよね。

SUKISHA それが一番中心にありますね。よく話すのは松浦亜弥の“LOVE涙色”の話なんですけど《メールは返さない〉という歌詞があって、でもLINEしかやってない若者はそれが何なのかわからないじゃないですか。あと例えば『STEINS;GATE（シュタインズ・ゲート）』という名作アニメがありますけど、今はみんなスマホを使っていて、これから先もしかしたら携帯も無くなるかもしれないというのを考えると、ガラケーでメールを送る描写はわからない人たちが出てきてしまう。

ある漫画家さんが「時代を象徴するようなものは意図的に出さない」と言っていて、それでなるほどと思ったんです。だから自分が曲を作るときは意図的に今の時代の言葉を出すか、それとも昔から今まで誰が聴いてもわかるような歌詞にするかっていうのは意識していますね。サウンド面に関しては、どの時代がどうだっていうのは聴いた人間がわかればわかるし、わからなければわからないだけなんで、別にいいと思うんです。でも歌詞はそういうところがダイレクトに出るので、その辺りは意識していますね。何歳になって聴いてもダサくならないように。

━━時代を選ばない曲を作っていくということですね。

SUKISHA そうですね。懐かしいと思われるってことはダサいことだと思うんです。例えばTikTokでたくさん再生された曲は10年後20年後になったら「懐かしいね」になるじゃないですか。それは避けられないことかもしれないからこそ、それだけで終わらない曲を作りたいと思いますね。

━━現在はハイパーポップやレイジといった過剰な音楽が流行っていますが、ご自身のスタイルを貫いていることに手応えはありますか？

SUKISHA 何も思っていないです。流行があったらすぐに飛びつきます。

一同　（笑）

SUKISHA でも本当で。自分は割となんでもできる人間だと思っていて、ジャンルにこだわらずにいろいろ作りたいと思っているんです。ただ何かが今「キテる」という感覚は自分には無くて。例えばハイパーポップが周りでもみんな良いって言っていればやると思います。別にヒップホップだけやっていくと決めているわけではないし、R&Bも好きだし、ブラックミュージックも好きだけど、今からロックをやれって言われたら喜んでやります。それが流行っていろんな人間に届くんだったら。

ただ別に普通のロックをやるつもりはないし、ロックをやってもし流行っても、「流行ったね、でも別に流行っていたからやっただけで他の曲を作りたい俺は」と言って他の曲を作るだけです。自分の活動を長い目で見ているので。ずっと同じことをやっていると自分の中では小さな違いがわかるかもしれないけど、他の人からしたら同じに聴こえても仕方がないことだと思うんです。それはスタンスの問題で、ずっと自分たちの求めている音楽を突き詰めていくという考え方をしている人たちもすごく立派だけど、俺はどちらかというと自分の規模を大きくしたり、聴いてくれる人を増やしたり、いろんな拡大再生産を繰り返すことを大事にしています。

だから違う音楽性のことでもどんどんやっていきたい。ダサくはなりたくないんで、新しくやったことに対して自分が納得できて、一定のクオリティがあるものを出す。それで「こんなダサい曲作りやがって」って言われたら「わかんない、お前がダサいんだよ」って言えるようにはしていきたいですね。

906 「ヒップホップをやってる906です」って紹介されることはよくあるんですけど、「僕はヒップホップじゃないな」って思っていて。手法はヒップホップのものだし、ヒップホップをたくさん聴いてきたし、好きなヒップホップのアーティストもいっぱいいるんですけど、思想や振る舞いを含めてヒップホップと呼ぶなら僕は全然ヒップホップじゃない。もちろん聴いてくれた人がヒップホップだと感じたらそうなんだと思うんですけどね。今回のアルバムを作って特に感じたのは、自分自身を狭めたくないということでした。

良いと思ったものはなんでもやりたい。今はソウルをやりたいと思ってソウルをいっぱい聴き込んで曲を作ってみたりしていて。一般的なサラリーマンだと65歳とかで定年を迎えて、そのあとはセカンドライフを送ってっていう人生がベースにあると思うんですけど、自分は70歳になって「まだやってんの？」と言われるくらいやっていたいんです。そう考えるとなんでもやりたいなって。もちろんお金を稼ぐ必要はあるんですけどね。

SUKISHA わかるよ、音楽をやってて一番偉大なのはハービー・ハンコックだと思うんだよね。カート・コバーンやジミ・ヘンドリックスを崇拝する気持ちもわからなくはないけど、早死にするより長生きしたいでしょって。一生音楽やってる方がかっこいいと思うな。

906 （ハービー・ハンコックは）若手のジェイコブ・コリアーともいっしょにやったりしていてすごいですよね。だから長くやるのがテーマです。

━━最後に今回の共作を経て、お互いの作家性やいわゆる手グセのようなものは感じましたか？

SUKISHA さっきヒップホップだと思っていないとは言っていたけど、やっぱりジャズをサンプリングしているヒップホップという印象はあって。ただ自分でも演奏してるよね？

906 ベース入れたり、鍵盤入れたりしてますね。

SUKISHA やっぱりそうだよね。それをうまく組み合わせてやっていくスタイルだなと思いますね。そこからどうやってこれから新しいアプローチをしていくのかっていうところだよね。楽器がもっとうまくなっていろんなアプローチが増えていくのが楽しくなりそうだなと。

906 嬉しいです。僕は具体的なことじゃないんですけど、SUKISHAさん、めちゃくちゃ音楽好きやなって。もちろん「こうやったら面白い」っていう聴き手側のことも考えられるのもすごいんですけど、根っこでは「別にわかってもらえんでもええわ」っていう部分がありそうで。音楽好きとして、自分のかっこいいと思ったことに対するプライドがあるというか。俯瞰しながらもそれができるっていうのが素晴らしいです。

SUKISHA いや、性格が悪いんだよね（笑）。

906 でもこの歳まで音楽続けてる人ってある種の性格悪さがあるというか（笑）。

SUKISHA 『レベルE』の王子っているじゃないですか、あれが良いなと思うんです。みんなが不快だと思うギリギリのところを狙って投げていくというか、「ざまあみやがれ」みたいな気持ちでやってます。狙いはもちろん外れることも多いので別に期待はしてないですけどね。ダメだったらまた頑張ろうと思うだけで。でもそれを繰り返してもあんまり意味がないというか、結局大きなうねりにはならないということを去年学んだので、今年はもうちょっと慎重にやっていこうかなと思ってますね（笑）。