「あなたの夢は、私の夢──」。果たして、そう思える、もしくはそう思ってもらえる人間は世の中に何人いるのだろうと考える。6月23日から順次公開中の映画『愛のこむらがえり』は、そんな言葉をキーワードに映画製作の夢を叶えるべく奔走する男女二人を描くハートフルライトコメディだ。

監督を務めたのは生田斗真主演の映画『渇水』が公開したばかりの高橋正弥。そして、主演を務めるのは18年ぶりの映画主演となる磯山さやかと、劇団東京乾電池の最終兵器である吉橋航也だ。

Qeticでは今回、3人の鼎談を実施。映画の話を皮切りに、本作のキャラクターと重なる部分、さらには主題歌である“夢がよぶ方へ”を書き下ろしたVOLOMUSIKSについてなど、たっぷりと話を聞いた。

──映画制作の裏側を映した、とても心温まる作品でした。まず、髙橋監督にお聞きしますが、今回の脚本を読まれたときの率直な思いからお聞かせいただければと。

髙橋正弥（以下、髙橋）　最初は脚本を加藤正人さんから直接渡されて、読ませていただいたんですが、我々、映画の世界で育ってきた者にとっては、非常にリアリティのあるお話だと思いました。映画を作ることにおいての吉橋くん演じる浩平の気持ち、そしてそれを支える磯山さん演じる香織の気持ちというものは、ある種、映画界やテレビ界のあるある的なお話でもあって。過去にも映画界の裏話を題材にした映画は多くありますけど、改めて、こういう形で観客の皆さんに観ていただくのもありなのかなと思い、手掛けようと決意しましたね。

──なるほど。制作するにあたり磯山さやかさんと吉橋航也さんにお声掛けした理由は？

髙橋　まず、磯山さんに関しては、脚本を読んだときに浩平を照らす太陽のような人、笑顔が素敵な人にお願いしたいと思い、その中で自分の頭の中に磯山さんが浮かびました。バラエティで志村けんさんや高田文夫さん、爆笑問題の太田さんなど名だたる方の横に立ち、信頼されている磯山さんならこの物語をやれるのではないかと思ったんです。

そして吉橋くんは、脚本の印象から言うと、僕にとって浩平役はイケメンじゃない人がいいなと思っていたんです。もちろん吉橋くんは実際はいい男なんですけどね（笑）。ただ少し掴みどころが分からないと感じというか、磯山さんをヒロインに据えてどういうタイプが組み合わせとしていいかと思ったとき、美女と野獣じゃないですけど、そういった見え方で映画が成り立てばいいと思ったので、そこがまずひとつの理由ですかね。あとは脚本家チームの方たちが昔から東京乾電池を見てきたこともあり、「いい俳優がいる」ということで吉橋くんでやってみたいなと思ってお声掛けしました。

──確かに、お二人のバランスは抜群でした。磯山さんは18年ぶりの主演作、吉橋さんは初主演作になりますが、今回のお話を聞いてどう思われましたか？

磯山さやか（以下、磯山）　私は正直、お話をいただいた当初はバラエティのどっきりかと思いました（笑）。今回も巧みな感じで来たなというか、リアル感もちょっとあるし、最初は驚きしかなかったです。「え、なんで私なんですか？」という疑問と驚きとで、「イェイ！　やった！」というのが全然なかったです（笑）。

髙橋　最初にお会いしたときもそんな疑問符でしたか？

磯山　はい（笑）。ご挨拶に来ていただいたときも一応挨拶はするけどという感じで。監督に会えば会うほど、疑問符が増えていくというか。映画がとても好きな方ですし、ちゃんと映画作ってきた方だからこそ、「なぜ、私なの？　よく私のこと知ってましたね」というくらいびっくりしましたね。

──バラエティで活躍する磯山さんだからこその職業病というか。

磯山　そうかもしれないですね（笑）。最近のどっきりは本当に巧みなんでね（笑）。

──あはは（笑）。吉橋さんはいかがでしょうか。

吉橋航也（以下、吉橋）　僕は脚本を読ませていただいたときに、職業こそ映画監督と役者で異なりますけど、浩平と置かれている境遇がまさにで。僕もこの歳まで泣かず飛ばずじゃないですけど……（笑）。

磯山　めっちゃ笑ってる（笑）。

吉橋　いやあ、自分のことをこんなにネガティブに言っていいのかなって感じですけど、本当にくすぶり続けてる自分と重なりすぎて。だからこそ選んでいただいたのかなとも思ったし、やりたいと思いましたし、そういう意味では無理せずやれる役だなと。くすぶっている気持ちや焦り、悔しさ、でも諦めたくない気持ちとか、全て手に取るように分かったので、この役はほかの人にやってほしくないというか、自分がいちばん主人公の気持ちが分かるような気がして、自分がやれてよかったなと思いますね。

──初主演作で東京乾電池の座長である柄本明さんと共演するということも感慨深いポイントなのかなと思いました。

吉橋　そうですね。感慨深いと同時にめちゃくちゃ緊張感もあったし素直に怖いというか（笑）。でも役柄的にも怖がってもいい役だったので、柄本さんが目の前に来たときの隠しきれない怖がっている気持ちみたいなのも画面に映ってくれたらラッキーだなと。そこも別に無理して作らなくてもよかったんですよね。

──普段の自分を出せたんですね。今回は柄本さんをはじめ、名だたる俳優さんが出演されていますが、いい意味でそこを感じさせないとある日常を切り取った物語がとても心地よかったんです。皆さんの中で印象深いシーンなどはありますか？

磯山　私は、どれも印象的だったんですけど、浩平とお家で言い合うシーンはドキドキして緊張感がありました。普段の自分はあそこまで声を張ったり、感情を出すタイプではないので役として感情をぶち撒けというか（笑）。でも緊張はしたんですけど、吉橋さんが浩平でいてくれたので、芝居ではなく単純にムカつくことができた（笑）。監督にも「気持ちで大丈夫」と言っていただけたので、それもあってすごく楽しく、やり合えたシーンだったなと。

吉橋　計らずも同じシーンですごく嬉しいんですけど、あのシーンは役というわけでなく演じている中の人間としてワクワクしたんですよね。確実に感情が動いていると思ったシーンでした。正直、初号のときは冷静に観ることが出来なかったんですけど、最終試写では客観的に観ることが出来て、いち観客としてもそのシーンは楽しめたので、よかったなと。磯山さんがノートをぶつけてくれるところも本気で痛かったですし（笑）。

磯山　すみません……（笑）。

吉橋　いやいや、あれは本気でぶつけてくれないと逆に変な空気になっちゃうから。バシッと当ててくれて、本当にやりやすかったです。

髙橋　僕は、香織が酔っ払って、浩平におんぶされるところですね。あのシーンは失敗すると後半がダメダメになるということもあり、実際にどう撮ろうか、どう編集しようかというところで、そこは非常に緊張していました。結果的にはとてもいいシーンになったなと思いますね。

磯山　あのシーンは監督の圧がすごかったですもんね？

吉橋　すごかったですね〜。「泣け、泣け」、「これが失敗したら」って（笑）。実はあのシーンの撮影がいちばん最後だったんですよ。

──そうだったんですね！

髙橋　吉橋くんは吉橋くんで、泣く術は分かっているんだけど、こちらは見え方として足りているか足りてないかという感じで。結局テイク3くらいまでやったのかな？　まだ泣けてない、泣いてるように見えないよ、という感じでやってもらいましたね（笑）。

磯山　大変そうだなと思って私は見てましたけどね、頑張れ〜って思って（笑）。

吉橋　応援してくれていたんですね。実は、撮影前日に柄本さんからプレッシャーのかかる電話もいただいていて、一晩ほぼ寝れなかったです（笑）。

──そんな裏話があったんですね。でもやはり柄本さんとの演技は普段の関係性も垣間見えていたというか……。

吉橋　だって、香織と2人で稽古場に行くシーンなんてね？

磯山　そう、下からの目線が怖かったな〜。

吉橋　あの目で見られたら、蛇に睨まれた蛙ですよ。劇団員としては、本当にあの目は何度も嫌な記憶を思い起こさせる目というか。本当に怖いですから。

──映画を拝見して思ったのは、「あなたの夢は、私の夢──」というのが1つキーワードだと思うんです。香織が献身的に浩平の夢に寄り添ったからこそこの物語は進んでいったと思うんですが、磯山さんは香織のように彼の夢に寄り添えるタイプですか？

磯山　香織のようには思えないと思います。応援することは出来るんですけど、最終的には「そちらでやってください」と多分なっちゃう。香織は最後まで自分も浩平かのような感じで自分の夢として走り抜けていたので良かったですけど、私は途中で「諦めてもいいんだよ」って言うタイプかもしれないですね。でも、あそこまで香織に応援される男性ってどうなんだろう？って思いますよね。

──そうなんですよ！　絶対プレッシャーを感じますよね。

吉橋　優しくされれば、されるほど申し訳なくなっちゃうと思います。

磯山　そうですよね（笑）。

吉橋　実際に映画の中でも浩平がそういう気持ちになってるからこそ、おんぶのシーンの涙ということだと思うけど、逆に僕だったら申し訳なさすぎて別れようとなっちゃうかもしれないですね。自分の夢のためにこの人の人生を潰してしまうのは申し訳ないなってなるかもしれない。

──その浩平の感情の変化は、演じる吉橋さんの表情で読み取れるというか。「映画監督は職業ではなく罪名だ」と品川徹さん演じる、蒲田志郎に言われたあとの表情は、前半とは確実に違う表情になっていたし。

吉橋　ありがとうございます。でもあのシーンは、品川さんが素晴らしく素敵だったので、ありがたかったですね。品川さんの素晴らしい演技に身を委ねることでできた表情というか、僕がどうこうではなくて、本当に品川さんに感謝です。

磯山　ちなみに監督はどうなんですか？　奥様が香織みたいな人だったら。

髙橋　僕はもう潰れてますね。もう職業を変えてると思います（笑）。嬉しいとは思うんですけど、実際生活を考えた場合、なかなかね。「もういい加減にしろ」って言われると思うし。

──そっちの方が楽ということもあるし。

高橋　そうですね。香織の「映画監督の99％は貧乏だ」というセリフにも自分はけっこう頷いてしまったので。貧乏でも応援してくれるのは嬉しいけども、現実は厳しいだろうなっていうのはありますよね（笑）。

──そうですよね。ただこの映画では、香織の過度とも思える寄り添い方にリアリティを感じたというか、本当に日常の1ページでした。正直、あれだけのリアリティがあるお芝居を撮るのは、難しいことなのかなとも思うんですが、監督は撮る側として、そしてお二人は演じる側として、意識されていたことはありますか？

髙橋　平凡な生活の中で、やはりどこか刺激をということは意識しましたね。リアリティのあるような物語展開ですけど、どこか不思議な刺激のあることが折々入ってくるということは今回の映画作りで面白かったことですし、ドキュメンタリーのように追いかけるよりは、それが不思議な世界というか、篠井さん演じるハロルドであったり、ホヤであったり、チンピラたちに拉致されるとかは日常の生活ではなかなかない。そういうものが織り込まれているのは、非常に面白い映画作りだったなと思いますね。

──演じる上ではいかがでしょうか。

磯山　監督も私をイメージしてくれていたというのもあり、対照的すぎるキャラクターではなかったので、入り込みやすかったというのがあるんですけど、監督からは「とにかく優しくいてほしい」と言われていたので、そこは意識しました。怒っていたとしてもどこか優しさを意識していたし。ただ演じていると「おい、何やってるんだよ、浩平！」みたいな感じにどうしてもなっちゃう！　そんなときは強くいってしまいましたけど、そこは逐一訂正していただきながら、こっちは苛ついてるけど、「優しさね、OK！」と言い聞かせながらやっていましたね（笑）。

吉橋　その苛つきは重々感じていましたね（笑）。おそらくリハだったと思いますけど……、拉致される直前でカメラを回すシーンがあるんですけど、その日突然渡されたスマホで、操作がよく分からなくて、動画にするのに手こずっていたら「あんたは、何が出来るのよ！」と磯山さんに言われてしまって……。そんなセリフはなかったのに（笑）。だからこれは絶対本心から出た言葉だなと少し傷つきながら、その傷ついた気持ちも浩平の感情にすり替えていけたらいいかなと思いながら、やってました（笑）。

──辛辣なお言葉ですね。

吉橋　でもそりゃそうだよなと。こんなにウジウジしてて、助監督の仕事も不器用で全然できてないし、浩平の良いところといえば、脚本を書く才能があることくらいしかないですもんね。そこだけで香織に優しくしてもらっている。ただ演じる上では、頑張らないといけないことは全然なくて、情けない自分でいればいいんだなという感じだったので、無理してなにかをしたという感じはないんです。それが、もしかしたら日常を切り取ったと言っていただける要因なのかもしれませんね。

──なるほど。お二人から見る、髙橋監督の印象を教えていただけますか？

磯山　私は、こういう現場をそこまで経験してないからこそ、監督が寄り添ってくれたというか、監督と演者という壁がなくて。いつもなら監督に話しかけていいのかなと思っちゃうんですが、それがなかった。「いつでもどうぞ〜」というのが嬉しかったですね。あと、ものすごく話し方が優しくないですか？　すごくソフトな感じで言ってくれるのでホッとするというか、心強かったです。

吉橋　そうですね。本当に優しい！　監督というと厳しいお父さんというイメージがありますけど、高橋監督はお兄ちゃんという感じですかね。寄り添ってもくれるけど厳しいときは厳しい。温かい目で大きく包んでくれているという感じでしたね。

磯山　実はいじられキャラだったりね。これは私の理想のリーダー像ですけど……引っ張って行く人もいる中で、私が理想としているのはその人がいて、周りが助けていくとか、そういうのがすごく素敵だなと思っていて。頼りないわけでは全く無いんだけれど、監督が頑張っているから私たちもやろうという助け合いがまさにこの現場にはあったので。だからファミリー感がありましたよね？

吉橋　それはありました。映画というと劇中のように怒声が飛び交うというイメージがあるかもしれないけど、そんなことも全くなかったですし（笑）。

──確かに、映画の中ではかなりピリついてました。

髙橋　最初に磯山さんから「怖い人はいませんよね？」と聞かれて、「いません！」と答えてしまった手前、「そういうことはしちゃダメだからね」とスタッフと連携しながらやってましたよ（笑）。

磯山　言いましたね〜。あと監督が優しいのは、私のグッズのパーカーやTシャツをずっと着てくれるんですよ！　とにかく愛がすごいんです！

──素敵な現場だったんですね。あとお聞きしたいのは、主題歌について。VOLOMUSIKSの書き下ろした“夢がよぶほうへ”がとても多幸感ある仕上がりというか。この映画の重要なピースの1つなのかなと思うのですが。

髙橋　この映画を観て作ってもらったので、非常に映画としてハマっていますし、すごく嬉しかったです。実はこの曲を初めて聴いた後でエンドロールにお二人の写真を挿入しようと思ったんですよ。ああいう雰囲気を最後に観客に観せたいなと思ったんですよね。

──そうだったんですね。エンドロールは二人のアルバムを見ているようでよかったです。

磯山　私は、調布の先行上映のときに初めて聴いたんですよ。だから最初は「なんですか、この曲！？」みたいな感じ。正直、めちゃくちゃ鳥肌がたちました。

吉橋　本当に！　初めて聴いたときこれはめっちゃいいなって思いました。

──ちなみにVOLOMUSIKSはご存知だったんですか？

髙橋　主題歌について、知人である音楽プロデューサーの方と話をしていたら「こういう曲を作る人たちがいる」ということで紹介していただいたんですけど、VOLOMUSIKSさんはグルーヴ感が強く歌詞も女性心理をグサグサと掴みとるようなこまつさんの歌詞というイメージだったんです。やはり音楽的センスをすごく感じ取れる方たちだったので、委ねてお願いしてみたんです。結果、歌詞もこの映画の内容もすくい取っていただきつつ、本当に心を掴むような歌詞を書いていただけたので、すごくありがたかった。

──あの優しい声で物語が閉じる感じが素晴らしいですよね。

磯山　感動しました。作品が終わったほっこりもあるんですけど、ここまでやってきたんだなというか、どこかまだ香織がそこにいて、やっと映画完成したなとあの歌声を聴いて思いました。

──物語的には泣いて終わるような作品ではないですもんね。

磯山　そう！　「撮れた！　やった！」という感じで映画は終わるけど、あの歌声を聴くと、「ああ、本当に終わったんだな」となっちゃいますよね。

──映画を彩る大事なピースですよね。

髙橋　そうですね。

吉橋　初号のときはまだ音楽は入ってなくて、無音でエンドロールだったんですが、調布で最後聴いたときに、ここまでは一緒なはずなのにこんなに観え方が変わるんだということを感じました。曲が入ることですごく良くなっているのが実感できたし、とてもよかったと思います。

──最後にこれから観ていただく方たちへメッセージをいただけたら。

髙橋　僕がこの映画で目指したのは、応援する人、される人が一緒に夢を見て、そしてゴールに向かおうとしている姿を描きたいと思いましたので、やはりそういった夢を追いかけている方々に、観ていただければと思っています。

磯山　昨今「何かあったら諦めてもいいんだよ」という雰囲気もあると思いますが、私は諦めなくても素敵なことがあるんだと改めてこの映画を観て感じました。頑張ることは恥ずかしいことではないし、応援することも恥ずかしいことではない。だからこの映画を観て自分もまた何かをやってみようかなとか、そういう1歩を踏み出せるような気持ちを作ってくれたら、そんな気持ちを思い起こすような作品になれたらいいなと思っております。

吉橋　現在進行系でくすぶっているというか、「こんなはずじゃなかったんだけどな」と思って諦めかけている人もいると思うんですが、そういう人がこの映画を観たことでもうひと足掻きしてみようかなって思ってくれたら嬉しい。その結果がどうなるか分からないけど、もうひと足掻きくらいしてみようかなと思い直すキッカケになればいいなと思います。

安田レイがアルバム『Circle』を完成させた。コラボレーションをテーマに2021年～2022年にリリースしてきた、JQ from Nulbarichとの“It’s you”、TENDREとの“blank sky”、THE CHARM PARKとの“風の中”“each day each night”に加え、Yaffle、Lucky Kilimanjaroから熊木幸丸、VivaOlaを迎えた新曲を収録。さらに“It’s you”以前のシングルでドラマ『君と世界が終わる日に』の挿入歌として話題になった“Not the End”なども合わせた全11曲が、それぞれのシナジーによって輝く。今回は安田に、新たなコラボ曲を中心に各曲を順に追いながら、その魅力を語ってもらった。

──JQさんと共作した“It’s you”収録の同タイトルEPをリリースされた際のインタビューで、さまざまなアーティストとのコラボを推し進めていきたいとおしゃっていましたが、こうしてフルアルバムが完成した感想からお聞かせいただけますか？

初のコラボEP『It's you』を制作していた頃から、この流れをフルアルバムまで繋げたいと思っていました。そして今回は、『It's you』でご一緒したJQ（Nulbarich）さん、TENDREさん、2022年に入って“風の中”、“each day each night”をプロデュースしてくださったTHE CHARM PARKさんに加えて、Yaffleさん、Lucky Kilimanjaroの熊木幸丸さん、VivaOlaさんといったバラエティ豊かなメンバーと曲作りができて、ほんとうに幸せでした。30歳、ソロデビュー10周年を迎える直前に願っていたことが形にできて、私の中で新しい表現の扉が開いたような気がします。ジャケットもそんな作品を祝福してくれているじゃないですけど、この虹、すごくないですか？

──虹は合成じゃないんですか？

撮影当日は雨が降っていて、「しょうがないよね」ってクルーのみんなと話しながら準備を進めていたら急に晴れてきて虹がかかって。

──感動的ですね。

「安田レインボー！」って、よくわからない駄洒落を叫びそうになるくらいのテンションでした（笑）。今回はいろんな方とコラボしたので、人の集まる楽しそうな場所ということで色とりどりの公園をロケ地に選んで、衣装もカラフルにしたところに、偶然虹までかかって、「ああ、これまでのことは奇跡だったんだな」って、大げさではなくそう思いました。

──円のグラフィックも素敵ですね。これはアルバムタイトルの『Circle』を表したものですか？

はい。アルバムを作るにあたってこの『Circle』というタイトルが最初に浮かんだんです。裏テーマは“ミステリーサークル”でした。あれって、上から見たら面白いですけど、中にいたら迷路みたいで自分がどこにいるかわからない。人生もそうだなって、思ったんですよね。ゴールの方向はそっちで合っているのか、ちゃんと前に進めているのか、自分なりに頑張っているのに迷ってばかりですから。そして制作の最後に、今回1曲目に収録したタイトルトラックをYaffleさんと作りました。

──“Circle”の《ここはどこLost in wonderland》という歌詞が、終盤で《この場所が It’s my wonderland》となっていますが、それが安田さんにとっての“Circle”のイメージでしょうか。

そうですね。＜wonderland＞って、そこに入る前は夢の国とか理想郷みたいなイメージがあるじゃないですか。でも実際はそうじゃない。

──少し怖いイメージもありますよね。

いざ入ってみるといろんなものが歪んでいたり、理想とは程遠かったりする。そういうことって生きていると往々にしてあると思うんです。私もそうで、何の迷いもなく音楽の世界にい続けられたわけじゃないですから。でも、そこにもハッピーな瞬間がたくさんある。思い通りにいかなくても自分の駄目なところを受け入れて自分なりに前に進んでいけば「“wonderland”も楽しいじゃん！」って、そんな曲です。

──Yaffleさんとの制作はいかがでしたか？

Yaffleさんのスタジオにお邪魔してセッションをしながら作りました。ポジティブなだけではなくて、ネガティブな部分やダークネスも強めに入れて、最終的には前を向けるような曲にしたいという気持ちを伝えたら、すべて汲み取ってくださって、ほんとうにすごかったです。私はYaffleさんがトラックを作っているプロセスを生で感じながら、湧き出た感情の鮮度を大切にしてメロディを考えました。

──まさに、“Circle / wonderland”の闇を受け入れて謳歌するようなダンサブルな曲。ゴスペルに通じる多幸感に溢れたコーラスのようなパートも印象的だったのですが、安田さんの声を重ねて録ったんですか？

ダンサブルな曲にすることはあらかじめ話し合っていたのですが、ゴスペルとおっしゃった部分は最後にできました。曲がほぼ完成に近づいたタイミングで急にYaffleさんが、「レイさん、メロディを崩してください」って言うんですよ。私も崩すのは好きで、ライブでいつもと異なる色を出したいときなどに時々やるんですけど、初回のレコーディングでやることはまずなかったから少し戸惑いつつ、後半のメインのメロディのうえに崩したメロディを重ねたり、いくつかフェイクを入れたりしました。そしてさらにハーモニーを入れることになって、だんだんコーラスっぽくなってきて、「これゴスペルじゃないですか！」って私もびっくりでした。

──そうだったんですね。

私自身が私の声に包み込まれるような感覚で、いろいろと迷いながら最後には《この場所が It’s my wonderland》と吹っ切れる歌詞のストーリーにもぴったりだと思いました。実はYaffleさん、思い付きで私にメロディを崩させたのではなくて、制作に着手した段階でこの曲をどうしていくか絵が描けていたようで、私にはあえて黙っていたらしいんです。

──安田さんにはリアルに“Circle / wonderland”の中にいるような状態を楽しんでもらいたかったとか？

そうかもしれないですね（笑）。そしてYaffleさんはすごく作業が速くて、1日の間に数トラック作ってくださったので、残りもいつか出せたらと思っています。

──2曲目の“through the dark”と3曲目の“Not the End”は、『It's you』から始まり今回のアルバムのテーマの一つにもなっているコラボレーション以前の曲ですが、なぜ収録したのですか？　特に“Not the End”は、今作をアルバムたらしめる役割を果たしていると思うので、意図が知りたいです。

コラボレーションを掲げた以降の曲だけでいくか、少し迷ったんですけど、そうおしゃっていただけるなら入れてよかったです。“Not the End”はこの数年間の活動を振り返って、もっともパンチのある曲ですし、ただハッピーなだけじゃないダークネスを表現したという意味で、ここまでに話したアルバムの方向性の鍵になっていると思ったんです。

──コロナ禍という時代の記録としても重要な、2020年から2021年に差し掛かるあの瞬間にしかできなかった曲。失礼を承知で、当時私の頭の中にもしあの歌詞が浮かんだら、その瞬間自分の言葉に潰されて歌えない。そのくらい生々しくて緊張感のあるキラーチューンだと思うんです。そして、そんな時期があったからこそ『Circle』の方向性が定まった。

確かに、コロナ禍のあの瞬間にしか生れない曲ですよね。今は考え方や世界の見え方も変わっていますし。あの頃は恐怖心が大きかったから、「自分の言葉に潰される」とおっしゃる気持ちはわかります。そこはドラマ『君と世界が終わる日に』の挿入歌だったことでペンが進んだんだと思います。人々がゾンビと化していく非現実的な物語とコロナ禍が重なった。もしドラマがなかったら自分からそういう曲は書こうと思わなかったかもしれないですね。ドラマがきっかけで私のことを知ってくださった方や、曲は知っているけど私のことは知らない方も多くいらっしゃって、「あの曲の人なんだ」と言われることもあります。ありがたい話です。

──そこからTHE CHARM PARKさんと作った“風の中”へ。80年代風のサウンドと爽快なメロディが疾走する曲で、ここで景色が一気に開けます。

“Not the End”から“風の中”は決して綺麗なグラデーションではないけど、ライブでダークな世界観からMCを挟んでアッパーなムードに持っていく、そんな光景を想像するとすごく気持ちよかったので、あえて並べてみました。今回、この部分だけではなく、曲順にはとことんこだわったんです。結果、既発曲もそれ単体で聴くのとはまた違った魅力が出ているように思うので、ぜひ流れで聴いていただきたいですね。

──続く“HOME THERAPY”はLucky Kilimanjaroの熊木幸丸さんを迎えた曲。Lucky Kilimanjaroには同じようにハウスを基調に家で遊ぶことをテーマにした“HOUSE”という曲がありますが、関連性はあるんですか？

確かに。Lucky Kilimanjaroの曲だと私は“350ml Galaxy”が好きで、それをリファレンスにしてもらったり、あとは私がLizzoが好きだという話もしていたのでオマージュしてもらったりしました。“HOME THERAPY”というタイトルは、私がホームパーティーを大切にしているという話を熊木さんにしたことがきっけかでした。

──そうだったんですね。安田さんがお友達とホームパーティーをしているところがInstagramで流れてきたことがあるのですが。

それですね（笑）。曲を作る前に熊木さんが私のことをじっくり取材してくださって、そこでホームパーティーはデトックスだって話したら、「面白いですね、それで曲を作りましょう」ということになりました。

──ホームパーティーがデトックスとは？

ホームパーティーって家で酔っぱらってバカ騒ぎとか、ちょっとチャラいとか、そういうイメージがあると思うんですけど、私たちにとっては少し違っていて、家というパーソナルなスペースで、気の合う仲間と普段溜め込んでいることや考えていることを言い合う場なんです。終盤に電気を消してキャンドルを焚いてオラクルカードっていうタロットみたいなことをすることがよくあって、そこでお互いに心の中にうごめいているものを思いっきり吐き出して、号泣して抱き合って終了みたいな（笑）。

──私もたまに友達とホームパーティーやりますけど、号泣して抱き合うことはないですね（笑）。

そんな私たちの一晩をイメージして、メロディや作詞も含めて熊木さんがほぼ仕上げてくださったうえで、「どこかではっきりとレイさんらしさも出しましょう」ということで、ブリッジの部分だけ私が歌詞を書いてトラックメイクにも関わりました。

──その作り方の話、納得です。というのも、Lucky Kilimanjaro節と言える、ラップと歌メロの間を縫うようなパートや、お二人の会話調の掛け合いがあるじゃないですか。

そうなんですよ。そういう歌い方をしたことがなかったので、ちょっと恥ずかしいしリファレンスも熊木さんしか思いつかないから、熊木さんの真似をしようとしたら「真似しなくてもいいですよ」って。だから何とか自分なりにやっていたらだんだん楽しくなってきて、新しい歌い方を体得できたような気がしました。

──新しい扉となると、続くTENDREさんとの“blank sky”もそうですよね？

この曲は私がピアノで作った曲をTENDREさんにアレンジしてもらったんですけど、「アレンジがすべてだな」って思うくらい、カッコよくしてもらえました。確かに、こういうモダンでゆったりしっとりしたR&Bって、今までになかったですね。

──“Sunday Morning”もまた、若手注目のVivaOlaさんと組むことで新しい感覚が生れているように思いました。

すっかり仲良くなってVivaちゃんって呼んでるんですけど（笑）、彼とは私がパーソナリティを務めていたラジオに出てもらったことがきっかけで知り合いました。音楽性が好きなことはもちろん、話していてすごくフィーリングが合ったので、その日のうちに「何かやりましょう」と口説いて数カ月越しに実現したんです。私はアメリカンスクール、彼はインター出身で境遇も似ていて、聴いてきた音楽なども、共通言語が多くて楽しかったですね。

──どんな音楽の話をしましたか？

R&Bを中心に、スタジオでもお互いが好きな音楽をかけ合いながらたくさん話しました。彼は私より5つくらい年下なんですけど、私が小学校低～中学くらいの時にはまっていた90年代後半や00年代初期のR&Bもオンタイムで聴いていたみたいで、温度感も近かったんです。「Usherの『Tiny Desk Concert』観た？　やっぱすごいよね」みたいな。そんなコミュニケーションの中で、お互いのルーツであるR&Bをやりたいねって話になり、できた曲が“Sunday Morning”です。

──リズムの音が生っぽくて親しみやすく、曲自体も少し懐かしいにおいがしました。

ちょっと前のR&Bみたいな感じ。その香りはあえて残しました。生っぽいビートもいいですよね。Vivaちゃんが私の声にはそのほうが合うんじゃないかって、提案してくれました。

──そしてJQさんとの“It's you”。この曲は今作の起点として大きかったのではないかと。

そうかもしれないです。コラボレーションの楽しさを知ってエンジンにブーストがかかったみたいな。“Not the End”がダークネスも見せていくというメンタルやメッセージ的な方向性の起点だったとすれば、“It's you”はコラボすることでもっと音楽的な幅を広げたいと思って始めたことの確信、決定打になったと思います。

──“us”は、THE CHARM PARKさんと作ったシングル“風の中”と“each day each night”のリリースの際のインタビューで、「実はTHE CHARM PARKさんとの曲はまだあるのでリリースしたい」とおっしゃっていたその曲ですか？

はい。私が作詞作曲してTHE CHARM PARKさんにアレンジをしてもらった曲で、これに関してはあまり自分のダークネスは出ていない、足取りの軽い曲ですね。ライブのこと、ファンの方々と同じ空間にいる時間を想像しながらシンガロングできるような曲にしました。

──次はお友達のカップルに捧げた“each day each night”。最後に安田さんの仲間への想いや慈愛に満ちた曲がきて、幸せな気持ちになりました。

この曲順もライブを想像してのことですね。最後はポジティブでストレートなラブソングを浴びて、幸せな気持ちに包まれて家に帰ってもらいたいですから。アルバムを締め括るにもぴったりだと思うので、いずれにせよ最後になっていたと思います。そしてハッピーになって、また“Circle”に戻ってもらえたら。円には終わりがないので（笑）。ずっとループしてもらえるような作品にしたかったんです。そして、コラボしてくださった方々のおかげで、安田レイ史上もっとも音楽的な幅があって飽きることなくあっという間に聴ける、だからリピートしたくなる豊かなアルバムになったと思います。

──今作はほとんどの曲で共作というスタンスを取り、シンガーとしてだけでなく、ソングライターとしてもこれまで以上に深く作品に入り込みました。そして、これから先のことについては、どうお考えですか？

今作でジャンルの幅が広がり、歌い方にもいい変化があったと思うので楽しみです。そのあとのことはまだ何も考えていないですね。どうしましょう（笑）。ライブはたくさんしたいですね。ワンマンだけでなく私のことを知らない方々の前でももっと歌いたい。フェスとかイベントとか、いろいろ出たいです。制作面では、先ほど話したYaffleさんと作った曲をはじめストックはまだあるので、それらをさらに磨き上げて出したいですし、今年もシンガーソングライターとして面白い曲をどんどん作っていけたらなって、思います。

──10周年を迎えるにあたっての今の心境は？

デビューしてからまだ10年しか経っていないのか、と最近考えていました。20代全てというのもあり、濃すぎる10年間でした。思い描いていた場所に自分がいなくて、焦ったり怖くなったりする事もたくさんあるけど、もうここまで来るとgod only knowsですね。

音楽から離れようとしても、結局何かが私を連れ戻すんですよ。本当、人生って不思議です。そして、この10年の中で、ファンのみんなと育て上げてきた絆がさらに強くなってきた気がします。今年久しぶりに開催したツアーで改めて「みんなの存在が私を動かしている」と心の底から思えたんですよね。あの瞬間の特別な感情を今年はたくさん重ねていきたいです。みんないつもありがとう！（みんなへのラブレターみたいになっちゃった笑）

──今後挑戦してみたいことは？

またツアーがしたいです！

今年久しぶりにやった東名阪ツアーの音も、気持ちも、みんなとの繋がりも、どんどん育っていくのが本当に楽しくて。もっとたくさんの場所でやったら一体どんな景色が、お客さんが、私が、待ってるんだろう！？　と考えるだけでドキドキしちゃいます。

──7/3のビルボードライブ東京でのワンマンライブはどのような内容になりそうですか？

デビュー日にアニバーサリーライブができるなんて本当に幸せです。たくさんの感謝の気持ちを込めて、スペシャルなセットリストで懐かしい曲もお届けしたいと思ってます。

私の声も、音も、見た目も、価値観も、どんどん変化していますが、この10年をゆっくりみんなと振り返りながら、その時の記憶を音を通して思い出せたら幸せです。

みんなに会えるのを本当に楽しみにしています！　最高の日にしましょう！

コロナ禍でアップした、マイケル・ジャクソン“Off The Wall”のウッドベース弾き語り動画で話題を集めたベーシスト＆ヴォーカリストの石川紅奈が、名門〈ヴァーヴ・レーベル〉からメジャーデビューアルバム『Kurena』をリリースする。

恩師でもあるジャズピアニスト・小曽根真をプロデュースに迎えた本作は、自身のオリジナルとカヴァー曲をそれぞれ3曲ずつ収めた6曲入りの作品。チック・コリアやスティーヴィー・ワンダー、そしてもちろんマイケル・ジャクソンなど彼女のルーツとなる音楽を名うてのジャズプレーヤーと「料理」しつつ、オリジナル曲ではブラジル音楽の導入や日本語詞にも挑戦するなど、「ジャズベーシスト」という枠には収まりきれない才能を感じさせる1枚に仕上がっている。ジャズピアニスト・壷阪健登とのポップユニットsorayaでの活動も期待されている彼女に、本作について語ってもらった。

──今作『Kurena』は、カヴァーとオリジナルが3曲ずつという構成です。まずはカヴァー曲についてお聞かせください。チック・コリアの“500 Miles High”を取り上げたのはどんな経緯だったのでしょうか。

チック・コリアは昔から大好きで、高校のジャズバンド部で“Spain”を演奏したのが最初の出会いです。残念ながら一昨年に亡くなられましたが、プロデューサーの小曽根さんから、チックさんとの深い関わりやお話を伺っていたので、ぜひ小曽根さんに弾いて頂きたくて、カヴァーすることを序盤から決めていました。

“500 Miles High”は、歌詞がとても哲学的で、聴く人によって様々な解釈ができる。どこかふわふわとした感じもあり、自分の声で歌うのもあって少しゆったりした3拍子のアレンジが思い浮かびました。3拍子のアレンジを他に知らなかったので聴いてみたかったのもあります。小曽根さん、ドラムの小田桐和寛さんとトリオでまずレコーディングをして、その後にパーカッションのKANくんのオーバーダビングをしました。スタジオで小曽根さんからもアイデアをもらいつつ、セッション的に構築していきましたね。

──『Light as a Feather』（1972年）に収録されたオリジナル音源では、フローラ・プリムがヴォーカルを担当していました。石川さんは今回、どんなことを心がけて歌ったのでしょうか。

原曲の、推進力あるベースパターンのあのイメージとは違い自分の3拍子のアレンジはゆったりとスペースが多いので、それを使って自分の声で自由に飛べたら良いなと思いました。

──“Bird Of Beauty”は、スティーヴィー・ワンダーの曲ですね。

音楽に目覚めた頃からスティーヴィー・ワンダーが大好きでした。父が運転する車の中で、彼の音楽がよく流れていたのも影響として大きかったと思います。今回カヴァーした“Bird Of Beauty”が収録されている『First Finale』（1974年）ももちろんですが、『Songs in the Key of Life』（1976年）もよく聴いていました。1970年代のアルバムが特に好きです。

──ちなみに、ベースという楽器の面白さも、スティーヴィー・ワンダーの曲から学んだそうですね。

はい。父親がスティーヴィー・ワンダーの曲を聴きながら、ベースの音を拾ってコピーする面白さを教えてくれて。それがベースを始めるきっかけになったんです。

──“Bird Of Beauty”をカヴァーしようと思った理由は？

この曲は、もともとスティーヴィー・ワンダーがブラジル音楽の要素を取り入れて作った楽曲です。私のルーツにはブラジル音楽もあるので、そこにつながりを感じて今回カヴァーしようと思いました。

──確かに、石川さんのオリジナル曲“Sea Wasp”にもブラジル音楽の要素を強く感じます。

ブラジル音楽が好きになったきっかけもやはり両親でした。ボサノバのオムニバスアルバムが家にあって、それで小さい頃からよく聴いていました。ジャズバンド部時代もボサノバの曲をいくつか演奏しましたが、国立音大へ進学してそこで教鞭をとっていた小曽根さんに教わり、演奏する中でさらにブラジル音楽の魅力に気づき惹かれていきました。

──ジャズとブラジル音楽で、ベースのアプローチはどう変わりますか？

ジャズのウォーキングベースと違ってビートを落とす場所、気持ち良い場所がまた違って楽しいし、メロディが綺麗なところも惹かれます。ブラジルのサンバのパレードに使う大きなスルドという打楽器があって、その役割を想像しながらベースを弾くこともあります。

──マイケル・ジャクソンの“Off The Wall”は、コロナ禍にアップしたCotton Clubでのベース弾き語り動画がYouTubeで163万回再生（2023年3月2日現在*掲載時に合わせ変更）に達しました。

コロナ禍で人とあまり演奏ができなくなり、何か一人で完結する表現はないかなと思ったときに、周りのミュージシャンたちが動画をアップし始めていたので、自分も練習のモチベーションを上げる意味でも「やってみよう」と。この曲はベースラインが特徴的で、それとメロディだけで成立するというのも取り上げた大きな理由の一つでした。

──マイケル・ジャクソンもお好きなんですよね。どんなところに魅力を感じますか？

マイケルもスティーヴィー・ワンダーと同じように両親の影響で聴くようになりました。最初はジャクソン5から入って、モータウン界隈の音楽を聴いていく中で、『Off The Wall』もお気に入りの一枚でした。

──ちなみに「ベース弾き語り」という石川さんのスタイルは、どのようにして確立されていったのでしょうか。

もともと歌うことは好きでしたが、「ベーシスト」として様々な現場で演奏をしていたとき、ジャズ曲のメロディとコード進行を覚える方法を国立音大の先生でサックス奏者の池田篤さんに相談したら、「メロディを歌いながらベースを弾いてみるといいよ」とアドバイスをもらったのがきっかけでした。

──メロディラインを意識するようになって、楽曲の捉え方も変わりましたか？

変わりましたね。ベースはアンサンブルの一番下にあるメロディ楽器で、歌は一番上にあるので全く対照的な両方の視点から楽曲をとらえることができるようになったことが、自分の音楽を広げる大きなきっかけになりました。

──ギターでコードをかき鳴らしながら歌うのに比べて、ベースを弾きながら歌うのってとても難しそうな印象があります。

ベースもメロディも単音なので、単音同士のハーモニーが聴こえていない状態だと意識が引っ張られて私はうまくいきません。ギターや鍵盤で和音を鳴らすとメロディも乗せやすいように、ベースで単音を鳴らしながら、自分の頭の中で和音をイメージする特訓が必要だと思っています。

──壷阪健登さんとのポップユニットsorayaのライブでは、ビートルズのカヴァーも演奏されていますよね。ポール・マッカートニーも、メロディのようなベースを弾きながら歌うミュージシャンです。

例えば“Something”のベースラインなど大好きですが、ポール本人も歌う人だからこそ出てくるのだなと思いますね。尊敬するベーシストの一人です。

──オリジナル曲についてもお聞かせください。まず“Sea Wasp”はどのように作っていったのでしょうか。

「シー・ワスプ」はオーストラリアウンバチクラゲのあだ名なのですが、YouTubeで生き物の動画をいろいろ観ていたときに、クラゲの動画を見てインスパイアされて制作したんです。大きく優雅に泳ぐ美しいクラゲなのですが、とても獰猛な毒を持っているんですよ。それをイメージしながら書きました。

曲自体は実はレコーディング当日まで合わせたことがなかったので、どうなるのか分からない状態でスタジオへ持って行って、その場でセッションして変化しながら作っていきました。

──“Olea”は美しくも切ない曲です。

ありがとうございます。繰り返す日常を楽曲で表現したかったのと、小曽根さんの“For Someone”というリフレインが印象的な曲があって「自分もこういう曲が作りたい」と思ったのがモチベーションになりました。「オレア」はオリーブのことで、花言葉は「平和」。毎日繰り返している日常は当たり前ではないこと、繰り返し祈るような気持ちで曲にしていきました。私はベーシストなので、ベースが主旋律を弾く曲が欲しいというシンプルな動機もありましたね。

──最後に収録された“No One Knows”は、今作で唯一の日本語詞ですね。

他の曲は今作のために書き下ろしましたが、この曲だけ1年ほど前に書いた曲です。『海辺の彼女たち』という、ベトナムから技能実習生として日本にやってきた、私と同じくらいの年齢の女性が主人公の作品です。俳優の神野三鈴さんが素晴らしい映画作品をたくさん教えてくださり、その中のひとつでした。いくつかの実話がもとになったフィクションですが、自分の知らなかった過酷な状況を目の当たりにして、何か形に残したいと思ってこの曲の詞を書きました。

──この曲は、石川さんのヴォーカルも印象的です。ちょっと台詞っぽいというか、感情を声色でコントロールしていくような歌い方をしていますよね

そうですね。他の曲と比べてリズムには重きを置かず、ストーリーテラーとしての役割にフォーカスしながら歌いました。

──ところで、今作の今作のプロデュースを務めた小曽根さんは、石川さんにとってどんな存在でしょうか。

ジャズバンド部員の高校生だった私に、音楽の世界に進むきっかけをくれた方ですし、国立音大のジャズ科に入ってからも、一人ひとりと真正面から向き合う姿勢や、そして例えば40歳になってからクラシックを始めるのはどう考えても怖いけど、でもそういう日々挑みつづける生き方にも、自分もこうありたいなといつも影響を受けています。

──ジャズは、その場で作曲していくという意味では「道なき道」へと自ら踏み込んでいく非常に勇気の要る音楽ですよね。ジャズをやることで、ご自身の生き方にも何か影響を及ぼしていると思いますか？

そうですね。ジャズの演奏は決められたことはあっても全てが楽譜に書いてあるわけではないので、自分がアクションを起こせば何かしらリアクションがある。例えそれが自分の思っていたものとは違っていても、それに応じてこちらもまたアクションを変えたりできる楽しさもあります。何もやらなかったら本当に何も起こらないので、とにかく結果を恐れずにどんどん関わっていくことが大事だと思わされていますし、そこから自分の生き方を学んでいるところはあります。

──例えばsoraya結成もその一つなのでしょうね。

そう思います。壷阪健登くんは同い年で、大学は違ったのですが在学中にセッションで知り合いました。コロナ禍で、私が上げていた動画にリアクションしてくれていたんです。それで、彼がボストンのバークリー音楽大学から帰国してくるタイミングで「何か一緒にやりませんか？」とメッセージをいただいて。細野晴臣さんのトロピカル三部作を彷彿とさせるような彼のオリジナルのシングル“港にて”や大貫妙子さんの“くすりをたくさん”のカヴァーなど、彼の音楽のファンでしたので、声をかけてくれたのがすごく嬉しかった。それがsoraya結成のきっかけでした。

──sorayaでの曲作りはどのように行なっているのでしょうか。

リリースされている4曲は壷阪くんが書いているのですが、メロディ先行もあれば、私が物語みたいなアイデアを投げて、そこに曲をつけることもあります。ファースト・シングルの"ひとり"はメロディにあとから詞をつけましたし、“BAKU”という曲は私が思いついたストーリーを壷阪くんに渡すところからスタートしました。決まったやり方というわけではなく曲によりけりです。

──物語を創作するのは好きだったのですか？

昔から図鑑を眺めるのが好きで、そこからストーリーや情景を妄想するのが小さい頃から好きでした。壷阪くんも、それに対してとんでもない角度からボールを打ち返してくれるんですよ（笑）。動物のバクをテーマにしたこの曲のお話を送ったときも、なぜかそこから彼が「ウォータードラムを演奏しながら歌うピグミー族」を連想したらしく、その動画を送られてきました。そしてリズムマシンにパーカッションを組み合わせ、最初は予想もしなかったようないろんな要素が入ったわくわくする曲に仕上がりました。

──ジャズだけでなくポップスやブラジル音楽など、様々な音楽を吸収しながら表現活動をされていますが、今後どんなアーティストになりたいと思っていますか？

おっしゃるように、これまで自分はジャズだけを聴いてきたわけではないので、そんな自分ならではの音楽がこれからも作れたらいいなと思いますし、変化しながら、いろいろなジャンルをまたいでいけるような存在になりたいです。

2011年の発足から、昨年10周年を迎えたカルチャーパーティ・SETSUZOKUのアニバーサリープロジェクト。第1回目がDJ NORI × MURO、第2回目がDJ KENSEI× 瀧見憲司、第3回目が須永辰緒×沖野修也と毎回特別なゲストを迎えて行われる同企画。その第4回目が2022年12月、渋谷のミュージックバー・INC COCKTAILSで開催された。

ゲストには、国内ヒップホップの黎明期にキミドリのメンバーとして大きく貢献し未だ多くのリスナーに多大な影響を与え、長きにわたって場所やジャンルを問わずさまざまなフロアをDJとしてメイクしてきたクボタタケシと、ソロでのライブや作品のリリースだけでなく、FNCYのメンバーとして、そしてDJとしても活躍するG.RINAの2人。

キャリアの長さこそ違えど、オルタナティブかつ越境的なアプローチで音楽と人を繋いできた両者は、この10年何を感じ、考えてきたのだろうか。イベントに先駆けてFACE RECORDS MIYASHITA PARKでレコードの選盤を終えた直後に話を訊いた。

━━今日レコードを選ぶにあたって意識した点はありますか？

クボタタケシ　今回は、ラテンの人じゃない、ロックの人とかがやっているラテンの曲が入ったレコードを3枚選びました。あと1枚は今日の気分で、という感じです。

G.RINA　私は、踊らせることを意識せずにという話もあったんですけど、あんまりラウンジーになりすぎないような、ジャズ系のレコードの中でもソウルフルな曲が入っているものを探しました。

━━クボタさんは最初に7インチのコーナーから見ていましたね。

クボタタケシ　7インチはもう自分の趣味ですね。あと自分が欲しいものを探していただけなんです。だけどお店でかけるシチュエーションだから、ある程度考えなくちゃいけないなと思って、ラテンじゃない人がやっているラテン音楽を見回って。

━━ご自身の趣味で探していたものはあったんですか？

クボタタケシ　ラテンのレコードも自分の趣味といえばそうだし、かけるレコードは全部自分が好きなものなんです。ただ今回は、最近はそんなにかけてない、よく昔かけていたなというレコードを懐かしいなと思って選んだ感じです。

━━レコ屋はよく行く方ですか？

G.RINA　以前はよく通っていました。お世話になったレーベルがあったDisc Shop Zero 、イベントを一緒に主催していた仲間もHotwax、Moonwalk、Beamsだったりレコード店で働いている子が多かったんです。今は地方に行ったりしたときにレコード屋さんを覗いたりはしますが、あんまり数を増やさないように心がけていて……。

━━SESTUZOKUが昨年10周年を迎えていますが、G.RINAさんが出演していた初期からでいうと2011年あたりですか？

G.RINA　その頃はデータとレコード共存でやっていました。今はまたレコードがたくさん作られていますけど、いろんなメディアの変遷がある中で、データでしか手に入らない曲が多くなった時期もあって。私は世界のどこかの、聴いたことのないようなダンスミュージックを探すことも好きなので、そういった音楽とみんなが知っているものをミックスして近い質感でかけるには、どうしてもデータで集める必要がありました。今はレコードでかけてくださいというオーダーがあったときにレコードでDJするようにしています。

━━長年ヴァイナルでDJしているクボタさんは近年のレコードブームに対して何か思うことはありますか？

クボタタケシ　いや、考えたことなくて。ずっとレコードを変わらずに買っているんで。さっきみたいに新譜とかはレコードになっていないものもいっぱいあるから、そういうのはCD-Rに焼いてかけたり。でも誰も知らないようなダンスミュージックだと逆に7インチで出ていたりするものもあるし、例えばトラップとかでも7インチがあったりもするから。そういうものを見つけてDJでかけているとパッとお客さんがブースに来て「あ、これって7インチあるんですか？」「そうそうそう」っていう会話が生まれたりして。

━━東京だと渋谷のレコ屋に行くことが多いですか？

クボタタケシ　いや特にどこってことはなく、近くに行ったらですね、ユニオンとか、FACE RECORDSもそうだし。まあでも一番いいのは個人の家なんですけどね。誰かがアナログを手放すっていう情報を聞くと飛んで行く。

━━そういう情報が届くんですか？

クボタタケシ　来る場合もあるし、手放しそうな顔の人とかもいるから（笑）。「この人手放すな」と思ったらね。

G.RINA　そういうものの中にはクボタさんが求めてるものってなかなか無いんじゃないですか？

クボタタケシ　いや、そんなことないですよ。逆にそういうものの中にこそあったりするんだよね。よく地方のレコード屋さんとかでも「クボタさんが買うようなレコードなんて置いてないですよ」とか言われるんだけど、「こういうのも買うんですね！」って驚かれることも多いですね。

G.RINA　クボタさんの集め方はいわゆるコレクターという感じとも違うんでしょうか？

クボタタケシ　コレクターじゃないですね。自分でかけるものだったり、アイディアになるものとかしか買ってないし。でも〈B-Boy Records〉っていう、ブギ・ダウン・プロダクションズ（Boogie Down Productions）とかを出しているレーベルがあって、そこからリリースされたものだけはコレクションしてたり。

━━DJでかけなくなったレコードを手放すこともあるんですか？

クボタタケシ　もちろんあります。“ヴァイナルロンダリング”してます、ずっと。

━━なるほど……。

クボタタケシ　“ヴァイナルロンダリングって今作った言葉なんですけど（笑）。

G.RINA　それ何ですか？って聞こうと思ってたのに（笑）。

クボタタケシ　なんか流されてたんで（笑）。でもニュアンスでなんとなくわかるでしょ？

G.RINA　安く買って高く売るみたいなことですか？

クボタタケシ　いや、主に状態がいいものが手に入ったら持っているものを手放したりとかね。

━━若い世代の方でもレコードでDJを始めている方も最近多い印象があります。

G.RINA　どうですかね。いつの時代もレコードを愛する人、今だからレコードに意味を見出す人がいるだろうと思います。DJの練習のスタートとしてレコードを使うのは、自分の経験からいっても、すごくいいことじゃないかと思います。

わたしは最初レコード屋さんのレーベルからアルバムを出していたり、今もレコードを愛する方とお仕事することが多く、ありがたいことに今まで自分の関わってきた作品はかなりレコードになっているんですね。12インチだったり、最近は7インチが多いですけど。DJ目線というより作品をレコードにしている制作者からの目線だと、それを手に取ってくれる人がちょっとずつ変わってきているかなとは思います。

クボタタケシ　どう変わってるの？

G.RINA　今はDJじゃない方も買ってくれている気がします。アイテムとして、CDじゃなくて7インチとデータで買うっていうリスナーの方がいらっしゃるのかなって。もちろんDJで買ってくれている方もいると思うんですけど。

クボタタケシ　20代のDJがアナログでかけてることが結構多いなと思う。

━━クボタさんの注目している若手のDJはいますか？

クボタタケシ　今まで一緒にDJした人たちは、みんな素晴らしい。もっと知りたいですね。

━━ここ10年でクラブシーンも状況が大きく変わっていると思うんですけど、具体的に変わったことなどありますか？

クボタタケシ　なんだろう、分煙でクラブでタバコが吸えなくなったとか（笑）。

G.RINA　バー形態のお店は増えましたよね。

クボタタケシ　DJバーね。

G.RINA　システムを整えているミュージックバーで、踊ってもいいし、基本は美味しいお酒を飲んで各々で楽しむっていうところが増えてますよね。いざクラブに行こう！　という感じじゃなくて。

クボタタケシ　DJバーは渋谷にもすごいいっぱいできたよね。

━━そういった形態の違いでDJのスタイルを変えたりしていますか？

クボタタケシ　自分のスタイルは変えないですけど、その場の雰囲気でやってます。ハマるときはハマるし、スベるときはスベる（笑）。

G.RINA　私は呼んでいただくイベントによってこういう風にしてくださいっていうリクエストを聞いた上で選曲しています。かけたい音楽にも幅があるので、10年の変化というより、ずっとそういう風にやってきているので、あんまり変化はないかもしれません。

━━リクエストがあった方がやりやすいですか？

G.RINA　特定のジャンルでDJやっています、という感じではないので、ひたすら歌のない最新のダンスミュージックがいいのか、80’sのダンスクラシックがいいのか現行R＆Bがいいのか、少しリクエストがあった方がイメージを持って行きやすいので。データではもちろん色々持っていけるんですけれどね。

クボタタケシ　えーごめんね。1、2ヶ月前に自分のやっているイベントでG.RINAに出てもらって。渋谷Bridgeで自分ともう1人を呼んで、2人だけで夜10時から朝5時までやっているイベント（※＜DJ BAR Bridge Wednesday＞）なんだけど、その時は「好きなように」って言ったから、たぶん心の中では「ふざけんなよ」って思われてたんじゃないかな（笑）。

G.RINA　いや違うんです（笑）。実際は好きなようにって言われることも多いんです。それはそのときの気分で提案します。あと、自分の中でこのサウンドシステムで聴いてみたいってものもあったりするので。むしろ贅沢な機会です。

クボタタケシ　でもそこにお客さんがバーっといたらどう？

G.RINA　それはそのときの様子で……。

━━G.RINAさんは自分のライブのアフターパーティーだったりだと選曲は変わってきますか？

G.RINA　どこでもそうですが、その場の世界観に合うものでこういう音楽はどうですか？っていうものをプレゼンテーションするっていう感じですかね。でもDJについて、こうあるべきっていうのが私には本当になくて、あまり語れることがないんですよね。

クボタタケシ　またまた（笑）。

━━ちなみにDJしているとき、フロアはどのくらい意識していますか？

クボタタケシ　フロアよりお店全体を気にしてやってます。ライブとかじゃない限りは全員踊っている方が不自然なんで、人を雰囲気良くその場にいさせる音楽もあると思う。全体のムード、雰囲気かな。で、雰囲気が良ければ踊りたい人は踊るし、お酒飲みたい人は飲むし、その場にいたい人はいると思うから。「え、朝までいちゃった！」って言ってくれる人もいっぱいいますし、そういうリアクションが嬉しいかな。

━━ライブアクトの間でDJしたり、DJからバトンを繋がれたり、シチュエーションが違っているときも同じように全体を意識していますか？

クボタタケシ　もちろん、そうです。

G.RINA　フロアやお店への意識、生モノですよね。すごく踊っている場合だけが刺さっているとは限らないのが、面白い部分でもあります。一方で他のDJの方がその塩梅をどうされているのかなっていうのはすごく気になります。自分がDJしていないときにこそ気にしています（笑）。クボタさんは同じレコードをかけても本当に聴こえ方が違う時があって、そういうマジックはどうやって起きてるんだろうって思いながら聴いてます。

クボタタケシ　ありがとう（笑）。

G.RINA　でも本当にそうなんです。「箱全体を見ている」とおっしゃっていましたが、いろんなモードのお客さんが心地よくいられるようにしたいとわたしも思っています。クボタさんは箱全体を見るなかで、EQやボリュームのコントロールについて、注意されていることはありますか？

クボタタケシ　よい音、心地よい音、かつボリュームは出ているのに普通に会話できるように気をつけてます。

━━ちなみにお二人のはじめましてはいつだったんですか？

G.RINA　何が最初かは思い出せないんですけど。

クボタタケシ　そうなんだよね。

G.RINA　仙台や大阪でご一緒したこともありますよね。私は地方に1人で呼んでいただいたりすると、同じオーガナイザーさんがクボタさんを呼んでいることも多くて。クボタさんの話がクボタさん不在のところで出てくることがよくあります。たぶん地方にいるバラエティに富んだDJをされる方とか、そういうイベントをオーガナイズしている方とクボタさんが近いところにずっといらっしゃるのかなと思って、お話だけ聞いていたときはいつか現場でご一緒したいなと思っていましたね。でも、ご一緒するようになったのはきっとクボタさんのキャリアの中では近年ですよね。

クボタタケシ　そうだね、うん。最初はもう亡くなってしまった下北のDisc Shop Zeroの飯島さんに「すごくよいので聴いてください」って言われてG.RINAの1stアルバムを聴いて「うわ、すごい器用だな」って驚いたな。だってあの頃いくつだっけ？

G.RINA　20歳くらいですね。

クボタタケシ　1stからずっと聴かせてもらってますよ。で、DJでもかけてるよ。

G.RINA　ありがとうございます（笑）。

クボタタケシ　で、今は今でFNCYもやって、ソロもやって、すごいよね。俺はずっと緩くやってるから。まだちゃんと見たことないけどDJの動画の配信もやってるんでしょ？　パッて流れてきたらすごい怪しいライトの中でやってるから「これすごいな」と思って。

G.RINA　あれは滅多にやってないんですけどね（笑）。

━━G.RINAさんはDJ SENORINAという名義をお使いになっていた時期もありますよね。その名義を使わなくなった理由はあるんですか？

G.RINA　私はゲットー音楽といわれるようなダンスミュージックも好きなので、DJではそういう曲もかけたいんですが、その当時のアルバムで作っている世界観はそれとはちょっと違っていたので聴いている方を混乱させちゃうかなと思って名義を別にしていたんです。今はそういうことを気にする必要もないのかなって。

クボタタケシ　じゃあゲットーベースみたいなものもG.RINA名義で大丈夫なの？

G.RINA　大丈夫ですね！　リリックの中で使われる言葉は気にした方がいいとは思いますが。ずっとこんな風に横断してやってきていますし、いまは細かなジャンル意識はお客さんにも少なくなった気がします。昔はジャンル分けみたいなのがもっとガチっとありましたよね。

━━女性DJのフィールドも昔と比べて変わってきたんでしょうか？

G.RINA　うーん、どうですかね、ずっと女性DJはいると思うんですよ、続けている人の割合はたぶんそんなに変わっていないんじゃないかなって思います。

━━女性DJだけで括るイベントとかもありますよね？

G.RINA　そうですね。

クボタタケシ　なんでこうやって括るんだろうなと思いますけどね。

G.RINA　イベントの主催者が女性だったりする場合は「連帯」だと思うんですけど、外側からそういう意味を掲げてイベントやりましょうという感じのときは、お客さんはどんな風に感じているかな？　と気になりますね。自然に男女両方いるのが理想ですが、出演者がほとんど男性のイベントも多いので。ただ、それは単純なことではなくて、こうあるべきっていうのは難しいですね。

クボタタケシ　意識したことはあまりないけど、アーティストやDJの割合で男性の方が多いのって日本だけなのかな。

G.RINA　テクノは長く続けている女性も多い印象があります。同じように活躍の場があるということじゃないでしょうか。今思い浮かべたのはみんな外国の女性DJですね、DJがより職業として確立している国々と単純に比べるのは難しいと思います。

クラブでの女性プレイヤーが全体として少ないのは、男性オーガナイザーが多い中で人間関係を築かなければならなかったり、体力的な部分で思うようにいかない面もあると思います。多くのDJはDJ以外にも音楽あるいはそうでない仕事を兼業してスタートしていると思うので、イベント翌日にも仕事をできる体力が求められますよね。華やかに見えて、実際は体力が必要なんです。レコードを運搬するとかもそうですね。

ほかにも例えば単純に楽屋に女性トイレがないとか着替える場所がないとか、失礼な対応をされる、お酒が断れない、ちょっと危ない思いをした、減ってきたとはいえ小さなことの積み重ねで心が折れることもあると思います。もちろん男性にも悩みがあるとは思いますが、その悩みを共感しあえる仲間は少ないかもしれません。 それと人生の変化で、たとえば妊娠などで物理的に活動を変化させざるをえない、休業してそこから復職する難しさは他の仕事と同様にありますよね。

━━なるほど、外側からだと見えにくいことも多いですね。

G.RINA ただ私自身が見たことでいうと、活動の中で出会った女性DJの多くは、変わらずDJを真剣に続けている人が多いです。そういった子達にも、先輩の女性DJにも、どちらの存在にも勇気づけられます。続けるということはそれだけですごいことだと思いますし。同時に先に言ったような、単純な不足、ギャップになる部分を克服していく環境や周囲の理解が進めば、続けたいと思う人、力を発揮できる人も増えるだろうと思います。

遊びに来てくれるお客さん、各地のオーガナイザーさんや同業者、周囲の理解者に恵まれて、わたしも続けてこられたんだと思います。なので私自身も年齢を重ねて活動を続けていくことが何らかのサンプルになればいいかな、という気持ちではいます。

━━G.RINAさんは出産や子育ての関係もあって、パーティーから離れていた時期もあるかと思うんですが、その時期にナイトライフに対する意識は変わったりしましたか？

G.RINA　もともとそんなに多くは遊びに行かないです、自分が出演するときだけでも結構大変だなって感じなので、全然一般化できるような話はできないんですけれど。私は今も昔も1人で遊びに行くので、そこに自分と似たような気軽な大人が一人でもいてくれるとうれしいですね（笑）。

━━自分もよく1人で遊びに行きます。G.RINAさんの考える1人で遊びに行く理由はどのようなものでしょうか？

G.RINA　観たいものを観て、会いたい人に会って、帰りたいときに帰れるからですね（笑）。そういう感じで遊んでいる人がもっといたらいいのになとは思います。

━━クボタさんはコロナでパーティーから離れた時期はどのような変化がありましたか？

クボタタケシ　配信とかたくさんオファーをいただいたんですけど、本当にカメラとか映像とか苦手で、全部イラストでいいって感じで。

G.RINA　イラストだったらシュールですね（笑）。

クボタタケシ　今回もG.RINAだけ本物で俺はイラストでいいのよ。

G.RINA　いや私もいっしょにイラストがいいですよ。

クボタタケシ　またまた（笑）。そう、だから配信とかは全部断っちゃっていて、でもこれがあと5年とか10年とか続いたら仕方なくやるんだろうなとは思っていたんですけど。今まで20歳くらいから30年くらい、レギュラーを1週間も欠かしたことがなかったんですよ、ずっと続けていて。でもみなさんと同じように全部イベントが止まって、最初は「えー」って感じだったけど、でももういいや、前向きに捉えようと思って。そのためにはどうしたらいいか考えて「そうだ、タバコと酒をやめよう」と思って、タバコと酒をやめたんです。30年間ヘビースモーカーだったのに。あと、体力が有り余っちゃってたからたくさん歩くようになって。

━━健康的になったんですね（笑）。

クボタタケシ　そう、健康的になっちゃった（笑）。酒はもともとクラブでしか飲まなかったんで、簡単にやめられたんですけど、タバコをやめられるとは思わなかったな。スッパリやめてもう2年半。またDJができるようになったら吸い始めるんだろうなと思っていたけど、タバコ吸わないと身体ってこんなに調子いいの？って感じで。今まで吸ってる状態が普通だと思っていたから、もう今は体が軽くてね。

━━気分的に落ち込んだりすることはなかったですか？

クボタタケシ　最初は「えー」って感じだったけど落ちないように、タイミングよく引越ししてみたり。それも自然で、今まで気に入って住んでいたところが「分譲になっちゃうんで出て行ってください」と言われて、このコロナ禍に。今までやったことがなかったいろんな申請とかもたくさんやって、忙しくしてました（笑）。

G.RINA　クボタさんがお酒飲まなくなったなんて信じられない。

クボタタケシ　ね、本当に（笑）。

━━コロナ禍はツアーなどで忙しくしているミュージシャンたちにとって心に余裕を持てる時間でもあったという話もよく聞きました。

G.RINA　コロナ禍真っ只中のときは学校もお休みだったので、ひたすら子どもの勉強をみたり、遊んだりですよ。それが落ち着いてからは、自分のスタジオの電源の電圧を変えたりミキシングを勉強したりとか、できなかったことに挑戦はできました。でも心を見つめる時間はなかったかな（笑）。

クボタタケシ　「オールナイトのイベントに出ない」って言ってたときがあったじゃん、あれは変わったの？

G.RINA　この間のイベントは特別で。今はオールナイトだけでなく、いろんなお客さんがアクセスしやすい時間帯のイベントも増えたので、そういうDJの機会が多くなっていますね。

━━コロナ禍で音楽の聴き方は変化しましたか？

クボタタケシ　変わらないかな。でも、家ディグというか、レコード屋さんも閉まっていたから家にあるレコードを探して、これもあるあれもあるって。

━━10年を振り返るとSNSの発展も大きかったのではないかと思います。パーティーにどういった影響がありましたか？

クボタタケシ　今はオファーも2週間前とか1週間前とかに来たりもして「大丈夫かな？」と思うけど、SNSがあるからそれで宣伝してちゃんとお客さんが入ってるし。以前は考えられなかったね。2、3ヶ月前からオファーが来て紙のフライヤーだからそれを撒いたり。今のそのスピード感はいいなって。自分はSNSは何もやってないんですけど。

G.RINA　今はめちゃくちゃいいですよね、インディペンデントな活動がよりしやすくなった。私はインターネットがあって良かったとずっと思っているんですけど、でも同時に、実際に外に出てイベントで初めて来てくれた人と接したり、久しぶりの人の顔を見たり、「やっぱり外に出ると違うなー！」っていうことがめちゃくちゃあるので、両方大事ですね。 出先で聴く音楽も、出会う人とのちょっとした会話も、当たり前ですが画面の中とは全然違うので。

━━それこそ若い世代だとコロナ禍でパーティーにこれまで足を運ぶ機会が失われてしまった世代もいるんじゃないかと思います。これから初めてクラブに行く方やイベントを作る側の方に何か伝えたいことはありますか？

G.RINA　いや、私の方がいろいろ聞きたいですね。どんなことを楽しみにしているのか知りたいです。若いDJの子の考えていることも知りたい。こちらが優れている立場だとは全く思っていないし……自分がDJを始めたときと今ではちがう悩みや課題があったりするんじゃないかと思うから、イベントをやろうとしていたり、やっている子には自分の周りにいる人と同じようにリスペクトしたいです。

━━現場で若い人たちと話す機会も多いですか？

G.RINA　機会があれば、ですかね。自分からなるべく話しかけたいと思ってはいて、イベントに呼んでくれる若い子とかが「どうして自分を呼んでくれたんだろう？」っていうことがわかれば、どのようなパフォーマンスがいいか見えてきますし。

クボタタケシ　俺もそう、なんでそんなこと知ってるんだろうって思うことも多い。それこそSNSの影響とかもあるのかもしれないけど、DJじゃなくてキミドリのことをすごい知ってくれていたり。逆にこっちが聞きたいよね。若いだけで素晴らしいんだから何も気にすることなくやっていってほしいね。手伝えることがあればなんでもサポートするし。

━━キミドリの影響は若い世代にも大きいと思います。G.RINAさん、クボタさんにとってもヒップホップは重要な要素かと思うのですが、10年の変化でいうとヒップホップシーンも大きく変わりましたよね。

G.RINA　ドメスティックなアーティストがめちゃくちゃ活躍していますよね。昔はヒップホップ好きはまずUS好きでもあったりしたと思うんですけど、今は国内のものを聴いてるヒップホップ好きがたくさんいるように思います。

クボタタケシ　変わったんですかね。

━━今後ヒップホップシーンはさらに大きくなると思いますか？

G.RINA　そんなヒップホップの中の人っていう意識はないから・・・。好きですとしか（笑）。とはいえオルタナティブな自分のような人間がそういったイベントに呼んでもらえたりするのは、裾野が広がっている証拠だと思います。

クボタタケシ　俺ももう、今はヒップホップシーンにいるわけではないからね。

━━今後クラブシーンにこうなっていってほしい、クラブシーンはこうなっていくんじゃないか、といった展望はありますか？

クボタタケシ　それは自然と、来てくれるお客さん、DJ達でつくりあげていきます。

G.RINA　あくまで遊ぶ場所なので、こうあるべき！ってことはなくて、ただ来た人がみんな嫌な思いをしないで安全に音楽を楽しんで帰れる場所にしたいですね。

クボタタケシ　それこそ1人でもね。

G.RINA　そうそう、1人で女の子が遊びに来ても怖い思いしないとか。そうなってきているとは思うんですけど。パリピじゃなくても大丈夫、自分なりに楽しめる場所ですよ、と。

━━徐々に日本から海外に行くこともできるようになってきました。2019年にタイのバンコクで行われたSETSUZOKUにもクボタさんは出演していましたね。

クボタタケシ　海外？　飛行機がなー、小さい頃から嫌いで。タイに行ったのもベルギーに行った以来だったから20年振りくらい。ブリストル、サンフランシスコ、香港とかからもDJのオファーがあったりしたんだけど。その頃はタバコも吸いたかったから、6時間は耐えられないと思ってね。

━━地方に行くときも新幹線なんですか？

クボタタケシ　博多も新幹線にしてもらってるくらい。

G.RINA　北海道とかはどうですか？　新幹線が通りましたけど。

クボタタケシ　北海道は泣きながら飛行機乗るよ。北海道、沖縄はもう我慢して。まあ別に大丈夫なんですけどね、できれば乗りたくないなって。

G.RINA　なにか飛行機が苦手になるきっかけがあったんですか？

クボタタケシ　トラウマになったのが9歳の頃で、家族でバンコクからクアラルンプールに旅行に行くときに乗ろうとした飛行機が全部プロペラで、その当時でもプロペラは珍しかったから「えーこれなんだ」と思って。

その日が嵐で「まあ飛ばないだろうな」と思ったけど飛ぶことになって、それがすごく揺れて。CAの方ってどんなに揺れても大丈夫じゃない？　でもCAの人もすごいことになっててだいぶ焦っていて、着いたらみんなで拍手するみたいな状況。そこから俺ダメになっちゃったんだよね。

━━最後にこの10年いろいろあった中で大変だったと思うんですけど、今後挑戦したことはありますか？

G.RINA　私は作り続けたいなって。

クボタタケシ　俺は配信のオファーが来たら出れるように頑張ろうかな（笑）。すぐじゃなくてそのうちね。今まで全部断っちゃってたから。

G.RINA　それはどうしてですか？

クボタタケシ　単純に撮られるのが苦手っていうのと、アーカイブとして残るのが嫌で。 でも世の中どうなっていくかわからないし、そんなことも気にしていられないかな。いろいろ注文つけると思うけどね（笑）。

━━向井さんは2016年に実施した初ワンマンライブ＜POOL＞で、RUNG HYANGさんをゲストに迎えていましたよね。もともとお二人はいつからお知り合いだったんですか？

向井太一（以下、向井）　10年くらい前です。確かclub asiaに＜DRAMATIC SOUL＞を観に行って、そこでSIRUPに紹介してもらったんだよね。

RUNG HYANG　そうそう。そのあとSIRUP含めた3人でカフェに行って。最近聞いた話だと、そのカフェで当時TENDREも働いていたらしいから不思議だよね（笑）。ちょうどムカタイ（向井）は音楽活動に悩んでた時期だった気がする。

向井　いろんなレーベルから声がかかっていたんですけど、自分の中で考えている時期でした。ルンさん（RUNG HYANG）は、最初出会う前にSIRUPから「泣ける曲だよ！」って“ギターを抱いて”を教えてもらったんですよ。YouTubeで聴いて泣きました。だから第一印象は「キレイなルンさん」だったんですよ。

RUNG HYANG　キレイなって（笑）。確かにあの頃はもっと丁重に扱われていた気がする……。

向井　まだ“先輩”だったから（笑）。でもヒリヒリしていて人間臭い歌詞を書けるスゴイ人、っていう印象は当時から今も変わらないです。

━━RUNG HYANGさんは向井さんの第一印象は？

RUNG HYANG　洗練されていて、何事においても知的でセンスがある人。特に音楽に関しては「その時代の音楽を聴いていたか！」みたいな驚きがあったんです。彼が初めてカバーした曲がHI-Dと聞いていて。引き出しが多く、聴く音楽の幅が当時から広かった。日本のR&Bの話とかしてたよね？

向井　した。自分は日本のR&Bがルーツにあるんですけど、同世代で日本のR&Bを通っている人って意外といなかったからね。ルンさんとコミュニケーションをとるなかで、＜DRAMATIC SOUL＞のゲストに出させてもらったり、自分の自主制作EPのリリースワンマンに出てもらったり、という交流がありました。

当時はアクティブに「自分のことを知ってほしい」と強く思っていたので、＜DRAMATIC SOUL＞に呼んでもらったときは好きなシーンと絡めてありがたかった。嬉しかったです。先輩としてプライベートの相談に乗ってもらうことも多々ありましたよ。

━━どういうことを相談していたんですか？

向井　自分が音楽性や対人関係にすごく悩んでいた時期だったんです。頼りにしている先輩だった。いまだに相談することは多い。ルンさんのことはリスペクトしているから、自分にはない意見でも「確かに」って腑に落ちちゃう説得力があるんです。同じ音楽業界というフィールドで活動していて、キャリアも経験も重ねていて、僕の気持ちを分かってくれるうえで意見をくれる。

━━RUNG HYANGさんは当時の向井さんの悩みをどう捉えていましたか？

RUNG HYANG　当時から可能性に溢れていて、オーラに満ちていたんですよ。だからこそ、自分が一番ときめく、理想とする場所に最短距離で行ってほしいと思っていました。ムカタイはすごくバランスが悪いんです（笑）。持っている才能の大きさと、本人の見積もりが合っていない。音楽のセンスも愛され方も美的感覚も、持つべきもの全て持っていて最高なんです。なのに、何も心配しなくていいシーンで、急に自信喪失してすごい深い所まで沈む。

でも、そういうバランスの悪さがあるからこそ、この人はずっとハングリーでいられるんです。「まだ自分は足りていない」っていう自分に対する欲求不満が原動力になっているんだと思います。

━━当時、RUNG HYANGさんに言われて印象に残っている言葉はありますか？

向井　僕が自信をなくしたときに「ムカタイはすごくたくさんのモノを持っているよ」って一つずつ説明してくれます。自信が一気になくなる瞬間、ルンさんが返してくれるパワーに助けられることが多々あります。

言われたことに対し自分が変わるというより、ルンさんに言われることで自分が持っているモノを再確認することが多いかもしれない。ちゃんとその人自身が持っているモノを見出して尊重してくれるのは嬉しいです。ルンヒャンゼミ（RUNG HYANGが主宰する音楽塾）でも、一人一人の弟子の持つ色を大切にしている。きっと他のアーティストにとってもルンさんの存在が救いになっていると思います。

━━その後、お二人にclaquepot氏を加えた3人によるEP『PARK』を、昨年2021年6月にリリースしましたよね。あのコラボは何がきっかけで実現したんですか？

向井　実は、先輩・後輩の垣根を超えたのはここ数年の話なんです。ファッションの趣味などをきっかけに、3人で一気に仲良くなって。「何か曲を作りたいね」と、スローペースながらもトラック制作を進めるようになりました。急展開を迎えたのはコロナ禍に入ってから。それぞれの生活がストップした時に、ルンさんから「この曲を作り切ろうよ！」って提案があったんです。

RUNG HYANG　緊急事態宣言でライブができない中、原宿のキャットストリートを歩いていたんです。日曜の昼下がりなのに、人が一人もいない。音楽を聴きながら歩いていたら、たまたま3人で作りかけていた“PARK”のデモが再生されたんですよね。

その時めちゃくちゃ切なくなりました。「なんでこんなに悲しいことが起きているんだろう」って思いながら、2人にすぐ「一緒に作ってる曲、完成させるなら今じゃない？」ってLINEしました。

向井　緊急事態宣言が明けてからすぐに入れ替わり立ち替わりスタジオに入ってレコーディングしました。気持ちが高ぶっていたのでスピードはすごく早かった。完成したらYouTubeにパッとアップして。周りの人だけじゃなく、自分自身のためにも曲を作りたいっていう一心でした。

━━“PARK”の歌詞にも当時の想いは反映されているように感じました。でも、結果的に翌年2021年6月にEPがリリースされた経緯は？

RUNG HYANG　もともとリリースするつもりがなかった、というのもあります。でも事務所もレコード会社も違うので、すぐリリースするのが難しかった……というのが大きかったかもしれないです。

向井　制作途中で「リリースしたい！」という気持ちにもなっていたんだけど、勝手に自分たちが動いて進めていたぶん提案が難しくて。曲をとりあえず増やすことを考えていました。リリースの打ち合わせをする頃には、全曲揃っているような状態だった。

RUNG HYANG　レコード会社やスタッフの方たちも、私たちの関係性を理解してくれていたのが良かった。イレギュラーながらも、会社の垣根を超えてリリースできるよう力を貸してくださった。いろんな方々のおかげで形になった気がします。

━━“So Good”のMVも3人の関係性が表れた仕上がりになっていました。MVはどのように制作されたんですか？

向井　プロジェクトの中身はほとんど事務所も関与してなくてほぼ全部DIYで作りました。自分たちで衣装を決め、ヘアメイクやフォトグラファーも自分たちの人脈から「この人がいい！」と思ったクリエイター達に直接オファーするという。

RUNG HYANG　リアルだったよね。いつものふざけた空気感がそのまま出ていて。“Flow”のMVと一緒に撮影していたんですけど、一発録りを繰り返した後の撮影になったから、スタッフ含めて全員ナチュラルハイで（笑）。ソロではできなかったことをやっていたと思う。

━━そして、今年はビルボードでのライブも実現しましたね。改めて、その時のお互いのライブで印象に残ったことを教えていただきたいです。

向井　とにかく刺激的でしたね。もはやバトルみたいな感じ（笑）。もともと個々がソロ活動をしていて、粒を立たせたいからという背景で「PARK」のプロジェクトもユニットではなく連名でのリリースにしていたんです。いざライブになると、改めて各々から「ユニットでありたくない」という気持ちが伝わってきて。びっくりするくらいステージもバラバラでした。

RUNG HYANG　他の二人には残せない爪痕を残すぞ！ って勢いでした（笑）。各々のソロライブの合間に『PARK』の楽曲を挟むような形式でしたね。

━━通常の対バンとはまた違った意味合いをもつイベントになったのではと思います。向井さんから見て、RUNG HYANGさんのライブのどういったところが面白かったですか？

向井　聞かせる力が強い。僕にはできないステージでした。ルンさんの曲って、お客さんを引っ張るというよりも、寄り添ってくれる曲なんですよね。自分の弱っている部分を肯定してくれる。相談している時の感覚がそのまま音楽に現れていて、すごく空気が変わりました。

RUNG HYANG　私から見たムカタイのライブは「とりあえず存在がでかいな」って印象。ステージに立った時の支配力が前方3〜4列目どころじゃないんです。奥まで絶対に届けにいく。普段からライブはよく見ていますが、改めてその存在感を感じ取りました。

向井　claquepotはやっぱり洗練されていました。細かいところまで計算し、自分の演出や全体の動きを一番正確に見ているんですよね。三者三様で面白かったし、お客さんもそれを楽しんでいたように思います。

お互いをリスペクトしているからこそプロとして戦うし、自己満な集まりにはなりたくなかった。制作中もいい意味でピリピリしてたしね。

RUNG HYANG　ちゃんとお客さんに披露する作品としてのエンタメ性は、3人とも常に意識していました。だからこそすごく信頼できると感じましたね。

━━今回、新たにRUNG HYANGさんと向井さん、お二人のコラボレーションによる新曲“Puzzle”が9月21日にリリースされますが、この楽曲はどういう流れで生まれたのでしょうか？

向井　3人でのEPをリリースし終わった頃に「2人でやろう」と話をしていたんですよね。

RUNG HYANG　決してclaquepotを外したいとかじゃなくて（笑）。もともと前から「一緒に作ろうよ」という話はしていたんです。それが今年に入って動き始めた感じ。

向井　結構制作期間は長かったです。一度完成したものの、メロディをごっそり一から変えたんですよ。ソロ活動でいろんなことを吸収していた時期だったから「もっといけそう」と感じていて。

RUNG HYANG　作り直しを決めてからの制作は早かったね。

━━実際に楽曲が完成して、感触はどうですか？

向井　お互いになかった要素が含まれていて新しいです。僕らの関係値を周囲も知っているからこそ、人が想像できるものは作りたくなかったんです。自分たちが思い描いた姿になったんじゃないかなって思っています。

RUNG HYANG　ムカタイのインプットが常に新しいので、メロディもより洗練された感じがします。一人ではあまりやらない遊び方も出来たし。歌い心地の良いものだけではなく、リズムやリリックで遊び、あえて声音も変えてみたりして。自分のルーティンや方程式を一度壊して臨めたと思います。「音楽で遊ぶって最高」って気持ちでしたね。

━━向井さん自身は、楽曲のどういった要素で「トレンド」を意識しますか？

向井　アクセントとリズムが一番じゃないですかね、今は。流行りはあまり気にせず自分たちの中にある新しい要素を引き出していく感じ。最近あるR&Bのプロデューサーとお話ししたんですけど、昔は流行りのビートやサンプリングをベースに作っていればよかったらしい。でも、今はジャンルの垣根がないからこそ、いろんな要素を引っ張ってきては組み合わせて壊して、という作業を延々と繰り返すらしくて。その行為自体にトレンドを感じています。

RUNG HYANG　確かに、今回の制作はもはや発明している感じでした。掛け声やリズムの刻み方ひとつをとっても、国内外の音楽シーンは常に進化し続けているんですよね。その進化の過程の中で、発声やリズムを詰め込みながら「なんだこの曲は！」というアイディアを生み出す。

そしてそれを日本語でやったらどうなるんだろう……とさらに実験を重ねる感じ。インパクトを与える要素をいかに見つけられるかが鍵になっている。絵の具を混ぜるようなものだと思っています。

向井　実は、ルンさんの活動にもその「発明する」っていう姿勢が如実に出てると感じることは多いんです。どんどん新しいアーティストを巻き込むし、作品自体、新しい要素を取り込むのに筋が通っている。古いものを古いままやらず、ちゃんと今の音に調理するところにリスペクトを感じます。

━━最近お二人が音楽を聴く中で、実験のヒントにしているアーティストは？

RUNG HYANG　特に「自分の表現に取り入れよう」とは思わず、シンプルにグッとくる作品に結果影響を受けていることが多いです。いろんな国のアーティストが出す楽曲を聴いて、声質やニュアンス、発声の仕方などを意識的に聴くことは多いかもしれません。

最近はロンドンを拠点とするシンガーソングライターのホープ・タラ（Hope Tala）や、スイスで活動するタミリアン（南インドやスリランカ北部のタミル民族）のプリヤ・ラグー（Priya Ragu）をチェックしています。プリヤ・ラグーは映像も素敵で、独自の民族性やオリジナリティーがうまくR&Bに浄化されていて面白い。あとナイジェリアのアシャ（Asa）も最近また聴き直しています。詩吟をルーツに持つ新人アーティストのバネ （bane）も好きですね。YouTubeで夜な夜な漁ったり、周りの音楽好きな仲間とプレイリストを共有したりするので常に新しい発見があります。

向井　僕は最近だとK-POPのアイドルですね。90〜00年代のR&Bが好きな人には刺さるビートなんです。でも上音やビジュアルは結びつかない。新しいことをやっているなと思います。

やっぱり、調理の仕方を間違えると滑っちゃうリスクってあるんです。ジャンルを理解したうえでどう活かすかが求められる。でも、僕自身は曲を作る時、それを飛び越えて自分から出てくる「J-POP観」にアイデンティティがあるのかな、と思います。

ロンドンのアーティストであるジェーヴォン（Jevon）の楽曲に参加した時、僕が作るメロディが「日本人が日本語で作る曲とはちょっと違うから不思議」って言われたんです。日本語の響きをコンプレックスに感じていたのですが、「それはそれで面白さになるんだ」ってやっと受け入れ始めました。

━━改めて、RUNG HYANGさんは出会った当初の向井さんと現在の姿を比べた際、どのようなところに変化を感じますか？

RUNG HYANG　元々繊細な部分はそのままに、色んなステージや経験を積んでパワーが強くなり、グルーヴも大きくなった。踊れるだけじゃなくロックテイストの強い曲も歌うようになって、骨太になった気がします。表現やお辞儀ひとつ、腕を一本伸ばすだけでも変化を感じますね。

向井　嬉しいです。自分でも強くなった実感はあるし、声帯の筋力は明らかに増えた。ステージが大きくなるにつれ自分のパフォーマンスも変わってきていて、作る曲にも影響は出ているので。

あとデビューしたての頃からレーベルの人に「ハッタリをかます」ことの大切さはずっと言われていたんです。今立つステージのサイズ以上のパフォーマンスをしろ、もっと大きなステージに立つ姿をお客さんが想像できるように動け、って。意識していたからこそ、いまルンさんに指摘されたのは嬉しかった。

━━ニ人が次に目指すステージとお互いのメッセージを。

向井　自分の中では、正直売れなければ音楽をしたくない。より多くの人に知られてほしいです。音楽的感度が高い人以外の人にも伝わればいい。そういう場所で自分の音楽ができたら世界が変わるのでは、と思っています。

RUNG HYANG　今持っている物をよりビルドアップして、目の前にある課題を粛々とクリアしていきたいですね。ステージが変わる前からお互いを知っている仲間たちがいるからこそ、ムカタイは迷った時や立ち止まりたい時に、これからもいい意味で頼ってほしいです。私も頼ると思うし。

向井　ありがたい。そして本気で戦うからこそ、良い意味でいつでもお互いを蹴落とし合おうとする関係でいたいです（笑）。